Teoria Musical Acordeon Vallenato

TEORIA MUSICAL ACORDEON VALLENATO RITMOS VALLENATOS PUYA Empezamos con este aire porque se dice que fue el primer de los aires actuales. Es decir, fue el primer ritmo que el acordeón, la caja y la guacharaca interpretaron juntos. Cuando el acordeón llegó a Colombia, a mediados del siglo XIX, los indios de la Sierra Nevada de Santa Marta imitaban el canto de algunos pájaros con gaitas aborígenes en un ritmo rápido. Este ritmo se bailaba "en hileras, llevando cada persona las dos manos abiertas y paralelas a la altura del pecho, con los dedos apuntando hacia adelante y simulando que se puyaba repetidamente a quien danzaba adelante siguiendo el ritmo de la ejecución". De ahí el nombre de puya. La diferencia de esa puya con la actual es que esa era sólo ritmo y melodía en cambio en la actual hay letra y canto. Su relación se comprobó gracias a un trabajo investigativo hecho por el historiador Tomás Darío Gutiérrez quien constató con la ayuda del músico Rafael Fernández Padilla que los parámetros rítmicos y melódicos de la puya aborigen son los mismo que los de la puya actual. Esta conclusión se da después de haber escuchado una gaita vallenata auténtica, las cuales ya no se encuentran sino en la propia Sierra Nevada. El patrón melódico de la puya interpretada es el siguiente: "hay dos compases en una cuadratura de compás de seis por ocho; alteración por armadura de clave; fa sostenido, lo que indica que la melodía está escrita en la tonalidad del sol mayor. El primer compás está compuesto en su relación de tiempo por seis semicorcheas, una corchea y una negra. Las seis semicorcheas dan el efecto del ritmo del pájaro. Patrón rítmico y armónico: "hay dos compases compuestos cada uno por dos gruppettos de corcheas; como cada corchea vale medio tiempo encontramos tres tiempos en cada compás". El músico Rafael Fernández Padilla concluye entonces que la puya interpretada por la gaita vallenata es la misma interpretada por los actuales conjuntos vallenatos. La Única diferencia es " el despliegue del virtuosismo desde el punto de vista melódico, que los acordeonistas utilizan en lo que llaman improvisación". Esto se debe a que el carrizo o gaita es limitado desde el punto de vista de la extensión sonora comparado con el acordeón. En la puya vallenata el canto es un aporte negroide. Cuando los indios bajaban de la Sierra se encontraban con los negros quienes acompañaban sus cantos solamente con tamboras. Con el pasar del tiempo, la puya aborigen y los cantos negroides se fueron fusionando para formar la actual puya vallenata. A la llegada del acordeón, este ritmo era el más popular y por lo tanto fue el primero al que el acordeón se adaptó debido a la limitación sonora del carrizo. Debemos recalcar que debido a que al principio la puya era una imitación de cantos de animales por parte de los indígenas, la gran mayoría de las puyas vallenatas, a comienzos del siglo XX, hacían referencias a los animales, y fue después de la primera mitad del siglo que ellas tuvieron temas substancialmente distintos. Actualmente, la puya vallenata es la menos popular de los aires vallenatos. Como dice Egidio Cuadrado en uno de sus trabajos discográficos con Carlos Vives, "la puya es muy poco grabada dizque porque no se vende." Esto es comprensible ya que es un ritmo muy complejo; es demasiado rápido par ser comercializado y sus letras tampoco se prestan para ello. De todos modos aunque ya no se escucha, la puya es miembro indiscutible de los aires vallenatos y un buen acordeonero, cajero o guacharaquero debe saber interpretarla, de lo contrario sería un músico vallenato incompleto. SON

