Tema 10 Arte Renacentista y Manierista

[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO TEMA 9. ARTE RENACENTISTA Y MANIERISTA.

1. INTRODUCCIÓN AL RENACIMIENTO.

Los mismos escritores y artistas del siglo XV llamaron Renacimiento a la vuelta y la recuperación de los valores formales y espirituales presentes en la Antigüedad Clásica (Grecia y Roma). Fue un fenómeno global, que afectará a todos los órdenes de la vida: política, religión, economía, sociedad y, por supuesto, arte y cultura. Según Vasari, era la época de la Rinascità.

 CRONOLOGÍA Surgió en algunas ciudades italianas, para extenderse, sobre todo desde el XVI, a países como Francia o España, y se dividió en dos siglos: el siglo XV, denominado Quattrocento (los años mil cuatrocientos) y el XVI, el Cinquecento. En el último tercio del XVI aparece el llamado Manierismo, un lenguaje artístico que será transición al Barroco.

En cuanto a los valores espirituales que marcan esta época, aparecen aquellos marcados por un profundo Humanismo, es decir, el estudio de las Humanidades y las Ciencias, perfeccionando la naturaleza humana. En este sentido, será una época que avance sobre el Teocentrismo y marque el Antropocentrismo (El ser humano es el centro de todas las cosas): el ser humano no es ahora un pecador ni un súbdito de Dios; es un ser que, si bien creado por Dios, tiene independencia para ser, vivir y crear, y para cuestionarlo todo desde la Razón. La Reforma Protestante y la aparición de la imprenta y la difusión cultural serán los motores del cambio.

Asimismo, la Naturaleza en la que se desarrolla el ser humano también le hace libre; está creada para ser disfrutada y vivida, dentro de la actitud de “aprovechar el momento” ( Carpe Diem). Sin embargo, no hay que olvidar que la cultura renacentista es profundamente religiosa, aunque mucho más abierta que en la época medieval. Los avances geográficos, el nacimiento de los Estados Modernos, los grandes descubrimientos, la explosión de la ciencia, ven nacer la llamada Edad Moderna, caracterizada por revisar todos los planteamientos anteriores.

Sobre los valores formales, y, gracias a los descubrimientos arqueológicos, es la Antigüedad la que inspira directamente al arte del momento, visionada desde una óptica científica y matemática. Por ello, es momento ahora también del desarrollo de una importante

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO Tratadística y el estudio de los autores clásicos (ediciones del “Libro de Arquitectura” del romano Vitruvio).

En este sentido, es la ciudad de Florencia la pionera, puesto que vive una importante recuperación económica tras la Peste Negra (comercio, banca…). La Academia Platónica de Florencia se encargará de promover la nueva concepción de la vida y, por tanto, del Arte. El Arte se vio favorecido por la labor de las clases poderosas: el mecenazgo y patrocinio de obras, bien por el interés personal sobre artes y letras, bien con un sentido propagandístico y político. Así, además de la monarquía y la Iglesia, nobles y burgueses se convertirán en “protectores” del artista y su actividad. El mismo artista, por tanto, ve cómo el Antropocentrismo marca también su rol en sociedad: se convierte en un genio y la actividad artística, en un proceso intelectual, más allá de la pura mecánica.

En cuanto a la función del Arte, ésta también se ve afectada por las corrientes humanistas: el Arte debe retratar a ese ser humano y a la Naturaleza (mímesis), con lo que el retrato y el paisaje adquieren una importancia como temas en sí mismos, reforzados además por los tratados de proporciones del cuerpo humano y las leyes de perspectiva. En el caso del cuerpo humano, éste volverá al canon de las ocho cabezas de Lisipo y su altura corresponderá a la medida de sus brazos extendidos (Hombre de Vitruvio). En cuanto a la perspectiva, ésta se convertirá en el único aspecto en el que los artistas del Quattrocento creyeron superar a los clásicos.

2. EL QUATTROCENTO ITALIANO. ARQUITECTURA: BRUNELLESCHI Y ALBERTI. ESCULTURA: DONATELLO Y GHIBERTI. PINTURA: FRA ANGÉLICO, MASACCIO, PIERO DELLA FRANCESCA Y BOTTICELLI.

La Italia del Quattrocento aparece dividida en ciudades-estado regidas por príncipes autoritarios que serán importantes mecenas de Arte: los Montefeltro, los Malatesta, Los Sforza, los Gonzaga, los Médici o la Corona de Aragón en Nápoles. Figuras políticas que verán en las nuevas figuras artísticas un respaldo para superar definitivamente el Gótico, al que en esta época se le otorga el nombre, en sentido peyorativo. Que nazca el Renacimiento en Italia no es casualidad: es allí donde pervive la impronta de los clásicos. Florencia resurge como el centro cultural y artístico más importante.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO A. ARQUITECTURA DEL QUATTROCENTO: BRUNELLESCHI Y ALBERTI.

 Características Generales

 La arquitectura se basa en la geometría, la proporción y el módulo. Para ello, se retoman los órdenes clásicos, especialmente el corintio. Estos órdenes, aparecerán superpuestos en pisos. El Tratado de Arquitectura de Vitruvio, del siglo I a.C, fue el único superviviente de los libros que de arquitectura se leyeron en la Antigüedad. A esto se le unen los estudios de perspectiva y matemáticas que ahora escriben Piero della Francesca o León Battista Alberti.

 Las tipologías más difundidas serán las iglesias y los palacios, adaptados a los modelos de templos y palacios de la Antigüedad. Resurgen las villas campestres, un tipo de edificio que en la Edad Media desapareció prácticamente.

 En cuanto a las plantas de las iglesias, hay un importante debate entre utilizar el plan central (más acorde con la idea platónica de perfección) y las longitudinales (basilical, cruz latina). Se utilizarán ambas, debido a la necesidad de adaptarse a la liturgia.  Es de nuevo el arco de medio punto en más utilizado y, como cubiertas, las bóvedas de cañón y techumbres planas en madera; pero, sobre todo, destaca la sistemática utilización de la cúpula.

 Existe un elegante sentido decorativo en los edificios: desde el almohadillado exterior, los frontones triangulares y semicirculares, los medallones, las guirnaldas, o los grutescos (figuras). También el empleo de mármoles de distintos colores contribuye a este sentido en algunas zonas.

 FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-1446):

Inicia su formación como escultor y orfebre, participando en el famoso concurso para realizar las segundas Puertas del Baptisterio de Florencia, que al final adjudican a Ghiberti. De formación clásica, gira su actividad hacia la arquitectura, participando en la nueva imagen que

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO Florencia, bajo la gestión de los Médici, quiere obtener en pleno siglo XV. Su lenguaje personal proviene del uso de elementos clásicos, de la proporción y el módulo y de la perspectiva, en una armonía visual de las masas en el espacio según las leyes ópticas.

a) Cúpula de Santa María dei Fiore (Catedral de Florencia). 1420-1436. Le adjudican la obra por concurso, de nuevo ante una candidatura de Ghiberti, que en este caso no es aceptada. La solución arquitectónica que planea sobre la catedral es un sistema estructural autoportante, superponiendo dos cúpulas sobre el tambor octogonal, en el que aparecen ojos de buey, y dejando una cámara entre ellas, afianzada por un encofrado. La cúpula se va cerrando a medida que se construye. Se aligera la superficie y aumenta así la altura (56 metros), bajo una forma peraltada, que no rompa con la construcción gótica. Sobre ella, una linterna para dar luz cenital (como en el Panteón de Roma), coronando la gran cúpula roja de nervios blancos. Este momento de construcción de la cúpula es para muchos el nacimiento del Renacimiento. La obra final fue alabada por Alberti, que la comparó con un gran “paraguas” sobre Florencia y por Vasari, que lo hace con una “firme colina”. El objetivo de realizar la obra más bella de la Toscana fue cubierto. La catedral la comienza a construir Arnolfo di Cambio en el siglo XIII, con la clásica división entre duomo, campanile y baptisterio, típica del gótico en Italia.

b) Hospital de los Inocentes (1419-1424): La fachada destaca por el pórtico de arcos de medio punto y cubiertas abovedadas que destacan por la armonía visual y la perspectiva. Como único elemento decorativo, los tondos entre arcos que incluyen a inocentes en actitud de pedir, sobre fondo azul.

c) Iglesia de San Lorenzo en Florencia (1421-1428): Incluye la Sacristía Vieja, una capilla funeraria para los Médici, y la Sacristía Nueva, realizada ya en el Cinquecento por Miguel Ángel, a ambos lados del altar. De planta longitudinal, destaca en ella la perspectiva conseguida desde el pavimento hasta la cubierta de casetones, arcadas de medio punto sobre columnas de fuste liso con capitel corintio y, sobre él, un cimacio y cornisa rematando y reforzando la sensación de altura. Las naves laterales se cubren con bóvedas, y la iluminación aparece por los ojos de buey. La separación entre columnas sigue un módulo, con lo que el sentido de la proporción es latente. Es, por tanto, una revisión del lenguaje clásico. Para la Sacristía Vieja, emplea la cúpula como cubierta, siguiendo el plan centralizado.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO d) Iglesia del Santo Spirito (1444-1446): Terminada por otros arquitectos a su muerte. Sigue esquemas parecidos a San Lorenzo. De nuevo, aparece un sentido de la perspectiva que conduce todos los puntos al altar. Arcadas de medio punto y columnas clásicas que llenan de elegancia el interior.

e) Capilla Pazzi (1429): Claustro de la Santa Croce. Capilla funeraria para los Pazzi. Resume el ideal clasicista de Brunelleschi, desde el pórtico con columnas corintias a la cúpula sobre pechinas. El recurso de utilizar la pietra serena (grisácea) con el paramento de estuco blanco refuerza la simplicidad buscada por el arquitecto. En el interior, la misma alternancia cromática de los materiales organizan el espacio, decorado por sus característicos medallones con fondos en azul. Sirve de inspiración para la Sacristía Nueva de Miguel Ángel en San Lorenzo.

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Palazzo Pitti (1458): Se siguen los diseños de Brunelleschi, pero el palacio se construye años después de su muerte. Concebido como una gran masa urbana, de la que destaca el bugnato o almohadillado, aligerado conforme suben los pisos; se articula en una fachada de tres pisos, en los que aparece una decoración rítmica de elementos (arcos de medio punto, frontones triangulares, vanos). La sucesión de arcadas recuerda a un acueducto romano. Terminado en otras fases por otros arquitectos.

 LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472):

Representa el concepto renacentista y humanista de genio polivalente (arquitecto, tratadista, deportista, ingeniero, pintor…). Defensor del trabajo intelectual del arquitecto en su obra “De re aedificatoria”, llegando a ser considerado el Vitruvio de la Edad Moderna.

a) Palacio Rucellai (1446-1451): Prototipo de la mansión urbana. Distribuida en tres pisos con arcadas, divididas por pilastras. hay una reminiscencia hacia el Coliseo romano. La mansión debía simbolizar el carácter pacifista de la república o los principados, no siendo ostentosas en apariencia. Una cornisa remata la composición.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO b) Fachada de la Iglesia de Santa María Novella (1456-1470): Las iglesias también deben manifestar su orden dentro de la ciudad. Dentro de sus primeros trabajos, Alberti cierra edificios góticos con fachadas renacentistas. Es una fachada de proporciones perfectas: la proporción aúrea. El módulo es el cuadrado, apareciendo dos en el piso inferior, y uno en el superior, que además aparece retrasado y rematado con frontón triangular. Se disimula así la diferencia de altura entre naves. Uniendo piso superior con el inferior, dos consolas, con forma de volutas. Se emplea la alternancia de color (mármoles). El rosetón es testimonio del Gótico.

38 c) Templo Malatestiano (1447-1450): En Rímini, para el condottiero Segismundo Malatesta, gobernante de la ciudad. La fachada se diseña a modo de arco de triunfo clásico, siendo un edificio que, más que una iglesia, es un homenaje al gobernante tras su muerte. El arco de triunfo es de tres vanos, dos de ellos ciegos, y con decoración geométrica, así como óculos en la fachada. Los laterales recuerdan a los templos clásicos.

d) Iglesia de San Andrés de Mantua (1470): El único edificio religioso que Alberti diseña en su totalidad. Fachada e interior serán de gran influencia para el Renacimiento y el Barroco (será el modelo de la Iglesia de la Contrarreforma y precedente de la Iglesia del Gesú de Vignola), introduciendo la iglesia de nave única, con capillas laterales entre contrafuertes. En la fachada, de nuevo el frontón triangular clásico y articulan el espacio las pilastras, apareciendo cuatro de orden gigante. El templo aparece sobre podio. En el interior, la bóveda con casetones parece la continuación de los que aparecen en la portada de la fachada.

