T65 - Picasso, Dalí, Miró

 

 Tema  T ema 65. Picasso, Picasso, Da Dalí lí Y Mir Miró ó En Su Con Contexto texto Artístico Artístico ESQUEMA INTRODUCCIÓN 1. PICASSO 1.1.- Los años de formación 1. 2.- La vanguardia artística 1.-3.- La época azul (1900-1903) 1.-4.- La época rosa (1904-1906) 1.5.- El cubismo (1907-1914) 1.6.- Nuevas experiencias estéticas (1914-1937) 1-7.- La Guerra Civil española  1.8.- La creatividad de los últimos años  2. DALÍ 2.1.- La vinculación inicial al impresionism impresionismo o (1914-1920) 2.2.- La influencia de las vanguardias 2.3.-Dalí surrealista 2.4.- La vuelta al clasicismo 2.5.- Las últimas obras 3. MIRÓ. 3.1.- Los comienzos 3.2.- Vinculación con el surrealismo 3.3.- Ruptura con el surrealismo 3.4.-El estilo pleno BIBLIOGRAFÍA INTRODUCCIÓN  Tres grandes artistas destacan en la prolífica producción pictórica dentro del panorama artístico del siglo pasado, tanto por sus características propias como por su vinculación a los movimientos artísticos de vanguardia: Picasso , vinculado al cubismo y al expresionismo, Dalí, al surrealismo figurativo  y Jo surrealismo alismo abst abstracto, racto,  evoluc evolucion ionand ando o casi casi a la no figura figuració ción n Joan an Mi Miró ró  al surre deliberada. Cada uno de ellos trae a nuestro país las características propias de sus respectivos movim mo vimien ientos tos y contri contribuy buyen en con con sus experi experien encia ciass en difer diferent entes es campos campos -escul -escultur tura, a, cerámi cerámica, ca, liter literatu aturara- a enriqu enriquece ecerr las difer diferent entes es manife manifesta stacio ciones nes de un arte arte que tie tiene ne como como objeti objetivo vo fundamental la ruptura con todos los convencionalismos heredados del pasado. La huella de estos artistas artistas fue larga y variada. Para empezar, empezar, las tendencias figurativas e arrancan del sentido sentido del dibujo y de la prec precisió isión n volumétric volumétrica a de Picasso Picasso y Dalí. hiperrealistas   arrancan Mi Mien entra trass que la abstracción sígnica y geometrizada, propia del surrealismo abstracto, debe mucho a la obra de Miró. Todos ellos aportan además a la historia del arte, un nuevo concepto de artista y un proceso de experimentación continua en materiales y técnicas que va a ser una de las características fundamentales de los movimientos movimientos de vanguardia. 1.

PICASSO(1881-1973)

  “ Estoy orgulloso de decirlo, jamás he considerado la pintura como un arte de simple juego, de  distracción, yo he querido, mediante el dibujo y el color , puesto que éstas eran mis armas , penetrar  siempre más adelante en el conocimiento del mundo de los hombres, a fin de que este conocimiento  nos libere a todos cada día más; yo he tratado de decir , a mi manera, lo más veraz , lo más justo, lo  mejo me jorr y esto esto era era si siem empr pre, e, natu natura ralm lmen ente te lo más más be bell llo, o, bi bien en lo sabe saben n siem siempr pree los los gr gran ande des  s  artistas ”( ”( Entrevista publicada en L, Humanité de París en octubre de 1944). 1.1.- Los años de formación Picasso es uno de los pocos artistas de quienes se conservan testimonios sobre el conjunto de su creatividad, incluso en su etapa infantil: sabemos de su primera estancia en Málaga, su traslado a La Coruña, ciudad en la cual inició su formación dentro de los cauces artísticos establecidos, compaginándola con sus estudios de Bachillerato. Se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de La ﾧ

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Guarda en dibujo de adorno para mejorar en el tratamiento de la línea y del trazo, sin abandonar nunca esa vena de creatividad que se convirtió, con el paso de los años en una constante en su obra. La añoranza de Málaga que el clima adverso de la ciudad gallega favorecía y el triste hecho de la muerte muer te de la hermana hermana pequeña pequeña del pintor aumentar aumentaron on el deseo de los padres de abandonar abandonar la ciudad y trasladarse a Barcelona por una vacante para el padre en la Escuela de Bellas Artes de la Lonja de Barcelona. Una vez en la ciudad condal, el padre de Pablo consiguió que su hijo fuera admitido para un examen de ingreso en la Academia de La Lonja sin haber cumplido todavía los catorce años. Superó la prueba sin dificultad y a partir de este mome momento nto se va a esforzar por conseguir conseguir el éxito a través través de los cauces oficiales habituales , que incluían la admisión en la Real Academia de Bellas Artes de san Fernando y la concurrencia a las exposiciones nacionales para alcanzar una medalla. Y así fue: en 1897 consigue en la Exposición Nacional de Bellas Artes la medalla de oro por su obra Ciencia y  Caridad . En su suma ma,, a los los diec diecis iséi éiss años años,, Pabl Pablo o most mostra raba ba ya una una co comp mple leta ta madu madure rezz dent dentro ro de la lass posibilidades que ofrecía la pintura oficial en aquel momento.

1. 2.- La vanguardia artística Después de haberse instalado en Madrid, su vida bohemia y el abandono de las clases en la Academia provocaron el descontento de su familia y su regreso a Barcelona. De vuelta al hogar familiar, su amigo Manuel Pallarés le invitó a visitar su pueblo: Horta de Ebro en Tarragona, donde acabaría de reponerse de una escarlatina que le había sumido en un estado de debilidad prolongada. El contacto contacto con la naturale naturaleza za le inspiró inspiró la realizació realización n de unos cuadros cuadros de paisaje, paisaje, claramente claramente inspirados en las propuestas cezannianas. cezannianas. De regreso a Barcelona, esta segunda estancia en la ciudad conocerá al poeta Jaime Sabartés, con quien inició una gran amistad (que se vio reforzada a partir de 1935 cuando Picasso le llamó para convertirle en su secretario, puesto que desempeñará hasta 1968. Sabartés le introdujo en los círculos de la bohemia. El punto de reunión era el café de Els quatre  gats   que frecue frecuenta ntaban ban músic músicos, os, pintor pintores es (Isidr (Isidro o Nonell Nonell,, Ramón Ramón Casas, Casas, Santia Santiago go Rusiño Rusiñol) l) y arquit arq uitect ectos os que compart compartían ían la admira admiració ción n por Toulouse Toulouse Lautrec, Lautrec, Gauguin Gauguin y re remon montab taban an su formación a los prerrafaelitas ingleses y a El Greco. Por otra parte, la vida bohemia de Picasso en Barcelona incluía el contacto con la vida nocturna de la ciudad cuyas típicas calles y cafés que habría de traspasar traspasar a sus lienzos. lienzos. A finales de 1900 emprende su primer viaje a París coincidiendo con la apertura de la Exposición Universal de París. Una vez allí se alojan en el estudio de Isidro Nonell y dedican, Picasso y su amigo Pallarés, sus ratos libres a visitar los museos, galerías de arte con la exhibición de obras de artistas contemporáneos contemporán eos y el Trocadero, lugar donde donde se podían ver un buen número número de máscaras africanas africanas que fascinarán al artista. En esta estancia conoció conoció al industr industrial ial Pedro Mañach que estaba interesado interesado por el mercado de obras de arte. Mañach firmó un contrato con Picasso por el cual, éste pintaría para él a cambio de una asignación mensual de 150 francos y la promesa de organizarle una exposición en París en la sala de Ambroise Vollard , cuando el artista tuviera preparado un conjunto de obras suficiente. 1.-3.- La época azul (1900-1903) Al regresar de París, Picasso se traslada primero a Málaga y después a Madrid. Aquí pinta su Mujer Mu jer en azul azul para para la Exposici Exposición ón Naciona Nacionall de Bellas Bellas Artes. Artes. Es una una pintur pintura a que confirm confirma a la independencia creativa del artista. Ya no necesita tener delante un modelo o una realidad concreta sino sin o que su subjet subjetivi ividad dad le va a permit permitir ir dar vida a un person personaje aje anónimo anónimo e inven inventad tado o co como mo pretexto para dar rienda suelta a su manejo del dibujo y del color. A mediados de junio. Picasso viaja de nuevo a París con un número de lienzos que le iba a permitir realizar una exposición en la galería de Ambroise Vollard que había sido el marchante de los impresionistas. impresioni stas. Su amigo Sabartés se refiere a las pinturas de esta etapa en los siguientes términos:” términos:” Son de tonalidades tonalidades violentas, violentas, de colores abigarrados abigarrados que, al primer primer golpe de vista producen el efecto  de los colorines de una baraja”. Sin embargo, a pesar de las influencias de Daumier y van Gogh, la producción de este periodo se denomina época azul porque, efectivamente, el resto de los colores irá desapareciendo del lienzo y todo quedará reducido a las variaciones del azul que crea una atmósfera desolada y nocturna. En cuanto a los personajes son seres solitarios y abstraídos, a menudo replegados sobre sí mismos. Su configuración se apoya en el dibujo de figuras estilizadas y espirituales a la manera de El Greco. ﾧ