Desafortunadamente al igual que la puya este aire ya casi no se escucha. Son muy poquitos los trabajos discográficos actuales, por no decir ninguno, que tienen en su repertorio un son vallenato. Este es el ritmo más lento de todos, la ejecución de los bajos vallenatos en el acordeón cobra suprema importancia a tal punto que a veces se escuchan más los bajos que los pitos. Esta ejecución es tan compleja que se dice que el acordionista tiene que llevar dos ejecuciones al mismo tiempo, la de los bajos y la de los pitos. Algunos dicen que el son vallenato proviene del son cubano, pero si nos ponemos a analizar los patrones rítmicos de cada uno veremos que no hay ninguna relación entre los dos. El son vallenato es confundido con el paseo ya que el ritmo de los dos es muy parecido. Inclusive cuando la palabra paseo no existía, este mismo ritmo se denominaba son. Hubo una época entonces en que el son y el paseo eran la misma cosa. La diferencia se vino a ver después de que el acordeón remplazara a la guitarra en su interpretación. Así como el carrizo o gaita fueron los primeros instrumentos autóctonos en la puya y el merengue, para el caso del son y el paseo, la guitarra española fue la que jugó un papel fundamental. Cuando los españoles llegaron a América trajeron consigo sus décimas y otros estilos que son los antecesores del son y que eran acompañados con guitarras. A ésta se le sumó el tambor africano el cual más tarde se convertiría en la caja vallenata, y la guacharaca indígena. Cuando el acordeón llegó, la ejecución más notoria e individualizada de los bajos fue la que marcó la diferencia entre el son y el paseo. El son vallenato a diferencia del merengue y la puya, no estuvo presente en todas las subregiones del Valle de Upar. En un principio sólo se conoció en las zonas de Valledupar y en los pueblos a orilla del río Magdalena, zonas en las cuales la influencia europea era mayor, lo que justifica la teoría según la cual jugó el papel de las gaitas en el son. Los más destacables intérpretes de sones vallenatos fueron: Pacho Rada, Alejandro Durán, Juan Polo Valencia, Lorenzo Morales y Chico Bolaños. La época en la cual se compusieron la gran mayoría de los sones va desde 1920 hasta 1950. PASEO Musicalmente hablando "el paseo vallenato tiene una cuadratura de compás de cuatro tiempos, compás partido, compasillo y es fuertemente sincopado." Para su descripción es especialmente útil el concepto del folclorólogo costeño Manuel Zapata Olivella: “Los sucesos políticos, religiosos, amorosos, laborales, todos caben en estas narraciones musicalizadas que se 'publican' en las parrandas como se publicara un periódico y que vuelan de boca en boca de los cantadores populares, historiando de tal modo la vida emotiva de las contingencias alegres o tristes que llenan la existencia de los provincianos. Hermano del 'payador' pampero, del joropo de los Llanos, del raspado homérico, este cantador de paseos y merengues, compositor espontáneo que en la mayor parte de los casos no sabe escribir música ni leerla, deja en sus improvisaciones, a veces de desconcertante inspiración la historia lugareña que pasa por tradición oral de una generación a otra." Este es el paseo, narraciones musicales capaces hasta de erizarle la piel al provinciano que se identifica con él. El paseo deriva su nombre del hecho de danzar como si se paseara lo que es igual a andar al ritmo de la música, característica que se da a plenitud en la danza del paseo vallenato. Este aire fue de los últimos en ser interpretados por los instrumentos al mismo tiempo. Si bien la palabra paseo es relativamente nueva, tendrá máximo 60 años, el propio aire se venía interpretando desde mucho antes pero con el nombre de son.

