The Art of Composition: A Dynamic Symmetry User's Guide for the Modern Artist

  1 

Table   of   Contents    Disclaimer  About   Dynamic   Symmetry   Art  Help   Keep   This   User's   Guide   and   Website   Free  Donate   to   Dynamic   Symmetry   Art   Today!  My   Personal   Thank   You  What   is   Artistic   Style?  Why   Compose?  Without   Design,   There   May   Be   Representation,  But   There   Can   Be   No   Art   ­  Kenyon   Cox  Kenyon   Cox   on   Modern   Art   and   Composition  The   Art   of   Seeing   and   Visual   Literacy  Teaching   Visual   Literacy   in   America   (K­12)  How   Well   Can   You   Read   a  Drawing,   Painting,   or   Photograph?  Classical   Art   Training   for   the   Photographer  Bruce   Barnbaum   ­  Composition   in   Photography  Design   and   the   20th   Century   Modern   Art   Movement  What   Is   an   Atelier?  The   Importance   of   Looking   Back  Why   I  Reference   Juliette   Aristides  Introduction   to   The   Art   of   Composition  What   Is   Classical   Skill­Based   Design?  The   Gap   Between   Photography   and   Art  The   Difference   Between   a  Fine   Art   Print   and   a  Work   of   Art  Feeling   and   Genius   in   Modern   Art  Why   Rules   Are   Necessary   For   Learning   Art   and   Design  Breaking   the   Rules   in   Composition  2 

15   Myths   About   Composition   in   Art   and   Photography  My   Recommendations   for   Artists   and   Photographers  That   Want   to   Learn   the   Art   of   Composition  The   Painter's   Secret   Geometry  Dynamic   Symmetry   and   the   Root   Rectangles   (the   Golden   Section   System   of   Design)  Modern   Artist's   Fear   of   Dynamic   Symmetry  Learning   How   to   Use   Dynamic   Symmetry  Learning   How   to   Analyze   Drawings,   Paintings,   and   Photographs  Determining   Grid   Structure  Determining   Proportion  Accuracy   in   Analyzing   Art  Why   Design   Grids   Are   Important   for   Learning   Composition  How   to   Create   the   Dynamic   Symmetry   Root   Rectangles  A   Closer   Look   at   the   Rule   of   Thirds  Why   the   Rule   of   Thirds   Is   Popular   With   Artists   and   Photographers  The   Rule   of   Thirds   and   the   21st   Century   Artist  The   Mechanics   of   a  Rule   of   Thirds   Grid  Limitations   of   the   Rule   of   Thirds  The   Mechanics   of   a  Dynamic   Symmetry   Grid  The   Baroque,   Sinister,   and   Reciprocal   Diagonal   Lines  The   Rule   of   Thirds   Grid   vs.   The   Dynamic   Symmetry   Grid   (visual   comparison)  Advantages   of   Using   a  Dynamic   Symmetry   Grid  The   "Eyes"   of   a  Grid  Can   Design   Exist   Without   Diagonal   Lines?  Intuition   in   Composition   (Master   Artists)  Charles   Bouleau   Armature   vs.   The   Root   Rectangle   Armature  Creating   Additional   Lines   Within   the   Armature  3 

Intuitive   Knowledge   in   Composition   (Master   Photographers)  Examples   of   Master   Photographers   Using   the   1.5   Armature  Bringing   the   1.5   Rectangle   Into   the   Golden   Section   System   of   Design  Henri   Cartier­Bresson   and   the   1.5   Rectangle  The   Decisive   Moment   ­  by   Henri   Cartier­Bresson  Misunderstanding   the   Decisive   Moment  Henri   Cartier­Bresson   ­  Setting   the   Scene  The   Root   2  Dynamic   Symmetry   Rectangle   vs.   The   1.5   Rectangle  The   Golden   Section   and   the   Phi   Ratio   (1.618)  Melody   and   Harmony  How   to   Create   a  Phi   Rectangle   (1.618)  How   to   Create   a  Root   Phi   Rectangle  The   Phi   Rectangle   (1.618)   vs.   The   1.5   Rectangle   A  Simple   Composition  My   Approach  How   to   Make   a  Dynamic   Symmetry   Grid   Overlay   for   Any   Digital   Camera  Are   Design   Grids   Necessary   for   Photography?  A   Complex   Composition  How   Artists   Create   Divisions   in   a  Drawing   or   Painting   Using   Calipers  Overlapping   Dynamic   Symmetry   Root   Rectangles  Dynamic   Symmetry   in   Advertising  Additional   Information   on   Composition   and   Balance   in   Art  The   Use   of   Straight   Lines   in   Composition  The   Vertical   Line   in   Composition  The   Horizontal   Line   in   Composition  The   Diagonal   Line   in   Composition  Rabatment   in   Composition  4 

Rabatment:   Taking   It   One   Step   Further  Rabatment   in   Photography  Secondary   Rabatment  The   Importance   of   a  Thumbnail   Image   in   Composition  Figure­Ground   Relationship   in   Composition  Horizontal   vs.   Vertical   in   Composition  Simultaneous   Contrast   in   Composition  Separating   Elements   in   Composition  Echoing   in   Composition  Juxtaposition   in   Composition  Edge   Distractions   in   Composition  Edge   Elements   That   Work   in   Composition  Dutch   Angle   in   Composition  Gamut   in   Composition  90   Degree   Angles   in   Composition  The   Arabesque   in   Composition  Coincidences   in   Composition  Radiating   Lines   in   Composition  Aspective   View   in   Composition  Perspective   in   Composition  Gazing   Direction   in   Composition  Pointing   Devices   in   Composition  The   Difference   Between   Pointing   Devices   and   Leading   Lines  Breathing   Room   in   Composition  Aerial   Perspective   in   Composition  Ellipses   in   Composition  Enclosures   in   Composition  5 

Negative   Shapes   in   Composition  Notional   Space   in   Composition  Circular   Composition  Overlapping   in   Composition  Hierarchy   in   Composition  Greatest   Area   of   Contrast   in   Composition  Composition   With   One   Subject  Composition   With   Two   Subjects  Composition   With   Three   Subjects  The   Problem   With   the   Rule   of   Odds  Composition   With   Figures   in   a  Group  Balance   in   Art   and   Composition  Classical   Balance   in   Composition  Steelyard   Principle   in   Composition  Balance   by   Isolation   in   Composition  Vertical   and   Horizontal   Balance   in   Composition  Entrance   Into   a  Composition  Exiting   out   of   a  Composition  Value   in   Composition  Value   Pattern   in   Composition  Final   Thoughts  Supplemental   Information  How   to   Create   a  Dynamic   Symmetry   Grid   for   Any   Size   Rectangle  Additional   Recommended   Books   and   Audio   Recordings  Additional   Dynamic   Symmetry   Examples          6 

Disclaimer    The   Art   of   Composition:   A  Dynamic   Symmetry   User's   Guide   for   the   Modern   Artist   is   an  extensive   collection   of   personal   analytical   notes   (written   over   the   past   three   years)   that   I  wanted  to   share   with   other   artists   and   photographers   that   have   a  passion   for   learning   more   about  composition   in   art.     Additionally,   this   user's   guide   was   written   to   expand,   clarify,   and   piece   together   information  previously   published   in   the   books   The   Art   of   Composition:   A  Simple   Application   of   Dynamic  Symmetry   by   Michel   Jacobs,   The   Elements   of   Dynamic   Symmetry   by   Jay   Hambidge,   Geometry  of   Design   by   Kimberly   Elam,   The   Painter's   Secret   Geometry   by   Charles   Bouleau,   Classical  Drawing   Atelier   by   Juliette   Aristides,   Classical   Painting   Atelier   by   Juliette   Aristides,   Pictorial  Composition:   An   Introduction   by   Henry   Rankin   Poore,   and   the   drawing   DVD   series   by  Barnstone   Studios.      The   Art   of   Composition:   A  Dynamic   Symmetry   User's   Guide   for   the   Modern   Artist   is   not   intended  for   commercial   distribution   and   should   only   serve   as   a  free   teaching   aid   for   students   who   want  to   learn   more   about   Dynamic   Symmetry   (and   the   14   line   armature   of   the   rectangle)   in   art   and  photography.   Because   this   user's   guide   is   a  collection   of   daily   analytical   notes   and   is   always  evolving,   please   check   back   weekly   for   updates.   Finally,   all   critiques   and   analytical   notes  demonstrated   in   this   user's   guide   should   not   be   interpreted   as   criticism   of   one's   work,   but   rather  viewed   as   an   attempt   to   teach   the   modern   artist   and   photographer   how   to   expand   their   visual  literacy   skills.      About   Dynamic   Symmetry   Art    Dynamicsymmetryart.com   is   a  comprehensive   skill­based   art   learning   resource   for   the   serious  artist,   photographer,   and   graphic   designer   that   wants   to   learn   the   genuine   art   of   composition   and  improve   their   visual   literacy   skills.   Unlike   so   many   other   art   and   photography   websites   that   offer  the   same   artless   tips,   tricks,   and   rules,   dynamicsymmetryart.com   is   about   separating   fact   from  fiction,   revealing   the   painter's   secret   geometry,   and   providing   easy­to­apply   design   techniques  for   anyone   that   has   a  strong   desire   to   create   masterful   work.       Because   of   the   20th   century   Modern   Art   Movement   in   America,   far   too   many   artists   and  photographers   have   relied   solely   on   their   "feelings"   and   "instinct"   to   create   compositions   instead  of   developing   real   design   skills   through   intellectual   studies   and   careful   application.   As   can   be  expected,   this   "creative"   approach   to   design   in   art   has   caused   disastrous   results.   For   without   the  much­needed   knowledge   on   Dynamic   Symmetry   and   the   armature   of   the   rectangle,   as  discussed   in   Charles   Bouleau's   book   "The   Painter's   Secret   Geometry,"   the   contemporary   artist  and   photographer   can   never   reach   their   full   artistic   potential   regardless   of   how   much   time   they  invest   in   their   craft.     7 

  Help   Keep   This   User's   Guide   and   Website   Free  Donate   to   Dynamic   Symmetry   Art   Today!    The   Art   of   Composition:   A  Dynamic   Symmetry   User's   Guide   for   the   Modern   Artist   is   currently  offered   as   a  free   download.   If   you   find   the   information   in   this   user's   guide   beneficial,   help   me   to  help   you   by   making   a  small   *donation   of   any   amount   using   the   PayPal   donate   button   below.  Your   contribution   allows   me   to   offer   this   user's   guide   and   all   future   updates   at   no   cost.  Additionally,   your   generous   support   helps   to   maintain   this   free   website   which   includes   design,  research,   and   computer   software   expenses.     *As   a  special   thank   you   from   Dynamic   Symmetry   Art   and   Barnstone   Studios,   with   every  donation   of   $5.00   or   more,   you   will   receive   an   exclusive   50­minute   preview   of   the   video   "The  Golden   Section:   Unlocking   the   Secrets   of   Design"   plus   an   additional   15%   discount   on   any  Barnstone   Studios   product.    Thank   You   for   Your   Support! 

 

    8 

*The   Art   of   Composition:   A  Dynamic   Symmetry   User’s   Guide   for   the   Modern   Artist  (a   series   of   personal   analytical   notes)      My   Personal   Thank   You    Thank  you  for  downloading  The  Art  of  Composition:  A  Dynamic  Symmetry User’s Guide for the  Modern  Artist.  I  hope  you  find  the  information  useful  and  your  passion  for  learning  more  about  art  and  design  never  ends.  For  myself,  studying  geometry  has  been  an  obsession  that  started  over  eight  years  ago.  This  user's  guide  is  a  result  of  that  "obsession"  and  has  become,  over  time,  a  personal  diary  that  I  update  when  I  discover  new  material  that  I  want  to  share  with  my  readers.    Let  me  start  by  saying  that this is not your typical book written on the topic of composition in art.  While  many  contemporary  artists  and  photographers  will  limit  themselves  to  the  everyday  principles  of  design,  if  properly  applied,  Dynamic  Symmetry  will  propel  your  art  to  uncharted  territories   that   you   never   dreamed   possible.        Most  artists, myself included, fear failure in their art. This fear is normal. However, when our fear  prevents  us  from  learning or developing new skills, it becomes counterproductive and damaging  to  our  personal  growth.  Learning  how  to  “see,"  also  known  as  visual  literacy,  is  a  progressive  process  and  isn't  always  easy.  All  of  the  techniques  that  I  mention  here  require  practice  and  some  failure  is  inevitable  along  the  way.  Nonetheless,  it's  important  to  remember  that  we  must  welcome   our   failed   attempts,   learn   from   them,   and   move   on.      With  that  said,  studying  composition  in  art  requires  time,  patience,  and  a  desire  to  learn.  Even  though  Dynamic  Symmetry  isn't  hard,  it  does  take  effort.  And  despite  my  best  intentions  to  provide  as  much  information to help the reader master the art of composition, it's not possible to  include  everything  on  the  topic  in  one  book.  In  the past, Myron Barnstone has mentioned that it  takes  him two years to adequately teach a student the golden section system of design and how  to   apply   it   to   their   art.    Because  classical  skill­based  design  can  seem  overwhelming  at  first,  I  have  tried  to  give  as  many  examples  as  possible  to  help  the  beginner  with  the  process  of  analyzing  compositions.  The  act  of  learning  how  to  deconstruct  and  reconstruct  art  is  a  critical  step  in  the  learning  process,  and  you  should  try  to  decode  as  many  masterworks as time will allow. However, if you  have  any  questions  about  design  or  any  of  the  other  composition  techniques  I  mention  in  this  guide,   please   drop   me   a  note   by   clicking  h   ere .       Help   Other   Artists   and   Photographers   by   Sharing   This   Link!   http://www.dynamicsymmetryart.com/the­art­of­composition.html     9 

Prologue    Every  artist  has  their own style. From da Vinci to Degas, to Rembrandt to Renoir, you can easily  identify  their  work.  If  you're  a  photographer  interested  in  learning  more  about  the  art  of  photography,  you  might  want  to  study  the  photographs  of  Henri  Cartier­Bresson,  Alex  Webb,  Constantine  Manos,  Elliott  Erwitt,  or  Vivian  Maier.  And  while  most  everyone  would  agree these  well­known   street   photographers   are   masters   of   the   same   genre,   their   photos   look   nothing   alike.    One  should  never  disregard  or  minimize  the  importance  of design in their art as a characteristic  of  personal  "style."  Nor  should  style  be confused with pictorial structure. Style is highly personal  whereas  creating effective pictorial structure requires the knowledge and application of universal  composition  principles.  Indeed,  all  master  artists  and  photographers, of every period, have their  own  stylistic  differences,  yet  they  all  follow  the  same  respectable  system  of  design  ­  meaning  Dynamic   Symmetry   and   the   armature   of   the   rectangle.   Not   the   Rule   of   Thirds.    Because the Rule of Thirds is the most widely acknowledged and accepted composition concept  in  mainstream  art  and  photography,  I  address  the  rule  in  great detail throughout this document.  However,  my  objective  for writing about the Rule of Thirds is not to encourage its use, but rather  to  demonstrate  unequivocally  to the reader that master artists, highly skilled photographers, and  advertisers  don't  apply  it  to  their  work.  As  Myron  Barnstone  once  said,  "To  only  know  one  little  system  like  the  Rule  of  Thirds  and  none  of  the  other  rich  design  procedures  that  artists  have  used   is   to   be   poverty­stricken."   I  couldn’t   agree   more.   The   Rule   of   Thirds   is   not   design.    Design is a visual language that must be learned, mastered, and applied if an artist expects their  work  to  mature  fully.  And  even  though  Modern  Art  ideology  doesn't  encourage  skill­based  art  training,  by  no  means  should  the  contemporary  artist  assume  that  classical  art  techniques,  which  are  thousands  of  years  old,  are  outdated  or  invalid.  In  truth,  the Modern Art philosophies  of  "personal  expression"  and  "creativity,"  which  are  so  prevalent  in  today's  culture,  only  have  significance  if  one's  "personal  expression"  is  executed  with  a  certain  amount  of  artistic  proficiency.   Only   then   can   an   artist   or   photographer   be   truly   "creative."     Furthermore,  despite  the  many  misguided  and  romanticized  claims  that  some  people  are  born  with  the  "gift"  of  understanding  composition,  while  others  are  not,  I  can  state  with  absolute  certainty  that  these  claims  are  erroneous.  Composition  in  art  is  NOT  intuitive,  and  nobody  is  born  with  the  ability  to  grasp  all  the  principles  of  classical  skill­based  art.  Master  artists  take  great  strides  to  develop  sophisticated  designs,  and  it's  highly  unlikely,  if  not  impossible,  that  anyone   can   create   artwork   with   geometric   precision   or   visual   mastery   based   on   intuition   alone.       With  design  being  one  of  the  least  understood  and  lost  skills  in  art  today,  learning  the  art  of  composition  is  more  important  than  ever.  The  purpose  of  this  user's  guide  is  to  reintroduce  those  lost  skills  and  help  artists  achieve  the  highest  level  of  quality  in  their  work.  Whether  you  draw,  paint,  sculpt,  or  take  photographs,  understanding  and  applying  effective  design  techniques   to   art   is   not   a  luxury   ­  it's   a  necessity.   10 

What   is   Artistic   Style?    Artistic  style  can  loosely  be  defined  as  a  combination  of personal interest in a particular subject  matter,  the  techniques  the  artist  employs  in  their  work,  and  the  tools  they  use  to  execute  their  art.  For  example,  I  currently consider myself a landscape photographer. This is not my style, but  rather  the  genre  that  I  work  within.  However,  my  approach  to  photographing  landscapes,  the  subject  matter  I  choose,  and  the  particular  camera,  lens,  etc.  depict  my  personal  artistic  style.  It's   a  combination   of   these   elements   that   make   my   images   unique   and   identifiable   to   me.     Over  the  years,  I’ve  had  a  large  number  of  photographers  ask  me  how  they  should  go  about  developing  their  own  artistic  style.  While  there  is  no  clear  answer  to  such  a  complicated  and  personal  question,  my  advice  to  them  has  always  been  the  same.  First  master  the  art  of  composition  and  learn  as  much  as  you  can  about  classical  skill­based art. Then once you have  invested  the  appropriate  amount  of  time  to  learn  the  necessary  skills  in  your  chosen  craft,  you  can   explore   the   idea   of   artistic   freedom   and   personal   expression.    

   

  Sydney   McGinley   painting   designed   in   a  root   4  Dynamic   Symmetry   rectangle    Master   pastelist   Sydney   McGinley   first   developed   her   skills   under   the   instruction   of   Myron  Barnstone,   then   developed   her   own   artistic   style.   McGinley   is   a  signature   member   of   the   Pastel  Society   of   America   and   designated   as   a  Master   Pastelist   by   this   New   York   City   organization.     Related   article:  M   yron   Barnstone:   An   art   career   in   perspective  11 

Why   Compose?    When  you're  visiting  an  art  gallery  and  a  painting  grabs  your  attention  from  across  the  room,  have  you  ever  asked  yourself  why?  Is  it  the  color  arrangement, the subject matter, or the brush  strokes?  How  about  the  medium  used? Is it because the artist used watercolor or oils? While all  of  these  artistic  qualities  can  contribute  to  the  success  of  a  masterful  work  of  art,  more  than  likely,   it   was   none   of   the   above.   It   was   probably   the   composition.    All  art  forms  require  composition.  Think  of  a  musician  like  Mozart.  He  is  conforming  to  a  particular  arrangement  of  notes  so  that  his  music  is  pleasing  to  our  ears.  A  skillful  writer  will  learn  how  to  structure  their  sentences  so  the  reader  can  move  fluidly  through  the  chapters  in  their  book.  An  artist  that  draws,  paints,  or  photographs  will  require  an  effective  arrangement  of  subject,  shape,  color,  and  value  to  make  their  art  more  powerful,  more  compelling,  and  more  expressive.   A  well­designed   work   of   art   will   achieve   this   goal.    Henry  Rankin  Poore  once  said,  "Composition  is the mortar of the wall, as drawing and color are  its  rocks  of  defense.  Without  it,  the  stones  are  of  little  value  and  are  but  separate  integrals  having  no  unity."  Undeniably,  composition  is  the  glue  that  binds  all  of  the  various  elements  together  in  a  frame.  A  haphazard  composition,  solely  created  using  one's  intuition,  won't  be  as  effective  as  a  carefully  planned  design.  A successful work of art will draw the viewer in, let them  wander  for  a  period  of  time,  and  allow  them  to  exit  gracefully.  Simply  put,  composition  is  the  foundation   of   all   art.   

  Edward   Hopper,   “Morning   Sun,”   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle   

  Michael   C.   Hayes,   “Haven,”   designed   in   a  root   4  Dynamic   Symmetry   rectangle  12 

Without   Design,   There   May   Be   Representation,   But   There   Can   Be   No   Art   ­  Kenyon   Cox    There  are  many  artists  as  well  as  photographers that read about Dynamic Symmetry and brush  it  off  as unimportant, are intimidated by it, or think it's too complicated to use. And because most  of  us  have  been  taught  art  based  on  Modern  Art  philosophies  of  the  20th  century,  the  contemporary  art  student  has  a  difficult  time  believing  that  composition  in  art  isn't  random  or  intuitive  but  rather  planned  and  precise.  However,  design  cannot  successfully  be  ignored  or  reduced  solely  to  human  intuition  if  an  artist  ever  expects  to  reach  their  full  potential,  master  their   craft,   and   produce   a  consistent   body   of   work   in   their   lifetime.    As  humans,  we  have  the  ability  to  view  an  entire  picture  at  once,  but  we  can't  focus  on  every  element  at  the  same  time.  That  is  to  say,  we  visually  scan  different  areas  of  an  image  independently  and  then  our  brain  pieces  them  together  ­  much  like  a  jigsaw  puzzle.  For  this  reason,  solid  design  principles  must  be  applied  to  art  for  it  to  be  successful.  Without a properly  composed  picture,  the  viewer's  eyes  will  roam  aimlessly  unable  to  makes  sense  of  what  the  artist  is  ultimately  trying  to  convey.  Therefore,  if  a  drawing,  painting,  or  photograph  doesn't  contain   a  well   constructed   and   intelligent   design,   it   can't   legitimately   be   considered   a  work   of   art.      Related   article:  I f   Everything   is   Art,   Then   Nothing   is   Art   by   Fred   Ross      Kenyon   Cox   on   Modern   Art   and   Composition   

  Painting   above,   by   Kenyon   Cox,   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle    Perhaps  the  greatest  weakness  of  modern  art  is  the  relative  neglect  of  what  is ordinarily called  composition,  or  what  I  prefer  to call by the good old word design. The word composition means,  of  course,  the  putting  together  of  the  picture,  and  seems  to  imply  a  more  or  less  mechanical  assemblage  of  separately  existing  parts. The word design conveys the finer and truer idea of an  original  guiding  thought,  a  principle  of  unity,  out  of  which  the  parts  and  details  of  a  picture  are  13 

developed  by  a  natural  and  organic  growth.  You  compose  a  pudding  or  a  black  draught­­you  design  a  work  of  art.  Yet  the  word  composition  is  a  convenient  one,  and  one  so  commonly  understood   that   I  shall   use   it   interchangeably   with   the   word   design.    Whatever it is to be called, that the thing itself is rather out of fashion there can be no doubt. Our  tendency  has  been  to  exalt  the  other  parts  of  the  art  of  painting  at  the  expense  of  this  fundamental  one  of  design,  and  to  decry  and  belittle  composition  as  a  thing  of  small  or  no  importance.  Indeed,  if  one  may  believe  all  one  hears,  its  very  existence  has  been denied; for a  well­known  and  justly  admired  American  painter  has  been  quoted  as  telling  his  pupils  that  "There  is  no such thing as composition." If he ever said so, one is left in doubt as to just what he  could  have  meant.  It  is  possible  that  he  intended  to say that there is no science of composition,  and  no  valid  rules  for  it,  that  design  is,  and  must  be,  a  matter  of  instinct  and  of  unconscious  creative  action  on  the  part  of  the  artist.  In  that  case, what is true in his statement is equally true  of   drawing   and   color   and   handling.    In  all  these  things  the  business  of  the artist is to create and to leave to others the task of finding  out  the  reasons  for  the  form  of  his  creations.  It  is  possible,  in  any  art,  to  formulate principles to  account  for  what  has  first  been done, it is impossible, by the application of rules based on these  principles,  to  create  a  new  and  vital  work.  This  is  not  a  reason  for  neglecting  the  study  of  the  masterpieces  of  art,  for  ignorance  was  never  yet  creative.  It  is  simply  the  statement, in another  form,  that  the  artist,  however  well  trained,  must  be  an  artist  born,  and  work  as  the  artist  has  always   worked.    It  is  possible,  also,  that  what  was  meant  to  be  expressed  was merely a personal preference for  informal  and  expressive  design  over  formal  and  monumental  design;  for  the  composition of the  isolated  easel  picture  over  the  composition  of  the  great  mural  painting.  If  so,  it  was  the  expression  of  a  preference so common in our time as to be nearly universal; a preference which  has  caused  us  to  place  on  the  walls  of  great  public  buildings  pictures  that  seem  to  defy  rather  than  to  enrich  the  design  of  the  surrounding  architecture;  a  preference  which  has  led  to  the  writing  of  textbooks  on  composition  that  include  in  the  list  of  their  don’t’s  nearly  all  the  things  which   a  study   of   the   great   masters   would   inculcate   as   things   to   do.    Whatever  else  was  meant,  it  is  almost  inconceivable  that  a  literal  denial  of  the  existence  of  composition,  or  design,  can  have  been  intended,  for that would have been the denial to the arts  of  the  one  thing  they  have  in  common,  of  the  one  great  fundamental  and unifying principle that  makes  art.  Design  is  arrangement,  is  order,  is  selection.  Design  is  the  thing  that  makes  a work  of  art  a  unit,  that  makes  it  a  whole  rather  than  a  haphazard  collection  of  unrelated  things  or  a  slice   of   unassimilated   nature.    It  does  not  merely  concern  itself  with  great  decorative  compositions  or  arrangements  of  many  figures;  it  is  necessarily  present  in  the  simplest  problems  art  can  set  itself.  Suppose  you  are to  paint  a  portrait  head.  There  will  be  questions  of  drawing,  of  character  and  expression,  of  light  and  shade  and  color,  of  the  handling  of your material, to all of which you must find answers; but  14 

before  you  can  consider  any  of  these  things,  there  will  be  the  initial  question:  where  are you to  place  the  head  on  your  canvas?  How  far  from  the  top  and  the  bottom,  how  far  from  the  left  or  right­hand  border.  And  what  is  the  shape  of  your  canvas  to  be,  rectangular  or  circular  or  oval,  and  what  shall  be  the  proportion  of  height  to  width?  This  is  the fundamental problem of design,  the  problem  of  the  division  of  space.  If  you  are  going  to  do  a  little  more  of  the  figure,  other  problems  will  come  into  play.  Shall  you  include  the  hands,  and,  if  so,  where  shall  you  place  them?    That  is  the  problem  of  the  balancing  of  dominant  and  subordinate  masses.  What is the general  silhouette  of  your  figure,  and  where  shall  it  cut  the  borders of your canvas? That is the problem  of  line.  If  you  do  not  settle  it  intentionally  and  well  it  will  settle  itself  accidentally  and,  in  all  probability,  badly.  The  problems  of  design  are  essentially  the  same  in  everything  you  do;  they  only   become   more   complicated   as   the   subject   becomes   more   complex.    If  you  are  to  paint  a  still­life,  it  is  evident  that  you  must  arrange  the  objects  somehow;  they  will  not  come  together  of  themselves.  You  might,  conceivably,  begin  a  portrait  and  wait  for a happy  accident  a  spontaneous  pose  of  the sitter to give you the arrangement of the hands: you cannot  wait  for  the  copper  kettle  and  the  dead  fish  to  place  themselves  agreeably.  And  still,  less  can  nature  or  accident  determine  your  composition  of  a  number  of  figures  unless  you  rely  entirely  upon  snapshots.  If  you  have  any  intention,  any  story  to  tell,  any  idea to express, if it is no more  than   the   idea   of   a  crowd   you   must   arrange   your   figures,   well   or   ill.    Even  in  landscape  painting  of  the  most  naturalistic  kind,  where  it  is  not  uncommon  today  to  accept  what  nature  gives,  abdicating  the  right  to  put  in  or  leave  out and retaining only that right  of  choosing  an  agreeable  view  which  the  photographer  exercises  equally  with  the  painter  even  there,  though  you  may  reproduce  a  natural  landscape  as  literally  as  you  are  able,  you  must  determine  where  to  cut  it  off.  You must decide where to make the division between your chosen  matter  and  the  rest  of  nature which you reject, you must think whether your material will go best  onto  an  upright  canvas  or  an  oblong  one,  and  what are to be its proportions and dimensions. In  that  act,  you  are  exercising  the  art  of design. You cannot escape from design; you cannot avoid  composing.   You   may   compose   badly   but   compose   you   must.    And  if  the  demands  of  design  are  fundamental  they  are  also  universal.  It  is  not  only  your  lines  and  masses  that  must be composed but your light and shade, your color, your very brush marks  must  be  arranged;  and  the  task  of  composition  is  not  done  until  the  last touch has been placed  upon  the  canvas,  although,  for  the  sake  of  convenience,  the  term  composition,  or  design,  is  generally  limited  to  the  arrangement  of  lines  and  masses,  the  arrangement  of  the  other  elements   of   the   picture   being   considered   separately.     As  design  is  the  underlying  and  unifying  principle  of  every  work  of  art,  so  it  is  the  classic  principle,  par  excellence,  the principle which makes for order and stability and clarity and all that  the  classic  spirit  holds  most  dear.  It  is  conservative  in  its  nature  and  tends  to  preserve  the  old  molds  even  when  new  matter  is  put  into  them.  It  holds  on  to  tradition  and  keeps  up  the  15 

connection  with  the  past.  It  changes,  but  it  changes  more slowly than almost any other element  of   art.    Great  and  original  power  of  design  is  more  rare  than  any other of the powers of an artist, and a  radically  new  form  of  design  is  very  nearly  inconceivable.  Artists  will  make  a  thousand  new  observations  of  nature  and  almost  entirely  alter  the  contents  of  a  work  of  art  before  they  make  any  but  slight  changes  in  the  pattern  in which it is cast; and in all the history of painting the men  are   but   a  handful   who   have   made   any   material   addition   to   the   resources   of   the   designer.     If  in  our  own  day  we  seem  to  have  cut  loose  from tradition and to have lost our connection with  the  great  design  of  the  past  it  is  not  because we have suddenly acquired a surprising degree of  designing  power  and  are  inventing  a  new  and  modern  art  of  composition,  but  because  most  of  us  have  forgotten  altogether  how  to  compose  and  are  trying  to  get on without any design at all;  the   result   being   bad   design   and   mere   chaos....     To   download   the   book  “  The   Classic   Point   of   View”   by   Kenyon   Cox,   click  h   ere .    

  Drawing   above,   “Study   for   Ceiling   Decoration,”   by   Kenyon   Cox      16 

The   Art   of   Seeing   and   Visual   Literacy    Looking  and  seeing  are  not  the  same.  Someone  who  is  looking  at  an  image  (or  work  of  art)  is  only  picking  up  a  few  small  details  ­  much  like  skimming  text  in  a  book.  Someone  who  "sees"  has  the  ability  to  decode  all  the  elements  of  an image (or work of art). In other words, looking is  passive   while   seeing   is   comprehensive.     Art  is  a  universal  language  and  a  form  of  communication.  To  become  a  visually  literate  artist,  one  must  learn  the  language  of  art  ­  meaning the alphabet, the grammar, and the vocabulary of  seeing.  In  simpler  terms,  a  visually  literate  artist  can  read,  write,  and  interpret  the  visual  language.  In  modern  times,  becoming  visually  literate  is  more  important  than  ever.  Because  of  the  Internet  and  technology,  we  have  become  a  media­driven  culture  that  relies  almost  entirely  on   images.   In   fact,   most   people   view   images,   on   average,   about   7.5   hours   a  day.      Currently,  our  education  system  teaches  textual  literacy  and  computer  literacy  but  neglects  visual  literacy  as  a  core  curriculum.  Also,  far  too  many  artists  aren't  taught  the  visual  language  as  part  of  their  art  educational  program.  This  lack  of  knowledge  prevents  the student from ever  reaching  their  full  potential,  and  their  overall  body  of  work  suffers  dramatically.  Therefore,  if  an  artist  can't  read  or  write  the  visual  language,  they  won't  have  the  necessary  skills  to  apply  that  knowledge   to   their   own   work,   and   effective   communication   through   art   becomes   impossible.   