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Poco a poco, en la producción de Picasso se va a advertir la importancia del trazo en el diseño de las figuras y sin necesidad de ningún elemento externo externo que las complete (Madre (Madre con niño enfermo). 1.-4.- La época rosa (1904-1906) Por fin, en abril abril de 1904 1904 Picass Picasso o decide decide marchar marchar de nuevo nuevo a París, París, donde se establ establece ecerá rá definitivamente. definitivamen te. Se instala en un ruinoso edificio edificio El Bateau Lavoir, donde se alojaban otros artistas: Max Ma x Jacob, Jacob, Manol Manolo o Hugué Hugué , Juan Juan Gris Gris o Amadeo Amadeo Modig Modiglia liani ni.. Sin embargo, embargo, el perso personaj najee más importante que entró en el primer año fue Fernande Olivier, el primer amor de nuestro pintor.  También conoció en este momento a los hermanos Sitien, Leo y Gertrude, intelectuales intelectuales norteamericanos norteamer icanos amigos y admiradores de la obra de Picasso. En este periodo, las expresiones se suavizan y los personajes extraídos del circo esbozan una media sonrisa les da un aire melancólico característicos. Las figuras están tratadas con un dibujo firme y rotundo, no exento de lírica, aunada con las variaciones de unas tonalidades rosas y ocres en unos personajes que no se relacionan entre sí. Para hacer más significativo este cambio, la atención de cada figura se dirige hacia puntos distintos, buscadamente contrapuestos. Pero lo primordial sigue siendo la predilección de Picasso por el dibujo, las formas y los volúmenes rotundos, como modelados. De esta etapa arranca la predilección del artista por la escultura propiamente dicha. Las referencias a periodos anteriores son claras: Grecia arcaica y clásica, la escultura ibérica y el arte negro. Sin embargo, en ciertas obras como El peinado  de   de 1906 manifiestan el cambio estético. Los contornos empiezan a disolverse, la estilización va desapareciendo y los rostros se vuelven esquemáticos. La propia concepción del espacio, mantenida hasta entonces dentro del concepto clásico, comienza a perder entidad real. real. Picasso va más allá en otra obra: Dos desnudos femeninos , las figuras son puros volúmenes de canon corto y miembros macizos, con evidente tendencia a la geometrización. Todo ello evoca la idea de descomposición de la forma y de la realidad entera, como expresión máxima de lo que el artista siente interiormente interiormente acerca de la realidad. 1.5.- El cubismo (1907-1914) El cubismo fue una propuesta estética que, como sus principales cultivadores afirmaron , no es fruto de un planteamiento intelectual sino del deseo de representar lo que ellos sentían. No obstante, la manera radical en que era necesario necesario formular tan innovadora innovadora propuesta exigía un protagonista adecuado con una trayectoria que trascendiera los límites de la apariencia visible. El retrato de Gertrude Stein Corría el año 1906 y Picasso se atrevió a tomar la medida a Gertrude Stein. «Nadie había posado para él desde los 16 años y ahora tenía 24, y Gertrude nunca pensó que le harían un retratro, y ninguno de los dos sabía cómo iba a salir», escribió la propia Stein tiempo después. Posó para él 80 o 90 veces, sentada en un viejo y maltrecho sillón, masticando la paciencia por amor al arte. Picasso no tuvo mayores problemas con el contorno ampuloso y masivo de su 'musa', pero al llegar al rostro quedó cegado. « ¡No puedo verte cuando te miro!», exclamó en un ataque de ira. A lo más que llegó fue a pintar la cabeza, y se marchó de vacaciones a España. Allá encontró la inspiración suficiente y a la vuelta remató de memoria el retrato, en el que el rostro de Stein adquiere la falta de expresión de una máscara y la rigidez de una escultura ibérica, con trazos incipientes de lo que luego sería el cubismo. Cuando los críticos le dicen a Picasso que el retrato y la retratada no se parecen, el pintor responde con una de sus poses de genio: «Acabarán pareciéndose ». ». Dieciseis años después, Gertrude Stein posa junto a su retrato y la cámara de Man Ray confirma que efectivamente se van pareciendo. Como muestra de gratitud, la escritora le devuelve el favor y le hace un retrato poético en su intransferible intransferi ble estilo: «El es, y como él es y él es, él es...». Las señoritas de Avinyó Picasso casi nunca ponía título a sus obras hasta meses o años después de ser pintados. Cuando presentó esta obra a sus amigos, era una obra sin título. Su compañero Apollinaire le dio el títuki títuki de El burdel burdel filosófi filosófico co y André André Salmo Salmoll lo lla llamó mó les demois demoisell elles es de Avinyó Avinyó , una una calle calle de Barcelona en la que se concentraban prostitutas. Salvo aquellos amigos, nadie conocía tal calle y pronto empezó a confundirse el término catalán Avinyó con el francés Avignon. Con este título ha llegado a nuestros días. La escena tiene lugar en el interior de un burdel; mujeres desnudas y un bodegón con unas frutas. De las cinco mujeres que se presentan, hay tres cuyo rostro se parece a una máscara, sin embargo, las dos del centro tienen sus caras más acordes con el resto del cuerpo. La mujer de la izquierda parece que que está entrando en una habitación y sujeta una cortina cortina con la mano derecha derecha levantada. La figura que está a su lado tiene una perspectiva muy especial; está tumbada y vista desde arriba con su brazo derecho doblado tras la cabeza y una pierna cruzada sobre la otra. La única figura sentada está también en una posición imposible: de espaldas al espectador pero con la cabeza totalmente de frente. ﾧ

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Sigu Siguie iend ndo o su co cost stum umbr bre, e, Pica Picass sso o re real aliz izó ó una una seri seriee de bo boce ceto toss pr prep epar arat ator orio ioss pa para ra esta esta composición: óleo, acuarela y una gran cantidad de dibujos de los personajes. Observándolos, podemos apreciar los cambios que el artista realizó en la composición: de siete mujeres pasó a cinco, suprimió dos hombres, un estudiante de medicina y un marinero que iba a incluir y un bodegón, muy similar al que hoy vemos con rajas de sandía, un porrón de vino y una jarra de flores. Para llegar a la creación de estos bocetos, el artista realizó una gran cantidad de dibujos preparatorios de rostros, posturas y actitudes. Todos ellos se conservan. conservan.

