R&RTomo1

“YOU BETTER LOSE YOURSELF IN THE MUSIC, THE MOMENT YOU OWN IT, YOU BETTER NEVER LET IT GO” —Eminem—

Celebramos 365 días de R&R. Gracias por venir —4—

Índice

NIESA

Sr. Rómulo O’Farrill Jr. Presidente del Consejo de Administración M.A.G. José Antonio O’Farrill Ávila Presidente Ejecutivo José Antonio O’Farrill Welter Director Operativo Christian O’Farrill Welter Director Administrativo

Retratos clásicos

Revistas de rock en México Por Iván Nieblas

09

Banda Rockera Por Iván Nieblas

12

¿Yo quiero mi MTV? parte 1 Por Olallo Rubio

15

Cuánto cuesta formar un grupo Por Iván Nieblas

18

Punk en México Por WARpig

22

El rock como franquicia Por Julio Martínez Ríos

25

Los productores influyentes del Rock & Roll Por Julio Martínez Ríos Somos fans del Rock Por Staff R&R

30

Clear Channel Rock Por Olallo Rubio

40

Corte de caja: los primeros cinco años del milenio. Por Rulo

44

¿Yo quiero mi MTV? parte 2 Por Olallo Rubio

49

Rock Argentino Por Javier Umpierrez, “El Argentino”

53

La nueva radio; música en videojuegos Por Paella

62

Led Zeppelin * Metallica * Jimi Hendrix * Kiss * Elvis Presley * U2 * The Beatles * Sex Pistols * Radiohead * The Rolling Stones * Nirvana * Pixies * David Bowie * Kraftwerk * Robert Smith * James Brown * Sonic Youth * Pink Floyd

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Edición Numerada de Colección Folio

Casillas para participar en futuras promociones exclusivas:

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R&R

Antonio Reyes Luna Director Editorial [email protected] Olallo Rubio Coordinador General [email protected] EDITORES:

Rulo Raúl David Vázquez [email protected] Julio Martínez Ríos [email protected] Francisco Alanís Sopitas Jefe de información y proyectos especiales

[email protected] Paella Rubén Olegnowicz Cine y Videojuegos [email protected] Raúl Veladíz García Diseño [email protected] COLABORADORES:

WARpig [email protected] Iván Nieblas [email protected] Javier Umpierrez El Argentino Asesoría y Hangeo [email protected] Claudia Carretero Gerente Comercial [email protected] Adriana Mendoza Coordinadora Comercial [email protected] Fernando Cáceres Ejecutivo de cuenta [email protected] Luz María Luckie Ejecutivo de cuenta [email protected] Agradecemos a las siguientes personas por facilitar la realización de R&R: Ayelén Hernández y Patricia Maciel (CDI), Rocío Chicharro y Alejandra García (Buena Vista International México), Evangelina San Martín y Sofía Nájera (Columbia Pictures), Miguel Mallet (Warner Bros. Pictures), Saray Rodriguez V., Clandestinos, José Carlos Martínez, Alejandra Robledo y Cristina Hurtado (Distrimax), Memo Gutiérrez, Sergio Chávez (BMG), Clauzzen Hernández, Luis Tenorio Wolf, César Rosas y Ferchis (Universal Music), Camilo Lara, Antonio Abarca, Adel Hattem, Alfredo Delgadillo y Erick Canales(EMI Music), Karlos, Norberto y Miguel (Warner Music), Bibiana Guzmán (Sony Music), Raal, Memo Hevia, Moi, Karin y El Güero (Bull Dog Café), Jordi Puig, Guillermo Parra, Andrés Sánchez, Armando Calvillo, Veronica Peña y Julia Serradilla (OCESA), Ryan Gentles (The Strokes), Othoniel Romo, Valeria Beretta y Leonardo Salazar (Disney), Carla Gamboa, Carlos Castillo y Karina Martínez (20th Century Fox), Romaín Greco, Café Tacvba, Molotov, Francisco Miranda, David Ochoa, Javier Umpierrez, Denisse Flores Shepard, Paco Saizó. Mauricio Rivera y Alejandra Guerrero, Luis David Miramontes. Héctor J. Andrade. Mariana Hernández Piña, Marcos Linares, Minerva Favián, Francisco Arce, Rosaura Iniestra. Alejandra Miyaki Y Uziel Medellín(Q.E.P.D.) ¡GRACIAS! R&R en Español es una publicación quincenal editada por NUEVA IMPRESORA Y EDITORA S.A. DE C.V., Carretera Lago de Guadalupe Km. 1.5, San Mateo Tecoloapan, Atizapán de Zaragoza, Edo. de México. Precio del Ejemplar $28.00, Ejemplar atrasado $100.00 Derechos reservados por NUEVA IMPRESORA Y EDITORA S.A. DE C.V. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial. Certificado de licitud de Derechos de Autor en trámite. Certificado de licitud de título en trámite. Certificado de licitud de contenido en trámite. Prohibida la reproducción total o parcial sin previa autorización escrita de los editores. Se terminó de imprimir en el mes de julio del 2005. Todos los artículos son responsabilidad absoluta de sus propios autores y no necesariamente reflejan el punto de vista de esta editorial.