B. ESCULTURA: DONATELLO Y GHIBERTI.

 Características Generales

 Los materiales con los que trabajan los artistas del Quattrocento son diversos (mármol, barro cocido, bronce, madera…)

 Se realiza tanto escultura en bulto redondo como relieves.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO  Son esculturas idealizadas, en sintonía con la plástica clásica, en las que hay una constante búsqueda de proporción y volumen, llegando a ello desde perfectos estudios anatómicos.

 La idea de genio y la revalorización de la individualidad del artista hará que éste se sienta creador, dándole más valor a la obra escultórica en sí misma, no como complemento de otras artes.

 Son composiciones equilibradas y armónicas, en una búsqueda constante de la belleza.

 Temática: Se continúa con los temas religiosos, dándoles ahora importancia a temas nuevos, como el retrato (bustos) o la aparición de los desnudos. La mitología vuelve a ser protagonista de la plástica renacentista. Aparecen también los retratos ecuestres, retomados de la Antigüedad y, por último, los temas funerarios, en sepulcros adosados al muro o sarcófagos exentos.

 En general, e independientemente del tema, el objetivo de la escultura será la glorificación del ser humano (antropocentrismo).

 LORENZO GHIBERTI (1378-1455):

La Historia del Arte sitúa a Ghiberti, en escultura, a Brunelleschi, en arquitectura y a Masaccio en pintura como los precursores del Renacimiento en Italia. Orfebre y escultor apegado al gótico, su actividad se revaloriza cuando en Florencia, que había sido devastada por la Peste Negra, se decide conmemorar su fin, convocando a los artistas fiorentinos para la realización de una obra. Así, Ghiberti se presenta al concurso para realizar unas puertas en bronce para el Baptisterio de Florencia, dedicado a San Giovanni, en el año 1401, ganando a siete candidatos y en la fase final, a Brunelleschi.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO a) Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia (1402-1424): Puerta norte. En el contrato se estipulaba que se siguiese el trazado gótico de las primeras, elaboradas por Andrea Pisano. El tema elegido será el “Sacrificio de Isaac” y una premisa: realizarla bajo un marco tetralobulado , teniendo un plazo de un año. La propuesta de Ghiberti resultará la más adecuada, al aparecer más integrada en el espacio y al mostrar una ejecución más clásica de las figuras, y un perfecto dominio del bronce. De ella, el cuerpo de Isaac parece un bulto redondo dentro del relieve. La de Brunelleschi resultó menos ortodoxa, con escorzos más violentos, persiguiendo el dramatismo (En la actualidad, ambas están en el Museo Bargello) La configuración final de las puertas se establece desde veintiocho escenas, estando ocho dedicadas a los evangelistas y doctores de la Iglesia; veinte dedicadas al Nuevo Testamento, sobre fondos marcados por el paisaje. Cada cuadrado encierra a pocos personajes, pero de gran factura y originalidad. Le ayudan en el taller escultores como Donatello.

b) Terceras Puertas del Baptisterio o Puerta del Paraíso (1425-1452): Puerta Este. Recibe el encargo al año de entregar las anteriores. En este caso, hay ya un pleno estilo renacentista, para él “la más extraordinaria y realizada con la máxima inventiva”. Diez escenas en las que trabaja temas del Antiguo Testamento, desde la perspectiva lineal en la composición, o la ejecución técnica desde el schiacciato (“aplastado”). Son grandes escenas, separadas por orlas o galería de personajes (sibilas, profetas…). Los fondos son bajorrelieves o relieves pictóricos, conectando también con los relieves de columnas conmemorativas clásicas, intercalándolos con altos relieves, otorgando así profundidad. Él mismo declara en su obra “Comentarios” que en algunas escenas hay más de cien figuras y que ha utilizado recursos de óptica en ellas (efectismo), y que se ha esforzado en imitar a la Naturaleza hasta el extremo. Fue Miguel Ángel quien, al contemplarlas, dijo que debían ser las puertas de entrada al Paraíso.

 DONATELLO (1386-1468):

Fue considerado por sus contemporáneos como el gran innovador en materia de escultura, siendo el perfecto traductor, en piedra o bronce, de los ideales del Humanismo y el retorno a la Antigüedad. Realizará la síntesis entre el equilibrio clásico y la espiritualidad moderna, llegando a destacar en la profundidad psicológica. De sus etapas como escultor, destacan tres: una de adolescencia en Florencia; otra de madurez en Padua y el regreso a su ciudad, destacando por trazar figuras más expresivas y nerviosas.

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a) San Jorge (1415-1417): Iglesia de Or San Michele, Florencia. Realiza además un San Marcos. Realizada en mármol, destaca por la expresividad del rostro y la valiente pose, a modo de emperador romano, sobre pedestal tallado. Un fuerte realismo que se acompaña por un bajo relieve de San Jorge venciendo al dragón, con técnica del schiacciato (sucesión de planos aplastados), del que destaca la factura del caballo. Museo Bargello.

38 b) Cantoría de la Catedral de Florencia (1433): Tribuna situada frente a otra, realizada por Luca Della Robbia. (Ambas en el Museo de la Ópera del Duomo). En ellas se situaban los niños cantores de la Catedral. Se combina la arquitectura, el relieve y el mosaico policromado y toda la estructura se soporta por ménsulas. Los niños son “puttis” desnudos y alados, de tradición clásica, en actitudes llenas de movimiento.

c) Anunciación de la Santa Croce de Florencia (1435-1440): Altar de piedra caliza policromada y dorada (tabernáculo). Destaca la factura melódica y comunicativa entre las figuras; la Virgen parece haberse asustado y el Ángel parece pedirle disculpas. Aparece la técnica del paño mojado (los cuerpos desnudos parecen intuirse). El marco está decorado con motivos geométricos y aparecen a ambos lados dos columnas con capiteles decorados por máscaras.

d) David (1440): Museo Bargello. Bronce. Encargado para decorar la Villa de los Médici. Es la primera figura desnuda del Renacimiento. Fundida de una sola pieza, se trata de una exaltación de la belleza ambigua y de la adolescencia, desde un punto de vista clásico. No es un David heroico ni orgulloso por haber matado a Goliat, sino más bien, aparece más orgulloso de sí mismo. El modelado es suave, aparece un fuerte contraposto (curva praxiteliana), y se cubre por sombrero y botas a la usanza del XV fiorentino. Tamaño natural. Aparece pisando la cabeza de Goliat, con la espada con la que le ha degollado y la piedra con la que lo hirió.

e) El Condottiero Gattamelata (1447-1453): Bronce. Su fuente de inspiración es el retrato ecuestre de Marco Aurelio. Se ubica en la Plaza del Santo en Padua. Según Vasari, es una de las mejores obras “de la Antigüedad. Es una de las primeras estatuas ecuestres desde la Antigüedad. Aparece bajo un tratamiento sereno y con profundidad psicológica; el caballo parece sometido al jinete. Ensalza la labor

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO militar del Condottiero. Presenta deformaciones pensadas para corregirse con la vista humana, que la observa desde abajo.

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Profetas Habacuc y Jeremías (años 30): Para el Campanario de la Catedral de Florencia. De profundo tratamiento psicológico y tormento interior, y un importante tratamiento de los paños.

g) Magdalena Penitente (1453): Para el Baptisterio de Florencia. En el Museo de la Ópera del Duomo. Donatello se inspira en la Leyenda Dorada (Della Vorágine), donde narra el retiro de María Magdalena, posiblemente a Francia, en una vida ascética. En madera policromada, se representa el dolor, la angustia y la vejez (no hay nada de idealización), en un perfecto estudio anatómico. El rostro deja ver el paso del tiempo (aparece mellada, ojos rehundidos), así como la descuidada melena. Anticipa la llamada “terribilitá” de Miguel Ángel.

h) Púlpito de San Lorenzo (1460): Obra de su trayectoria final, con la colaboración de su taller. Bien pudieron encargarse como sepulcros, bien como coros (menos probable, por su tamaño). Realizó dos, de factura muy parecida, y escenas separadas por recursos arquitectónicos. Son obras más dramáticas, para muchos, de decadencia, que fueron revalorizadas ya en el Manierismo.

C. PINTURA: FRA ANGÉLICO, MASACCIO, PIERO DELLA FRANCESCA Y BOTTICELLI.

 Características Generales

 La individualidad del artista hace que el pintor también goce de esa autonomía y prestigio artístico, amparado por el mecenazgo de príncipes, papas y familias adineradas.

 Tras la experimentación llevada a cabo en el siglo XIV (Trecento) en cuanto a perspectiva, es ahora cuando se consolida. Fue Alberti, quien en su obra, “De pictura”, establece que existe una pirámide visual entre un objeto y nuestra vista, que se sitúa en el centro de su base, siendo la cúspide el punto de fuga.

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 Las pinturas también contribuyen a ser estudios anatómicos perfectos.

 Temas religiosos, tratados desde el Humanismo, mitológicos y alegóricos. Importancia del retrato y de la Naturaleza que, aunque no se independiza como género, sí acompaña a las escenas.

 Aparece tanto el fresco como el temple sobre tabla.

 Dos tendencias: la “dulce” (Fra Angélico, Sandro Botticelli) supone una cierta conexión con el Gótico en cuanto a la importancia del dibujo minucioso. En la tendencia “dura”, predomina la búsqueda del volumen y la corporeidad (Masaccio, Piero della Francesca o Mantegna)

 FRA ANGÉLICO (1400-1455):

Fraile dominico que practicó una pintura con fines didácticos, evocando la pintura del Gótico internacional (tonos armónicos, figuras curvas, dorados). También se interesa por la proporción, el volumen o la perspectiva, así como el detallismo, éste último aprendido por su trabajo como ilustrador de miniaturas.

a) La Anunciación (1430-1432): Museo del Prado. Dos escenas. La de la izquierda, refleja la expulsión del Paraíso de Adán y Eva, causantes de que la Virgen encarne a Jesús, redentor de la Humanidad. La luz invade la composición, entrando por ese pórtico bajo el que aparecen la Virgen y el Ángel y divinizando toda la escena: es la luz del Espíritu Santo. De fuerte tradición Gótica, en el tratamiento de los cuerpos, la expresión de los rostros, las grisallas; los elementos renacentistas vienen de la perspectiva brunelleschiana y de la arcada de medio punto. Abajo, escenas relativas a los Desposorios de la Virgen, Adoración de los Magos, Visitación… b) Coronación de la Virgen (1434): Museo del Louvre. Panel central de un retablo. La escena central aparece en alto, enmarcada por la tabla y por las trompetas de los ángeles. Destacan las galerías de personajes, cuyo principal efecto es la profundidad. En cuanto a los colores, además de los de la escalera central, imitando mármoles, destacan los azules, que le dan

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO categoría de imagen celestial. Arriba, preside la escena el doselete que nos recuerda al Gótico.

c) Frescos del Convento de San Marcos (1438-1450): Recibe el encargo de pintar la sala capitular, el claustro y las celdas de los monjes. De estos frescos, destaca una nueva Anunciación, con el mismo esquema compositivo que la del Prado. Destacan escenas como el “Noli me Tangere” (Jesús a María Magdalena, advirtiéndole de que no le puede tocar puesto que aún no ha ascendido), Santo Domingo (fundador de la orden) adorando a Cristo Crucificado… Todas son enseñanzas para los frailes.

d) Retablo de Santo Domingo (1423): Detalle de la Madonna con niño. e) Juicio Final (1431): Museo de San Marcos.