A)- Cubismo analítico La trayectoria descrita por la obra de Picasso llevaba implícita una forma de superar la realidad a través de conceptos tales como la observación directa de la escultura ibérica y del arte negro que suponen un intento de retorno a la ingenuidad del arte primitivo. Esta fase del cubismo pretende descomponer descomponer los elementos visibles de la realidad: los miembros anatómicos cortados en arista viva.   el ef efec ecto to prov provoc ocad ado o por por una una lu luzz múlt múltip iple le pr proy oyec ecta tada da so sobr bree la lass masa masass cromáticas presentar un mismo elemento de frente y de perfil. el espacio no es ya un elemento delimitado sino sino que ocupa los intervalos vacíos entre las figuras, quebrándose en planos angulares como si se tratara de un espejo roto, integrándose en un todo con ellos. Rupt Ru ptur ura a co con n la re repr pres esen enta taci ción ón de la re rela laci ción ón ob obje jeto to-e -esp spac acio io y de la tridimensionalidad tridimension alidad mantenida desde el Renacimiento. Renacimiento. Ahora, la realidad se representa en una superficie plana, esencialmente esencialmente pictórica. Ejemplos de esta etapa son el retrato de Kahnweiler y los paisajes de Horta de Ebro . B) El collage El cuadro, como hemos visto, es ahora un ente autónomo, algo con vida propia, que puede contener partes partes o fragmentos tangibles de esa realidad. Telas, papel, aren arena a y otras sustancias que se fueron incorporando paulatinamente. paulatinamente. Son las obras realizadas entre 1911 y 1913. C)- El cubismo sintético La fragmentación comienza a remitir poco a poco: los planos se van haciendo más amplios, al tiempo que la multiplicidad de los puntos de vista tiende a concretarse , de tal forma que la realidad  ya no está representada por un cúmulo de facetas , sino por un aspecto único. Es como haber atravesado un nuevo proceso de depuración de la realidad mediante el conocimiento del pintor, siempre en busca de la esencia de aquella. Pero esto no significa que los objetos sean reconstruidos de forma natural, siguen siendo imágenes extraídas de la mente del artista. En 1914, la experiencia cubista queda superada pero esta estética supondrá un recurso repetido en la obra de Picasso y al que volverá en los años 30. Obras de esta etapa y resultados de la misma: Retrato de Juan Gris y los tres músicos. 1.6.- Nuevas experiencias estéticas (1914-1937) El comienzo comienzo de la primera primera Guerra Guerra Mundial introduj introdujo o muchas alteracion alteraciones es en el universo universo del pintor: los amigos del pintor fueron movilizados y su compañera sentimental Eva Gouel falleció en 1915. 191 5. La melan melancol colía ía y la soledad soledad le impulsar impulsaron on a viajar viajar a España España aunque aunque regre regresó só a París París a comienzo comi enzoss de 1917. El pintor malagueño malagueño gozaba ya de un prestigio prestigio internaci internacional onal que impulsó impulsó a  Jean Cocteau a invitarle a viajar con él a Roma. Allí le presentará a Diaghilev, director de los ballets rusos. Ello supuso para Picasso el inicio de una serie de colaboraciones dentro del mundo del teatro, sobre todo en el diseño de los vestuarios y decorados de diferentes ballets como Parade(1917 )).. El  sombrero de Tres Picos  (1919)  (1919) y Pulcinella(1920).  También en Roma, Picasso conoce a Olga Koklova, una joven bailarina rusa, que abandonaría la danza para quedarse con él en Barcelona. Se casaron al año siguiente y fruto de esta unión nacería Pablo en 1921. La actividad artística de Picasso en estos años hasta 1936 se desenvuelve en un proceso de continua experimentación fundiendo sus inspiraciones del pasado con sus logros del presente: la retratoo de Olga en un sillón ) o del puntillismo (la salchichona), salchichona), del influencia de Ingres (en el retrat  del mundo clásico griego (tres (tres mujeres en la fuente), del fuente), del cubismo (Tres músicos)  y  y del naturalismo academicista (Retrato de Pablo como arlequín ). ). ﾧ

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Una vertiente nueva que experimenta el pintor en esta época es el surrealismo, representado por la serie de desnudos a la orilla del mar, realizados entre 1930 y 1936. En estas obras queda marcado un contraste entre el plácido ambiente de la playa con dos bandas azules, sin profundidad que distingue dist inguen n el mar y el cielo cielo y los cuerpos cuerpos retorc retorcidos idos y metamorfos metamorfoseados eados de las figuras figuras que que allí aparecen. A menudo se ha pensado que esta violencia surrealista de Picasso tiene su razón en las difíciles relaciones con Olga y a encontrar a la joven de diecisiete años Marie Therese Walter con la que mantuvo relaciones íntimas durante algún tiempo, fruto de las cuales nació su hija Maya.

1-7.- La Guerra Civil española Aunq Au nque ue lejo lejoss de Es Espa paña ña,, nues nuestr tro o arti artist sta a no se in inhi hibe be de lo loss acon aconte teci cimi mien ento toss que que han han desencadenado la Guerra Civil española. Antes al contrario, declara abiertamente su adhesión a la causa de la República cuyo gobierno le nombra Director del Museo del Prado, encargándole también un cuadro sobre la guerra con destino al Pabellón Español de la Exposición Universal de París de 1937. La noticia del bombardeo de Guernica Guernica por la Legión Cóndor aleman alemana a dio el motivo al artista para elaborar una de sus obras más conocidas. El meditado y complejo proceso de creación de este cuadro-realizado entre el 1 de mayo y el 4 de junio de 1937-, tan interesante en sí mismo como la obra definitiva permitió permitió situar la pintura por encima encima del dramatismo dramatismo y la sensibilidad de un suceso suceso concreto para convertirla en símbolo universal en el que queda expuesto el verdadero problema de fondo: la guerra, la brutalidad, la angustia, el dolor, pero también se percibe la esperanza de la solución del conflicto: que brille la luz cuando el poder de los militares haya terminado. Desde el punto de vista artístico, Picasso puso en juego en la creación de esta obra, su conocimiento de los principales planteamientos artísticos: cubismo, clasicismo, visiones surrealistas, todo ello aunado por el lenguaje expresionista expresionista qu quee predomina en la obra. Guernica,   considerado como la mayor pintura política moderna, estuvo expuesto desde 1939 Guernica, hasta1981 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), fecha en que se instaló,no sin polémica, en el Casón del Buen Retiro. Picasso también expuso, Sueño y mentira de Franco, de la que se hicieron copias para venderlas al público y obtener fondos para la causa republicana. El Guernica , una de las obras más importantes del arte contemporán contemporáneo, eo, ha sido objeto de muchos análisis. Vamos aquí a presentar dos de ellos, en primer lugar el correspondiente a la interpretación “histórico-política-antifascista”, que ha sido el comúnmente aceptado, y del que Juan Larrea (1947) es su principal y primer exponente. Esta teoría es avalada por el hecho de que Picasso puso como condición para que el cuadro fuera devuelto al Patrimonio Español el que antes hubiera un cambio democrático en España. La segunda visión es la de Santiago Sebastián (Traza y Baza, 1981), que basándose en comparaciones iconográficas concluyó que Picasso actuó con gran libertad al realizar este cuadro. No se refirió a un hecho bélico concreto, ni siquiera partidista, sino que es una obra de significado universal. En la inter interpre pretac tación ión histór histórico ico-po -polít lítica ica las fig figura urass del Guern Guernica ica podría podrían n inter interpre pretar tarse se de la siguiente manera. La mujer quemándose representaría el dolor de la población civil indefensa, que sufre suf re los efecto efectoss de las bombas bombas incen incendia diaria rias. s. La mujer mujer que escap escapa a corrie corriendo ndo de las bombas bombas representaría la población civil, impotente e indefensa, que sólo puede huir. La mujer que asoma la cabeza por la ventana representa la humanidad, impotente ante todo lo que está contemplando, y que sólo puede gritar. El quinqué y la luz que emite representan la necesidad de informar a todo el mundo de lo que está ocurriendo. Al lado de esta luz existe otra, que parece una lámpara eléctrica encendida, o un sol con forma de ojo, cuya pupila sería una bombilla. Sea un sol o una lámpara, no pueden o no quieren iluminar la escena. Podrían representar La Sociedad de Naciones, la Política de No Intervención, los gobiernos, etc., que lo observan todo, pero distorsionan la verdad de lo que está pasando. El centro del cuadro está ocupado por un caballo herido de muerte, que representaría las víctim víc timas as inoce inocent ntes es de una guerra. guerra. A la izquie izquierda rda vemos vemos un toro, toro, con el cuerpo cuerpo en tensió tensión, n, observando en todas direcciones, vigilante (consiguiendo esto a través de la técnica del cubismo) y amenazante. Es por eso que se pensó que representaba al fascismo. Bajo el toro aparece una madre que sostiene en brazos a su hijo muerto, representando no el dolor físico, sino el anímico que se tiene al ver sufrir a los seres queridos. Entre las cabezas del toro y del caballo se encuentra una paloma, símbolo de la paz. Aparece en un espacio reducido, en el que apenas puede moverse. Además tiene un ala caída, el pico abierto, como gritando. Representa la libertad y la paz oprimidas. El único hombre que aparece es un guerrero que yace muerto delante del cuadro. El guerrero aparece con el brazo cortado y recién decapitado, por lo que está exhalando su último grito de dolor. A diferencia del niño, niño, que muere siendo una una víctima pasiva, el guerrero guerrero muere en acto de combate combate y ﾧ

