Vals

Vals Para otros usos de este término, véase Vals (desambiguación). El vals (galicismo de valse que a su vez procede del germanismo Walzer) es un elegante baile musical a ritmo lento, originario del Tirol (Austria) por el siglo XII. El vals conquistó su rango de nobleza durante los años 1760 en Viena, y se expandió rápidamente por otros países. Algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la volte, danza de baile en tres tiempos practicada durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo XVIII viene de "walzen" (girar en alemán), cuando el vals se introdujo en la ópera y en el ballet. En su origen tenía un movimiento lento aunque, en la actualidad, se ha convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más significativa es que sus compases son de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d). Así, el patrón es "F, d, d". Al oír la palabra "vals", enseguida se relaciona con música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma musical y puede estar en cualquier estilo, por ejemplo en forma de rancheras mexicanas, aunque el Swing siempre es el ritmo más usado (el cual es de 4/4, en patrón F, d, F, d). Frédéric Chopin, el gran compositor y pianista polaco, aportó una cantidad de excelentes vals para piano y, entre ellos, el vals más breve denominado Vals del Minuto. Los Strauss también destacaron como grandes compositores de vals, especialmente Johann Strauss (hijo). En Latinoamérica existen diversas variantes como el vals peruano, vals venezolano, el vals colombiano, el vals brasileño y el vals ecuatoriano con características que difieren de país a país. Podemos decir con exactitud que tanto estos compositores como otros muchos, han llegado a formar una música que ha participado en el desarrollo artístico, tan importante para los humanos. Se conocen, por ejemplo, de Tchaikovsky piezas tan famosas como el Vals de El cascanueces, el Vals de La bella durmiente o el Vals de El lago de los cisnes, del mismo modo que habremos oído piezas de Strauss tales como Sangre Vienesa, el Vals de los Novios o el Vals del Emperador

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1 Diferentes formas de los vals o 1.1 El vals vienés o 1.2 El vals francés o valse musette o 1.3 El vals tango o 1.4 El vals venezolano o 1.5 El vals peruano o 1.6 El vals mexicano o 1.7 Otras formas de vals

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2 Bibliografía

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3 Enlaces externos

[editar] Diferentes formas de los vals [editar] El vals vienés Con este nombre se conoce la danza de pasos rápidos, en un tempo que comprende entre 110 y 180 intervalos por minuto. Existen también versiones lentas (tempo de 60 a 80) denominados vals inglés o boston. En los concursos de baile, el vals vienés se atiene, en la actualidad, a dos formas: •

el estilo internacional: las parejas de baile permanecen siempre enlazadas, lo que limita el número de figuras. Este estilo de danza es mucho más elegante que:

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el estilo americano: baile mucho más libre, en este estilo la pareja puede separarse y efectuar figuras variadas.

En el estilo Ballroom internacional, en cambio, las 2 versiones de vals son más reguladas, en lo que se refiere a las velocidades. El vals vienés tiene 58 - 60 compases por minuto (174 - 180 intervalos por minuto), y el vals inglés 28 - 30 compases por minuto (84 - 90 intervalos por minuto).

[editar] El vals francés o valse musette Danza popular típica de París, que surgió en los vals musette.

[editar] El vals tango Danza argentina que se baila en tres tiempos; a esta música se le llama también tango vals o vals criollo argentino.

[editar] El vals venezolano Artículo principal: Vals venezolano

De acuerdo con Luis Felipe Ramón y Rivera, existen dos corrientes en el vals venezolano: el de salón y el popular. En el vals de salón, el instrumento favorito para su ejecución es el piano. Se enfatiza en los nombres de Manuel Azpúrua, Manuel Guadalajara, Rafael Isaza, Rogelio Caraballo y Ramón Delgado Palacios en el inicio de este género en Venezuela, y se dedicaron a la composición de vals de dos partes. A partir de esto, el compositor Antonio Lauro tomó una importante literatura del vals para la guitarra.

El vals de tradición oral, o vals popular, utiliza para su ejecución los instrumentos típicos de cada región venezolana, siendo cultivado mayormente en los Andes y el la región centrooccidental de Venezuela. En la región andina, el violín y la bandola son instrumentos solistas, acompañados de la guitarra, triple y cuatro. En Lara se ejecuta con violín, mandolina, cuatro y guitarra. La estructura musical característica de los vals populares consta de tres partes. Aún cuando muchos músicos firman sus composiciones con sus nombres, la mayoría han dejado sus creaciones en el anonimato. En la tradición popular se pueden encontrar el vals en muchos bailes y manifestaciones folklóricas, como el joropo y el tamunangue, entre otros.

[editar] El vals peruano Artículo principal: Vals peruano

Danza influenciada por los ritmos negros del Perú que se desarrolló a lo largo del siglo XX en la costa peruana, y en particular en la ciudad de Lima. Sus compositores e intérpretes más famosos fueron Felipe Pinglo Alva, Lorenzo Humberto Sotomayor, Lucho de la Cuba, Arturo Cavero, Los Morochucos, Los Embajadores Criollos, Los Troveros Criollos, Chabuca Granda, entre otros. Su auge fue en los años 40 y 50, representando entonces la mayor parte de la producción musical peruana. Sus pasos son más cortos y más cadenciados que en el vals tradicional. Suele también ser más rápido. Los vals criollos se inspiran de temas amorosos (Alma, Corazón y Vida, Nunca me faltes, Idolatría), de la idiosincrasia limeña (La Flor de la Canela, Si Lima pudiera hablar, Romance en la Parada), de temas patrióticos (Y se llama Perú, Mi Bandera) y hasta deportivos (Perú Campeón). Es hoy en día la expresión más variada del criollismo peruano. Como género ha sido últimamente renovado por obras de fusión musical chill out, o por influencia del jazz.

[editar] El vals mexicano Cuenta con dos grandes compositores del periodo del porfirismo en México: • • • • •

Juventino Rosas: Sobre las olas (Over the waves; Uber den Wellen) Enrique Mora: Vals Alejandra Ricardo Castro: Capricho Felipe Villanueva: Olímpica Macedonio Alcalá: Dios nunca muere

[editar] Otras formas de vals La música y la danza tradicionales comprenden, asimismo, otros vals más complejos que el vals de 3 tiempos, llamados vals asimétricos, en general de 5, 8 u 11 tiempos. Los tiempos suplementarios, en el paso de vals, se bailan apoyándose, alternativamente, en cada una de las piernas permitiendo, así, una ligera elevación que acentúa los giros.

[editar] Bibliografía •

Bottomer, Paul, Waltz, Susaeta Ediciones, 1999.

El vals más famoso del mundo

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En febrero del año 1867, Johann Herbeck, director del Wiener Männergesangverein, pidió a Strauss que le escribiera un vals para su coro. Herbeck llevaba mucho tiempo disgustado con el repertorio del coro masculino, que en su opinión era mediocre y gris, por lo que deseaba un vals coral "vivo y alegre" para los carnavales de aquel año. La letra la escribiría el poeta fijo de la sociedad coral. Strauss se puso al trabajo, y pronto terminó el encargo, que sería el más famoso y popular de sus cuatrocientos valses. En aquella época, reinaba en Viena una atmósfera derrotista como consecuencia de la derrota de Austria a manos de Prusia en la Guerra de las Siete Semanas en 1866. El comisario de Policía, Josef Weyl, a quien se encargó la letra del vals, aprovechó la oportunidad para manifestar sus sentimientos políticos. A los componentes del coro no les gustó la letra, y la protestaron ruidosamente cuando tuvieron que ensayar la canción. Su indignación envolvía también a la música. Pero Herbeck y el patró de las artes, Nikolas Dumba, a quien estaba dedicado el vals, consiguieron apaciguarlos y que no ofendieran a Strauss. El día 13 de febrero de 1867, el vals se estrenó en la Sala Diana, bajo la batuta de Rudolf Weinburm. La orquesta creada por los hermanos Josef y Eduard Strauss, acompañó al coro. Aunque el vals fue bien, pasó de mediano. Strauss comentó con su hermano Josef: "Que el diablo se lleve el dichoso vals. Sólo lo siento por la coda, que pensé habría de gustar más". Pero cuando el propio Strauss en persona dirigió el vals (sin coro), en la Exposición Universal de París, en el verano del mismo año, el éxito fue enorme, y rápidamente alcanzó una tremenda popularidad. Invitado por el Príncipe de Gales, Strauss lo dirigió en Inglaterra, donde fue ejecutado en seis conciertos en el Covent Garden. Unas semanas después salía para todos los rincones del mundo un millón de ejemplares de la partitura impresa. Las planchas de cobre que se utilizaban en aquel tiempo para la impresión musical, sólo podían utilizarse para 10.000 ejemplares, número excesivo incluso para las melodías más populares. Sin embargo, fue necesario grabar cien planchas para la edición de El bello Danubio azul. Franz von Gernerth escribió una nueva letra que dice: "¡Danubio azul! A través de valles y praderas corren tus ondas muellemente. Nuestra Viena te saluda. Tu cinta plateada enlaza playas y playas, y los corazones felices cantan a lo largo de tus hermosas orillas". Se hicieron varias traducciones inglesas, una de ellas por Charles Dunn. Francia también tiene su versión. El compositor Wekerlin lo adaptó para una sola voz con letra de Jules Barbier.

Hoy, El Danubio

Azul es considerada una de las más populares piezas de la música clásica. Las connotaciones sentimentales vienesas, lo han convertido en el segundo himno nacional austriaco, y es uno de los "bises" indiscutibles del Concierto de Año Nuevo de Viena. oc.

Vals. Cómo bailar un vals. Historia y origen. • • • • • • • • • •

El origen de su nombre viene del término "walzen" (en alemán girar). Imprimir Enviar A

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Bailes Celebraciones Historia-Origen General Contemporaneo protocolo.org

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El vals es un ritmo de tres tiempos en un compás. Es el baile de salón por excelencia, el clásico baile de salón y el que bailan los novios en el día de su boda. El origen de su nombre viene del término "walzen" (en alemán girar). Sus orígenes no están bien determinados ya que según unos autores datan de los siglos XII y XIII, basándose en un baile que era conocido como "Nachtnaz"; pero otros autores indican que puede provenir de antiguas danzas germanas medievales y de una danza francesa conocida como "carmaglone". Una de los orígenes más aceptados es que el vals tiene su origen en los landler, danzas montañesas y rústicas del sur de Alemania y de Austria, que eran bailadas en un lento compás de tres tiempos, en la que las parejas bailaban girando continuamente. Este baile, el landler, al igual que otras danzas de origen campesinas y folclóricas, no eran admitidas por la alta sociedad, pero a finales del siglo XVIII, empieza a ser bailado por la burguesía y la nobleza en los salones y empieza a ser considerado como un baile de salón. El vals puede tener un origen distinto, si entramos a considerar la diferencias que algunos expertos hacen del mismo: hay quienes afirman que hay un vals vienés, otro inglés y otro francés. No vamos a entrar en discusiones, pues aquí solo queremos dar una pequeña reseña del baile y enseñarlo a bailar nada más. Este baile condenado por inmoral en algún período de la historia (allá por los años 18121813) fue posteriormente aceptado como baile de salón y surgieron diversas variantes del mismo, que como hemos comentado, la más importante es la que derivó del vals Vienés, al vals Inglés, un vals más lento (este baile, parece ser que fue importado de los Estados Unidos y su origen se tiene documentado en la ciudad de Boston; en Inglaterra lo introdujo un conocido club: el Club de Boston). Después de la Segunda Guerra Mundial, es cuando el vals comienza a conocer todo su auténtico esplendor, y es bailado en grandes fiestas y acontecimientos sociales. El vals Vienés es más rápido (60 compases por minuto) mientras que el Inglés es más reposado (30 compases por minuto). Entre la música de vals más conocida está, sin lugar a dudas, El Danubio Azul, de Johann Strauss. También podemos destacar otros vals famosos como Sangre Vienesa, también de

Johann Staruss, el Vals del Emperador, el Vals del Murciélago y otras muchas piezas que podemos encontrar de los más diversos autores. El vals se baila con una pose elegante y erguida. Se debe estar completamente recto, y tratando de no mover ni los hombros, ni los brazos, ni las caderas. La mano derecha del caballero se sitúa en la espalda de la señora (a la altura del homóplato izquierdo). La mano izquierda del caballero sujeta a la mano izquierda de la señora, que apoya su brazo sobre el del caballero. En el vals sólo tenemos que dar un paso por cada tiempo musical, sabiendo que el vals es un ritmo de 3x4. Vamos a empezar con los primeros pasos, los más básicos y sencillos. Comenzaremos con pasos rectos hacia adelante y hacia atrás, en un movimiento de vaivén. Lo primero es juntar los pies, colocarlos rectos y paralelos entre si. El primer movimiento es dar un paso adelante con el pie derecho.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Luego damos un paso adelante con el pie izquierdo y lo colocamos junto al pie derecho (y paralelo a él).

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Con el pie derecho damos un paso sobre si mismo (que consiste en levantar el pie y dejarlo de nuevo en la misma posición al bajar).

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Ahora vamos a hacer los pasos contrarios (es decir, vamos a volver a la posición inicial). Damos un paso atrás con el pie izquierdo.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Ahora, damos un paso atrás con el pie derecho y lo situamos paralelo al pie izquierdo.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Y damos un paso sobre si mismo con el pie izquierdo (recuerde, levantar y dejar el pie en el mismo sitio).

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

En este segundo bloque vamos a realizar algún paso algo más complicado y vamos a comenzar con algunos giros. Partimos de la misma posición anterior; los dos pies juntos y paralelos entre si. Adelantamos el pie derecho hacia adelante, pero girando el mismo 90º para dejarlo en posición perpendicular a nuestra posición inicial.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Hacemos lo mismo con el pie izquierdo, damos un paso adelante girando 90º y dejándolo junto al pie derecho (perpendicular a la posición inicial).

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Y en la posición en la que estamos, hacemos un paso sobre mismo con el pie derecho (es decir, levantar y apoyar el pie en el mismo sitio en el que está).

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Ahora vamos a volver a nuestra posición inicial, por el siguiente orden; con el pie izquierdo damos un paso hacia atrás girando –90º es decir, devolviéndolo a la posición inicial de partida.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Hacemos lo mismo con el pie derecho, dando un paso atrás y girando –90º y volviendo a la posición inicial y paralelo al pie izquierdo.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Y con el pie izquierdo damos un paso sobre mismo (levantar y apoyar el pie en el mismo sitio) para terminar esta serie.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Para practicar, repetimos esta serie varias veces, hasta que nos veamos sueltos con ella. Ahora vamos a describir el círculo completo, a base de las series que hemos aprendido anteriormente. Partiendo de una posición inicial con los pies juntos hacemos la serie uno (pie derecho adelante girando 90º, pie izquierdo adelante girando 90º y paso sobre si mismo con el pie derecho, levantar y apoyar el pie en el mismo sitio). Para le serie dos en vez de volver a la posición inicial, vamos a la posición frontal a la inicial (la posición inicial vista en un espejo). Damos un paso atrás con el pie izquierdo, pero en vez de hacia abajo hacia arriba (mirando al frente de la posición inicial); hacemos lo mismo con el pie derecho, un paso hacia atrás y hacia; y por último damos el paso sobre si mismo con el pie izquierdo (levantar y apoyar el pie en el mismo lugar). Para la tercera serie damos un paso adelante con el pie derecho pero en vez de girar hacia la izquierda (este) lo damos girando a la derecha (oeste). Lo mismo hacemos con el pie izquierdo hasta dejarlo en paralelo con el pie derecho, Y por último damos el paso sobre si mismo del pie derecho. Para la última serie, la serie cuatro, damos un paso con el izquierdo girando hacia abajo (para volver a la posición inicial de partida), luego hacemos lo mismo con el pie derecho, y por último damos el paso sobre si mismo con el pie izquierdo.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Para tener soltura debemos practicar repetidamente estas series para lograr cierta agilidad en los giros. Los pasos hasta ahora descritos son para una sola persona. Cuando empecemos a practicar por parejas, debemos recordar dos puntos muy importantes: - Cuando el hombre se mueve hacia la derecha la mujer se mueve hacia la izquierda. - Cuando el hombre da un paso adelante la mujer lo da hacia atrás. La pareja de baile se coloca uno frente al otro; el hombre ligeramente desplazado hacia la derecha para que al avanzar su pie lo pueda colocar entre los pies de la señora. Ambos cuerpos deben estar bien erguidos. Para darle una mayor realce al baile, darle esa sensación de flotar y deslizarse por la pista, debemos saber que en el primer tiempo se apoya todo el pie, en el segundo la punta y en el tercero la punta y luego el talón. En un principio es mejor practicar los giros y movimientos sin tener en cuenta este detalle: cuando lo dominemos, podemos empezar a plantearnos ocuparnos de estos detalles sobre la forma de pisar. Para practicar estas figuras vamos a dar una serie de pasos muy parecidos a los ya dados, pero con algunas diferencias: el apoyo del pie. Con el pie derecho damos un paso adelante y dejamos el pie totalmente apoyado.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Con el pie izquierdo damos también un paso adelante, pero desplazándolo hacia la izquierda, dejando la piernas abiertas y apoyando solo la punta del pie.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Y por último llevamos el pie derecho junto al pie izquierdo, apoyando primero la punta y luego el tacón, con lo que completamos la serie, y dejamos ambos pies juntos.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Ahora vamos a dar los pasos para volver a la posición inicial. Damos un paso atrás con el pie izquierdo, apoyando todo el pie.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Con el pie derecho damos un paso hacia atrás desplazándolo hacia la izquierda (dejando la piernas abiertas) y apoyando solo la punta del pie.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Y por último llevamos el pie izquierdo con el derecho, apoyando primero la punta y luego el tacón, dejando ambos pies en la posición inicial, juntos.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Ahora hacemos este mismo ejercicio, tal y como lo hicimos cuando explicamos las 4 series conjuntas para hacer un giro completo de cuatro series. Es la forma de hacer recorridos completos, pero teniendo en cuenta el modo de apoyar el pie (punta, tacón, apoyo completo), para dar esa sensación de sube y baja del vals. Serie uno movimiento hacia la derecha, serie dos hacia arriba, serie tres hacia la izquierda y serie cuatro de nuevo a la posición inicial.