 MASACCIO (1401-1428):

Continuador de Giotto en la búsqueda de la corporeidad de las figuras. Técnicamente es el primer artista en construir con el color, buscando el equilibrio de éste con el dibujo, preocupándose por los efectos tridimensionales. Se convierte así en el verdadero padre de la pintura moderna.

a) La Trinidad (1426-1428): Santa María Novella, Florencia. Composición que para algunos se sitúa en un interior típico de Brunelleschi. Aparece Cristo crucificado, sostenido por Dios Padre y el espíritu santo entre ellos, acompañado de la Déesis (San Juan y la Virgen). Abajo, los donantes. En la parte inferior, un sepulcro con un mensaje “Yo fui antes lo que vosotros sois y soy ahora lo que vosotros seréis”. Lo más importante de la escena es el marco arquitectónico, una bóveda con casetones y pilastras y columnas clásicas. La composición es puramente matemática, presidiéndola un triángulo invertido y tres rectángulos, además del arco de medio punto. Por último, destacar también el efectismo de la luz y la monumentalidad de las figuras. La lectura de la obra, el triunfo de la muerte abajo; el triunfo sobre la muerte arriba.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO b) Frescos de la Capilla Brancacci (1425): “El tributo de la moneda”. Parte de un ciclo dedicado a San Pedro, que decora una capilla funeraria, en la que intervienen varios pintores. En la obra aparecen tres escenas yuxtapuestas, separadas en espacio y tiempo; en el centro, Cristo es requerido por un funcionario para pagar el tributo de entrada a la ciudad de Cafarnaún. Todas las figuras, en círculo, parecen vestidas a la manera griega. Entonces, le indica a Pedro que pesque un pez en el lago y en sus entrañas hallará la moneda (a la izquierda). En la tercera escena, aparece San Pedro pagando el tributo. De la pintura se dice que traslada todos los avances en escultura (corporeidad) y que es un compendio de actitudes en rostros. Era una especie de “escuela pictórica” para los artistas del momento. Es una referencia a la reforma tributaria impuesta en Florencia (declaración de rentas). El personaje del último plano parece ser un retrato del pintor. Otras escenas que destacan son “El reparto de riquezas” o “La expulsión del Paraíso”, de la que es más evidente ese tratamiento del volumen en los cuerpos.

 PIERO DELLA FRANCESCA (1420-1492):

Destaca por su tratamiento de la geometría y por la abstracción y simplicidad de las formas. Escribe un tratado, “De prospectiva pingendi”. Utiliza colores pálidos para recrear una fría perfección de las formas, en las que resalta la fusión entre color y dibujo. La luz contribuye a la creación del volumen, superando incluso a Masaccio.

a) Frescos de la Capilla Mayor de San Francisco de Arezzo (1460): Capilla Bacci. Aparece la Historia de la Vera Cruz. Sometidos a una restauración de diez años, terminada en el 2000. La primera escena recrea la muerte de Adán y el depósito de la semilla debajo de la lengua por sus hijos; de dicha semilla brotará el árbol sagrado del que se hará la Vera Cruz. En la escena del hallazgo de las Tres Cruces por Santa Helena, madre de Constantino, en Jerusalén, se desentierran las tres cruces y se prueba cuál es la Vera, resucitando a los muertos con ella. Al fondo, la ciudad de Arezzo como Jerusalén. Muestra de un profundo estudio de la perspectiva. No hay una secuencia cronológica entre las diez escenas, y hay relatos que no pertenecen a la leyenda de la Vera Cruz (como la Anunciación). En la dedicada al “Sueño de Constantino”, aparecen claroscuros que son antecedentes directos del Barroco. Representa la unión entre Iglesia de Occidente y de Oriente (ha caído Constantinopla).

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO b) La Virgen de Senigallia (1470): Conocedor de la pintura de los primitivos flamencos, utiliza la técnica al óleo y las veladuras, en figuras llenas de volumen, destacadas por la luz, y en las que los rostros no expresan más allá (algo característico de su estilo). Es una de las primeras vírgenes situadas en un interior en la pintura italiana. Gran detallismo en joyas, telas, molduras…

c) Retrato de los Duques de Urbino (1465-1472): Galería de los Uffizi. Influencia de los primitivos flamencos en el detalle y en el tratamiento de los fondos. En una cara del díptico, los retratos del Duque y esposa, configurados como los primeros retratos del Renacimiento. Idealizados, tienen un perfecto tratamiento del volumen. Los fondos son típicos de Jan Van Eyck. El óleo aparece de nuevo dando ese detallismo en ropas y joyas. En el reverso, ambos sobre carros, simbolizando el triunfo en la entrada a la ciudad de Urbino: él, coronado por la victoria; ella, llevada por unicornios (castidad)

d) Retablo de la Madonna con el Niño y el Duque de Montefeltro (Sacra Conversazione) (1472): Destaca por su medida composición, bajo un marco arquitectónico clásico, y estructurada desde una línea horizontal (rostros de santos) y una vertical, desde el huevo que cuelga hasta el ombligo del Niño. A la derecha, el Duque de Urbino, como orante. Influencia de los primitivos flamencos. De nuevo, luminosidad, volumen y perspectiva. La concha es símbolo de fecundidad y el huevo, de nacimiento.

e) La flagelación (Entre 1444 y 1469): Dividida en dos escenas, relegándose la que le da nombre al plano final, el de la Flagelación, bajo un marco arquitectónico clásico. En la derecha, tres figuras de las que no se sabe a ciencia cierta la interpretación: para unos, el del centro, es el hermano del actual duque de Urbino, que fue asesinado por los otros dos personajes; es por ello que se asimila a la flagelación de Cristo. Según otros, no son más que los tres duques antecesores de Federico.

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Ciudad ideal (1475): Configurado desde la perspectiva cónica. El escenario ideal que debe recrear una ciudad renacentista.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO  La perfección en el tratamiento del volumen y la perspectiva la vemos en la obra de ANDREA MANTEGNA (1431-1506), destacando por darle carácter de esculturas a sus obras y por introducir un fuerte realismo en una época en la que se tiende a idealizar las figuras.

a) Cristo muerto (1474): Óleo. Introduce un fuerte escorzo que le da profundidad a la obra, situándonos en los pies y llevando la línea de fuga a la cabeza. Destaca la vejez con la que es retratada la Virgen. Introducción del pathos (recurso barroco).

38  SANDRO BOTTICELLI (1447-1510):

Se forma como orfebre y evolucionará en el detallismo y la minuciosidad. No supedita su obra a la perspectiva, siguiendo esa línea o “vena dulce” de Fra Angélico, aunque él trabajará tanto la pintura religiosa como la mitológica, en composiciones con una gama cromática muy variada. Su gran obsesión es la recreación de la belleza, para la que elige el rostro de su amada. Aparece muy influenciado por el Neoplatonismo. Sus mecenas serán los Médici, sobre todo Lorenzo.

a) Alegoría de la Primavera (1477). Galería de los Uffizi. Óleo y temple. La encarga el sobrino de Lorenzo de Médicis para decorar su villa y celebrar su boda, junto con “El Nacimiento de Venus”, simbolizando la primera el Amor y la segunda, la Belleza. Son nueve figuras en simetría (número recomendado en la perfección de una obra), de las que la central es Venus ataviada como una Virgen (incluso las hojas de la cabeza simulan un halo). Sobre ella, Cupido dispara flechas, dirigidas a las Tres Gracias, en círculo (la perfección según Platón): Voluptas, Pulcritude, Castitas. A la izquierda, Mercurio y, al lado de Venus, Flora, diosa de la Primavera; en la derecha, Céfiro (viento) introduce en la escena a Cloris. El jardín de naranjos alude a los Médici y en la obra aparecen plantas típicas de la Toscana. La ejecución de las figuras destaca por su languidez, por ser alargadas. La escena aparece con un fuerte dinamismo (paños adheridos a los cuerpos). Aparecen miniaturas de orfebrería muy detalladas.

b) El nacimiento de Venus (1485): Galería de los Uffizi. Temple. Junto a la anterior, son sus obras más famosas. En ella, retrata a Simonetta Vespucci, modelo de muchos artistas del momento y de muchas de sus obras. El nombre de la obra responde al nacimiento de la diosa del Amor y la Belleza de entre la espuma, que es el esperma de Urano, a quien su hijo Cronos cortó sus genitales y los lanzó al mar. Realmente, el tema de la obra es la llegada de la diosa a las costas del Mar Jónico, sobre una concha, empujada por el viento Céfiro, acompañado por su esposa Cloris, ninfa de las flores.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO Flora la espera para taparla con un manto de flores, ataviada ella con un collar de mirto, símbolo del amor eterno. Venus es púdica, tapándose avergonzada ante nosotros, en un precioso contraposto. No es una composición difícil, pero su fama reside en el tratamiento del color, el movimiento, la ejecución de las líneas, el concepto neoplatónico de belleza (ensalzar la belleza femenina)… Las lecturas de la obra son variadas: puede reflejar los cuatro elementos, el fuego (Venus), el agua, la tierra, el aire. O bien, ser la recreación de la Virgen y el agua y la concha, símbolos del Bautismo.

c) Palas domando al centauro (1482): Temple. Galería de los Uffizi. Palas (Atenea) es la sabiduría dominando la ignorancia. En su ropa, aparece el emblema de Lorenzo de Médicis. Es una alegoría del Buen Gobierno sobre Florencia.

d) Historia de Nastaglio Degli Honesti (1483). Temple. Historia de Bocaccio en el “Deccamerón”. Pudo formar parte de un arcón o cassone, como regalo de bodas a una pareja de novios (encargado por Lorenzo de Médicis). La escena comienza con una joven perseguida y asesinada repetidamente por un jinete ante los ojos de Nastaglio, a quien, a su vez ha rechazado su amada. Es una revelación: en un banquete que organiza Nastaglio para su amada y su familia, estos ven la persecución. Ella aceptará al joven y se casarán. e) La calumnia (1495). Temple. Ya ha muerto Lorenzo de Médicis y la ciudad cae bajo dominio de Savonarola, un clérigo con una visión apocalíptica que influirá en la obra de Botticelli. Alude a escritos de Luciano en los que se narra una condena al pintor Apeles en la Antigüedad, acusado de conspirar contra el rey egipcio Ptolomeo IV. En la obra, tratada como un estudio escultórico en un marco arquitectónico clásico (arcadas con casetones), aparecen multitud de alegorías: a la derecha, el Rey Midas, como juez malo, con orejas de burro, es aconsejado por la Ignorancia y la sospecha. Ante él, el odio, acompañando al grupo encabezado por la Calumnia (coge del cabello al personaje del suelo, desnudo como la Verdad), ayudada por la Envidia y la Estafa. En el final y, de negro, el Remordimiento o la Penitencia. Desnuda y clamando al cielo, la Verdad (con reminiscencias a Venus).

f)

Anunciación (1489-1490): Destaca el contraste del color y el fondo, típicamente flamenco. Importante tratamiento escultórico de las figuras.

g) Virgen con el Niño (Varias): Relación más intelectual que amorosa entre ambas figuras.

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h) Virgen del Magnificat (1481): De nuevo una Virgen seria y abstraída. Destacan las líneas ondulantes de las figuras, adaptadas al marco (es un tondo circular). Detallismo en los velos, los ropajes… El Niño porta una granada, símbolo de resurrección. Se llama así porque la Virgen, ayudada por el Niño, componen un sermón.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO 3. EL CINQUECENTO Y LA CRISIS DEL MANIERISMO EN ITALIA. ARQUITECTURA: BRAMANTE, MIGUEL ÁNGEL Y PALLADIO. ESCULTURA: MIGUEL ÁNGEL. PINTURA: LEONARDO, RAFAEL Y MIGUEL ÁNGEL. LA ESCUELA VENECIANA.

El siglo XVI se caracteriza por ser heredero del Quattrocento en cuanto a experiencias artísticas, pero es evidente que se traza entre ambos siglos una ruptura: el Siglo XV fue el siglo de las ciudades-Estado independientes (Signorías), siendo el Arte un reflejo de los valores cívicos defendidos por éstas. La muerte de Lorenzo de Médicis marcará la transición al nuevo siglo. Ahora, en el XVI, los Estados Italianos evolucionan hacia formas más absolutistas (igual que sucede con Francia o España); en ellos, el artista mantiene su estatus social, pero sobre todo será un agente de refuerzo del poder de la corte. En este sentido, será el Estado Pontificio quien resuma dicho ideal, con papas como Julio II o León X. Así, Roma desplaza a Florencia como centro artístico y cultural, destacando también el foco veneciano. A Roma llegan artistas de otras regiones (Leonardo, Miguel Ángel, Bramante), autores del llamado “sueño clasicista” que permanecería únicamente hasta 1527 (Saco de Roma, acecho español en Italia, Reforma Protestante…), fecha que da cierre al Alto Renacimiento en Italia, inaugurando el Manierismo.