REVISTAS DE

ROCK E

MÉXICO LA SITUACIÓN EDITORIAL NO ES MUY ALENTADORA: LAS CRISIS HA GOLPEADO CON FUERZA A LAS ESCASAS PUBLICACIONES DE ROCK. MUCHAS SURFEAN AÑO CON AÑO LOS INCREMENTOS EN LOS INSUMOS. OTRAS, QUE NACIERON ROCKERAS, TUVIERON QUE ABRIRSE A OTROS GÉNEROS PARA SOBREVIVIR. SIN EMBARGO ESTO NO AMEDRENTA A QUIENES AMAN EL TRABAJO PERIODÍSTICO QUE ES HACER UNA REVISTA, MUCHO MENOS UNA REVISTA DE UN GÉNERO TAN AFERRADO COMO EL ROCK. SIEMPRE SE HALLA EL MODO DE SALIR AVANTE. Y LOS LECTORES SON LA MITAD DEL PROCESO, GRACIAS A ELLOS LAS REVISTAS EXISTEN, VIVEN LARGAMENTE O DESAPARECEN. EN R&R QUEREMOS RENDIR UN PEQUEÑO HOMENAJE A LAS PUBLICACIONES DEDICADAS AL GRAN RITMO QUE, NOS HA ACOMPAÑADO A LO LARGO DE NUESTRAS VIDAS. N

—Por Iván Nieblas—

La Piedra Rodante fue la voz de una generación, a la cual el gobierno se negaba a reconocer. PIEDRA RODANTE La Piedra Rodante era la publicación rockera por excelencia en los años 70. Fue de las primeras revistas en dedicarle páginas a los grupos nacionales y estar dedicada completamente al rock y la cultura juvenil. Actualmente conseguir un ejemplar de esta legendaria revista de formato tabloide es muy difícil. Están en manos de los coleccionistas que no las aflojan, o las venden a precio de oro. Sólo salieron ocho números, del 1 de mayo de 1971 a enero de 1972. Costaba $5 (de los que sí valían porque todavía tenían algo de plata, jajaja). Capitaneada por Manuel Aceves, contaba entre sus colaboradores a periodistas y escritores de “la onda” como José Agustín, Juan Tovar, Elsa Cross, Parménides García Saldaña,, Mauricio Peña,, Federico Campbell, Jesús Luis Benítez el Búker, (¡gulp!), Oscar Sarquiz y (¡re gulp!) Sergio Sarmiento, más la autorización de reproducir textos y material de la original Rolling Stone.. Desde el Gobierno se ordenó el cierre de la revista debido a la aparición del anuncio de una máquina para forjar cigarrillos: La Chanchomona. Obviamente las paranoicas autoridades diazordacistas, dedujeron que se estaba promoviendo el consumo de mariguana entre la juventud divis tesoro y no salió más. La más extensa cobertura del Festival de Avándaro se encuentra contenida en las páginas de esta legendaria revista. Había entrevistas con gente que fue al concierto y aquella polémica con la famosa Encuerada de Avándaro (polémica porque se ha cuestionado si la entrevista es tal o sólo un texto inventado por el Búker, su autor, aunque si así lo fuera, merece doble reconocimiento pues el texto está bien efectivo maessstrosss). Leer el argot, el lenguaje de “la onda”, transporta a un mundo donde nuestros padres fueron jóvenes como nosotros. Y qué decir de la publicidad de la zapatería El Taconazo Popis (cuyo lema era “los zapatos más popis a los precios más jipis de México”) o de la Discoteca Yoko en la Zona Rosa (que vendía 15 LPs por $900, toda una fortuna) y las Playeras Fonky (“ropa de aliviane y duran el huato de tiempo” ).

Led Zeppelin

Algunos se quedaron oyendo a Angélica Maria y César Costa, pero otros andaban en la onda jipi y la Piedra Rodante fue la voz de una generación, a la cual el Gobierno se negaba a reconocer, que los trataba como rebeldes a quienes había que meter en cintura, y sobre todo a los que gustaban del rock, como incitadores y divulgadores de ideas “antinacionalistas, rojillo-comunistoides” (bueno, parece que siempre ha sido así, jajaja). Actualmente Manuel Aceves es analista jungiano.

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El formato de Edad del Rock igualmente era un tabloide, aunque un poco más pequeña que la Piedra, y a diferencia de ésta ultima, la letra era mucho más grande, cosa que garantizaba retinas saludables por más tiempo.

El problema de Toca Rock era que la mayoría de las letras en inglés las sacaban de oído y ponían lo que entendían. Como consecuencia, muchos se aprendieron la letra de “Paranoid” de Black Sabbath con una letra inventada.