Vals. Como bailar un vals. Historia y origen.

Ahora la mejor forma que tenemos de aprender es practicar todo lo que podamos, tanto solos como acompañados de una buena pareja de baile. Este baile le ayudará a triunfar en sociedad.

Salsa (género musical) salsa Orígenes musicales

Son montuno, mambo, rumba

Orígenes culturales

Nueva York, Cuba, Puerto Rico

Instrumentos comunes

Instrumentos de percusión, de viento y de cuerda

Popularidad

Alta desde los años setenta Subgéneros Salsa romántica, salsa dura

Salsa es un ritmo, un género y una cultura musical, desarrollada por músicos de origen antillano, que presenta las siguientes características: • • • •

Ritmo: Utiliza como base el mismo patrón rítmico del son cubano, con clave de son en dos compases de 4/4. Melodía: Presenta una mezcla de rasgos melódicos cubanos con rasgos melódicos del jazz convencional y del folclor latino. Armonía: Acopla rasgos armónicos cubanos con ciertos rasgos de jazz y otras músicas latinas. Instrumentación: Usa instrumentos cubanos popularizados desde los años 20's: pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones sólo se usaba una), conga (se diferenciaba de otros tambores afrolatinos por su herraje de afinación), y los instrumentos piano, contrabajo (en algunos casos bajo eléctrico), trompeta, saxofón (sobre todo barítono) y trombón (en algunos casos y sobre todo en salsa tradicional, se utilizaba la flauta traversa y el violín).

Como género agrupa a otros subgéneros como la salsa dura o la salsa romántica. La salsa fue la síntesis de influencias musicales nativas antillanas, como la danza, la contradanza, la plena, la habanera, el danzón, la guaracha, el guaguancó, el mambo, chachachá y el son montuno, indistinguibles para la mayoría de la gente.

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1 Características 2 Ritmo 3 La palabra «salsa» 4 Historia y expansión o 4.1 Orígenes o 4.2 Años setenta o 4.3 Años ochenta o 4.4 1990 al presente o 4.5 La irrupción de la sensualidad o 4.6 Decaimiento de la sensualidad y escena actual 5 Algunos exponentes significativos de la salsa (países en orden alfabético) 6 Países con mayor influencia de la salsa o 6.1 Salsa en Cuba o 6.2 Salsa combinada con otros ritmos 7 Formas de baile o 7.1 Forma de baile cubana o 7.2 Forma de baile puertorriqueña o 7.3 Otras formas de baile 8 Referencias 9 Bibliografía

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10 Véase también

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11 Enlaces externos

[editar] Características El autor Ed Morales define la salsa como «un nuevo giro de los ritmos tradicionales de la música caribeña» de los 60, «la voz cultural de una nueva generación» y «una representación de la identidad latina en Nueva York». Morales también cita al cantante y trombonista Willie Colón: La salsa es en verdad «un concepto» que se opone a un género o ritmo definidos.[cita requerida] Algunos músico dudan que el término «salsa» tenga un significado útil para todo, como el director Machito, quien afirmaba erróneamente que la salsa es, más o menos, lo que él había tocado durante 40 años (1930-1970) antes que el género musical se denominara así.1 El célebre músico newyorkino, y de ascendencia boricua, Tito Puente, afirmaba que «la salsa, como ritmo o música, no existe. La salsa se come; no se ve, no se oye, no se baila. La música que llaman salsa es la que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chachachá, bolero, guaguancó...». Ed Morales afirma que las bases del origen de la salsa fueron el uso del trombón como un complemento melódico, el solista y un sonido más agresivo de lo normal en la música cubana.2

[editar] Ritmo Se estructura en dos compases de 4/4, o sea 8 tiempos. Un elemento rítmico que forma la base es la clave de son cubano, 3-2. Los tres primeros golpes son un tresillo que ocupan el espacio del primer compás y los dos segundos golpes coinciden con el 6 y 7 de la cuenta de la frase: - 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8.(cuenta). - +.. +.. +... +. +...(+ = golpe de clave) El asterisco [+] representa el golpe de las claves, y el punto [.] representa la subdivisión de cada pulso. La clave también puede hacer un tiempo 2-3 con el tresillo en el segundo compás: - 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8.(cuenta). -.. +. +... +.. +.. +.(+ = golpe de clave)

La clave no siempre se toca directamente pero forma la base que muchos otros instrumentos de percusión también como la canción y el acompañamiento usa como ritmo común para sus propias frases. Por ejemplo, éste es el ritmo común de la campana 1.2.3.4.5.6.7.8. (cuenta) +.*.+.**+.**+.** (+/*= golpes de campana grave/agudo)

[editar] La palabra «salsa»

La salsa es todo un acontecimiento social en la mayoría de países de Latinoamérica. «Salsa» significa ‘aderezo’ en español, popularmente se ha adoptado como una palabra asociada metafóricamente con el sabor, la alegría y la fuerza de la vida. En 1933, el músico cubano Ignacio Piñeiro utiliza por primera vez un término relacionado, en un tema del son cubano titulado «Échale Salsita». A mediados de los años 40's el cubano Cheo Marquetti emigra a México. De regreso en Cuba, con influencia de las salsas picantes de comida, le da de nombre a su agrupación Conjunto los Salseros, con quienes grabó un par de discos para Disqueras Panart y Egrem. En 1957 viaja a Venezuela y se empieza a designar salseros a los intérpretes de música sonera. La autora de música mundial Sue Steward afirma que la palabra fue originalmente usada en la música como un «llanto de apreciación para un picante particular o un solo rápido», viniendo a describir un género de música específico de la mitad de los años setenta «cuando un grupo de músicos latinos de Nueva York, comenzó a examinar los arreglos de las

grandes bandas clásicas populares desde la era del mambo de los años cuarenta y cincuenta». Ella menciona que la primera persona que usó el término «salsa» para referirse a este género musical fue un Disc-Jockey de radio venezolano de nombre Phidias Danilo Escalona quien emitía un programa radial matutino llamado "La hora de la salsa" en el que se difundía la música latina producida en Nueva York como una respuesta al bombardeo de la musica rock en aquellos días (la beatlemanía). Era la hora del almuerzo, del aderezo, del sabor, y por supuesto, del son, el guaguancó, la bomba, la plena, la guaracha y el montuno. En una entrevista con Richie Ray y Bobby Cruz, Richie le respondió a Escalona que la música que ellos tocaban era como el "ketchup" (o sea, una salsa). Pero no es sino hasta los años 70´s cuando se diera el "boom" terminológico de la palabra "salsa" como definición de un género musical, por la colaboración e invención de la famosa orquesta Fania All-Stars dirigida por el dominicano Johnny Pacheco quien junto al desaparecido abogado Jerry Masucci fundarían el importante sello salsero Fania Records. Ed Morales también menciona la palabra usada para animar una banda que incrementa el tempo y «pone a los bailarines en una parte alta» para agradecer un momento musical (y) expresar un tipo de nacionalismo cultural, proclamando el calor y sabor de la cultura latina»;1 él también menciona a Johnny Pacheco, un músico dominicano que realizó un álbum llamado Salsa Na' Ma, que Morales tradujo como «Sólo necesitas un poquito de salsa o condimento».

[editar] Historia y expansión Entre los años treinta, cuarenta y cincuenta, la música cubana allí se fue desenvolviendo a través géneros nuevos derivados primariamente del son y la rumba, mientras que los cubanos en Nueva York, vivían entre muchos latinos de Puerto Rico y otros países que comenzaron a tocar géneros propios distintivos, influenciados por la música afrolatina. La salsa evolucionó a fines de los años setenta y en los años ochenta y noventa. Nuevos instrumentos, nuevos métodos y formas musicales (como la música de Brasil) fueron adaptados a la salsa. Nuevos subgéneros aparecieron como las dulces canciones de amor de la salsa romántica. Mientras tanto la salsa se convirtió en parte importante de la escena musical en Colombia, Ecuador, Venezuela, Panamá y tan lejos como Japón. A la llegada del siglo XXI, la salsa se ha convertido en una de las formas más importantes de la música popular en el mundo.

[editar] Orígenes En los años 30's, los septetos y sextetos (que solo usaban bongos) eran muy populares en Cuba, pero Machado prohibió el uso de los bongos, por lo que las charangas (que solo usaban timbales) se popularizaron. Algunas agrupaciones se presentaron en Estados Unidos. La censura fue levantada en los finales de los años 30's y los bongos fueron

utilizados otra vez. Cerca de 1940, el Conjunto Llave de Rafael Ortiz introdujo las tumbadoras (congas) en una orquesta, que anteriormente solamente se tocaban en música folclórica afro-cubana. Arsenio Rodríguez las popularizó al integrarlas a su conjunto, que introduce el son montuno a nivel comercial.3 La integración de las tumbadoras y bongos en los conjuntos que tocaban son montuno sería uno de las fuentes iniciales de la instrumentación de orquestas de baile. En la ciudad de Nueva York, el estilo cubano de las bandas fue formado por cubanos, portorriqueños y dominicanos. Se puede nombrar a Xavier Cugat, Machito, Tito Puente, Johnny Pacheco y Tito Rodríguez y fuera de Nueva York a Sonora Matancera, Orquesta Aragón y Dámaso Pérez Prado.4 El mambo fue muy influenciado por el jazz y fueron las grandes bandas de mambo las que mantuvieron viva la larga tradición del jazz mientras los maestros originales del jazz se estaban moviendo en las pequeñas áreas de la era del bebop.5 En los años cincuenta, la música bailable cubana, como el mambo, la rumba y el chachachá, fueron música de corriente principal en los Estados Unidos y Europa.6 La música cubana interpretada en Nueva York desde 1960 fue liderada por músicos como Ray Barretto y Eddie Palmieri, influenciados por ritmos cubanos importados (como la pachanga y el chachachá). Si bien después de la crisis de los misiles de 1962, el contacto cubano-estadounidense decayó profundamente,5 el resultado fue el crecimiento de la influencia puertorriqueña en la música cubana desarrollada en Nueva York. La comunidad portorriqueña de Nueva York, llamada por los estadounidenses Nuyoricans, influenciada por muchas culturas latinas, así como por el contacto cercano con reconocidas celebridades cubanas (Miguelito Valdés, Chano Pozo, Arsenio Rodríguez) se hizo del liderazgo del desarrollo musical de la futura salsa.5

Orquesta de salsa. De cualquier forma, se dice que el crecimiento de la salsa moderna comenzó en las calles de Nueva York a finales de los años sesenta y principios de los setenta. Por esta época, el pop latino no tomó una fuerza importante en la música estadounidense, al perder terreno frente al doo wop, al R&B y al rock and roll; pero hubo unos pocos ritmos jóvenes para

danzas latinas tales como el soul y la fusión de mambo boogaloo, pero la música latina dejó de ser parte importante de la música popular estadounidense.7 Con la salsa se originó una nueva corriente musical, en la que colaboraron músicos de muchos países diferentes de América Latina. Sin embargo, se pueden identificar a sus precursores en la historia de la música. Manhattan Recording Company, Fania Records, introdujo muchos de los primeros cantantes y músicos de la primera generación al mundo.8 Fundada por el flautista dominicano y líder de banda Johnny Pacheco y Jerry Masucci, la ilustre carrera de la Fania comenzó con Larry Harlow, El Malo de Willie Colón y el «Cantante de los Cantantes», Héctor Lavoe en 1967.8 Esto fue seguido por una serie de modernos son montuno y plena que se desarrolló en la salsa en 1973. Casi al mismo tiempo surgieron más centros de la salsa en Puerto Rico, República Dominicana, Ecuador, Panamá, Venezuela Colombia y Perú, En Estados Unidos el boogaloo precedió a la salsa, la cual —después de un corto apogeo— lo sustituyó casi completamente. Por razón de los muchos inmigrantes cubanos en Estados Unidos, Miami se convirtió en la segunda gran metrópoli de la música cubana y de su versión panlatinoamericana: la salsa. Contrariamente a Nueva York, la comunidad cubana determinó mucho más la vida en Miami, así que la feria en la Calle 8 casi ha aventajado al festival tradicional en el Madison Square Garden. Desde Nueva York la ola de salsa se derramó primero en América Latina, y en los años ochenta hacia Europa. Debido a los muchos emigrantes de Perú, Ecuador se fundaron también importantes enclaves de salsa en Japón. Fue el sello Fania Records, de Johnny Pacheco y Jerry Massucci quien dio el espaldarazo a este género al grabar y distribuir los discos de la gran mayoría de las estrellas salseras de los años setenta. La agrupación de todas esas estrellas formaron la Fania All Stars, considerada por muchos como la máxima expresión de la salsa, que realizó inolvidables conciertos en varios clubes neoyorquinos así como en lugares alejados como Japón y África.

[editar] Años setenta Desde Nueva York, la salsa se expandió rápidamente a Puerto Rico, Venezuela, Colombia, Panamá, República Dominicana, México y otros países latinos (excepto Cuba, debido al embargo norteamericano). Mientras tanto, el nuevo estilo se convirtio en un simbolo de orgullo e identidad cultural para los latinos. Músicos y cantantes como Tito Puente, Héctor Lavoe, Willie Colon y Celia Cruz solidificaron sus nombres no solo en hogares latinos estadounidense sino sobre todo en el Caribe. Después, grupos como el El Gran Combo, Roberto Roena Y Su Apollo Sound y La Sonora Ponceña entre otros, los siguieron. En Estados Unidos el boogaloo precedió a la salsa, la cual —después de un corto apogeo— lo sustituyó casi completamente.

Por razón de los muchos inmigrantes cubanos en Estados Unidos, Miami se convirtió en la segunda gran metrópoli de la música cubana, y por consiguiente, de la salsa. Contrariamente a Nueva York, la comunidad cubana determinó mucho más la vida en Miami, así que la feria en la Calle 8 casi ha aventajado al festival tradicional en el Madison Square Garden. Desde Nueva York la ola de salsa se derramó primero por América Latina, y en los años ochenta hacia Europa. Debido a los muchos emigrantes de Perú, Ecuador se fundaron también importantes enclaves de salsa en Japón. En los años setenta se produjeron muchas innovaciones musicales entre músicos salseros. El cuatro puertorriqueño fue introducido por Yomo Toro y el piano eléctrico por Larry Harlow, mientras vocalistas como Cheo Feliciano, Soledad Bravo, y Celia Cruz adaptaron canciones brasileras al género. Ray Barretto, Típica 73, Conjunto Clásico, Rubén Blades, La Dimensión Latina con Oscar D'Leon y Eddie Palmieri fueron otros artistas importantes de la era, mientras Fruko puso influencias colombianas a la salsa y trajo la música a su tierra. En los años ochenta, Fania Records dejó de ser el líder de la salsa, pues se vio debilitada por TH-Rodven y RMM.

[editar] Años ochenta Surge la llamada «salsa romántica», que es un ritmo popular en Nueva York a finales de los años sesenta pero el despegue definitivo se da en los años ochenta. Este género se caracteriza por las melodías lentas y las letras con corte de amor, de sueños y placeres. Recientemente se publicó en un artículo que un músico de la costa oeste de los Estados Unidos, el líder de la orquesta La Palabra, se adjudica con hechos la paternidad de este género, que no es otra cosa que re-grabar baladas en ritmo de salsa. Pero por esos azares de la vida y la industria disquera, es Louie Ramírez y su grupo Noches Calientes quien de manera casi accidental crea la fiebre en Nueva York en el año 1983. Es considerado el inicio de esta era, que pronto fue dominada por las estrellas puertorriqueñas como Frankie Ruiz, Eddie Santiago, Paquito Guzmán y que decir del romántico y maestro de jazz; Willie Gonzales y el muy talentoso nicaragüense Luis Enrique que a finales de los años ochenta y comienzos de los noventa le dio a la salsa un toque muy especial recibiendo la admiración de sus comtenporáneos. Finalizando 1980, la salsa fue influenciada por el rap latino y la desarrollaron artistas como Willie Colón y Sergio George regresando la música a sus raíces del mambo y agregando una sección prominente de trombón. Durante 1980 la salsa se expandió a México, Argentina, Europa y Japón, donde fue popularizado por la famosa Orquesta de la Luz u Orchestra of the Sun, también se volvió famosa en muchos países latinoamericanos. Colombia aportó muchas innovaciones de salsa a través de orquestas tradicionales de los años setenta como Fruko y sus Tesos y Latin Brothers, y otras de los ochenta como Los Nemus del Pacífico, Grupo Niche, La Misma Gente, Los Titanes, Orquesta Guayacán, Los Niches (formado por algunos ex-integrantes del Grupo Niche) y Son de Cali (formado por Javier Vasquez y Willie Garcia, dos excantantes del Grupo Niche). Joe Arroyo (anteriormente cantante de Fruko y sus Tesos) agregó influencias de cumbia. El cubano Roberto Torres y el colombiano Humberto Corredor Guajiro Records inventaron el concepto la charanga-vallenata en los años ochenta, haciendo de Miami un centro de

salsa. La salsa de Venezuela también se volvió popular, especialmente Oscar D'León, mientras que otros, como Nelson Pueblo, agregaban influencias de música llanera nativa. El puertorriqueño Cano Estremera al separarse de Bobby Valentin se convirtió en otro cantante popular de salsa en la segunda mitad de 1980. El embate de la salsa en México comienza con diversas orquestas de ritmos afrocubanos desde décadas anteriores, entre éstas orquestas estaban la Sonora Matancera y la Sonora Maracaibo, y por parte de México la Sonora Santanera, más tarde, el grupo Yímbola Combo a finales de los años setenta graba para Discos Gas varios LP de salsa, primera agrupación mexicana en el género, años después llegarían otras agrupaciones colombianas como Fruko y sus Tesos a través de Discos Peerless bajo licencia de Discos Fuentes de Colombia, pero su implantación definitiva fue cuando Discos Musart emite la mítica serie de LP llamada "Salsa Colección Estelar" en el año de 1988, de ahí en adelante la Salsa goza de mayor popularidad que desbanca a la Cumbia que era el ritmo predominante en ese país.