A. ARQUITECTURA: BRAMANTE, MIGUEL ÁNGEL Y PALLADIO.

 Características Generales.

 Se mantienen las experiencias del Quattrocento (órdenes clásicos, armonía, geometría, proporción…), selladas en la idea del Clasicismo atemporal y de pretensiones universales que se establece en el Cinquecento: Renacimiento Clásico.  Roma es ahora la ciudad más floreciente, impulsada desde el poder del Papado, como centro de la cristiandad y, por tanto, del Arte. Tras el letargo vivido por la ciudad en la Edad Media, se emprende la denominada “renovatio Urbis”: otorgar a Roma el esplendor de la Antigüedad clásica, fusionando grandeza pagana con religión cristiana.

 DONATO BRAMANTE (1444-1514)

Fue el gran impulsor de la renovatio Urbis que vivirá Roma. Se formó en Milán como arquitecto y pintor, tomando contacto con Leonardo, con quien comparte la visión sobre arquitectura que otorgan las plantas centrales. Su estancia en Urbino también le otorga formación en cuanto a perspectiva arquitectónica.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO a) Templete de San Pietro in Montorio (1502): Una de sus primeras obras en Roma, financiada y encargada por los Reyes Católicos para conmemorar la Toma de la ciudad de Granada. El lugar elegido era el del martirio de San Pedro, situándose el templete en el interior (claustro) de la Iglesia franciscana de San Pedro en Roma. Se trata de un templete, de plan circular y períptero, que emula a los antiguos tholos conmemorativo, constituyéndose como un martyria. Son dieciséis las columnas de orden toscano que lo rodean y está realizado en mármol y granito. El friso es una referencia al orden dórico, puesto que en él observamos triglifos y metopas. El remate, cupulado, contiene el embrión de la Iglesia de San Pedro del Vaticano. El módulo que se emplea en el edificio es el cilindro (cella, tambor, columnas…) .Se convertirá en el símbolo del Clasicismo arquitectónico del Renacimiento.

b) Cortile o Patio del Belvedere (Palacios Vaticanos) (1505): Julio II es nombrado Papa y encarga la obra. El proyecto consistía en unir la residencia de invierno con la de verano, separadas por trescientos metros en desnivel. Se inspira directamente en las villas romanas. En esta galería de Arte al descubierto, lugar de fiestas y teatros, se ubicaron las esculturas que se iban descubriendo y desenterrando (preside el conjunto el Laocoonte, descubierto en 1506). Loggias (galerías) y exedra principal se ubican según precisas leyes de perspectiva.

c) Iglesia de San Pedro del Vaticano (1506- 1626): Obra financiada por Julio II, demoliendo por orden de éste la antigua iglesia paleocristiana de época de Constantino. La primera piedra se coloca el 18 de abril de 1506. El Papa fija en la obra su propio proyecto de vida y muerte y es en ella también donde se fijan las discrepancias entre dos de los “grandes” del Cinquecento: Bramante y Miguel Ángel, que había firmado el contrato de realizar la tumba del Papa Julio II. Mientras tanto, en 1506 Bramante presenta su proyecto. Ya en el Quattrocento se inicia el mismo, parecer ser que con alguna intervención de Alberti, pero los diseños definitivos aparecen ahora. El proyecto de Bramante se realiza sobre un plan centralizado, de cruz griega y cúpula sobre cuatro pilares, y cuatro péquelas cúpulas contrarrestando empujes, escalonando las masas arquitectónicas en orden jerárquico. La inspiración es clara: el Panteón de Roma. El importante debate entre plan central o longitudinal (acorde a las necesidades de los fieles) se establece ahora en San Pedro Pero Julio II muere en 1513 y Bramante lo hace en 1514, con lo que se sucederán proyectos e intervenciones reales en la Iglesia, bajo la primera dirección de Rafael Sanzio. Antonio da Sangallo, Peruzzi o Miguel Ángel acaban interviniendo en el proyecto. Los dos últimos, retoman la idea de plan central de Bramante, sellando Miguel Ángel los cimientos y muros, así como la imponente cúpula. El templo se terminaría ya en el siglo XVII, de manos de Carlo Maderno y Bernini, desapareciendo la idea de plan central en beneficio de la longitudinal (propuesta por Rafael, Sangallo o Maderno).

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO  MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564)

Representa al artista global, al genio, dedicado a la arquitectura y al urbanismo, a la escultura y a la pintura. Tal visión se plasma en sus composiciones arquitectónicas, dotadas de gran plasticidad y en las que destacará la introducción de líneas curvas (en frontones) y ventanas ciegas, otorgando dinamismo a sus creaciones.

a) Cúpula de San Pedro del Vaticano (1558-1561): Además de participar en el edificio, Miguel Ángel sella la creación y además, se desquita de la enemistad de Bramante, logrando dejar su impronta en San Pedro. Proyecta la cúpula inspirándose en la de Brunelleschi, porque, como él pretendió con los toscanos, Miguel Ángel quería “albergar a toda la cristiandad bajo ella”. Terminada por sus discípulos a la muerte de Miguel Ángel (Giacomo della Porta). Para su creación, deberá reforzar los pilares de Bramante y los muros, así podrían sostener la cúpula de 42.5 metros de diámetro. Asimismo, aparecen cúpulas menores que refuerzan la central, con influencia bizantina. La cúpula se sostiene sobre tambor, articulado por columnas pareadas de orden gigante entre ventanas. La decoración la completan frontones triangulares, semicirculares y guirnaldas. La cúpula está levemente apuntada y rematada por nervios para embellecerla. El proyecto de Miguel Ángel aparecería con linterna mayor, que terminará por colocar otro de sus discípulos, Doménico Fontana, reduciéndola en tamaño.

b) Plaza del Capitolio (Campodoglio) (1536-1564): De planta trapezoidal, la plaza se abre hacia el Vaticano, nuevo centro de la ciudad. Miguel Ángel se encargará incluso del diseño del pavimento y de la gran escalinata (la Cordonata).Muestra su predilección por el llamado “Orden gigante”, en el que las pilastras o columnas atraviesan las fachadas. Las obras se terminan en el siglo XVII y el pavimento se hará ya en el siglo XX, con el trazado original del arquitecto. En la plaza se sitúa la copia de la escultura ecuestre de Marco Aurelio.

c) Escalera de la Biblioteca Laurenciana (Claustro de la Basílica de San Lorenzo de Florencia) (1524-1534): En el vestíbulo que antecede a la sala de lectura. Las columnas no son elementos sustentantes, sino que aparecen disimuladas, realzando la gran masa de escalones, única protagonista de la composición. Miguel Ángel aporta aquí la innovación de incluir líneas curvas que rompen con el esquema clasicista. Es el uso de la gramática clásica de forma anticlásica y manierista. Rodeando el vestíbulo, ventanas ciegas y frontones triangulares y semicirculares. La obra la terminarían Ammannatti y Vasari cuando Miguel Ángel vuelve a Roma a realizar la Capilla Sixtina.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO d) Sacristía Nueva de San Lorenzo (Capillas Mediceas) (1520): León X le encarga la construcción de una Sacristía que hiciera juego con la sacristía de Brunelleschi. Se trataba de la capilla funeraria de cuatro Médicis, entre ellos, Lorenzo el Magnífico. Articulada por cornisas, guirnaldas, pilastras y frontones curvos y triangulares, además de sus características ventanas ciegas. En las tumbas, aparecen alegorías en forma de esculturas, que simbolizan acontecimientos como el nacimiento y la muerte.

 ANDREA PALLADIO (1508-1580)

38 Será el artífice de insertar tipologías clásicas y formas de la Antigüedad en edificios del siglo XVI con unas necesidades modernas. Lo hará en palacios, villas, teatros y en iglesias. Palladio trabajará en Venecia, coincidiendo con la crisis comercial del Mediterráneo, en la que las grandes familias se retiran al campo y necesitan una residencia o villa, en la que se unen lujo y necesidad. Palladio será también un importante tratadista.

a) Basílica de Vicenza (1549): Edificio destinado a la impartición de justicia (Palacio de la Razón). Se encarga la construcción de la fachada de un edificio gótico. En ella, se proyecta el conocido como “motivo palladiano”: sucesión de arcos de medio punto y dinteles sobre columnas de orden normal, entre columnas de orden gigante. La fachada se distribuye en dos pisos, en los que se superponen orden dórico y jónico.

b) Villa Capra (“La Rotonda”) en Vicenza (1551-1569): Según el mismo artista, se concibe como un “teatro grandioso”. Es el mejor ejemplo de villa palladiana, en la que observamos un cuerpo central señorial, flanqueado con pórticos que darían paso a la tierra cultivada, aunque en este caso es más una villa de recreo. Concebida a modo de templo clásico. En la decoración interior, esculturas y frescos que recrean dioses, temas religiosos y alegorías de virtudes. En las pinturas, se observa el recurso ilusorio del trampantojo.

c) Villa Barbaro (1551-1558): Centro de explotación agrícola, concebido desde un pabellón central y dos alas laterales para ser utilizadas como almacenes, establos… En el interior, la villa se decora con frescos del Veronés.

d) Teatro Olímpico de Vicenza (1580): Su última obra y el primer teatro cubierto del mundo; concebido como un teatro romano. En la escena, aparece un decorado en perspectiva, que recrea las calles de Tebas de manera permanente.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO B. ESCULTURA: MIGUEL ÁNGEL

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) representa, junto con Leonardo, la figura de genio, adorado por sus contemporáneos (el “divinísimo”) y por la posteridad. De hecho, es el único artista al que en vida se le dedican tres biografías. Supo interpretar las grandes corrientes de pensamiento y culturales de su época. Fue arquitecto y urbanista, como hemos visto, y pintor y poeta, pero se consideraba a sí mismo como escultor.

38  Características de su obra escultórica:

 Desarrolla su actividad tanto en Florencia, a cargo de los Médicis, como en Roma, amparado por el poder papal.

 Son obras dotadas de una monumentalidad y grandiosidad, influencia directa de los grandes descubrimientos arqueológicos llevados a cabo en este momento.

 La principal influencia en su obra se da en la estatuaria clásica, con lo que son figuras con un canon de belleza idealizado.

 Presentará un perfecto dominio técnico, tanto en mármol como en bronce, realizando esculturas de diversa temática (mitológica, religiosa…)

 En sus inicios, presenta una fuerte influencia en el tratamiento anatómico de las figuras de Donatello.

 Defensor de ideas neoplatónicas (la idea es más importante que la materia), concebía el bloque de piedra como una “cárcel” de la que debía liberarse a la figura, igual que el espíritu dentro del cuerpo humano.

 Es por ello, que se observa en sus figuras la terribilità, es decir, el furor y la ira contenidos, como metáfora de esa lucha por salir de la materia. Asimismo, las figuras pueden presentar un aspecto inacabado, rudo, el non finito, aludiendo al proceso de creación más allá del resultado.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO

a) La Virgen de la Escalera (1489-1492): Obra de juventud, realizada en Florencia, cuando Miguel Ángel se está formando en el humanismo fiorentino de los Médicis, estudiando la estatuaria clásica desde la colección de escultura de los jardines de Lorenzo el Magnífico. En la obra se da la influencia del schiacciatto o aplastado, técnica ejecutada por Ghiberti y Donatello, artista éste último que Miguel Ángel admiraba. Realizada en mármol, con dimensiones aproximadas de 60 x 40 centímetros, presenta el non finito característico y detalles de ejecución que evidencian que es una de sus primeras obras.

38 b) Piedad Vaticana (1498-1500): Basílica de San Pedro del Vaticano. A la muerte de Lorenzo de Médicis, y con los cambios políticos del momento, Miguel Ángel marcha a Roma, realizando un primer encargo, el Baco de 1498, que le pone en contacto con el embajador de Francia y es éste el que le encarga una Piedad para su tumba. Esculpida en mármol, con 1.70 metros de alta, se concibe desde una composición triangular. El cuerpo de Cristo yacente refleja un importante estudio anatómico. Hay un equilibrio de líneas establecido entre ambos cuerpos (contraste entre el brazo inerte de Cristo y el de la Virgen, entre la simplicidad de líneas del cuerpo de Cristo y los pliegues del manto de María…).