   Dot   Bunn   painting   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle  17 

  Linda   Adair,   “Anathema,”   designed   in   a  root   4  Dynamic   Symmetry   rectangle       Teaching   Visual   Literacy   in   America   (K­12)    Due  to  the  recent  revival  of  classical  skill­based  art  education  in  America,  the  lessons required  to  become  a  visually  literate  artist  are  currently  taught  starting  at  the  early  age  of  five  (kindergarten)  and  continue  through  the  student's  high  school  years  (K­12).  By the ninth grade,  the  student  is  introduced  to  the  golden  section,  the  Fibonacci  spiral,  the  armature  of  the  rectangle,  and  other  design  tools  to  learn  the  basic  skills  necessary  for  analyzing  (deconstructing  and  reconstructing)  a  master  artist's  work.  Below  are  several  images  from  the  ninth­grade   lesson   "Composition   Study   with   Chardin"   from   the   website   The   Da   Vinci   Initiative.     Related   article:  A   rt   Can’t   Be   Taught ?  by   Mandy   Theis   Hallenius   Related   article:  C   lassical   Training   in   Art   Opens   Creative   Choices  b   y   Sharon   Kilarsk  Related   article:  T   he   Road   to   Visual   Literacy  b   y   Myron   Barnstone  Related   article:  T   he   Da   Vinci   Initiative  b   y   Brandon   Kralik   

 

  18 

     

  Painting   above   by   high   school   student   trained   using   skill­based   art   techniques  19 

   

  Drawings   above   by   high   school   students   trained   using   skill­based   art   techniques  20 

  Middle   school   student   drawing   from   observation   (The   Da   Vinci   Initiative)      How   Well   Can   You   Read   a  Drawing,   Painting,   or   Photograph?    Below  is  a  simple  test  containing  fifteen  questions  about the painting "Madonna of the Pilgrims"  by  Caravaggio  that  will  help  determine  your  current  level  of  knowledge  on  composition  as  well  as  your  ability  to  read  a  work  of  art.  These  questions  form the core building blocks of the visual  language  and  every  artist, regardless of the medium used, should be able to answer most, if not  all,   of   them   effortlessly.    

  21 

● ● ● ● ● ● ● ● ● ● ● ● ● ●

●

What   Dynamic   Symmetry   rectangle   does   Caravaggio   use   for   the   painting?  In   the   Dynamic   Symmetry   grid,   can   you   locate   the   main   diagonal   lines   and   their  reciprocals?  What   is   the   dominant   diagonal   line   in   the   painting?   The   Baroque   or   the   Sinister?  Where   in   the   painting   is   the   greatest   area   of   contrast?  Which   figures   are   designed   in   the   rabatment   of   the   rectangle?  What   diagonal   line   is   repeated   more   often   than   any   other?   The   Baroque   or   the   Sinister?  Where   is   the   dominant   vertical   and   horizontal   line   in   the   painting?  What   specific   areas   in   the   composition   demonstrate   good   figure­ground   relationship?  Can   you   outline   all   the   coincidences,   radiating   lines,   and   arabesques?  Can   you   locate   all   the   pointing   devices   in   the   composition?  Is   the   painting   designed   using   classical   balance   or   the   principle   of   the   steelyard?  Can   you   break   down   all   the   figures   and   surrounding   elements   into   simple   geometric  shapes?  Can   you   determine   the   limited   number   of   directions   (gamut)   Caravaggio   is   using   in   his  design?  Can   you   identify   the   nine   components   of   light   and   shadow?   These   include   the   highlight,  light   (halo   surrounding   the   highlight),   local   light,   light   halftone,   middle   halftone,   dark  halftone,   form   shadow,   core   shadow,   and   dark   accent.   Can   you   determine   the   location   of   the   light   source   based   on   the   highlights,   the   cast  shadows,   and   the   form   shadows?      Classical   Art   Training   for   the   Photographer 

  Throughout  this  document,  I  repeatedly  separate  the  artist  from  the  photographer.  This  distinction  in  labels  isn't  accidental  or  derogatory.  In  truth,  most  photographers  aren't  taught  in  the  same  manner  or  to  the  same  capacity  as  the  classically  trained  artist.  For  example,  the  classically  trained  artist  must  first  learn  how  to draw before they move on to any other aspect of  art  education.  Through  the  act  of  drawing,  one  learns  how  to  see,  interpret,  and  express  their  vision   successfully.      In  contrast,  far  too  many  photographers  restrict  their  education  to  the  technical  aspects  of  photography  and  rarely,  if  ever,  study  the  art  of  composition.  Additionally,  photographers  will  often  assume  that  if  they  learn  how  to  produce  a  "fine  art  print,"  it's  considered  a  work  of  art.  Unfortunately,  this  isn't  always  the  case.  The definition of a "fine art print," by today's standards,  is  usually  limited  to  the  technical  characteristics  of  the  physical  print  and  doesn't  always  consider   the   artistic   components   of   design,   visual   balance,   figure­ground   relationship,   etc.      With  this  in  mind,  if  a  photographer  wants  to  learn  how  to  create  images  that  are  considered  "art,"  or  at  least  artistic  in  nature,  they will have to study classical skill­based art techniques and  transfer   that   knowledge   to   the   act   of   taking   photos.   22 

Regrettably,  most  photography  books  and  websites  only  discuss  the  subjective  and  technological  aspects  of  image  making  and  almost  never  acknowledge  the  necessary  design  skills   required   for   becoming   a  highly   trained   artist.     Related   article:  D   rawing   Is   the   Heart   by   Juliette   Aristides  Related   article:  F   ilm   vs.   Digital   (A   Pointless   Debate)   

 

  Photograph   by   Magnum   master   photographer   Carolyn   Drake     In  the  image  above,  notice  how  Magnum  photographer  Carolyn Drake uses the armature of the  1.5  rectangle  to  create  dynamic  energy  in  her  composition.  Despite  what  most  contemporary  photographers  are  taught, relying solely on intuition to take photographs isn't enough to a create  a   master   level   body   of   work.   Real   design   skills   will   always   be   required.  23 

Bruce   Barnbaum   ­  Composition   in   Photography    (from   the   book  T   he   Art   of   Photography )    "When   a  photograph   is   well   composed,   viewers   first   see   the   elements   that   the   artist   wants   them  to   see   most   prominently   and   remember   longest.   Next,   they   notice   the   elements   of   secondary  importance,   and   finally   the   elements   of   subordinate   interest.   With   good   composition,   the   artist  leads   viewers   through   the   photograph   in   a  controlled   manner.   There   is   nothing   haphazard   about  seeing   a  photograph.   Composition   is   the   artist’s   way   of   bringing   order   into   a  non­ordered   world.  In   essence,   this   is   what   the   dictionary   definition   calls   for.    This   definition   helps   explain   why   a  magnificent   scene   often   fails   to   translate   into   a  fine  photograph.   The   scene   may   be   quite   complex.   The   eye   accepts   this,   darting   about   and   selecting  the   most   important   bits   of   information,   then   filling   in   the   rest.   But   a  photograph   or   any   other   work  of   visual   art   must   organize   that   information.   If   it   fails   to   do   so,   the   viewer’s   eye   roams   about  aimlessly,   unable   to   find   the   artist’s   statement   because   there   is   none.   The   scene   has   not   been  composed,   but   merely   selected.   The   photograph   is   not   a  work   of   art,   but   merely   a  recording   of  the   scene   with   one   critical   defect:   it   lacks   the   presence   of   the   real   scene."      To   download   the   book  T   he   Art   of   Photography ,  click  h   ere .    

  Bruce   Barnbaum,   “Fallen   Sequoias”  24 

Design   and   the   20th   Century   Modern   Art   Movement    In  the  early  1940s,  formal  design  was  pushed  out  of  the  art  educational  system,  along  with  all  classical  skill­based  training,  by  the  Modern  Art  movement  in  America.  As  a  result,  after  the  second  World  War,  very  few  artists  in  this  country were trained in the art of composition, and by  the  1980s  over  1500  years  of  accrued  technical  skills  were  on  the  verge  of  becoming  extinct.  Unfortunately,   this   lack   of   education   and   knowledge   of   design   principles   is   still   prevalent   today.    For  this  reason,  it's  not  surprising  to  hear that the 20th century is considered the worst period in  the  history  of  art.  As  Fred  Ross  states  in  the  article  Good  Art,  Bad  Art,  "Three­quarters  of  the  20th  century  will  go  down  in  art  history  as  a  great  wasteland  of  insanity  ­­  a  nightmarish  blip  in  the  long  road  of  the  development  of  human  logic,  and  reason  and  art,  from  which  we  are  only  just   starting   to   awake."    Despite  the  negative  impact  of  the  last  century,  the  art  world  is  slowly  changing.  With  modern  Conceptual  art  popularity  deteriorating  and  classical  skill­based  ateliers  emerging  all  over  the  country,  the  next  generation  of artists is finally able to acquire the much­needed training that will  allow  them  to  create masterful art. In fact, if the current trend in the art industry continues, within  the  next  ten years, learning design will be one of the most sought out and demanded "lost" skills  in   art   education.     Related   article:  A   rtist   Robert   Florczak:   Classical   Ideals   Give   Culture   Depth   by   S.   Kilarski   Related   article:  T   he   Failure   of   Art   Education   in   America    "Atelier   training   is   no   longer   a  dying   tradition.   More   studios   are   opening   across   the   country   than  I   can   keep   track   of,   and   the   number   of   students,   once   just   a  handful,   is   now   in   the   thousands.  Despite   every   reason   why   this   movement   might   remain   small,   it   continues   to   grow."    ­   Juliette   Aristides,  L   essons   in   Classical   Painting   

  Paintings   above   by   William­Adolphe   Bouguereau,   Jackson   Pollock,   and   Ray   Wanda   Totanes   (15­year­old   Da   Vinci   Initiative   student)  25 

What   Is   an   Atelier?    Atelier  is  a  French  word  that  means  a  workshop  or  studio  used  by  an  artist  or  designer.  The  history  of  the  contemporary  atelier  goes  back  to  the  nineteenth­century  French  painter  Jean­Léon  Gérôme.  Many  American  artists  which  include  Kenyon  Cox,  Abbott  Handerson  Thayer,  and  William  McGregor  Paxton  studied  at  Gérôme’s  studio.  Once  trained,  Paxton  brought  Gérôme’s  teachings  back  to  America  and later taught the artist R.H. Ives Gammel, who  then   trained   Richard   Lack.   Lack   started   his   own   school   in   1969.     Related   article:  T   he   Atelier   Approach   to   Art   Education  b   y   Fred   Ross   Related   article:  J   uliette   Aristides   on   TRAC   with   the   Atelier   Movement  b   y   Brandon   Kralik   

  Richard   Lack   critiquing   James   Childs’   Cast   Drawing   (1973).    

  26 

The   Importance   of   Looking   Back    One  of  the  core  beliefs  of  modernism  is  that  a work of art can't be derivative for it to be original.  Of  course,  anyone  with  a  little  common  sense  would  know  there  is  no  validity  in  such  an  irrational  philosophy.  All  of  the  necessary  skills  required  to  become  an  accomplished  artist  (drawing,  modeling,  composition,  canvas  preparation,  color  theory,  paint  control,  etc.)  are,  in  fact,   derivative.     Sadly,  many  contemporary  artists  don't  recognize  or  acknowledge  any  connection  to  the  art  of  the  past.  As  a matter of fact, modern­day art teachings encourage the idea of creating art based  solely  on  instinct  rather  than  learned  skills.  This  "teach  by  not  teaching"  approach  to  education  prohibits  the  student  from  flourishing  and  the  modern artist is forever stuck in a state of creative  primitivism.     Therefore,  if  the  modern  artist  ever  expects  to  advance  in  their  work,  they  must  first  learn  and  master  the  skills  of  those  that  have  come  before  them  and  use  that  acquired knowledge, along  with  their own unique creativity and intuition, to create art that will add value to the long­standing  tradition   of   classical   art.     Related   article:  O   ne   Question   with   Juliette   Aristides   

  Peter   Paul   Rubens,   “Venus,   Cupid,   Bacchus,   and   Ceres,”   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle  27 

Why   I  Reference   Juliette   Aristides    I  refer  to  Juliette  Aristides  repeatedly  throughout  this  document.  There  are  several  reasons  for  this.  Firstly,  she  is  one  of  my  favorite  modern  master  artists.  I  find  her  work  to  be  of  extraordinary  quality  and  the  subject  matter  of  her  art  appeals  to  me  on  a  personal  level.  Secondly,  her  books  are  easy  to  read  and  contain  a  lot  of  valuable  information  for  all  artists,  including  photographers.  And  thirdly,  she  is  one  of  only  a  few  modern  master  artists  that  will  speak  openly  about  design  in  art.  The  majority  of  artists  that  use  Dynamic Symmetry, or the 14  line  armature  of  the  rectangle,  refuse  to  discuss  it  and,  sometimes,  intentionally  go  out  of  their  way  to  avoid  the  topic  altogether.  Below  are  several  reasons  why  I  believe  most  master  artists  won’t   talk   about   design   in   their   art.    The   Illusion   of   Spontaneity    Many  modern  master  artists  won't  talk  about  design  because  they  would  like  to  maintain  the  illusion  that  composition  happens  intuitively  and  spontaneously  ­  which  of  course,  it  doesn't.  A  masterful  work  of  art  will  always  require  an  understanding  of  solid  design  principles  as  well  as  the   know­how   to   apply   those   principles   to   one's   art.     The   Artist's   Competitive   Edge    A  trained  master  artist  fully  understands  that  employing  Dynamic  Symmetry,  or  the  14  line  armature  of  the  rectangle,  in  a  composition  elevates  their  work  above  other  competitors  that  don't  use  it  or  know  how  to  apply  it  to  their  art.  All  things  being  equal,  an  artist  that  uses  a  structured  system  of  design,  in  comparison  to  an  artist  that  relies  solely  on  intuition,  can  mean  the   difference   between   a  masterpiece   and   an   unsuccessful   work   of   art.     Related   article:  J   uliette   Aristides   on   Composition  ­    Classical   Drawing   Atelier   

  Juliette   Aristides   painting   designed   in   a  1.5   rectangle  28 

Introduction   to   The   Art   of   Composition    Whether  you  are  picking  up  a  pencil,  brush,  or  camera  for  the  first  time,  or  you  have  been  an  artist  for  many  years,  there  is  valuable  information  in  this  user's  guide  for  everyone.  Not  only  does  this  manual  have  a  vast  amount  of  material  on  Dynamic  Symmetry,  but  it  also  has  the  most   comprehensive   collection   of   advanced   composition   tips   anywhere   on   the   Internet.     The  principles  outlined  in  this  PDF  document  form  the  basic  building  blocks  of  art that, through  the  artist's  unique  vision,  intuition,  and  training,  can  be  applied  with  infinite  variety. Additionally,  because  there  is  a  significant  amount of knowledge involved in the study of classical skill­based  art,  this  is  a  continuously  evolving  document  that  will  help  any  artist  achieve  their  personal  goals, put them on the most productive path for creating masterful compositions, and allow them  to   learn   at   their   own   pace.     As  a  result  of  studying  design  religiously  for  over  eight  years,   I  believe  that  learning  the  art  of  composition  is  a  never  ending  journey  but  will  reward  those  that  are  willing  to  put  the  time  and  effort  into  their  studies.  All  things  considered,  the  more  desire  you  have  to  learn  and  the  more  foundational   skills   you   acquire   over   time,   the   better   your   artwork   will   become.     

  Juliette   Aristides,   painting   designed   using   the   armature   of   the   rectangle,   from   the   DVD   "Secrets   of   Classical   Painting"  29 

What   Is   Classical   Skill­Based   Design?    On  most  photography  and  art  websites  today,  anyone  can  easily find recommended tips, tricks,  and  rules  for  composition.  For  example,  we  have  all  heard  of  the  Rule  of  Odds,  the  Rule  of  Space,  the  Rule  of  Thirds,  Centered  Composition,  Leading  Lines, and so on. And with anything  new,  these  rules  and  tips,  which  are  simple  to  apply,  might  seem  fun  and  exciting  at  first.  However,  much  like  playing  the  game of tic­tac­toe when you were a child, the novelty wears off  quickly,   and   the   artist   hits   a  plateau   with   their   work   that   they   can't   get   past.      Unfortunately,  these  often  misinterpreted  and  unfounded  "beginner  level"  concepts,  which  are  usually  applied  independently  to  a  composition,  are  far  too  restricting  for  the  serious  artist  to  exercise  with  any  authority,  flexibility,  or  expertise  to  a drawing, painting, or photograph. In turn,  this  lack  of  flexibility  limits  an  individual's  artistic  style  and  makes  it  difficult  for  the  viewer  to  distinguish  one  artist's  work  from  another.  For  this  reason,  master  artists  and  photographers  don't   use   the   Rule   of   Thirds,   or   any   of   the   other   so­called   modern   "rules,"   in   their   compositions.    In  classical  skill­based  design,  there  are  professional  terms  like  Baroque  diagonal,  Sinister  diagonal,  gamut,  coincidences,  radiating  lines,  figure­ground  relationship,  classical  balance,  steelyard  principle,  aspective  view,  arabesques,  reciprocals,  root  rectangles,  the  armature,  golden  section  series  rectangles,  etc.  Unlike  the  present­day  "rules"  in  composition,  classical  skill­based  design  is  an  integrated  set  of  design  principles  that  work  together  and  will allow the  artist   to   create   stunning   works   of   art   that   have   theme,   variation,   and   harmony.     In   the   photographs   below,   notice   how   all   the   compositions   that   use   Leading   Lines,   the   Rule   of  Thirds,   and   the   Rule   of   Odds   look   identical   (have   a  cookie­cutter   appearance)   despite   the  difference   in   artist   or   subject   matter.    Leading   Lines 

  The   Rule   of   Thirds 

  30 

The   Rule   of   Odds 

      The   Gap   Between   Photography   and   Art    There  has  always  been  a  knowledge  gap  between  photography  and  art.  However,  more  than  ever,  that  gap  has  continued  to  grow.  Since  the  advent  of the digital camera in the mid­90s, the  majority  of  modern  day  photographers  are preoccupied with cameras, camera accessories, and  post­processing  software.  For  this  reason, most photography websites are overly saturated with  redundant  information  on  why  one  camera  is  better  than  another  and  rarely  write  informative  articles   on   the   actual   art   of   photography.    Photographers  that  spend  all  their  time  debating  which  camera  is  best  for taking pictures aren't  artists ­ they're technicians. These “technicians” create pie charts and graphs on why one lens is  sharper  than  another  lens,  write  copious  amounts  of  reviews  on  the  new  breed  of  mirrorless  cameras,  and  continuously  over  analyze  the  importance  of  camera  sensor  pixel  counts.  To  put  my  point  in  its  proper  perspective,  rarely  do  you  hear  master  artists  talk  about  the  brushes  or  canvas   they   use   to   paint   a  masterpiece.    A photographer that is always worried about whether or not they have the latest camera, lens, or  post  processing  software  upgrade  is  constantly  in  a  state  of  distraction  and  denial.  If  you're  a  trained  artist,  you  can  take  an  excellent  photograph  with  a  $50.00  film  camera  just as easily as  you  can  with  a  $7000.00  Leica.  Additionally,  dumping  endless  amounts  of  money  and time into  image   making   "tools"   will   do   nothing   to   improve   your   art.   Click  h   ere   for   a  demo   video.    

    Related  article:   5  Approaches  to  Composition  in  Photography   (And  Why  They  Won't  Teach  You   Anything   About   Design)  31 

"Cartier­Bresson's   photographs   are   the   most   obvious   manifestation   of   his   fascination   with  geometry.   Many   commentators   have   entertained   themselves   by   applying   patterns   of  construction   to   his   images,   and   certainly   their   composition   fully   conforms   to   the   laws   of   the  "golden   section."   ­  From   the   book   "Discoveries."    

  Segment   from   the   book   "The   Decisive   Moment"   that   was   initially   omitted 

32 

The   Difference   Between   a  Fine   Art   Print   and   a  Work   of   Art    Most  photographers  have  the  ability  and  the  technical  know­how  to  create  a  fine  art  print.  Meaning  the  image  has  the  correct  exposure,  it's  sharp,  has  good  highlight  and  shadow  detail,  etc.  However,  mastering  these  technical  qualities  of  a  photograph  are  not  enough  to  call  it  a  work  of  art.  A  work  of  art, regardless of the medium used or mastery of technique has to have a  respectable   composition   ­  one   that   can   stand   up   to   close   analysis.      For  example,  even though Ansel Adams could produce a photographic print that was technically  superior  to  a  Henri  Cartier­Bresson  image,  Adams  couldn't  compete  with  Bresson's  ability  to  create  a  visual  masterpiece.  Bresson  was  a  highly  trained  draftsman  as  well  as  a  brilliant  designer  and  understood  how  to  use  and  apply  Dynamic  Symmetry  to  all  of  his  photos.  As  a  result  of  his  knowledge  and  training  in  classical  art  techniques,  Bresson  produced  a  massive  and   consistent   body   of   photographs   in   his   lifetime   ­  all   of   which   were   considered   "works   of   art."   

  Ansel   Adams,   “Rose   and   Driftwood.”   Even   though   Ansel   Adams   was   a  master   darkroom  technician,   he   couldn’t   compete   with   Henri   Cartier­Bresson   when   it   came   to   design.     33 

  Henri   Cartier­Bresson   photograph   demonstrating   a  masterful   landscape      Feeling   and   Genius   in   Modern   Art    Many  artists  today  are  only  concerned  with  creating  art  based  on  their  "feelings"  rather  than  creating  art  with  skill.  For  example,  how  many  times  have  you  gone  to  a  modern  art  gallery,  looked  at  a  work  of  "art"  and  just  didn't  get  it?  Unfortunately,  in  cases  like  this,  regardless  of  what  the  artist  might  have  felt  while  creating  their  art,  the  impact  of  their  work  is  greatly  diminished  because  they  didn't  acquire  the  necessary  skills  to  communicate  those  "feelings"  effectively   to   the   viewer.   In   other   words,   their   message   or   intent   gets   lost   in   the   translation.     In  the  book  "Nature's  Harmonic  Unity,"  Samuel  Colman  states  "Proportion  is  a  principle  in  Nature  which  is  a  purely  mathematical  one  and  to  be  rightly  interpreted  by  man  through  the  means  of  geometry;  therefore  geometry  is not only the gateway to science, but it is also a noble  portal  opening  wide  into  the  realms  of  art.  Still,  to  a  great  majority  of  artists, and to the world at  large,  the  effort to relate science with art is now looked upon with the greatest disfavor and even  repugnance,  and this accounts in a measure for the overwhelming percentage of immature work  which   characterizes   all   branches   of   art   in   our   times.     The  architect,  the  sculptor,  the  painter,  etc.,  each  places  too  much  confidence  in  what  he  is  pleased  to  call  his  "feeling"  or  "genius"  without  considering  the  fact  that  this  feeling  or  genius  would  not  only  become  more  profound,  but  capable  of  a  larger  expression,  were  the  mind  endowed  with  fuller  knowledge  of  the  laws  of  beauty.  Furthermore,  the  eye  becomes  better  trained  under  the  influences  of  the  exact  study  of  geometry,  and  thus  the  student  is  able  more  readily  to  recognize  and  more  justly  to  appreciate  the  various  charms  of  Nature."  To  download  the   book   “Nature’s   Harmonic   Unity,”   by   Samuel   Colman,   click  h   ere .   34 

 

  Michael   Dumas,   “High   Summer,”   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle      Why   Rules   Are   Necessary   For   Learning   Art   and   Design    As  an  artist,  not  having  the  skills  to  grasp  the  basic  principles  of  design  would  be  like  the  average  person  not  having  the  ability  to  read.  The  artist  can't  interpret  the  compositional  structure  in  paintings  by  Edgar  Degas,  Peter  Paul  Rubens,  Vincent  van  Gogh,  Leonardo  da  Vinci  or any other master artist past or present. In other words, they would look at their work, not  have  the  capacity  to  analyze  it,  and,  in  turn,  can't  learn  from  it.  This  inability  not  to  be  able  to  decode   design   is   equivalent   to   a  musician   not   being   able   to   read   music.   It's   crippling.      I  read  a  lot  of  articles  about  design  on  photography  and  art  websites  and  most  of  them  sound  the  same.  Even  someone  as  famous  as  Ken  Rockwell  once  wrote  in  one  of  his  articles  on  composition  that  “rules  in  art  suck."  Believe  it  or  not,  this  is  the  general  attitude regarding rules  in  photography  and  art  today  because  many  modern  artists  feel  that  rules  inhibit  creativity.  For  example, Bruce Barnbaum, author of the book "The Art of Photography," once stated that “Rules  are  foolish,  arbitrary,  mindless  things  that  raise  you  quickly  to  a  level  of  acceptable  mediocrity,  that   prevent   you   from   progressing   further.”      35 

Regrettably,  not  only  does  Barnbaum's  statement  advocate  visual  illiteracy,  but  it  also  has  no  validity  when  it  comes  to  creating  a successful work of art. After all, if rules are foolish, arbitrary,  and  mindless,  how  come  so  many  master  artists  followed  strict rules when it came to designing  their  art?  Should  we  call  Leonardo  da  Vinci  foolish, mindless, and refer to his work as mediocre  because  he  used  the  golden  section?  I  should  hope  not.  Interestingly  enough,  I  have analyzed  several  of  Barnbaum's  photographs,  and  it  would  appear  that  he  is  applying  classical  design  principles.    Unfortunately,  because  far  too  many  artists  don’t  have any training or knowledge on how to use  Dynamic  Symmetry,  they  indiscriminately  toss  out  all  the  rules  in art. Again, from the book "The  Art  of  Photography,"  Barnbaum  also  lists  the  rules  to  avoid.  He  states  "Several  of  the  most  well­known  rules,  the  rule  of  thirds,  the  rule  of avoiding a horizon in the center of the image, the  rule  of  having  an  image  read  from left to right, the rule of not placing the center of interest in the  center   of   the   image,   and   so   many   others   are   undesirable   constraints   with   no   validity."      While  Barnbaum's  explanation  is  technically  accurate,  it  can  easily  be  misconstrued  by  the  untrained  artist.  For  instance,  nowhere  in  his  book  does  he  mention  anything  about  classical  design  techniques,  Dynamic  Symmetry,  or  the  14  line  armature  of  the rectangle. Consequently,  if  a  photographer  or  artist  doesn't  understand  the  authentic  rules  of  design,  or  know  how  to  apply  them  effectively  to  their  work, they will become stuck, and their passion will outweigh their  ability  to  perform.  As  the  British  painter  Sir  Joshua  Reynolds  once  said,  “Rules  are  not  the  fetters   of   genius,   they   are   the   fetters   of   men   with   no   genius.”   

  Briton   Rivière,   “Requiescat,”   1888   designed   in   a  root   2  rectangle  36 

Breaking   the   Rules   in   Composition    At  one  time  or  another,  we  have  all  read  an  article  on  composition that offered an extensive list  of  "tips"  and  "tricks"  on  how  to  better  compose  our  art,  only  to  be  told  at the very end to "break  the  rules."  Unfortunately,  this  type  of  bad  "creative"  advice  happens  more  often  than  it  should  because  far  too  many  artists  and photographers haven't been taught the techniques of classical  skill­based   design.   So,   when   in   doubt,   they   throw   the   rules   out.    Additionally,  many  modern  artists  and  photographers  will  also  assume  a  master  artist  is  "breaking  the  rules"  of  design  when  a  piece  of  artwork  falls  outside  of  their  knowledge  on  composition.  For  example,  I  recently  came  across  an  article  written  by  an  author  that  claimed  Leonardo  da  Vinci  was  "pushing  the  Rule  of  Thirds  to  the  limit"  because  one  of  his  drawings  didn't   line   up   with   a  Rule   of   Thirds   grid.    Curious  as  to  how  they  came  to  that  conclusion,  I  analyzed  the  piece  further  only  to  discover  that  da  Vinci  was,  in  fact,  using  root  rectangles  and,  therefore,  not  breaking  any  rules.  Regrettably,  this  lack  of  knowledge  of  real  design  principles  limits  the  analytical  abilities  of  the  modern  artist,  and  in  turn,  they  come  to  incorrect  conclusions  about  the  artistic  methods  of  master   artists,   past   or   present,   and   the   best   practices   for   creating   a  respectable   body   of   work.     In  my  experience,  after  studying  thousands of masterworks, I haven't found one example of any  master  artist  "breaking  the  rules"  of  design.  And  because  Dynamic  Symmetry  is  such a flexible  system  for  creating  adept  compositions,  an  artist  can  create  endless  amounts of variety in their  work  while  staying  within  the  boundaries  of  a  respectable  design  system.  Below  image  by  an  artist  inappropriately  applying  the  Rule  of  Thirds  to  a  Leonardo  da  Vinci  drawing.  The  article's  analysis   stated   that   da   Vinci   was   "pushing   the   Rule   of   Thirds   to   the   limit."   

  37 

15   Myths   About   Composition   in   Art   and   Photography    With  composition  being  one  of  the  most  popular  and  least  understood  topics  in  art  and  photography  today,  it's  necessary  to  discuss  many  of  the  myths  that  prevent  artists  and  photographers  from  reaching  their  goals  in  creating  successful  and  masterful  compositions.  In  my  experience,  99%  of  the  information  written  about design on art and photography websites is  either  misinterpreted  or  entirely  incorrect.  Below  are  fifteen  myths  about  composition  in  art  and  photography   that   never   seem   to   die.     1.   Composition   in   art   is   intuitive   (or   random)    Because  of  the  20th  century Modern Art movement in America, many artists and photographers  have  been  falsely  led  to  believe  that  composition  in  art  is  intuitive  when  in  fact,  it's  not.  Master  artists  take  great  strides  to  develop  intricate  designs  that  go  down  multiple  tiers, and it's simply  not  possible  for  anyone  to create artwork with geometric precision based on intuition alone. And  even  though  intuition  does  play  an  important  role  in  one's  style,  it's  not  enough  to  create  masterful  compositions.  All  art,  regardless  of  the  medium  used,  requires  the  knowledge  and  application  of  respectable  design  principles,  and  randomly  placing  elements  in  a  composition  will  not  result  in  a  consistent  or  respectable  body  of  work.    Click   here  for  a  demo  video  from  Myron   Barnstone.    

  Painting   by   Max   Ginsburg   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle   38 

2.   Composition   can't   be   taught    Any  artist  or  photographer  that  claims  composition  can't  be  taught  is  either  intentionally  being  misleading  or  simply  uninformed. Composition can be taught and has been taught for hundreds,  if  not  thousands  of  years.  In  fact,  in Eastern European schools, children at the age of seven are  highly  educated  in  the  principles  of  design  (Dynamic  Symmetry  and  the  armature  of  the  rectangle).     Unfortunately,  because  so  many  modern  artists  aren't  trained  in  design or offered actual design  information  in  their  education,  whether  it  be  at  the  university  they  attended,  workshops  they  have  taken,  or  books  they have read, it's naturally assumed it's something that can't be learned.  However,  despite  the  many  romanticized  claims  by  a  lot  of  modern  artists,  nobody  is  born  with  the  ability  to  grasp  all the principles of design. Learning composition is a skill in art that needs to  be   studied,   mastered,   and   applied.     

  Painting   by   Edgar   Degas   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle     3.   Some   people   are   born   with   the   "gift"   of   composition,   while   others   are   not    The idea that some people are born with the "gift" of understanding composition while others are  not  is  pure  nonsense.  Design  is  a  visual  language,  and  nobody  is  born  with  the  capacity  to  grasp  all  the  concepts  and  techniques  in  creating  masterful  art.  I  have  analyzed  1000's  of  masterpieces,  and  they  all  contain  universal  design  principles  that  were learned and applied by  the   artist   at   some   point   in   their   career.   39 

Furthermore,  in  my  experience,  those  that  claim  they  are  born  with  this  "gift"  continually  demonstrate  a  lack  of  understanding  of  composition  when  you analyze their art. In other words,  their  body  of  work  isn't  consistent  or  visually  strong because they haven't studied or applied the  fundamental   principles   of   design.   P   hotograph   below   by   Henri   Cartier­Bresson.    