Como vimos en la sección correspondiente al son vallenato, en un principio el son y el paseo eran la misma cosa. Su división se dio cuando estos empezaron a ser interpretados con el acordeón ya que el acordeonista utilizaba los bajos más en uno que con otro, y la ejecución de los pitos adquirió un ritmo menor en el caso del son. Vemos pues que el paseo vallenato en cuestión de rapidez del ritmo, este ocupa un lugar medio entre los aires vallenatos. Es más lento que la puya y el merengue pero es más rápido que el son. Sin embargo la misma velocidad del paseo puede variar; ahí es cuando hablamos del paseo rápido y el paseo lento. El rápido es algo difícil de distinguir del merengue, pero escuchando atentamente la ejecución de la caja se puede notar la diferencia. MERENGUE Este es el aire más polémico en lo que a orígenes se refiere. Muchos folclorólogos afirman que el actual merengue vallenato no es sino una adaptación del merengue proveniente de República Dominicana. Estas personas se basan en la similitud rítmica de estos dos géneros y en el uso de la misma palabra para designar estos dos ritmos. Precisamente esta similitud rítmica puede ser de gran ayuda a la hora de diferenciar el merengue de los demás ritmos o aires vallenatos. Entre los opositores de dicha teoría se encuentra el historiador Tomás Darío Gutiérrez quien textualmente afirma: "la historia es clara en afirmar que casi la totalidad de los primeros diez gobernadores de Santa Marta, por sólo hablar de los primeros diez, se dedicaron como forma aberrante de enriquecerse a enviar indios de esta gobernación para ser vendidos como esclavos en las Antillas, en donde la población aborigen había desaparecido por completo durante los primeros años de la conquista; de esta manera, chimilas, taironas, arahuacos y guajiros en número incalculable fueron trasladados como mercancía durante los siglos XVI y XVII a las mencionadas islas. Debe entenderse que así como los negros traídos a América como esclavos aportaron su cultura, los indios llevados desde la gobernación de Santa Marta hicieron lo propio en las Antillas, un fenómeno contrario no se ha conocido jamás. Por otra parte, notemos que los primeros negros que llegaron al nuevo continente a gran escala lo hicieron por el norte de Sur América, antes que llegaran a las Antillas, sucediendo lo mismo con el aporte de sus culturas. Es por esto que es ilógico afirmar que en Valle de Upar no hubo música hasta que ésta no llegó de las Antillas. En cuanto en el origen de la palabra merengue podemos basarnos en lo siguiente: a principios de la conquista, uno de los tantos grupos negroides traídos al Valle de Upar y en general al Caribe fue el de los muserengues. Esta era una cultura muy rica musicalmente hablando, y su aporte en los actuales ritmos caribeños es indiscutible. Para abreviar "los cantos de los muserengues" se llegó al vocablo merengue al designar el género musical de mayor diseminación y popularidad en el valle de Upar". La posible fase evolutiva del vocablo africano es la siguiente: muserengue, murengue y merengue. Musicalmente hablando "el merengue vallenato tradicional tiene una cuadratura - de compás de seis por ocho, un compás derivado ya que los compases originales son el de cuatro tiempos, el de tres y el de dos; desde este punto de vista dice el maestro Rafael Fernández Padilla- el merengue vallenato es el aire más complejo y a la vez el más original entre los cuatro tradicionales". Hablando de su localización en el tiempo y en el espacio es importante anotar que a diferencia de los demás ritmos cuyos orígenes estuvieron en determinadas subregiones del Valle de Upar, el merengue tiene sus raíces en todas y cada una de estas subregiones; desde Riohacha hasta los pueblos a orillas del Rió Magdalena, lo que hace al merengue el único aire que desde el origen perteneció y

caracterizó a todas la zonas por igual. De todas maneras, si bien hubo merengues en cada una de estas subregiones, éste no fue el mismo en todas ellas. En algunas regiones "merengue era jolgorio amenizado con tamboras y carrizos, en otros era sólo una determinada música obtenida con base en esta mima organología, y según algunas reminiscencias, existió también el merengue como especie de cantares claramente definidos". Al igual que la puya el merengue fue de los primeros ritmos en ser tocados con acordeón e igualmente su auge se dio en los primeros años del presente siglo. Sus mayores exponentes fueron Chico Bolaños, Octavio Mendoza y Chico Sarmiento. En lo que a las letras se refiere son muy pocas las veces en que éstas son románticas; la misma naturaleza del ritmo se presta muy poco para ello. La gran mayoría de los merengues describen situaciones vividas por el compositor o simplemente son dedicados a un amigo. Los merengues de ahora no tienen temas específicos, casi siempre son compuestos para el jolgorio del pueblo. En el aspecto comercial el merengue, junto con el paseo es el que más se graba y se vende, aunque en los últimos trabajos discográficos, en promedio por cada cuatro paseos hay un merengue.