Será a partir de ahora el prototipo del tema en el Arte cristiano. Del rostro de la Virgen se dice que es intencionadamente pueril para simbolizar la inmaculada concepción, también como muestra del idealismo renacentista. Es su única obra firmada (cinta del pecho de la Virgen).

c) David (1502-1504): Miguel Ángel regresa a Florencia para realizar el encargo de la obra, que finalmente sería ubicada en la Plaza de la Signoria. En principio, formaba parte de doce esculturas destinadas al exterior de la Catedral. El reto era importante: utilizar un bloque de mármol de carrara, abandonado en la Catedral tras haber sido esculpido por otros artistas, sin éxito. Miguel Ángel debía extraer de dicho bloque “el alma”. El resultado, una escultura de 4.3 metros en la que se observa un perfecto tratamiento del cuerpo, y la inspiración clásica en el contrapposto, así como en el tratamiento del rostro. Hay una intencionada desproporción de los elementos clave de la composición: cabeza, pies y manos, explicada por la ubicación inicial en un contrafuerte de la Catedral fiorentina. El tema representa al David bíblico como pastor y defensor del pueblo hebreo ante la amenaza del gigante Goliat. A diferencia de la visión de otros escultores (Donatello), Goliat no aparece, y se representa el momento previo al lanzamiento de la piedra, de ahí esa furia contenida (terribilità) y el tratamiento musculoso del cuerpo. Para otros, sin embargo, sería el momento inmediatamente posterior a la

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO victoria de David, que observa su triunfo. Ha recibido numerosas intervenciones (la última en 2004), es por ello que se trasladó de la Plaza a la Galería della Academia de Florencia. Es un símbolo de la república y una alegoría del buen gobierno (el pueblo vence ante las amenazas).

d) Tumba de Julio II (1505-1542): San Pietro in Vincoli. En 1505 recibe el encargo del Papa Julio II para realizar su sepulcro. Del proyecto original, con tres cuerpos y más de 40 estatuas, se redujo el presupuesto y hubo conflictos con los herederos, simplificándose mucho la obra. Fue una de las grandes decepciones del artista y causa de conflicto con otros artistas (Bramante, que al parecer, desviaría fondos de la tumba para la construcción de San Pedro). En su proyecto original se incluía un grupo de esclavos, que para algunos autores representan las provincias sometidas a la religión católica y para otros, las Artes. Cuatro grandes figuras protagonizaban la escena: Moisés, San Pablo, La Vida Activa y la Vida Contemplativa. En el ático, Julio II rodeado de ángeles. Relieves que detallaban la vida de Julio II acompañaban todo el proyecto. Más de seis reformas e interrupciones harán que hasta cuatro décadas más tarde no se culmine la obra. En lugar de en San Pedro, se ubicó en San Pietro in Vincoli, reduciéndose a 8 figuras (los esclavos del Louvre, los de la Academia de Florencia, una Victoria del Palazzo Vecchio y el Moisés). La última es la única que finalmente se ubicó en el mausoleo. De la obra destaca el Moisés, de más de dos metros de altura, bajo una gran concepción plástica y una terribilità propia del momento representado: Moisés, líder del pueblo judío, ha recibido las Tablas de la Ley. En cuanto a los esclavos, son el mejor ejemplo del non finito y del movimiento del contrapposto. Obras además influyentes en su pintura de la Capilla Sixtina, encargada entre 1508 y 1512.

e) Sepulcros de los Médicis en la Sacristía Nueva de San Lorenzo de Florencia (15201534): De nuevo en Florencia, construye la Sacristía, paralela a la de Brunelleschi, y concibe las tumbas como un conjunto entre el retrato del difunto en el centro, y dos alegorías en la parte inferior. En el caso de Giulano de Médicis, aparecen la Noche y el Día; en el de Lorenzo, la Aurora y el Crepúsculo.

f)

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Piedad de la Catedral de Florencia (1550-1555): “Piedad del Duomo”. Diseñada para su propia tumba. Más de 2 metros de altura. En composición piramidal, aparece la figura de Nicodemo sosteniendo a Cristo. Es en esta figura donde

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO aparece el autorretrato del artista, que realiza la obra con sesenta y cinco años. Aparece la línea serpentinata, típica del Manierismo, reforzando el dinamismo de la escena. Un error en su ejecución y el hecho de que decidiese enterrarse en Florencia, hace que venda la obra y la concluya un discípulo. La obra simboliza la Vida, al lado derecho, en María Magdalena, y la Muerte, en el lado izquierdo, bajo la presencia de María. En estas últimas obras, todas del tema de la Piedad, Miguel Ángel presenta un fuerte sentimiento religioso.

g) Piedad Rondanini (1564): Castillo de los Sforza, Milán. Trabajó en ella hasta seis días antes de morir, siendo su última obra. En ella, inacabada, vemos una composición vertical e intranquilizante (más inestable que las anteriores). No se sabe si la Virgen sostiene a Cristo o lo busca de apoyo en su dolor. Fuerte expresionismo en la composición.

C. PINTURA: LEONARDO, RAFAEL Y MIGUEL ÁNGEL. LA ESCUELA VENECIANA.

 Características Generales:

 El Cinquecento asume y perfecciona las innovaciones llevadas a cabo por los pintores del Quattrocento:

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o

Temática variada (mitológica, religiosa, histórica, retratos…)

o

Se mantiene la técnica del fresco, y se utilizan también el temple y el óleo.

o

Es una pintura realista, en cuanto al acercamiento a la realidad, pero vista desde la racionalización y la idealización.

o

La composición de la obra es unitaria, es decir, está pensada para ser observada en su conjunto y no tanto para detenernos en detalles.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO o

Son composiciones armónicas y equilibradas, enmarcadas bajo esquemas geométricos, destacando el triángulo y el círculo.

o

Hay un interés por el movimiento, siendo éste majestuoso y elegante, dado muchas veces por escorzos que tienden a ser verosímiles.

o

Son pinturas cercanas a la expresión, siempre y cuando ésta sea de nuevo, equilibrada: estados de ánimo, valores, carácter…

o

Importante tratamiento de los fondos, desde la perspectiva lineal (el gran invento renacentista), marcando un único punto de fuga, coincidente con la visión del espectador, al que confluyen todas las líneas de la composición.

o

Nuevo tratamiento de la luz, natural, que refuerza los volúmenes y contribuye a dar perspectiva.

 LEONARDO DA VINCI (1452-1519)

Considerado como “el más avanzado de los quattrocentistas”, será el artista más interesado en los fenómenos de la Naturaleza llevados al Arte (“Tratado de la Pintura”). Definido como uomo universale, prototipo del genio y el humanista del Renacimiento, entiende la labor del artista como ciencia. Formado en Florencia con Verrocchio, entra en contacto con la escultura y la pintura, colaborando con su maestro pintando un ángel en la obra “El Bautismo de Cristo” (“el aprendiz supera al maestro”). En sus primeras obras demostrará su interés por, además del dibujo y la perspectiva, el color y la recreación de armósferas, así como de actitudes. Su principal aportación será la técnica del sfumato (difuminado), que consiste en aplicar una estética vaporosa en sus obras, sombreando las figuras y aplicando el claroscuro.

a) La Adoración de los Reyes (1481) b) La Anunciación (1475): Ambas obras de juventud, en las que deja clara su nueva visión de la pintura.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO c) Virgen de las Rocas (1483-1486): Museo del Louvre. Llega a Milán, contratado por los Sforza (trabajará en escultura y también en ingeniería). Óleo sobre lienzo en el que refleja su característico sfumato, representando el aire que existe entre objetos y figuras. Se trata de una composición piramidal, con cuatro figuras, en la que destaca el fondo rocoso y la minuciosidad del dibujo en las plantas. Hay varias versiones del mismo tema atribuidas a Leonardo.

d) La Última Cena (1495-1498): Monasterio de Santa María de las Gracias, Milán. (5 x 9 metros) Considerada como su obra maestra. Mezcla de la técnica del fresco, temple y óleo; Leonardo aplicó el fresco de manera muy pausada, con lo que la obra, veinte años después, ya mostró desperfectos. Composición rectangular, cuyas líneas de fuga convergen por la cabeza de Jesús hacia las ventanas del fondo (profundidad y luz natural). Es el mejor ejemplo de perspectiva lineal renacentista. Se observa una composición dividida en dos grandes registros horizontales, con los apóstoles agrupados en tríos. Rompe con la representación tradicional de aislar a Judas del grupo, incluyéndolo aquí con San Juan y San Pedro. Según él mismo escribió en su tratado, lo más difícil es representar el “movimiento del alma”, algo que consigue en la recreación de las actitudes de cada uno de los apóstoles (enfado, miedo, dolor, soledad del propio Jesús, actitud nerviosa de Judas).

e) Santa Ana, la Virgen y el Niño (1510): Museo del Louvre. Regresa a Florencia en 1499, realizando esta obra, cuyo boceto le sirvió para que la República le encargase una obra que iba a decorar la Sala Grande del Palacio Vecchio. Una composición original, con la Virgen apoyada en su madre, Santa Ana, cogiendo al Niño.

f)

Batalla de Anghiari (1503-1506): Dibujo posterior (Rubens). Decoraba el Palacio Vecchio, junto con la Batalla de Cáscina, de Miguel Ángel (símbolo de la confrontación entre ambos). Muestra su admiración por el mundo animal, y en concreto, por los caballos y el estudio anatómico que facilita su recreación. Obra no conservada.

g) Retrato de Monna Lisa, (“La Gioconda”) (1503-1506): Museo del Louvre. Óleo sobre tabla (77 x 53 centímetros). De composición triangular, derivada del medio cuerpo representado, la obra destaca por la consecución del sfumato y la recreación de la atmósfera, la fuerza del color y la introspección psicológica de la protagonista, la esposa de Francesco Bartolomeo Giocondo, Lisa Gherardini. Aparece sentada en una galería, con manos cruzadas (serenidad), de la que se

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO observa parte del muro, y al fondo, un paisaje que se ha asociado con el Lago di Como italiano. Se observa un puente, símbolo de la labor de ingeniería de Leonardo. La obra está llena de misterios, desde el porqué de no coincidir la parte izquierda y derecha del paisaje, el mismo rostro de la retratada, la sonrisa enigmática (irónica o melancólica), si está embarazada o no, si es el propio retrato del pintor, por qué la mantuvo hasta su muerte… Es la obra más visitada en la actualidad.

h) Retrato de la Bella Ferroniére. Museo del Louvre. Óleo sobre tabla. Leonardo trabajará en la corte de Francisco I de Francia, lugar donde residirá Leonardo hasta su muerte. Es el retrato de una amante del rey. Profundidad psicológica.

i)

La dama del armiño. Museo de Cracovia. Óleo sobre tabla. Otro de sus retratos femeninos; en este caso, de la amante de Ludovico Sforza. Simbología del armiño, relacionada con la aristocracia y las virtudes como el equilibrio.

j)

Autorretrato. Turín. Precisión del dibujo.

 RAFAEL SANZIO (1483-1520)

El pintor que mejor defiende esa “Roma renovada”, en cuanto a la serenidad y el equilibrio que presenta en su obra. Valorado por sus contemporáneos, destacó por infundirle a su pintura un aire de gracia y de armonía a lo largo de cuatro grandes etapas, coincidentes con las cuatro ciudades en las que trabajó (Perugia, Urbino, Florencia y Roma).