    Henri  Cartier­Bresson  was  considered  to  be  the  greatest  photographer  that ever lived. This title  is  rightfully  earned.  However,  Bresson  wasn't  born  with  the  "gift"  of  understanding composition.  In  the  early  part  of  his  life,  he  was  trained  as  an  artist  and  designer  by  Andre  Lhote.  Lhote  himself  also  happened  to  be  one  of  the  greatest  designers  of  the  20th  century.  Is  that  a  coincidence?  Not  at  all.  Bresson  knew,  because  of  his  classical  skill­based  training  with  Lhote,  how  to  compose  his  images  successfully  within  the  1.5  rectangle  to  create  "instant  drawings"  and   build   one   of   the   most   impressive   collections   of   photographs   in   his   lifetime.   

  Andre   Lhote   painting   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle  40 

4.   Design   systems,   design   grids,   and   rules   in   composition   kill   creativity    Creating  art  using  design  grids  and  applying  “rules”  in  composition  do  not  kill  creativity.  In  fact,  the  opposite  is  true.  Because  of  the  Modern  Art  movement  in  America,  the  term  "creativity"  became  inconsequential  in  the  art  world  and  was  mistakenly  interpreted  as  "do  whatever  feels  good"  or  create  art  "spontaneously."  However,  creating  a  successful  work  of  art  requires  more  than  just  doing  what  feels  good  or  being  spontaneous,  and  without  acquiring  the  knowledge  of  time­tested  design  principles,  any  creativity  or  spontaneity  an  artist  feels  can  never  be  adequately   expressed.      As  Juliette  Aristides  states  in  her  book   Classical  Drawing  Atelier ,  “Without  understanding  the  elements  of  design,  artists  have  to rely solely on their intuition when composing a picture. While  intuition  and  feeling  are,  of  course,  a  major  defining  element  for  an  artist,  they  alone  are  not  enough  to  consistently  achieve  a  mastery  of  composition  that  rivals  that  of nature. Intuition and  feeling without the knowledge and judgment of design principles are a liability in art— for without  the  knowledge  and  the  know­how  of  design  principles,  the  composition  can  easily  appear  chaotic   and   disjointed.”   

  Painting   by   Travis   Seymour   designed   in   a  root   5  Dynamic   Symmetry   rectangle  41 

5.   Design   systems   and   design   grids   make   art   appear   too   rigid    Utilizing  an  authentic  design  system  to  create  art  does  not  make  a  work  of  art  too  rigid.  The  definition  of  rigid  is  "unable  to  bend  or  be  forced  out  of  shape,  not  flexible,  and  not  able  to  be  changed  or  adapted." Using Dynamic Symmetry offers an infinite amount of variety, is extremely  flexible,  and  will  allow  an  artist  to  make  various  changes  before  a  final  composition  is  completed.     Unfortunately,  many  modern  artists  mistakenly  use  the  word  "rigid,"  when  they  really  mean  structure.  However,  a  masterpiece  must  always  have  a  logical  structure  that  efficiently  utilizes  the  geometry  of  the  rectangle  the  artist  chose  for  their  composition.  Otherwise,  their  art  will  appear  chaotic  and  ultimately  fail.  The  drawing  below,  by  John Singer Sargent, is designed in a  root 3 Dynamic Symmetry rectangle. Even at the preliminary stages of a painting, a master artist  will   always   apply   reliable   design   principles   to   their   art.    

 

42 

Painting   below,   “Consolidation”   by   Lucas   Bononi,   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry  rectangle.   The   vertical   and   horizontal   divisions   in   yellow   represent   all   the   divisions   inherent   to  the   root   2  Dynamic   symmetry   rectangle.    

    6.   Photographers   don't   need   to   study   design   because   they   shoot   on   the   fly    Many  photographers  assume  that  they  don't  have  to  learn  design  because  they  don't  have  the  time  to  construct  elaborate  compositions  like  a  master  painter.  While  there  is  some  truth  that  taking  photographs  is  intuitive  in  nature,  the  photographer  must  always  administer  the  same  design  principles  to  their  images  that  a  master  artist  would apply on the canvas. Otherwise, the  photograph   cannot   be   considered   art.      Wife  of  Henri  Cartier­Bresson,  Martine  Franck  once  said  that  "Composition in photography is in  a  way  intuitive  because  you  don't  have  the  time,  but  obviously,  you  have  to  recognize  all  the  elements.  It's  a  familiarity that comes with art training." It's not surprising that Franck happens to  be  one  of  the  greatest  female  photographers  that  ever  lived.  Not  only  was  she  a  master  photographer,   but   she   was   also   an   exceptional   designer.      Photographs   below,   by   Martine   Franck,   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle.    

  43 

    7.   The   Rule   of   Thirds   is   the   best   system   of   design   for   photographers   and   artists    The  Rule  of  Thirds  is  not  the  best  system of design. In fact, it's not a system of design at all. It's  simply  the  most  familiar  and  easily  understood  "rule"  or  "guideline"  on  composition  in  photography  and  art  circles  today.  The  reality is, most photography and art website articles only  recommend  the  Rule  of  Thirds  because  many  artists  aren't  familiar  with  any  other  systems  of  design  and,  unfortunately,  because  Dynamic  Symmetry  isn't  well  known, the Rule of Thirds has  become   the   dominant   approach   to   composition.     Despite  its  overwhelming  popularity,  primarily  because  the  concept  is  so  simple,  the  Rule  of  Thirds  is  not  a  practical  tool  for  creating  respectable  designs  and  master  artists  don't  use  it  in  their  art.  Also,  because  the  Rule  of  Thirds  grid  doesn’t  incorporate  diagonal  lines  or  consider  harmonic  divisions  in  a  given  square  or  rectangle,  it  forces  the  artist  to  rely heavily on intuition,  increasing  the  chances  that  the  composition  will  appear  disjointed  and static. As Jay Hambidge  once  said,  “Design  created  within  rectangles  which  do  not  possess  Dynamic  Symmetry,  the  qualities   of   life   and   growth,   are   always   flat   and   dead.”     

44 

    The  photograph  above,  from  the  website  Digital  Photography  School,  demonstrates  a  poorly  composed  image  using  the  Rule  of  Thirds  grid.  The  dark  lamp  on  the  far  left­hand  side  is  a  distraction known as edge­flicker. If you cover the lamp with your thumb, the flaw becomes more  apparent.  Additionally,  the  large  area  of  dead  space  on  the  far  right­hand  side  is  unnecessary  and   doesn't   add   any   visual   support   to   the   portrait.     A  well­composed  image  will  have  a  dominant  horizontal,  dominant  vertical,  and  a  dominant  diagonal  line.  In  this  image,  the  lamp  becomes  the  dominant  vertical  because of the dark value  (even  though  it  should  be  the  woman).  The  dominant  horizontal  is  the  surface  of  the  table.  However,  because  the  table  is  so  close  to  the  edge  of  the  frame,  it's  also  considered  edge  flicker,   therefore,   adding   no   structural   support   to   the   image.   There   is   no   dominant   diagonal   line.    

  45 

The  photograph  above,  from  the  website  Digital  Photography  School,  is  another  example  of  a  poorly  composed  image  using  the  Rule  of  Thirds  grid.  The  large  area  of  dead  space  on the far  left­hand  side  gives  the  viewer  the  feeling  that the building on the right is going to tip over. Also,  the   horizontal   and   vertical   divisions   create   a  static   image   making   the   photograph   appear   lifeless.     The  photograph  below  would  have  been  better  composed  using  the  Dynamic  Symmetry  armature  instead  of  using  the  Rule  of  Thirds  grid.  On the left­hand side, there is too much dead  space  that  creates  a  visual  imbalance.  Furthermore,  the  overlapping  of  the  bird  and  the  background  is  poorly  constructed.  Overlapping  elements  accurately  in  a  composition  is  critical  for   creating   the   illusion   of   the   third   dimension   on   a  two­dimensional   surface.   

     

    8.   The   Rule   of   Thirds   is   used   everywhere   in   advertising    The  Rule  of  Thirds  is  not  used  everywhere  in  advertising.  A  trained  master  artist  or designer in  advertising  will  use  Dynamic  Symmetry  or  the  armature  of  a  rectangle  because  it  will  give their  work  variation, theme, and harmony. I talk more about Dynamic Symmetry used in advertising at  the   end   of   this   user's   guide.   

46 

  Coca­Cola   advertisement   designed   in   a  root   3  Dynamic   Symmetry   rectangle     9.   The   Rule   of   Thirds   grid   is   derived   from   the   Golden   Section   rectangle   (1.618)    The  Rule  of  Thirds  doesn't  have  anything  to  do  with  the  golden  section  and  stretching  a  Phi  rectangle  (1.618)  to  fit  the  dimensions  of  a 1.5 rectangle (digital camera sensor/35mm film) isn't  the  proper  way  to  design.  That  is  to  say, whenever you see a golden section spiral grid overlaid  on  top  of  a  1.5  rectangle,  like  in  the  example  below,  it's  safe  to  assume  that  the  artist  or  photographer   isn't   properly   trained   in   design.    A  more  effective  alternative  would  have been to design the image using the Dynamic Symmetry  armature  of  the  1.5  rectangle.  Also,  waiting  for  another  figure  to  appear  on  the  left­hand  side  would  create  a  stronger  sense  of  balance  in  the  overall  composition  as  well  as  give  the  viewer  an   improved   feeling   of   depth   and   scale   of   the   landscape.     

  47 

      A   Master   Photographer's   Approach    In  the  image  below,  notice  how  master  photographer  Harry  Gruyaert breaks his composition by  using  a  dominant  vertical  (the  lamp  post)  and  a  dominant  horizontal  (the  ocean)  that  conforms  with  the  armature  of  the  1.5  rectangle.  These  distinct  and  well  thought  out  divisions  divide  the  rectangle  into  repeated  forms  that  contain  theme  and  variation.  Also,  note  how  the  figure  in  black   edges   up   against   another   vertical   inherent   to   the   armature.     

    10.   The   Rule   of   Thirds   gives   the   artist   freedom   to   be   creative   with   their   compositions    The  Rule  of  Thirds  doesn't  allow  an  artist  any  freedom  with  creativity.  In  fact,  it's  a  dead  end  composition  tool  right  from  the  start.  Because  the  Rule  of  Thirds doesn't offer any flexibility and  is  extremely  repetitious,  every  artist  that  employs  this  famous  grid  into  their  work  is  burdened  with  the  reality  that  every  composition  is  identical  regardless  of  the  subject  or  scene.  In  other  words,  there  is  no  harmonious  variety  from  one  piece of art to another.  Painting below, by Anna  Rose   Bain,   designed   in   a  root   Phi   Dynamic   Symmetry   rectangle.   

48 

    11.   The   Rule   of   Thirds   origin   can   be   traced   back   to   classical   and   Renaissance   paintings    The Rule of Thirds doesn’t have anything to do with classical painting. It was first documented in  the  book  "Remarks  on  Rural  Scenery,"  by  John  Thomas  Smith  in  1797.  However,  ironically  speaking,  even  though  John  Thomas  Smith  briefly  wrote  about  the  concept  of  the  "Rule  of  Thirds,"  after  analyzing  some  of  Smith's  engravings,  it  would  appear  that  he  is  using  Dynamic  Symmetry.     12.   You   should   avoid   placing   your   subject   in   the   center   of   a  composition    There  is  absolutely  nothing  wrong  with  placing  a  subject  in  the  center  of  a  composition as long  as  there  are  supporting  elements  that  balance  out  the  whole.  The  overwhelming  popularity  of  the  Rule  of  Thirds  grid  is  inappropriately  based  on  this  myth  and,  unfortunately,  has  steered  artists   in   the   wrong   direction   for   creating   strong   compositions   in   their   art.       Below  is  a  good  example  of  bad  advice  from  an  untrained  photographer.  In  the  book  "Digital  Photography  Composition  for Dummies," the author states that an artist should "break the habit"  of  placing  the  subject  in  the  center  of  the frame. However, because the Rule of Thirds grid pulls  your  subject  out  of  the  center,  it's  all  too  easy  for  an  artist  to  create  imbalances  in  their  compositions,   leaving   unnecessary   dead   space   on   either   side.      "The  most  common  composition  guideline  is  the  rule  of  thirds,  which  refers to the photographic  technique  of  dividing  your  frame  into  thirds  horizontally  and  vertically  to  determine  which  areas  have  the  most  aesthetic  quality.  By  placing  key  elements  on  a  frame's  thirds,  you  can  create  compositions  that  are  easy  to  look  at  and  can  break  the  habit  of  placing  your  subject  in  the  center.  Getting  your  subject  out  of  the  frame's  center  produces  more  interesting,  dynamic  results."   ­  From   the   book   Digital   Photography   Composition   for   Dummies.   

49 

  An   example   (above)   demonstrating   a  poorly   composed   photograph   that   is   imbalanced,   leaving   areas   of   dead   space   on   the   left­hand   side   of   the   image     Below  is  a  photograph  by  Vivian  Maier  that  successfully  demonstrates  the  technique of placing  a  subject  in  the  center  of  the  frame.  The  image works because the composition is broken down  into  repeated  forms  ­  meaning  multiple  squares  (4)  inside  the  mother  square.  By  carefully  considering  the  overall  design,  a  knowledgeable  photographer  can  place  their  subject  in  the  center   of   the   frame   and   create   a  dynamic   image.    

    13.   You   need   to   be   great   at   math   to   master   the   art   of   composition    Using  calculators  and  understanding  math  is  not  a  requirement  for  learning  composition  because  design  in  art  is  a  physical  geometry.  As  long  as  an  artist  knows  how  to  intersect  a  diagonal  line  with  another  diagonal  line  at  90  degrees,  that's  all  the  math they need to know. In  fact,  you  can  create  all  the  root  rectangles  in  the  Dynamic  Symmetry  system  of  design  with  a  square  and  a  piece  of  string.   Painting  below,  by  John  Singer  Sargent,  designed  using  the  armature   of   the   1.5   and   overlapped   root   4  rectangles.   50 

    14.   Famous   photographer   quotes   are   a  great   source   for   learning   composition     With  the  recent  rise  in  popularity  of  blogging  and  free  online  e­books,  many  writers  will  use  famous  photographer  quotes  as  a  guide  to  teaching  the  art  of  composition.  However,  most  of  these  books  are  solely  written  with  the  intent  of  boosting  social  media  stats  and  have  almost  nothing  to  do  with  real  design.  The  fact  is,  learning  composition  in  art  requires  time,  years  of  research,  and  a  clear  understanding  of  classical  design  principles. In contrast, publishing a free  e­book  that  contains  an  endless  list  of  contradictory  photographer's  quotes  requires no effort at  all.  More  importantly,  most  photographers quotes are over­romanticized claims that have little to  do   with   time­tested   knowledge   on   composition.      To  give  an  example,  the  famous  Magnum  photographer  Robert Capa once said, "If your photos  aren't  good  enough,  you  aren't  close  enough."  This quote is false. The distance a photographer  is  from  their  subject  doesn't  have  anything  to  do  with  the  success  of  an  image.  In  the  photograph  below  by  Henri  Cartier­Bresson,  you  can  see  that  his  subject,  the  little  girl  running  up  the  stairs,  is  a  substantial  distance  from  where  he  is positioned. However, the photograph is  considered  a  masterpiece  by  many  photographers  and  art  critics  because  of  the  complex  and  beautiful  composition.  The  photo  is  designed  using  exceptional  figure­ground  relationship  and  two   overlapped   root   4  Dynamic   Symmetry   rectangles.    

  51 

15.   Photographers   can   learn   everything   they   need   to   know   about   composition   from           photography   websites    Absolutely  not.  Photography  websites  are  basically  graveyards  for  those  that  want  to learn real  art  and  design  skills.  Most,  if  not  all,  of the mainstream photography sites (PetaPixel, The Art of  Photography,  Digital  Photography School, Streethunters.net, erickimphotography.com, etc.) only  have  an  interest  in  making  money  by  selling  cameras,  camera  accessories,  and  photography  software  or  producing  an endless stream of daily blog posts and YouTube videos to boost social  media  stats  and  manipulate  Google  SEO  rankings.  None  of  these  objectives  have  anything  to  do   with   mastering   the   art   of   composition   or   becoming   a  successful   and   well­respected   artist.    

 

  Photographs   by   Ted   Forbes   from   the   website   The   Art   of   Photography.   The   images   above   lack  the   necessary   design   skills   and   qualities   that   make   up   a  well­composed,   artistic   photograph.  52 

My   Recommendations   for   Artists   and   Photographers   That   Want   to   Learn   the   Art   of   Composition    All  the  products  that  I  recommend  throughout  this  user’s  guide  I  personally  own.  They  are  the  most  comprehensive,  highest  quality  books  and  DVDs  available  to  learn  more  about  design  in  art  and  photography.  If you have any questions about any of the products listed, please feel free  to   drop   me   an   email   at  d   [email protected] .   

    Related   article:  C   lassical   Drawing   Atelier:   Introduction   by   Juliette   Aristides  Related   article:  C   lassical   Painting   Atelier:   Introduction   by   Juliette   Aristides   

    When   you   make   a  $5.00   or   more  d   onation   to   support   Dynamic   Symmetry   Art,   you   will  receive   an   additional   15%   off   Drawing   Systems   Class   7  &10   and   a  50­minute   preview   of  Barnstone   Studios   video   “Unlocking   the   Secrets   of   Design.”   To   download   a  demo   video   of   Lesson   7,   click  h   ere .   To   make   a  donation,   click  h   ere .  53 

Canon   of   Design   Discounted   Packages   

   

  54 

The   Painter's   Secret   Geometry     In  the  past,  designs  by  master  artists  were  kept  hidden  from  the  public  and  were  only  passed  down  from  a  master  to  their apprentice. This tradition of secrecy is still very much alive today. In  fact,  there  are  a  lot  of  modern  master  artists  that  will  not  speak  openly  about  how  they  design  their   art   and   often   times,   when   asked,   will   flat   out   deny   it.     Much  like  the  magician  that  won't  reveal  how  they  perform  their  illusions,  the  artist  has  always  carefully  guarded  the  most  important  element  when  it  comes  to  creating  masterful  art  ­  that  being  composition.  This  philosophy  is  known  as  the  "painter's  secret  geometry."  And  because  very  few  people  have  the  ability  to  decode  design,  it's  not  difficult  for  the  artist  to  fool  the  unsuspecting  public  while  maintaining  the  "illusion"  that  great  art  is  intuitive  and  spontaneous,  even   though   it's   not.      However,  times are changing. Because of Myron Barnstone, Juliette Aristides, and several other  modern  artists  that  teach  classical  skill­based  art,  this  historically  undisclosed  information  is  finally becoming more widespread. Hopefully, in time and with some persistence, this knowledge  on  design  techniques  will  reach  an  even  larger  audience  because  of  the  Internet,  this  website,  and   other   artists   who   are   more   forthright   about   how   they   create   their   compositions.      

  Dan   Thompson,   "Persian   Archer,"   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle  55 

Dynamic   Symmetry   and   the   Root   Rectangles   (the   Golden   Section   System   of   Design)    Juliette  Aristides  states  in  her  book   Classical  Drawing  Atelier  that  a  beautiful  drawing,  painting,  or  photograph  is  equivalent  to  a  beautiful  song.  They  all  contain  rhythm,  melody,  and  harmony  and,  when  combined,  create a sense of theme and variation. All of these elements are  used  in  music  to  create  tension  and  resolution,  and  a  great  work  of  art  will  do  the  same.  Dynamic  Symmetry  will  allow  the  artist  to  create  a  work  of  art  that  can  be  considered  “visual  music.”    Dynamic  Symmetry  (also  known  as  the  golden  section  system  of  design)  is  a  system  of  geometric  design  that  has  been  employed  for  2500  years  or  longer. The system of design uses  dynamic  rectangles  described  in  the  Jay  Hambidge  books   The  Elements  of  Dynamic  Symmetry ,   Dynamic  Symmetry  in  Composition  as  Used  by  the  Artists ,  and   The  Greek  Vase .  Michel  Jacobs  also  wrote  a  book  in  1926  on  Dynamic  Symmetry  called   The  Art  of  Composition:   A  Simple   Application   of   Dynamic   Symmetry .     Click  h   ere   for   a  demo   by   Myron   Barnstone   (from   lesson   10   of   his   drawing   DVD   series).     

  William­Adolphe   Bouguereau,   “B   aigneuse,”   designed   in   a  Phi   rectangle  56 

 

   

  Dynamic   Symmetry   analysis   from   the   book   “Dynamic   Symmetry   in   Composition   as   Used   by   the   Artists”   by   Jay   Hambidge  57 

  Nick   Alm,   "Girl   at   a  Piano,"   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle      Modern   Artist's   Fear   of   Dynamic   Symmetry    Many  modern  artists  that  aren't  familiar  with  Dynamic  Symmetry  are  under  the  impression  that  it's  too  complicated  to  use and requires extensive math skills to learn. Fortunately, this isn't true.  If  an  artist  is  willing  to take the time to study a few basic principles of design, it will improve their  work  dramatically.  Also,  because  Dynamic  Symmetry  is  a  physical  geometry,  it  doesn't  require  complicated   calculations   or   any   background   knowledge   in   mathematics.    Related   article:  A   n   Email   Addressing   the   Practical   Use   of   Dynamic   Symmetry   in   Art   

   Dot   Bunn,   “Pumpkin   Girl,”   designed   in   a  Phi   rectangle  58 

Learning   How   to   Use   Dynamic   Symmetry     To  start learning more about composition using Dynamic Symmetry, I highly recommend reading  Michel  Jacobs  book   The  Art  of  Composition:  A  Simple  Application  of Dynamic Symmetry .  This  book  was  written  in  1926  and  is  perfect  for  the  beginner  who  wants  to  learn  the  basics  of  Dynamic  Symmetry  and  how  to  apply  it  to their art. From there, I would purchase lessons 7 and  10 from the Myron Barnstone DVD drawing series. Both of these lessons on Dynamic Symmetry  contain  an  endless  amount  of  knowledge  on  design.  Finally,  I  also  highly  recommend  the  book  Geometry of Design by Kimberly Elam (First Edition). To download any of the books mentioned  above,   click   on   the   highlighted   links.     Related   article:  5     Easy   Steps   for   Learning   Composition   in   Art   and   Photography   

  Painting   above   by   Jing   An   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle   

  Myron   Barnstone   teaches   the   principles   of   design   known   as   Dynamic   Symmetry  59 

Learning   How   to   Analyze   Drawings,   Paintings,   and   Photographs    In  Kimberly  Elam's  book   Geometry  of  Design ,  second  edition,  she  states  that   "Geometric  analysis  identifies  the  proportioning  systems  and  regulating lines that contribute to the cohesive  composition  of  a  work  of  art,  a  building,  a  product,  or  a  work  of  graphic  design.  While  this  analysis  does  not  examine  the concept, the culture, or the medium, it does reveal compositional  principles  and  often  confirms  the  positive  intuitive  response  of  the  viewer  through  quantifiable  means   of   proportion   and   alignment.     The  value  of  geometric  analysis  is  in  the  discovery  of  underlying  ideas  and principles of design  that  were  used  by  the  artist,  architect,  or  designer.  These  are  the  key ideas of composition that  guide  design,  and  the  arrangement  of  elements  within  a  composition  provide  insight  into  the  decisions  that  were  made.  The  process  of  geometric  analysis  is  one  of  investigation,  experimentation,   and   discovery.    Le  Corbusier's  idea  of  regulating  lines  is  important  in  geometric  analysis  because  they  identify  interrelationships  that  are  essential  in  cohesive  compositions.  Some  works  may  not  conform  to  classic  proportioning  systems  but  will  have  a  series  of  interrelationships  that  can  be  analyzed  with  regulating  lines.  These  lines  can  reveal  alignments  between  elements,  organizational  principles,   and   visual   directions."    Learning  how  to  analyze  a  master  artist's  work  requires  time,  patience,  and  persistence.  In  the  past,  I  have  had  several  readers  contact  me  to  say  that  they  couldn't  detect  any  formal  composition  used  in  a  work  of  art  ­  therefore,  it  must  have  been created intuitively. Usually, this  assumption  results  in  error.  Since  many  masterful  designs  trickle  down  multiple  tiers,  the  methodology  of  the  artist  isn't  always  apparent  on  the  first  level  of  a  design  scheme.  Additionally,  decoding  complex  compositions  can  become  even  harder  for  the beginner student  because   a  lot   of   artists   stack   and   overlap   Dynamic   Symmetry   rectangles   in   their   work.      One  mistake  I  often  see  made  by  artists  is  that  they  will  lay  a  Rule  of  Thirds  grid  on  top  of  a  masterpiece  and  come  to  the  conclusion  that  the  artist  must  have  used  that  design  scheme  because  some  of  the  elements  line  up. However, even though parts of the artwork might line up  with  the  Rule  of  Thirds  grid,  this  is  not  always  a  clear  or  accurate  indicator  that  the  artist  used  that   design   method.   Further   analysis   is   usually   required.     Becoming  proficient  at  analyzing  composition  is  much  like  learning  a  new  language;  it  takes  time,  effort,  and  the right skills. For instance, if someone handed me a book written in German, I  wouldn't  be  able  to  read  it  in  a  few  days.  I  would  have  to  be taught the language first. Learning  how  to  "read"  a  work  of  art  isn't  any  different.  The  artist  needs  to  be  taught  the  language  of  design   to   understand   art.       60 

I  have  been  analyzing  drawings,  paintings,  and  photographs  for  many  years,  and  I'm  still  discovering  new  information  every  day.  Not  to  be  misunderstood,  I'm  not  saying  that  an  artist  has  to  spend  that  much  time  researching  design,  but  I  do  suggest  taking  the  time  to  at  least  understand  the  basics  of  good  pictorial  structure.  Once  the  fundamental  principles  of  composition   are   learned,   an   artist   can   then   decide   if   they   want   to   pursue   their   studies   further.     Related   article:  P   riceless   Advice:   A  Personal   Email   from   Myron   Barnstone   

  Above   image   is   an   example   of   an   artist   oversimplifying   design   by   laying   a  Rule   of   Thirds   grid   on   top   of   a  Chardin   painting       Determining   Grid   Structure    When  practicing  analyzing  works  of  art,  it's  best  to  start  by  defining  the  hierarchy  of  lines.  In  other  words,  look  for  the  dominant  vertical,  horizontal,  and  diagonal  line  in  the  picture. This will  help  speed  up  the  process  of  discovery  and  will  allow you to decipher what design scheme and  golden   section   grid   (or   root   rectangle)   the   artist   chose   for   their   composition.      In  the  painting  below,  by  Terje  Adler  Mork,  I  located  the  dominant  horizontal,  vertical,  and  diagonal  line  and  learned  that  the  artist  is  using  a  root  2  Dynamic  Symmetry  rectangle.  Also,  notice  that  the angles of the subject match the angles of the root 2 rectangle. This demonstrates  the  notion  that  an  artist  will  let  the  angles  of  their  subject  dictate  the  rectangle  they  choose  for  their  final  design.  If  you  continue  to  break  the  painting  down  into  smaller  root 2 rectangles, you  will   discover   that   it's   primarily   designed   on   the   theme   of   3.    61 

   

    In  the  painting  below,  “Christ  in  the  House  of  Martha  and  Mary,”  you  can  see  how  Diego  Velazquez  is  composing in a root 3 Dynamic Symmetry rectangle. If you continue to break down  each  root  3,  you  will  find  additional  divisions  on  the  theme  of  three.  These  repeated  divisions  create   theme,   variation,   and   a  constant   visual   rhythm   throughout   the   entire   design.    

  62 

    In  the  image  below,  you  can  see  that  If  you  continue  to  break  down  the  root  3  Dynamic  Symmetry  rectangle,  you  will  find  more  divisions  that  are  inherent  to  the  root  3.  To see a demo  video  of  this  process  by  Myron  Barnstone,  from  the  DVD  “Unlocking  the  Secrets  of  Design,”  click  h   ere .    

  63 

Painting  below,  "A  World  of  Possibilities"  by  Anna  Rose  Bain,  designed  in  a  root  2  Dynamic  Symmetry  rectangle.  If  you  continue  to  break  down  each  root  2  rectangle,  as  shown  in  the  bottom  series  of  images,  more  divisions  inherent  to  the  root  2  Dynamic  Symmetry  rectangle  become   increasingly   apparent.    

   

    64 

Drawings below by master artist Dot Bunn demonstrating the use of a root 2 Dynamic Symmetry  rectangle.  The  yellow,  green,  and  red  lines  indicated  in  the  drawing  show  distinct  divisions and  angles  inherent  to  the  root  2  rectangle.  If  you  continue  to  break  down  each  rectangle,  you  will  find   more   divisions   based   on   the   root   2.   

   

    65 

  Dot   Bunn   painting   designed   in   a  root   4  Dynamic   Symmetry   rectangle      “Surely   the   gift   of   being   creative   is   a  wonderful   thing,   but   talent   comes   from   hard   work   and  discipline.   The   final   painting   that   leaves   my   easel   has   a  carefully   designed   structure   that   guides  my   choices   throughout   the   process.     Great   design   is   my   starting   point,   and   many   of   my   paintings   had   numerous   drawings   done  before   the   brush   touched   the   surface.   We   fool   ourselves   if   we   think   that   it   is   possible   to   produce  meaningful   work   without   learning   the   skills   and   lessons   of   the   masters.   Although   I  have   my  favorites   when   it   comes   to   subject   matter,   I  believe   that   all   things   can   be   made   beautiful   if   your  goal   is   to   apply   the   principles   of   composition   and   the   management   of   color   to   your   work.   It   is   not  objects   that   I  strive   to   paint   but   the   essence   of   light   that   surrounds   and   washes   over   them.”    ­Dot   Bunn  66 

The  painting  below,  by  Vincent  Van Gogh, is designed in a root 2 Dynamic Symmetry rectangle.  The  lines  indicated  in yellow, on the lower right­hand side image, are all divisions inherent to the  root  2  Dynamic  Symmetry  rectangle  on  the  theme  of  2.  If  you  continue  to  break  down  the  rectangle   further,   you   will   find   more   divisions   on   the   theme   of   2.     

   

    67 

    The  painting  above,  by  Juliette  Aristides,  is  designed  in  a  root  2  Dynamic  Symmetry rectangle.  The  smaller  rectangles  in  yellow  and  red  (bottom  left­hand  corner)  demonstrate  the  process  of  deconstructing  art.  Notice  how  the  dominant  horizontal  line  in  the  painting  is  determined by the  division  of  the  smaller  root  2  rectangle  (red).  In  my  experience,  it’s  best  to  start  analyzing  artwork  composed  in  a  root  2  Dynamic  Symmetry  rectangle  because  it’s  easier  to  visualize the  divisional   breaks   as   you   go   down   multiple   tiers   in   a  design   scheme.   68 

Determining   Proportion    The  proportion  of  a  work  of  art  is pivotal to a composition because it will determine the series of  visual  relationships  between  the  length  and  the  width  of  the  rectangle  as  well  as  the  inherent  subdivisions.  Very  few  people  have  the  ability  to  identify  proportions  of  a  rectangle  by  simple  observation  ­  usually,  analysis  and  measurement  are  required.  To  calculate  the  proportion  of  a  work  of  art  or  any  image,  divide  the  larger number by the smaller number, and that will give you  the  proportions  of  the  rectangle.  For  example,  in  the  painting  below,  by  Eric  Armusik  titled  "Father  Time,"  the  dimensions are 18x24. If you divide the number 24 by 18, the proportions are  a   1.3   rectangle.    

      Accuracy   in   Analyzing   Art     During  the  process  of  analyzing  art,  it's  not  uncommon  to  question  whether  your  outcome  is  correct.  However,  even  though  your  primary  goal  is,  of  course,  to  determine  how  the  artist  designed  their  work,  it’s  also  about  fine tuning your visual literacy skills. In other words, you can  still  make  excellent  progress  even  if  you're not 100% correct in your final analysis. It’s important  to   allow   yourself   the   freedom   to   explore   alternate   design   methods.      For  example,  in  the  book  Geometry of Design , Kimberly Elam analyzes the print “Tauromaquia  20”  by  the  artist  Goya.  As  seen  in  the  image  below,  notice  how  some elements line up with the  Phi  rectangle,  but  not  precisely. Because the composition contains a strong vertical, and the Phi  rectangle  golden  section  division  doesn’t  precisely  line  up,  it  would  suggest  other  design  schemes  might  have  been  used.  Continuing  the  analytical  process  using  other  grids  would  make   sense   in   this   particular   instance.   69 

  Image   above,   “Tauromaquia   20”   by   Goya,   from   the   book  G   eometry   of   Design   by   Kimberly  Elam.   Even   though   some   of   the   elements   line   up   with   the   Phi   rectangle   overlay,   the   dominant  vertical   (the   pole)   suggests   an   alternative   design   scheme.   