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representaría a los soldados que mueren en lucha por conseguir sus ideales. El brazo aún sostiene una espada rota en donde también también hay una flor, símbolo símbolo de esperanza. esperanza. Por su parte, Santiago Sebastián, siguiendo la “teoría de los tipos” de Blunt, consideró que el Guernica tenía su fuente de inspiración, o “punto de partida”, en Los horrores de la Guerra  (1638   (1638 ó 1640, Galería Pitti) de Pedro Pablo Rubens, y que por tanto ambos cuadros compartirían el mismo fondo literario, y mismo estilo compositivo (que puede reconocerse mejor si se ve el cuadro de Ruben Rub enss de modo modo invert invertido ido,, de izquie izquierda rda a derech derecha). a). El cuadro cuadro de Ruben Rubenss había había sido sido el más representativo de la Guerra de los Treinta Años (1618-1648), la mayor guerra europea del siglo XVII, tanto por su extensión geográfica como por su significado ideológico, pues inicialmente fue una guerra entre católicos y protestantes. En él Rubens no habría representado un hecho concreto de ninguna guerra, como por ejemplo hizo Velázquez en La Rendición de Breda (1634-35). Antes de seguir, veamos este capítulo de carta de Rubens a su amigo Justus Sustermann (residente de Florencia), hacia 1638-40, explicando el contenido de Los horrores de la guerra: “La figura principal es Marte, que acaba de abrir la puerta del templo (la cual, de acuerdo con la costumbre romana, perman per manec ecía ía cerrad cerrada a en tiempo tiempo de paz) paz) y sale sale precip precipita itadam dament entee con un escudo escudo y una una espada espada ensan ensangre grenta ntada, da, amenaz amenazand ando o con grande grandess desast desastre res. s. Presta Presta muy muy poca poca atenc atención ión a Venus, Venus, que, que, acompañada de unos cupidos, trata de retenerle con caricias y abrazos. Por el lado opuesto le arrast arr astra ra la furia furia Alekto Alekto,, que lleva una antorc antorcha ha en la mano. mano. Cerca Cerca hay dos monstru monstruos os que personifican la Peste y el Hambre, siempre acompañando a la guerra. En el suelo, vemos de espaldas una mujer con un laúd roto, representando la Armonía, incompatible con la disonancia de la guerra. Una madre con un niño en brazos indica que con la guerra han quedado frustradas la fecundidad, la procreación y la caridad. Vemos, además, un arquitecto caído de espaldas, con sus instrumentos en la mano, para demostrarnos que la paz ayuda al crecimiento y embellecimiento de las ciudades, mientras que la fuerza de las armas las destruye y las reduce a ruinas... La afligida mujer vestida, con el velo rasgado y desprovista de joyas u otros adornos, es la infeliz Europa, que desde hace ya tantos años está sufriendo saqueos, ultrajes y desgracias”. Utiliz Uti lizand ando o esta esta base base docume documenta ntal, l, Sebas Sebastiá tián n inten intentó tó hacer hacer una aplica aplicació ción n de la misma misma al Guernica, como camino previo a su interpretación, buscando las transposiciones que Picasso habría llevado a cabo. Así, el templo de Jano, estaría transpuesto en el edificio incendiado, en el que podemos ver la luz del fuego a través de una ventana. Europa, estaría recogida en la figura de gesto desesperado y brazos brazos levantados. La madre que h huye uye corriendo para para poner a salvo a su hijo, queda reconocible en la madre que está bajo el toro, con el niño muerto en sus brazos. La furia Alecto llevando la antorcha fue mantenida por Picasso en la mujer corriendo, siguiendo una línea diagonal,  y eliminando la antorcha. El arquitecto caído, con un compás en la mano y un escoplo en la otra, también lo mantuvo Picasso en su guerrero muerto. Venus, la protagonista del cuadro junto con Marte, es reemplazada en el cuadro cubista por la mujer que se asoma por la ventana del edificio, alargando el brazo para presentar el quinqué. Esta mujer tiene una clara dependencia de Venus, y lo vemos si comparamos en ambas el brazo, la oreja, el cabello y la mano izquierda cubriéndose los pechos pec hos.. Marte Marte no es recono reconocib cible le en el cuadro cuadro de Picass Picasso. o. Pero Pero si consid considera eramos mos los juegos juegos de distorsiones a los que sometía Picasso sus modelos, vemos que lo más notable del Guernica es la sustituc sust itución ión de Marte Marte por el toro. toro. Pues, Pues, según según Santiago Santiago Sebastián, Sebastián, La mitología mitología e historia historia del toro puede guardar una relación con Marte, y, de hecho, entre las piezas romanas halladas en España se conserva una estatuilla de Marte con un toro representado en su coraza. Sin embargo, ya no quedan figuras para ver un precedente del caballo malherido. La única explicación que ve Sebastián es que, una vez introducido el toro, suplantando a Marte, la dialéctica iconográfica requiere otra figura, el caballo, que aquí aparece muriendo en un sacrificio ritual, lo cual encaja con la mentalidad romana en la que se consagraban a Marte los caballos de guerra y uno de ellos se le sacrificaba. Finalmente Santiago Sebastián intentó intentó dar una explicación del Guernica por el difícil camino de la interpretación iconológica. Para él la interpretación iconológica es la que da el significado intrínseco, último y esencial de la obra, en cuanto que comporta valores simbólicos. Ve los símbolos como síntomas culturales, y cómo las tendencias espirituales de la mente humana son expresadas en conceptos comunes, aun en condiciones históricas diferentes. Según Santiago Sebastián: La guerra ha engendrado la destrucción de la humanidad, y en consecuencia también la de la Belleza. Pero en ese trágico trágico momento momento,, la diosa Venus (en el Guernica: Guernica: la mujer que se asoma por la ventana del edificio, que además es un retrato de Dora Maar, la musa de Picasso en esos años) presenta una luz al mundo, para señalar que sobre el caos humano está la perennidad del Arte, es decir, que la Bell Be llez eza a es un orde orden n pres preser erva vado do por por los los dios dioses es.. La lu luzz de Venu Venuss da br bril illo lo y fu fulg lgor or (l (las as dos dos características tradicionales de la belleza). A su vez, el sacrificio del caballo no es secundario. Su inmolación es parte de los mitos de “ascensión” y “paso de nivel”; facilita el éxtasis o viaje místico. ﾧ