En sus primeras obras, destacará por desarrollar tonalidades claras y equilibradas, enmarcadas en paisajes idílicos. En Urbino, entra en contacto con estudios de perspectiva, preocupación clara en los pintores del Quattrocento. En su obra fusionará la tradición clásica y el sentimiento religioso humanista.

a) Los desposorios de la Virgen (1504): Milán. Óleo sobre tabla. De su etapa de Urbino, destaca por la composición en dos registros, presidiendo la obra y constituyendo el punto de fuga central el templo circular, realizado a imagen y semejanza de San Pietro in Montorio (Bramante). Tonalidades claras y equilibradas.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO

b) El sueño del caballero y las Tres gracias (1504-1505): Díptico (hoy separado). Obras de pequeño formato (cuadrados de 17 centímetros). La primera, inspirada en una fuente clásica (Cicerón), representa a Escipión dormido, entre la diosa Minerva, que le ofrece la espada y el libro (fuerza y sabiduría) y Venus, ofreciéndole el ramillete, el amor. Representa las grandes cualidades de un guerrero. Por su parte, las Tres Gracias, se representan a la manera clásica (lineal, y la central de espaldas) suponen la plasmación del ideal de belleza renacentista. Son el símbolo de la belleza, la inteligencia comedida y la alegría humanas (Aglaya, Eufrosine, Talía).

c) Virgen del Jilguero (1506). Galería de los Uffizi, Florencia . Óleo sobre tabla. De su etapa en Florencia. Es en este momento cuando realiza una serie de Madonnas, inspirándose en la composición triangular o piramidal de Leonardo, así como en su técnica del sfumato. Estas obras lo catapultan definitivamente a la fama. En la escena, la Virgen, el Niño y San Juan, que le da un jilguero a su primo, como símbolo de la muerte que vivirá Cristo. El cuadro fue un regalo del pintor a un particular y un terremoto lo destruyó, debiendo ser restaurado pieza a pieza. Los estudios mostraron cómo en el paisaje, el dibujo original presenta elementos que no se incluyeron en la restauración. La obra vuelve a reflejar la religión humanizada y emotiva.

Otras composiciones similares son La bella Jardinera, la Madonna del Prado, la Madonna del Gran Duque, rompiendo la composición piramidal (ésta concebida como Virgen con Niño, sin San Juan).

d) La Madonna Sixtina (1513-1514): Óleo sobre lienzo. Obra probablemente encargada para la tumba de Julio II en el Vaticano. Virgen con Niño, rodeada de San Sixto y Santa Bárbara. En la parte inferior, los famosos Angelitos de Rafael. Obra muy celebrada por representar el canon ideal de la Virgen y por el espacio recreado entre las figuras.

e) Decoración de las Estancias Vaticanas (Palacio del Vaticano, Roma) (1509-1510): Frescos. Encargo del papa Julio II, para decorar cuatro grandes estancias, de las que Rafael realiza personalmente únicamente la de la Signatura (sede del Tribunal Pontificio y biblioteca personal de Julio II). Por ello, elige los temas de la Jurisprudencia, la Teología, la Poesía y la Filosofía. De la obra, destaca La Escuela de Atenas, como símbolo de la Filosofía clásica. En el Templo de la Ciencia, es decir, esa escuela de filosofía ateniense, pintada bajo los más puros efectos de la

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO perspectiva, aparecen en el centro Platón y Aristóteles, señalando cielo y tierra, en alusión a la contraposición de la metafísica de Platón con la física de Aristóteles. En nichos superiores, Apolo y Atenas presiden la escena. De la galería de filósofos, científicos y matemáticos, se pueden identificar a algunos claramente, siendo estos representados como artistas del momento: Platón es Leonardo da Vinci; a la izquierda, aparece Hipatia de Alejandría, y sentado, Heráclito, retratado como Miguel Ángel. En el centro, Diógenes, y en el grupo de la derecha, destaca su propio autorretrato, bajo la figura de Apeles. Otro de los frescos más significativos es la Disputa del Sacramento, dividida en dos registros: abajo, los grandes teólogos del Cristianismo; arriba, en el cielo, la Santísima Trinidad y los apóstoles.

f)

El Triunfo de Galatea (1511-1512). Villa Farnesina. Fresco. Última etapa de Rafael, en Roma. La composición la centra la ninfa Galatea, simbolizando en triunfo del amor divino sobre el amor carnal, que la rodea. Los cupidos que disparan flechas ayudan en esa causa. Los cuerpos de Galatea, el resto de nereidas (ninfas del Mediterráneo) y los tritones, son el argumento para expresar ese ideal de belleza clasicista, en una escena dinámica, pero muy equilibrada. En Galatea, Rafael se ha inspirado en su amante, Margarita Luti, la “Fornarina”.

g) La pesca milagrosa (1515): Cartón para tapiz. Forma parte de la serie de diez Hechos de los Apóstoles, realizados después en Bruselas, como encargo del Papa León X.

h) Retrato de Julio II (1511-1512): Original representación del tema. Es un retrato muy intimista, que marcará influencia posterior. El tema del retrato será muy trabajado por Rafael, contando en su producción con algunos autorretratos.

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La Fornarina: Retrato de su amante. Originalmente, con un fondo paisajístico leonardiano. La luz artificial resalta la escena y el volumen del cuerpo de la retratada.

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La Velada: De nuevo, su amante aparece retratada, bajo el dominio de la luz y tonos muy equilibrados.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO  MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564)

Pese a considerarse menos pintor que escultor o arquitecto, es en la pintura donde se inicia como artista, estudiando con Guirlandaio y, sobre todo, de la obra de Giotto o Masaccio. Su formación como escultor condicionará su labor como pintor, encontrando en su pintura esos valores característicos de su obra: estudios anatómicos, importante tratamiento del volumen, y, sobre todo en la fase final de su trabajo, el uso del lenguaje clasicista de una manera anticásica: el Manierismo.

38 a) El Tondo Doni (1504). Galería de los Uffizi . Temple sobre tabla. De nuevo, el tema religioso trabajado desde el humanismo. La Virgen le entrega el Niño a San José en un escorzo equilibrado y armónico. Importante tratamiento del color, que contribuye a dar volumen. Al fondo, una galería de desnudos que muestran ser perfectos estudios anatómicos.

b) Batalla de Cáscina (1504-1505): Copia del boceto original (no llegó a pintarse) que se ubicó en el Palacio Vecchio, junto con la de Leonardo. Con tema similar a ésta (la glorificación de hazañas y victorias florentinas), presenta una escena dinámica en la que la máxima es el tratamiento de los cuerpos desnudos.

c) Frescos de la Capilla Sixtina del Vaticano (1508-1512; 1536-1541): Para la BÓVEDA, con 500 metros cuadrados de superficie, diseña una arquitectura fingida, con pilastras que enmarcan a figuras de Profetas y Sibilas, los vaticinadores del futuro de Cristo como Redentor de la Humanidad. Estos se rodean por los antepasados de Cristo, y en el centro, el espacio se articula en torno a nueve escenas, separadas por grupos de desnudos y tondos, derivadas del Génesis y la Humanidad antes de la llegada de Cristo. Destaca la libertad con la que Miguel Ángel pudo trabajar en estos temas. De las composiciones centrales, destacan temas como los de la Creación del Sol y la Luna, la Creación de Eva y la más conocida, la Creación de Adán “a imagen y semejanza de Dios”, a través de sus dedos, plasmando un fuerte contraste entre el cuerpo de Dios, vigoroso y en tensión, y el de Adán, pausado mostrando un perfecto estudio anatómico. De la escena central, la de las manos, se dice que es el gran “milagro del Arte” (Gombrich), reflejando esa omnipotencia de Dios.

En cuanto a los desnudos que enmarcan cada escena, estos parecen realizados con el empeño de que el siguiente superase al primero, en cuanto a torsiones elegantes y fuerza expresiva; lo mismo podemos ver en las sibilas y profetas.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO

Entre 1536 y 1541, pinta en el ÁBSIDE el Juicio Final, el epílogo de la Humanidad. Concebida como una obra manierista, siendo un “torbellino” de cuerpos, expresiones y actitudes llenas de dolor y terror. Cristo como juez divide la composición; a su lado, la Virgen aparece atemorizada. Los condenados aparecen en el registro inferior, donde, en la Laguna Estigia (Divina Comedia de Dante), Caronte los espera en su barca para llevarlos al infierno. Fue pintado tras 1527, año del Saqueo de Roma por las tropas de Carlos V, generando un caos espiritual en Roma. La obra fue condenada por su inmoralidad e intervenida por encargo papal, cubriendo los genitales de las figuras el pintor Daniele da Volterra, “il braghettone”.

La pintura de la capilla fue restaurada en profundidad en 1980, descubriéndose la vitalidad de los colores.

 LA ESCUELA VENECIANA.

Venecia representa, en oposición a Florencia (escuelas asociadas al dibujo, la perspectiva y la geometría), el triunfo del color. Apostando por la concepción aristotélica de la materia y la Naturaleza, el color encarna lo sensual y sensorial, más allá de lo intelectual. Los grandes pintores de la escuela (Giorgione, Tiziano, Tintoretto o Veronés) fueron conocedores de las leyes del diseño y la perspectiva, pero estaban más interesados en la creación de “sinfonías de color”, siendo por tanto Venecia protagonista de una “revolución pictórica”.

 GIORGIONE (1478-1510):

Desarrolla una escasa obra, debido a su temprana muerte, pero inaugura esta nueva manera de hacer pintura.

a) La tempestad (1505-1510): Óleo sobre lienzo. Su obra más conocida. Aparece una escena en la que destacan la captación de la atmósfera y la oposición entre vegetación y mundo natural y el mundo construido y artificial. Debate en torno a los personajes (¿Adán y Eva?)

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO  TIZIANO (1490-1576):

El gran protagonista de la escuela y uno de los mejores pintores del Cinquecento. Coincide con Giorgione en el taller de Bellini, maestro de ambos. Consigue fusionar el tratamiento de la luz y el color, con los avances de los artistas del siglo XVI. En 1516 será nombrado pintor oficial de la República Veneciana, desarrollando una abundante obra, en la que podemos establecer una evolución, hasta llegar a obras más dramáticas en su fase final. Fue un pintor que trabajó todos los géneros, y estuvo fuertemente vinculado a la corte de Carlos V y Felipe II.

a) La Asunción de la Virgen (1516-1518): Óleo sobre tabla. Su primera gran obra, encargada para el altar mayor de una iglesia veneciana. Composición dividida en tres registros, y presidida por la imperiosa imagen de la Virgen. La escena presenta un equilibrio clasicista incluso en el reparto cromático, que establece los colores más fuertes para las figuras principales.

b) Retablo o Pala Pesaro (1519-1526): Óleo sobre lienzo. La composición deja de ser clásica; se trata de una Sacra Conversazione, en la que la Virgen con Niño están desplazados, aunque resaltados en luz y color. San Pedro preside la escena, estando el donante en el registro inferior. De nuevo, la jerarquización plasmada en el color y el detalle.

c) Retratos de Carlos V y Felipe II: Desde 1529, con el primero, Tiziano trabaja para la corte, siendo nombrado el 1533 pintor oficial. En sus retratos logra, además del gran parecido físico, hacer personajes solemnes, triunfantes.

De todos, el más conocido es el de Carlos V en la Batalla de Mühlberg (1548), óleo sobre lienzo, en defensa de la cristiandad amenazada por el protestantismo. Aparece en pose elegante y seria, digna de un vencedor; sorprende que el fondo sea tranquilo (no es una escena bélica). Destaca el color rojo y los brillos de la armadura, así como la recreación de la atmósfera.

d) Retrato de Paulo III y sus sobrinos (1546). Óleo sobre lienzo. Aparece, de nuevo, la importancia del color rojo, y la actitud de cada uno de ellos reflejada en la obra (afán de poder, servilismo, contención…)

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO e) Autorretrato (1573-1576): Profundidad psicológica. En manos del pintor Rubens durante un tiempo.

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Bacanal (1523-1526). Museo del Prado. El tema mitológico será también defendido por Tiziano, por encargo de nobles y burgueses. Es la fiesta organizada en torno al Dios Baco, ordenada por líneas diagonales, y cargada de dinamismo. La figura lateral, a modo de Venus, puede ser Ariadna, y en ella, Tiziano representa a su amada.

38 g) Baco y Ariadna (1520-1523): Ariadna despidiéndose de su amado anterior, y recibiendo al nuevo, Baco, que llega con su cortejo.

h) La Venus de Urbino (1538) Óleo sobre lienzo. Gallería de los Uffizi, Florencia. Es una Venus cortesana, orgullosa de su belleza y de su desnudo, sin aparecer como la tradicional venus púdica. Las líneas de perspectiva y los colores oscuros del fondo hacen resaltar aún más la figura, ensalzada por el color y la luz. Influyente en otros pintores (Olimpia, de Manet)

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Dánae (1553-1554). Óleo sobre lienzo. Museo del Prado. Otra de las obras creadas en esa línea de erotismo. Junto con otros cuadros (Venus y Adonis), el mismo autor los denominó “Poesías”. Encerrada por su padre, rey de Argos, para que no tuviese descendencia, ésta es poseída por Zeus, metamorfoseado en lluvia dorada, del que nacerá Perseo. El espacio no está definido, pero de nuevo, el color oscuro, y la edad de la criada que recoge las pepitas de oro, ayuda a realzar la figura de Dánae. Pintada para Felipe II.