  Image   above,   “Tauromaquia   20”   by   Goya,   from   the   book  G   eometry   of   Design   by   Kimberly   Elam   with   a  5x5   grid   overlay   70 

 

  Above   images   demonstrating   several   alternative   design   schemes      Why   Design   Grids   Are   Important   for   Learning   Composition    I  occasionally  visit photography websites to get a general idea how other photographers react to  using  grids  as  a  way  of  creating  or  analyzing  compositions  in  their  photographs.  Some  of  the  responses  have  been  positive  and  others negative. I expect this. However, one comment that is  repeated  more  often  than any other is, "What's the point of laying a grid over a photograph once  it's   taken?"     Placing  design  grids  on  top  of  photos,  or  any  work  of  art,  is  an  important  part  of  the  learning  process,  and  it's  a  way  for  the  student to increase their visual literacy. In addition, it's a valuable  tool  that  will  allow  the  artist  to  detect  why some of their images are successful, while others fail.  This form of analysis, better known as deconstructing art, is essential for artistic training and any  artist  that  isn't  willing  to  put  the  time  or  effort  into  this  method  of  study  will  find  it  difficult  to  progress   in   their   work.   71 

  Harry   Gruyaert   photograph   designed   using   the   1.5   armature    Related   article:  G   reat   Compositions:   Alfred   Eisenstaedt      The   Measurements   of   the   Dynamic   Symmetry   Root   Rectangles:   2­5    Root  rectangles  are  rectangles  whose  dimensions  are  based  on  the  ratio  of  the  square  root  of  the  numbers  2,  3,  4  and  5  to  1.  For  example,  a  root  2  rectangle  is  a  rectangle  whose  height  is  1.41  times  bigger  than  its  width.  A  root  3  rectangle  is  a  rectangle  whose  height  is  1.73  times  bigger than its width. A root 4 rectangle is two squares side by side because the square root of 4  equals  2.  A root 5 rectangle is a rectangle whose height is 2.23 times bigger than its width. Click  here   for   a  PDF   of   all   the   root   rectangles.     Related   video:  M   yron   Barnstone   discusses   the   root   rectangles  Related   video:  D   ynamic   Symmetry   in   Fine   Art   Sculpture  Related   book:  D   ynamic   Symmetry:   A  Primer   by   Christine   Herter  (  highly   recommended)   

  72 

How   to   Create   the   Dynamic   Symmetry   Root   Rectangles    The   Root   2  Rectangle:    To  create  a  root  2  rectangle,  draw  a  square.  Then  draw  the  diagonal  of  the  square,  as  seen  in  the  example  above  (line  A  to  B).  Swing  that  line  down  to  the  baseline  of  the  square  (shown  in  the  red  curve  that  extends  from  B  to  C.  That  will  give  you  the  1.41  Root  2  (approx).   Painting  below   by   Dot   Bunn   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle.    

    The   Root   3  Rectangle:    To  create  a  root  3  rectangle, measure the diagonal line (A to D) and swing that line (green) from  D  to  E.  That  will  give  you  the  1.73  Root  3  rectangle  (approx).   Painting  below  by  Julie  Tsang  designed   in   a  root   3  Dynamic   Symmetry   rectangle.    

  73 

The   Root   4  Rectangle:    To  create  a  root  4  rectangle,  measure  the  diagonal  line  from  A  to  F  and  swing  that  line  down  from  F  to  G.  This  rectangle  is  important  for  photographers  that  don't  crop  their images and use  the  1.5  rectangle  of  their  film  or  camera  sensor.  Master  photographers  design  by  overlapping  two  root  4  rectangles  as  well  as  using  the  armatures  of  the  1.5  rectangle.   Painting  below  by  Daniel   Gerhartz,   “Guelaguetza,”   designed   in   a  root   4  Dynamic   Symmetry   rectangle.   

      Designing   in   a  square   using   two   root   4  Dynamic   Symmetry   rectangles    Even  though  the  possibilities  of  designing  in  a  square  are  practically  endless,  a  common  practice  among  master  artists  is  to  place  two  root  4 Dynamic Symmetry rectangles side by side  or  stack  one  on  top  of  the  other. In the example below by Sandro Botticelli, you can see how he  is  using  two  root  4  Dynamic  Symmetry  rectangles  side  by  side  for  his  circular  composition.  To  learn  more  about  designing  in a square, I recommend reading the book The Art of Composition:  A   Simple   Application   of   Dynamic   Symmetry   by   Michel   Jacobs.   74 

   

  Image   from   the   book   The   Art   of   Composition:   A  Simple   Application   of   Dynamic   Symmetry   demonstrating   how   to   design   in   a  square       The   Root   5  Rectangle:    To  create  a  root  5  rectangle,  measure  the  diagonal  line  from  A  to  H,  then  swing  that  line  down  from   H  to   I.   That   will   give   you   the   2.23   Root   5  rectangle   (approx).    The  root  5  rectangle  is  the only rectangle in the Dynamic Symmetry system of design where the  root  rectangles  and  the  Phi  rectangles  merge.  For  example,  in  the  image  below, notice that the  root  5  rectangle  has  two  overlapped  Phi  rectangles  within  it,  and  they  both  share  the  same  square.  75 

   

  Leonardo   da   Vinci,   "Annunciation,"   designed   in   a  root   5  Dynamic   Symmetry   rectangle   (with   overlapping   Phi   rectangles)      A   Closer   Look   at   the   Rule   of   Thirds    The  Rule  of  Thirds  was  first  documented  by  John Thomas Smith in 1797. In his book "Remarks  on  Rural  Scenery,"  Smith  quotes  a  1783  work  by  Sir  Joshua  Reynolds,  in  which  Reynolds  discusses,  in  unquantified  terms,  the  balance  of  dark  and  light  in  a  painting.  Smith  then  continues   with   an   expansion   on   the   idea,   naming   it   the   "Rule   of   Thirds."    Joshua  Reynolds  stated  that  "Two  distinct,  equal  lights,  should  never  appear  in  the  same  picture.  One  should  be  principal,  and  the  rest  subordinate,  both  in  dimension  and  degree.  Unequal  parts  and  gradations  lead  the  attention  easily  from  part  to  part,  while  parts  of  equal  appearance hold it awkwardly suspended, as if unable to determine which of those parts is to be  considered  as  the subordinate. And to give the utmost force and solidity to your work, some part  of  the  picture  should  be  as light, and some as dark as possible. These two extremes are then to  be   harmonized   and   reconciled   to   each   other."   76 

So,  from  Joshua  Reynold's  statement,  John  Thomas  Smith  came  to  the  conclusion  that  the  principles  of  design  could  be  reduced  to  the  simple  explanation  of  value  distribution.  Smith  states,  "Analogous  to  this  "Rule  of  Thirds,"  if  I  may  be  allowed  so  to  call  it,  I  have presumed to  think  that,  in  connecting  or  in  breaking  the  various lines of a picture, it would likewise be a good  rule   to   do   it,   in   general,   by   a  similar   scheme   of   proportion.      For  example,  in a design of landscape, to determine the sky at about two­thirds; or else at about  one­third,  so  that  the  material  objects  might  occupy  the  other  two:  Again,  two­thirds  of  one  element,  (as  of  water)  to  one  third  of  another  element  (as  of  land);  and  then  both  together  to  make  but  one  third  of  the  picture,  of  which  the  two  other  thirds  should  go  for the sky and aerial  perspectives.     This  rule  would  likewise  apply  in breaking a length of wall, or any other too great continuation of  line  that  it  may  be  found  necessary  to  break  by  crossing  or  hiding  it  with  some  other  object.  In  short,  in  applying  this  invention,  generally  speaking,  or  to  any  other  case,  whether  of  light,  shade,  form,  or  color,  I  have  found  the  ratio  of  about  two­thirds  to  one­third,  or  of  one to two, a  much  better  and  more  harmonizing  proportion,  than  the  precise  formal  half,  the  too­far­extending  four­fifths—and,  in  short,  than  any  other  proportion  whatever.  I  should  think  myself honored by the opinion of any gentleman on this point; but until I shall by better informed,  shall  conclude  this  general  proportion  of  two  and  one  to  be  the  most  picturesque medium in all  cases  of  breaking  or  otherwise  qualifying  straight  lines  and  masses  and  groups  as  Hogarth's  line  is  agreed  to  be  the  most  beautiful,  (or,  in  other  words,  the  most  picturesque)  medium  of  curves."   Hence,   the   Rule   of   Thirds   was   born.     However, the confusion and lack of credibility with this "one size fits all" approach to composition  is  unavoidable  because  Joshua  Reynolds  is  referring  to  the  distribution  of  values  between light  and  dark  and  the  greatest  area  of  contrast,  not  the  divisional breaks of the square or rectangle.  These  are  two  separate  and  distinct  principles.  Moreover,  the  Rule  of  Thirds  analogy  isn't  considering  the  dimensions  of  the  rectangle  used  in  a  work  of  art.  In  other  words,  there  isn't  anything  wrong  with  creating  divisions  at  the  half  or  four­fifths  point  as  long  as all the elements  in  a  composition  are  balanced  and  harmonized.  For  example,  you  can  break  a  root  2  Dynamic  Symmetry   rectangle   on   the   theme   of   2  and   all   the   dividing   lines   are   at   half   divisions.      In  conclusion,  after  reading  "Remarks  on  Rural  Scenery"  and  analyzing  some  of  John  Thomas  Smith’s  engravings,  it's  evident  that  the  Rule  of  Thirds  is,  at  best,  a  "beginner"  level  design  concept.  What's  more,  because  the  Rule  of  Thirds  doesn't  incorporate  diagonal  lines  into  the  design  scheme,  applying  the  grid  to  a  work  of  art  tends  to  produce  compositions  that  lack  energy,  theme,  variation,  and  harmony.  Creating  great  art  will  always  require  the  application  of  respectable  design  principles  and  anything  less  is  denying  oneself  the  ultimate  satisfaction  of  creating   work   that   is   worthy   of   respect,   admiration,   integrity,   and   longevity.         77 

Why   the   Rule   of   Thirds   Is   Popular   With   Artists   and   Photographers    Even  though  the  Rule of Thirds doesn't offer an artist much in terms of creative value, you might  be   asking   yourself,   “why   is   this   rule   so   popular?”   There   are   several   reasons:    The  first  reason  is  due  to  the  lack  of  written  material  available  on  design.  Finding  worthwhile  content  on  Dynamic  Symmetry  and  the  golden  section  is  incredibly  difficult,  as  well  as  the  required  effort  of  piecing  the  information  together  so  that  it  makes  sense  to  the  artist.  In  my  experience,  it's  taken  me  more  than  five  years  to  find  the  best  available  resources  for  learning  composition  and  a  lot  more  time analyzing masterworks. In contrast, finding articles on the Rule  of   Thirds   is   easy.     The  second  reason  the  Rule  of  Thirds  is  so  popular  is  that  it's  easy  to  use  and  doesn't  require  any  effort,  skill,  or knowledge. For example, all the photographer or artist has to do is place their  main  subject  in  one  of  the  four  crosshairs  and  bang,  an  instant  masterpiece.  However,  realistically  speaking,  that  is  rarely  the  case.  Creating  successful  compositions  in  art  requires  more   than   a  simple   one   level   tic­tac­toe   grid   can   provide.    The  photographs  below  demonstrate  how  Martine  Franck  is  using  the  armature  of  the  1.5  rectangle  to  give  her  image  dynamic  movement.  Notice  how  the  woman  and  little  girl's  limbs  match   the   angles   of   the   armature.    

   

  78 

      The   Rule   of   Thirds   and   the   21st   Century   Artist    Due  to  organizations  like  the  Art  Renewal  Center  and  The  Da  Vinci  Initiative,  as  well  as  the  deterioration  and  lack  of  interest  in  modern  Conceptual  art,  classical  art  training  has  gained  widespread  popularity  over  the  past  sixteen  years.  In  fact,  art  ateliers  are having a difficult time  keeping  up  with  the  ever­growing  demands  of  the  modern  art  student  and  their  desire  for  skill­based   training.    Because  of  this  rebirth  of  classical  art  appreciation,  the generic composition concepts (the Rule  of  Thirds,  the  Rule  of  Odds, the Rule of Space, etc.) that have become so popular over the past  25  years  are  dying  off  quickly.  For  this  simple  reason,  if  the  21st­century  artist  or photographer  expects  to  remain  competitive in these rapidly changing times, the knowledge and application of  skill­based   design   will   be   a  requirement.     

  Dot   Bunn   painting   designed   in   a  root   3  Dynamic   Symmetry   rectangle   79 

The   Mechanics   of   a  Rule   of   Thirds   Grid    Contemporary  photographers  and  artists  are  often  more  familiar  with  the  Rule  of  Thirds  than  Dynamic  Symmetry.  And  even  though  I  don't  recommend  using  the  Rule  of  Thirds  for  composition  in  art,  it's  still  important  to  at  least  explain  the  concept  for  the  purpose  of  comparison.     The  Rule  of  Thirds  states  that  when  a  rectangle  or  square is divided into thirds horizontally and  vertically,  the  four  intersecting  points  within  the  composition  are  the  most  effective  areas  of  interest.  The  artist  or  photographer  can  then  place  the  essential  elements  of  their  subject  in  or  near  one  or  more of the intersections called "eyes." These positioned elements in a design don't  need  to  land  exactly  on  the  "eyes"  to  be  effective.  Below  is  an  example  of  the  Rule  of  Thirds  grid.  

      Limitations   of   the   Rule   of   Thirds    The   Rule   of   Thirds   doesn't   incorporate   diagonal   lines   into   the   design   grid    While  there  isn't  anything  wrong  with  creating  divisions  on  thirds  in  a  design,  the  use  of  additional  diagonal  lines  are  critical  to  the  success  of  any  work  of  art  whether  it's  a  drawing,  painting,  or  photograph.  Because  the  Rule  of  Thirds  doesn't  incorporate  diagonal  lines  into  the  design  grid,  an  artist  can't  determine  the  best  position  to  place  their  subject  within  the  intersecting  points  called  "eyes."  Regrettably,  this  limitation  forces  the  photographer  or  artist  to  "guess"   most   of   the   time.    You   can't   use   the   Rule   of   Thirds   grid   to   analyze   master   artist's   work    Because  master  artists  designs  are  far  more  complex  than  the  Rule  of  Thirds  grid,  you  can't  analyze  or  learn  anything  from  their  art.  In  other  words,  you  don't have any resources available  to  study.  To  become  more  proficient  at  visual  literacy,  you  have  to  possess the necessary skills  to  be  able  to  decode  composition,  color  theory,  and  so  on.  Once  you  master  these  skills,  you  can  discover  how  other  master  artists  design  their  work  and  apply  that  knowledge  to  your  own  art.    80 

  Images   above   compare   the   Rule   of   Thirds   grid   vs.   the   armature   of   the   rectangle   

  Images   above   show   an   analysis   using   the   armature   of   the   square/rectangle   as   discussed   in   the   book   “The   Painter’s   Secret   Geometry”   by   Charles   Bouleau    In  the  book   Geometry  of  Design   second  edition,  Kimberly  Elam  introduces  the  concept  of  the  Rule  of  Thirds  as  a  tool  for  analyzing  art.  While  I  do  think  Elam’s  book  is  most  certainly  worth  purchasing,  I  don’t  agree  with  her  suggestion of using the Rule of Thirds grid to analyze art. For  example,  in  the  painting  above,  “Ghent,  Evening”  by Albert Baertsoen, observe how the Rule of  Thirds  grid  only  shows  four  divisions  in  the  composition.  In  contrast,  when  you  analyze  the  painting  using  the  armature  of  the  square/rectangle,  as  discussed  in  the  book   The  Painter’s  Secret  Geometry  by  Charles  Bouleau,  you  will  discover  that  the  design  is  far  more  sophisticated.   To   learn   more   about   the   armature   of   the   rectangle,   click  h   ere .   81 

The   Rule   of   Thirds   creates   imbalances   in   a  composition    If  an  artist  isn't  careful,  it's  easy  to  create  imbalances  in  a  composition  using  a  Rule  of  Thirds  grid.  Because  the Rule of Thirds design concept pulls your subject out of the center of the frame  (regardless  of  the  artist's  intention)  and  off  to  one  side,  it's  not  uncommon  to  disregard  what  remains  in  the  other  half  or  two­thirds  of  the  image.  Many  photographers  and  artists  assume  that  as  long  as  they  have  their  subject  in  a  particular cross­hair, it's good design. Unfortunately,  this  is  rarely  the  case.  Balance  in  design  is  critical to the success of any work of art and leaving  areas   of   dead   space   on   one   side   gives   the   viewer   a  sense   of   imbalance.       The   Mechanics   of   a  Dynamic   Symmetry   Grid    Below  is  an  image  demonstrating  the  breakdown  of  a  Dynamic  Symmetry  grid.  Notice  how  the  original  position  of  the  four  red  intersecting  "eyes"  as  well  as  the horizontal (green) and vertical  (red)  divisions  of  the  Rule  of  Thirds  grid  change  when  you  apply  the  Dynamic  Symmetry  armature   to   the   same   1.5   rectangle   as   shown   above.    

      The   Baroque,   Sinister,   and   Reciprocal   Diagonal   Lines    In  the  image  below,  the  green  line  is  called  the  Baroque  diagonal.  It  runs  from  the  lower  left­hand  corner  of  the  rectangle  to  the  upper  right­hand  corner.  The  red  line  is  the  Sinister  diagonal.  It  runs  from  the  lower  right­hand  corner  of  the rectangle to the upper left­hand corner.  The  four  yellow  lines  are  the  reciprocal  diagonals.  They  intersect  the  Baroque  and  Sinister  diagonals   at   exactly   90   degrees.      82 

By  using  the  Baroque,  Sinister,  and  reciprocal  diagonals,  the  Dynamic Symmetry grid can grow  infinitely,  allowing for increasingly powerful designs. Also, by intersecting the main diagonal lines  at  90  degrees  with  the  rectangle’s  reciprocal  diagonal  lines,  many  smaller  versions  of  the main  rectangle  appear.  These  guidelines,  in  turn,  help  create  theme,  variation,  and  harmony  in  the  final   image.  

    The  painting  below  by  Caravaggio  is  designed  using  the  Sinister  diagonal  line  (yellow)  and the  reciprocal  (green)  of  the  root  2  Dynamic  Symmetry  rectangle.  Notice  how  Caravaggio  repeats  these   diagonal   lines   throughout   the   design.    

    83 

  Edgar   Degas,   “Woman   at   Her   Bath,”   designed   using   the   Baroque   diagonal      The   Rule   of   Thirds   Grid   vs.   The   Dynamic   Symmetry   Grid   (visual   comparison)   

      Advantages   of   Using   a  Dynamic   Symmetry   Grid    Unlike  the  Rule  of  Thirds,  Dynamic  Symmetry  incorporates  diagonal  lines  into  the  design  grid.  These  additional  lines  give the artist greater flexibility when framing a subject and create a more  visually  compelling  dynamic  image.  Also,  Dynamic  Symmetry  helps  photographers  and  artists  create  harmonious  divisions  (in  the  rectangle  of  their  choice)  that  will  create  a  picture  that  contains  theme,  harmony,  and  variation.  This  flexibility,  in  turn,  creates  an  opportunity  to  introduce   more   variety   into   an   artist's   work.      In  the  paintings  below  by  Juliette  Aristides,  notice  how  she  uses  the  armature  of  the  1.5  rectangle  to  give  her  artwork  a  feeling  of  dynamic  energy.  If  you  look  closely,  you  will  see  that  Aristides is using the diagonal lines created by the armature of the rectangle to give her subjects  gazing  direction  as  well  as  visual  movement.  Photographers  can  apply  the  same  design  principles  to  their  photographs  in  the  same  fashion  a  master  painter will implement a design on  the   canvas.   84 

     

    85 

    The  painting  below  by  Emile  Munier  demonstrates  the  use  of  the  Dynamic  Symmetry armature  in  composition.  Notice  how  the  diagonal  lines  inherent  to  the  1.5  rectangle  create  a visual path  for  the  viewer.  The gazing direction of the little girl and both cats follow the angles of the Sinister  and  Baroque  diagonal  line.  Also,  observe  how  Munier  used  the  armature  to  create  dominant  vertical   and   horizontal   divisions   in   the   design.   

  86 

    The   "Eyes"   of   a  Grid    Because  the  location  of  the  "eyes"  on  both  grids  (the  Rule  of  Thirds  and  Dynamic  Symmetry)  are  physically  close  in  distance,  artists  and  photographers  sometimes  assume  that  they  are  interchangeable.  This  assumption  would  be  incorrect.  Even  though  there  isn't  a  drastic  change  in  location  of  the  "eyes"  from  one  grid  to  the  other,  the  horizontal  and  vertical  divisions  are  entirely  different.  Also,  because  the  Rule  of  Thirds  grid  doesn't  incorporate  diagonal  lines  into  the  design  scheme,  there  aren't  any  visual  markers  for  the  artist  to  place  the  angles  of  their  subject  effectively  in  a  work of art. In other words, a master painter will let the angles inherent to  their   subject   dictate   the   rectangle   they   choose   for   their   composition.    

  Euan   Uglow,   "The   Diagonal,"   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle  87 

Can   Design   Exist   Without   Diagonal   Lines?    When  you  consider  how  a  Dynamic  Symmetry  grid  is  constructed,  it  begs  the  question,  "Can  design  exist  without  diagonal  lines?"  In  Dynamic  Symmetry,  the  answer  would  be  no.  Because  all  of  the  golden  section  divisions  (vertical  and  horizontal)  are  created  by  intersecting  two  diagonal  lines  at  90  degrees,  it's  not  possible  to  create  an  armature  without  them.  Below  is  an  image  comparing  the  Rule  of  Thirds  grid  to  the  armature  of  a  rectangle.  Notice  how  the  intersecting  diagonal  lines  in  the  Rule  of  Thirds  grid  are  not  at  90  degrees.  The  90­degree  intersections  are  the  key  to  great  design  and  the  backbone  of  every  Dynamic  Symmetry  rectangle   in   the   golden   section   system   of   design.     

   

  Photograph   by   Helen   Levitt   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle  88 

   

  Photograph,   “The   Gentlemen   from   Memphis,”    by   Teresa   Pilcher    Even  though  the  photographer  might  not  have  considered  the  Dynamic  Symmetry  armature  of  the  1.5  rectangle  when  photographing  the  subject  above,  it’s  always  good  practice  to  analyze  your  work  in  post  processing  to  see how strong the composition is in your images. This process  of  analyzing  art  helps  refine  the  visual  literacy  skills  of  the  photographer  and  increases  the  chance   for   more   “keepers”   in   the   future.  89 

Painting   below,   "Faith   in   the   Wilderness"   by   Jon   deMartin,   designed   in   a  root   4  Dynamic  Symmetry   rectangle.   Every   horizontal   and   vertical   division   is   precisely   calculated   by   the   artist.   

      Intuition   in   Composition   (Master   Artists)    Despite  what  contemporary  artists  are  taught,  master  painters  don't  approach  a  canvas  and  produce  a  masterpiece  (intuitively)  on  the  spot.  They  take  many  steps  prior  in  preparation.  These  steps  include  drawing,  designing,  and  creating  various  sketches  known  as  posters  that  include   gestures,   expressions,   tones,   and   color   composition.     Outside  of  the  classically  trained  artist,  in  today's  culture,  this  method  of  producing  art  is  frowned  upon  because  it's  not  considered  spontaneous  or  original. In contrast, artist of the past  approached  a  painting  in  the  same  fashion  and  with  the  same  strategy  as  they  would  in  designing  a  piece  of  architecture  ­  they  would  have  design plans already drawn out long before  any  work  began.  This  carefully  planned  process increased the chances of success in creating a  beautiful   and   structurally   sound   piece   of   art.       There  are  several  ways  a  modern  master  artist  will  create  a  composition.  The  first  method  involves  drawing  out  the  armature  (grid)  on  a  piece  of  paper  or  canvas  first,  then  draw  the  subject,  elements,  and  spaces  within  the  preconceived  framework.  For  example,  in  Juliette  Aristides  new  video   Secrets  of  Classical  Painting ,  before  she  begins  to  paint  the  live  model  she   has   already   mapped   out   the   design   armature   on   her   canvas.      An  alternative  approach  entails  drawing  out  all  your  elements  first,  then  place  all  the  components  in  your  design.  To  give  an  illustration,  once  the  artist  has  decided  on  an idea for a  work  of  art,  they  can  set  up  their  composition  and  then  move  their  subjects  (already  drawn)  around  the  armature  (grid)  of  the  rectangle  until  they  decide  on a final design that will give their  work  theme,  variation,  and  harmony.  Many  artists  today,  like   Daniel  Gerhartz ,  use  a  computer  for   their   designs   to   make   this   process   more   efficient.   90 

In  summary,  there  are  too  many  visual  problems  to  resolve  before  creating  a  masterpiece  without  any  prior  planning  and  artists  that  rely  solely  on  intuition  to  create  compositions  are  bound  to  fail.  Master  artists  will  always  use  design  systems  based  on  the  golden  section  and  rely  heavily  on  compasses,  rulers, t­squares, calipers, and computers to create their art. A great  work  of  art  will  always  require  skills,  plans,  and knowledge of solid design principles. Click  here  for   a  demo   video   demonstrating   how   to   design   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle.    Related   article:  I ntuition   in   Composition:   A  Topic   I  Will   Never   Debate   

 

  Henri   Fantin­Latour   preliminary   sketches   in   root   2  Dynamic   Symmetry   rectangles   91 

  Henri   Fantin­Latour,   1865,   final   painting   from   preliminary   sketch   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle    

  Painting   above   by   Kristie   Bruzneak   demonstrating   intense   preparatory   work   before   a  final   composition  92 

 

   

  Preliminary   and   final   drawing   above   by   Gwendolyn   Stine,   former   student   of   Myron   Barnstone     93 

   

  Preliminary   drawings   above   by   Edgar   Degas.   Even   though   the   sketch   lines   are   faint,   you   can  still   see   how   Degas   is   using   the   armature   of   the   root   2  Dynamic   Symmetry   to   place   particular  vertical,   horizontal,   and   diagonal   divisions   in   the   composition.   94 

     

  Drawings   above   demonstrate   how   Degas   is   breaking   down   the   root   2   Dynamic   Symmetry   rectangle   to   create   additional   divisions    95 

Images  below  by  master  artist  Dot  Bunn  demonstrating  the  different  stages  of  creating  a  successful  work  of  art.  Dot  draws  out  the  elements  first,  then  decides  on  the  size  of  the  rectangle  based  on  the  dominant  angles  of  her  subject.  Proceeding  in  this  manner  will  help  avoid  the  errors associated with the “tail wagging the dog” design concept that Myron Barnstone  discusses   in   his   drawing   DVD   lectures.     

      

  Dot   Bunn   painting   designed   in   a  root   Phi   Dynamic   Symmetry   rectangle  96 

 

  Henri   Fantin­Latour   additional   preliminary   sketches  97 

 

  Henri   Fantin­Latour   additional   preliminary   sketches   98 

Charles   Bouleau   Armature   vs.   The   Root   Rectangle   Armature  (for   artists   that   draw   and   paint)    In  the  book  “The  Painter’s  Secret  Geometry,”  Charles  Bouleau  talks  about  the  armature  of  the  rectangle  when  building  a  composition  in  art.  Bouleau  states  that  “The  lines  that  cross  within  a  picture,  starting  from  the  corners  and  from the simple divisions of the sides, have been called in  this  book  the  ‘armature’  of  the  geometrical  figure  formed  in  and  by  the  picture.  The  word  can  suggest   any   kind   of   supporting   framework,   as   for   instance   the   leading   of   stained­glass   windows.    But,  falling  in  with  the  taste  of  the  painters  for  musical  analogies,  I  am  recalling  another  sense  which  the  word  ‘armature’  has  in  French,  that  of  a  key  signature—an  idea  which  illuminates  what  I  have  in  mind  by  stressing  the  impersonal,  objective  necessity  of  that  inner  framework  which  emerges  from  the  form  itself  and  not  from  the artist’s choice. He may, in accordance with  his  idea  of  art,  arrange  his  picture  upon  the  musical  consonances  or  the  golden  proportion,  or  inscribe  open  or  closed  curves  within  the  area—in  all  this  he  is  free;  the  armature,  on  the  contrary,  is  given  him:  he  will  make  more  or  less  use  of  it,  but will never be able to do without it  entirely.”    He  then  goes  on  to  say  that  “To  understand  clearly  what  is  meant  by  the  armature  of  the  rectangle,  it  should  be noted that the presence of the diagonals does not in every picture leap to  the  eye.  Far  from  it:  it  is  enough  that  their  points  of  intersection,  or  the  horizontals  or  verticals  drawn  through  these to the sides of the picture should supply the construction of the picture with  its  foundations.  When  the  points  have  been  chosen  in  this  way,  the  painter  withdraws  these  diagonals,   as   the   builder   his   scaffolding.”     

  Above   image   demonstrates   the   basic   armature   discussed   in   the   “Painter’s   Secret   Geometry”  99 

However,  it's  important  to  point  out  that  even  though  Bouleau’s  description  of  the  armature,  as  discussed  in  the  book   The  Painter’s  Secret  Geometry ,  is  constructed  differently  than  the  Dynamic  Symmetry  root  rectangles,  previously  mentioned  at  the  beginning  of  this user’s guide,  both   contain   the   same   harmonic   divisions.     For  example,  in  the  drawing  below  by  Tenaya  Sims,  notice  how  the  grid  she  employs  looks  different  than  a  root  rectangle  grid  (there  are  no  vertical or horizontal lines). Nonetheless, when  you  lay  a  root  3  Dynamic  Symmetry  grid  over  the  identical  drawing  and  continue  to  break  it  down  further,  you  will see it produces the same harmonic divisions. For more information on this  process   and   application,   I  highly   recommend   Juliette   Aristides   book  C   lassical   Painting   Atelier .    

  To   learn   how   to   create   the   Charles   Bouleau   armature   grid,   click  h   ere .   

  100 

 

     

  Paintings   above   by   Niccolo   dell’Abbate   and   Diego   Velázquez   using   the   armature   of   the   rectangle   for   their   compositions  101 

   

  Painting   above   by   Juliette   Aristides   102 

Below  is  a  painting,  by  Sydney  McGinley,  that  demonstrates  the  process  of  analyzing  art using  the  armature  of  the  rectangle,  as  discussed  in  the  book   The  Painter’s  Secret  Geometry  by  Charles  Bouleau.  Notice  when  two  diagonal  lines  intersect,  a  vertical  or  horizontal  line  can  be  drawn  to  create  a  precise division in a composition. As mentioned at the beginning of this user's  guide,  while  learning  how  to  analyze  art  is  not  always  easy,  it’s  a  critical  step  in  the  process  of  becoming   a  visually   literate   artist.    

    

  103 

   

  104 

   

  105 

   

  106 

  In   the   painting   above,   you   can   continue   to   break   it   down   further   creating   additional   vertical   and   horizontal   divisions      “The   combination   of   the   rectangle   and   its   diagonals   provide   a  simple   means   of   determining  harmonic   divisions,   for   when   fourteen   diagonal   lines   are   superimposed   upon   a  rectangle,   a  compositional   grid   is   formed;   the   intersections   of   these   diagonal   lines   determine   the   location   of  the   harmonic   divisions.   This   armature   provides   the   limits   of   composition,   and   within   these   limits,  compositions   can   be   varied   endlessly.   This   is   the   musical   scale   of   composition.”     Juliette   Aristides   ­ C   lassical   Painting   Atelier      Creating   Additional   Lines   Within   the   Armature    Even  though  the  basic  armature  of  the  rectangle  (as  mentioned  above)  only  contains  14  diagonal  lines,  this  in  no  way  restricts  the artist from creating more to suit their artistic vision. To  illustrate  this  point  further,  because  the  artist or designer can create vertical and horizontal lines  from  any  two  intersecting  diagonal  points,  they  can  then  use  these  new  divisions as anchors in  their   composition   to   draw   added   supporting   diagonal   lines.   107 

   

  Painting   above,   “The   Bathers”   by   Jean­Honoré   Fragonard,   demonstrating   the   use   of   additional  lines   created   by   the   underlying   armature   of   the   rectangle.   Notice   that   the   four   red   circles   indicate  the   diagonal   crossing   lines   used   to   create   two   more   vertical   lines   in   the   composition.    108 

   

    In  the  painting  above,  “Diana  Returning  from  Hunt,”  notice  how  Peter  Paul  Rubens  creates  additional  vertical,  horizontal,  and  diagonal  lines  from  the  intersecting  points  of  the  main  armature.  If  you  continue  to  break  down  the  design,  you  will  discover  other  essential  elements  that   precisely   fall   into   place.  109 

In  the  painting  below,  titled  “Woman  Cleaning Turnips,” you can see how Jean­Baptiste­Siméon  Chardin  is  using  markers  (created  from the vertical and horizontal divisions within the armature)  as  anchors  for  additional  diagonal  lines  to  support  all  of  the  compositional  elements  in  his  final  design.   