[editar] 1990 al presente Volviendo a Cuba, del son evolucionó al ritmo de songo y fue inventada por bandas como Los Van Van y NG La Banda. En 1990 a esta forma de "salsa cubana" se le llamó timba y se volvió popular a través del mundo. Otra forma de salsa cubana es el songo-salsa, con mucho rapeo. La salsa registró un crecimiento regular entre los años setenta y el 2000 y ahora es popular en muchos países latinoamericanos y algunos espacios del mercado estadounidense. Entre los cantantes y grupos destacados en los años noventa encontramos a figuras como Luis Enrique, Jerry Rivera, Marc Anthony, La India, DLG, Gilberto Santa Rosa, Víctor Manuelle, Michael Stuart, Celia Cruz, Maelo Ruiz. De Venezuela la orquesta Los Adolescentes, etc. Las más recientes innovaciones en este género incluyen híbridos como el merengue-house y salsa-rengue, junto con la salsa gorda. Desde mediados de 1990, los artistas africanos también han estado muy activos a través del súper grupo Africando, donde los músicos neoyorquinos mezclan con cantantes africanos tales como Bambino Diabate, Ricardo Lemvo, Ismael Lo y Salif Keita. La Salsa es solo uno de muchos géneros latinos que ha venido siendo influenciado por músicas del oeste africano.

[editar] La irrupción de la sensualidad Los sonidos de la salsa clásica son fuertes, con preeminencia de los «cueros» (la percusión), los metales (instrumentos de viento de metal) y el piano, que se mezclaban en unos solos conocidos como «descargas», que eran excelentes muestras de virtuosismo técnico en el manejo de los instrumentos.

Sin embargo, a partir de los años ochenta, la salsa fue dejando los sonidos fuertes y las descargas furiosas para entrar en un sonido más cadencioso y melódico, que posibilitaba el baile más lento. Esta música se acompañó de letras con abundantes referencias al amor y al erotismo como motivo principal y, en algunos casos, excluyente. Esta música fue denominada «salsa erótica» y tuvo como máximos exponentes a Eddie Santiago,Frankie Ruiz, Willi Gonzales (cantante)y Luis Enrique. La categorización de la salsa erótica trajo como consecuencia que se denomine al subgénero anterior como «salsa dura», misma que sufrió una baja de producción (en cantidad mas no en calidad) y de popularidad a la par que el nuevo género se consolidó.

[editar] Decaimiento de la sensualidad y escena actual A fines de los años noventa la salsa erótica empezó a declinar en popularidad, lo que se debió principalmente al fuerte impulso de otros ritmos caribeños como el merengue dominicano y la bachata en diveros países de Norteamérica, centro y parte de Suramérica, trayendo aparejada la desaparición del sello RMM de producciones netamente románticas. Para ese entonces la salsa había perdido a muchos de sus grandes baluartes, ya sea por fallecimiento (Héctor Lavoe, Ismael Rivera), como por reorientación de sus carreras al jazz latino (Ray Barretto, Eddie Palmieri) como por la realización de grabaciones cada vez más espaciadas de quienes continuaron en el género (Rubén Blades, Willie Colón, Johnny Pacheco). El fin de siglo trajo un resurgir de la salsa dura (que en los años noventa estuvo representada apenas por Manny Oquendo y Libre) de la mano de grabaciones para sellos independientes o minúsculos. Fue el caso de Orquesta La 33, que acentuó la salsa con la fuerza del mambo, Los Soneros del Barrio y Jimmy Bosch que volvió a dar protagonismo al trombón, dando así el puntapié inicial para la reinstalación del sonido de la "escuela vieja" en el género.

[editar] Algunos exponentes significativos de la salsa (países en orden alfabético) •

Anexo:Exponentes significativos de la música Salsa

[editar] Países con mayor influencia de la salsa •

Colombia: en todo el territorio colombiano se baila salsa, especialmente en ciudades como Cali, Quibdó, Medellín, Bogotá, Barranquilla y Cartagena. Celebrándose en ellas el Festival Mundial de la Salsa en Cali, el festival Salsa al parque en Bogotá y el Festival Mundial de la Salsa en Barranquilla. Hay que destacar que Cali, fue nombrada La capital mundial de la Salsa. Tambien en esta ciudad tienen lugares destinados a diversas academias de Salsa que han ganado diversas competencias internacionales, dando a lugar a Cali como una de las ciudades mas condecoradas con estos premios y donde la Salsa ocupa el estatus de industria cultural.

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Puerto Rico: en todo el país se oye y se baila la salsa y se ha influenciado por ritmos locales como la bomba, la plena y la música jíbara. República Dominicana: en todo el territorio se baila salsa, especialmente en los barrios de Santo Domingo. Ecuador: en todo el país se baila y se escucha salsa; además se destacan los Festivales Internacionales de Salsa en el Jardín de Eventos en Guayaquil. Guatemala: En la ciudad de guatemala se baila mucha salsa, en el resto del país no tanto. Estados Unidos: en las ciudades con mayor cantidad de latinoamericanos (Miami, Los Ángeles, Nueva York). México: se escucha en la parte central del país y en la región sur del Golfo de México. Se baila en los estados de Veracruz, Oaxaca, Tabasco, Campeche, Yucatan, Quintana Roo y en la capital impuesta directamente por los sonideros. Perú:Se escucha y baila en mayor medida en el norte peruano y en la capital Lima, pero con mayores seguidores en el puerto del Callao, de aqui es donde es famoso el Festival Internacional Chim Pum Callao, en los distritos de La Victoria, Barrios Altos, Rímac también conocido como " El Rico Rímac", ya que es asociada un sector de la población de nivel socio-económico bajo. Panamá: en todo el país se baila salsa. Venezuela: en todo el país se baila salsa. Especialmente en Caracas, Maracaibo, Barquisimeto,Valencia y Puerto la Cruz, en donde la salsa se ve influenciada por varios ritmos locales como la Gaita (Gaita zuliana) y el banduco. Bolivia: Existen discotecas destinados a bailar salsa y merengue, especialmente en Santa Cruz de la Sierra. No tanto en otras ciudades. Chile: Existen discotecas destinados a bailar salsa a lo largo del país, sobre todo en Santiago. Costa Rica: en todo el país se baila salsa, existen numerosas escuelas y salones para bailar Salsa y otros ritmos latinos a lo largo del país.

En Toronto se realiza el festival Salsa on St. Clair, al que asiste generalmente la comunidad hispana. Japon: de este paiz surgio la recordada Orquesta de la Luz y su exitoso tema Salsa caliente del Japon. En la ciudad de Fukuoka, se realiza tambien el festival Isla de Salsa.

[editar] Salsa en Cuba Con poca permeabilidad del régimen cubano a la música realizada fuera de la isla, la salsa cubana no compartió el mismo desarrollo ya que —en vez de mezclarse y enriquecerse de otros ritmos— fue progresando en sus propios ritmos. La salsa cubana recibió muy poca influencia de la salsa erótica, pero evolucionó hacia un nuevo género que no es ajeno a las referencias al amor y al erotismo en sus letras. Pero la música, en apariencia más ligera, no se alejó del virtuosismo que siempre caracterizó a Cuba y nos brinda piezas musicales que ofrecen una mixtura de sonidos, solos, «descargas» y claves de muy buena factura. Este género fue bautizado como «timba».

Bandas como Juan Formell y los Van Van, Chucho Valdés e Irakere, José Luis Cortés y NG la Banda, Juan Carlos Alfonso y su Dan Den, Manolito y su Trabuco, Paulo FG y su Elite y David Calzado y La Charanga Habanera llevan el sonido «timbero» más allá de la isla y en los últimos años fueron recibidos con beneplácito por el pueblo salsero.

[editar] Salsa combinada con otros ritmos La salsa por sí misma ya es una consolidación y combinación de ritmos afrocubanos, pero la misma ha sido a través del tiempo combinada con otros géneros musicales, es así que la misma se ha combinado con géneros como el rock, el rap, el ska, la bachata, bolero, en algunos casos mariachi y una de las más significativas es la cumbia dando origen a un subgénero llamado salsacumbia, [cita requerida] las primeras grabaciones que combinan éstos géneros fueron hechas en Colombia, así agrupaciones colombianas como Joe Rodriguez, Joe Arroyo implementan éstas combinaciones, y a la par Fruko y sus Tesos con por ejemplo su tema Como cumbiambero que soy, la cual muestra una desmedida combinación entre ambos géneros mientras es ejecutada la parte de música salsa con el coro título del tema. Así también otras agrupaciones peruanas realizan los mismos arreglos y combinaciones, los mismos eran una secuencia de cambio de género en un solo tema, así por ejemplo el tema peruano Colegiala fue regrabado por Rodolfo y su Típica RA7 de Colombia comenzando con cumbia y durante los coros el cambio total a salsa y luego cambiar otra vez a Cumbia y así sucesivamente en un solo tema de duración promedio de tres minutos, debido a ésta ambigüedad en el ritmo de un solo tema, las disqueras mexicanas manejaban el concepto únicamente como "música tropical" en la edición de sus LP, principalmente Discos Peerless que fue la mayor impulsora del género tropical.9 En 2005 Andy Montañez experimento mezclando los ritmos de salsa y Reggaeton. A esta fusión se le dio el nombre de salsatón.[cita requerida]

[editar] Formas de baile Artículo principal: Salsa (baile)

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La salsa es muy popular en Colombia, Venezuela, Puerto Rico, México, Perú, Panamá, República Dominicana, Ecuador, Guatemala, lugares donde se baila de una forma muy distinta.[cita requerida] Se distinguen ciertos formas de baile: cubana, colombiana, puertorriqueña, venezolana.[cita requerida]

[editar] Forma de baile cubana

Se baila con movimientos cadenciosos de cadera y hombros. Tanto el hombre como la mujer giran uno alrededor del otro en ambos sentidos y el movimiento de brazos y solos se ejecutan con un ritmo casi inigualable. Es rica en movimientos coreográficos, pero en general los cubanos ponen el acento fundamentalmente en el juego erótico que se establece entre la pareja de bailadores, quedando el alarde y la exhibición para la parte de la pieza conocida como montuno, cuando el cantante, el coro y la orquesta inician una especie de contrapunto. Este juego permanente ha inducido a muchos a contraponer la forma cubana de bailar salsa a la llamada salsa en línea, de origen más bien estadounidense, donde la exhibición es el fin mismo del baile, desde el principio hasta el final de la pieza. La improvisación de pasos sin renunciar a conservar el ritmo todo el tiempo es otro rasgo distintivo del estilo cubano.

[editar] Forma de baile puertorriqueña En Puerto Rico se prefiere hacer más lentos los movimientos de pies y caderas. Sin embargo, los puertorriqueños realizan muchas piruetas en los concursos de Salsa. Galardonados un sin número de veces, los puertorriqueños se destacan por su gusto al interpretarla; ya que muchos exponentes de este genero son de origen puertorriqueño. Realizan diferentes pasos desconocidos por los demás países que impulsa a que éstos también quieran hacerlos. La salsa es una parte fundamental de la isla, los identifica como nación ya que la salsa también tiene elementos de la bomba y de música típica puertorriqueña.

[editar] Otras formas de baile Pero los latinos en los Estados Unidos no solo conectaron sus ritmos, sino que desarrollaron un nuevo género de baile: el New York Style determinado por la escuela cubana y puertorriqueña y ampliada por un montón de elementos de academia de baile. Desde Nueva York este género de baile ha encontrado también en Europa mucha divulgación junto al cubano casino. En Cali se desarrolló en los años setenta un género acrobático de baile colombiano caracterizado por el rápido movimiento de los pies y las caderas, se lleva un conteo de 8 tiempos, los giros o vueltas son de gran connotación en este estilo. la reproducción de los discos paso de una velocidad mayor a la habitual (Por ej. un disco de 33 1/3 rpm se reproducía a 45 rpm).Ademas los caleños son actualmente los campeones mundiales de la salsa y Cali es considerada la capital mundial de la salsa. En la costa occidental de Estados Unidos se desarrolló en los años noventa el L.A.-Style, similar al New York-Style, aunque se baila en un tiempo diferente (en el 1) más de la mitad del baile es con los pies en el piso, pero todavía con más elementos de show. Más o menos hacia el fin del milenio se puede observar que los mexicanos que vuelven de California hacen creciente la popularidad del L.A.-Style también en México.

Rueda de casino: baile cubano de grupo en círculo en el cual uno actúa como voz y va dando órdenes con vueltas y cambios de pareja que hacen este subgénero divertido y participativo, como ejemplos de vueltas están el clásico «70», hasta figuras complejas como «llévala a Matanzas».

[editar] Referencias 1. ↑ a b Morales, pág. 56 2. ↑ Morales, pág. 60 Morales cita al erudito venezolano César Miguel Rondón, en El libro de la salsa, para notar el arreglo del neoyorkino Eddie Palmieri del trombón «de una manera que siempre sonara ácida, con una peculiar y agresiva crudeza». 3. ↑ [1] 4. ↑ Steward, pgs. 488-489 5. ↑ a b c Morales, pág. 57 6. ↑ Steward, pág. 489. 7. ↑ Steward, pg. 489 8. ↑ a b Steward, pág. 489 9. ↑ La Cumbia en México

[editar] Bibliografía • •

Morales, Ed (2003). The Latin Beat. Da Capo Press. ISBN 0-306-81018-2. Steward, Sue (2000). «Cubans, Nuyoricans and the Global Sound». En Broughton, Simon and Ellingham, Mark with McConnachie, James and Duane, Orla (Ed.). World Music, Vol. 2: Latin & North America, Caribbean, India, Asia and Pacific. London: Rough Guides. pp. 488–506. ISBN 1-85828-636-0.

•

Berenguer González, Ramón T (2008) Latin Complete Collection Mp3Publicado con

•

permiso del compositor y propietario de los derechos. Cancionero de la Salsa (1992). Intermedio. ISBN 958-637-185-9.

[editar] Véase también • • • • •

Cumbia Vallenato Son montuno Guaracha Merengue

Merengue (género musical) Para otros usos de este término, véase Merengue.

Merengue Orígenes musicales

Contradanza europea, música africana, y probablemente música de origen taíno

Orígenes culturales

Mitad del siglo XIX en República Dominicana

Instrumentos comunes

tambora, guïra, acordeón en el perico ripiao, Saxofón, Piano, Trompeta ...

Popularidad

Desde los años 1930 Subgéneros

Bachata, Perico Ripiao ("Merengue típico"), Merengue redondo (Samaná) Fusiones Merenrap, Merengueton, Merenhouse, Tropicalia El merengue es un estilo musical y de baile originado en el Caribe, específicamente en la República Dominicana a principios del siglo XIX. En sus orígenes, el merengue era interpretado con instrumentos de cuerda (bandurrias). Años más tarde, los instrumentos de cuerda fueron sustituidos por el acordeón conformándose, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el Acordeón, la africana por la Tambora (tambor de dos parches), y la taína o aborigen por la Güira. Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en especial en el Cibao y en la Línea Noroeste, hay todavía conjuntos típicos con características similares aquellos pioneros, este ritmo fue evolucionando durante todo el siglo veinte. Primero, con la introducción de nuevos instrumentos como el Saxofón y más tarde con la aparición de orquestas con complejas con secciones instrumentales de vientos. Este ritmo ha tenido actores notables como Los Hermanos Rosario, Fernando Villalona, Sergio Vargas, Joseito Mateo, Francis Santana, Vinicio Franco, Luis Alberti, Johnny Ventura, Félix del Rosario, Wilfrido Vargas, Carlos Manuel "El Zafiro", Pochy Familia, Juan Luis Guerra, Toño Rosario, Eddy Herrera, entre otros.

Contenido

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1 El origen de la palabra Merengue 2 Introducción 3 Origen musical 4 Evolución 5 Estructura musical 6 Primera Forma de Estilo Merengue 7 El merengue contemporáneo 8 Bibliografía

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9 Enlaces externos

[editar] El origen de la palabra Merengue El origen de la palabra merengue se remonta a la época de la colonia y proviene del vocablo muserengue o tamtan mouringue, nombre que se daba a los bailes entre algunas de las culturas africanas que, traídas desde las costas de Guinea, llegaron a la costa atlántica colombiana y venezolana.

[editar] Introducción La Española, isla que comprende a los actuales países de Haití y la República Dominicana ha producido grandes sonidos a través de los siglos. Dentro del ambiente de la música afrocaribeña, el género dominicano del merengue ha jugado un papel muy importante. Como la contradanza y el danzón cubano; el merengue emergió en la zona de Santiago de los Caballeros, en la región conocida como Cibao, como descendiente de una mezcla entre ritmos del África negra y de la "contradanse" europea durante la mitad del siglo XIX y siguió absorbiendo más elementos africanos y criollos. Como baile, el merengue es mucho más sencillo y menos asincopado que sus primos cubanos, consistiendo en una danza de dos pasos. Su historia esta repleta de esfuerzos y penas sociales y políticas, un tema mejor reservado para mayor investigación, pero su desarrollo como género popular es crucial en la evolución de la música afrocaribeña.