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Así el ave misteriosa que sale de la atroz herida del caballo, hacia arriba, refuerza el significado de que el arte no muere, sino que es un valor eterno, que tras el caos pervive. 1.8.-La creatividad de los últimos años   El expresionismo expresionismo del Guernica Guernica sigue dominando en las mejores obras obras de los años inmediatos: inmediatos: Mujer llorando y Bodegón con cabeza de buey . Las figuras figuras que ocupan ocupan ahora ahora las creacio creaciones nes de Picasso describen asimismo unas anatomías retorcidas y un cromatismo estridente, a veces frío y oscuro. Quizás a través de ellas, la sensibilidad de Picasso podía ante la tragedia de los sucesos ocurridos primero en la guerra española y después en la Mundial. A partir de 1945, el pintor decidió afiliarse al Partido Comunista Francés, mostrando también su adhesión a las iniciativas pacifistas promovidas en los años sucesivos. En dos ocasiones recibió el Premio Lenin de la Paz (1950 y 1962). Desaparecido el horror de la guerra, el expresionismo se hace más lírico. Y ello se vio propiciado por la felicidad de su vida personal que había encontrado el equilibrio junto a Francoise Gillot a quien conoció a partir de 1943. Sus relaciones con ella se mantuvieron durante diez años en el transcur tran scurso so de los cuales nacerían sus dos hijos menores, menores, Claude y Paloma. Paloma. Aún quedaría espacio espacio para otra mujer en su vida: Jacqueline Roque con la que contrajo matrimonio en 1961 y con quien compartiría los últimos años de su vida. Desde el punto de vista artístico, Picasso insiste entre 1953 y 1954 en un tema inquietante para él: la creat creativi ividad dad artíst artística ica,, sobre sobre el que re refle flexio xiona na en un conjun conjunto to de casi casi doscie doscient ntos os dibujo dibujoss realizados durante este periodo. Es ese mismo interés por el arte en sí lo que sin duda le llevó en los últimos años a emprender una serie serie de obras en las que interpretaba, bajo el prism prisma a de la creación personal pers onal,, pinturas pinturas famosas tales como las Mujeres de Argel   de Delacroix Delacroix(1955) (1955),, las las Meni Menina nass de Velazquez(1957 ) o el Almuerzo en el campo de Manet(1959). Finalmente, es durante la primavera y el otoño otoño de 1963 cuando cuando el tema se vuelve vuelve autént auténtica icame mente nte obsesiv obsesivo o para para Picass Picasso o como como lo demuestran las series series de grandes grandes obras obras como como la del pintor del pintor y la modelo . Por otro lado, su reconocimiento mundial se traduce en diversos encargos con destino a edificios públicos (La (La caída de Icaro   para para el edific edificio io de la UNESC UNESCO O en 1958, 1958, decorac decoración ión del Coleg Colegio io de Arquitectos de Barcelona en 1960). Pero también, fruto de este prestigio son los múltiples estudios realizados sobre su obra y la organización de exposiciones en en diferentes zonas zonas del mundo: 1960 la Galería Tate de Londres, 1966 en el Grand Palais de París... En España en 1963 se funda, por iniciativa de Jaume Sabartés el Museu Picasso de Barcelona , integrado por el legado del propio secretario del artista, las obras que custodiaban algunos museos de la ciudad y el regalo de las obras del periodo de formación realizada por Picasso en 1970. La presentación pública de estas obras se hizo sin ninguna ceremonia por deseo expreso del pintor ante los acontecimientos políticos que se estaban desarrollando en España( el proceso de Burgos). La larga vida del pinto pintorr le proporci proporcionó onó un amplio periodo periodo de evolución evolución de corrientes corrientes y estilos, estilos, pero también vio en este tiempo como le iban abandonando sus amigos y compañeros. Por eso en los últimos años, se retiró a su villa de Notre Dame de Vie en Mougins, donde Jacqueline cuidará que nadie le importune , de tal forma que solo tendrán acceso al artista sus amigos más íntimos como Rafael Alberti, María Teresa León, Joan Miró . Luis Miguel Dominguín y el cineasta Lucien Clergue que habia dirigido en 1971 el documental titulado: Picasso, guerra, paz y amor.

2.- SALVADOR DALÍ (1904-1989) 2.1.- La vinculación inicial al impresionismo (1914-1920) Dalí comenzó a pintar hacia 1914, motivado por el viaje que realizó al Molí de la Torre que sus amigos, la familia Pichot, poseían en el llano del Ampurdán. El motivo de este traslado fue la recuperación de una enfermedad que padecía desde los diez años. La colección de lienzos de Ramón Pitxchot puso a Dalí niño en contacto con las teorías pictóricas del impresionismo. impresionismo. El impresionismo puede considerarse como el último de los movimientos pictóricos tradicionales tradicionales y el primero del arte moderno. El último de los tradicionales desde el punto de vista evolutivo es una culminación de las teorías del color y de las diferentes manifestaciones de la pincelada. El primero de los modernos por cuanto sostiene que es necesario liberar a la pintura de sus nexos con los temas literarios para ponerla en contacto con la calle, la vida cotidiana y la instantaneidad y fugacidad de las impresiones visuales que el espectador percibe en la contemplación contemplación de un paisaje. Las obras de este periodo son paisajes al óleo cargados de pasta que tiene casi como tema exclus exc lusivo ivo difere diferente ntess vistas vistas de la bahía bahía de Cadaqu Cadaqués és , sus perso personaj najes, es, ancian ancianos, os, pescad pescador ores es observados directamente del natural y convertidos en objeto de sus investigaciones pictóricas .En conjunto, esta primera primera etapa supone no solo el descubrimiento descubrimiento del impresionoismo impresionoismo sino sino también la ﾧ