LA EDAD DEL ROCK De igual formato y de la misma época que la Piedra Rodante. Y más barata, costaba $1.60 nomás. Es poco conocida (entre los que no nacíamos todavía, jejeje), a pesar de que salieron como 20 números. Como casi todas las publicaciones de su época, la mayoría de sus textos eran traducciones de artículos aparecidos en revistas gabachas. De la mano de Arie l R osa les y R en é Ec laire , coordinados por Arm an d o B lan co (fundador de la legendaria tienda de discos Hip 70 ), entre sus colaboradores estaban C arlo s B aca , e l In ge n iero Nav arro , ( ¡of all places!)), O sc ar S arq u iz, A . G u ti erre z Ch o ca rrero , He rm an G riffith , Si lvia y B en n y Ben zel , el h er ma no Ba xter y hasta Ca rlo s M on siv áis , además de tener corresponsales en Londres, Los Ángeles y Nueva York.

TOCA ROCK Como respuesta a esa inquietud juvenil de aprender a tocar rolas de rock, surgió esta publicación por ahí de 1985. Pues antes estaba cabrón conseguir la Guitar Player, a menos que alguien te la trajera de gabolandia (lenguaje de la época muy ad hoc). Como el heavy metal estaba dominando el gusto juvenil, la famila Castelazo (Xavier, Arturo, Luis y Arturo Jr.) se dio a la tarea de poner en nuestras manos una especie de Guitarra Fácil pero más rockero. Por fin salían rolas de Judas Priest, Black Sabbath, Iron Maiden, Mötley Crüe, Scorpions y más. Las letras venían con sus acordes y claro, su respectiva traducción pa que entendieras El Mensaje del Roooock (con voz del Amo). Nomás que el único problema era que la mayoría de las letras en inglés las sacaban de oído y ponían lo que entendían. Como consecuencia, muchos se aprendieron la letra de “Paranoid” de Black Sabbath con una letra inventada y lo que es peor: ¡¡la traducción al español era de la letra inventada!! Estos detalles fueron corregidos al paso del tiempo y le fueron agregando secciones de noticias, reseñas, entrevistas y el famoso Buzón del Brujo. También le fueron entrando al rock en español, al grunge y otras tendencias.

Su formato, igualmente, era un tabloide, aunque un poco más pequeño que la Piedra, y a diferencia de ésta, la letra era mucho más grande, cosa que garantizaba retinas saludables por más tiempo. Todo era impreso en blanco y negro, que muy al contrario de arruinar las fotos, dejaba concentrar mucho más en la esencia de las mismas. No sabemos a ciencia cierta por qué dejó de salir, pero contribuyeron a abrir el camino a muchas otras publicaciones dedicadas al rock & roll.

ROCK MI Excelente y efímera publicación del 79 capitaneada por el mismísimo dúo dinámico de la literatura de “la onda”: José Agustín y el desaparecido Parménides García Saldaña (consecuenciaconsecuenciaconsecuencia), junto a Valentín Galas y Víctor Juárez escribiendo de su mera pasión: el rock. Ésta ya era a color (al menos la portada y el póster, jajaja) y en papel couche. Igualmente formato tabloide. De a 20 del águila.

MÉXICO CANTA Algunos se quedaban con el Notitas Musicales, otros compraban el México Canta (la revista de la nueva onda), porque tenía más rock y un poco más de letras de canciones del género. Enrique Urban Macedo le dio vida a esta publicación semanal en 1966 y para septiembre de 1971 ya contaba con ¡543 números! Costaba $1. Impresa en papel revolución en tonos rojo-cobrizos, era como una versión resumida y nacionalizada del Hit Parade gringo, pero tenía su toque muy personal. Sobre todo por el lenguaje de la “chaviza ondera” que manejaban sus colaboradores: el infaltable Ingeniero Navarro y Carlos Baca, quien tenía a su cargo una columna de rock subterráneo, donde daba cuenta de discos como el Survival de Grand Funk y lo relacionaba con notas sobre la supervivencia de la especie humana en esta “canica donde todos vivimos” (ya desde el 71 decían que en 30 años se iba a acabar la humanidad y es momento que seguimos aquí, mala yerba nunca muere, no cabe duda). Y la sensacional sección Página de la Chaviza Ondera, donde los lectores podían expresar todas sus inquietudes y nos regalaban joyas como “El signo de la paz (para la maestriza) es el signo de moda (para la naquiza)” o “apenas me aliviano y oigo hazañas gachas en la radio, a mí me interesan ondas de la nueva cultura”. Los corresponsales tenían al tanto de la movida en Los Ángeles y Chicago, los discos que salían, los conciertos que había. Hasta se daban el lujo de entrevistar a algún vecino como los Grateful Dead o Leon Russell. También venían las primeras rolas con acordes de guitarra para tocarlas, de mano de José Luis Pluma..