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Amor Sacro y Amor Profano (1514). Óleo sobre lienzo. La doncella, vestida, simboliza lo efímero del amor profano (recipiente con oro y joyas); Venus, con una lamparilla, simboliza lo eterno del amor sagrado.

[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO  TINTORETTO (1518-1594):

El más manierista de la escuela; realiza cuadros religiosos de gran tamaño, en los que el colorismo veneciano se mezcla con efectos dramáticos de luz y composiciones complicadas.

a) El lavatorio (1547) Museo del Prado: Óleo sobre lienzo. La escena principal aparece relegada a un extremo (Jesús y San Pedro). La escena presenta el momento en el que, tras la Última Cena, Jesús se dispone a lavar a sus discípulos. El que la escena principal se desplace a la derecha y se oriente para ese lado la mesa, se explica porque el cuadro ocuparía una pared lateral. El tratamiento de los fondos es plenamente renacentista (parece la ciudad de Venecia). Destaca la figura de la izquierda, que mantiene un elaborado escorzo y recuerda a la plástica de Miguel Ángel.

 VERONÉS (1528-1588):

Pintor dedicado al lujo aristocrático y a la glorificación de la ciudad de Venecia. Son escenas muy amplias, en las que destaca el tratamiento de telas, joyas, mármoles, y los grandes escenarios en los que se recrean, siendo obras de carácter religioso mayoritariamente.

a) Cristo entre los doctores (1560): Óleo sobre lienzo. Una gran composición, de veinticinco figuras, en las que destaca la de Cristo, en el centro, simbolizando el poder de la razón de sus argumentos ante los doctores del judaísmo. El marco recuerda a las construcciones de Palladio. El punto de vista, desde abajo, es muy atrevido.

b) Cena en casa de Leví (1573): Óleo sobre lienzo. Cuadro que le generó problemas, debido al tratamiento poco ortodoxo de un tema cristiano (aparecen perros, enanos, vestiduras modernas, militares, cortesanos…), puesto que el encargo era una Última Cena. Veronés sólo cedió en cambiar el nombre de la obra. De nuevo, las arquitecturas son totalmente palladianas.

c) Las bodas de Caná (1563) Museo del Louvre: Óleo sobre lienzo. Otra de sus grandes composiciones y una de sus más conocidas obras. Mide casi 10 metros por 8 metros de alto. Representa el primer milagro de Cristo, invitado a la ceremonia junto con la Virgen y algunos apóstoles, convirtiendo el agua en vino una vez éste

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO se agotó. De nuevo, una escena religiosa inserta en un banquete a la usanza de la Venecia del momento. Dividido en dos registros diferenciados: el inferior, con más de cien figuras, lleno de escorzos y color; el superior, encarnado por una arquitectura que, prácticamente, se acababa de construir en ese tiempo. Aparecen también detalles orientalizantes y exóticos en ropas y personajes.

4. ESPAÑA. ARQUITECTURA: DEL PLATERESCO AL ESCORIAL. ESCULTURA: LOS PRIMEROS IMAGINEROS, BERRUGUETE Y JUAN DE JUNI. PINTURA: EL GRECO.

38 El Renacimiento llega a España en el Siglo XVI, de la mano de artistas que vienen a trabajar, de españoles que marchan a estudiar a Italia, o de la llegada de tratados (Serlio, Palladio, Vignola) que introducen las formas clásicas en el país. En un primer período, el de los Reyes Católicos, se observa cómo estos se mantienen fieles al estilo gótico, siendo la nobleza la que quiere diferenciarse, apostando por el nuevo estilo. El segundo periodo lo marcan las décadas intermedias del XVI, con la publicación de tratados españoles (Medidas del Romano, Diego de Sagredo) y, un periodo protagonizado por Carlos V. El último, el de Felipe II, marcado por la construcción del Escorial, en el que los artistas españoles dominan perfectamente el nuevo código.

 ARQUITECTURA: DEL PLATERESCO AL ESCORIAL.

La arquitectura del Renacimiento español se puede dividir en tres períodos: El primero, con una pluralidad de opciones, de las que destaca el Plateresco, denominado así por su riqueza decorativa en fachadas (arte de los plateros); el Purismo o Clasicismo, y el Escurialense o Estilo Herreriano.

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Primer período: Variedad de formas. Plateresco.

a) Palacio de la Calahorra (1509-1512): LORENZO VÁZQUEZ. El más importante arquitecto de la corte bajo el mecenazgo de los nobles de la época. Lo encarga el Marqués de Cenete. Es la síntesis perfecta entre tradición medieval (en el exterior es una fortaleza) y el nuevo lenguaje renacentista, expresado en el patio interior de columnas de mármol italiano.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO b) Palacio de Cogolludo (1492-1502): LORENZO VÁZQUEZ. Articulado como un palacio florentino, en dos pisos, bajo el recurso del almohadillado, tiene reminiscencias góticas (ventanas), bajo soluciones renacentistas (cornisa, balaustrada…)

c) Fachada de la Universidad de Salamanca (1525): Autor desconocido, aunque se nombra, entre otros, a Juan de Álava. Es un elogio a la sabiduría, la ciencia y la Monarquía (los Reyes Católicos aparecen en el tondo del primer piso) Estructurada a modo de tapiz o retablo, de cinco calles y tres cuerpos, divididos por pilastras con columnas adosadas. Reminiscencias del gótico, los dos arcos carpaneles y el parteluz, así como los pináculos. Es un importante ejemplo del estilo plateresco: horror vacui en la fachada, en la que aparecen grutescos en los tres paneles, junto con otras representaciones, ocultando la fachada la verdadera forma del edificio, yendo de medios relieves en la parte más baja, para alcanzar el alto relieve. Variedad de opiniones en cuanto a la iconografía y la simbología. Lo más popular de la fachada, las tres calaveras de la pilastra derecha, una de las cuales contiene la rana, y el astronauta, añadido en su restauración. d) Ayuntamiento de Sevilla (1527-1534): DIEGO DE RIAÑO Y JUAN SÁNCHEZ. Otro de los grandes ejemplos del plateresco. Dividido en dos pisos, de nuevo aparecen los grutescos y las menciones a personajes históricos.

e) Universidad de Alcalá de Henares (1543): GIL DE HONTAÑÓN. Transición al purismo. Se ha reducido la decoración a la portada principal. De nuevo, mezcla de elementos góticos (prueba de la permanencia del lenguaje en España) con renacentistas.

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Palacio de Monterrey (1539): GIL DE HONTAÑÓN. Formas aún medievales, sobre todo en el último de los tres pisos (crestería). El almohadillado aparece muy poco trabajado. Estructura muy influyente en los palacios de la época.

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Segundo Período: Purismo o Clasicismo.

Se han asimilado las proporciones y formas clásicas, con lo que aparece la plenitud del Renacimiento en España. Coincide con el reinado de Carlos V, y la difusión de la tratadística española (Diego de Sagredo).

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO a) Escalera dorada de la Catedral de Burgos (1519): Diego de Siloé. Es una obra de sus inicios en Burgos. Majestuosa, salva un desnivel de ocho metros, concibiendo la obra de manera muy clasicista y geometrizada, bajo decoración plateresca. El hierro es de un maestro francés.

b) Catedral de Granada (1528-1583): Diego de Siloé. Llega a Granada para terminar la Iglesia de San Jerónimo, y a los meses, recibe el encargo de la construcción de la Catedral. Comenzada en estilo gótico, con trazas de Enrique Egas, Siloé introduce el pleno Renacimiento: cabecera compuesta por una gran rotonda, y cinco naves escalonadas. Como referente, la cabecera se inspira en los martiria, así como en la basílica de San Lorenzo de Milán. El uso del martyrium como cabecera responde a la necesidad e incluir un panteón dinástico para Carlos V y sucesores, y honrar al mártir San Cecilio, discípulo de Santiago. El hecho de ser la obra la conmemoración de la toma de la ciudad a los musulmanes, explica que el proyecto fuese bastante austero (Siloé prescinde del Retablo Mayor, sustituyéndolo por un altar).

Carlos V había visitado la tumba de sus abuelos y piensa en la necesidad de construir un panteón real más monumental para los Austria, decidiéndose por la Capilla Mayor. Siloé realiza un alzado y exterior plenamente renacentistas, siendo la fachada del siglo XVII (barroca), obra de Alonso Cano. Estaban previstas dos torres de 80 metros, pero la muerte de Alonso Cano, la falta de presupuesto y la construcción del Sagrario, en el XVIII, impidieron el proyecto, construyéndose sólo una, con tres de los seis cuerpos que tendría. De todas las puertas de la Catedral, destacan la Puerta del Perdón y la de San Jerónimo, además de la barroca de Cano, concebida como un arco de Triunfo. En el interior, el espacio se articula en pilares inspirados en Vitruvio, con un entablamento superior y platabandas, que los estiliza y genera sensación de altura. Estos pilares conectan con bóvedas de crucería; todo el espacio es de un inmaculado y elegante blanco. En la Capilla Mayor, de 22 metros de diámetro y 45 de altura, se ha conseguido una proporción dupla, y articulada con una serie de bóvedas que llevan desde el altar al deambulatorio. En el muro, se superponen un apostolado, esculturas doradas de santos fundadores, pinturas dedicadas a la Virgen, y vidrieras en la zona superior, todo articulado por pilastras de orden gigante. Se doran, además, los nervios de la cúpula y en su interior, el cielo pintado (restaurado en 2006). El templo es el manifiesto de la Catedral renacentista española, influyendo en aquellas que se construyen ahora (Guadix, Málaga, Almería o Jaén). Siloé fusionó perfección estructural, estética y simbólica.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO c) Palacio de Carlos V (1526): PEDRO MACHUCA. Encargo de Carlos V, que ha llegado a Granada por viaje de novios y se embriaga de la Alhambra. Machuca fue pintor y retablista, y no hará otro edificio más que éste, pese a mostrar una excelencia en su trabajo. Con influencia de Bramante en la elaboración del patio, se concibe con el baile entre cuadrado y círculo, simbolizando el poder divino sobre el terrenal (otras lecturas hablan del triunfo del catolicismo). En el patio, se observa una galería dórica, abovedada y sobre ella, otra jónica, con techo de casetones. En la fachada, dos pisos bajo un excelente almohadillado, con pilastras jónicas en el superior, siendo ésta más dinámica (ojos de buey, grutescos…) En las portadas, relieves que glorifican la vida de Carlos V, que nunca llegó a habitarlo. Machuca muere en 1550, y otros arquitectos lo relevan, quedando al final incompleto y no techándose hasta el siglo XX.

d) Iglesia del Salvador de Úbeda (1536-1559): ANDRÉS DE VANDELVIRA. Templo funerario. Sobre proyecto anterior de Siloé. La portada recuerda a la Puerta del Perdón de la Catedral de Granada. Remate de una única torre, al estilo europeo. En la puerta, en el intradós, dioses clásicos; en el segundo cuerpo, trabajos de Hércules y una transfiguración de Cristo, comparándolos a ambos. El interior se concibe con una gran rotonda y una nave añadida. Del retablo se conserva únicamente una Transfiguración de Cristo, obra de Berruguete.

e) Palacio Vázquez de Molina (1546-1565): ANDRÉS DE VANDELVIRA. Actual ayuntamiento de Úbeda. Concebido como villa romana (por el hecho de estar aislado), es herencia del de Carlos V.

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Catedral de Jaén: Sacristía y Sala Capitular (Desde 1540): VANDELVIRA. Edificio original, articulado por arcos y columnas que alojan esculturas (El Ecce Homo es de Vandelvira).