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inmer inmersió sión n del artist artista a en la atmósf atmósfera era del deliri delirio o artíst artístico ico y creado creadorr que se conver convertir tirá á en la característica característic a principal de su obra en los periodos posteriores. posteriores. 2.2.- La influencia de las vanguardias La modernidad avanzaba en Europa mientras en nuestro país las vanguardias convivían en estado esta do precario precario con las influencia influenciass renovador renovadoras as proceden procedentes tes especialm especialmente ente de Francia. Francia. De esta manera en 1920, después de haber terminado sus estudios en el Instituto de Figueras, Dalí dejó escrito lo que habría de convertirse convertirse en el programa pictórico de toda su vida” Yo ya me he trazado un  camino,… mi ideal histórico es hacer una pintura consistente en fusionar el arte de los maestros del  impresionismo y guardar de los antiguos lo verdaderamente bueno: dibujo y seguridad y de los nuevos  también lo bueno: el color, la luz los fenómenos atmosféricos . La estructura de Cezanne y de Miguel  Ángel”  Las corrientes artísticas artísticas en las cuales va a participar Dalí en este periodo son: Cubismo (1920-1923): Dalí Pensaba que el cubismo permitía pintar los objetos tal y como como eran conceb concebido idoss por el cerebro cerebro y no como eran eran percib percibido idoss por el ojo. De ahí que practicara las teorías del cubismo analítico en su Autorretrato cubista  de   de 1923. Esta obra se inspira en el de Ambroise Vollard pintado por Picasso en 1910. El artista catalán utiliza el color azul, frío y grisáceo pero las estructuras geométricas están todavía lejos de las que realizar real izarán án Braque Braque y Picasso. Picasso. Además, Además, incorpor incorpora a ya las letras a modo de  papiers collés   que serán características características de la segunda fase del cubismo. Futurismo: Fue un movimiento nacido en Italia en 1910 para combatir la tradición y el academicismo, exaltando al mismo tiempo el movimiento y la velocidad. Los temas de inspiración serán los de la ciudad moderna, el transporte y la agitación callejera, a los cuales se suman la simultaneidad y la superposición de visiones que son recursos técnicos que harán participar al espectador en la velocidad y en el dinamismo de las nuevas obras que muestran facetas lineales y abiertas a la luz. La huella futurista se apreciará, más que como una influenci influencia a duradera, duradera, en la concepción concepción y realización realización de obras determinada determinadass como la Escena Esc ena de cabare cabaret  t   de 1922 1922 y en la co conc ncep epci ción ón de la pi pint ntur ura a co como mo una una pr prop opag agan anda da revolucionaria revolucion aria destinada a difundir un arte nuevo y moderno. La fotografía y el cine: Ambas disciplinas aportarán a la obra de Dalí ese deseo de objetivid obje tividad ad tan perseguido perseguido por el artista artista entre 1920 y 1925. En estas fechas fechas pretende pretende que sus obras posean la limpieza y la transparencia que logradas por la fotografía, fueron muy valoradas por el futurismo. El cine añade a esta objetividad una ilimitada fantasía que nace de la observación de las propias cosas que se ven en la vida cotidiana. A pesar de estos escarceos, Dalí siguió fiel al realismo como lo prueban los magníficos retratos  de su hermana Ana María   (1924-1925), asomada a la ventana , sentada o de espaldas, que marcan una línea expresiva, fiel a la observación del modelo y al dibujo que permanecerá como una constante en su obra.   2.3.-Dalí surrealista En 1926, Dalí es expulsado expulsado de la Real Academia Academia de Bellas Bellas Artes de san Fernando Fernando y viaja a París donde donde va a entusias entusiasmars marsee con con el surrealis surrealismo, mo, movimien movimiento to que prete pretendía ndía buscar buscar la comprensión de los objetos en el campo de la fantasía, el sueño y el psicoanálisis. La imagen es una creación pura del espíritu y en esta idea, Dalí va a encontrar el medio de representación de la realidad exterior para expresar contenidos psíquicos ocultos, creando una serie de objetos enigmáticos capaces capaces de suscitar en nuestra nuestra visión de las cosas unos significados significados ocultos y en pintur pin tura, a, la aparic aparición ión de unas unas estruc estructur turas as simból simbólica icass que se conver convertir tirán án en conten contenido idoss recurrentes. Dalí aportó al surrealismo surrealismo además además de sus dotes de pintor, el llamado llamado método paranoico-  última es el vehícul vehículo o fundame fundamenta ntall de los crític crí tico o y la teorí teoría a de la imagen imagen dobl doble  e . Esta última fantasmas, tiene la virtud de reconstruir las formas pues en ellas se hacen objetivos los deseos y los anhelos inconscientes. Continuando estas ideas, en el año 1929 Dalí centró su atención en los mecanismos internos de los fenómenos paranoicos, contemplando la posibilidad de crear un método méto do experimental experimental basado basado en el poder de realizar realizar asociacion asociaciones es sistemática sistemáticass propias de la basado ado en la int interp erpret retaci ación ón crítica crítica de los  parano par anoia. ia. Nace Nace así el método método paranoic paranoicoo- crític crítico o bas  fenómenos delirantes. En el su surr rrea eali lism smo, o, Dalí Dalí en enco cont ntró ró la so solu luci ción ón a su búsq búsque ueda da de ob obje jeti tivi vida dad d tr tras as la lass experiencias de la vanguardia y en adelante se serviría de la representación de la realidad exterior para expresar los contenidos psíquicos subyacentes en ellas. 

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De este periodo datan algunas de sus obras más conocidas: El asno podrido, Senicitas(1928), el gran gran mastur masturbad bador( or(192 1929), 9), la Caza Caza de las maripo mariposas sas(19 (1929) 29) y el Hombre Hombre invisible invisible(19 (1930) 30)  y la creación de una iconografía simbólica de la que forman parte los siguientes elementos: elementos: Lo comestible: Cuenta el pintor en sus Memorias que cuando era niño vaía todos tod os los objetos objetos de la concie concienc ncia ia como como dulces dulces y todos todos los dulces dulces como como si fueran fueran elementos de la conciencia. Su primer deseo infantil fue ser Napoleón y ser cocinero e ideó una máquina máquina pensante pensante concebida concebida como un Napoleón Napoleón comestibl comestible-qu e-quee aparece aparece en las ilustracioness realizadas para los Cantos de Maldoror (1934) ilustracione (1934) Lo comestible se despliega en fenómenos interrelacionados como la boca, el pan, la carne, los dientes, la mujer asociada a las costillas y a las chuletas . Por sus valores plásticos plást icos tiene tiene gran importanci importancia a en la obra daliniana daliniana el huevo frito- paradigma paradigma de la materia blanda y consistente al mismo tiempo y símbolo tradicional de la cosmogénesiscosmogénesis- y el pan- lo duro que se desmigaja y la comida que se reparte, significado que también puede tener un significado religioso-. El ángelus de Millet: Para Dalí este tema de campesinos orando, pintado por un pintor francés, Millet, de extrema religiosidad, cobra un carácter de imagen doble. Los dos campesinos orando ante la carretilla simbolizan el encuentro entre macho y hembra. La disposición de la mujer es la misma que la de la mantis religiosa en el momento en que procede a comerse al macho. En pintura, el ángelus es la expresión visible del método paranoico- crítico ya que supone el encuentro fortuito en una mesa de disección, de una máquina de coser y de un paragu par aguas. as. La horca se sumerge en esa real e insustancial carne que ha sido la tierra  labrada, se hunde en ella, en esa intencionalidad golosa de la fecundidad propia de las  incisiones delirantes del bisturí que solo hace buscar en la disección de cualquier cadáver  la sintética patata de la muerte. Gala: Dalí y Gala Eluard se conocieron en 1930 y a partir de ese momento se inicia ini cia un idilio idilio materi material al y artíst artístico ico que nunca nunca finaliz finalizará ará.. Gala Gala es el símbol símbolo o de lo comestible, de lo sagrado y de lo bello que va a llenar toda la producción del artista. El código de imágenes creado por Dali en su etapa surrealista irradia a todos los campos cultivados por el artista: literatura- El Mito trágico del ángelus de Millet -, -, cine- Un chien andalou - e incluso en el campo de las relaciones personales al romper con Buñuel y García Lorca, sus amigos y compañeros en la Residencia de Estudiantes de Madrid.   2.4.- La vuelta al clasicismo En la década de los años 40, la tendencia dominante en el arte de Dalí va a ser insertar el clasicismo de lo real en un mundo de delirio surrealista en una sociedad desenfrenada. La religiosidad Así va a pintar a Gala como una Madonna o una diosa en o obras bras con títulos tan poéticos poéticos como Galarina o Galatea de las esferas , o va a desarrollar una personal interpretación de temas religiosos que entroncan con el misticismo español de la época de Felipe II, es decir, con Santa Teresa y san Juan de la Cruz. A esta corriente  pertenecen El sueño de Cristóbal  Colón de 1959, El Cristo   o o La última Cena . 

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: En un época époc a, en qu la física fís descubrimientos la efectuad física nuclear nuclearr y Los nuclea la biolog bio logía ía mo molec lecula ularr de han efect uado o grande grandes s una progre proagresos sos, el la pintor pinque tore no vaica a mantenersee al margen de los avances en estas materias. manteners materias. Dalí se relacionó relacionó en Nueva York con Severo Ochoa y la cadena del ADN va a convertirse en el tema recurrente de lagunas Cabeza eza rafael rafaelesca esca es estal tallan lando( do(195 1951 1 La Virgen Virgen de  de las las obras bras del del per periodo iodo como Cab Guadalupe(1959). No obstante, las experiencias surrealistas no se han olvidado. Permanecen en la obra daliniana ciertos rasgos típicos como la monumentalidad- El coloso de Rodas  (1954)  (1954)- , los grandes espacios abiertosabier tos- las ilustracio ilustraciones nes de la Divina Comedia   (1952)-, ironía psicológica- retrato surrealista de Picasso o la Estación de Perpignan de 1965-.