[editar] Origen musical El merengue tiene elementos de la contradanza, la mazurca y el vals europeo, cuya influencia se extendió por Haití, Venezuela y las Antillas, donde se acompañaba con instrumentos típicos como el tiple, la bordona, el cuatro, el seis y el doce, más tarde, con la tambora, el güiro, la bandurria y el acordeón. Según algunos, nació como una melodía criolla tras la batalla de Talanquera donde triunfaron los dominicanos [cita requerida]. El merengue procede de una de las partes de una melodía llamada UPA Habanera con origen en África Occidental, que pasó a Puerto Rico y Venezuela, de donde llegó a Santo Domingo a mediados del siglo XIX, entre 1838 y 1849.[cita requerida] Este baile tenía un

movimiento llamado merengue que le dio el nombre al baile actual. En 1844 el merengue aún no era popular, pero en 1850 ya se puso de moda y fue bien acogido entre los dominicanos. En la década de 1850 se desencadenó una campaña en contra del merengue, que ya se había ido difundiendo entre las masas populares pero que era rechazado por la clase alta por su vinculación con la música africana y por sus letras picarescas y vulgares.

[editar] Evolución El merengue era una danza festiva, para divertirse, por lo que se extendió rápidamente entre las fiestas del pueblo, venciendo su rechazo inicial . En 1875 Ulises Espaillat inició otra campaña contra este baile que fracasó estrepitosamente, pues éste ya había cautivado a toda la región de Cibao, considerada hoy cuna del merengue. A principios del siglo XX, músicos cultos y muy populares como Juan Espínola y Julio Alberto Hernández apoyaron la difusión del merengue en los salones de baile. Su éxito no fue inmediato ya que a pesar de que establecieron la forma musical del merengue, no pudieron conseguir que el merengue penetrara en la alta sociedad y se considerara como una creación del pueblo dominicano. Pero a partir de 1930, el merengue logró difundirse en zonas donde antes era desconocido, en parte gracias al reciente uso de la radio y al gusto del dictador Rafael Leónidas Trujillo por esa forma de baile. A pesar de esto, la alta sociedad dominicana siguió sin aceptarlo hasta que una familia de buena posición solicitó al músico Luis Alberti que compusiera un merengue de letra decente para amenizar una de sus fiestas. A partir de entonces, se diseminó muy rápidamente por todo el país. Como fueron músicos cultos los que fijaron la forma musical del nuevo merengue, los músicos populares trataron de imitar y seguir este modelo mientras que el hombre de campo continuó tocando el merengue en su forma original. Esto dio origen a dos formas de merengue: el merengue folclórico o típico, que aún se encuentra en los campos, y el merengue de salón, propio de los centros urbanos. De esta manera, desplazó a algunos otros bailes típicos como la tumba, que requería gran esfuerzo físico y mental, mientras que la coreografía del merengue, en la que el hombre y la mujer no se sueltan nunca era bastante simple, aunque poco a poco fueron desarrollándose diversas figuras para este baile de salón.

[editar] Estructura musical El merengue se toca en tiempo moderado, compás rápido y ritmo binario, alternando estrofas y estribillos y su estructura estaba compuesta por el paseo, que ha sido suprimido, el merengue, que se ha alargado, y el jaleo, modificado. En torno a la rítmica del merengue se ha generado una extensa y aún viva polémica, ya que coexisten dos formas de ejecución. Determinados músicos prefieren ejecutarlo en 2/4, mientras otros lo ejecutan en 4/4.

[editar] Primera Forma de Estilo Merengue

El Perico Ripiao (también es conocido como el merengue típico) fue la primera forma de merengue y su origen está en los campos del Cibao y la Línea Noroeste. El Perico Ripiao se toca con güira, tambora y acordeón. Los cantos del Perico Ripiao son diferentes al merengue de orquesta o de banda. Los cantos, versos simples con frases poéticas, toman a veces forma de décimas o de cuartetas donde los versos tercero y cuarto son repetidos pero en orden inverso (el verso tercero se convierte en sexto y el cuarto en quinto; ABCDDC). El Perico Ripiao tiene un ritmo rápido y es mucho más popular en el Cibao (en los campos cibaeños) que en la capital de la República.

[editar] El merengue contemporáneo

Pareja bailando merengue Para los finales de los 70s el merengue empieza el período llamado la época de oro, caracterizado por la aparición de nuevas agrupaciones, sonidos y carácter que llamaron la atención gracias a sus melodiosas canciones y ritmos. Algunos de los artistas más destacados son: Juan Luis Guerra,Toño Rosario,Fernando Villalona Wilfrido Vargas, Johnny Ventura, Sergio Vargas, Los Hermanos Rosario, Milly Quezada, Los Melódicos, Conjunto Quisqueya, Víctor Roque y La Gran Manzana, Dionis Fernández y El Equipo, El Zafiro, Bonny Cepeda, Kinito Méndez, Eddy Herrera, Héctor Acosta, Ruby Pérez, Rikarena, Jochy Hernández, Jossie Esteban y la Patrulla 15, Las Chicas del Can. Por otra parte pero no menos importante, encontramos también el merengue hip-hop, el cual se inició en la década de los años noventa. Este género naciente a partir del merengue tuvo una gran oleada de fanáticos y seguidores, la mayoría de ellos jóvenes. El merengue hip-hop tuvo como principales protagonistas las agrupaciones “Fulanito”, “Sandy y Papo”, “Proyecto Uno”, “Ilegales”, entre otras agrupaciones.

El merengue ha sido adoptado por otras culturas, que si bien poseen otras manifestaciones musicales, eligieron este género como base de desarrollo de nuevos sonidos y fusiones. Aunque influenciados por maestros del merengue y figuras prominentes de la época de oro del merengue en suelo dominicano, lograron darle un estilo propio y llevarlo a un nivel internacional y de respeto. Uno de estos exponentes lo es el puertorriqueño, Elvis Crespo,ex-corista del merenguero Tono Rosario quien recoge la base de este género dominicano y lo hace propio, logrando ser uno de los máximos exponentes alrededor del mundo.

[editar] Bibliografía • •

Mambo y Merengue (Bottomer, Paul - Susaeta Ediciones - 1999) Pérez de Cuello, Catana; Solano, Rafael (2005) (PDF). El merengue: música y baile de la República Dominicana. Santo Domingo: Trinitaria. ISBN 9945406043. Consultado el 2010.09.19.

[editar] Enlaces externos • • • •

Historia de la evolución del merengue con ejemplos musicales Merengue and Bachata music Stream / Música Domincana, en Viva Colección de videos ("playlist") en youtube de merengues destacados Merengue en youtube

Cumbia Cumbia Orígenes musicales

Ritmos indígenas precolombinos de la Costa Caribe colombiana y ritmos africanos traídos por los esclavos.

Orígenes culturales

Sincretismo cultural de indígenas, negros africanos y españoles durante la Conquista y la Colonia en la Costa Caribe colombiana y Panamá.

Instrumentos comunes

flauta de millo, gaita macho, gaita hembra, maracas, tambor alegre, tambor llamador, tambora.

Popularidad

Alta en los Años 60 y 70. Subgéneros

Cumbiamba, cumbión, cumbia vallenata, cumbia-

lambada, cumbia-son, cumbia argentina, cumbia mexicana, cumbia peruana, cumbia chilena, cumbia venezolana, cumbia salvadoreña, cumbia boliviana, cumbia costarricense (swing criollo), etc. La cumbia es un ritmo musical y baile folclórico autóctono de la Costa Caribe de Colombia.1 Surge del sincretismo musical y cultural de indígenas, negros africanos y, en menor escala, de los españoles durante la Conquista y la Colonia en la región del delta del río Magdalena, con epicentro en la región de la población de El Banco, Magdalena, hasta Barranquilla. 2 3 4 En 2006, la cumbia fue nominada a símbolo cultural de Colombia en el concurso organizado por la revista Semana.5 En Panamá, la cumbia (véase Cumbia (Panamá)) es un género musical y baile reconocido como uno de los símbolos del folclore nacional6 que tiene una conformación coreográfica y musical en la que destacan elementos principalmente africanos, además de españoles (andaluces y gallegos), e indígenas. En su instrumentación destacan básicamente los tambores (pujador, repicador o llamador, caja y tambora),7 maracas, churuca o guacharaca, rabel o violín criollo, flauta y desde finales del siglo XIX, el acordeón diatónico. Se desarrolla en gran parte del istmo con excepción de Bocas del Toro y las comarcas indígenas. Tiene su epicentro cultural principalmente en las Provincias Centrales del país.8 La cumbia se popularizó en América Latina a partir de los años 1940, basados prácticamente en las creaciones colombianas, a partir de lo cual ha sufrido distintas adaptaciones como la cumbia venezolana, la cumbia uruguaya, la cumbia salvadoreña, la cumbia chilena, la cumbia ecuatoriana, la cumbia mexicana, la cumbia peruana, la cumbia argentina, entre otras.

Contenido [ocultar] • •

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1 Origen 2 Formación instrumental o 2.1 Gaitas o 2.2 Flauta e' millo o pito atravesado o 2.3 Tambores o 2.4 Maracón o 2.5 Guache 3 Tipos de cumbia o 3.1 Cumbia clásica o 3.2 Cumbia sabanera o 3.3 Cumbia moderna o 3.4 Cumbiamba o 3.5 Cumbia vallenata

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4 Difusión, introducción al extranjero y adaptaciones regionales o 4.1 Argentina o 4.2 Cumbia marimbera (centroamericana) o 4.3 Chile o 4.4 México o 4.5 Perú o 4.6 Venezuela 5 Intérpretes de cumbia 6 Referencias 7 Bibliografía

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8 Véase también

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[editar] Origen

Monumento a la cumbia en El Banco, Magdalena. La cumbia es originaria de la parte alta del valle del río Magdalena en la región de la Depresión Momposina, y aún más exactamente de la zona correspondiente al país indígena Pocabuy (incluidas las culturas de las sabanas y el Sinú, al norte de la Pincoya) que estuvo conformado por las actuales poblaciones de El Banco, Guamal, Menchiquejo y San Sebastián en el Magdalena, Chiriguaná y Tamalameque en el Cesar y Mompós, Chilloa, Chimí y Guatacá en Bolívar, como dan referencia de ello los testimonios de historiadores como el barranquillero Orlando Fals Borda en su libro Mompox y Loba, de la serie Historia Doble de la Costa, Tomo I, y Gnecco Rangel Pava en sus libros El País de Pocabuy y Aires Guamalenses.2 Los Pocabuy son mencionados en diversas grabaciones, aunque la mencion mas famosa corresponde al tema "cumbia de la paz" grabada por Chico Cervantes en el estribillo; "ritual sublime de los Pocabuy, en la rueda de la cumbia, se despedian, de los bravos guerreros que ahi morian en la paz de la cumbia...". Según anota Fals Borda: "La cumbia nació en el país de Pocabuy conformado por El Banco, Chiriguaná, Mompox, Tamalameque, Chilota, Guamal, Chimí y Flaites. Pocabuy era un país indígena que se extendía a todo lo largo del río Tucurinca” (actual Magdalena). Don Tomás Carrasquilla afirma: "los tamboriles y caramillos siguen y siguen; siguen la

gaita colombiana, siguen el bombo... Viene después el 'perillero', luego la 'gaitera' y otras danzas menos complicadas; en fin, esos padres de la cumbia".2 Los africanos que llegaron como esclavos a estas regiones, al contar la historia de sus grupos étnicos y aquellos hechos famosos dignos de guardarse en la memoria, se servían de ciertos cantos que distinguían con el nombre de “areítos”, que quiere decir bailar cantando: poniendo en alto los candiles, llevaban el coreo, que era como la lección histórica que, después de ser oída y repetida muchas veces, quedaba en la memoria de todos los oyentes. El centro del círculo lo ocupaban quienes daban la lección con el pie del canto y aquellos más duchos y peritos en el manejo de las guacharacas, millos, tambores y maracas, para entonar con la delicadeza la música de aquellos cantares que fueron pasando, con el tiempo, de ser elegiacos a entusiasmar, galantear, querellar y divertir.2

Cumbiamba en el Carnaval de Barranquilla. La cumbia es una danza y ritmo con contenidos de tres vertientes culturales distintas: indígena, negra, blanca (española), siendo fruto del largo e intenso mestizaje entre estas culturas durante la conquista y colonia de las tierras americanas. La presencia de estos elementos culturales se puede apreciar así: •

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En la instrumentación están los tambores de claro origen africano, las maracas, el guache y los pitos (millo y gaitas) de origen indígena, mientras que los cantos y coplas son aporte de la poética española, aunque adaptadas luego. Presencia de movimientos sensuales, marcadamente galantes, seductores, característicos de los bailes de origen africano. Las vestiduras tienen claros rasgos españoles, muy parecidas a las del actual flamenco: Largas polleras, encajes, lentejuelas, candongas, etc. Y los mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres. Las vestimentas de los hombres, por otro lado, son muy parecidas a las usadas en los encierros en el marco de las fiestas de San Fermín en Pamplona: camisa y pantalón blancos, un pañolón rojo anudado al cuello y sombrero.

[editar] Formación instrumental

Niños interpretando cumbia con instrumentos tradicionales. La forma más auténtica de la cumbia es exclusivamente instrumental, sigue un compás 2/49 y es ejecutada y seguida tradicionalmente por el conjunto de tambores: llamador, alegre, tambora, así como la flauta de millo o las gaitas, macho y hembra, las maracas y el guache. La cumbia cantada es una adaptación relativamente cercana en la que el canto de solistas y coros o cuartetos se alternan a la de la flauta de millo o las gaitas. El conjunto de cumbia es una ulterior evolución del originario conjunto de la tambora, estando el conjunto de tambora conformado por el tambor alegre y el llamador y, en algunos casos, por la tambora. Es un baile meramente cantado, como el chandé, con sus palmas y coros, junto al cual luego se sumaron los pitos de las gaitas o los millos.2 10 3 11

[editar] Gaitas Instrumento aerófono de ancestro indígena: flauta derecha fabricada a partir del corazón del cardón, con una formación de cera en uno de sus extremos en donde se hace una ranura y se inserta un apéndice cilíndrico, generalmente la base de una pluma de pato, a manera de canal y boquilla, respectivamente, con orificios variables entre 3 y 6 hacia la parte baja del cuerpo. Se le llama de esta forma por la similitud de su sonido con el de las gaitas de pico de los españoles. La gaita hembra, de 5 orificios, proporciona la melodía. Su acompañante, a contra punto, la gaita macho, de 2 orificios, cumple una función marcante e imprime una profunda virilidad en el tañido de su lamento. Un gaitero toca la gaita macho con una mano; con la otra, a la vez con gran destreza, la maraca, y sus labios sólo sueltan la gaita para cantar. Es un instrumento muy importante en la región caribe porque le da ritmo a la cumbia, así como a los otros ritmos que se pueden interpretar con ellas: El porro, la gaita instrumental y el merengue.10

[editar] Flauta e' millo o pito atravesado

Instrumento aerófono, al parecer de origen africano que reemplaza a las gaitas. Recibe otras denominaciones como flauta traversa de millo, carrizo, lata o bambú. Es un instrumento abierto en sus dos extremos, de unos 25 a 30 cm de largo y de 1,5 a 2 cm de diámetro, normalmente. Tiene cuatro orificios situados a unos 1 ó 1,5 cm entre sí y a unos 10 cm de la lengüeta, obtenida de la corteza de la caña y que forma la embocadura por la cual entra y sale el aire mediante emisión e inmisión del ejecutante, dotada de un hilo pisado a la lengüeta y sostenido por los dientes para modular el sonido y producir el efecto vibrado de los sonidos agudos, lográndose los más graves y nasales o bajos con el cierre de la abertura situada al extremo más próximo a la embocadura.10

[editar] Tambores

Casa de el maestro José Benito Barros Palomino, uno de los más grandes compositores de Colombia, nacido en El Banco, Magdalena. Instrumentos membranófonos de percusión, de origen africano, que constan de una caja de resonancia, generalmente cilíndrica, aunque a veces algo cónica, y una o dos membranas o parches de cuero animal, que cubren la abertura de la caja. Para producir el sonido el tambor es golpeado generalmente con la mano o algún objeto, comúnmente baquetas y también se suele percutir la caja. En los tambores se distinguen: •

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El llamador, el tambor más pequeño de todos, también llamado macho, que marca la cadencia rítmica o compás, por lo cual es al único que no se permiten los llamados "revuelos" o "lujos" en su interpretación. El alegre o hembra, tambor que marca la melodía; "juguetea" con las notas de las melodías dictadas por los instrumentos líderes en este sentido y que se adorna con complejas y alegres improvisaciones sobre todo al final de la frase melódica, durante su ejecución. La tambora, tambor mayor en su tamaño y único con dos cueros, uno en cada boca de la caja de resonancia, en el cual recae toda la responsabilidad de la pronunciación del acento sonoro característico de los aires tradicionales en el acompañamiento de cada pieza musical. Proporciona adornos y el bajo.10

[editar] Maracón

Niños tocando instrumentos de la cumbia. Voz de etimología guaraní (mbaraka [mbaɾa'ka]) 12 que nombra al instrumento idiófono de origen indígena, formado por una parte esférica de calabaza seca, en nuestro medio generalmente de totumo, con semillas o piedrecillas en su interior y un mango de palo que atraviesa o se adhiere al totumo y le sirve, a la vez, de sostén. Acompañan a la gaita macho y proporcionan el "brillo" en la canción.10

[editar] Guache Instrumento rítmico idiófono al igual que las maracas, y con estas se encarga del acompañamiento versátil y vivaz de las improvisaciones musicales comandadas por la coquetería del tambor alegre. Es de cuerpo alargado, generalmente metálico, con estrías o perforaciones y pequeños percutores dentro, como semillas o piedrecillas y fragmentos de vidrio.10

[editar] Tipos de cumbia

Mujeres bailando cumbia. La cumbia es madre de muchos ritmos como el porro, la gaita, la chalupa, el bullerengue, el chandé, el paseo, el son, la puya, entre otros. Existen varias modalidades regionales de la cumbia: cumbia sampuesana, soledeña, la cienaguera, la momposina, sanjacintera, de

Cartagena, de Cereté, de Magangué, entre otras. Asimismo, hay derivaciones como la chalupa, la puya, el garabato, la gaita y el porro, entre otras.3

[editar] Cumbia clásica La cumbia clásica se toca con instrumentos como la kuisi sigí (gaita macho), la kuisi bunzí (gaita hembra) y una maraca (taní) acompañadas algunas veces de las suaras (idénticas a las gaitas anteriores). Se trata de un aire zambo que está formado por una melodía indígena y un ritmo de tambores negros, nunca se canta, es solo danza y totalmente instrumental. Cabe mencionar que existen variantes de la cumbia cantada como el bullerengue, el mapalé, los porros y la saloma.