Era un deleite leer las notas sobre rock al muy particular estilo, irreverente y ácido de Par y el Pepcokegin. Ya para entonces analizaban movimientos como el punk, el reggae, el new wave (niu güey le decían ellos, jajaja) y ondas más oscuras como Lou Reed,, Frank Zappa o la progresivización de los grupos setenteros. Lástima que, según los que saben, nomás salieron tres numeritos. Con su poster a todo color ese sí. CONECTE También por ahí de mediados o finales de los 70, surge Conecte. Especializada ya 100% en el rock. Fue puntal durante los 80 de tenernos al tanto sobre lo que pasaba en el hard rock y heavy metal, así como en el new wave y el rock mexicano, que comenzaba a abrirse espacios paso a pasito. Seguía saliendo en blanco y negro pero siempre traía un póster en el forro y sus cuatro paginitas a color (o coloreadas mejor dicho). Los pilares de esta revista Arnulfo Flores, el indestructible José Luis Pluma, Víctor Manuel Alatorre y Antonio Malacara, se rodearon de excelentes colaboradores como el gran fotógrafo Neil Zlozower, Fabián De Los Santos, Roberto Vázquez Mammys, Gustavo Munguía, Jesús Tepepa, Vladimir Hernández, David Cortés, Gueorgui Lazarov, Carlo F. Hernández, Merced B3l3n Cruz,, entre muchos otros. La sección del rock mexicano ocupó en algún momento la mitad de la revista (cuando todo el boom del “rock en tu idioma”) y se imprimía de cabeza (bueno, según se abriera la revista).

GUITARRA FÁCIL También durante los 70 surgió el Guitarra Fácil. Toda una generación aprendió a tocar sus primeros acordes con esta publicación. Su método era bastante simple y fácil de seguir. Perfectamente explicado por medio de ilustraciones claras y concisas; hasta usaban el sistema de notación universal (que es asignar una letra del alfabeto a cada nota musical). ¿Lo único malo? Al principio casi no sacaban ejemplares de rock. Era un milagro encontrarse con uno de los Beatles o los Stones. Suponemos que quienes hacían las transcripciones eran señores que sólo se sabían rolas de tríos y cumbias. Pero al pasar el tiempo fueron lanzando más ejemplares dedicados al rock. Ya podíamos ver más números de los Beatles (juntos y como solistas), KISS, Creedence Clearwater Revival y hasta los Bee Gees.

Después Conecte dio espacio y vida a la Banda Rockera, como suplemento, por iniciativa del Vladis, pero eso será tratado en otra columna. Era regular encontrar portadas de Ratt,, Mötley Crüe,, Zeppelin,, Def Leppard,, Judas Priest y el infaltable KISS, que entonces representaba una venta segura. La revista sigue circulando en la actualidad, con más de mil números en su haber.

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Heavy metal Subterráneo fue el primer intento de darnos a conocer a esos grupos que estaban haciendo un metal diferente, más agresivo y veloz; que no hablaba de chicas y autos, ni se pintaban como mujeres (bueno, algunos sí, pero traían pulseras con clavos y eran más meeerooool).

Su gran aportación era que siempre encontrabas grupos de “vanguardia” que nadie más pelaba como Adam And The Ants, General Public, Tower Of Power o Ultravox. SONIDO En 1977 vio la luz pública Sonido, fundada por Javier Ortiz Carmolinga. Era mensual y ya traía seis paginitas a color. No traía póster como comenzaba a ser tendencia, sino Foto-Cartel Sonido, que era una foto a color de toda la página. Le tiraban en un principio a la onda pop y a rescatar a algunos héroes de los 60 y 70. A la llegada de los 80 le entraron poco al heavy metal y se quedaron más con el new wave. A medias, pues le entraron de plano a todo lo que fuera popular, desde Culture Club, pasando por David Lee Roth, Quiet Riot o Madonna.. Su gran aportación era que siempre encontrabas grupos de “vanguardia” que nadie más pelaba como Adam and The Ants, General Public, Tower Of Power o Ultravox con fotos, biografía y discografía. Duró casi 12 años y desapareció. Entre sus plumas se encontraban Walter Schmidt,, Miguel Muzquiz,, Carlos Robledo,, Guillermo Santamarina,, Vicente Villegas y Delia Star

NUESTRO ROCK En 1993 surge esta publicación dedicada exclusivamente al rock en español en todas sus manifestaciones, predominantemente el mexicano. Ya en el 2002 llevaban 93 números en nueve años. Ignoro si sigue saliendo, pero no lo dudaría. Ese Ricardo Bravo es terco y aferrado como el que más. Pocas páginas pero sustanciosas en cuanto a contenido y diseño. Además cuenta con su propio Top 40 del rock en español en México. Entre sus colaboradores se cuentan (o contaban) a David Cortés, Güili Damage, Lucila Zetina, Clauzzen Hernández, Pablo Islas e Iñaki Manero, entre muchos más. La revista ha tomado la estafeta donde Banda Rockera la dejó, con un toque menos artesanal por supuesto. SWITCH Ya hace nueve años que circula esta publicación con un diseño un tanto recargado pero buen contenido. Rafael Gómez está al frente de esta revista que definitivamente le entra a todo. No sólo cubre el panorama del rock actual (que bueno, lo mismo te puedes encontrar a Paulina Rubio que a Moonspell en la misma revista) sino que también está dentro de la nueva cultura juvenil, como los video juegos, Internet, comics, charts de popularidad, y sus infaltables conteos y listas de cuanta madre se les ocurra.