   

  110 

 

  In   the   images   above,   you   can   see   how   Chardin   has   created   additional   diagonal   lines   from   the   white   markers      Intuitive   Knowledge   in   Composition   (Master   Photographers)    Everyone’s  a  photographer.  From  your  average  soccer  mom  taking  pictures  of  her  kid  playing  on  the  field  to  grandma  taking  snapshots  of her grandkids on Sunday visits, we all take pictures  at  some  point  in  our  life.  However,  while  everyone  takes  photographs,  producing  images  that  can  be  considered  art  is  far  more  challenging.  Because  many  pictures  are  snapped  on  the  fly,  it's  naturally  assumed  that  composition  must  be  intuitive.  While  intuition  does  play  a  significant  role  in  creating  great  photos,  intuitive  knowledge is far more valuable for taking images that can  be   considered   works   of   art.   111 

Intuition  can  be  defined  as  the  natural  ability  to  draw  a  conclusion  based  on  instinct  or  feeling,  rather  than  conscious  reasoning.  By  contrast,  intuitive  knowledge  in  composition  comes  from  studying  design  principles  until  you’re  able to recognize it quickly while you're taking pictures. In  other  words,  you're training yourself to become visually literate. Henri Cartier­Bresson described  this  familiarity  as  the  “decisive  moment.”  And  while  many  photographers  recognize  Henri  Cartier­Bresson  as  being  one  of  the  greatest  photographers  that  ever  lived,  very  few  amateurs  understand   his   knowledge   and   background   training   in   design.       Examples   of   Master   Photographers   Using   the   1.5   Armature    In  the  pages  that  follow,  I've  included  a  significant  number  of  examples  that  demonstrate  how  master  photographers  employ  specific  elements  of  the  1.5  armature  as  well  as  other  design  techniques  to  create  successful  compositions.  It's  important  to  point  out  that  highly  trained  photographers,  much  like  Cartier­Bresson,  tend  to  memorize  specific  vertical,  horizontal,  and  diagonal  divisions  that  relate  to  the  1.5  armature of the rectangle which therefore eliminates the  need   to   crop   their   images   in   post   production.     Additionally,  the  photographer  that  reads  this  user's  guide  thoroughly  should  notice  recurring  design  schemes  in  all  of  the master photographers images and practice applying some of these  techniques  to  their  own  work.  In  my  experience,  far  too  many  photographers  are  reluctant  to  learn  classical  design  skills  relying  solely  on  intuition  to  create  compositions.  This  ill­advised  practice  and  irrational  attitude  towards  learning  new  art  skills is painfully obvious in every genre  of  photography  today  whether  it  be  landscape,  portraiture,  fashion,  street  photography,  etc.  If  you're   not   a  photographer   and   want   to   skip   this   section,   click  h   ere .     Related   video:  M   yron   Barnstone   discusses   Henri   Cartier­Bresson   Related   video:  H   ow   to   Talk   to   Strangers   ­  7  Tips   for   Photographing   People   

  112 

   

  Photograph   above   by  D   avid   Alan   Harvey  u   sing   the   armature   of   the   1.5   rectangle    113 

   

  Photograph   above   by  D   avid   Alan   Harvey   demonstrating   the   viewer’s   visual   path   with   the   armature   grid   removed  114 

   

  Photograph   above   by  A   lex   Webb   using   the   basic   armature   of   the   1.5   rectangle   to   create   a  simple,   yet   effective,   design.   Additionally,   notice   how   the   composition   is   divided   into   multiple   1.5  rectangles   ­  one   standing   vertical,   and   the   other   horizontal.   115 

   

  Photograph   above   by  C   onstantine   Manos   using   a  few   simple   divisions   of   the   1.5   armature    116 

    

  Photograph   above   by  C   onstantine   Manos   from   the   book  A   merican   Color   2.   Notice   how  Manos   is   repeating   the   Sinister   Diagonal   to   create   a  visual   rhythm   in   a  1.5   rectangle.  117 

   

  Photograph   above   by  C   onstantine   Manos   from   the   book  A   merican   Color .   Notice   how   Manos   is   only   using   two   lines   from   the   1.5   armature   to   break   the   image.   118 

   

  Photograph   above   by  C   onstantine   Manos   from   the   book  A     Greek   Portfolio .   The   white   lines   are   derived   from   the   armature   of   the   1.5   rectangle.  119 

   

  Photograph   above   by   Dennis   Stock   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle  120 

   

  Photograph   above   by  D   avid   Alan   Harvey ,  from   the   book  D   ivided   Soul ,   employing   the  S   teelyard   principle   as   well   as   the   armature   of   the   1.5   rectangle   121 

   

  Photograph   above   by  D   avid   Alan   Harvey   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle     122 

   

  Photograph   above   by  D   avid   Alan   Harvey  d   emonstrating   the   use   of   dominant   vertical,   horizontal,   and   diagonal   lines   derived   from   the   armature   of   the   1.5   rectangle  123 

   

  Photograph   above   by   Gilles   Peress   dividing   his   composition   by   using   two   lines   of   the   1.5  armature,   along   with   figure­ground   relationship,   to   create   a  masterful   image  124 

   

  Photograph   above   by  L   arry   Towell  d   emonstrating   the   use   of   dominant   vertical   and   diagonal   lines   from   the   armature   of   the   1.5   rectangle   as   well   as   the   Steelyard   principle  125 

   

  Photograph   above   by   Martine   Franck   demonstrating   the   use   of   dominant   vertical,   horizontal,   and   diagonal   lines   derived   from   the   armature   of   the   1.5   rectangle  126 

   

  Photograph   above   by  M   artine   Franck   demonstrating   the   use   of   dominant   vertical,   horizontal,   and   diagonal   lines   from   the   armature   of   the   1.5   rectangle  127 

   

  Photograph   above   by  B   runo   Barbey   demonstrating   the   use   of   dominant   vertical,   horizontal,   and   diagonal   lines   from   the   armature   of   the   1.5   rectangle  128 

   

  Philip   Jones   Griffith   repeating   the   Baroque   diagonal   throughout   the   design    129 

   

 

Photograph   above   by  E   d   Peters   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle  130 

   

  Photograph   above   by  T   homas   Dworzak   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle    131 

   

  Photograph   above   by  M   irko   Saviane   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle    132 

   

  Photograph   above   by  D   imitri   Mellos   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle 

133 

Bringing   the   1.5   Rectangle   Into   the   Golden   Section   System   of   Design     Because  the  1.5  rectangle  (a  square  and  a  half)  isn't  a  golden  section  rectangle,  to  harness  it  and  bring  it  into  the  golden  section  system  of  design,  you  have  to  use  the  armature  of  the  rectangle  as  well  as  overlap  two  root  4  Dynamic  Symmetry  rectangles.  In  the  painting  below  titled  "Self  Portrait"  by  Pablo  Picasso,  notice  how  he  uses  the  armature  of  the  1.5  rectangle as  well  as  the  overlapped  root 4 Dynamic Symmetry rectangles for his design. To learn more about  overlapping  root  rectangles,  I  recommend  purchasing  Myron  Barnstones’  lessons  7  and  10  of  his   drawing   DVD   series.    

   

  134 

   

  Jon   deMartin   designing   in   a  1.5   rectangle   using   the   armature   and   two   overlapped   root   4  Dynamic   Symmetry   rectangles  135 

   

  Dot   Bunn,   a  former   student   of   Myron   Barnstone,   designing   in   a  1.5   rectangle   using   the   armature   and   overlapped   root   4  Dynamic   Symmetry   rectangles  136 

  Painting   above,   “The   Entombment   of   Christ”   by   Caravaggio,   designed   in   a  1.5   rectangle   

  Image   above   demonstrating   a  more   sophisticated   breakdown   from   the   book   “The   Painter’s   Secret   Geometry”   by   Charles   Bouleau  137 

    In  the  image  above,  from  the  book   Geometry  of  Design  second  edition,  Kimberly  Elam  overlays  a  golden  section  grid  (1.618)  on  the  painting  “Bathing  at  Asnieres”  by  Georges­Pierre  Seurat.  However,  because  the  picture  is  closer  to a 1.5 rectangle than a Phi rectangle, applying  the  1.5  armature  as  well  as overlapped root 4 Dynamic symmetry rectangles might have been a  better  choice  for  analysis.  Also,  it's  important  to point out that the right­hand side of the painting  is  cut  compared  to  the  original  below.  This  inappropriate  clipping,  of  course,  will  change  the  analytical   results.    

  Painting   above,   “Bathing   at   Asnieres”   by   Georges­Pierre   Seurat,   demonstrating   the   use   of   the  1.5   armature.   Notice   how   the   main   figure   falls   center   of   the   vertical   division   (in   red).  138 

Henri   Cartier­Bresson   and   the   1.5   Rectangle    It has been written by many authors on most of the popular photography websites like The Art of  Photography  and  Petapixel  that  Henri  Cartier­Bresson  used  the  Rule  of  Thirds  grid  for  his  compositions.  This  analytical  claim  is  false.  Bresson,  because  of  his  classical  skill­based  art  training  with  Andre  Lhote,  never  would  have  limited  his  designs  by  using  a  tool that didn't have  any  flexibility.  In  truth,  he  created  his photographs using the armature of the 1.5 and overlapped  root   4  Dynamic   Symmetry   rectangles.    

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson   creating   major   divisions   using   overlapped   root   4  Dynamic   Symmetry   rectangles   

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson   creating   major   divisions   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle  139 

   

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson   creating   a  dominant   horizontal   using   the   bottom   edge   of   the   root   4  Dynamic   Symmetry   rectangle  140 

   

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson   creating   major   divisions   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle  141 

     

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson   creating   major   divisions   using   overlapped   root   4  Dynamic   Symmetry   rectangles  142 

     

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson   creating   major   divisions   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle  143 

The   Decisive   Moment   ­  by   Henri   Cartier­Bresson    If  a  photograph  is to communicate its subject in all its intensity, the relationship of forms must be  rigorously  established.  Photography  implies  the  recognition  of  a  rhythm  in  the  world  of  real  things. What the eye does is to find and focus on the particular subject within the mass of reality;  what   the   camera   does   is   simply   to   register   upon   film   the   decision   made   by   the   eye.    We  look and perceive a photograph as we do a painting, in its entirety and all in one glance. In a  photograph,  composition  is  the  result  of  a  simultaneous  coalition,  the  organic  coordination  of  elements  seen  by  the  eye.  One  does  not  add  composition  as  though  it  were  an  afterthought  superimposed on the basic subject material, since it is impossible to separate content from form.  Composition   must   have   its   own   inevitability   about   it.    In  photography  there  is  a  new  kind  of  plasticity,  the  product  of  instantaneous  lines  made  by  movements  of  the  subject.  We  work  in  unison  with  movement  as though it were a presentiment  on  the  way  in  which  life  itself  unfolds.  But  inside  movement  there  is  one  moment  at  which  the  elements  in  motion  are  in  balance.  Photography  must  seize  upon  this  moment  and  hold  immobile   the   equilibrium   of   it.    The  photographer’s  eye  is  perpetually  evaluating.  A  photographer  can  bring coincidence of line  simply  by  moving  his  head  a  fraction  of  a  millimeter.  He  can  modify  perspectives  by  a  slight  bending  of  the  knees.  By  placing  the  camera  closer  to  or  farther  from  the  subject,  he  draws  a  detail  –  and  it  can  be  subordinated,  or  it  can  be  tyrannized  by  it.  But  he  composes  a  picture  in  very   nearly   the   same   amount   of   time   it   takes   to   click   the   shutter,   at   the   speed   of   a  reflex   action.    Sometimes  it  happens  that  you  stall,  delay,  wait  for  something to happen. Sometimes you have  the  feeling  that  here  are  all  the makings of a picture – except for just one thing that seems to be  missing.  But  what  one  thing?  Perhaps  someone  suddenly  walks  into  your  range  of  view.  You  follow  his  progress  through  the  viewfinder.  You  wait  and  wait,  and  then  finally  you  press  the  button  –  and  you  depart  with  the  feeling  (though  you  don’t  know  why)  that  you’ve  really  got  something.  Later,  to  substantiate  this,  you  can  take  a  print  of  this  picture,  trace  it  on  the  geometric  figures  which  come  up  under  analysis,  and  you’ll  observe  that,  if  the  shutter  was  released  at  the  decisive  moment,  you  have  instinctively  fixed  a geometric pattern without which  the   photograph   would   have   been   both   formless   and   lifeless.      Misunderstanding   the   Decisive   Moment    Depending  on  what  photography  website  you  go  to,  you  will  find  different  interpretations  of  the  “decisive  moment.”  However,  one  mistake  I  see  repeated  often  is  that  many photographers will  assume  a  photograph  is  a  "decisive  moment"  as  long  as  it  tells  an  effective  story  or  displays  a  clear  message  that  translates  to  the  viewer.  Unfortunately,  this  interpretation  isn’t  always  correct.  In  other  words,  just  because  a  street photographer captured a moment in time that tells  144 

a  particular  narrative,  that doesn’t mean it encompasses the full definition of a decisive moment.  A  precise  and  deliberate  design  must  always  be  present.  For  example,  as  noted  in  the  paragraphs  above,  Henri  Cartier­Bresson  discusses  perspective,  coincidences,  organic  elements  that  balance,  relationships  of  forms,  and  the  act  of  analyzing  his  photographs  after  they’ve  been  taken.  These  considerations  are  those  of  the  visually  literate  artist  and  are  thoroughly   discussed   throughout   this   user’s   guide.    

    

  In   the   photograph   above,   observe   how   Henri   Cartier­Bresson   uses   the   armature   of   the   1.5   rectangle   along   with   superb   overlapping   of   figures  145 

Henri   Cartier­Bresson   ­  Setting   the   Scene    Henri  Cartier­Bresson  was  famous  for  seeking  out a landscape (or background) to compose his  subject  within  before  taking  photographs.  In  a  sense,  he  was  setting  a  trap  for  his  "prey."  This  pre­visualization  technique  allowed  him  to  determine  the  best composition prior to snapping the  shutter  and  helped  guarantee  a  more  favorable  result  when  it  came  time  to  edit  his  contact  sheets.  However,  for  this  technique  to  work  effectively,  it  requires  the  photographer  to  have  a  thorough  understanding  of  classical  design  principles  and  a  tremendous amount of patience. In  the  photographs  below,  notice  how  Bresson  composes  a  picture  before  his  subject  appears  in  the   frame.   

   

  146 

The   Root   2  Dynamic   Symmetry   Rectangle   vs.   The   1.5   Rectangle    Because  the  root  2  Dynamic  Symmetry  rectangle (1.4142) and the 1.5 rectangle are so close in  physical  dimensions,  many  photographers  and  artists  assume  that  there  is  little  difference  between  the  two.  This  assumption  would  be  incorrect.  When  you  visually  compare  the  two  rectangles   and   their   associated   armatures   side   by   side,   the   distinction   becomes   clear.    

    Examples   of   Paintings   and   Drawings   Designed   in   a  Root   2  Dynamic   Symmetry   Rectangle   

  Pablo   Picasso,   "First   Communion,"   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle    Related   video:  M   yron   Barnstone   analyzes   the   First   Communion   painting   by   Pablo   Picasso  147 

  Nick   Alm,   "Girl   on   a  Bar   Stool,"   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle     The  vertical  and  horizontal  divisions  in  yellow  are  created  by  the  root  2  Dynamic  Symmetry  rectangle  on  the theme of 2 and 3.  All these divisions are precisely calculated by the artist. Also,  notice  how  Nick  Alm  is  using  the  diagonal  lines  inherent  to  the  root  2  Dynamic  Symmetry  to  fit  his   subject.   Click  h   ere   for   a  demo.   Related   article:  N   ick   Alm:   Derived   From   Empathy   

  148 

In  the  example  below,  notice  how  Martinho  Correia  uses  the  angles of his subject to dictate the  Dynamic  Symmetry  rectangle  he  chose  for  the  final  design.  The  red  line  indicates  the Baroque  reciprocal  of  the  root  2  rectangle.  The  yellow  lines  demonstrate  how  the  artist  is  repeating  the  Baroque   reciprocal   throughout   the   composition   to   achieve   a  gamut.   

   

  149 

In  the  example  below,  the  vertical  and  horizontal  divisions  in  yellow  are  created  by  the  root  2  Dynamic   Symmetry   rectangle   on   the   theme   of   2  and   3.     

    Painting below, by Jon deMartin, designed in a root 2 Dynamic Symmetry rectangle. The vertical  and  horizontal  divisions  in  yellow  are  created  by the root 2 Dynamic Symmetry rectangle on the  theme   of   2  and   3.     

  150 

      The   Golden   Section   and   the   Phi   Ratio   (1.618)  by   Robert   Levy   ­  designer   of   The   Golden   Divider   for   Arts  (adapted   by   dynamicsymmetryart.com)    Man  has  always  tried  to  measure  and  quantify  the  world  surrounding  him.  To  do  this,  he  has  used  the  measurements  and  proportions  of  his  own  body.  Until  the  French  Revolution  of  1789  (birth  of  the  metric  system),  the  whole  world measured their environment in hand spans, palms,  handbreadths,   feet,   and   cubits.    These  five  measures  have  the  following  particularity:  the  sum  of  two  adjacent  measures  is  equivalent  to  the  following  measure  (hand  span  +  palm  =  handbreadth;  handbreadth  +  foot  =  cubit)  and  the  relation  between  two  adjacent  measures  is  constant,  and  equivalent  to  the  number  1.618:  hand  span  x  1.618  =  palm,  palm  x  1.618 = handbreadth, handbreadth x 1.618 =  foot  and  foot  x 1.618 = cubit. The cubit (or Egyptian royal cubit) was equivalent to 52.9 cm (after  the   reform   under   the   26th   dynasty   of   the   Pharaohs).    While  Euclid  (300  BC)  already  spoke  of  this  relation  of  two  lengths  in  his  Elements,  this  proportion  was  named  Divine  Proportion  by Luca Pacioli, a mathematician and contemporary of  Leonardo  da  Vinci  (1509),  much  later  the  Golden  Section  by  the  German  philosopher  and  mathematician  Adolf  Zeising  around  1850  and  finally  the  Golden  Ratio  in  1932,  by  the  Romanian  diplomat  Matila  Ghyka.  Undoubtedly  first used in geometry, the Golden Ratio, (called  φ or Phi in honor of the Greek architect of the Parthenon, Phidias) represents a constant relation  between   two   sizes   of   the   same   nature,   such   as   lengths,   surfaces,   volumes,   or   numbers.    151 

Phi  is  an  irrational  number  and  signifies  (1+√5)/2,  i.e.  a  value  approximating  to  1.618.  For  hundreds,  even  thousands  of  years,  the  Golden  Ratio  has  served  to  define  ideal  proportions  between  two  geometric  or  mathematical  entities.  It  is  on  the  border  of  these  two  domains  and  symbolizes  their  joining.  It  represents  a benchmark for harmonious proportions, and while it has  been  used  (or revealed) primarily in architecture and painting, it is also found in fields as diverse  as   science,   physics,   nature,   music,   finance,   and   acoustics.    Until  the  19th  century,  it  is  almost  certain  that  the  Golden  Ratio  was  used  in  history  in  a  deductive (conscious) manner, but practically no writing substantiates this. Its deliberate use has  nevertheless  remained  secret  and  been  transmitted  from  generation  to  generation  by  certain  trades  such  as  architects,  the  ‘compagnons’  (apprentice  craftsmen)  or  the great painters: some  even   called   it   the   Ratio   of   the   Initiated.    Nowadays  the  Ratio  is  no  longer  as  secret  as  it  once  was  in  history.  But  it  remains  no  less  mythical,  and  still  retains  an  air  of  mysticism  and  mystery  for  some  people.  Its  conscious  application  in  domains  such  as  architecture,  painting,  sculpture,  industrial  aesthetics,  crafts,  interior  design  and  decoration,  landscaping,  marketing,  and  many  other  fields  is  well  established.  As  the  Golden  Ratio  represents  (for  many)  the  ideal  of  harmony  in  proportions,  many  of  the  buildings  constructed  around  us  contain  these  ratios,  and  a  large  number  of  advertising  logos  are  designed  on  this  principle  as  well.  Click   here  for  a  demo  video  by  Myron  Barnstone.     Related   article:  J   uliette   Aristides   and   the   Divine   Proportion   

  Alphonse   Mucha,   designed   in   a  Phi   rectangle   (1.618)  152 

     

  Example   from   the  M   yron   Barnstone   drawing   DVD   series   demonstrating   the   Phi   rectangle    153 

Melody   and   Harmony  From   the   book  T   he   Golden   Section   by   Scott   Olsen    Harmonics  (number  in  time)  was  one of four disciplines studied in the Pythagorean Quadrivium,  together  with  Arithmetic  (pure  number),  Geometry  (number  in  space),  and  Spherics  (number in  space  and  time).  The  golden  section  is  a  theme  common  to  all.  In  the  Platonic  tradition,  the  intention  was  to  lift  the  soul  out  of  the  realm  of  mere  opinion  (doxa),  by  attunement  with  the  ratios  and  proportions  contained  in  the  harmonies and rhythms of music. This allows the soul to  pass  into  the  Intelligible  realm  of  knowledge  (episteme),  moving  through  the  realm  of  mathematical  reasoning  (dianoia)  up  into  direct intuition (noesis) of the world of pure Forms, the  ratios   themselves.    The  structure  of  both  rhythm  and  harmony  is  based  upon  ratio.  The  most  simple  and  pleasing  musical  intervals,  the  octave  (2:1)  and  the  fifth  (3:2),  are  the  first  Fibonacci  approximations  to  the  golden  section.  The  series  continues  with  the  major  and  minor  sixths  (5:3  and  8:5).  The  scale  itself  holds  the  next  step  (13:8),  for  astonishingly, if we include the octave, musicians play  eight  notes  in  a  scale,  taken  from  thirteen  chromatic  notes.  Finally,  simple  major  and  minor  chords   consist   of   the   1st,   3rd,   5th   and   8th   notes   of   the   scale.    The  golden  section  has  been  used  by  composers  from  Dufay  (opposite  top  after Sandresky) to  Bach,  Bartok,  and  Sibelius,  as  a  way  of  structuring  a  work  of  music.  Russian  musicologist  Sabaneev  discovered  in  1925  that  the  golden  section  particularly  appears  in  compositions  by  Beethoven  (97%  of  works),  Haydn  (97%),  Arensky  (95%),  Chopin  (92%,  including  almost  all  of  his   Etudes),   Schubert   (91%),   Mozart   (91%),   and   Scriabin   (90%).   

  154 

How   to   Create   a  Phi   Rectangle   (1.618)     To  create  a  Phi  rectangle,  start  by  drawing  a  square.  From  the  center  (bottom)  of  the  square,  draw  a  diagonal  line  that  meets  the  top  right­hand­side  corner.  Next,  using  a  compass,  swing  the  arc  outward  and  down  to  the  base  of  the  square.  Finally,  draw  the  remaining  lines  to  complete   the   rectangle   as   shown   in   the   diagram   below.    

     

  John   Singer   Sargent,   “Garden   Study   of   the   Vickers   Children,”   designed   in   a  Phi   rectangle  155 

  Painting   by   Sidney   McGinley   designed   in   a  Phi   rectangle      How   to   Create   a  Root   Phi   Rectangle    One  of  the  most  popular  rectangles  among  portrait  painters  is  the  root Phi. To create a root Phi  rectangle,  swing  a  line  up  from  the  bottom  right­hand  corner  of  a  Phi  rectangle  (1.618)  to  the  top.  Where  the  arc  meets  the  horizontal  edge  frame  of  the  Phi  rectangle,  drop  a  vertical  line  down.   See   diagram   below.    

  156 

  Anna   Rose   Bain,   “The   Artist   at   Work,”   designed   in   a  root   Phi   rectangle      The   Phi   Rectangle   (1.618)   vs.   The   1.5   Rectangle    Many  articles  written  on  photography  websites  claim  that  the Rule of Thirds grid is derived from  the  golden section rectangle (Phi 1.618). This isn't the case. Also, because many photographers  only  use  the  Rule  of  Thirds  and  aren't  aware  of  any  other  design  systems,  they  will  stretch  the  Phi  rectangle  to  fit  the  shape  of  a  1.5  rectangle  in  hopes  that  it  will  give  them  a  better  composition.  Unfortunately,  by  extending  the  Phi rectangle past its original physical dimensions,  it  changes  the  armature  and  the  90­degree  intersecting  diagonal  lines.  Simply  put,  once  expanded,   it's   no   longer   a  Phi   rectangle.     Below  is  an  example  showing  the  difference  between  the  Phi  rectangle  and  the  1.5  rectangle.  Even  though  the  dimensions  of  the  two  rectangles  are  close  in  size,  notice  the  armature  that  each   creates   is   drastically   different.     

  157 

In  the photographs below, Eric Kim incorrectly overlays the Phi rectangle 1.618 (in red) on top of  the  1.5  rectangle  in  his  free  e­books  on  photography  composition.  This  common  error,  which  I  see  repeatedly  on  many  of  the  popular  social  media  driven  photography  websites,  is  due  to  a  lack   of   understanding   and   training   in   the   basics   of   classical   design   techniques.     

 

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle  158 

   

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle  159 

In  the image below, from the blog post “Street Photography Composition Lesson #3, Diagonals,"  you  can  see  how  Eric  Kim  is  incorrectly  applying  the  two  intersecting lines, the diagonal and its  reciprocal,  to the Henri Cartier­Bresson photograph. These two intersecting lines (red) are not at  precisely  90  degrees.  Regrettably,  this  miscalculation  in  analysis  will  inhibit  the  student’s  ability  to   learn   design   effectively.    

   

  160 

  Henri   Cartier­Bresson   photograph   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle   

  The   image   above   demonstrates   how   Henri   Cartier­Bresson   uses   the   armature   of   the   1.5  rectangle   to   give   his   image   dynamic   movement.   The   lines   in   yellow   indicate   the   vertical,  horizontal,   and   diagonal   lines   of   the   1.5   armature.   Also,   notice   how   these   lines   follow   the  direction   of   the   subject’s   limbs   and   body   position.    161 

  Photograph   above   demonstrating   an   incorrect   intersection   of   the   Sinister   diagonal   with   its  reciprocal   from   Eric   Kim’s   Street   Photography   Composition   Manual    

  Image   above   from   Eric   Kim’s   Street   Photography   Composition   Manual   incorrectly   describing  how   to   create   a  golden   section   rectangle/triangle­the   instructions   don't   take   into   consideration  the   dimensions   of   the   mother   rectangle.   Furthermore,   as   mentioned   prior,   the   1.5   rectangle   is  not   a  golden   section   rectangle.  162 

     

  Images   above   demonstrate   the   different   triangles   created   using   a  golden   section   rectangle   and   the   1.5   armature 

163 

 

  Images   above   from   the   Rule   of   Thirds   video   by   Ted   Forbes.   In   the   video,   Forbes   incorrectly  explains   how   the   "eyes"   of   the   Rule   of   Thirds   grid   are   golden   section   divisions.   Unfortunately,  most   of   the   popular   photography   websites,   like   The   Art   of   Composition,   only   offer   subjective   or  misinterpreted   information   on   composition   and   have   almost   nothing   to   do   with   art.  164 

Below   are   several   examples   by   Gwendolyn   Stine   correctly   using   the   Dynamic   Symmetry   Phi   (1.618)   rectangle   

   

    165 

     

    166 

  Master   draftsman   Gwendolyn   Stine   uses   the   Sinister   diagonal   (in   red)   as   the   dominant   direction   in   the   gamut   of   her   drawing   above        A  Simple   Composition    The  artist  can  create  a  successful  composition  at  any  level  of  complexity.  Most  times,  photographers  have  to  keep  things simple by breaking images only using a few lines.  However,  I  want  to  stress  the  point  that  even  though  photographers  tend  to  create  less  complex  designs  than  a  painter,  taking  an image that is considered a "work of art" is incredibly difficult. Below is a  photograph  by  Werner  Bischof  demonstrating  a  simple  design  only  using  two lines to divide his  image  into  repeating  forms.  The  1.5  diagram  (in  orange  and  blue) shows the divisions and how  he  created  theme  and  variation. The orange segments indicate 1.5 rectangles broken down into  smaller   versions   that   alternate   between   vertical   and   horizontal.      

  167 

    In  the photograph below by Henri Cartier­Bresson, notice how he uses the basic armature of the  1.5  rectangle  to  give  his  image  visual  movement.  The  yellow  arrow  lines  on  the  far  right  photograph   follow   the   angles   of   the   grid's   armature.    

    At  first  glance,  the  composition  in  the  photograph  below  by  Cristina  Garcia Rodero might seem  simple to the casual viewer. However, when you take a moment to analyze it further, you will see  how  the  design  was  executed  with  a  high  degree  of  mastery.  A  well­trained  photographer,  one  that   has   studied   art   and   design   principles,   knows   what   to   look   for   when   taking   photographs.    

    168 

   

  Cristina   Garcia   Rodero   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle    

 

169 

  Helen   Levitt   photograph   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle     My   Approach     When  I  photograph,  I  always  try  to  keep  the  design  as  simple  as  possible  ­  limiting  the  major  divisions  to  the armature of the 1.5 rectangle. Sometimes you can incorporate the diagonal lines  precisely  in  your  compositions.  However,  because  photographers  can't  formalize  elements  like  an  artist  that  draws  or  paints,  that  isn't  always  possible.  Also,  always  try  to  shoot  full frame (no  cropping).  This  practice  will  force  you  to  get  comfortable  photographing  using  your  chosen  format,  and  you  will  create  a  more  consistent  body  of  images  over  time.  In  contrast,  if  you're  always  cropping  your  photos to various sizes, you will never be able to create a unified portfolio,  and   the   geometry   of   your   rectangle   is   continuously   changing.   

  170 

     

  In   the   photograph   above,   I  kept   the   design   simple   by   using   two   dominant   lines   ­   the   vertical   and   horizontal   derived   from   the   armature   of   the   1.5   rectangle.   The   man’s   red   shirt   also   enhances   the   figure­ground   relationship.  171 

   

  In   the   photograph   above,   you   can   see   how   I’m   using   specific   divisions   derived   from   the  armature   of   the   1.5   rectangle.   William   Eggleston   was   famous   for   using   this   design   technique  because   it   allowed   him   to   photograph   mundane   subjects   and   make   them   look   interesting.  172 

How   to   Make   a  Dynamic   Symmetry   Grid   Overlay   for   Any   Digital   Camera    One  of  the  benefits  of  shooting  digital  in  modern  times  is  having  the  ability  to  preview  your  subject  or  scene  before  you take the image. Most digital cameras available today have a setting  known  as  "live  view"  mode.  This  feature  will  allow  a  photographer to look at the LCD screen on  the   backside   of   the   camera   while   they're   in   the   act   of   photographing.    Even  though most digital cameras have a Rule of Thirds grid view option as part of the camera's  available  features,  none  offer  the  Dynamic  Symmetry  armature  grid.  To  get  around  this  shortcoming, I've outlined a quick three step process that will allow any photographer to create a  Dynamic   Symmetry   grid   to   apply   safely   to   their   LCD   screen.      Step   1    In  the  design  program  of  your  choice,  create  a  page  filled  with  the  Dynamic  Symmetry  grids.  The  number  of  grids  displayed  will  vary  depending  on  the  size  of  your  LCD screen on the back  of  your  camera.  For  myself,  because  I'm  shooting  with  a  Leica  M240, I created a page that has  four   across   and   three   down   (see   below   image).    