[editar] Cumbia sabanera En las sabanas de Córdoba, Sucre y Bolívar, la cumbia se ejecuta con banda de hojita o banda pelayera.3

[editar] Cumbia moderna En la cumbia moderna se encuentran instrumentos como el clarinete, la guacha, las maracas, el tambor llamador, el tambor alegre y tambora o bombo, el sintetizador, el piano, guacharaca e instrumentos de viento típicos del Caribe. La forma de bailar cumbia moderna nació durante la segunda mitad del siglo XX en las ciudades del interior de Colombia, donde dejó de ser un baile folclorico costeño para convertirse en un baile moderno de salón.

[editar] Cumbiamba Muchos de estos autores en sus escritos hacen diferencia entre cumbia y cumbiamba o también dicen que los negros que llegaron de África para ser esclavizados trajeron consigo sus danzas y tonadas especiales y, a medida que pasaba el tiempo, aprendieron castellano y empezaron a cantar en este idioma. Actualmente cerca de los ríos colombianos donde se instalaron los africanos en su momento resuenan el currulao y el mapalé y se baila cumbia o cumbiamba. "Según testimonios escritos son dos las diferencias principales que existen entre la cumbia y la cumbiamba: la cumbia se toca con banda, y las bailarinas llevan velas o teas en las manos. La cumbiamba se baila con acordeón y flauta de millo y sin velas", de "Cumbia eres muy bonita". Al parecer, la diferencia más notoria son los implementos utilizados en el ritmo de baile y de la instrumentación manejada. Existe también una función para cada uno de los integrantes de la banda: • • •

El músico mayor es el gaitero quien toca la gaita hembra. El segundo músico es el tamborero quien toca el tambor alegre. El tercer músico es el de la tambora o bombo el cual se toca con baquetas.

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El cuarto músico es el llamador. El quinto músico es el maraquero quien acompaña con otra flauta o gaita macho. El último es el guachero opcional.

Este nuevo baile adoptó pasos de otros ritmos que en ese entonces eran populares en estas regiones del país. Entre ellos se encuentran el mambo-bolero, el fox-trot, el pasodoble y el tango.13 Además, se crearon nuevos pasos y figuras que le darían a la Cumbia un estilo propio. La Cumbia, en esta variante orquestada, fue la que se popularizó por toda Colombia y eventualmente por todo el continente. A partir de ese momento, la Cumbia pasó de ser una danza exclusivamente folclorica a ser música típica de los más lujosos salones de baile de la época en ciudades como Cali, Medellín y Bogotá.14

[editar] Cumbia vallenata Incluye además de los instrumentos clásicos al acordeón, ya sea para acompañamiento o solo y puede o no llevar cantos. Esta ha sido una evolución y fusión propia de la música vallenata y la cumbia, teniendo a diversos exponentes que han sido difusores o intérpretes ocasionales del estilo, así pues en Colombia surgen agrupaciones y cantantes desde la década del 60 como Los Corraleros de Majagual, Gaiteros de San Jacinto, Andrés Landero, Policarpo Calle, Alfredo Gutiérrez o Lisandro Meza entre otros. También en el extranjero se imponen Cuarteto Imperial en la Argentina, Super Grupo Colombia de México, Cuarteto Continental de Perú y Vallenatos del Guayas en Ecuador.

[editar] Difusión, introducción al extranjero y adaptaciones regionales

Niños bailando cumbia en San Pelayo, Córdoba. La primera cumbia grabada para comercializar, en 1950, era ejecutada con caña de millo y tamboras.[cita requerida] La cumbia ha tenido gran impacto nacional e internacional, ya que ha sido cantada y orquestada, contrario a la verdadera y auténtica ejecución que corresponde a los grupos de milleros y de tambores o "cumbia clásica".

En 1953, se lanza "Flamenco", una cumbia compuesta por el soledeño Efraín Mejía. A principios de 1955, aparece el conjunto típico Cumbia de Juan Corralito, el cual graba en un disco por lado y lado una cumbia y la “Puya arranca pellejo”. En este mismo tiempo, surgió la cumbia de Antonio Lucía Pacheco, quien grabó la pieza musical “Once de Noviembre". A principios de los años de 1950, el maestro Lucho Bermúdez había lanzado "Danza Negra", una cumbia cantada por Matilde Díaz, que también se llamó la "cumbia colombiana" porque lleva dicho nombre en sus estrofas varias y en la parte final. Todas las grabaciones serían populares solo en Colombia para la década de los 1940. Sin embargo, la época mas fructífera para la música e industria colombiana se da en los años sesenta. La fundación desde 1934 de Discos Fuentes, en 1949 de Discos Sonolux y poco después Discos Victoria dio como resultado que agrupaciones como Los Corraleros de Majagual, Los Hispanos, Los Graduados, llevaran la cumbia a Argentina, El Salvador, México, Perú, Venezuela, entre otros, lo que llevó a músicos locales a producir diversas variantes de la cumbia como resultado de su fusión con ritmos de cada nación, como la cumbia argentina cumbia mexicana, cumbia peruana, cumbia salvadoreña, etc.[cita requerida] Discos Fuentes fue desde la década de los 1960 hasta mediados de los 1990 la mayor impulsora, grabadora de estrellas, y difusora del ritmo colombiano asociándose con empresas musicales distribuidoras de todo el continente. A Los Corraleros de Majagual pertenecieron varias estrellas que harían carreras posteriores y difundieron la cumbia, como Alfredo Gutierrez y Lisandro Meza. Durante dicha década predominaron los grupos que interpretaban cumbia moderna (es decir basada en la clásica pero cantada). Los Corraleros, el Combo Los Galleros, los Gaiteros de San Jacinto, entre muchos otros consolidaron a la cumbia en la industria musical comercial colombiana, predominando los estilos propios, el uso de gaitas, tambores y ocasionalmente de tamboras y sonidos metálicos orquestales. Para los años 1970, orquestas de cumbia comercial como Los Graduados y Los Hispanos predominaban en el panorama musical de Colombia. Con el tiempo, Colombia empieza a asimilar cumbias, estilos y composiciones de países extranjeros sin perder la cumbia tradicional, es cuando se consolidan los estilos de cumbia vallenata y con aires metálicos. [cita requerida]

Durante los años 1980 comenzó el declive del consumo de la cumbia comercial en Colombia en favor del vallenato, el cual desplazó comercialmente a cualquier otro ritmo a partir de los años 1990.

[editar] Argentina Artículo principal: Cumbia argentina

La cumbia y el porro fueron ritmos introducido por Lucho Bermúdez, musico colombiano, quien en 1946 graba para la RCA Víctor de la Argentina 60 composiciones suyas con músicos prestados por Eduardo Armani y Eugenio Nobile. A comienzos de los años sesenta, la agrupación de Bovea y sus vallenatos, que emigró de Colombia, termina de popularizar la cumbia en Argentina, la mismo fue realizado por un mítico grupo colombiano que se

nacionalizó argentino, el Cuarteto Imperial. El país ha aportado composiciones musicales y variaciones propias del ritmo como el cuarteto así como la más reciente y sobresaliente cumbia villera.

[editar] Cumbia marimbera (centroamericana) En el sur y sureste de México (Estados de Chiapas y Oaxaca) es muy tradicional el uso de la marimba moderna ya que dicho instrumento se desarrolló en la región, extendiéndose su uso a gran parte de Centroamérica, particularmente Guatemala, Nicaragua y Honduras. Desde la década de los años 40 del siglo XX varios compositores crearon piezas musicales al ritmo de cumbia dándole un toque original partiendo desde el llamado son nica e incorporando instrumentos musicales como la marimba de arco. Entre los principales impulsores de la cumbia estan Víctor M. Leiva con "Cumbia piquetona", Jorge Isacc Carballo con "Baila mi cumbia", Jorge Paladino con "Cumbia chinandenga" y agrupaciones como Los Hermanos Cortes con "A bailar con Rosita", "Entre ritmos y palmeras" y "Suenan los tambores"; Los Alegres de Ticuantepe con "Catalina". Desde México orquestas como "Marimba Chiapas" y "Marimba Soconusco" hacen lo propio. La orquesta guatemalteca "Marimba Orquesta Gallito" es la más famosa en lo que a cumbia marimbera centroamericana se refiere junto a la mexicana "Marimba Chiapas".

[editar] Chile Artículo principal: Cumbia chilena Artículo principal: Nueva Cumbia Chilena

En Chile, la cumbia fue igualmente introducida por las grabaciones hechas en Colombia, así pues la cumbia chilena nació cuando Luisín Landáez, un cantante venezolano, logró éxito con temas como "Macondo" o "La Piragua" y la colombiana llamada Amparito Jiménez que grabó en Chile "La pollera colorá" y otros.

[editar] México Artículo principal: Cumbia mexicana

Quizás la primera cumbia grabada fuera de Colombia, en México, en 1950, fue la Cumbia cienaguera, en la voz de Luis Carlos Meyer Castandet, quien había emigrado a México a comienzos de los años cuarenta después de haber grabado en Colombia con varias agrupaciones locales. En ciudad de México hace contacto con uno de los más importantes directores de orquesta, Rafael de Paz. Con él graba en 1944 el tema "Micaela", y luego otros éxitos como "Mi gallo tuerto", "Caprichito", "Nochebuena". Gracias a su éxito, la cumbia y el porro colombianos comienzan a popularizarse en México combinándose con los sonidos locales a lado de Tony Camargo para crear los inicios de la futura cumbia mexicana, posteriormente su material llega al sur del continente (Argentina, Chile y Perú). De las aportaciones en composiciones y estilos en el género de repercusión internacional sobresalen la Technocumbia, Cumbia tropical y Cumbia grupera, haciendo protagonistas a

los intrumentos de aires metalicos (trompetas) y elementos eléctricos (sintetizadores y baterías eléctricas).

[editar] Perú Artículo principal: Cumbia peruana

El Perú, como todos otros países del continente, fue invadido por los sonidos de las primeras grabaciones hechas en Colombia desde el norte del país y hacia la capital , por lo que en Perú comienzan a formarse agrupaciones que estaban dedicadas a interpretar generalmente música o repertorio de la música cubana, por lo que a mediados de los años 60 comienzan aparecer en la discografía nacional para diversos sellos musicales como INFOPESA, El Virrey, MAG, e Iempsa, Orquestas como la de Lucho Macedo y Pedro Miguel y sus Maracaibos. El ritmo se entendió pronto en todas las regiones del país, motivando a algunos grupos a introducir algunos elementos musicales peruanos, haciendo protagonista a las guitarras eléctricas. Los aportes más significativos del Perú a la cumbia son tanto la interpretación, composiciones y variantes creadas ahí, entre la que sobresale el Tropical Andino o Chicha.

[editar] Venezuela Artículo principal: Cumbia venezolana

Desde los años 50 la cumbia tiene gran éxito e impacto en Venezuela debido a su cercanía con Colombia y a la emigración de colombianos. Dos de las más antiguas orquestas tropicales venezolanas que comienzan a interpretar y grabar cumbia en el país fueron la Orquesta Los Melódicos y los Billo's Caracas Boys que con sendos éxitos de varios cover colombianos y ya diversos éxitos propios logran colocarse en el gusto del público. Los aportes más significativos han sido la creación de estilos cumbiamberos venezolanos utilizando órganos melódicos y arpas.

[editar] Intérpretes de cumbia

Monumento a la cumbia en Barranquilla.

Véase Anexo:Cantantes de cumbia reconocidos Algunos grupos que difunden cumbia son: • • • • • • • • • • •

Los Gaiteros de San Jacinto Arturo Jaimes. Cumbia mexico-colombiana. Medardo Guzmán, los cañamilleros de Mahates. La cumbia soledeña de Efraín Mejía. La cumbia moderna de Soledad de Pedro Beltrán y la cumbia ritmo baranoero. La cumbia del argentino Alexis Urunde La Perla Colombiana. Cumbia romántica mexico-colombiana. Vilma Díaz y La Sonora Los Palmeras Siempre Verde La Banda del Master

Juan Jiménez "Guayaspa" fue el compositor de la Cumbia cienaguera, a fines de 1951, la cual ha dado la vuelta al mundo.

[editar] Referencias 1. ↑ «Definición RAE». 2. ↑ a b c d e Alcaldía de El Banco. «Festival de la Cumbia - El Banco Magdalena». Consultado el 17-3-2009. 3. ↑ a b c d Colombia aprende. «La cumbia». Consultado el 17-3-2009. 4. ↑ Biblioteca Luis Ángel Arango. «Huellas de africanía y emblemas de nacionalidad». Consultado el 17-3-2009. 5. ↑ Revista Semana. «La cumbia». Consultado el 24-3-2011. 6. ↑ Ministerio de Educación de Panamá. «Símbolos del Folklore Panameño». 7. ↑ http://www.educapanama.edu.pa/aritculos/la-dispersi%C3%B3n-de-lostambores-0 8. ↑ Garay, Narciso, Tradiciones y cantares de Panamá: ensayo folklórico, editorial De L'exoansion Belge, 1930, Bélgica. 9. ↑ Alberto Londoño - Universidad de Antioquia. «La cumbia». Consultado el 17-3-2009. 10. ↑ a b c d e f Alcaldía de El Banco. «Festival de la Cumbia - El Banco Magdalena». Consultado el 17-3-2009. 11. ↑ Biblioteca Luis Ángel Arango. «Instrumentos y Conjuntos Musicales». Consultado el 17-3-2009. 12. ↑ Real Academia Española. «Maraca». Consultado el 17-3-2009. 13. ↑ El Porro Marcado 14. ↑ Ritmo Musical "El Porro"

[editar] Bibliografía

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ABADIA, Guillermo. Compendio general del folclor colombiano. 1983 4a ed., rev. y acotada. 547 p.: ill.; 22 cm. Bogotá: Fondo de Promoción de la Cultura del Banco Popular. (3. ed en 1977). DAVIDSON, Harry. Diccionario folclórico de Colombia. Tomo III. Banco de la República, Bogotá, 1970. OCAMPO, Javier. Música y folclor de Colombia. Enciclopedia Popular Ilustrada, No. 5. Bogotá, Plaza y Janés. 2000. ISBN 958-14-0009-5. Revista Colombiana de Folclore. No. 7, Vol. III. Bogotá, 1962. Ballanoff, Paul A. Origen de la cumbia Breve estudio de la influencia intercultural en Colombia. América lndígena 31, no 1: 45-49. 1971. La cumbia, síntesis musical de la Nación colombiana. Reseña histórica y coreográfica. Revista Colombiana de Folclor 3, no. 7:187-204. 1962 Dora P. de Zárate Enciclopedia de la Cultura para Niños y Jóvenes. Suplemento Educativo Cultural del Diario Panameño La Prensa Nº 29. Septiembre 1985. Zárate, Manuel Fernando de las Mercedes, (1899- 1968), Tambor y socavón : un estudio comprensivo de dos temas del folklore panameño y sus implicaciones históricas y culturales, Ministerio de Educación, 1962 (Imprenta Nacional), 408 p. Garay, Narciso, Tradiciones y cantares de Panamá : ensayo folklórico, editorial De L'exoansion Belge, 1930, Bélgica. Brenes Candanedo, Gonzalo, Los instrumentos de la Etnomusica de Panamá, Autoridad del Canal de Panamá, Panamá. 1999.

Reggaeton Reggaeton Orígenes musicales

Reggae en español, Reggae, Dancehall, Rap, Hip hop latinoamericano

Orígenes culturales

Desde los años 1980 en Panamá, más tarde en Puerto Rico desde 1990.