NOTAS MUSICALES Bueno entremos un poco en materia musical. Conozcamos los sonidos o también llamadas notas musicales. Muchos de nosotros sabemos que existen siete nombres para las notas y son conocidas por todos como: DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI. Pero, en realidad existen 12 sonidos o notas. Analicemos este hecho con el siguiente ejemplo: De DO a RE se encuentra una distancia de un TONO De RE a MI se encuentra una distancia de un TONO De FA a SOL se encuentra una distancia de un TONO De SOL a LA se encuentra una distancia de un TONO De LA a SI se encuentra una distancia de un TONO Entonces en medio de cada uno de esos intervalos de un tono hay otro sonido. Este sonido intermedio tendrá el nombre de alguna de las dos notas entre las cuales se encuentre pero agregándole una alteración a dicho nombre por ejemplo: Si es el sonido que se encuentra entre DO y RE en el cual hay un tono se haya el sonido Do sostenido y en algunos casos, Re bemol; o si es el sonido o la nota que se encuentra entre FA y SOL será entonces FA sostenido.

Mas adelante el apartado de escalas veremos porque la cuestión de los dos nombres para el mismo sonido y cual debe ser el nombre adecuado según la teoría musical. Entonces recordemos que las siete notas musicales sin sus sonidos intermedios son DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI. Entre Do y Re; DO sostenido o RE bemol Entre Re y Mi; RE sostenido o MI bemol Entre Fa y Sol; FA sostenido o Sol bemol Entre Sol y La; SOL sostenido o LA bemol Entre La y Si; LA sostenido o SI bemol. Observen algo, no existe sonido o nota intermedia entre: Mi y Fa< y tampoco entre Si y Do. Esto se debe a que entre estas notas existe solo medio tono o un semitono. NOTACIÓN MUSICAL. La notación musical presentada aquí es algo que se debe aprender y dominar bien debido a que es el lenguaje universal para las notas musicales; así de esta manera no habrá nada extraño para ti cuando las veas más adelante. La notación internacional utilizada es la siguiente:

Existen otros signos que se le agregan a los nombres de las notas; recuerdas que hablamos en el apartado anterior de sostenidos y bemoles, pues bien estos se identifican de la siguiente manera:

Así una nota por ejemplo: Do sostenido seria C#. Re bemol seria Db. Más adelante cuando hablemos de modos Mayores y Menores veras una m minúscula para identificar a los menores, es decir: Do menor seria Cm. Si es un sostenido menor o bemol seria por ejemplo: Fa sostenido menor seria F#m. La bemol menor seria Abm. Re sostenido menor seria D#m. También puedes encontrar un 7 en el nombre de la nota, por ejemplo: Sol Séptima seria G7. La menor séptima seria Am7. ESCALAS BÁSICAS. Una escala se puede ver como una sucesión de notas en orden ascendente o descendente. La escala esta clasificada en dos modos: mayor y menor. Hablaremos de modos Mayores y Menores. Esta clasificación se la da el patrón de distancias entre las notas, empezando por la nota base. Antes de construir escalas veamos como se ubican todos los sonidos existentes, ya sabemos que son 12. De una nota a otra solo hay medio tono o un semitono.

Esta ubicación de todas las notas le llaman Escala Cromática. Donde están las dos notas ya saben que es un solo sonido pero que lo pueden llamar por alguno de los dos nombres, es decir si es el que esta entre D y E, se halla D# o Eb. Escalas mayores. Las escalas mayores constan del siguiente orden: Empezando por la nota base y sabiendo que son 7 notas)

Orden para la Escala Mayor. De la 1ª a la 2ª un tono De la 2ª a la 3ª un tono De la 3ª a la 4ª un semitono De la 4ª a la 5ª un tono De la 5ª a la 6ª un tono De la 6ª a la 7ª un tono De la 7ª a la 8ª un semitono No se confundan, la 8ª nota es la misma que la 1ª, siendo esta una octava mas aguda o dado el caso si es hacia atrás será una octava mas grave. Veamos un ejemplo: Si se quiere construir la escala mayor para C (do) es:

Observen la Escala Cromática, la de los 12 sonidos; recuerden que van de medio tono en medio tono, ahora miren la regla para mayores y comparen con la escala mayor de C. Ahora construyamos la escala para G Mayor, empezando desde la nota base (G), aplicamos la regla. Seria:

Recuerdan cuando hablamos de los nombres de las notas intermedias, los Sostenidos y Bemoles; cual nombre utilizar? Observen en la escala de G hay un Fa Sostenido (F#). Bien ya conoces la regla para mayores, hay tienes la escala cromática de todos los sonidos, ahora a trabajar, ves sacando otras escalas mayores por ejemplo la de D, la de F, la de A.