     Step   2    Print  the  page  of  Dynamic  Symmetry  grids  on  a  sheet  of  Staples  repositionable  window  decal  paper.   You   can   find   this   product   at   your   local   Staples   store   or   Amazon.com.    Step   3    Once  printed,  let  the  sheet  dry  for  20  mins  to  allow  the  ink  to  stabilize.  After  the  sheet  is  completely  dry,  cut and peel the perfectly sized grid and lay it over your LCD screen on the back  of   your   camera.   The   decal   can   be   pulled   off   easily   at   any   time.  173 

      Are   Design   Grids   Necessary   for   Photography?    The  application  of  a  design  grid  on  top of your camera’s LCD screen is not necessary for taking  great  pictures.  Much  like training wheels help a child from falling over when they're learning how  to  ride  a  bike,  grids  aid  the  beginner  in  creating  strong,  respectable  compositions.  In  many  ways,  the  grids  will  help  improve  your  visual  literacy  skills  as  an  artist  and  photographer.  However,  once  the  photographer  has  grasped  the  basics  of  good  design,  using  this  crutch  can  be   used   sparingly   or   avoided   altogether.     To  give  an  example,  when  I  take  landscape  photos,  I  always  use  a  grid  because  time  is  not  a  factor  when  I'm  composing  my  shot.  The  grids  allow  me  to  create  a  more  precise  composition.  However, when I’m photographing people or street photography, for obvious reasons, I don’t find  it  practical.  Whether  or  not  you  use  the  design  grids  attached  to  the  back  of  your  camera  is  totally   up   to   you   ­  it   simply   becomes   a  matter   of   personal   preference.     With  that  said,  one  point  I  want  to  stress  once  again  is  that  it’s  always  good  practice  to  lay  the  grid  over  your  images  once  they  have  been  taken.  This  analysis  after  the  fact  will  help  you  narrow  down  your  choices  and  allow  you  to  select  the  best  photographs  from  your  contact  sheets   or   when   you’re   processing   your   photos   in   Lightroom.  174 

A   Complex   Composition    In  the  painting  below  by  William  Bouguereau,  you  can  see  how  he  uses  Dynamic Symmetry to  create  a  sophisticated  design.  On  the  surface  it  appears  simple,  but  further  analysis  reveals  it  can  be  broken  down  on  many  levels  ­  each  additional  tier adding a degree of complexity. While  most  photographers  may  never  wish  to  create  this  many  levels  of  design  in  their  work,  it’s  helpful   to   recognize   the   possibilities   and   realize   that   composition   is   more   than   basic   intuition.   

   

  175 

  Painting   above,   “Distant   Thoughts”   by   Robert   Florczak,   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry  rectangle.   Notice   how   Florczak   is   using   divisions   of   the   root   2  as   well   as   rabatment   in   his  composition.   To   learn   more   about   rabatment   in   composition,   click  h   ere .     

  Painting   above   by   modern   artist   Daniel   Sprick   applying   the   basic   armature   (in   black)   to   create   a  hierarchy   of   divisions.   If   you   continue   to   break   down   the   armature   further,   using   vertical   and  horizontal   lines,   it   becomes   apparent   how   the   overall   design   was   executed.  176 

   

  The   painting   above,   “The   Artist   in   his   Studio”   by   Johannes   Vermeer,   demonstrates   an   extremely  complex   design.   The   main   armature   in   white,   as   discussed   in   Charles   Bouleau’s   book   “The  Painter’s   Secret   Geometry,”   lays   the   foundation   for   the   additional   divisions   indicated   in   yellow.   177 

How   Artists   Create   Divisions   in   a  Drawing   or   Painting   Using   Calipers    Master  artists  of  the  past  used  a tool called a caliper for creating divisions in their compositions.  A  caliper  is  an  instrument  used  for  measuring  external  and  internal  dimensions,  having  two  hinged  legs  that  resemble  a  compass.  A  caliper  can  be  opened  to  exact  measurements  regardless  of  how  narrow  or  wide  it's  physically expanded. This convenience allows the artist to  move  rapidly  across  a  canvas  and  plot  particular  golden  section  divisions.  To  learn  more about  golden   section   calipers,   please   visit  T   he   Golden   Divider   for   Arts   website.     

  Photograph   above   from   the   video   “Unlocking   the   Secrets   of   Design”   by   Myron   Barnstone   

      Overlapping   Dynamic   Symmetry   Root   Rectangles    Another  design  method  that  many  master  artists  use  in  their  drawings  and  paintings  involves  overlapping  Dynamic  Symmetry  root  rectangles  in  a  single  composition.  Overlapping  root  rectangles  is  an  advanced  technique  that  should  only  be  studied  after  you  have  learned  the  other  essential information I have provided. For further details, I recommend purchasing lessons  7   &  10   from   Myron   Barnstones’   drawing   DVD   series.   Click  h   ere   for   a  demo.   178 

The  painting  below,  by  Henri  Fantin­Latour  titled  "White  Rockets  and  Fruit,"  is  designed  in  an  overlapped  root  2  Dynamic  Symmetry  rectangle.  When  you  overlap  two  root  2  rectangles,  you  get   a  grid   of   six   root   2  rectangles.    

     

  Drawing   above,   by   a  student   of  B   arnstone   Studios ,  showing   two   overlapped   root   4  Dynamic   Symmetry   rectangles   (green   and   red)   in   a  1.5   179 

  Above   image   from   the   book   “The   Art   of   Composition:   A  Simple   Application   of   Dynamic   Symmetry”   demonstrating   overlapping   root   2  rectangles      Dynamic   Symmetry   in   Advertising     Despite  what  you  might  read  on  many  photography  and  art  websites,  advertisers  don't  use  the  Rule  of  Thirds  for  their  designs.  Even  something  simple  as  a  movie  poster is quite complicated  and  requires  a  design  system  that  can  give  the  artist  the  ability  to  create  something  visually  unified.  To  give  an  example,  Coca­Cola hired some of the best draftsmen in the world, including  Norman  Rockwell,  to  design  their  ads.   On  the  surface,  advertisements  might  seem  simple,  but  when  you  start  analyzing  them  carefully,  you  will  discover  how  complex  they  really  are.  The  golden   section   system   of   design   is   everywhere,   but   very   few   people   realize   it.    

  Coca­Cola   advertisement   designed   in   a  Phi   rectangle   (1.618)  180 

 

  Coca­Cola   advertisement   designed   in   a  root   3  Dynamic   Symmetry   rectangle   

  Coca­Cola   advertisement   designed   using   the   armature   of   the   1.5   rectangle  181 

Additional   Information   on   Composition   and   Balance   in   Art    The   Limited   Alphabet   of   Marks   an   Artist   Will   Use   in   Composition    The   point  The   vertical   line  The   horizontal   line  The   diagonal   line  The   arc   (curve)    Each   Mark   Represents   a  Mood   in   Composition    The   horizontal   line   equals   calm   and   relaxed  The   vertical   line   equals   firm   and   upright  The   diagonal   line   is   aggressive   and   more   powerful   than   the   horizontal   and   vertical   line  The   curve   is   an   enclosure   ­  it   cups   and   holds      The   Use   of   Straight   Lines   in   Composition     Artists  use  straight  lines  in  the  early  design  stages  of  creating  art  more  often  than  curves  because  you  can  formalize,  measure,  and  relate  a  straight  line  easier  than  you  can  a  curved  line.  Using  straight  lines  also  allows the artist to place all their composition elements in a design  grid  accurately.  In  the  images  below,  notice  how  John  Singer  Sargent  uses  straight  lines  to  formalize  all of his drawings. Straight lines give a work of art visual power. Formalize means that  an  artist  will  refine,  exaggerate,  modify, alter, and order what they are looking at; in other words,  they   aren't   copying   what   they   see.    

  182 

    Drawings   below   by   Luca   Cambiaso   demonstrating   how   to   formalize   using   straight   lines.   Notice  how   he   is   breaking   everything   down   into   simple   three­dimensional   geometric   shapes.   

    183 

    Below   image   by   Sydney   McGinley   demonstrating   the   use   of   straight   lines   in   a  drawing   

   184 

 

  Sydney   McGinley   using   radiating   lines   in   the   drawing   above.   To   learn   more   about   radiating   lines,   click  h   ere .    

  Drawing   above   by   a  former   student   of   Myron   Barnstone   demonstrating   the   use   of   straight   lines  185 

.   

  Drawing   above   by   a  former   student   of   Myron   Barnstone   demonstrating   the   use   of   straight   lines  186 

  Self   Portrait   by   Claudia   Rilling,   a  former   student   of   Myron   Barnstone      The   Vertical   Line   in   Composition    In  a  composition,  the  vertical  line  is  more  important  than  any  other.  The  vertical  line  separates  man  (upright)  from  animal  (on  all  fours),  can  stand  alone  without  any  other  support  (unlike  the  horizontal   and   diagonal   line)   and   demonstrates   the   direction   of   gravity.     To  create  a  well­balanced  vertical  composition,  the  dominant  vertical  must  be  bisected  by  a  horizontal  or  diagonal  line  to  prevent  the  eye  from  quickly  leaving  the  picture.  For  example,  in  the  painting  below  by  Kenyon  Cox,  notice  how  the  implied  horizontal  line  (the  back edge of the  chair  and  the  position  of  the  woman’s  hands)  bisects  the  dominant  vertical  line  (the  leg  of  the  chair  and  the  position  of  the  woman’s  dominant  arm)  in  the  composition.  To  learn  more  about  the   book  “  The   Classic   Point   of   View”   by   Kenyon   Cox,   click  h   ere .   187 

    In  the  painting  below,  by  John  Singer  Sargent,  observe  how  the  dominant  diagonal  line bisects  the  dominant  vertical  line  in  the  composition.  This  precise  bisection  of  only  two  lines  creates  a  strong  sense  of  balance  and  sets  up  the  design  for  repeated  patterns  and  calculated  parallel  intervals   throughout   the   entire   compositional   scheme.     

    188 

Another  example  below  demonstrates  how  the  four  major  horizontal  lines  in  the  background  (yellow)  break  the  dominant  vertical  (white)  in  the  portrait  of  Miss  Elsie  Palmer  by  John  Singer  Sargent.  In  addition,  the  diagonal  lines  (green)  created  by  the  position  of  the  girl’s  arms  also  help  to  balance  the  painting.  These  two  opposing  forces,  along  with  the  dominant  vertical, give  the   viewer   a  sense   of   visual   harmony.    

      The   Horizontal   Line   in   Composition    While the vertical is generally considered the figure painter’s line, the horizontal is known among  artists  as  the  landscape  painter's  line.  To  create  a  successful  design  in  a  work  of  art  using  a  dominant  horizontal,  a  vertical  or  diagonal  line  must  be  introduced  to  balance  out  the  whole.  Without  a  strong  vertical  or  diagonal  line,  the  artist  runs  into  the  danger  of  slicing  the  image  in  half   with   no   visual   element   to   keep   the   viewer   from   leaving   the   frame   too   abruptly.     For  example,  in  the  painting  below  called  “Golgatha”  by  Julio  Reyes,  notice  how  the  dominant  horizontal  line  (white) that cuts the rectangle equally on both sides is offset by the strong vertical  figure  (yellow).  Also,  observe  how  the  artist  is  using  the  steelyard  principle  to  balance  out  the  figure   with   the   background   elements.   To   learn   more   about   the   steelyard   principle,   click  h   ere .     189 

    The   painting   below,   “Villa   Torlonia,   Fountain,”   by   John   Singer   Sargent   demonstrates   how   the  dominant   horizontal   line   (white)   is   balanced   by   the   vertical   (yellow)   and   diagonal   line   (green).   

  190 

      The   Diagonal   Line   in   Composition    The  diagonal  line  in  a  composition  is  considered  to  be  the  most  dynamic  line  and  suggests  movement  along  that  path.  Whether  you're  working  with  a Dynamic Symmetry root rectangle or  the  harmonic  armature,  the  diagonal  line  will  start  the  construction  of  a  design  regardless of its  complexity.  Additionally,  When  you  run  two  diagonal  lines  from  corner  to  corner  in  a  square  or  rectangle,  the  intersection  of  these  lines  will  locate  the  center  of  the composition. The center of  the   picture   is   important   because   the   eye   will   naturally   seek   it   out.     

  In   the   painting   above,   by   William   Bouguereau,   observe   how   the   two  intersecting   diagonal   lines   create   an   important   vertical   division   in   the   composition   191 

   

  Painting   above,   “Christ   Carrying   the   Cross”   by   Hieronymus   Bosch,   demonstrating   the   use   of   diagonal   lines   to   create   dynamic   energy   in   a  composition  192 

  Painting   above   by   Jacob   Collins.   Notice   how   the   woman’s   leg   and   face   rest   on   the   Baroque   and   Sinister   diagonal   lines   in   the   composition.    

  In   the   painting   above,   by   Elizabeth   Gardner,   observe   how   the   two   main   diagonal    lines   and   the   central   vertical   lay   the   foundation   for   the   overall   design  193 

  When   you   continue   to   break   down   the   painting   above   into   a  simple   grid,   you   can   see   how   additional   diagonal   lines   further   support   the   composition    "The   first   step   in   analyzing   pictures   is   finding   the   first   or   most   commanding   and   necessary   line.  After   you   find   this   thread,   the   whole   composition   will   unravel   and   a  reason   for   each   stitch   will   be  disclosed."   ­  Henry   Rankin   Poore   

  Painting   above,   “Deliverance”   by   Teresa   Elliott,   demonstrating   the   importance   of   the   diagonal   line   in   composition  194 

      Rabatment   in   Composition    In  Kimberly  Elam's  book   Geometry  of  Design ,  she  refers  to  rabatment  as  the  "lazy  man's  golden  section."  Rabatment  is  a  design  method  that  consists  of  overlapping  squares  in  a  horizontal  or  vertical  rectangle,  regardless  of  the  dimensions,  and  the  resulting  horizontal  and  vertical   lines   give   the   artist   a  compositional   structure   to   work   within.     All  horizontal  rectangles  have  a  left  and  right  rabatment,  and  all  vertical  rectangles  have  a  top  and  bottom  rabatment.  However,  an  important  point  to  remember  is  that  rabatment  is  only  one  design  principle in a much larger system. Other design techniques must be employed in order to  make  this  compositional  method  successful.  In  the  image  below,  the  root 2 Dynamic Symmetry  rectangle   demonstrates   a  rabatment   on   the   left   (green)   and   right   (orange)   hand   sides.    

  195 

  George   Bellows,   “Both   Members   of   This   Club,”   painting  demonstrating   rabatment   used   in   composition   

  In   the   painting   above   by   Alphonse   Mucha,   notice   how   he   fits   the   circle   perfectly   in   the   upper  square   of   the   vertical   Phi   rectangle,   demonstrating   the   use   of   rabatment.   Click  h   ere   for   a  demo.    196 

  Painting   above,   by   John   Singer   Sargent,   demonstrating   the   use   of   rabatment   in   composition.  The   black   and   yellow   overlapping   squares   show   the   use   of   rabatment   on   both   sides   of   the  horizontal   rectangle.     

  Painting   above,   by   John   Singer   Sargent,   demonstrating   the   use   of   rabatment   in   composition.  The   white   and   yellow   overlapping   squares   show   the   use   of   rabatment   at   the   top   and   bottom  edges   of   the   vertical   rectangle.  197 

Rabatment:   Taking   It   One   Step   Further    In  the  book  “The  Painter’s  Secret  Geometry,”  Charles  Bouleau  describes  in  more  detail  the  sophisticated  use  of  rabatment for design. He states that “Another way of constructing a picture,  derived  with  equal  naturalness  from  the  rectangle,  is  ‘rabatment,'  or  rotation,  of  the  short  sides  upon   the   long.     When  they  placed  the  rectangle  horizontally,  the  painters  were  obliged,  for  reasons of balance,  to  arrange  a  square  to  the  right  and  another  to  the  left,  and  these  naturally  overlapped  in  part,  so  that  in  this  very  simple  scheme  there  are,  inscribed  in  the  frame, two squares which overlap  more  or  less according as to whether the rectangle is more or less elongated. These squares, in  turn,  make  their  diagonals  felt,  and  the  crossing  of  these  creates  at  the  center  a  small  square  standing  on  one  of  its  corners,  its  size  varying  in  proportion  to  the  overlapping  of  the  two  large  squares.   The   combinations   resulting   from   this   procedure   differ   very   widely.    Sometimes  the  lines  of  construction  vanish,  giving  place  to  the  verticals  and  horizontals  drawn  through  the  corners  of  the  small  central  square,  which  may  by  themselves  establish  a  whole  composition;  sometimes,  again, these verticals and horizontals create fresh lines of construction  by  their  intersection  with  the  diagonals  of  the  squares.  Finally,  this  scheme  can  be  superimposed  on  the  diagonals  of  the  rectangle  whose  intersection  with  the  diagonals  of  the  squares   introduces   still   further   variants." 

  Image   above   demonstrating   the   use   of   rabatment   in   composition   from   the   book   “The   Painter’s   Secret   Geometry”   by   Charles   Bouleau  198 

In  the  painting  below,  “Death  of  Marat”  by  Jacques­Louis  David,  notice  how  the  use  of  rabatment  starts  the  process  of  design.  If you continue to break down each square, you will find  more  divisions  and  diagonal  lines  that  fall  within  the  overall  compositional  scheme.  For  more  information,   I  highly   recommend   the   book   “The   Painter’s   Secret   Geometry”   by   Charles   Bouleau.    

   

 

199 

   

  The   images   above   further   demonstrate   the   process   of   analyzing   the   piece   “Death   of   Marat”   by  Jacques­Louis   David.   As   you   continue   to   break   down   the   painting,   notice   how   every   vertical   and  horizontal   division   is   precisely   calculated   by   the   artist.   

200 

   

 

Painting   above,   “The   Continence   of   Scipio”   by   Nicolas   Poussin,   demonstrating   the   use   of   rabatment   in   composition   201 

   

 

 

Painting   above,   “Odalisque   with   Slave”   by   Jean­Auguste­Dominique   Ingres,   demonstrating  rabatment   in   composition  202 

   

  Painting   above,   “The   Boy   in   the   Red   Vest”    by   Paul   Cezanne,   demonstrates   the   use   of   diagonal   lines   derived   from   rabatment   in   design    To   download   the   book   Cezanne’s   Composition,   click   here 

203 

Rabatment   in   Photography    In  the  landscape  photograph  below,  I  employed  multiple  design  techniques  which  include  the  use  of  rabatment.  I  also created a dominant vertical on the left­hand side using the "eyes" of the  1.5  armature  and  created  a  focal  point  with  the  street  lamp  by  making  use  of  the  lower  right­hand   side   "eye."   

   

      Secondary   Rabatment    When  you  overlap  two  rabatment  squares  in  a  rectangle,  it  creates  another  rectangle  (vertical)  in  the  center.  For  example,  in  the  horizontal  root  2  Dynamic  symmetry  rectangle  below,  notice  how the overlapped rabatment squares create another rectangle (vertical in yellow and green) in  the   center.    

  204 

In  the  image  below,  from  Kimberly  Elam's  book   Geometry  of  Design ,  notice  how  the  center  rectangle  encloses  individual  elements  of  Degas's  painting  "Racehorses  at  Longchamp."  The  blue  rabatment square touches the tree tops and the white rabatment square touches the center  horse's   feet.    

   

  Painting   above,   “Parnassus”   by   Nicolas   Poussin,   demonstrating   the   use   of   secondary   rabatment   in   composition  205 

  Painting   above,   “Parnassus”   by   Nicolas   Poussin,   demonstrating   further   analysis   of   secondary   rabatment   in   composition      The   Importance   of   a  Thumbnail   Image   in   Composition    One  way  to  quickly  check  the  composition  in  your  art,  whether  it's  a  drawing,  painting,  or  photograph,  is  to  bring  the  image  down  to  the  size  of  a  thumbnail  or  postage  stamp.  A  well­designed picture will look just as good small as it does enlarged because, when it's reduced  in   size,   all   the   specific   details   are   minimized,   and   the   underlying   structure   becomes   apparent.     In  contrast,  if  you  shrink  your  image  down  and  everything  blurs  together,  the  chances  are  high  that  the  design  isn't  successful.  You  should  be  able  to  see  a  dominant  horizontal,  vertical,  and  diagonal  line  regardless of the size. For example, in the painting below, by John Singer Sargent,  notice  how  the  composition  remains  apparent  despite  the  scale  of  the  image.  In  the  smallest  pictures,   you   can   still   see   the   underlying   design   that   makes   this   painting   a  masterful   work   of   art.      

  206 

Below  is  a  series  of  images  by  a  street  photographer  from  Streethunters.net.  Notice  how  the  uncompelling  compositions  become  apparent  when  the  photographs  are  reduced  in  size.  The  photos  lack  structure  and  the  elements  within  the  frame  blend,  leaving  no  visual  path  for  the  viewer  to  follow.  Unlike  the  masters  of the past, many street photographers today don't possess  the  basic  knowledge  of  composition  and  tend  to  only  focus  on  the  narrative.  Unfortunately,  without  solid  design,  the  visual  story  is  less  engaging  and, most times, the impact is completely  lost.  

      Figure­Ground   Relationship   in   Composition    Figure­ground  relationship  in  composition  is  a  technique  master  artists  use  to  separate  their  subject  (figure)  clearly  from  the  background  (ground).  By  having  a  distinct  separation  between  the  subject  and  individual  elements  in  a  design,  it  makes  it  easier  for  the  viewer  to  read  the  artist's  intent.  The  best  way  to  achieve  an  effective  figure­ground  relationship  is  to  have  a  dark  subject  on  a  light  background  or  a  light  subject  on  a  dark  background.  To  give  an  example,  in  the  painting  below,  "The  Woodcutter"  by  Winslow  Homer,  notice  how  the  figure­ground  relationship  between  the  dark  figure  of  the  man  and  the  brightly  lit  sky  helps  identify  the  most  important   element   in   the   composition   and   draws   the   viewer's   eye   immediately   to   the   figure.  207 

    Photograph   below   by   David   Alan   Harvey   demonstrating   exceptional   figure­ground   relationship    

    208 

   

  Photographs   above   by   Henri   Cartier­Bresson   demonstrating   figure­ground   relationship   and   a  superb   organization   of   vertical   and   horizontal   lines  209 

   

  The   photographs   above   by   master   photographer   Constantine   Manos  demonstrate   an   effective   use   of   figure­ground   relationship   in   design   210 

   

  Photographs   above   by   Mirko   Saviane   demonstrating   exceptional   figure­ground   relationship    “I   started   as   a  painter,   and   this   background   has   definitely   influenced   my   style.   I  think   I’m  attracted   to   silhouettes   and   shadows;   this   characterizes   my   photographic   language   in   general  but   is   especially   apparent   in   this   project.   My   attention   to   shadow   makes   the   reality   I  depict   here  more   graphic   and   pictorial,   while   the   depersonalization   caused   by   my   protagonists’   silhouettes  enhances   the   interplay   between   light,   color,   and   shadow   in   the   scenes,   which   helps   the  observer   to   catapult   himself   into   this   beautifully   colored   world.”  211 

    In the photograph above by Jay Maisel, you can see the importance of proper placement of your  figures  in  a  composition.  While  I  find  the  picture  to  be  interesting  in  content  and  mood,  better  placement  of  the  figure  in  relationship  to  its  background  would  have  improved  the  photo  tremendously.  In  most cases, the difference between a good photograph and a masterpiece can  be   a  matter   of   millimeters.    212 

   

    The  photograph  above,  from  the  Hardcore  Street  Photography  group,  demonstrates  an  ineffective  figure­ground  relationship.  Unfortunately,  the  lack  of  separation  between  the  dark  shades  of  the  figure  and  the  background  make  the  two  elements  merge and appear as one. To  learn  more  about  figure­ground  relationship  in  composition,  download  the  video  “Classical  Design   for   Photographers”   by   clicking  h   ere .   213 

Horizontal   vs.   Vertical   in   Composition    At  times,  many  artists  and  photographers  are  unsure  whether  they  should  choose  a  horizontal  or  vertical  frame  for  their  compositions.  If you shoot medium format negatives or you're an artist  that  primarily  designs  in  a  square,  the  question  is  irrelevant.  However,  if  you  are  working  with  any dimensions wider than a square, meaning a rectangle, this dilemma needs to be addressed.  Even  though  there  is  no  simple  answer,  it's  best  always  to consider your subject, the mood you  want   to   portray,   and   the   elements   you   want   to   lock   into   your   chosen   rectangle.     In  the  images  below  by  Martine  Franck,  Henri  Cartier­Bresson,  and  Erich  Lessing,  notice  how  they  use  their  subject  and  the  supporting  elements  within  the  frame  to  determine  whether  they  shoot  horizontally  or  vertically.  For  example,  the  top  image  of  the  girl  laying  on  the  ground  is  horizontal,  along  with  the  lines  created  by  the  row  of  cars.  This  repeated  pattern  of  horizontal  lines   creates   a  visual   rhythm.     The  same  can  be  said  for  the  photograph  in  the  second  row.  The  figure  is  lying  horizontally,  echoing  the  top  and  bottom  horizontals  of  the  rectangle  as  well  as  the  surface  the  subject  is  lying   on.   The   subjects   and   mood   of   the   scene   successfully   fit   the   chosen   format.   

   

      214 

   

  The   photograph   above,   by   Henri   Cartier­Bresson,   demonstrates   a  visual   rhythm   in   the   composition   created   by   using   repeated   horizontal   lines   and   gazing   direction    215 

   

  The   photographs   above,   by   Henri   Cartier­Bresson,   demonstrate   effective   vertical   compositions    216 

In the images below, notice how Erich Lessing is using vertical elements to tie in with the vertical  frame  he  chose  for  his  composition.  In  the  top  picture,  the  shower  post  becomes  the  dominant  vertical.  In  the  photograph  below,  the  man  is  the  dominant  vertical,  and  the  doorway  and  wall  become   a  subordinate   echo   that   creates   a  visual   rhythm.    

     

  217 

Simultaneous   Contrast   in   Composition    Simultaneous  contrast  in  composition  means  that  the  intensity  of  a  particular  value  will  change  depending on the nearby value. For example, in the diagram below, from the book "Photography  Composition  and  Design"  by  Tavis  Leaf  Glover,  notice  how  the  figure's neutral gray value looks  darker   on   the   white   background   and   appears   lighter   against   the   black   background.    

      Separating   Elements   in   Composition    Separating  elements  (or  shapes)  in  a  composition  allow  the  viewer  to  identify  the  subjects  and  their  relationships  to  each  other clearly. For example, in the image below by Constantine Manos  notice  how  all  the  figures  in  the  design  are  easily  detectable  due  to  the  negative  space  in  between  each  figure  and  element.  There  aren't  any  confusing  overlaps, and you can determine  the   gender   of   the   figures   despite   the   fact   that   most   of   them   are   only   shadows.   

  218 

   

    Photograph  above  by  Magnum  master  photographer  Alex  Webb.  Notice  how  every  element  in  the  picture  is  clearly  defined.  As  a  photographer,  being  aware  of  visual  overlaps,  effective  figure­ground  relationship,  coincidences  and  a  solid  design  using  the  armature  of  the  1.5  rectangle,  as  well  as  overlapping  two  root  4  Dynamic  Symmetry  rectangles,  are  all  traits  of  a  highly   trained   artist.   219 

   

    While  the  photograph  above  is  an  interesting  concept,  the  composition  is  far  too  cluttered  to  express  the  idea  with  any  visual  coherency. All of the elements in the photograph are located at  the  center  of  the  image  and  lack  adequate  separation  as  well  as  clear  overlapping.  Moving  in  front  of  the subject might have helped to separate the figure and the background elements more  effectively.   220 

     

  The   photograph   above,   by  D   imitris Makrygiannakis, demonstrates an   excellent separation of gures as well as strong gure-ground relationship     221 

     

  The   photograph   above,   by  D   imitris Makrygiannakis, demonstrates a simple, but e ective,  composition. Notice how some of the major horizontal and vertical divisions fall on the  intersecting points, called “eyes,” in the 1.5 Dynamic Symmetry armature.   222 

 

     

  The   photograph   above,   by   Dimitris   Makrygiannakis,   is   not   as   successful   as   the   other   two  mentioned   previously.   The   overlapping   of   figures   on   the   right­hand   side   lack   clear   separation  and,   in   turn,   weaken   the   illusion   of   the   third   dimension.   To   learn   more   about   proper   overlapping  in   composition,   click  h   ere .  223 

     

  While   I  find   the   photograph   above   to   be   an   interesting   concept   (from   the   Hardcore   Street  Photography   group),   the   poor   overlap   of   the   figures   on   the   far   left­hand   side   confuse   the   viewer  and   hurt   the   overall   composition.   Unfortunately,   sometimes   one   bad   element   in   a  design   can  ruin   an   image.     224 

The  illustration  below,  by  Norman  Rockwell,  shows  a  clear  separation  of  figures,  proper  overlapping,  and  a  well­executed  design.  Also,  note  how  Rockwell  is  using  arcs  to  create  a  curvilinear  flow  in  his  composition.  My  recommendation  for  photographers,  who  want  to  fine  tune   their   visual   literacy   skills,   is   to   study   paintings   more   so   than   photographs.    

   

 

225 

Echoing   in   Composition    Echoing  is  a  technique  used  by  artists  to  create  recurring  themes  in  their  images  by  repeating  patterns,  symbols,  or  ideas  in  the  foreground  and  background.  Many  street  photographers  like  Henri  Cartier­Bresson,  Elliott  Erwitt,  and  Craig  Semetko  use  this  approach  to  create  a  surreal  and  sometimes  humorous  effect.  In  the  image  below  by  Craig  Semetko,  notice  how  he  is  echoing   the   motif   of   the   couples   intimately   engaged   with   each   other.    

    A  good  example  of  using  echoing  in  composition  to  express  humor  can  be  found  in  the  photograph  below  by  Elliott  Erwitt.  Notice  how  Erwitt  echoes  the  shape  of  the  bird  with  the  shape  of  the water faucet. This technique in photography is very difficult to achieve and requires  an   artist   with   a  great   eye,   a  sense   of   humor,   and   a  quick   finger.    

  226 

In the photograph below, Henri Cartier­Bresson uses echoing in a random street scene to create  interest and dynamic energy. The two women, who look the same age and are dressed similarly,  echo  the  two  statue­like  figures  that  also  appear  identical  to  each  other,  on  the  second­floor  balcony   of   the   stone   building.   

      Juxtaposition   in   Composition    Juxtaposition  in  composition  is  a  technique  used  by  many  master  photographers  that  combine  several  elements  in  a  frame  to  create  a  surrealist  effect  or  visual  story.  Henri  Cartier­Bresson  was  famous  for  using  this  concept  early  on  in  his  career.  In  the  photographs below, notice how  Cartier­Bresson  and  Richard  Kalvar  use  juxtaposition  to  create  dreamlike  and  humorous  narratives.    

  227 

    Photograph   below,   by   modern   street   photographer   Nick   Turpin,   demonstrating   the   use   of   juxtaposition   in   composition   to   create   humor.    

  228 

    In  the  same  photograph  above,  observe how Nick uses the Sinister diagonal (yellow), of the 1.5  Dynamic  Symmetry  armature,  in  his  composition  to  create  an  ominous  effect.  If  the  shadow  of  the  plane  were  composed  on  the  Baroque  diagonal,  the  impact  wouldn’t  have  been  as  great.  Capturing  photographs  like  this  are  extremely  challenging  and  require  a  high  level  of  visual  literacy.       Edge   Distractions   in   Composition    Being  observant  of  the  edges  of  your  compositional  frame  is  vital  to  the  overall  success  of  a  design.  Photographers,  more  than  painters, have a difficult time with edge distractions because,  subconsciously,  it’s  easy  to  block  out  the  visual  elements  around  our  subject.  For  this  reason,  sometimes  when  previewing  our  processed  images  in  post  production,  we  notice  details  in  the  photos  that  we didn't see when we first snapped the shot. An effective way to avoid this problem  is   to   visually   scan   the   edge   of   the   frame   before   you   decide   on   a  final   composition.     

  229 

    The  photograph above, by Jay Maisel, demonstrates how edge distractions can pull the viewer's  attention  away  from  the  most  important  element  in a design and ruin a great image. Clearly, the  man  on  the  far right should be the dominant subject of the composition. However, because he is  so  close  to  the  edge  of  the  frame,  and  the  "edge  distraction"  is  located  near  the  center,  the  subject  becomes  a  supporting  element  only ­ not the primary interest of attraction. Furthermore,  because  the  figure  is  so  close  in  value  to  the  shadow,  an  optimum figure­ground relationship is  lost.    