Instrumentos comunes

Guitarra, bajo, batería, sintetizador, caja de ritmos, sampler

Popularidad

Muy alta a partir de los años '90s Subgéneros Reggaeton alternativo Fusiones

Reggae fusion, Merengueton, Cubaton, Romantiqueo, Cumbiatón, Electro Flow

El reggaeton es un género musical procedente del reggae con influencias del hip hop,1 que se desarrolló por primera vez en Latinoamérica a mediados de los años 1980 y principios de los años 1990, nace y surge a raíz de la comunidad jamaiquina cuyos ancestros llegaron a Panamá, junto a inmigrantes afroantillanos durante el siglo XX.2 El reggaeton se originó partiendo de su predecesor el reggae en español. Después de este acontecimiento el reggaeton se siguió componiendo con las canciones de los jamaiquinos con los mismos instrumentales y las mismas melodias de voz pero con diferentes letras. Mientras que en Puerto Rico se usaban pistas de rap pero con letras y canciones diferentes.3

Contenido [ocultar]

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1 Historia o 1.1 Orígenes o 1.2 Expansión 2 Características o 2.1 Dembow o 2.2 Letras y temas 3 Etimología 4 Referencias 5 Enlaces externos

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6 Véase también

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Historia Orígenes Artículo principal: Reggae en español

Las raíces del reggaeton remontan a la aparición del reggae en español en Panamá hacia mediados de los años 1980,4 luego fue evolucionado y modernizado en Puerto Rico en los años 1990 donde recibió su nombre actual. El reggaetón empieza como una adaptación del reggae jamaiquino (y del posterior dancehall jamaiquino) a la cultura latina en Panamá. Los orígenes del reggaetón empezaron con las primeras grabaciones de reggae latinoamericanas hechas en Panamá durante los años 1980. La influencia del reggae jamaiquino en la música panameña ha sido muy fuerte desde principios del siglo XX, cuando importaron trabajadores de Jamaica para construir el Canal de Panamá1 Artistas como El General, Chicho Man, Nando Boom, Renato y Apache Ness empezaron a cantar reggae en idioma español por primera vez. Era una práctica común traducir las letras del reggae de Jamaica al español y cantarlas en sus melodías originales, esta forma fue denominada reggae en español. Mientras tanto, durante la década del 80 el rapero de Puerto

Rico, Vico C, lanzó discos de Hip Hop en español y reggae rap en su isla nativa. Su producción ayudó a extender el sonido del reggaetón, por lo cual se le da tanto crédito a este rapero. La extensión del movimiento del reggae en español en las comunidades latinoamericanas en los centros urbanos de Estados Unidos ayudó a incrementar su popularidad.5

Expansión

Vico C. Se comienza a difundir el reggaetón a principios de los años 1990, con canciones de rap en español de la escena underground, como "Soy de la calle" de Vico C. El agrado por el rap dio fruto a éxitos como "La escuela" de Ruben DJ. La fusión del ritmo reggae con el rap en español dio origen a una fusión que ha evolucionado hasta lo que hoy conocemos por reggaetón. Entre las primeras canciones de la fusión destaca "Me levanto los domingos" de Wiso G, que fue flanqueado con exponentes como Big Boy y producciones más viables del propio Vico C. El género comenzó acuñando el término underground en Puerto Rico, ya que debido a que no era un género conocido, era distribuido de manera clandestina entre la juventud. El primer casete que ayudó a llevar el reggaeton al mainstream fue "Playero 37" de DJ Playero, que contó con la participación de algunos artistas, entre ellos Daddy Yankee.6 El reggaetón pasó de ser género clandestino, a ser uno de los principales géneros más populares en América latina. La comercialización dio paso a las «tiraeras»: DJ's enemigos comenzaron una guerra lírica, donde se fue escalando la enemistad y la rencilla. Estas rencillas y muchas otras hicieron decaer el reggeaton a finales de los años 1990 (19972000). Un acuerdo entre todos los DJ's de terminar con la «tiraera» permitió que se destacaran artistas a la misma vez que compilaciones. Se siguió difundiendo el ritmo, ya popular especialmente entre la juventud, que llegó a calar en los sentidos rítmicos del resto de América Latina y los Estados Unidos, lo que le ha dado una posición no esperada para un género que en los años 2000 se consideró en penumbra. A partir de ese año entró en su momento de apogeo, conociéndose el estilo en múltiples países.

Características Dembow

El ritmo del Dembow en sí fue descubierto y producido por DJ's de dancehall jamaiquinos a finales de 1980 y principios de 1990, fue destacado en la canción Dem Bow de Shabba Ranks. El diseño del tambor y la percusión se crea a través de una caja de ritmos. La creación de la caja de ritmos en los finales de 1970 revolucionó la música dancehall, y muchos de los productores de dancehall utilizan estas cajas de ritmos para crear ritmos de dancehall diferentes. El Dembow en el reggaeton es la base y el esqueleto en la percusión. Otros ritmos utilizados en el reggaeton son "Bam Bam Riddim", "Poco Man Jam", "Big-Up Riddim", "Pounda". Como consecuencia de ello, las diferentes muestras se han utilizado para crear el Dembow del reggaeton. Así como el Reggaeton sigue evolucionando, también lo hace el ritmo Dembow, y muchos de los éxitos más recientes de reggaeton incorporan un ritmo más ligero y con adornos de música electrónica. Un ejemplo puede ser escuchado en la canción de Arcángel "Pa' Que La Pases Bien" 7 Las líneas de bajo y un ritmo repetitivo son las características del Dembow. Tiene una sincronización característica por la cual se guían la mayoría de las canciones, dando una referencia fácil para el baile. El ritmo es una variación de las líneas rítmicas del dancehall jamaiquino, que a mediados de los años 1980 fusionaba rítmicas inspiradas en el funk, creando así ritmos fuertes y bailables. El DJ es tan importante que, por lo general, al inicio de las canciones los cantantes nombran al o a los DJ que mezclan la pista de la canción. Otra de sus características son las voces estridentes, que son distorsionadas con equipos electrónicos, agregando un suave eco que le da más poder a cada palabra pronunciada (tipo dub, por ejemplo).

Letras y temas Las letras del reggaeton se caracterizan por apoyarse en la rima para lograr que la canción sea pegadiza y de fácil identificación para el público. Este estilo de rima está también inspirado en el raggamuffin y dancehall jamaiquino, aunque principalmente en el rap. Los temas de las letras desde un origen son de denuncia social. Las letras de las canciones se asemejan a las del hip hop. Al igual que el hip hop, la mayoría de cantantes de reggaeton recitan sus canciones con estilo de rap en lugar de cantarlas melódicamente, a diferencia de la música hip hop, un porcentaje significativo de los artistas de reggaeton también son cantantes que pueden mezclar el rap y el canto. El reggaeton comenzó como un género compuesto por artistas en su mayoría hombres, pero con el tiempo ha aumentado el número de artistas mujeres tales como: Ivy Queen, Mey Vidal y Nina Sky. Los temas de las letras típicos suelen hablar de denuncia social, reflexión, historias de amor, breves anécdotas y los problemas de la vida. En algunos casos, estos temas iniciales fueron derivando en rimas fáciles, letras sexualmente explícitas, muchas veces denigrantes y agresivas,1 lo que provocó un fuerte rechazo entre los puristas del género que afirman estar molestos por la forma como las discográficas se apoderaron del término reggaeton similar con otros géneros músicales nacidos de la vertiente underground para vender y promocionar una nueva generación de artistas.8 1 9

Etimología El origén del término reggaeton viene de la unión de las palabras "reggae" y "maraton" (maraton: nombre que se le da a un concurso de rima tipico del rap). Se cree que el témino probablemente fue acuñado por Vico C, que ya a mediados de los 80s, grababa rap en español underground. Con su música, Vico C pretendia "cambiar los pensamientos incorrectos en los hogares y en los legisladores, acabar con la hipocresía, las negligencias de los padres con los hijos y recuperar los valores de amor, paz y progreso".7 Sin embargo, el término solo comenzó a esparcirse cuando Ruben DJ durante un segmento en la televisión presento su disco "La Escuela", éste incluso fue el primer disco en llegar a la radio. Con una lírica instando a los menores y jóvenes a continuar sus estudios, el tema se convirtió para muchos como un "himno en el reggaetón", aunque no duró mucho. Según afirma Vico C, conocido como "El Filósofo", el reggaeton es en realidad un "arma revolucionaria".10 11

Pasos de Reggaeton para saber como se Baila Pasos de Baile de Reggaeton Para Reggaeton-School.com Es una pena que toda informacion relacionada en como se baila este genero sea incorrectar. He visto videos y paginas en el internet donde aseguran que es lo que hay a seguir y la manera correcta de bailarlo. Personalmente no estoy de acuerdo con ellos, por lo que he visto sus bailes son mas de rap, y de otros generos musicales y no van de acuerdo a este ritmo. El Reggaeton es un ritmo urbano o lo que llamamos callejero y no fue creado por Hollywood ni menos por ecenografos profesionales. Esto es un baile de pueblo creado por nosotros los latinos y ha medida que ha crecido cada pais le ha puesto su toque personal. La base del baile del Reggaeton es sus movimientos de cintura y de cadera con un poco de sensualidad sin ser de manera exagerada. Los proximos videos te ayudaran a ver sus bailes y movimientos de la menera correcta. Aqui tendras la manera basica para bailar en tus fiestas de predileccion ya seas hombre o mujer. Si deseas subscribete a nuestro blog completamente gratis asi podras tener mas informacion de nuestros bailes en este genero tan sexy y sensual que es el Reggaeton. Es completamente Gratis. Se parte de nuestra escuela. Esta Pagina tambien esta abierta para talentos que quieran aportar sus videos de como se baila este ritmo. Si deseas hacerlo debera hacerlo via e-mail a [email protected] y no debe de ser mas de 4 minutos de duracion.

Historia del Reggaeton Es importante que toda persona que quiera incurrir en este ambiente tenga bien claro sus inicios de este genero. El Reggeaton es un estilo completamente nuevo, pero sus origines comenzaron a los mediados de los 70's y teniendo como base para lo que aquel entonces se conocia como el Reggae Urbano. El Reggae se dio mas a conocer mas en su pais de origen y parte de los Estados Unidos. Anos mas tardes Panama y Puerto Rico comienzan a utilizar sus lyricas. Panama sigue su tradicion y ritmo Jamaiquino, mientras que Puerto Rico le da un giro total a este genero y comienza a integrarlo con el ritmo caribeno, de rap , hip-hop y al idioma del Espanol. Sus comienzos no fueron nada facil. Unos de los patriarcas en este moviemiento fue Vico-C y luego le siguieron muchos mas. Su exito no fue como se esperaba debido a que sus letras eran de contenido fuerte y su lenguage utilizado en sus letras insitaban a cosas negativas. Tambien surgio la discordia entre artistas llevandolos asi la "Tiraera" entre bandos. Luego de un acuerdo de exponente de el Reggaeton, para comienzo del ano 2000 deciden terminar tanta discordia. Esto permitio que el movimiento del el Reggaeton pasara de un giro de clandestino y underground a un estilo juvenil y muy querido por ninos, adolescentes y gente ya adulta. Ya en esta etapa salen las primeras producciones y se reconoce este genero como el Reggaeton. Daddy Yankee, Don Omar y Tego Carderon fueron grandes pilares para internacionalizar este ritmo llevandolo desde Puerto Rico a Latino America, El Caribe, Estados Unidos y Europa y tambien sobre pasando la barrera del idioma, llegando a paises como Francia, Alemania, y Japon. Muhos criticos hoy en dia reconocen que este genero ha sido el mejor creado en los pasados anos, y sobre todo que llego para quedarse. Son Artistas que han demostrado su Profesionalismo, y Talento ganandose asi el apoyo de el mundo entero.

Hip hop Hip hop Orígenes musicales

Funk, disco, dub, R&B, soul, toasting, scat

Orígenes culturales

Años 1970 en el Bronx, Nueva York

Instrumentos

Tocadiscos, sintetizador, DAW,

comunes

rapeo, caja de ritmos, sampler, beatboxing, guitarra, bajo, piano, batería

Popularidad

Mundial desde los 1980, especialmente popular en los 2000

Derivados

Electro, breakbeat, jungle/drum and bass, trip hop, grime Subgéneros

Rap alternativo, rap cristiano, conscious hip hop, freestyle rap, gangsta rap, hardcore hip hop, horrorcore, nerdcore hip hop, chicano rap, jerkin' Fusiones Country rap, hip hop soul, hip house, crunk, jazz rap, merenrap, neo soul, nu metal, ragga, rap rock, rap metal, hip life, low bap, glitch hop, new jack swing, electro hop Escenas regionales East coast, West coast, southern hip hop, hip hop británico, hip hop español, hip hop francés Enlaces Categoría:Hip hop El hip hop o hip-hop es un movimiento artístico que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn. El DJ Afrika Bambaataa subrayó los cuatro pilares de la cultura hip hop: MC, DJ, breakdance y grafiti.1 2 Otros elementos incluyen el beatboxing. La música hip hop o rap es un género musical que se desarrolló como parte de la cultura hip hop, y se define por cuatro elementos estilísticos: MC, DJ/turntablism, sampling (o sintetización de sonido) y beatboxing. El hip hop comenzó en el South Bronx de Nueva York a comienzos de los años 1970. El término rap suele utilizarse como sinónimo de hip hop, si bien hip hop también hace referencia a las prácticas de toda esta subcultura.3

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1 Los cuatro "elementos" 2 Origen del término 3 Años 1970 o 3.1 Orígenes o 3.2 Influencia de la música disco o 3.3 Transición hacia la grabación 4 Años 1980 o 4.1 Nacionalización e internacionalización o 4.2 New school hip hop o 4.3 Edad de oro del hip hop o 4.4 Gangsta rap y west coast hip hop 5 Años 1990 o 5.1 West Coast hip hop o 5.2 East Coast hip hop o 5.3 Diversificación de estilos o 5.4 Hip hop en el mundo 6 Años 2000 o 6.1 Dominio del sur o 6.2 Crunk y snap music o 6.3 Glitch hop y wonky o 6.4 Ventas a la baja o 6.5 Innovación y revitalización 7 Referencias 8 Bibliografía

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9 Enlaces externos

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Los cuatro "elementos"

Aeorosol, utilizado en el grafiti.

Breakdance, forma de baile típica del hip hop. Afrika Bambaataa acuñó el término hip hop en los años 1970, aunque años más tarde KRS One, originario del Bronx, quiso unificar en cuatro los elementos del hip hop:[cita requerida] el MCing (rapping), el DJing (turntablism), el breakdancing (bboying) y el grafiti. Su intención era simplificar la definición de hip hop, si bien para algunos ésta puede resultar incompleta ya que existen otras manifestaciones que quedarían excluidas de esta clasificación, como el beatbox, los murales, el beatmakin o producción de fondos musicales (beats), el popping, el locking o el uprocking, entre otras. Existen opiniones que también consideran necesario incluir otras manifestaciones no relacionadas con la música como el streetball (baloncesto callejero) o el skateboarding.[cita requerida] •

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La unión de dos de los elementos, el MC (Master of Ceremony, maestro de ceremonias en castellano) y el DJ (Disc Jockey), conforman el estilo musical del hip hop, el rap. El bboying es el baile popularmente conocido como breakdance. La persona que practica este baile se denomina bboy o bgirl (fly girl). Existe una notoria diferencia entre un bboy y un breaker: el primero baila por cuestiones meramente culturales y busca aportar elementos nuevos, innovando y llevando el nivel de dificultad a nuevas dimensiones. El breaker es la persona que baila solamente por interés o moda y se considera que no tiene conciencia del movimiento hip hop.[cita requerida] El grafiti es la rama artística pictórica de esta cultura aplicada sobre superficies urbanas. La estética de los grafitis ha influido en la historieta (como en las tiras de The Boondocks) y en el diseño de ropa, portadas de discos y otros objetos. Quienes practican esta faceta se denominan writers (escritores). Existen estilos de graffiti que se considera que tienen menos que ver con la cultura hip hop, como radical & political graffiti, street art y post graffiti (generalmente grafiti sobre política) y grafiti generado por ordenador.

Origen del término La creación del término hip hop suele atribuirse a Keith Cowboy, rapero que colaboraba junto a Grandmaster Flash and the Furious Five.4 No obstante, Lovebug Starski, Keith Cowboy y DJ Hollywood usaban el término cuando a esta música se la conocía todavía como disco rap. Se cree que Cowboy creó el término cuando bromeaba con un amigo que acababa de alistarse a las Fuerzas Armadas de EEUU, al cantar haciendo scat las palabras

"hip/hop/hip/hop" de forma que imitaba la cadencia rítmica de los soldados al marchar.4 Cowboy más tarde desarrolló la cadencia de su rima "hip hop" como parte de su actuación en directo, lo que pronto fue utilizado por otros artistas como The Sugarhill Gang en "Rapper's Delight".4 Afrika Bambaataa, fundador de Universal Zulu Nation, está reconocido como el primero en utilizar el término para describir una subcultura a la que esta música pertenecía. Se ha sugerido también que este era un término que se utilizaba para referirse de modo peyorativo a este estilo.5 El primer uso impreso del término fue en The Village Voice,6 por Steven Hager, más tarde autor de una historia del hip hop en 1984.7

Años 1970 Orígenes Artículo principal: Orígenes del hip hop

DJ Kool Herc, generalmente reconocido como el padre del hip hop.

Grandmaster Flash. Las raíces del hip hop pueden encontrarse en la música afroamericana y últimamente en la música africana. Los griots de África Occidental son un grupo de cantantes y poetas viajeros que forman parte de una tradición oral que se remonta a cientos de años atrás. Su estilo vocal es similar al de los raperos.8 Otras manifestaciones afroamericanas como signifyin', the dozens y el jazz poetry son descendientes de los griots. Adicionalmente, grupos de "humor" musical como Rudy Ray Moore y Blowfly están considerados por algunos como los abuelos del rap.