ROCK POP Otra publicación de Don Arnulfo Flores, dirigida por José Luis Pluma. A pesar de que se llamaba Rock Pop, realmente se especializaba en heavy metal, en todas sus corrientes. Traía mucha información, entrevistas, reportajes especiales, letras, reseñas y su espacio dedicado al metal mexicano por supuesto. Su contenido prácticamente era traducido de revistas gabachas de entonces como Creem, Hit Parader y Circus. Pero pues era más barato comprar la Rock Pop por $80 que cualquiera de esas. Igual salía en blanco y negro con sus respectivos cromitos a color. En un principio contaban como colaboradores a Jorge Reyes, Patricia Falcón, Ma. De La Luz Fragoso, Gueorgui Lazarov y Carlo F. Hernández,, estos últimos se lanzarían después a hacer su propia revista. Con más de 100 números, siempre estuvimos al tanto de las nuevas tendencias metaleras. Siempre los jodieron con que le cambiaran el nombre a la revista y lo más que hicieron fue “metalizar” su logo.

LA MOSCA EN LA PARED Honor a quien honor merece. La Mosca En La Pared es una de las revistas más populares sobre rock y no es para menos. Aunque algunos (conste que dice ALGUNOS) de sus colaboradores dejan mucho que desear, han logrado hacer, a lo largo de 10 años, una publicación plural donde tiene cabida el rock y muchas otras manifestaciones como el ensayo, la poesía, el comic, la literatura y el relato erótico. Sus especiales ya son un clásico y aquella columna del Armiados Güeva Vil era cagadísima. También de repente colabora por ahí José Agustín y uno que otro músico espontáneo. Excelente labor de Hugo García Michel y ¡vamos por los 20 años!

HEAVY METAL SUBTERRÁNEO Surge cuando Carlo Hernández y Lazarov deciden documentar el nacimiento de una tendencia que crecería a pasos agigantados: el heavy metal subterráneo. Si bien Conecte y Rock Pop, cubrían la parte del hard rock y el heavy metal más comercial (que entonces se le comenzaba a llamar glam), había un mercado que iba creciendo y que buscaba grupos más agresivos. Este fue el primer intento de darnos a conocer a esos grupos que estaban haciendo un metal diferente, más agresivo y veloz; que no hablaba de chicas y autos, ni se pintaban como mujeres (bueno, algunos sí, pero traían pulseras con clavos y eran más meeerooool). Ya desde el primer número, el ver a King Diamond con su maquillaje, cruz invertida en la frente y cuchillo ensangrentado, sabías de qué se trataba la onda. Al principio trataba de hacer biografías de esas bandas como Venom,, Megadeth,, Exciter,, Metallica,, Slayer,, Exodus,, Celtic Frost,, Bathory,, Sodom,, Kreator y toda la naciente escena del speed/thrash/black metal. Con el tiempo las tendencias se fueron ramificando (como pueden apreciar en el Número de la Bestia de R&R) y lógicamente la demanda creció. Era tal que Lazarov y Carlo decidieron asociarse con Héctor Guzmán y traer a los primeros grupos de thrash metal a México (desconocidos, pero vinieron). La revista documentó todos esos conciertos que hasta la fecha se siguen realizando. Aunque prácticamente la revista la hacen ellos dos, tienen sus colaboradores, como el genial Arturo Olivares (nooo mi cuate), Mateo Diego y sus famosos corresponsales en el gabacho Luis Galicia,, John Sutherland y Wilson Aguilar entre otros. Me atrevo a decir que no habríamos visto a Slayer,, Sepultura , Death o Metallica en México de no haber sido por este loable esfuerzo editorial.

MESCALITO Con apenas seis años de vida, el Mescalito ya tiene un público fiel a sus páginas. Dirigida desde algún lugar del DF por L u cía Sandoval y el legendario; qué digo legendario, semidios; más que un amigo, igual que un hermano, Chavarock (aunque lo niegue e insista en borrarse de los créditos). Sus colaboradores han cambiado con cada número dándole espacio a jóvenes rechazados en otros medios por falta de experiencia o que de plano no tenían cobijo en otros lados y que a través de Mescalito han ido mejorando sus modos y las formas de sus textos. Sin ser complacientes con nadie y poniendo el dedo en la llaga cuando es debido, se han hecho de una reputación de periodismo mordaz, incisivo y con actitud. Tendremos Mescalito para rato. No podemos olvidar a Códice Rock, Generación, La Pus Moderna, La Guillotina, Complot, Rock Stage, Oz Mag, Rock & Pop, Atonal, Expresión Musical, Círculo Mixup, Rock Bottom, Pulse Latino, Zin, Barahunda, La Canica De Barro, Rola, Espacio Alternativo, LBE, Al Borde, Rolling Stone México, Rock América y tantas más que la memoria no nos trae ahora. Si bien no todas han estado dedicadas completamente al rock, por lo menos lo han abordado brevemente, contribuyendo así a la permanencia de esta música que tanto nos apasiona. A todos ellos les decimos ¡GRACIAS! No estaríamos aquí sin ustedes.