Escalas menores. La regla para escalas menores es la siguiente:

Orden para la Escala Menor De la 1ª a la 2ª un tono De la 2ª a la 3ª un semitono De la 3ª a la 4ªun tono De la 4ª a la 5ªun tono De la 5ª a la 6ªun semitono De la 6ª a la 7ªun tono De la 7ª a la 8ªun tono Recuerden que la 8ª es la misma 1ª siendo mas aguda o mas grave si escala es descendiendo. Bien ahora construyamos una escala por ejemplo la de C menor; guiándonos por la regla seria:

Construyamos la de A menor y seria así:

Observen que las notas de la escala de A menor son las mismas para C mayor, esto es debido a que uno es relativo del otro, algo así como si fueran hermanos. Si construyeran la escala para E menor serian las mismas notas de la escala de G mayor, claro empezando por E, igual uno es relativo del otro. El buen uso de una escala le da el aire de esta, aunque C mayor y A menor tengan las mismas notas la forma como encadenen una nota con la otra ayudara mucho en una melodía, sea mayor o menor.

Nota: La anterior regla para construir escalas menores, cabe resaltar que es para Escala Menor Natural. También existen Menor Armónica y Menor Melódica; es una pequeña variación que le hacen en el orden de las notas, pero vamos a quedarnos con la Escala Menor Natural. ESCALAS COMBINADAS. A Continuación te enseñaremos dos tipos de escalas combinadas (con dos cuerdas al tiempo) que son muy utilizadas en el vallenato:

Escalas terceras. Se es denomina escalas terceras por tener un intervalo de 3 grados partiendo de la nota mas grave a la mas aguda. Se utiliza con más frecuencia en la primera y segunda cuerda; y en la segunda y tercera cuerda.

Escalas sextas. Se les denomina escalas sextas por tener un intervalo de 6 grados partiendo de la nota mas grave a la mas aguda. Se utiliza con mas frecuencia en la primera y tercera cuerda; y en la segunda y cuarta cuerda. FORMACIÓN DE ACORDES. Un acorde es la reunión o el sonar de varias notas al tiempo. Los acordes son utilizados para acompañar una canción. Existe una diversidad de acordes pero solo vamos a ver los mas utilizados, generalmente el vallenato trabaja con acordes naturales Mayores y Menores, claro que si aparece un acorde cualquiera se les hará saber.

Acordes triadas mayores. Para formar un acorde o también llamado tríada mayor hay que tener como base la escala mayor para dicho acorde, luego se toman la 1ª, 3ª y 5ª nota de dicha escala y esta serán las notas para formar el acorde. Formemos el acorde de C Mayor: Como ya sabemos en el apartado anterior la escala mayor para C, tomamos la 1ª [C], la 3ª [E] y la 5ª [G].

Acordes triadas menores. Un acorde menor se forma al igual que uno mayor con la 1ª, 3ª y 5ª nota de su escala menor. Formemos el acorde de A Menor, recordemos el orden de la escala para A menor:

A-B-C-D-E-F–G

1ª [A], 3ª [C], 5ª [E].

CUADRO DE TONALIDADES. Vamos a empezar a tocar una canción, pero ¿qué acordes lleva dicha canción, ¿a cual acorde debo pasar en un momento determinado?. Partes de estas interrogantes las responderemos a continuación. Cualquier pieza musical tiene un Tono o Tonalidad de guía, es algo así como la altura al cual se interpreta o se canta dicha canción. Para encontrar el TONO de una canción la única regla que conocemos es el oído, así que mi gente a limpiarse bien ese oído y a prestarle buena atención a lo que escuchen. Una vez que hayamos encontrado el tono de una pieza, debemos tener presente que existen otros acordes que acompañan a ese tono en el recorrido de la canción. Ahora veremos un cuadro de donde están los tonos con sus respectivos acordes acompañantes, aquí los ubicaremos por grados, no te preocupes es una ubicación en el cuadro para referenciarlos en forma general.