En la ciudad de Nueva York, las interpretaciones similares a los griots de poesía hablada y música por artistas como The Last Poets, Gil Scott-Heron y Jalal Mansur Nuriddin tuvieron un importante impacto en la cultura posterior al movimiento por los derechos civiles en los años 1960 y años 1970. El hip hop surgió durante los años 1970 en block parties, haciéndose cada vez más popular en la ciudad de Nueva York, especialmente en el Bronx, donde las influencias afroamericanas y puertoriqueñas se combinaron.9 Las block parties comenzaron a incorporar DJs que tocaban géneros de música populares, especialmente funk y soul. Como consecuencia de la positiva acogida, los DJs comenzaron a aislar los breaks de percusión de las canciones más populares. Esta técnica era común en el dub jamaiquino,10 11 y apareció en la ciudad de Nueva York gracias a la considerable comunidad de inmigrantes jamaicanos. Uno de los primeros DJs en Nueva York que utilizó esta forma de mezclar típica del dub fue DJ Kool Herc, que nació en Jamaica pero emigró a Estados Unidos en 1967. La música dub se había hecho popular en Jamaica gracias a la influencia de los marineros estadounidenses y al rhythm & blues. Grandes sound systems se fueron creando por jamaicanos con pocos recursos que no podían permitirse comprar discos. Como a la audiencia de Nueva York no le gustaba especialmente ni el dub ni el reggae, Herc pasó a pinchar discos de funk, soul y disco.Dado que los breaks de percusión eran cortos, Herc y otros DJs comenzaron a extenderlos utilizando una mesa de mezclas y dos discos. Las técnicas de turntablism, como el scratching (aparentemente inventado por Grand Wizzard Theodore12 13 ), beat mixing/matching y beat juggling se desarrollaron en paralelo a los breaks, creando una base sobre la que se podía rapear. Esas mismas técnicas contribuyeron a la popularización de los remixes a medida que el looping, el sampling y el remixing de la música de otros músicos, muchas veces sin su conocimiento o consentimiento, se desarrollaba como una extensión de la misma música dub jamaiquina,10 11 y terminaría por convertirse en el sello de identidad del estilo hip hop.

1520 Sedgwick Avenue, en el Bronx, edificio utilizado por Kool Herc y que está considerado como el lugar de nacimiento del hip hop. Los inmigrantes jamaiquinos también tuvieron gran influencia sobre el estilo vocal del rap al aportar sencillos raps característicos que entonaban en las fiestas y que estaban

inspirados por la tradición jamaiquina del toasting.10 14 Los DJs y MCs solían añadir cánticos de "llamada y respuesta", frecuentemente formados por estribillos básicos, que permitiían a los intérpretes espacio para reunir sus pensamientos (por ejemplo: "one, two, three, y'all, to the beat"). Posteriormente, los MCs lograron una mayor variedad en su entrega vocal y rítmica, incorporando rimas breves, muchas veces de temática sexual o escatológica, en un esfuerzo por diferenciarse de otros MCs y de entretener a la audiencia. Estos primeros raps incorporaban the dozens, un producto típico de la cultura afroamericana. Kool Herc & the Herculoids fueron el primer grupo de hip hop en lograr reconocimiento en Nueva York, [cita requerida] , pero el número de equipos de MC no dejaba de aumentar constantemente. En ocasiones estas colaboraciones tenían lugar entre antiguas pandillas, como la Universal Zulu Nation de Afrika Bambaataa y actualmente una organización internacional. Melle Mel, rapero junto a The Furious Five, suele reconocerse como el primer liricista del rap en llamarse a sí mismo "MC."15 Durante los primeros 1970 surgió el B-boying en las block parties, a medida que los b-boys y b-girls se situaban frente a la audiencia para bailar de un modo frenético y característico. El estilo fue documentado para la audiencia global por primera vez en documentales y películas como Style Wars, Wild Style y Beat Street. El término "B-boy" fue acuñado por DJ Kool Herc para describir a la gente que esperaba a la sección del break en la canción, colocándose en frente de la audiencia para bailar de forma distintiva Aunque se dieron casos de MCs que grabaron en solitario de modo significativo, como DJ Hollywood, Kurtis Blow y Spoonie Gee, no fue habitual la presencia de artistas en solitario hasta mucho más tarde, con la aparición de solistas como LL Cool J. La mayor parte del primer hip hop estuvo dominada por grupos donde las colaboraciones entre miembros era una parte integral del show.16 Un ejemplo sería el grupo de hip hop temprano Funky Four Plus One, quienes actuaron de esta manera en Saturday Night Live en 1981. La música hip hop era un vehículo y una voz para la juventud marginada que habitaba en las zonas con menos recursos económicos, al ser una cultura que reflejaba las realidades sociales, económica y políticas de sus vidas.[cita requerida]

Influencia de la música disco La música hip hop fue influida tanto por la música disco como por la reacción que se produjo contra ella. De acuerdo a Kurtis Blow, los primeros días del hip hop estuvieron caracterizados por divisiones entre fans y detractores del disco. El hip hop había surgido en buena medida como "una respuesta directa a la música disco rebajada y europeizada que se había hecho con las ondas",17 18 estando el primer hip hop basado principalmente en loops de hard funk. Sin embargo, hacia 1979, las instrumentales basadas en temas de disco se había convertido en buena parte de la base del hip hop. Este género adoptó el nombre de "disco rap". Irónicamente, la música hip hop tuvo un papel central en la decadencia que a continuación vivió la música disco.

DJ Pete Jones, Eddie Cheeba, DJ Hollywood y Love Bug Starski eran DJs de hip hop con una significativa influencia del disco. Su estilo se diferenciaba de otros músicos de hip hop que se centraban en rimas rápidas y en estructuras rítmicas más complejas. Afrika Bambaataa, Paul Winley, Grandmaster Flash y Bobby Robinson pertenecían al segundo grupo. En Washington, D.C. surgió el go-go como una reacción contra la música disco, incorporando en un momento dado características del hip hop en los primeros años 1980. La música electrónica se comportó de modo similar, pasando a convertirse más adelante en lo que se conoce como house en Chicago y techno en Detroit.

Transición hacia la grabación Se considera de modo generalizado que el primer disco de hip hop fue "Rapper's Delight" de The Sugarhill Gang, publicado en 1979.19 Sin embargo, existe cierta controversia en torno a esta afirmación en relación a "King Tim III (Personality Jock)" de The Fatback Band, que fue publicado unas semanas antes de "Rapper's Delight", en cuanto a su consideración como un disco de rap.20 Hay varios otros que también reclaman el título de primer disco de hip hop de la historia. En los primeros años de la década de los ochenta, todos los principales elementos y técnicas que dan forma al hip hop se habían desarrollado ya. Aunque todavía no era mainstream, el hip hop había permeado más allá de Nueva York. Se podía encontrar en ciudades tan diversas como Atlanta, Los Ángeles, Washington, D.C., Baltimore, Dallas, Kansas, San Antonio, Miami, Seattle, St. Louis, Nueva Orleans, Houston y Toronto. En ese sentido, "Funk You Up" (1979), el primer disco de hip hop publicado por un grupo femenino, y el segundo sencillo publicado por Sugar Hill Records, fue interpretado por The Sequence, un grupo de Columbia, South Carolina en el que tocaba Angie Stone.21 A pesar de la creciente popularidad del género, Filadelfia fue, durante muchos años, la única ciudad cuya contribución podía ser considerada equivalente a la de la ciudad de Nueva York. La música hip hop se hizo popular en Filadelfia a finales de los 1970. El primer disco que se publicó allí fue "Rhythm Talk", de Jocko Henderson. El periódico New York Times había denominado a Filadelfia la "Capital Mundial del Grafiti" en 1971. La DJ nativo de Filadelfia Lady B grabó "To the Beat Y'All" en 1979, y se convirtió en el primer artista de hip hop femenino en grabar un disco22 Posteriormente, Schoolly D, otro artista de Filadelfia, contribuyó a inventar lo que más adelante se conocería como gangsta rap.

Años 1980 Artículo principal: Música electro

La década de 1980 dio paso a la diversificación del hip hop como género, pasando a desarrollar diferentes estilos con creciente complejidad. Las primeras muestras de este

proceso de diversificación pueden identificarse en temas como "The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel" de Grandmaster Flash (1981), un tema completamente construido a partir de samples de otras canciones que supone un hito del turntablism. El tema "Planet Rock" de Afrika Bambaataa, con su fusión de diferentes estilos y su sonido electrónico, es un punto definitorio del electro que estaba naciendo. Además, "Beat Bop" (1983) de Rammellzee & K-Rob era una slow jam con una poderosa influencia del uso típico del reverb y el eco en el dub para crear estructuras y efectos de sonido. A mediados de los años 1980, el rock tuvo una cierta influencia sobre el hip hop, con la publicación de álbumes como King of Rock y Licensed to Ill. La utilización masiva de toda una nueva generación de cajas de ritmos como los modelos Oberheim DMX y Roland 808 es característica de muchas de las canciones de los 1980. Hasta la fecha, el golpe de bombo de la 8080 sigue siendo utilizado por los productores de hip hop. Con el tiempo, la tecnología de sampling se volvió más avanzada.

Afrika Bambaataa (a la izquierda). Con el surgimiento de una nueva generación de samplers como el AKAI S900 a finales de los 1980, los productores dejaron de necesitar la ayuda de loops de cinta. El primer álbum de Public Enemy fue creado con la ayuda de loops de cinta. El proceso de convertir un break en un loop para formar un breakbeat se hizo más sencillo y accesible con el sampler, que hacía el trabajo que antes había tenido que hacer manualmente el DJ. El contenido lírico del hip hop también evolucionó. Los primeros estilos presentes en los años 1970 pronto fueron reemplazados por letras metafóricas sobre instrumentales cada vez más complejas. Artistas como Melle Mel, Rakim, Chuck D y KRS-One revolucionaron el hip hop al transformarlo en una forma de arte más madura. El influyente sencillo "The Message" (1982) de Grandmaster Flash and the Furious Five está ampliamente considerado como pionero del rap consciente. Durante los primeros años 1980, la música electro se fusionó con elementos del movimiento hip hop, un proceso liderado por músicos como Cybotron, Hashim, Planet Patrol y Newcleus. El líder de esta corriente sería Afrika Bambaataa. Algunos raperos llegaron a convertirse con el tiempo en artistas de pop mainstream. La aparición de Kurtis Blow en un anuncio de Sprite fue la primera ocasión en que un músico de hip hop representaba un producto masivo.23 La canción de 1981 "Christmas Wrapping"

de la banda de new wave The Waitresses fue una de las primeras canciones de pop en usar "rapeos".

Nacionalización e internacionalización Con anterioridad a los años 1980, el hip hop se limitaba básicamente al entorno geográfico de los Estados Unidos. Sin embargo, durante los ochenta, comenzó a expandirse dando lugar a escenas propias en docenas de países diferentes. En la primera mitad de la década, el b-boying se convirtió en el primer aspecto de la cultura hip hop que llegó a paísess como Alemania, Japón, Australia y Sudáfrica. El músico y presentador Sidney se convirtió en el primer presentador negro de la televisión francesa con su show H.I.P. H.O.P.,24 que se emitió en TF1 durante 1984. Radio Nova contribuyó a la aparición de otras estrellas francesas como Dee Nasty, cuyo álbum de 1984 Paname City Rappin' junto a sus recopilatorios Rapattitude 1 y 2 contribuyeron a aumentar la conciencia sobre el hip hop en Francia. El hip hop siempre había tenido una estrella relación con la comunidad latina en Nueva York. DJ Disco Wiz y la Rock Steady Crew eran de Puerto Rico y estuvieron entre los primeros innovadores al combinar letras en inglés y castellano. The Mean Machine grabó su primer disco en el sello Disco Dreams en 1981, mientras que Kid Frost de Los Ángeles comenzó su carrera en 1982. Cypress Hill se formó en 1988 en el suburbio de South Gate a las afueras de Los Ángeles cuando Senen Reyes (nacido en Havana) y su hermano menor Ulpiano Sergio (Mellow Man Ace) se trasladaron desde Cuba a South Gate con su familia en 1971. Se unieron a DVX de Queens (Nueva York), Lawrence Muggerud (DJ Muggs) y Louis Freese (B-Real), un mexicano/cubano-americano nativo de Los Ángeles. Tras la marcha de "Ace" para continuar una carrera en solitario, el grupo adoptó el nombre de Cypress Hill, en honor a una calle que cruzaba un barrio cercano del sur de Los Ángeles. Se dice que el hip hop japonés comenzó cuando Hiroshi Fujiwara volvió a Japón y comenzó a pinchar discos de hip hop a comienzos de los 1980.25 El hip hop japonés suele estar muy influido por el old school hip hop.

New school hip hop Artículos principales: Old school hip hop y New school hip hop

La new school of hip hop (o nueva escuela de hip hop en castellano) fue la segunda ola de la música hip hop, originándose en 1983–84 con los primeros discos de Run-D.M.C. y LL Cool J. Al igual que ocurrió con el hip hop que la precedió, la nueva escuela venía predominantemente de Nueva York. La new school se caracterizaba inicialmente por el minimalismo de sus patrones rítmicos construidos mediante caja de ritmos y las influencias de la música rock. Es característico de este estilo los insultos y provocaciones sobre rapear, y la temática socio política, ambos asuntos lanzados con un estilo agresivo y auto aseverativo. Tanto en su imagen como en las canciones, los artistas proyectaban una actitud

dura, cool, callejera y b-boy. Estos elementos contrastaban profundamente con la estética funk y disco, las bandas en directo, los sintetizadores y las rimas festivas de los artistas anteriores a 1984, lo que hacía a esta corriente "antigua" ser considerada como old school (vieja escuela). Desde 1986, la música hip hop se hizo comercialmente exitosa, cambio ejemplificado por el álbum Licensed to Ill de Beastie Boys, que fue el primer álbum de rap en alcanzar el #1 en las listas de Billboard.26

Edad de oro del hip hop

Public Enemy. Artículo principal: Edad de oro del hip hop

La "edad de oro" del hip hop (o simplemente "edad dorada") es el nombre dado a un período en la historia del hip hop, que suele considerarse comprendido entre mediados de los 1989 y mediados de los 1990s. Se caracteriza por su diversidad, calidad, innovación e influencia.27 28 Se desarrollaron poderosas temáticas de afrocentrismo y de militancia política, sobre una música experimental y con un sampling ecléctico.29 Se produjo una influencia importante del jazz. Los artistas habitualmente asociados con esta fase son Public Enemy, Boogie Down Productions, Eric B. & Rakim, De La Soul, A Tribe Called Quest, Gang Starr, Big Daddy Kane y Jungle Brothers.30

Gangsta rap y west coast hip hop Artículos principales: Gangsta rap y West coast hip hop

El gangsta rap es un subgénero del hip hop que refleja los estilos de vida violentos de los jóvenes, especialmente afroamericanos, de los barrios periféricos y marginales de las ciudades.31 Gangsta es una pronunciación no rótica de la palabra gánster. Entre los precursores del género entre principios y mediados de los años 1980 están raperos como Schooly D y Ice T. Fue popularizado en la última parte de los 1980 por grupos como N.W.A. Ice-T publicó en 1986 "6 in the Mornin'", que suele ser considerado como la primera canción de gangsta rap. Tras la atención nacional generada por Ice-T y N.W.A a finales de los 1980 y primeros 1990, el gangsta rap se convirtió en el subgénero de rap más rentable desde un punto de vista empresarial. N.W.A es el grupo que con más frecuencia se asocia gangsta rap, siendo considerado como uno de los pioneros del género. Sus letras eran más violentas, abiertamente confrontacionales y chocantes que aquellas de otros grupos de rap más establecidos en la escena nacional. Incluían blasfemias constantes y, de modo controvertido, el uso de la palabra "nigger" de forma repetida. Estas letras eran cantadas sobre instrumentales duras,

con frecuentes riffs de guitarra de rock, lo que contribuía al sonido agresivo de su música. El primer álbum super ventas del género fue Straight Outta Compton de N.W.W y publicado en 1988. Straight Outta Compton daría pie al establecimiento del west coast rap como un género en si mismo considerado, y estableció a Los Ángeles como un rival legítimo a la capital tradicional del hip hop, Nueva York. Straight Outta Compton disparó la primera gran controversia relacionada con las letras del hip hop cuando su canción "Fuck Tha Police" provocó una carta del Asistente del Director del FBI, Milt Ahlerich, expresando la queja y preocupación sobre la misma de la policía.32 33 Como consecuencia de la influencia de Ice T y N.W.A, el gangsta rap suele reconocerse como un fenómeno original de la Costa Oeste, a pesar de la contribución al mismo de grupos de la Costa Este como Boogie Down Productions.

Años 1990 En 1990, MC Hammer logró un gran éxito comercial con el álbum multi platino Please Hammer Don't Hurt 'Em. El disco alcanzó el puesto #1 y su primer sencillo, "Can't Touch This", entró en el Top 10 del Billboard hot 100. MC Hammer se convirtió en uno de los raperos más exitosos de los primeros noventa y uno de los primeros nombres en ser conocidos en todos los hogares. El álbum llevó al rap a un nuevo nivel de popularidad. Fue el primer álbum de hip hop en ser certificado disco de diamante por la RIAA por alcanzar ventas superior a los diez millones.34 Se mantiene como uno de los discos que más ventas han logrado en la historia del género.35 Hasta la fecha, el álbum ha vendido al menos 18 millones de unidades.36 37 38 39 En 1992, Dr. Dre publicó The Chronic. Además de permitir que el west coast gangsta rap fuera más viable comercialmente que el east coast hip hop, este álbum creó un estilo denominado g funk, que pronto pasaría a dominar el hip hop de la Costa Oeste. El estilo fue desarrollado y popularizado por Snoop Dogg con su álbum de 1993 Doggystyle. Wu-Tang Clan saltaron a la fama alrededor de la misma época. Siendo de Staten Island, en Nueva York, Wu-Tang Clan llevó el East Coast de vuelta al mainstream en una época en la que la West coast dominaba ampliamente el rap. Otros artistas decisivos en el llamado "renacimiento del East Coast" fueron The Notorious B.I.G., Jay-Z y Nas. Los Beastie Boys continuaron con su éxito durante toda la década, cruzando líneas de raza y logrando el respeto de muchos artistas diferentes. Sellos discográficos de Atlanta, St. Louis y Nueva Orleans lograron cierta fama por su escena local. La escena del midwest rap también fue notable, gracias al rápido estilo vocal de artistas como Bone Thugs-n-Harmony, Tech N9ne y Twista. Hacia el final de la década, el hip hop era parte integral de la música popular, y muchas canciones de pop estadounidenses contaban con componentes de hip hop.