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MÁS QUE UN CATÁLOGO DEL ROCK NACIONAL, UNA REVISTA DONDE CUPO TODO La lista de colaboradores de las tres revistas es casi infinita, aunque en las primeras épocas, el V lad is escribía con infinidad de seudónimos, los cuales en verdad tenían su estilo muy característico, pero venían de la mano de la misma persona: El Tío To ñ o, El Tiju an a , El Me mo ria s, Ju an Ga lin d o, L u cy, L a Tía Gla di s, Tah u e, El M ald ec ido po r Tod o s. Pero los reales fueron entre otros Ch av aro ck , los moneros F erre r, Ja leli , el XXX , R od rig o d e O rya zab a l, Ar tu ro Ol iva re s, Ca rlo s M on si vái s, Bre n d a Ma rín , Jesú s Tep ep a, el L ob ito Neg ra R osa , Cu co Fe rn án d ez, Alej an d ro L un a , el Tib ur ock , Ma rco A n to n io B lan q ue to e l P ipo , la P eq ue ñ a L ulú , Ra n u lfo To rra lb a, Enr iqu e D iaz O la ld e Ki ke Pu n k, el Niñ oro ck , el C ha vo M oya , Ju an Ca rlo s e l M uti lad or , Raú l U rq uiza , el Ch in o d e Sa n Be rn a, el Ití , Gu ad a lu pe R am os , L izb eth Pa di lla, Erik a Esp eró n, el Ro lly Os car , La ur a Vi ad as, Ro be rto Vázq u ez Mam m ys, el P ollo d e Tlá hu ac y el Pol lo de Neza , Na var roc k, F ab ián d e lo s S an to s, Ju a n Ca rlo s Ca stil lo, Jos é An t on i o L ó p e z, Ed g a r Ah u m a d a , Jo su é , Ri car do Mu ñ oz , El An im al Osc u ro, los fotógrafos F ra nc isco Mata Ro sas, F a bri zio L eó n, el legendario J. C aste lla no s, Ju an C arlo s Zá rate , D avid d e l a Pa z y tantos más, entre los espontáneos y apuntados de siempre

JUSTO ESTE 6 DE JULIO , SE CELEBRÓ EL PRIMER ANIVERSARIO DEL DE R&R TAMBIÉN NACIMIENTO SE CUMPLIÓ OTRO : 11 AÑ OS DEL FALLECIMIENTO HERNÁNDEZ, EL VLADIS DE VLADIMIR , INCANSABLE

SEGUIDOR DEL RO LOS MEJORES PERI CK NACIONAL Y UN ODISTAS DE SU GE O DE NERACIÓN.

—Por Iván Nieblas—

H

ablar de la historia de la Ba n d a Ro ck era (la revista y su programa de radio) es casi hablar de la historia misma del rock mexicano. Si bien no alcanzó a cubrir los años 60 y 70, fue una pieza fundamental para el impulso de las nacientes bandas nacionales en todas sus manifestaciones, en un momento en que el rock era un movimiento marginal y reprimido por el Estado y sus Instituciones. Las manifestaciones de las bandas nacionales (bandas en el sentido de los grupos de rock y agrupaciones juveniles) no tenían cabida en ninguna publicación, mucho menos en las ondas radiales. La Ba n da R oc ke ra prácticamente descubrió, apoyó y ayudó a desarrollar a muchos de los grupos más importantes de la escena nacional como C aifa n es, Ma ld ita V ec in d ad , S an ta Sa b in a, C afé Tac vb a, L a C u c a, Est ra m b ót ic os , Tr a n sm e ta l, B a n d a B osti k, etcétera. Su fundador fue Ju a n V la di mir He rn án d ez G al in do , oriundo de Culiacán, Sinaloa. Desde pequeño estuvo interesado en la música, incluso, en los años 50, llegó a tener un grupo de rock con sus hermanos llamado Th e Yo u n ge rs. Trabajó en diversas revistas que no tenían nada que ver con el rock, como la femenina C lau d ia (donde inventaba consejos de belleza para todas nuestras mamás, jajaja, pues no tenía ni idea si las recetas que daba funcionaban, pero siempre recibía su cheque). Hizo un viaje de autostop desde México a la Patagonia y de regreso (el cual fue documentado después en el F a nzi ne de la Ban d a R oc ke ra). Estuvo colaborando en la revista C on e cte hasta que en 1985 tuvo la idea, junto a Jor ge G . M on ro y, de lanzar un suplemento dentro de la revista, dedicado completamente al rock mexicano. La B an d a Ro ck era nació en julio de 1985, como suplemento de la revista Co n ecte . El entonces editor, les decía que sería el peor proyecto y negocio que se les pudo ocurrir, porque el rock mexicano no existía; no había material suficiente para llenar más de dos o tres ejemplares y que terminarían repitiendo a los D u g D u g s, Javi er Bá tiz, En igm a y el Th re e Sou ls . El proyecto se lanzó con la mitad del presupuesto planeado inicialmente, teniendo buenos resultados, pero la directiva de Co ne cte no veía la rentabilidad de seguir editándolo (salía con algunas páginas a color y buen papel), pues creían que el rock mexicano no era negocio. Así que en 1987 deciden abandonar a C on ecte y seguir de manera independiente.