    In the photograph above, notice how cropping out the edge distraction changes the entire mood,  viewer  direction,  and  the  composition  of  the  image.  Lightening  the  values  of  the  figure  would  have   helped   separate   the   man   from   the   deep   red   shadow.  230 

   

    The  photograph  above,  from  the  Hardcore  Street  Photography  group,  demonstrates  how  edge  distractions  can  draw  the  viewer’s  attention  away  from  the  main  focal  point  in  a  composition.  The  green  element  on  the  left­hand side is too strong for the other values in the picture, and the  top  edges  of  the  billboard  are unnecessary distractions. Additionally, a slight adjustment in body  position  and  moving  closer  to  the  wall  would  have  improved  the  composition  to  create  a  more  impressive   visual   effect.    231 

Edge   Elements   That   Work   in   Composition    While  being  aware  of  edge  distractions  is  necessary  for  creating  a  successful  work  of  art,  it’s  also  important  to  discuss  what  qualities  or  elements  that  might sit on the edge of the frame that  can  actually  improve  your  compositions.  In  the  photograph  below,  by  Henri  Cartier­Bresson,  it  might  be  easy  to  state  that  the  girl  in  the  lower  right­hand  corner  of  the  rectangle  is  an  edge  distraction.   However,   this   conclusion   would   be   incorrect.   Here's   why.      If  we  begin  at  the  top  of  the  picture,  our  eyes  will  travel  along  a  well­designed  visual  path.  For  example,  starting  with  the  boy  on  the  far  left­hand  side  of  the  photograph,  our  eyes  will  then  move  to  the  girl  standing  on  the  post,  back  down  to  the  boy  on  the  street,  back  up  to the other  girl  on  the  post,  and  back  down  to  the  boy  on the street. Finally, we are forced to exit the scene  because  the  girl  walking  away  from  the  group  of  kids  (the  subject  on  the  edge  of  the  frame)  is  pulling  us  in  that  direction.  Much  like  a  musician  beating  a  drum,  Bresson  is  creating  a  visual  rhythm   throughout   the   composition   by   using   a  repetitious   up   and   down   motion.        

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson    232 

    In  the  photograph  above,  notice  how  Henri  Cartier­Bresson  pays  close  attention  to  all  of  the  edges  of  the  frame  and  creates  a  masterful  design.  Even  the  tight  crop  of  the  lettering  on  the  side  of  the  train  is  executed  with  a  high  degree  of  compositional  accuracy.  A  highly  skilled  and  visually   literate   photographer   will   always   be   mindful   of   the   edges   before   snapping   the   shutter.    233 

     

  Photograph   by   Richard   Kalvar   demonstrating   effective   edge   cuts   with   lettering   and   a  sharply   designed   composition  234 

Dutch   Angle   in   Composition    The  term  Dutch  angle  is  a  concept  used  in  composition that refers to tilting the camera to place  all  of  your  pictorial  elements  on  a  diagonal  line.  Essentially,  this  design  method  produces  an  image  that  would  be  akin  to  tilting  your  head  to  one  side.  The  Dutch  angle  concept  became  popular   in   the   80’s   and   90’s   and   slowly   died   out   over   the   last   15­20   years.     The  biggest  drawback  to  using  the  Dutch  angle  technique  in  composition  is  that  you  eliminate  any  chance  of  visual  balance  because  there  aren’t  any  horizontal  or  vertical  lines  to  keep  your  eye  contained  in  the  picture.  For  example,  in  the  photograph  below  by  Gary  Winogrand, notice  how  the  image  only  contains  diagonal  lines.  This  lack  of  vertical  and  horizontal  stability  in  the  design   forces   the   viewer   to   exit   the   photo   almost   immediately.      “A   picture   should   be   able   to   hang   from   its   exact   middle.   A  perfect   composition   will   not   cause   the  viewer   to   turn   his   head   to   a  false   angle   in   the   picture.   Pictures   that   stand   the   test   of   time  demand   this.”   ­  Henry   Rankin   Poore    

 

  235 

Gamut   in   Composition    Gamut  in  composition  means  the  artist  is  using  a  limited  number  of  directions  in  their  drawing,  painting,  or  photograph.  By  limiting  the  amount  of  directions  an  artist  uses,  it  won't  overwhelm  and  confuse  the  viewer.  Generally  speaking,  most  master  artists  will  only  use  5­7  different  directions  in  a  work  of  art.  Also,  in  a  masterpiece,  those  directions  will  come  from  a  Dynamic  Symmetry  grid. Painting below, "Spring Breeze" by William Adolphe Bouguereau, demonstrating  a   limited   number   of   directions.   Click  h   ere   for   a  demo.    

   

  236 

Drawing  below,  "Ever­Brooding"  by  Niamh  Butler,  designed  in  a  root  2  Dynamic  Symmetry  rectangle.  Notice  how  Niamh  is  using  the  Sinister  diagonal  (Blue),  the  Baroque  diagonal  (Green),   and   the   Sinister   reciprocal   (Yellow)   as   his   overall   gamut.    

    Photograph  below by Carolyn Drake, from Magnum Photos, using a limited number of directions  to  give  her  composition  a  visual  rhythm.  Notice  how  Drake  is  repeating  the  Sinister  diagonal  (green)  more  than  any  other  line  in  the  design.  Also,  note  how  she  is  using  the  vertical  and  diagonal  lines  of  the  armature  (yellow)  to  give  the  viewer  a  clear  path  to  lead  their  eye  around  the   image   (bottom   photograph).   

    237 

   

      90   Degree   Angles   in   Composition    Because  the  armatures  of  the  Dynamic  Symmetry  rectangles  are  constructed  by  intersecting  two  lines  at  exactly  90  degrees,  artists  will  reinforce their design by repeating 90­degree angles  in  their  compositions.  In  the  painting  below,  notice  how  Terje  Adler  Mork  echoes  the 90­degree  angle   several   times   to   give   the   image   visual   strength   and   dynamic   energy.    

  238 

The   photograph   below,   by   Annie   Leibovitz,   demonstrates   the   repeated   use   of   90­degree   angles    

      The   Arabesque   in   Composition    An  arabesque,  also  known  as  the  "line  of  continuity,"  collects,  organizes,  and  relates  different  elements  in  a  composition.  An  arabesque  can  be  used  to  tie  in  the  background  with  the  foreground  or  connect  specific  components  together  in  a  design  to  create  a  sense  of  unity.  A  well­designed  arabesque  will  allow  the viewer's eyes to move fluidly (without hesitation) through  a  composition  in  a  drawing,  painting,  or  photograph.  William  Adolphe  Bouguereau  uses  the  arabesque   effectively   in   the   painting   below.   

  239 

     

  Example   from   the  M   yron   Barnstone   drawing   DVD   series   demonstrating   the   arabesque   in   a F   rancisco   Zúñiga  d   rawing    240 

  Example   from   the  M   yron   Barnstone   drawing   DVD   series   demonstrating   the   arabesque    241 

   

  Photograph   above   by   Annie   Leibovitz   demonstrating   an   effective   arabesque 

242 

  Jon   deMartin   drawing   demonstrating   the   arabesque    "The   compound   curve   containing   the   “S”   line   has   perfect   balance,   and   can   easily   be   created   in  the   standing   figure.   It   has   an   element   of   grace,   and   affords   the   same   delight   as   the   interweaving  curves   of   a  dance   or   the   fascinating   spirals   of   wafting   smoke.   Classic   landscapes   in   which   many  elements   are   introduced   (or   any   subjects   in   which   scattered   elements   are   to   be   swept   together)  are   controlled   and   dependent   upon   this   principle.   An   absolute   line   is   not   a  necessity,   but   points  of   attraction   which   the   eye   can   easily   follow   are   essential.   Many   simple   subjects   owe   their   force  and   distinction   entirely   to   a  bold   sweeping   curved   line."   ­  Henry   Rankin   Poore   

  Dmitry   Sevryukov,   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle   demonstrating   the   arabesque  243 

    In  the  photograph  above,  by Annie Leibovitz, notice how the arabesque is echoed several times  throughout  the  design.  This  repeated  movement  creates  a  visual  rhythm  and  helps  keep  the  viewer   from   exiting   the   composition   abruptly.        Coincidences   in   Composition    A  coincidence  in  composition  is  a  technique  that  artists  use  to  tie  specific  elements  (coincide)  together  at  point­to­point  relationships  to  give  the  eye  a  visual  path  to  follow.  The  more  coincidences  you  have  going  in  a  particular  direction,  the  quicker  the  eye  will  move  along  that  path.  Also,  a coincidence allows the artist to direct the viewer to read their work in a certain way,  while at the same time emphasizing what they feel are the most important directions in a design.  For  example, in the painting below “Girl on Stairs” by Laura Theresa Alma­Tadema, you can see  how  she  uses  coincidences  effectively  to  relate  and  tie  together  specific elements in the design  to   give   the   viewer   a  feeling   of   unity   and   visual   rhythm.     

  244 

   

  Drawings   above   by   former   students   of  B   arnstone   Studios   demonstrating   the   use   of   coincidences   in   design  245 

  John   Singer   Sargent,   “Brigadier   Archibald   Campbell   Douglas,”   demonstrating   the   use   of   coincidences      Radiating   Lines   in   Composition    Radiating  lines are used by master artists in composition to tie specific elements together from a  single  point,  much  like  the  spokes  on  the  wheel  of  a  bicycle.  Using  radiating  lines  creates  a  sense  of  unity  and  allows  the  eye  to  travel  within the work of art smoothly. In the drawing below  by  Edgar  Degas,  you  can  see  how  he uses radiating lines (which fall within an arc) to tie angles  and  elements  together  to  give  the  illusion  of  movement.  Also,  notice  how  the  angles  in  the  radiating   lines   match   the   angles   in   the   limbs   of   the   figure.     

      246 

 

  Painting   above,   “Marriage   of   Bacchus   and   Ariadne”   by   Tintoretto,   demonstrating   the   use   of  radiating   lines   from   the   pivot   point   of   the   composition  247 

  Edward   Little,   "Drapery,"   demonstrating   the   use   of   radiating   lines   in   a  composition   

  Painting   above   by   Franz   Anton   Maulbertsch   demonstrating   the   use   of   radiating   lines  248 

  Painting   above,   “Sacred   and   Profane   Love”   by   Titian,   demonstrating   the   use   of   radiating   lines   generated   from   the   armature   of   the   rectangle   

  Painting   above,   “Transfiguration”   by   Raphael,   demonstrating   the   use   of   radiating   lines   generated   from   rabatment   of   the   rectangle  249 

   

  Painting   above,   by   Sandro   Botticelli,   demonstrating   the   use   of   radiating   lines   to   tie   elements  together   from   one   determined   division   (in   blue)   within   the   armature   of   the   rectangle    250 

  The   photograph   above,   by   Henri   Cartier­Bresson,   demonstrating   the   use   of   radiating   lines  251 

Aspective   View   in   Composition    Aspective  view  means  you  are  showing  the  most  identifiable  parts  of  the  subject which provide  the  viewer  a  maximum  amount  of information from different angles. For example, in the painting  below  by  William­Adolphe  Bouguereau,  notice  how  he  shows  three  sides  of  the  female  nude  simultaneously.  Employing  aspective  view  in  a  composition also helps to enhance the illusion of  the   third   dimension   on   a  two­dimensional   surface.    

     

  William­Adolphe   Bouguereau,   “Biblis,”   designed   in   a  Phi   rectangle      252 

Perspective   in   Composition    Perspective  in  composition  is  drawing  or  painting  solid  objects  on  a  two­dimensional surface to  give  the  correct  impression  of  their  height,  width,  depth,  and  position  in  relation  to  each  other  when  viewed  from  a  particular  point.  Many  beginners,  who  are learning how to draw, tend to be  inconsistent   in   their   ability   to   render   linear   perspective.     A  few  concepts  to  keep  in  mind  when  determining  perspective  are  eye  level,  horizon  line,  and  vanishing  point.  To  render  a  drawing  or  painting  accurately,  the  artist  needs  to  identify  a  fixed  point   from   which   to   view   the   scene   or   subject.     Eye  level  is  the  position  in  which  you  are  observing  the  scene.  You  can  be  lower,  higher,  or  directly  at  eye  level.  In  other  words,  if  you  were  taking  pictures  of  children  at  play,  you  might  tend  to  get  lower,  so  you're  at  their  eye  level.  If  you  were  standing  up  and  photographing  the  same   scene,   you   would   be   looking   down   at   eye   level.     The  horizon  line  is  the  line,  imaginary  at  times,  that  runs  across  the  picture at your eye level. A  good  example  of  this  would  be  looking  at  the  ocean  and  where  the  sky  meets.  The  vanishing  point  in  a  composition  is  the  location  where  the  angles  in  a  picture  converge.  Generally  speaking, the vanishing point will be located along the horizon. To learn more about perspective,  download   the   book  P   erspective   Made   Easy   by   clicking  h   ere .    

  Albert   Gleizes,   1910,   La   Femme   aux   Phlox   (Woman   with   Phlox)   demonstrating   multiple   viewpoints   in   the   same   scene   (Cubism)  253 

  John   Singer   Sargent,   "An   Artist   in   His   Studio,"   demonstrating   one   point   perspective.   His   subject   is   slightly   below   eye   level.       Gazing   Direction   in   Composition    Gazing  direction  in  a  composition  is  the  direction  a  subject  is  looking  at  in  a  scene.  When  creating  a  design,  the  artist  should  make  sure  that  the  gazing  direction  makes  sense  to  the  overall  balance of the frame. For example, in the painting below, "A Wolf in Sheep's Clothing" by  Tiffany  Vargas,  notice  how  the  gazing  direction  and  the  position  of  the  main  subject  (looking  away  from  the  other  figures  in  the  composition)  enhance  the  feeling  of isolation and loneliness.  Also,  observe  how  the  dark subordinate figures on the right are walking in the opposite direction  of  the  dominant figure. These opposing directions create an even sense of balance and mood in  the   overall   design.    

  254 

In  the  painting  below,  by  Henri  Fantin­Latour,  notice  how  the  gazing  direction and the angles of  the  woman’s  limbs  create  a  circular  motion  in  the  composition.  This  calculated  visual  path,  set  up  by  the  artist  in  the  preliminary  drawing  phase,  creates  a  dynamic  energy  in  the  design  and  allows   the   viewer   to   move   around   the   picture   fluidly   without   hesitation.     

   

  255 

   

  The   painting   above,   “The   Waterseller   of   Seville”   by   Diego   Velázquez,   demonstrates   the   use   of  gazing   direction   to   create   a  visual   path   for   the   viewer   to   follow.   Also,   observe   how   the   basic  armature   of   the   rectangle   and   the   diagonal   lines   lock   the   composition   firmly   in   place.     256 

   

  The   painting   above,   “A   Mad   Tea   Party”   by  G   regory   Hildebrandt,  d   emonstrates   how   gazing   direction   can   lead   the   viewer   around   and   through   a  design   

257 

In  the  charcoal  and  pastel  drawing  below,  "Self  Portrait  in  Coitus"  by  Susan  Hauptman,  notice  how  the  gazing  direction  of  the man on the far left leads the viewer's eyes to the main subject in  the  center  of  the  frame.  Also,  observe how the gazing direction matches the Baroque reciprocal  in   the   root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle.    

      Pointing   Devices   in   Composition    Artists  use  pointing  devices  (cues)  to  give  the  viewer  a  visual  path  to  follow  in  their  compositions.  If  designed  correctly,  visual  pointers  will  allow  the  viewer  to  enter  the  frame  at  a  predetermined  location  and  move  around  the  piece  in  a  calculated  pattern  as  well  as  enable  them   to   exit   without   hesitation   or   too   abruptly.     The   Difference   Between   Pointing   Devices   and   Leading   Lines    Many  artists  and  photographers  will  often  confuse  pointing  devices  with  leading  lines. While on  the  surface  they  might  seem  similar,  when  you  take  the  time  to  study  the  techniques  more  carefully,  you  will  discover  there  is  a  clear  distinction  between  the  two  concepts.  The  most  noticeable  difference  is  that  leading  lines  tend  to  draw  the  viewer  to  one  focal  point,  were  as  pointing   devices   move   the   eye   around   the   entire   image.  258 

For  example,  in  the  painting  below  by  William­Adolphe  Bouguereau,  notice  how  he  uses  pointing  devices  to  lead  us  along  a  predetermined  path  within  the  design.  Unlike  leading  lines,  these   subliminal   visual   pointers   keep   our   attention   inside   the   frame   for   a  longer   period   of   time.     

     

  Photograph   above   demonstrating   the   use   of   leading   lines  259 

    The  photograph  above,  from  the  Digital  Photography  School,  demonstrates  the  use  of  leading  lines  in  a  composition.  Observe  how  the  image  draws the viewer to only one point in the design  creating  a  cookie­cutter  appearance.  And  while  there  is  nothing  wrong  with  creating  images  applying  single  point  perspective,  most  compositions  require  two  or  more  vanishing  points  (two­point   perspective)   to   be   rendered   realistically.     The  painting  below,  by  Juliette  Aristides,  shows  the  use  of  leading  lines.  However,  unlike  the  photographer,  the  artist  can  diminish  individual  elements  of  a  drawing  or  painting  while  enhancing  others.  For  example,  notice  how  the  two  figures  walking  towards  the  viewer  (along  with  aerial  perspective)  reduce  the  arrowhead  effect  of  single  point  perspective  caused  by  the  converging   lines   of   the   railroad   tracks.   To   learn   more   about   aerial   perspective,   click  h   ere .     

   260 

      Breathing   Room   in   Composition    Breathing  room  in  a  composition  is  the  space  between  the  subject  and  the  top  and  bottom  edges  of  your  square/rectangle,  as  well  as  the  left  and right­hand sides. In most cases, you will  want  to  leave  enough  room  so  that  your subject doesn't feel restrained by placing it too close to  an  edge.  For  example,  in  the  painting  below  by  George  Angelini,  notice  how  the  primary  element  (the  woman  in  the  chair)  has  enough  space  on  the  left­hand  side  of  the  frame  so  that  the  viewer  doesn't  get  the  feeling  of  being  claustrophobic. This effect is achieved by placing the  subject's  back  closer  to  the  right­hand  edge of the rectangle, and therefore, almost doubling the  space   on   the   left­hand   side.    

  261 

Aerial   Perspective   in   Composition    Aerial  perspective  is  a  technique  that  artists  use  in  their  drawings  and  paintings  to  give  the  illusion  of  the  third  dimension  on  a  two­dimensional  piece  of  paper  or  canvas.  This  method will  create  depth  and  atmosphere  in  your  art.   The  way  to  achieve  this  effect is to keep your values,  contrast,  and  details  that  are  closest  to  the  viewer  stronger,  while  diminishing  the  values,  contrast,   and   details   the   further   you   go   back   into   the   picture.     The  concept  of  aerial  perspective  happens  naturally  in  the  world  around  us  due  to  particles  of  dust  and  moisture  in  the  air.  These  dust  and water particles reduce visual contrast starting from  the  foreground  and  continuing  to  the  background.  The  further  back  our  line  of  sight  goes,  the  more  muted  our  visual  perception  becomes.  A  good  example  of  this  natural  phenomenon  can  be  found  on  a  foggy  day after a rain storm. Below are a few examples of how master artists use  the   technique   of   aerial   perspective   in   their   artwork.     In  the  painting  below,  "Cardsharps"  by  Caravaggio,  notice  how  the  two  figures  closest  to  the  viewer  have  the  highest  amount  of  contrast  and  detail  as  well  as  strongest  values.  The  man  furthest in the background has muted values, lower contrast, and less detail to create the illusion  of   depth.   

  262 

“Leonardo   da   Vinci   analyzed   aerial   perspective   with   an   astonishing   precision,   and   expounded  scientifically   what   the   French   miniaturists,   and   after   them   Piero   della   Francesca   and   others,   had  expressed   instinctively:   ‘Perspective   is   divided   into   three   parts,   of   which   the   first   deals   only   with  the   line   drawing   of   bodies;   the   second   with   the   toning   down   of   colours   as   they   recede   into   the  distance;   the   third   with   the   laws   of   distinctness   of   bodies   at   various   distances.”   ­  Charles  Bouleau:  T   he   Painter's   Secret   Geometry :  A  Study   of   Composition   in   Art    

   

  Photograph   above   by   Annie   Leibovitz   demonstrating   aerial   perspective   in   composition  263 

In  the  landscape  painting  below,  “View  from  the  Grounds  of  Penrhyn  Castle  Looking  towards  Nant­Ffrancon" by George Fennel Robson, observe how the values, details, colors, and contrast  appear  more  muted  the  further  you go back into the scene. This image demonstrates the use of  aerial   perspective   to   enhance   the   illusion   of   the   third   dimension   on   a  two­dimensional   surface.   

     

  Drawing   above   by   Michael   Grimaldi   demonstrating   aerial   perspective 

264 

  Painting   above   by   Michael   Grimaldi   demonstrating   aerial   perspective      Ellipses   in   Composition    Ellipses  used  in  a  composition  are  regular  oval  shapes  that  connect  and  tie  together  specific  elements  to  create  a  sense  of  unity  and  a  fluid  visual  movement  for  the  viewer.  In  the  painting  below,  "A  Young  Woman  Seated  at  the  Virginal,"  notice  how  Vermeer  uses  ellipses  in  the  shapes   and   shadows   of   his   subject   to   create   a  circular   rhythm   in   his   design.   

  265 

In   the   painting   below,   "The   Birth   of   Venus,"   notice   how   William   Adolphe   Bouguereau   uses   ellipses   to   tie   important   elements   together.    

 

  William­Adolphe   Bouguereau,   "The   Birth   of   Venus,"   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle  266 

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson   using  e   llipses   and   the   1.5   armature   in   his   composition  267 

Enclosures   in   Composition    An  enclosure  in  a  composition  unifies  and  ties  together  specific  elements  by  locking  them  into  simple  geometric  shapes.  For  example,  in  the  below  painting  "The  Morning  Toilet"  by  Jean­Baptiste­Simeon  Chardin,  notice  how  the  two  figures,  the woman and child, are combined  by   enclosing   them   in   simple   geometric   shapes   ­  the   triangle.    

   

    268 

     

  In   the   images   above,  J  ean­Baptiste­Simeon  C   hardin   creates   triangular   geometric   shapes   by   using   the   armature   of   the   rectangle  269 

 

   

  Example   above,   “A   Stag   at   Sharkey's”   by   George   Bellows,   from   the   book  C   lassical   Drawing  Atelier   by   Juliette   Aristides   demonstrating   the   use   of   basic   geometric   shapes   in   a  composition  270 

  Leonardo   da   Vinci   using   simple   geometric   shapes   to   enclose   his   figures      Negative   Shapes   in   Composition    Negative  shapes  in  composition  refer  to  the  space  that  surrounds  a  particular  figure  or  object.  While  many  artists  and  photographers  tend  to  use  the  phrase  negative  space,  I  find  the  word  "shape"  is  better  suited  for  fine  tuning  your  visual  literacy  skills.  However,  regardless  of  your  terminology,  it's  important  to  keep  in  mind  that  sometimes  negative  shapes  can  overpower  the  positive   elements   in   a  design   if   the   artist   isn’t   careful   or   aware.   A  delicate   balance   is   required.   

   Painting   above,   “The   Governess,”   by   Jean   Baptiste   Simeon   Chardin   demonstrates   the   use   of   negative   shapes   in   a  composition  271 

  Painting   above   by   Norman   Lundin   demonstrating   strong   negative   shapes       Notional   Space   in   Composition    Notional  space  is  the  vertical  and  horizontal  space  (enclosure)  around  a particular element in a  drawing,  painting,  or  photograph.  Determining  the  notional  space  allows  the  artist  to  measure  and  plot  that  particular  element  on  a  grid  as  well  as  create  relationships  between other parts in  the  overall  design.  For  example,  in  the  plant  drawing  below,  notice  how  Rudi  Elert  is  using  notional  space  around  each  leaf  to  measure  and  place  everything  in  an  organized  fashion  on  the   grid   he   chose   for   his   design.    

  272 

   

  Dot   Bunn,   “Six   Pumpkins,”   demonstrating   the   use   of   notional   space.   Designed   in   a  root   4  Dynamic   Symmetry   rectangle.   

  Example   of   notional   space   used   in   drawing   the   figure   from   the   Da   Vinci   Initiative  273 

Circular   Composition    Circular  composition  is  a  technique  used  by  master  artists  to  tie  together,  in  a  circular  fashion,  specific  elements  in  a  drawing  or  painting.  This  design  approach  is  one  of  the  more  easily  recognized  techniques  utilized  in  a  work of art. In the picture below, by Anthony van Dyck called  "Christ  Crowned with Thorns," notice how the figures are enclosed in multiple circles to carry the  viewer's   eyes   around   the   canvas   several   times   before   exiting.    

    One  important  thing  to  note  is  that  circular  composition  doesn't  always have to be literal ­ it can  be  implied.  In  the  painting  below,  "Whistler's Mother" by James McNeill Whistler, notice how the  artist  uses  rectangular  shapes  to  create  a  circular movement. The picture frames on the wall as  well  as  the  curtains  on  the  left  keep  the  viewer's eyes into the painting and solidify the intended  circular   composition.      

  274 

   

  Raphael,   “The   Deposition,”   designed   in   a  circle  275 

 

 

  Painting   above,   “The   Queen’s   Government”   by   Peter   Paul   Rubens,   emphasizing   circular   composition  276 

Overlapping   in   Composition    The  technique  of  overlapping  in  a  composition  is  how  all of the elements in a drawing, painting,  or  photograph  overlap  each  other  to  help  create  the  illusion  of  the  third  dimension.  Generally  speaking,  you  want  to  strive  for  a  1/3,  1/2,  2/3,  or  Phi  ratio overlap. If the elements become too  close  together,  it  tends  to  flatten  out  the  design  and destroys the illusion of depth and space for  the   viewer.   The   example   below   demonstrates   the   effect   when   two   or   more   elements   touch.      

      In   the   painting   below,   by   master   artist   Jeff   Hein,   you   can   see   how   important   overlapping   objects  and   figures   in   a  painting   can   be   when   trying   to   create   the   illusion   of   the   third   dimension.   

  277 

    In  the  photograph  above  by  Henri  Cartier­Bresson,  you  can  see  how  he  has  mastered  the  technique  of  overlapping  to  give  his  picture  a  strong  three­dimensional  feel.  Also,  notice  the  precise  spacing  between  the  figures  and  how  it  creates  dynamic  movement  as  well as a series  of  arabesques  throughout  the  whole  design.  This  mastery  of  photography  is  a  combination  of  learning  classical  skill­based  design  techniques,  quick  reflexes,  and  a  certain  amount  of  intuition.    278 

   

    The  photographs  above  were  taken  by  a  former  student  at  the  Barnstone  Studios.  The  careful  arrangement  and  overlapping  of  bottles,  which  took  several hours to achieve, was necessary to  produce  visually  compelling  images.  Also,  notice  how  the  successful  overlapping  of  the  bottles  helps  create  the  illusion  of  the  third  dimension  and provides several dynamic arabesques in the  composition.    279 

   

  Photographs   above   by   a  former   student   at   the   Barnstone   Studios  280 

In  the  image  below,  from  the  book  "Greek  Portfolio,"  notice  how  Constantine  Manos  applies  overlapping  successfully  to  give  his  photograph  a  three­dimensional  look.  A  photographer  can  achieve  this  effect  by  being  alert  of  their  body  position  in  relation  to  their subject or subjects. In  other  words,  a  slight  shift  in  body  position  from  right  to  left  or  up  and  down  can  change  the  overall  illusion  of  the  third dimension and can, many times, mean the difference between a work  of   art   and   a  failed   image.    

      Hierarchy   in   Composition    Obtaining  a  visual  hierarchy  in  a  composition  is  a  major  step  in  creating  a masterful design. As  humans,  we  have  the  ability  to  view  an  entire  picture  at  once,  but  we  can't  focus  on  every  element  at  the  same  time.  For  example,  if  we  were  to  look  at  a  landscape  painting,  we  might  start  by  looking  at  a  large  tree  in  the  foreground.  Then  our  eyes  will  move  to  another  element  near  the  tree  in  the  middle  ground,  then  continue  to  look  further  off  into  the  background,  and  then   back   to   the   tree   in   the   foreground.   Our   eyes   are   always   striving   to   seek   order.     In  composition,  a  visual  hierarchy  can  be  created  by  using theme and variation through the use  of  line  and  value.  For  this  reason,  artists  use  a  limited  number  of  directions  in  a  drawing  or  painting,  also  known  as  a  gamut.  Artists  achieve  a  gamut  by  enhancing  one  direction  while  suppressing another. As Andre Lhote once said, "Exaggeration, diminution, and suppression are  the  three  operations  which  the  artist  must  constantly  practice  whether  it  is  a  matter  of  lines,  values,   colors,   or   surfaces."   281 

In  most  works  of  art,  there  is  a  dominant vertical, dominant horizontal, and a dominant diagonal  line.  These  dominant  lines  define  the  highest  level  of  a  hierarchy  in  a  composition.  In  the  painting  below, you can see how Anna Rose Bain is creating a simple hierarchy in her design as  indicated   by   the   vertical   (red),   diagonal   (yellow),   and   horizontal   (green)   lines.   

   

  282 

  The   hierarchy   of   lines   created   from   the   bottom   portion   of   the   overlapped   root   4  Dynamic   Symmetry   rectangle   

  Painting   above   by   Mary   Cassatt   establishing   a  hierarchy   with   three   dominant   lines.   For   a  demo  video   by   Myron   Barnstone,   click  h   ere .  To   learn   more   about   the   Barnstone   series   of   DVDs   and  instant   downloads,   click   on   the   link   below.    

  283 

   

  Michael   Grimaldi   drawing   above   demonstrating   a  hierarchy   of   lines   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle  284 

Greatest   Area   of   Contrast   in   Composition    The  greatest  area  of  contrast  (GAC)  in  a  composition  is  the  location  in  the  picture  where  the  viewer's  eyes  are  usually  drawn  first.  Generally  speaking,  this  is  where  the  lightest  light  meets  the   darkest   dark   because   heavily   contrasting   areas   tend   to   demand   immediate   attention.     A  common  practice  with  master  artists  is  to  place  the  most  relevant  subject  (or  element)  on  or  near  the  GAC  to  give  the  viewer  a  sense  of  priority.  For  example,  in  the painting below, "Judith  Beheading  Holofernes"  by  Caravaggio,  notice  how  Judith is the primary subject and happens to  be  ideally  located  in  the  most  luminous  area  of  the  painting.  The  white  shirt  contrasts  sharply  with   the   dark   background   and   the   shadows   cast   by   her   face.    

    Another example demonstrating the greatest area of contrast in a work of art can be found in the  painting  "Girl  Interrupted  at  Her  Music"  by  Johannes  Vermeer  (below). The seated girl is clearly  the  primary  focus  of  the  image,  and  the  GAC  works  beautifully  to  convey  her  importance.  The  white  scarf  around  her  head  creates  a strong contrast against the teacher's dark clothing due to  the   intense   light   shining   in   from   the   window   on   the   left.     285 

    Caravaggio,   "The   Incredulity   of   Saint   Thomas,"   demonstrating   the   greatest   area   of   contrast   (below)   

  286 

   

  Drawing   above,   by   Michael   Grimaldi,   demonstrating   the   use   of   (GAC)   greatest   area   of   contrast   in   composition   287 

In  the  photograph  below,  from  fstoppers.com,  notice  how  the  greatest  area  of  contrast  in  the  composition  immediately  attracts  the  viewer's  eyes  to  the  top  right  edge  of the frame instead of  where  it  should  be  (on  the  woman).  This  strong  visual  pull  is  due  to  the  extreme  contrast  between  the  brightly  lit  object  and  dark  background.  If  you  cover  the  area with your thumb, you  will   notice   your   attention   is   brought   back   to   the   main   subject   in   the   image.   

      Composition   With   One   Subject    To  effectively  compose  a  single  element  within  a  square  or  rectangle,  there  are  three  options  that  an  artist  can  employ  in  their  work.  The  first  approach  entails  having  the  subject  touch  the  edges  of  the  frame.  For  example,  in  the  painting  below  by  Edgar  Degas  called  "The  Invalid,"  notice   how   the   woman's   arms   touch   both   sides   of   the   rectangle.    