2.5.- Las últimas obras Durante los años 60 y 70, Dalí acentúa acentúa más su clasicismo, clasicismo, lo hace más simbólico, simbólico, los colores son son más suaves, y la admiración por los grandes maestros de la pintura se agudiza, Los ejemplos más (1978), Homenaje a Claudio de Lorena (1979) y Los tres enigmas  significativos son El Cristo de Gala (1978), gloriosos de Gala ( 1982). 1982). En esta última, Dalí retoma el paisaje gris matizado y vuelve a repetir estructuras de sus primeras épocas. ﾧ

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Cabe hablar de influencias literarias en la pintura de Dalí quizás por haberse dedicado a ilustrar dos clásicos universales como El Quijote y La Divina Comedia , pero también por su gusto personal por la lectura y la interpretación de textos literarios del Siglo de Oro-poesía de carácter religioso-, literatur lite ratura a vinculada vinculada a la interpreta interpretación ción de los sueñossueños- el conde conde de Lautreamo Lautreamont, nt, FreudFreud- o los manifiestos futuristas- Marinetti-o surrealistas- Breton-. La participación en diferentes experiencias artísticas transformó su obra en un campo constante de búsqueda e investigación de nuevas formas expresivas. Realizó decorados para ópera y ballet, gracias a su amistad con el bailarín Diaghilev, guiones y escenografías para el cine- El perro andaluz  y Recuerda   de de Alfred Hitchcock son solo algunos ejemplos- y escribió obras literarias diversas desde sus Memorias- la vida secreta de Salvador Dalí por Salvador Dalí- hasta producciones que explican el contenido de sus obras- El mito trágico del Ángelus de Millet-.

3.- JOAN MIRÓ (1893-1983) 3.1.- Los comienzos Sus primeras pinturas son similares a las que realizaron Picasso y Dalí: temas académicos, muy convencionales que poco a poco van incorporando la influencia de los movimientos de vanguardia que se desarrollaban en París: cubismo y fauvismo y de los artistas que más fascinaban a los jóvenes pintores. En el caso de Miró son especialmente constatables las influencias de van Gogh y de Cézanne. 3.2- Su vinculación al surrealismo  A partir de 1919 vive en París y se relaciona con los principales artistas del momen momento, to, siempre de una forma abierta y clara y con un deseo de cooperación y ayuda mutua del que Picasso y Dalí habían carecido a lo largo de su vida. En 1923 se une al grupo de André Breton Breton y se integrará en el grupo surrealista surrealista de forma plena aún cuando él mismo se resistirá a esta identificación diciendo” del mismo modo que han calificado a  Picasso entre los cubistas, a mí me han dado la etiqueta de hiperrealista y yo quiero conservar ante  todo mi independencia absoluta y total.. yo pinto como si fuera adando por la calle…recojo una perla o  un mendrugo de pan y eso es lo que doy, lo que recojo, cuando me coloco delante de un lienzo no sé  nunca lo que voy a hacer y yo soy el primer sorprendido d dee lo que sale. Este automatismo de Miró hace difícil la interpretación de sus obras ya que va evolucionando desde una pintura figurativa figurativa a un lenguaje de signos signos y colores en los que ssee mezclan las letras letras de la escritura habitual y signos inventados por él mismo y las imágenes se van transformando también en signos para formar parte de ese lenguaje del surrealismo abstracto que se ha convertido en el símbolo de la pintura de Miró. A Miró el surrealismo surrealismo le sirvió principalmente principalmente para abandonar su época detallista. detallista. Así se aprecia en Tierra labrada , con clara alusión a La masía , pero con elementos surrealistas como el ojo y una oreja junto al árbol de la pintura. Realizó una exposición en la Galería Pierre del 12 al 27 de junio de 1925, con la presentación de 16 pinturas y 15 dibujos. Todos los representantes del grupo surrealista firmaron la invitación a la expos exp osici ición. ón. La inaug inaugur uraci ación ón se realiz realizó ó a media media noche, noche, cosa cosa nada nada frecue frecuent ntee en aquell aquella a época, época, mientras en el exterior, contratada por su amigo Picasso tocaban los compases de una sardana una orquesta de músicos; los visitantes, tenían que entrar a la sala, por turnos, completamente completamente llena. Las dos obras clave del periodo son Carnaval de Arlequín (1925) y Los interiores holandeses. (1927) En la primera de ellas, el protagonista es un autómata que toca la guitarra junto con un arlequín con grandes grandes bigotes. La composición composición está está integrada por un mundo de detalles como un pájaro con alas azules saliendo de un huevo, un par de gatos jugando con un ovillo de lana, peces volando, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja, y en la parte superior derecha se ve a través de una ventana una forma cónica con la que quiso representar la torre Eiffel. Es pues el resultado de las primeras visiones oníricas del artista ligadas también al hambre y a la difícil situación económica en al que vivía. En 1928 viajó a Bélgica y Holanda y visitó los más importante importantess museos del país, sintiendo desde el principio una gran admiración por Vermeer y los pintores de género. Como tributo a ellos realiza la serie Interiores holandeses . Muy similar a estos interiores holandeses fue la siguiente serie de Retratos imaginarios , también en la misma línea de interpretar interpretar obras ya realizadas con la peculiar estética estética del surrealismo. 3.3.- La ruptura con el surrealismo Entre los años 1928 y 1930, las diferencias dentro del grupo de los surrealis surrealistas tas cada vez se hacen más evidentes, no sólo en las artes pláticas sino también en el campo de la política. En este momento, el artista catalán se acerca a posiciones ideológicas de izquierdas y pretende evolucionar ﾧ