Los nombres para cada grado son los siguientes:

A menudo al IV grado se le llama también tercera y al V grado segunda. Por ejemplo, la segunda posición de DO viene siendo SOL; a su vez la tercera posición de DO viene siendo FA. (Observa el recuadro de arriba) Pero, no te recomendamos que utilices esta terminología ya que si alguna vez te profundizas más en el estudio de la teoría musical, te sería un tanto confuso. El VI grado es el llamado "Relativo Menor". También existe un cuadro para tonalidades menores.

Algunos acordes en el trascurso de una canción se pueden modificar para darle riqueza armónica la pieza; por ejemplo algunos mayores se convierten en menores, los menores en mayores, se agregan las séptimas, las disminuidas, etc.

Esto al principio puede que sea un poco confuso, pero no se desesperen. Paciencia, paciencia, puesto que esto lo veremos en la practica. PREPARACIONES. Cuando estamos tocando una canción, antes de pasar de un acorde a otro podemos utilizar un acorde que nos sirva de puente o de enlace para otro acorde, a esto se le llama acorde preparativo.

¿Cómo saber cual se puede utilizar? Supongamos que están tocando en tono de C y van a pasar a G, antes de pasar a G podemos utilizar un acorde preparativo que en este caso seria D, ya sea en modo Mayor o Menor, a veces mas se utilizan los mayores; y también como séptima es decir en este caso D7. Algo en lo que queremos puntualizar es al hecho de que no es una regla única y sin excepción el utilizar acordes preparativos. En algunos casos utilizar estos acordes suenan bien y se pueden emplear. En otros casos, el emplearlos como que no entran en la armonía. Entonces al acorde que utilizamos para pasar a G fue D, el acorde preparativo para G es su propia Dominante (V Grado) en este caso D. Observen el cuadro de acordes mayores para G. Así seria con todos los acordes a los cuales vamos a cambiar, busquen su propia Dominante y ese es el preparativo de el. Para C se utiliza G Para D se utiliza A Para E se utiliza B Para F se utiliza C Para G se utiliza D Para A se utiliza E Para B se utiliza F# SÉPTIMAS. No entraremos en muchos detalles referente a este tema, ya que la cuestión de las séptimas es algo un poco mas extenso. Simplemente nos limitaremos a lo básico. Si recordamos las escalas, en ellas nos damos cuenta que la ultima nota de una escala es el VII grado o la 7ª (séptima). Por ejemplo en la escala de C la 7ª nota seria B. Bien para crear un acorde con séptima se le agrega esta nota "sensible" a dicho acorde, en el caso de C, quien está compuesto de las siguientes notas C - E - G, se le agrega B (VII Grado) como la séptima. Pero, hay una interrogante, ¿se le agrega B o Bb?. Bueno entonces hablemos de:

Septima mayor y septima menor.

No vayan a pensar que son acordes en modo Mayor o Menor. No, lo que pasa es que si se agrega la nota 7ª de la escala esta se dice que es 7ª Mayor y cuando se agrega la nota 7ª bajándole medio tono es decir 7ªb, séptima bemol, se dice que es menor, expliquemos prácticamente.

Esta es la escala para C Mayor: C-D-E-F-G-A-B Si agregamos la 7ª de la escala en este caso B sin ninguna alteración seria 7ª Mayor en este caso para el acorde se forma con C - E - G - B, y se escribe así Cmaj7 y se lee Do séptima mayor. Ahora si se le agrega la 7ª en bemol, es decir Bb se formaría el acorde con C - E - G - Bb, y se escribe C7 y se lee Do séptima menor o también Do séptima. Ejemplos de como utilizar estos acordes en una pieza, pueden ser cuando estamos en C como la tonalidad de una canción: Se utiliza C7 para pasar al acorde de F Se utiliza Cmaj7 para pasar al acorde de G Noten que si agregan séptima mayor esta se encuentra medio tono atrás del tono principal, descendiendo por la escala, y si agregan séptima menor esta se encuentra un tono atrás del tono principal, descendiendo por la escala. Ahora es mas fácil encontrar la Séptima de cualquier acorde con lo que te dije anteriormente solo descendiendo en la escala. Si se quiere encontrar la Séptima de G pensemos en un tono atrás, y seria F, bien esa es la que hace séptima a G. Generalmente utilizamos solo acordes con séptima menor y no se dice séptima menor, simplemente séptima. D7, A7.