Como la iban a sacar por sus propios medios, los costos tenían que abaratarse. Así que decidieron conservar el color sólo en la portada (a veces sólo lo tenía el logo de la revista), hacer pocas páginas y sacarla en blanco y negro en papel revolución, lo cual se convirtió en todo un statement frente al “lujo” de otras publicaciones y le dio a la revista un carácter estético único. La B an d a R oc ker a le apostaba más al contenido que a la estética de una publicación regular. V lad im ir y M on ro y se rodearon de los mejores colaboradores que encontraron: nada de escritores o periodistas de escuela (aunque tenían la puerta abierta a participar), puros fans del rock, músicos, jóvenes que tenían ganas de decir cosas y, principalmente, que les gustaba el rock nacional. Recordemos que desde el Fe stiva l d e Avá nd a ro, éste fue satanizado y condenado a una existencia marginal. Los sexenios de L óp ez Po rtil lo y Mi gu el d e la M ad rid tuvieron como consigna reprimir a los jóvenes, por el hecho de ser jóvenes y que les gustara el rock. Eran cosa cotidiana los apañones o razzias; redadas de la policía contra quienes osaran agruparse en una esquina o por usar mezclilla, pelos parados; cualquier cosa que tuviera la estética del rock. Por ello, la revista se convirtió en un espacio vital para manifestar la inconformidad ante esta situación y en la voz de muchos para decir lo que fuera. En 1987 comenzaba la explosión del llamado “rock en tu idioma”, la gente tenía hambre de rock cantado en castellano; las disqueras y los medios apoyaban mucho más a grupos sudamericanos y españoles, pero eso sirvió para hacer un huequito al rock mexicano, que se fue abriendo paso a cuentagotas. Cuando eso sucedió, la Ba n da R o cke ra ya había dado cuenta de la existencia de muchísimos grupos nacionales; tan sólo para 1988, en un concurso, se habían inscrito más de 180 sólo del DF, cuando el radio y la tele sólo mostraban cinco o seis. Mientras los medios sólo admitían géneros poco ofensivos, la B an d a Ro ck era hablaba de movimientos y corrientes que se desarrollaban en los barrios marginados de la urbe y de propuestas musicales mucho más crudas, como el punk, el movimiento conocido como rupestre (ahora ya les dicen cantautores ¡¡prrrrt!!), el heavy metal, el progresivo y el rock bandoso del tipo del Tri , Esc ori a, TNT, Q u al y Tro le bú s. Pero la B an d a R oc ker a era mucho más que sólo un catalogo de grupos de rock nacional. También metía artículos que tenían que ver con la cultura juvenil, los movimientos contraculturales y marginales, muchos de los

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cuales eran escritos por colaboradores espontáneos y el mismo staff de la revista. Así pues, lo mismo podías leer reseñas de discos (vinilos todavía) y cassettes, fanzines (incluso hubo una serie sobre Cómo se hace un fanzine), revistas, tocadas y entrevistas; historias de movimientos musicales como el jazz, el new age, el progresivo, comics con tópicos del rock; un anuncio de toda una página para poner en tu ventana o coche que decía “NO VEAS 24 HORAS PORQUE OCULTA LA VERDAD”, encuestas anuales sobre los mejores músicos del rock mexicano (la cual únicamente podían contestar los músicos, aunque siempre ganaban los mismos); un listado infinito sobre todas las bandas (cuando se le llamaba “banda” a grupos de jóvenes que se reunían bajo un nombre para cotorrear). Para 1988 sumaban 298, con motes como los Rancheros, las Susi Punks, los Vicious, los Nenes Punks, los Chés de la Buenos Aires, los Infernales de la Moctezuma, los Scorpion de la Prepa 4, los Desmadrosos, los Gruesos, los Sátiros de la Chamizal, los Azcapo Band Company For Ever, los Cepillines, los Chimoltrufios, los Gandallas, los Feos, los Morros, los de la Crasy, los Escubis, los San Gabrieles Punk, los FZ 5000, las Tigresas de Iztapalapa, los Sex Chupones, los Huevos Rapados , los Niveas, los Archis, las Sex Capadoras, las Bananas Punk, los Mamones, las Poca Madre, los Gallos Punk del Molinito y uuufffffffff, miles y miles de reflexiones y poesías o letras de canciones escritas por los propios lectores o músicos. El mismo año, ante la entrada en vigor del Pacto de Solidaridad Económica, los costos en los insumos para hacer la revista se incrementaron. Lo cual obligó a subir el costo de la revista de $1,000 a $2,000 (claro, esto antes de que le quitaran dos ceros al peso para disimular la inflación). Pero en lugar de subir el precio, como hicieron todas las demás revistas, los bandos lanzaron un grito de ayuda a sus lectores: necesitaban vender más. La