West Coast hip hop Artículo principal: West coast hip hop

Después de que el grupo N.W.A se disolviera, Dr. Dre (un antiguo miembro) publicó The Chronic en 1992, alcanzando el #1 en las listas de éxitos de R&B/hip hop,40 #3 en las listas de pop y #2 en los sencillos de pop con "Nuthin' but a "G" Thang." The Chronic llevó el west coast rap en una nueva dirección,41 fuertemente influenciado por el P funk, fusionando sórdidos beats de funk con letras cantadas lentamente. A este estilo se le denominó g-funk y dominó el hip hop durante un buen número de años gracias a un grupo de artistas que publicaban en Death Row Records y entre los que se encontraban Tupac Shakur, cuyo sencillo "To Live & Die in LA" fue un gran éxito, y Snoop Dogg, cuyo Doggystyle incluía las canciones "What's My Name" y "Gin and Juice," ambos éxitos del Top 10.42 Separados de este escena se encontraban otros artistas como Freestyle Fellowship, The Pharcyde así como otros miembros de la escena underground como el colectivo Solesides (DJ Shadow y Blackalicious entre ellos) Jurassic 5, Ugly Duckling, People Under the Stairs, The Alkaholiks, y unos primerizos Souls of Mischief que representaban un regreso a las raíces del hip hops.

East Coast hip hop Artículos principales: East Coast hip hop y Jazz rap

Guru, líder del dúo Gangstarr y creador de la saga Jazzmatazz. En los primeros años 1990 el east coast hip hop estaba dominado por el colectivo Native Tongues, compuesto de modo flexible por De La Soul junto al productor Prince Paul, A Tribe Called Quest, The Jungle Brothers, así como sus afiliados 3rd Bass, Main Source, y un menos exitoso Black Sheep & KMD. Aunque tuvo originalmente una "daisy age" donde se hacía hincapié en los aspectos positivos de la vida, pronto apareció otro material más oscuro (como "Millie Pulled a Pistol on Santa" de De La Soul). Artistas como Masta Ace (particularmente en SlaughtaHouse) & Brand Nubian, Public Enemy y Organized Konfusion tenían una pose más abiertamente militante, tanto en sonido como en sus formas. Biz Markie, el "príncipe payaso del hip hop", estaba causando tanto a sí mismo como a otros productores de hip hop un problema con su apropiación de la canción "Alone again, naturally" de Gilbert O'Sullivan.

Hacia mediados de los 1990, artistas como Wu-Tang Clan, Nas y The Notorious B.I.G. incrementaron la visibilidad de Nueva York en una época en la que el hip hop estaba mayoritariamente dominado por los artistas de la Costa Oeste. Desde mediados hasta finales de los 1990 apareció una generación de raperos como los miembros de D.I.T.C. y Big L o Big Pun. La producción de RZA, especialmente para Wu-Tang Clan, causo una gran influencia sobre artistas como Mobb Deep como consecuencia de su combinación de loops instrumentales, baterías altamente procesadas y comprimidas y contenido gangsta. Algunos álbumes de los afiliados a Wu-Tang como Only Built 4 Cuban Linx de Raekwon the Chef y Liquid Swords de GZA se ven con el paso de los años como clásicos dentro del material nuclear de WuTang. Otros productores como DJ Premier (fundamentalmente para Gangstarr pero también para otros MCs como Jeru the Damaja), Pete Rock (con CL Smooth y proveyendo de beats a muchos otros), Buckwild, Large Professor, Diamond D y The 45 King proporcionaban bases de gran calidad a un amplio número de artistas independientemente de su localizción. Álbumes como Illmatic de Nas, Reasonable Doubt de Jay-Z y Word...Life de O.C. fueron hechos a partir de beats de este conjunto de productores. Varios de ellos tuvieron una importancia capital en el desarrollo del jazz rap, como Premier con la saga Jazzmatazz o Pete Rock. La rivalidad entre raperos de la Costa Este y la Costa Oeste llegó a convertirse en una cuestión personal,43 a lo que contribuyó en gran medida los medios de comunicación musicales.[cita requerida] Aunque la mayor parte de la industria musical dominaba comercialmente el mercado del hip hop, el final de los 1990 y el comienzo de los 2000 vio aparecer un buen número de sellos independientes en la Costa Este que gozaron de éxito. Entre ellos están Rawkus Records (con quien Mos Def logró gran éxito) y posteriormente Def Jux.

Diversificación de estilos Artículo principal: Anexo:Géneros de hip hop

A finales de los años 1990, los estilos de hip hop se diversificaron. El Southern rap se hizo popular en los primeros 1990,44 con la publicación de 3 Years, 5 Months & 2 Days in the Life Of... de Arrested Development en 1992, Soul Food de Goodie Mob's en 1995 y ATLiens de OutKast en 1996. Los tres grupos eran de Atlanta, Georgia. Posteriormente, Master P (Ghetto D) edificó un conjunto de artistas (la posse No Limit) con base en Nueva Orleans. Master P incorporó influencias de g funk y Miami bass, así como sonidos característicos del sur. St. Louis, Chicago, Washington D.C., Detroit y otros lugares también comenzaron a lograr cierta popularidad. En los años 1990, diferentes elementos del hip hop siguieron siendo asimilados por otros géneros de música popular. El Neo soul, por ejemplo, combinaba hip hop con soul. En los

1980 y 1990, rapcore, rap rock y rap metal, fusionaron hip hop con hardcore punk, rock y heavy metal, haciéndose populars entre audiencias amplias. Rage Against the Machine y Limp Bizkit están entre los grupos más conocidos de esta área. La publicación por Digable Planets en 1993 de Reachin' (A New Refutation of Time and Space) causó gran impacto, siendo uno de los discos más reoconocidos del jazz rap gracias a sus sampleos de Don Cherry, Sonny Rollins, Art Blakey, Herbie Mann, Herbie Hancock, Grant Green y Rahsaan Roland Kirk. Lanzó el sencillo de gran éxito "Rebirth of Slick (Cool Like Dat)" que alcanzó el #16 en el Billboard Hot 10045 Aunque algunos raperos blancos como Beastie Boys, House of Pain y 3rd Bass habían logrado cierto éxito popular o aceptación crítica dentro de la comunidad hip hop, el éxito de Eminem, que comenzó en 1999 con el disco de platino The Slim Shady LP,46 sorprendió a muchos.

Hip hop en el mundo Artículos principales: Hip hop español, Hip hop británico, Hip hop francés y Hip hop

latinoamericano Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación acreditada, como revistas especializadas, monografías, prensa diaria o páginas de Internet fidedignas. Puedes añadirlas así o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión pegando: {{subst:Aviso referencias|Hip hop}} ~~~~

Los latinos jugaron un papel importante en el desarrollo inicial del hip hop, lo que se relaciona con la expansión del estilo por muchas zonas de Latinoamérica. En México, el hip hop comenzó con producciones como "Como estas feo" de Speed Fire y el éxito de Caló a principios de los 1990. En 1996 se da a conocer Control Machete, originarios de Monterrey, o Cypress Hill, que en ese año graba un disco totalmente en castellano. Países como Chile ha sido uno de los pioneros regionales con el grupo Panteras Negras, además de Argentina y Brasil. Es de destacar también a Immortal Technique, de Perú. En Sudáfrica, la crew pionera es Black Noise, que comenzó a rapear en 1989, siendo prohibidos más tarde por el Gobierno en la decadencia de la era del Apartheid. Después surgió en el país un distintivo estilo local de la fusión del house y Kwela. En otros lugares de África como en Tanzania, crews del Bongo Flava (como llaman al hip hop allí) como XPlastaz combinan hip hop con Taarab, Filmi y otros estilos. En Europa, el hip hop englobó indistintamente a miembros autóctonos de cada país e inmigrantes sin distinción. Gran Breatña creó una escena propia, al tiempo que en Alemania coexiste Die Fantastischen Vier con Kartel, el primer grupo de hip hop turco, muy conocido en Alemania, Turquía y Australia. Francia también ha producido una importante escena nacional con artistas que han logrado importantes éxitos de ventas como IAM, Suprême NTM, Booba o Assassin. En EEUU, quizá el rapero francés más popular sea el senegalés de nacimiento MC Solaar. En Suecia, el hip hop emergió a mediados de los 1980 y a principios de los 90 con grupos como Looptroop, The Latin Kings o Infinite Mass.

En España surgieron diferentes artistas y grupos en los años ochenta como D.N.I, MC Randy & D.J. Jonco o la Zona Norte Posse. Pero fueron CPV (Club de los poetas violentos) los primeros en sacar un LP, Madrid Zona Bruta, en 1994. En la actualidad existen diferentes grupos y artistas como Violadores del Verso, 7 Notas 7 Colores, SFDK, Solo los Solo o Nach.

Años 2000

Eminem actuando en una fiesta para DJ Hero en Los Ángeles. La popularidad del hip hop continúo durante los años 2000. En esta década, el disco The Marshall Mathers LP de Eminemvendió cerca de diez millones de copias en los Estados Unidos y fue el álbum más rápidamente vendido de toda la historia.47 El LP debut de Nelly, Country Grammar, vendió más de nueve millones de copias. En los 2000, la música crunk, un género derivado del Southern hip hop, logró considerable popularidad gracias a artistas como Lil Jon y Ying Yang Twins. La influencia del hip hop siguió creciendo en el pop comercial durante este período, especialmente hacia mediados de la década. En la Costa Este, entre los grupos más populares se encuentran 50 Cent, cuyo álbum de 2003 Get Rich or Die Tryin' debutó en el número uno del U.S. Billboard 200 charts.48 Además del éxito mainstream, Estados Unidos también vio alcanzar el éxito al rap alternativo de la mano de intérpretes como The Roots, Dilated Peoples, Gnarls Barkley y Mos Def, quienes logran un reconocimiento significativo. El álbum de Gnarls Barkley St. Elsewhere, que contenía una fusión de funk, neo soul y hip hop, debutó en el número 20 del Billboard 200. Adicionalmente, None Shall Pass, álbum publicado por Aesop Rock en 2007, fue muy bien recibido,49 y alcanzó el #50 en las listas de Billboard charts.50

Dominio del sur

En torno a 2003 y 2004, el southern rap y el dirty south, creado fundamentalmente por artistas de Atlanta, continúa avanzando terreno en el plano comercial, sumando a sus letras una temática más festiva. Artistas como Lil Jon, Young Jeezy, YoungBloodZ, Ying Yang Twins o T.I. son ejemplo de ello. Aunque Atlanta era considerada en esta época la capital del southern rap, la ciudad de Houston empezó a producir también raperos de éxito como Paul Wall, Chamillionaire, Mike Jones, Slim Thug, Lil' Flip o Z-Ro, lo que les permitió en conjunto dominar las listas.

Crunk y snap music Artículos principales: Crunk y Snap (música)

El crunk se originó a partir del southern hip hop hacia finales de los 1990. Los precursores del estilo son artistas de Memphis, Tennessee y Atlanta, Georgia. Suelen utilizarse ritmos desnuos y formados por loops de caja de ritmos. La Roland TR-808 y 909 están entre las más populares. Los patrones de caja de ritmos suelen acompañarse por melodías sencillas y repetitivas de sintetizador así como por pesados golpes de bajo. El tempo de la música es algo más lento que el habitual en el hip hop, aproximadamente a la misma velocidad que el reggaeton. El punto crucial del crunk suele tener más que ver con los beats y la música que con las letras mismas. Los raperos que practican crunk rappers suelen gritar sus letras, creando un estilo duro y agresivo, casi heavy, de hip hop. Mientras que otros estilos de hip hop tratan sobre cuestiones sociopolíticas o personales, el crunk suele ser casi exlusivamente música de fiesta, favoreciendo las estructuras y los eslógans de llamada y respuesta en lugar de otros enfoques más profundos.51 El snap es un subgénero de crunk que surgió en Atlanta hacia finales de los 1990. El género pronto logró popularizarse. Entre los temas más conocidos están "Lean Wit It, Rock Wit It" de "Dem Franchize Boys", "Laffy Taffy" de D4L, "It's Goin' Down" de Yung Joc y "Crank That (Soulja Boy)" de Soulja Boy Tell 'Em.

Glitch hop y wonky Artículo principal: Wonky

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El glitch hop es un género que fusiona el hip hop con la música glitch que se origina a comienzos de los años 2000 en Estados Unidos y Europa. Musicalmente, está basado en breakbeats irregulares y caóticos, líneas de bajo glitchy y otros efectos de sonido habituales

en la música glitch, como skips. Entre los artistas de glitch hop se encuentran artistas como Prefuse 73, Dabrye y Flying Lotus. La música wonky es un subgénero del hip hop que se originó alrededor de 2008 en buena parte del globo, aunque especialmente en Estados Unidos y entorno al sello discográfico inglés Hyperdub, bajo la influencia del glitch hop y del dubstep. La música wonky tiene glitches como el glitch hop, pero se diferencia por sus melodías, ricas en "inestables sintes de medio-rango". Escocia se ha convertido en uno de los lugares donde más se ha desarrollado esta música, con artistas como Hudson Mohawke y Rustie. En Glasgow, Rustie ha creado un subestilo de wonky llamado "aquacrunk", una fusión de wonky y crunk. El glitch hop y el wonky son populares entre un limitado número de personas interesadas en hip hop alternativo y música electrónica (especialmente dubstep). Ninguno de los dos han logrado popularidad a gran escala, si bien tienen influencia sobre otras producciones mainstream.

Ventas a la baja A partir de 2005, las ventas de discos tanto de hip hop como de otros géneros musicales en Estados Unidos comenzaron a caer de manera severa, lo que llevó incluso a la revista Time a preguntarse si el hip hop dentro de la corriente principal musical estaba comenzando a morir, afirmando que "el hip hop está colapsando debido a que ya no pueden engañar a los niños blancos, hay demasiada redundancia"52 La revista Billboard encontró que desde el año 2000 las ventas de rap habían caído en un 44%, descendiendo en un 10% las ventas de todo tipo de música.53 La crítica cultural Elizabeth Blair de la NPR hizo notar que "algunos expertos de la industria musical dicen que la gente joven está harta de la violencia, de lo degradantes que son las letras de las canciones y sus imágenes (misoginia, sexo, drogas). Otros opinaban que la música seguía siendo tan popular como antes, pero que los aficionados a ella habían cambiado sus hábitos de consumo."54 Se ha argumentado también que muchos jóvenes descargan música de manera ilegal, especialmente a través de las redes P2P, en vez de comprar álbumes y sencillos en tiendas legítimas. Para otros, la culpa es de la falta de contenido lírico en el hip hop. En álbumes modernos, además, también ha sido notable la falta de sampleo, el cual se considera que ha bajado de calidad. Por ejemplo, solo se usaron tres samples en el álbum de 2008 de T.I. llamado Paper trail, mientras que en el álbum Moment of Truth de 1998 de Gang Starr hay 35 de ellos. La disminución en el sampleo es debida en parte a que son muy caros para los productores musicales.55 En el documental de Byron Hurt de nombre Hip Hop: Beyond Beats and Rhymes, se afirma que el hip hop ha cambiado de "rimas inteligentes y ritmos bailables" a la "promoción de la corrupción personal, social y criminal."56

Innovación y revitalización

Kanye West. Hacia finales de los años 2000 el rap alternativo logró finalmente hacerse un hueco en el mainstream,gracias en buena medida al declive comercial del gangsta rap así como al éxito crossover de artistas como OutKast, Kanye West y Gnarls Barkley.57 El disco de OutKast Speakerboxxx/The Love Below no solo tuvo buena acogida por la crítica musical, sino que además recibió la atención de oyentes de diferentes edades y gustos musicales como rap, rock, R&B, punk, jazz, indie, country, pop, electrónica y gospel. Logró dos sencillos número uno certificados por RIAA que vendieron más de once millones de copias,58 convirtiéndose en el álbum con más ventas de todos los tiempos y logrando el Premio Grammy al mejor álbum del año en su 46 edición, siendo el segundo álbum de rap en lograr ese honor. Diferentes observadores dentro de la industria vieron la guerra de ventas entre el álbum Graduation de Kanye West y Curtis de 50 Cent como un punto de inflexión para el hip hop. West emergió como el vencedor, vendiendo cerca de un millón de copias solo en la primera semana, probando que el rap innovador podía ser tan comercialmente viable como el gangsta rap, si no más.59 Aunque lo diseñó como pop melancólico más que como rap, el álbum continuación de Kanye, 808s & Heartbreak, tendría un significativo efecto sobre la música hip hop. Su decisión de cantar sobre amor, soledad y dolor de corazón durante todo el álbum fue al principio duramente criticada por la audiencia musical, prediciéndose que el álbum sería un descalabro. Sin embargo, su buena acogida crítica junto al éxito comercial animaron a otros raperos mainstream a tomar más riesgos creativos en su música.60 61 El movimiento de rap alternativo no se limita a Estados Unidos. Otros raperos como el poeta somalí-canadiense K'naan, el japonés Shing02 y la artista con origén en Sri Lanka M.I.A. han logrado consderable reconocimiento en todo el mundo. En 2009, la revista TIME sitúo a M.I.A en su lista para Time 100 de las "Personas más Influyentes del Mundo" por haber "tenido una influencia global en muchos géneros".62 63

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