Séptima como acorde. Bueno ya vimos como se agregan una séptima como nota a un acorde, ahora se da el caso de que en vez de agregar la nota séptima simplemente, se toque el acorde completo. Ejemplo si estamos en C se da el caso de que se pueda tocar Bb como acorde , bueno no es todas las veces si la melodía requiere ese acorde se puede interpretar. Hay muchas canciones que colocan el acorde completo de la séptima, y es un acorde que no esta en el cuadro de acorde ni en la escala, pero como es la séptima y así es la música. TRANSPORTAR UN TONO. Cuando se hace transposición o cambio de tono de una canción, solo estamos trasladando del tono original en que se encuentra dicha canción a otro tono o tónica; pero la relación de los grados de la tónica nueva debe ser igual a la relación que mantenía la tónica original, además su estructura melódica tampoco debe cambiar.

Las razones por la que se requiere cambiar el tono o hacer una transposición pueden ser: 1) Nuestra voz no alcanza o no puede registrar la altura de la canción original o por el contrario nos queda demasiado baja el tono de la canción y toca subirle de tono. 2) Buscar una mejor sonoridad en nuestro instrumento al igual que en nuestra voz. Ejemplo: Deseamos cambiar la tónica de una canción que esta en A mayor, los acordes utilizados en la canción son: A, F#m, D, E. Miremos el cuadro de acordes que estudiamos en la sección de Armonía.

A = Grado I F#m = Grado VI D = Grado IV E = Grado V Queremos cambiar al tono de C mayor, busquemos esos mismos grados para C. Grado I = C Grado VI = Am Grado IV = F Grado V = G

Estos serán los acordes a utilizar para el tono de C mayor: C, Am, F, G. Nota: Cabe resaltar que NO puedes transportar una canción de un tono en Modo mayor a un tono en Modo menor y viceversa.

NOTAS EN EL ACORDEÓN INDENTIFICACIÓN DE LOS BOTONES.

Acordeón en tono GCF:

Acordeón en tono ADG:

Acordeón en tono BEbAb (cinco letras):

DIAPASÓN.

Como podra observar, en cada una de estas graficas de acordeones hay tres botones en la parte superior resaltados con color amarillo, estos son los Disonantes. Son notas auxiliares que se usan para completar ciertas melodías o para hacer adornos melodicos. Observara tambien unos botones resaltados en color verde, estos corresponden a la primera y segunda octava en cada hilera. Las notas de color negro se tocan cerrando el fuelle y las notas de color rojo, abriendo el fuelle. Los botones con color blanco, son notas que complementan las escalas en cada hilera. Recordemos que a los acordeones se les denomina de acuerdo con las letras correspondientes a sus tres tonalidades mayores naturales empezando desde la más baja o grave hasta la más aguda.

v ADG (La Re Sol) v GCF (Sol Do Fa) v BbEbAb (Sib Mib Lab)

En este tipo de acordeones, ademas de los tres tonos mayores, tienen dos tonos menores úbicados en la primera y segunda hilera:

A / B menor

G / A menor

B / C menor

D / E menor

C / D menor

Eb / F menor

G/

F/

Ab /

El tono menor en la primera hilera es completado en la segunda hilera. El tono menor en la segunda hilera es completado en la tercera hilera. Al no haber cuarta hilera, no se podria completar un tono menor de la tercera hilera, por este motivo no hay tono menor en la tercera hilera. Formación de acordes. Como en todo instrumento musical, en el acordeón se pueden formar acordes como terceras, sextas, octavas, etc. Los cuales ayudan a armonizar mejor las canciones. En el siguiente vinculo encontrara el acceso al Software Sr. Maestro en el cual es descrito de una manera muy sencilla todo lo referente a esta sección del curso.

BAJOS.