  288 

   

  Norman   Rockwell   painting   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle   (with   one   subject).  The   yellow   arrows   at   the   bottom   left­hand   side   of   the   rectangle   indicate   how   Rockwell   is   using  the   edges   to   frame   the   composition.   289 

The  second  approach  involves  using an oppositional mass or line as a means of connecting the  subject  to  the  edges  of  the  frame.  For  example,  in  the  painting  below  by  John  Singer  Sargent  called  "Portrait  of  Madame  X,"  notice  how  the  dark  shadows,  the  table,  and  the arc of the table  connect the figure to the edges of the frame. Also, notice how Sargent reinforces this connection  by   having   the   figure's   left   hand   touch   the   table.     

   

  Painting   above,   “The   Lacemaker,”   by   Johannes   Vermeer   demonstrating   how   to   attach   the   figure   to   the   edges   of   the   rectangle   by   using   mass   and   lines  290 

The  third  option  involves  the  use  of  CHIAROSCURO  ­  using  a  gradation  of  light  and  dark  in  a  pictorial  composition.  In  the  painting  below,  "Self  Portrait"  by  Juliette  Aristides,  notice  how  the  transition  from  light  to  dark  (from  the  portrait  to  the  edges)  tie  the  figure  to  the  sides  of  the  rectangle  (in  addition  to  her  arms  touching).  Photographers  would  use  the  technique  called  "dodging   and   burning"   for   the   same   effect.     

   

  Painting   above   by   Juliette   Aristides   demonstrating   chiaroscuro  291 

Composition   With   Two   Subjects    Composing  two  subjects  in  a  composition  can  be  more  challenging  than  any  other  design  scheme,  especially  when  both  elements  appear  to  be  equally  important.  In  the  case  of  employing  two  figures,  an  artist  must  decide  a  hierarchy  and  choose  which  subject  will  be  dominant  and  which  will  be  subordinate.  There  are  several  techniques  an  artist  can  use  to  minimize   this   challenge.      Using   Light   Values    An  artist  can  use  light  values  to  draw  attention  to  the  dominant  subject  in  a  composition  of two  figures.  For  example,  in  the  painting  below  by  Mary  Cassatt,  notice  how  the little girl's face has  lighter  values  than  the  woman  on  the  left.  This  intentionally  highlighted  area draws the viewer's  eyes   directly   to   the   little   girl   first,   and   then   back   to   the   woman.     

    Using   Subject   Position    Another  technique  for  composing  two  subjects  in  a  composition  involves  the  use  of  physical  location.  In  other  words,  depending  on  where  both  of  the  figures  are  placed  in  a  design  determines  which  subject  is  the  most  dominant  of  the  two.  For  example,  in  the  movie  poster  "Before  We  Go,"  notice  how  Chris  Evans  becomes  the  primary  element  (out  of the two figures)  due  to  his  physical  location.  Because  Evans  is  positioned  closer  to  the  viewer,  he  immediately  becomes   the   main   focal   point   and   the   entrance   into   the   composition.    292 

   

  In   the   painting   above,   “Mrs.   Henry   Phipps   and   Her   Grandson   Winston”   by   John   Singer   Sargent,  the   child   is   the   dominant   figure   in   the   composition.   The   hierarchy   between   these   two   elements   is  obtained   by   using   the   greatest   area   of   contrast,   aerial   perspective,   figure   location,   and   the  dramatically   outstretched   position   of   the   child’s   arm.   These   combined   techniques   draw   the  viewer’s   attention   to   the   little   boy   first.   293 

 

  In   the   painting   above,   by   Norman   Rockwell,   it’s   apparent   that   the   man   on   the   left   (yellow)   is   the  subordinate   of   the   two   figures.   The   repeated   use   of   the   Sinister   diagonal,   as   well   as   gazing  direction,   pointing   devices,   and   the   dominant   vertical   (red),   reinforces   the   visual   hierarchy   of   the  two   figures.   294 

   

  In   the   painting   above,   “Fishing   Hole”   by   Morgan   Weistling,   gazing   direction,   gamut,   and   facial  expression   reinforces   the   notion   that   the   boy   catching   the   fish   is   the   focal   point   (of   the   two  figures)   in   the   composition.  295 

Composition   With   Three   Subjects    One  of  the  most  common  and  extremely  effective  techniques used in composing three subjects  in  a  composition  requires  grouping  two  of  the  three  elements  together,  by  close  physical  proximity  to  one  another,  and  overlapping  them.  This method isolates the main subject from the  other  two  elements  (that  appear  as  one)  and  creates  a  sense  of  harmonious  balance.  For  example,  in  the  painting  below,  by  Diego  Velazquez  called  "Christ  Contemplated  by  the  Christian  Soul,"  notice  how  the  two  figures  on  the  right  are  tightly  grouped  together,  while  the  figure   of   Christ   is   far   removed   on   the   left.     

    The   Problem   With   the   Rule   of   Odds    On  the  Art  of  Photography  website,  Ted  Forbes says that “The Rule of Odds states that framing  your  subject  with  2  surrounding  objects  (thus  creating  an  odd  number  of  3)  suggests  balance  and  harmony  visually.  We tend to prefer balance and feel comfortable with these groupings of 3.  Groups  of  2  or  4  can  sometimes create a sense of competition whereas the odd groupings tend  to  balance  that  a  bit.  This  is  a  very subjective rule, but it does create balance.” However, simply  grouping  an  odd  number  of  elements  together  in  a composition is not enough to create balance  and   harmony.  

296 

For  example,  notice  how  the  compositions  in  the  photographs  below  appear  lifeless.  Do  they  follow  the  “Rule  of  Odds”  concept?  Yes.  Are  they  well  balanced  and  harmonized?  Absolutely  not.  In  fact,  all  of  the  elements  in  the  compositions  are  lumped together making it impossible to  determine  a  visual  hierarchy.  And  much  like  all  the  contemporary  “rules”  in  composition,  the  Rule   of   Odds   concept   is   inherently   flawed.   

   

  The   photographs   above   are   flat   and   uninteresting   despite   the   fact   that   they   meet   the   definition   of   the   Rule   of   Odds  297 

"The   main   object   always   has   the   most   attraction.   This   usually   follows   without   thought.   Its  presence   becomes   known   because   it   is   so   interesting.   Figures   which   are   less   interesting,   which  will   combine   with   the   subject   proper,   are   what   artists   long   for.   Those   things   which   are   not   of  sufficient   interest   to   be   worthwhile   in   themselves   are,   owing   to   their   lesser   significance,   of   the  utmost   importance   to   the   main   subject."   ­  Henry   Rankin   Poore    

   

  The   painting   above   is   intelligently   designed   using   three   figures.   Notice   how   the   artist   is   using  figure   placement   to   create   simple   geometric   shapes   and   a  clear   visual   path   for   the   viewer.   298 

   

  In   the   painting   above,   “The   Dressmaker”   by   Morgan   Weistling,   notice   how   the   two   figures   on   the  left­hand   side   are   separated   from   the   dominant   figure   on   the   right.   This   clear   separation   forces  the   viewer   to   see   the   two   characters   as   one   unit,   therefore,   creating   a  sense   of   balance   in   the  composition.  299 

   

  Painting   above,   “Blue   Hour,”   by   Max   Klinger   showing   how   to   effectively   group   three   figures   in   a  composition.   Notice   how   Klinger   uses   the   armature,   repeated   triangular   shapes,   gazing  direction,   and   a  clear   visual   hierarchy   to   create   harmony   and   balance   in   his   design.       Composition   With   Figures   in   a  Group    When  composing  figures  in  a  group,  the  best  shapes  to design in are the oval and the pyramid.  Both  of  these  shapes  give  the  viewer  a  clear  focal  point  as  well  as  define  the  relationship  between   the   elements   and   their   background   in   the   composition.   300 

To  create  a  more  attractive  arrangement  of  figures  in  a  design,  it's  always  a  good  idea  to have  two  separate  groups  ­  one  large  and  one  small.  The  artist  can  then  decide  which  group  they  want  to  put  their  principal  figure  within.  If  the  dominant  figure  is  placed  in  the  larger  group,  the  smaller  group  has  to be subordinate by utilizing value, light, or pose. If the figure is placed in the  smaller   group,   or   completely   separated   from   both   groups,   the   isolation   effect   will   be   sufficient.      In  the  painting  below,  by  William  Adolphe  Bouguereau,  notice  how  the  main  figure  (Christ)  is  isolated  from  the  other  two  groups;  the  smaller  group  on  the  left,  and  the  larger  group  on  the  right.   Also,   observe   how   the   figures   are   arranged   and   visually   tied   together   in   an   oval   shape.    

    Painting   below,   “Supper   at   Emmaus”   by   Caravaggio,   grouping   the   figures   using   an   oval   shape   

  301 

   

  The   painting   above,   “The   Danaides”   by   John   William   Waterhouse,   demonstrates   an   efficient  arrangement   of   figures   in   a  composition.   Notice   how   the   placement   of   the   three   central   figures  creates   a  triangular   shape.   Also,   observe   how   the   grouping   of   elements   establishes   a  visual  hierarchy   ­  the   woman   on   the   left   (with   her   breast   exposed)   becomes   an   important   focal   point.    302 

Balance   in   Art   and   Composition    ● ● ● ● ● ● ● ●

Balance  in  art  is  when  all the elements that make up a picture are equal or in the correct  proportions.  Every   picture   is   a  collection   of   items   and   every   item   has   a  given   value.   The value of an item depends on its visual attraction and that attraction varies depending  on   where   it   is   placed   in   the   picture.  An  item  near  the  edge  of  a  picture  has  more  visual  weight  than  the  same item that falls  near   the   middle.   Space   without   any   detail   in   a  picture   still   possess   attraction   by   gradation.  An  item  in  an  empty  space  has  more  visual  weight  than  the  same  item  grouped  with  other   items.   An   item   in   the   foreground   has   less   weight   than   the   same   item   in   the   background.   A   black   item   on   white   or   vice   versa   has   more   attention   than   the   same   element   on   grey. 

  Achieving  balance  in  a  work  of  art  is  essential.  While  most  people  have  an  innate  sense  of  balance  when  it  comes  to  pictorial  composition,  trying  to  create  or  fix  balance  in  a  design  requires  knowledge  and  skills.  I  recently  read  a  blog  post  from  B&H  photo  where  the  author  claimed  that  "there  is  nothing  wrong  with  an  unbalanced  shot  unless  your  goal  is  a  balanced  one!"  I  strongly  disagree.  A  master  artist  will  continually  strive  to  find  balance  in  their  work  and  intentionally  creating  an  unbalanced  drawing,  painting,  or  photograph  doesn't  make  any sense.  After   all,   why   would   any   artist   strive   to   create   bad   art   and   an   unsuccessful   composition?    A  simple  way  to  analyze  balance  in  a  work  of  art  is  to  take  any  picture,  drive  a  vertical  and  horizontal  line  through  the  center  finding  the  middle  or  pivot  point  and  weigh  the  various  elements  that  surround  it.  A  well­balanced  work  of  art  will show a pleasant distribution of all the  components  around  the  central  axis.  In  the  painting  below,  by  Johannes  Vermeer  called  the  "Procuress,"  notice  how  all the elements are balanced around the central division: The woman's  right   hand   acts   as   the   pivot   around   all   the   other   items   in   the   painting.    

 

303 

"Solid   composition   is   an   essential   component   for   any   painting   intended   to   pass   the   test   of   time.  The   goal   is   always   balance.   Balance   is   a  sense   of   harmony­­a   cohesion   of   diverse   parts   into   a  statement   where   nothing   feels   extraneous   and   nothing   can   be   moved   without   upsetting   the  whole."   ­  Juliette   Aristides   from   "Lessons   in   Classical   Painting."   

  Unknown   artist,   designed   in   a  root   3  Dynamic   Symmetry   rectangle      Classical   Balance   in   Composition    Classical  balance  requires  equal  measure  on  each  side  of  a  central  figure  or  object  as  well  as  the  top  and  bottom.  For  example,  in  the  painting  "Madonna  di  San  Sisto"  by  Raphael  Sanzio  (below)  you  can  see  that  the  central  figure  (Madonna and Christ) are balanced by the two other  figures  on  the  left  (Saint  Sixtus)  and  right  (Saint  Barbara)  as  well  as  the  two  cherub  below  (on  the  bottom  edge  of  the  picture).  Classical  balance  gives  the  painting  equal  balance  across  the  entire   image.     304 

    If  you  were  to  visualize  the  painting  as  a  scale,  it  would  look  like  the image below. If you notice  both  items  on  each  side  of  the  scale  are  equal  in  weight.  So  you  can  say  that  it's  perfectly  balanced.  For  each  item  in  the  painting  above,  there  must  be  a  corresponding  element  that  keeps  the  balance  from  tipping.   One  thing  to  remember  is  that  every  item  in  a  picture  has  a  degree  of  pulling  power,  much  like  a  magnet.  While  each piece draws attention to itself, it takes  away   from   every   other   item   proportionately.     

  305 

In  the  image below, "Coronation of the Virgin" by Diego Velazquez, notice how he uses classical  balance  to  compose  the  painting.  All  of  the  elements  that  surround  the  Virgin  Mary  are  equally  balanced   on   the   right   and   left   as   well   as   the   top   and   bottom.    

      Steelyard   Principle   in   Composition    When  the  subject  of  a  picture  is  on  one  side  of  the  middle,  it  must be close to a pivot point. If it  departs  from  the  center,  it  must  be  balanced  by  a  small  weight  element  on  the  other  side  to  create  a  visual  balance.  If  you  were  to  look  at  an  actual  scale,  this  is  what  the  principle  would  look   like   visually   (see   below).  

  306 

   

  Painting   above,   “Mr.   and   Mrs.   Andrews”   by   Thomas   Gainsborough,   demonstrating   the   steelyard  principle   from   the   book  P   ictorial   Composition:   An   Introduction   by   Henry   Rankin   Poore.  Notice   how   the   figures   on   the   left­hand   side   of   the   central   vertical   are   balanced   by   the   trees   and  the   haystack   on   the   right­hand   side.     307 

 

  Painting   above,   “A   Dutch   Courtyard”   by   Pieter   de   Hooch,   demonstrating   the   steelyard   principle  from   the   book  P   ictorial   Composition:   An   Introduction   by   Henry   Rankin   Poore   308 

In  every  composition,  the  eye  will  be  first  drawn  to  a  central  point  of  interest,  which  may  be  on  one  side  of  the  image,  then  proceed  to  scan  the  opposite  side  looking  for  another  element  to  receive  it.  If  there  isn't  any  object  on the other end, it will give the viewer a feeling of imbalance.   Artists that use the Rule of Thirds grid for composition should take note of the steelyard principle  because  the  Rule  of  Thirds  pulls  the  subject  away  from  the  center  and  off  to  one  side.  For this  reason,  it's  easy  to  create  imbalances  in  a  picture.  In  the  painting  below,  "Breezing  Up  (A  Fair  Wind)"  by  Winslow  Homer, notice how the small sailboat on the far right­hand side of the picture  balances   out   the   larger   mass   on   the   left.     

    Creating  balance  in  a  composition  doesn't  always  require  another  subject.  Artists  can  use  patches of color or value to weigh out all of the elements in a design. In the painting below, "Lost  on  the  Grand  Banks"  by  Winslow  Homer,  notice  how  the  small  patches  of  black  and  white  values  on  the  surface  of  the  water  (on  the  left­hand  side) balance out the other larger elements  on the right. If you cover the small sections of contrasting values with your thumb, you will notice  how   the   visual   balance   changes.     

  309 

In  the  painting  below,  "The  Fog  Warning"  by  Winslow  Homer,  notice  how  the  small  ship  on  the  right­hand   side   of   the   image   balances   out   the   larger   boat   on   the   left­hand   side.     

    In  the  painting  below  by  Caravaggio,  called  “Beheading  of  Saint  John  the  Baptist,”  notice  how  he  is  using  the  steelyard  principle  in  his  design.  If  you  cover  the  circled  area  on  the  right­hand  side   with   your   thumb,   you   will   immediately   discover   that   the   composition   feels   unbalanced.   

  310 

   

  Painting   above,   by   Henri   Fantin­Latour,   demonstrating   the   use   of   the   steelyard   principle   through  the   application   of   value.   In   the   bottom   image,   notice   that   when   you   remove   the   subtle   highlight  on   the   glass,   the   balance   of   the   composition   changes   drastically.  311 

  Photograph   by   Henri   Cartier­Bresson   using   the   steelyard   principle 

312 

Balance   by   Isolation   in   Composition    Much  like  the  steelyard  principle,  balance  by  isolation  identifies  the primary subject in a work of  art  by  clearly  separating  it  from  other  elements  in  a  composition.  For  example,  in  the  image  below,  "Racehorses  in  a  Landscape"  by  Edgar  Degas,  notice  how  the  one  horseman  to  the far  right   of   the   frame   is   completely   isolated   from   the   larger   group   to   the   left.     This  isolation  effect  is  not  only  a  result  of  the  main  subject  being  separated  from  the  larger  group  but  also  because  most  of  the  riders  in  the  larger  group  are  moving  forward,  while  the  horseman  to  the  right  is  facing  away  (as  if  he  was  leaving  the  scene),  thereby  enhancing  the  feeling  of  isolation.  This  distinct separation is an indicator that the one particular horseman is an  important   focal   point   in   the   design.    

      Vertical   and   Horizontal   Balance   in   Composition    Two  dominant  lines  can  start  a  composition  if  they  cross  or  touch.  Once  the  horizontal  and  vertical  lines  join  or  intersect,  the  artist  has  to  find balance in the remaining areas that surround  the  pivot  point  of  the  picture.  In  the  painting  below,  "White  Peony­Tender  Thoughts"  by  Dmitry  Kalyuzhny,  notice  how  the  dominant  vertical  and  horizontal  line  divide  the  image  while  the  rest  of the elements balance out the picture as a whole. The painting is designed in a root 2 Dynamic  Symmetry   rectangle   on   the   theme   of   2.   313 

 

      Entrance   Into   a  Composition    In  any  work  of  art,  an  immediate  attraction is fundamental to its success. In a sense, the picture  should  be  like  an  open  window  or  door  for  the  viewer  without anything blocking the visual path.  In  design,  there  is  a  hierarchy  of  elements.  In  other  words,  there  must  be  one  dominant  area  that your viewer is first drawn to, while the remaining elements are there to balance out and lead  the  eye  through  the  whole.  If  there  is  a  particular  part  in  the  composition  that  stops  this  visual  flow,   it   can   destroy   the   overall   structure.     In  any  composition  that  has  a  deep  perspective,  it's  always  best  to  enter  with  a  series  of  diagonal  lines  that  create  a  winding  effect.  A  dirt  road  in  a  landscape  that  bends  and  winds  around  a  particular  path  would  be  a  good  example.  If  you  were  to  formalize  this  road  into  straight  lines,  it  would  resemble  a  zigzag.  However,  not  every  work  of  art  can  use  the  winding  element  or  zigzag, in which case a visual accent or spot will suffice. This principle of perspective  recession  can  be  utilized  in  all  works  of  art  including  portraits  and  multiple  figure  pictures,  not  just   landscapes.      314 

In  the  painting below, by Daniel Gerhartz, notice how the use of zigzag lines lead the viewer into  the  picture  and  then  guides  them  to  the  most  important  element  in  the  entire  painting  ­  the  brown   building.   

      Exiting   out   of   a  Composition     Exiting  out  of  a  composition  is  just  as  important  as  entering.  The  exit  has  to  have  a  logical  direction  as  well  as  a  visually  pleasing  path.  If  an  element  in  the  design  causes  the  viewer  to  leave  the  painting  abruptly,  without  seeing  other  relevant  parts,  the overall success of the piece  is  diminished.  If you're dealing with a portrait that has nothing but a dark background, the viewer  is   forced   to   back   out   of   the   picture.      However,  a portrait can have a more subtle way of exiting the picture. In the painting below, "Girl  Reading  a  Letter  at  an  Open  Window"  by  Johannes  Vermeer,  the  girl  reading  the  letter  is  the  dominant subject in the composition. Once our eye leaves the girl, it travels up the curtain on the  right,  circles  to  the  red  curtain  near  the  top  of  the  window  frame,  back  to  the  letter,  rotates  around   the   girl's   arm,   head,   and   finally   exits   through   the   window.     Vermeer  intentionally  designed  his composition so that the viewer will first find the most relevant  subject,  then  follow  an  intended  visual  path  (which  circles  the  girl  several times) before the eye  leaves   the   design.    

315 

    In  the  painting  below,  “Return  from  the  Market”  by  Jean­Baptiste­Simeon  Chardin,  notice  the  visual  path  the  artist  has  intentionally  created  using  gazing  direction  and  visual  pointers.  The  viewer  is  first  drawn  to  the  main  subject  ­  the woman carrying the bag. After the initial entry into  the  picture,  the  gazing  direction  of  the  woman  leads  our  eyes  down  to  the  element  that  is  sticking  out  of  the  shopping  bag  (known  as  a  pointing  device).  From  there,  it  takes  us  to  the  woman  in  the  doorway  (with  her  back  up  against  the  edge  of  the  frame)  and  out  of the picture.  The   gazing   direction   of   the   woman   in   the   door   also   reinforces   the   viewer’s   exit.     

  316 

  Painting   above,   by   Michael   Grimaldi,   demonstrating   the   entrance   and   exit   out   of   a  composition.  Notice   how   Grimaldi   uses   the   greatest   area   of   contrast,   gazing   direction,   and   pointing   devices   to  intentionally   lead   the   viewer   on   a  distinct   path   throughout   the   picture.   

  In   the   drawing   above,   observe   how   Michael   Grimaldi   uses   the   dark   values   at   the   bottom   of   the  picture   as   an   entrance   point   while   using   the   angles   of   the   doorway   and   the   antenna   on   the   radio  as   pointing   devices.   These   pointers   lead   the   viewer   to   the   girl   standing   on   the   right­hand   side   of  the   frame.   Also,   notice   how   the   girl’s   gazing   direction   reinforces   an   exit   out   of   the   design.  317 

"When   a  subject   demands   a  rugged   form,   you   might   exchange   the   sinuous   line   for   an   abrupt  and   forcible   zigzag.   In   such   an   arrangement,   the   eye   is   pulled   sharply   across   spaces   from   one  object   to   another,   if   the   space   itself   contains   little   of   interest."   ­  Henry   Rankin   Poore   

   

  Painting   above,   by   Kexin   Di,   demonstrating   the   use   of   zig   zag   lines   to   effectively   lead   the   viewer   through   the   composition   318 

Value   in   Composition    The  term  value  refers  to  the  range  of  tones  between  black  and  white. A good example of value  used  in  composition  can  be  found  in  a  black and white photograph. Even though there is a total  absence  of  all  color,  much  of  what  makes  the  scene  recognizable  remains  unbroken.  In  a  successful  work  of  art,  the  values  will  reveal  the  light  source,  the  time  of  day,  the  shape  of  objects,  and  the  depth  of  space.  The  photograph  below,  by  Bruce  Barnbaum,  demonstrates an  excellent   range   of   black   and   white   values.    

      Value   Pattern   in   Composition    Value  pattern  in  composition  provides  a  visual  structure  for  a  drawing,  painting,  or  photograph.  The  value  pattern  can  be  high  in  contrast,  or  it  can  be  subtle.  The  artistic  mastery  of  value  pattern  in  a  work  of  art  will  determine  its  overall  efficiency  in  conveying  a  unified  message  for  the  viewer.  The  image  below,  from  the  book  "Composition"  by  Arthur  Dow,  demonstrates  an  effective   high   contrast   value   pattern.   

319 

     “Value   pattern   (the   abstract   treatment   of   lights   and   darks)   elevates   a  subject   from   a  statement   of  fact   to   a  meditation   on   the   largest   principles   in   art.   It   is   a  painterly   way   of   seeing   that   enables  artists   to   capture   the   essential   visual   truths   of   nature   that   lie   behind   the   myriad   details."   ­Juliette  Aristides,   “Lessons   in   Classical   Painting.”      Final   Thoughts    I'm  sure  after  reading  this  user's  guide  you  might  feel  overwhelmed  with  the  amount  of  information  I've  provided.  However,  one  thing  to  keep  in  mind is that creating great art, whether  it  be  a  drawing,  painting,  sculpture, or photograph isn't easy. If it were, it wouldn't have attracted  great   minds   like   da   Vinci,   Picasso,   Degas,   and   so   on.     Furthermore,  I  hope  that  you  continue  with  your  studies,  take  the  time  to  learn  how  to  analyze  master  artworks  and  bring  those  studies  and  knowledge  into  your  own  art.  After  all,  there is no  greater  reward  than  producing  a  work  of  art  that  you  can  feel  proud of for many years to come.  Above  all,  never  stop  believing  in  yourself  and  always  push  forward.  Mastering  the  art  of  composition  will  require  a  perseverance and the desire to be the best. I know you have it in you.  Good   luck!    James   W.   Cowman          320 

Supplemental   Information    Charles   Bouleau's   Harmonic   Armature   for   Composition   (for   artists   that   draw   and   paint)    The  armature  of  a  rectangle  is  another  alternative  for  designing  a  drawing  or  painting  (not  a  photograph).  This  armature  is  constructed  differently  than  what  I  have  been  describing  in  the  Dynamic   Symmetry   system   of   design,   but   both   systems   provide   the   same   harmonic   divisions.     In Dynamic Symmetry, to create the armature of a rectangle you intersect two lines, the Baroque  or  Sinister  diagonal  with  its  reciprocal  at  precisely  90  degrees.  With  this  alternative  method,  described  in  Charles  Bouleau's  book  "The  Painter's  Secret  Geometry,"  you  will  be  using  the  rectangle  and  fourteen  diagonal  lines  to  create  harmonic  divisions  in  a  compositional  grid.  Within  the  limits  of  the  armature,  an  artist  can  create  an  endless  amount  of  designs.  To  learn  how   to   build   this   grid   see   below.       Step 1.  Start with any size rectangle or square. Draw two diagonal lines (green) that connect the  opposite  corners  of  the  rectangle.  Where  the  two  diagonal lines intersect, that will be the center  of   your   rectangle   or   square.    

     Step  2.   Draw  two  diagonal  lines  from  the  center  of  the  top  down  to  the  lower  corners  of  the  rectangle.  The  intersection  of  these  two  lines  (blue) with the green lines divides the rectangle at  the  one­third  division  (horizontally/vertically)  as  well  as  the  two­thirds  division  (horizontally/vertically).   

321 

    Step  3.   Draw  two  diagonal  lines  from  the  top  of  the  rectangle  corners  down  to  the  midpoint  of  the  rectangle  (red  lines).  The  intersection  of  the  diagonal  lines  divide  the  rectangle  at  the  one­quarter   mark   both   horizontally   and   vertically   and   the   one­half   division   horizontally.    

  322 

Step  4.  Repeat  steps  2  and  3  for  the  remaining  three  sides.  Your rectangle should look like the  image   below.    

    Step  5.   Draw  a  diagonal  line  from  the  midpoint  at  the  top  of  the  rectangle  to  the  midpoint  of  each  side  (yellow  lines).  Repeat  the  process  for  the  bottom  half  of  the  rectangle. The armature  of   the   rectangle   is   now   finished.    

    323 

The   finished   armature   below   is   the   visual   equivalent   to   the   musical   scale   of   a  composition.    

    In  the  painting below, "The Astronomer" by Johannes Vermeer, notice how he used the diagonal  lines   (the   armature)   of   the   frame   to   create   a  stunning   work   of   art.     

 

  324 

How   to   Create   a  Dynamic   Symmetry   Grid   for   Any   Size   Rectangle    You  can  create  an  armature  for  any  rectangle  regardless  of  the  size  ­  it  doesn't  have  to  be  a  golden  section  series  or  root  rectangle.  Start  with  any  size  rectangle  you  are  using  to  design  your  image.  For  this  demonstration,  I  will  be  using  the  1.5  rectangle;  the  same  format  of digital  camera   sensors   and   35mm   film.    

    Draw  a  diagonal  line  from  the  lower  left­hand  corner  to  the  upper  right­hand  corner  of  your  rectangle   (image   below).   

  325 

From  the  lower  right­hand  side  of  your  rectangle,  draw  a  diagonal  line  starting  at  the  bottom  right­hand  corner  and  intersect  it  at  90  degrees  to  the  diagonal  you  drew  in  the  previous  step  (image   below).   

    Drop  a  vertical  line  down from the point where your 90­degree intersecting diagonal touches the  top   of   your   rectangle   frame.    

      326 

Repeat  the  process  for  the  left­hand  side  of  the  rectangle.  Draw  a  diagonal  line  from  the  lower  right­hand  corner  that  extends  to  the  upper  left­hand corner of the mother rectangle. Then draw  another  diagonal  from  the  lower left­hand corner that intersects the diagonal you just drew at 90  degrees.  At  the  top  of  the  mother  rectangle,  drop  another  vertical  line  down.  One  thing  to  note  is,   both   of   the   smaller   rectangles   inside   the   mother   rectangle   are   also   1.5   rectangles.   

    From  the  top  left­hand  side  of  the  rectangle,  draw  a  diagonal  line  that  extends  down  to  the  right­hand  corner  of  the  smaller  1.5  rectangle.  From  the  top  right­hand  side  of  the  rectangle,  draw  another  diagonal  line  down  and  connect  it  to  the left­hand corner of the smaller rectangle.  Both   of   these   lines   will   also   intersect   the   main   diagonal   lines   at   90   degrees.    

  327 

The  final  step  is  to  add two horizontal lines at the intersecting points where the two vertical lines  intersect  with  the  main  two  diagonal  lines  in  the  mother  rectangle.  Your  1.5  armature  is  complete.    

      Additional   Recommended   Books   and   Audio   Recordings  (Click   on   the   links   to   download)    Pictorial   Composition:   And   the   Critical   Judgment   of   Pictures   ­  Henry   Rankin   Poore  Colour   Control   ­  Frank   Morley   Fletcher  The   Geometry   of   Art   and   Life   ­  Matila   Ghyka  The   Golden   Section   ­  Scott   Olsen  The   Classic   Point   of   View   ­  Kenyon   Cox  A   Treatise   on   Landscape   Painting   ­  Andre   Lhote  Art   and   Illusion   ­  E.   H.   Gombrich  Geometry   of   Greek   Vases   ­  L.D.   Caskey  Sacred   Geometry   ­  Robert   Lawlor  Old   Masters   and   New   ­  Kenyon   Cox  W.M.   Hunt’s   Talks   on   Art  Suggested   Donation   Interview   with   Juliette   Aristides  The   Art   Renewal   Center   Interview   with   Juliette   Aristides         

328 

Additional   Dynamic   Symmetry   Examples    This  section  contains  examples  of  possible  Dynamic  Symmetry  design  schemes  by  many  of  today’s  top  master  artists.  Of  course,  always  keep  in  mind  that  there  could  be  other  compositional  grids  employed  by  the  artist.  You  may  wish  to  use  these  samples  as  a  starting  point   for   analyzing   art   to   increase   your   visual   literacy   skills.   

  Aidan   Barker­Hill,   "Climbing   the   Cathedral,"   designed   in   a  root   4  Dynamic   Symmetry   rectangle   

  Allen   Douglas,   "Kong,"   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle   329 

 

  Dirk   Dzimirsky,   "Happy   Birthday,   Tristesse,"   designed   in   a  1.5   rectangle   

  Anders   Fernbach,   "Ushanka,"   designed   in   a  Phi   rectangle  330 

 

  Edgar   Degas,   designed   in   a  root   3  Dynamic   Symmetry   

  Hans   von   Aachen,   "Bacchus,   Ceres   and   Cupid,"   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle  331 

 

  Norman   Rockwell,   "She   Gave   Me   a  Parker   61,"   designed   in   a  root   3  Dynamic   Symmetry   Rectangle   

  Alberto   Giacometti,   Self­Portrait,   1918,   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle  332 

  Tenaya   Sims,   "Semillas,"   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle    

 

Morgan   Weistling,   "Olivia's   Coop,”   designed   in   a  root   2  Dynamic   Symmetry   rectangle      *The   Art   of   Composition:   A  Dynamic   Symmetry   User's   Guide   for   the   Modern   Artist   is   not  intended   for   commercial   distribution   or   sale   and   should   only   be   used   as   a  free   teaching   guide   for  students   who   want   to   learn   more   about   Dynamic   Symmetry   in   art   and   photography.   Because  this   user's   guide   is   a  collection   of   daily   analytical   notes   and   is   always   evolving,   please   check  back   weekly   for   updates.   Finally,   all   critiques   and   analytical   notes   demonstrated   in   this   user's  guide   should   not   be   interpreted   as   criticism   of   one's   work,   but   rather   viewed   as   an   attempt   to  teach   the   modern   artist   and   photographer   how   to   expand   their   visual   literacy   skills.       333