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también en el sentido plástico, rompiendo con toda vinculación a influencias y a grupos y creando su estilo personal. El artista ha de ser versátil y trabajar en diferentes campos como el collage, la cerámica y las esculturas –objetos, presupuestos que tomarán también los artistas del dadaísmo. En 1930 expuso expuso en la galería galería Pierre Pierre escultu esculturasras-objet objetos os y después después pinturas pinturas en Nueva Nueva York c. Realizó sus primeras litografías para el libro L’Arbre des voyageurs  de  de Tristan Tzara En el verano de Construcciones,   deriva 1930 19 30 empe empezó zó su se seri riee llam llamad ada a Construcciones, derivada da de los collag collages, es,con con una una compo composic sición ión concebida a base de formas elementales, elementales, círculos y cuadrados recortados en madera y pegados sobre un soporte , que recuerdan las producciones del cubismo.  A partir deenero de 1932 pasó a residir en Barcelona, y formó parte de la asociación de Amics de l'Art Nou (ADLAN) junto a Joan Prats, Joaquim Gomis y el arquitecto Josep Lluís Sert cuyo objetivo era dar a conocer la vanguardia artística internacional y promocionar la catalana. Las obras más importantes de esta etapa son: Bodegón del zapato viejo (1936) Es una naturaleza naturaleza muerta, muerta, en la cual consigue establecer una relación entre los diferentes elementos de una composición: el zapato, la botella, una manzana con un tenedor clavado, y el mendrugo de pan. Gracias a su habilidad en el uso del color, la pintura adquiere volumen y despierta en el espectador una cierta inquietud que puede corresponderse con la difícil situación política que vive la Europa de entreguerras. entreguerras. Pabellón Español en la Exposición Universal de París en 1937 Después de haber realizado el cartel ¡Ayudad ¡Ayudad a España !, !, para un sello postal, destinado a ayud ayudar ar al go gobi bier erno no re repu publ blic ican ano o es espa paño ñol, l, se le en enca carg rgó ó pi pint ntar ar una una ob obra ra de gr gran ande dess dimensiones para el pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de 1937. En este pabellón se expusieron también Gue Guernic rnica a de Picasso, la Fuente de  mercurio  de   de Alexander Calder, la la escultura escultura Montserrat de Julio González y El pueblo español  tiene un camino que conduce a una estrella   de Alberto Alberto Sánchez. Sánchez. Miró realizó realizó El Segador , repr repres esen enta tand ndo o al payé payéss ca cata talá lán n co con n la ho hozz en un puño puño en ac acti titu tud d re revo volu luci cion onar aria ia,, simbolizando la colectividad de todo un pueblo en lucha contra la opresión, el fascismo y los horrores de la guerra. Esta obra desapareció al desmontarse el Pabellón. Constelaciones (1940-1941) Son veintitrés obras realizadas en formato de 38x46 cm, con un soporte de papel que el artista humedecía con gasolina y lo fregaba hasta conseguir una superficie con una textura rugosa. Una vez terminado terminado este proceso, se aplicaba el color puro, sin matizar. El tema de esta serie alude al orden del cosmos, las estrellas hacen referencia al mundo celestial, los personajes simbolizan la tierra y los pájaros, tan habituales en las obras de esta etapa, son la unión de ambos elementos. 3.4.-El estilo pleno A partir del año 1960, Miró entró en una nueva etapa, en la cual se refleja la soltura en lla a forma de dibuja dibujarr los trazos trazos sinuos sinuosos os que recuer recuerda da a los dibujo dibujoss infantil infantiles; es; las gruesa gruesass líneas líneas que delimitan los contornos son ahora negras y se busca de manera deliberada los efectos de inacabado, goteado de la pintura y salpicaduras de colores diferentes. Estas técnicas convierten a la pintura en una obra viva y en proceso de constante modificación. De ahora en adelante, el pintor valorará el protagonismo del color en todas sus composiciones y exper exp erime imenta ntará rá nuevas nuevas técni técnicas cas y estilo estiloss que le lle llevar varán án a cerámi cerámica, ca, escul escultur tura a y arte arte efíme efímero, ro, participando en las corrientes en boga de una manera totalmente libre. Cerámica En 1956, se trasladó a vivir vivir a Mallorca, donde donde dispuso de un un gran taller, proyectado proyectado por su amigo, el también también pintor, pintor, Josep Lluís Lluís Sert. Dos años más tarde tarde recibió recibió el encargo encargo de realizar dos murales cerámicos cerámicos para la sede sede de la Unesco Unesco en París, con unas dimensiones dimensiones de 3 x 15 metros y 3 x 7,5 metros y que tendrían como tema el Sol y la Luna. Estos murales de la UNESCO, fueron el prototipo para todos los siguientes: el de la Universidad de Harvard(1960 Harvard(1960 ) el del Museo Guggenheim(1970 Guggenheim(1970 ) y finalmente finalmente en 1el mural del nuevo Palacio de Congresos de Madrid(1980). Escultura. Más que de esculturas en el sentido clásico de la palabra, podemos hablar de la realización por parte de Joan Miró de objetos o volúmenes libremente dispuestos ene le espacio y resaltados por la aplicación de un color puro, vivo e intenso que se corresponde con el empleado en sus obras de los años 60 y en sus murales cerámicos. Cabe destacar El reloj del viento  viento  (1967)   (1967) realizado con una caja caja de cartón y una cuchara, 

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fundidas en bronce y ensambladas, constituyendo un objeto escultórico que solo mide la ﾧ

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pájaro),  esculpida en hormigón y recubierta intensidad del viento. La Dona i ocell (Mujer y pájaro),  recubierta de cerámica representa una forma femenina con sombrero y sobre éste la imagen de un pájaro, temas que han sido fundamentales en la obra de Miró, especialmente desde el momento en el que abandona el surrealismo. surrealismo.

CONCLUSIÓN  Tras el análisis detallado de la producción de estos artistas, podemos extraer las siguientes conclusiones: La evoluc evolución ión individua individuall de los artis artistas tas en en función función de sus sus experi experienci encias as vitales vitales y creativas más que en relación a un grupo o escuela. La huella del impresionismo es evidente y a partir de la pincelada suelta, la concepción científica de los colores y la influencia de la fotografía y de los temas urbanos, los pintores van a evolucionar hacia diferentes formas de expresión, consideradas cada una de ellas como una experiencia científica la desintegración del espacio pictórico y la perspectiva tradicional tradicionales, es, pasando a convertirse el cuadro en un objeto bidimensional La importancia de la materia como una obra de arte en sí misma. De ahí la preferencia de estos autores por el collage, la cerámica y los objetos escultóricos La pérdida de protagonismo de los temas en las realizaciones pictóricas. Las obras no necesitan de un título título atractivo para ganarse la aten atención ción del público. Es una de las aporta aportacio cione ness de las vangua vanguardi rdias: as: Llamar Llamar a los cuadro cuadross temas, temas, compos composici icion ones es o improvisaciones o vincularlos a la entidad de los elementos que los componen – bodegón con zapato zapato,, botell botella, a, periód periódico ico,, etcetc- será será una tenden tendencia cia inicia iniciada da por Picass Picasso o y que continuarán los artistas vinculadoa a la abstracción geométrica La vincul vinculaci ación ón o el compro compromis miso o de los artist artistas as en cuesti cuestion ones es políti políticas cas,, aportando siempre un matiz de protesta o crítica social al momento histórico en el que viven viv en.. El mejor mejor ejempl ejemplo o es la constr construc ucció ción n del Pabell Pabellón ón españo españoll para para la Exposi Exposició ción n Universal de París en cuya decoración intervinieron Picasso y Miró entre otros artistas La influencia de los medios de comunicación de masas como la prensa y los desc descub ubri rimi mien ento toss cien cientí tífi fico cos. s. Es prob probad ada a la re rela laci ción ón ex exis iste tent ntee en entr tree Dalí Dalí y lo loss descubrimientos técnicos de Severo Ochoa-, con lo cual la pintura y las artes figurativas en general se convierten en un elemento añadido en la historia de la ciencia y los progresos de la humanidad. BIBLIOGRAFÍA AGUILERA CERNI, V: El arte en la sociedad contemporánea . Valencia 1984 AMÓN, S: Picasso. Picasso. Madrid  Madrid 1973 AREÁN, C: La escuela pictórica barcelonesa . Madrid 1961 CABANNE, P: Le siecle de Picasso . París 1975 Picasso. París 1946 CASSOU, J : Picasso. París CIRICI, A: Art catalá contemporani . Barcelona 1970   Miró en su obra . Barcelona 1970 DALÍ, S: Vida secreta de Salvador Dalí por Salvador Dalí . Barcelona 1981   El mito trágico del Angelus de Millet. Barcelona, Millet.  Barcelona, Tusquets 1981 Miró. París DUPÍN, J: Miró.  París 1961 GAYA NUÑO, J. A: La pintura española del medio siglo . Barcelona 1952 Picasso  (1881-1973).    (1881-1973). Madrid, Aguilar, 1975 GIBSON, I Dalí joven, Dalí genial . Madrid Aguilar 2004 LEYMARIE, J: Picasso. Metamorphosis et unité . Paris. Skira 1971 ORIOL ANGUERA, A: Para entender a Picasso . México 1973  THRALL SORBY, J: Salvador Dalí . Nueva York 1946 Hispanoamericana . Sevilla  TORRALBA, F : En torno a Salvador Dalí y su participación en la Bienal Hispanoamericana . 1952 VVAA: Catálogo de la Exposición antológica de Salvador Dalí . Madrid 1983   Exposición Los ciclos literarios de Salvador Dalí . Madrid 1982 CIRLOT,L., Las claves de las Vanguardias artísticas en el siglo XX, Ariel, Barcelona, 1988. MICHELI,M., DE, Las vanguardias artísticas del siglo XX, Alianza, Madrid, 1988. SUÁREZ Y VIDAL, Historia Universal del arte: siglo XX, Planeta, Barcelona, 1987 ﾧ

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