Los botones resaltados con color verde corresponden a los bajos de la tercera hilera, 1 y 2 para tonos mayores, 3 y 4 para tonos menores. Los botones resaltados con color amarillo corresponden a los bajos de la segunda hilera, 1 y 2 para tonos mayores, 3 y 4 para tonos menores. Los botones resaltados con color azul corresponden a los bajos de la primera hilera, 1 y 2 para tonos mayores, 3 y 4 para tonos menores. Normalmente se comienza tocando el boton inferior, ya sea, 1 ó 3. Dependiendo como ya lo dijimos si estamos tocando una canción en tono mayor o tono menor. Otros prefieren comenzar por el 2 ó 4. La alternancia de los bajos esta sujeta al ritmo ejecutado, el cual sera descrito a continuación.

LOS RITMOS VALLENATOS. Son: Pulsamos el botón 1 y a continuación el 2 ó comenzando por el 3 y a continuación el 4. Como dijimos anteriormente “dependiendo del tono en que estemos tocando”. O como los prefieren otros, comienza pulsando el 2 y a continuación el 1, o el botón 4 y acontinuación el 3. Un, dos, Un, dos, Un, dos, Un, dos……………

Paseo: Pulsamos el botón 1 y a continuación el 2 tres veces ó comenzando por el 3 y a continuación el 4 tres veces. Como dijimos anteriormente “dependiendo del tono en que estemos tocando”. O como los prefieren otros, comienza pulsando el 2 y a continuación el 1, o el botón 4 y acontinuación el 3. Un, dos, tres,,,cuatro, Un, dos, tres,,,cuatro, Un, dos, tres,,,cuatro………

Merengue: Pulsamos al timpo los botones 1 y 2, y a continuación dos veces el 2 ó comenzando por el 3 y 4, y a continuación dos veces el 4. Como dijimos anteriormente “dependiendo del tono en que estemos tocando”. Tambien lo podriamos hacer pulsando primero el boton 1 y a continuación el 2, repitiendo tres veces para formar un ritmo ¾. O como los prefieren otros, comienza pulsando el 2 y a continuación el 1, o el botón 4 y acontinuación el 3, repitiendo tres veces para formar un ritmo ¾. Un, dos, tres, Un, dos, tres, Un, dos, tres, Un, dos, tres,………………..

Puya: Lo ejecutamos con la misma estructura del merengue pero un poco más rápido.

Un, dos, tres, Un, dos, tres, Un, dos, tres, Un, dos, tres,………………..

EL METODO El método para aprender las canciones incluidas en este curso es muy sencillo, esta basado en tablaturas, tomando como referencia la siguiente grafica del diapasón.

Un 12C, nos indica que pulsamos el botón número 12 de la hilera 10, fuelle cerrando. Un 15Cx3, nos indica que pulsamos el botón número 15 de la hilera 10, tres veces, fuelle cerrando. Un 12A, nos indica que pulsamos el botón número 12 de la hilera 10, fuelle abriendo. Un 15Ax3, nos indica que pulsamos el botón número 15 de la hilera 10, tres veces, fuelle abriendo. Un (12, 13)C, nos indica que pulsamos al tiempo los botones 12 y 13 de la hilera 10, fuelle cerrando. Un (12, 13)Cx2, nos indica que pulsamos al tiempo los botones 12 y 13 de la hilera 10, dos veces, fuelle cerrando. Un (22, 23)A, nos indica que pulsamos al tiempo los botones 22 y 23 de la hilera 20, fuelle abriendo. Un (22, 23)Ax2, nos indica que pulsamos al tiempo los botones 22 y 23 de la hilera 20, dos veces, fuelle abriendo. Un (15, 36)C, nos indica que pulsamos al tiempo los botones, 15 en la hilera 10, y 36 en la hilera 30, fuelle cerrando. Un (15, 36)Cx4, nos indica que pulsamos al tiempo los botones, 15 en la hilera 10, y 36 en la hilera 30, cuatro veces, fuelle cerrando. Un (15, 36)A, nos indica que pulsamos al tiempo los botones, 15 en la hilera 10, y 36 en la hilera 30, fuelle abriendo. Un (15, 36)Ax4, nos indica que pulsamos al tiempo los botones, 15 en la hilera 10, y 36 en la hilera 30, cuatro veces, fuelle abriendo. Cabe anotar que las pisadas ejecutadas serán las mismas para cualquier tono de acordeón, ya que por la configuración de estas, los tonos quedan transportados automáticamente.