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Tercer período: Escurialense o herreriano.

a) Monasterio de San Lorenzo del Escorial (1567-1584): JUAN BAUTISTA DE TOLEDO Y JUAN DE HERRERA. En el reinado de Felipe II, tiene lugar el culmen del purismo español, siendo para sus contemporáneos la “octava maravilla del mundo”. Unirá la personalidad religiosa, artística y funcional de Felipe II, que, como el rey Salomón en el Templo de Jerusalén, querrá ofrecerle a Dios un edificio perfecto, igual que la corte de los Austria.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO Felipe II había ganado San Quintín el día de San Lorenzo, con lo que le dedica la obra. Los planos los realiza Juan Bautista de Toledo, ejecutando el Patio de los Evangelistas únicamente. A su muerte, Juan de Herrera prosigue. Es un edificio propagandístico, simbolizando la alianza entre la monarquía española y la Contrarreforma (la vuelta al poder del catolicismo). Además, será el culmen del Renacimiento, en cuanto a elegancia, sobriedad y rechazo a la decoración (al margen de las características bolas y pirámides de los remates). Se trata de un gran conjunto articulado en volúmenes geométricos, dotado de panteón, colegio, biblioteca, claustro y dependencias privadas del rey, todo bajo un plano que recuerda a una forma de parrilla (martirio de San Lorenzo) y articulado en torno a patios, siendo la basílica el eje de simetría.

 ESCULTURA: LOS PRIMEROS IMAGINEROS, ALONSO DE BERRUGUETE Y JUAN DE JUNI.

El artista que introduce el Renacimiento en España en escultura será DOMENICO FANCELLI, trayendo el modelo de cama sepulcral. Es el escultor que realiza el Sepulcro de los Reyes Católicos en Granada (Capilla Real), en 1515, diseñado en mármol, con las paredes en talud, presenta a los difuntos yacentes y rodeados de símbolos. A los pies, una cartela sostenida por puttis, glorificándolos. Alrededor, medallones con escenas de Bautismo y Resurrección de Cristo, y apóstoles. En las esquinas, los padres de la Iglesia. Sobre los cuerpos, medallones de San Jorge en el rey, y Santiago en la reina, patronos de Aragón y Castilla. La obra de Fancelli influirá en la de Bartolomé Ordóñez, para Juana y Felipe.

También en la Capilla Real, destaca el Retablo Mayor de FELIPE DE BIGARNY, uno de los primeros y más grandes retablos platerescos en España, mezcla de estilo gótico (por la ordenación) y renacentista. El retablo contiene escenas de la vida de Cristo, escenas de los Santos Juanes y escenas dedicadas a la vida de los Reyes Católicos. Los escultores del XVI en España tienen como referencia a escritores católicos que determinan que las esculturas tienen ahora una misión clara: promover la fe y emocionar al fiel. Es por ello que autores como San Juan de la Cruz recomiendan esculpir “el alma” en las imágenes. Nacen así los primeros imagineros en España, destacando dos artistas, Berruguete y Juan de Juni, con formación italiana. Ambos son iconos del expresionismo religioso en escultura, trabajando en todos los géneros y materiales, aunque destacan en la madera.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO  ALONSO DE BERRUGUETE (1489-1561):

Será defensor del “manierismo alargado”, visto en la obra de Donatello. Castellano, fue alabado por sus contemporáneos, como un gran dibujante y erudito del Arte. Hijo del pintor Pedro Berruguete, en 1504 marcha a Roma, donde, llamado por Bramante, le encargan un dibujo del Laocoonte. Copiará cartones preparatorios de Miguel Ángel y en Florencia, la pintura de Masaccio y la escultura de Donatello. Destaca en su obra la policromía, con oro abundante, intensificando así la expresividad.

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a) San Sebastián y San Benito (1527-1532): Pertenecientes al Retablo de San Benito el Real, en Valladolid. La obra original se componía de once calles y dos cuerpos, con escenas de la infancia de Cristo y la vida de San Benito, enmarcados en figuras de santos y apóstoles, de los que se conservan estas dos obras (además del Sacrificio de Isaac). Todas las figuras y escenas parecen inspirarse en el Laocoonte. Realizadas en madera policromada, permiten un gran realismo y dinamismo en su talla. De San Sebastián, destaca su línea serpentinata, recurso manierista que nos lleva a los esclavos de Miguel Ángel. El canon alargado lo dan las “diez cabezas”.

b) Sacrificio de Isaac (1527-1532): Parte del mismo retablo. De nuevo, la línea serpentinata, el canon alargado de las figuras y el fuerte expresionismo. Todas las figuras se encuentran en el Museo Nacional de Valladolid.

c) Sillería de Coro de la Catedral de Toledo (1539-1542): Encargo del Cardenal Tavera de Toledo, la realizan entre Felipe de Bigarny y él. La obra de Berruguete son 35 del total de los sitiales, realizados en nogal, con personajes del Antiguo Testamento. Cuando muere Bigarny, se le encarga a Berruguete el grupo central de la Transfiguración de Cristo (terminado en 1547), realizado en alabastro. El grupo muestra una escenografía digna del barroco, presentando juegos de luces y sombras. El conjunto es el más expresivo del Renacimiento español.

d) Sepulcro del Cardenal Tavera (1554-1561): Toledo. Realizado en mármol, destaca por haber conseguido reflejar el “rigor mortis”, aplicando un mascarilla funeraria para realizarlo.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO

 JUAN DE JUNI (1507-1577):

Borgoñés, supone la síntesis entre el Renacimiento francés, italiano y español. En Roma, también entra en contacto con la obra de Miguel Ángel. Trabajará todos los géneros y en su obra se aprecia una evolución, yendo desde el expresionismo y detallismo de su producción inicial, hasta una etapa final más reposada.

38 a) Ecce Homo (1544): Madera policromada. Presenta a Cristo en un busto al estilo clásico, con la Corona de Espinas y el manto púrpura. Atributos del dolor y la pasión. Forma parte de la primera etapa de su obra.

b) Entierro de Cristo (1541-1543):Museo Nacional de Escultura de Valladolid. Madera de nogal policromada. Anchura de más de tres metros (el cuerpo de Cristo mide dos metros). Encargada la obra por el que fue cronista de Carlos V, Fray Antonio de Guevara. Se trata de una escena teatralizada, en la que los personajes secundarios se disponen a embalsamar el cuerpo de Cristo. Son siete figuras de tamaño mayor del natural: José de Arimatea muestra una espina de la corona de espinas con gran dramatismo; Nicodemo, habla con María Magdalena en la otra esquina. En el centro, las dos figuras que forman un grupo, San Juan consolando a la Virgen María. Por último, y de pie, María Salomé, con toallas y la corona recién retirada. Además del dolor de la escena, elegantemente representado, destaca lo original del recurso en el que el espectador participa de la acción. Importante también la expresividad de la policromía.

c) Virgen de las Angustias (1570): Marca la tipología de Virgen Dolorosa, registro muy repetido a partir de ahora. Paso procesional de Semana Santa. Añadidos postizos posteriores (“La Virgen de los cuchillos”: siete cuchillos en la mano sobre el pecho)

d) Retablo de Santa María de la Antigua (1545-1562): Altar mayor de la Catedral de Valladolid. Realizado en madera policromada, representa el retablo manierista por excelencia, debido a la adaptación fantasiosa al marco arquitectónico de la Iglesia de Santa María de la Antigua. En el eje central vertical, la Inmaculada; arriba, Santa Ana enseña a leer a la Virgen; en la escena superior, el Calvario.

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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO

 PINTURA: EL GRECO (DOMENIKOS THEOTOKÓPOULOS, 1541-1614)

Es la figura principal de la pintura del siglo XVI en España. Su origen cretense le valió el sobrenombre de “El Greco”. En su primera etapa, inicia su formación como pintor de iconos, de acuerdo con la tradición bizantina. Desde 1567 permanece en Venecia, donde pudo ser discípulo de Tiziano, y estudia la obra de Tintoretto. Su paso por Roma hará que estudie la obra de los grandes, entre ellos, de Miguel Ángel. El Greco fusiona influencias y adquiere la fuerza del color de los venecianos y la importancia de la forma de Miguel Ángel. Desde 1576, se traslada a España, para trabajar en la decoración del Escorial con Felipe II. Para ello, presentará la obra San Mauricio y la legión tebana, que finalmente no formó parte de la decoración del monasterio por su poca ortodoxia, pero le valió el reconocimiento del rey. Marcha después a Toledo, donde vivirá hasta su muerte. Su estilo es profundamente personal, yendo desde las más duras críticas hasta las más sublimes alabanzas. Sus pinturas se mueven en gamas cromáticas ricas y suntuosas (carmines, amarillos, verdes, azules y blancos argentados), bajo una pincelada muy suelta y fuertes contrastes lumínicos. Las composiciones son tensas y dramáticas, muchas de ellas aderezadas con escorzos. El canon de sus figuras es tremendamente alargado, manierista, siendo en los temas religiosos figuras con un exaltado misticismo. De ellas se dice que son ingrávidas; de sus cielos y atmósferas, irreales. En los retratos sí se acercará más a la realidad, aunque les imprime su personalidad.

a) La curación del ciego (1567): Escena muy dinámica, en la que la escena principal aparece desplazada a la izquierda. El marco es una gran plaza con arquitecturas renacentistas. De la obra se dice que presenta una contradicción lumínica, un erróneo punto de vista, algo característico de su estilo.

b) El Expolio (1577-1579): Óleo sobre lienzo (280 x 170 centímetros).Encargo del obispo de la Catedral de Toledo, el tema no fue del gusto del canónigo (lo calificó de poco ortodoxo) y el Greco no recibe el pago esperado. Representa el momento en que Cristo es desnudado en el Calvario para ser crucificado. El impresionante óvalo que supone la túnica de Cristo preside la composición. Al lado de Cristo, Longinos, en cuya armadura se refleja el rojo. En un primer plano, destaca el escorzo del que prepara el madero de la cruz, y el grupo de las tres Marías. Lo que no es protagonista en la escena, está oscurecido. Destacan los rostros de los personajes de alrededor de Cristo, en contraste con la luminosidad y quietud de su rostro.

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c) La Trinidad (1577-1580): Museo del Prado. Óleo sobre lienzo. De grandes dimensiones, de nuevo Cristo es centro de una original composición en forma de corazón, presidida por Dios que sostiene a Cristo y el Espíritu Santo arriba. Alrededor, ángeles en actitudes variadas. El cuerpo de Cristo presenta proporciones clásicas, aunque el manierismo es patente en la línea serpentinata.

d) El martirio de San Mauricio y la legión tebana (1580-1582): Monasterio de El Escorial. Encargo de Felipe II. Mezcla de iconografía religiosa con política (el hijo de Carlos V, Juan de Austria, aparece retratado, entre otros). El Greco crea una composición compleja: el martirio queda relegado y en la escena principal, la conversación entre Mauricio y compañeros de legión, cristianos provenientes de Tebas para pacificar las Galias, decidiendo no idolatrar a los dioses paganos, por lo que fueron martirizados. El cuadro no ocupó el lugar para el que había sido encargado, por lo “poco claro de su mensaje”.

e) El entierro del Conde de Orgaz (1586-1588): Iglesia de Santo Tomé. En 1582 fija su residencia definitiva en Toledo. Allí realiza una de sus obras cumbres. En la escena, aparece el Conde Gonzalo Ruiz de Toledo, sostenido por San Agustín y San Esteban, que han bajado del cielo para llevárselo a ser enterrado en Santo Tomé. Se divide en dos escenas (la muerte y dimensión terrenal, y la resurrección y dimensión celestial); en la zona inferior, el cortejo fúnebre es una galería de retratos contemporáneos al pintor; la transición es la propia alma del Conde, concebida como un feto (la resurrección como nacimiento), que se eleva y es recibida por la Déesis (Cristo, María y San Juan), y el resto de Santos y ángeles. El niño del registro inferior es su propio hijo, retratado con diez años, y el mismo pintor aparece en la escena.

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La expulsión de los mercaderes del templo (1600): National Gallery de Londres.

g) El caballero de la mano en el pecho (1580): Óleo sobre lienzo. El Greco dedica parte de su obra al género del retrato. En este caso, el protagonista es desconocido, aunque tradicionalmente se identificó con Cervantes. Muestra el perfecto español del Siglo de Oro; aparece realizando un juramento. Hay profundidad psicológica y una importancia del rostro gracias a la luz. h) Retrato del Cardenal Niño de Guevara (1597-1600)

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Autorretrato (1595-1600): Retrato intimista.

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