consigna era no subir el precio a cambio de que los lectores corrieran la voz y atrajeran más público a la revista. No sólo resultó, sino que incluso los lectores acataron, gustosos, la propuesta de un espontáneo para comprar dos revistas, una para el lector habitual y la otra para regalar a quien pudiera interesarle. Era tal la fidelidad que ya se había forjado la revista, que la campaña fue todo un éxito y le permitió sobrevivir ese difícil periodo.

La fama de la B an d a Ro ck era llevó a que Héc tor Ca stillo Be rth ie r (quien alguna vez fue baterista de Cec ilia Tou ss ain t ), produjera un programa con el Vla di s y M on ro y colaborando. Sería transmitido desde el IMER en la frecuencia del 105.7 (que entonces se llamaba Stereo Joven), patrocinado ni más ni menos que por el Departamento del Distrito Federal y la UNAM. El programa se llamó Sólo Para Bandas y se transmitía los sábados de las 23:00 a la 1:00. En él se daba sonido a algunas de las bandas que salían en la revista y se

sensacional personaje; un alter ego llamado Co rrip iu s , que era una especie de sacerdote rebelde que gustaba del punk y el hardcore, y transmitía a control remoto desde la Catedral. En 1991 me convertí en uno más de los espontáneos que escribían para la revista, y poco a poco me fui integrando de lleno al equipo de redacción, colaborando por igual en el programa de radio, haciéndola de todo, como todos. En agosto del mismo año vio la luz una nueva revista: la B an da R o c ke ra I n te rna cio n al , debido a dos factores: los grupos nacionales por fin estaban teniendo giras fuera del país y nos comenzaban a visitar, cada vez con mayor frecuencia, grupos extranjeros. Este nuevo suplemento cubriría ese terreno, además de ofrecernos una nueva historia seriada sobre los Ro lli ng Ston e s con motivo de sus 30 años de existencia. El programa siguió con su horario habitual, a pesar de los múltiples cambios de gerencia y nombre de la frecuencia año con año (Lasser FM, Conexión Acústica). Desafortunadamente el 6 de julio de 1994 Vla d im ir He rn án d ez dejaría de existir, víctima de una enfermedad pulmonar. Había sido su cumpleaños, el 50, unas semanas antes y también su madre había fallecido, por lo que estuvo muy deprimido. La última vez que lo vi, estaba acostado en su camastro, con fiebre y casi sin poder hablar, y aún así tuvo la energía para decirme: “Estamos cerrando la que viene, hay que entregar tus columnas”. A la distancia creo que su intención no era el apuro por la revista, sino que al saber que se iba, nos quiso hacer ver a todos, que todo debería seguir como si él estuviera. Conmigo lo logró, por eso me sorprendió mucho cuando me avisaron, nunca me imaginé que ya no volvería a verlo, que ya no volveríamos a cafetear, ni lo

En 1989 se comenzó a editar un nuevo suplemento de la Ba n da Ro ck era : el F an zin e , dentro del perió- “ESTAMOS CERRANDO LA QUE VIENE, HAY QUE ENTREGAR TUS COLUMNAS”. A LA DISTANCIA dico, El Naci on a l. Éste apareCREO QUE SU INTENCIÓN NO ERA EL APURO POR LA REVISTA, SINO QUE AL SABER QUE SE cería los martes cada 15 días. IBA, NOS QUISO HACER VER A TODOS, QUE TODO DEBERÍA SEGUIR COMO SI ÉL ESTUVIERA. El F an zin e duró sólo un año saliendo dentro del periódico, logrando 11 leía algún texto. Luego de 12 programas el vería en el Chopo o transmitiendo un progranúmeros. Su formato era como un mini perió- Vl ad is y su equipo deciden dejarlo en noviem- ma más. Y lo que más coraje me daba: que dico/tabloide. También se comenzó a incluir bre del 89, debido a que consideraban que nunca vería a los Ro llin g Sto ne s , su grupo dentro de las páginas de la revista. Al año, el Ca still o manipulaba a la banda desde una favorito, pisar tierras aztecas. Pero así fue. periódico le redujo el espacio a una página, posición de poder, además de que hablaba Las manifestaciones de apoyo y dolor no se eso sí, a color, pero a manera de complemen- pestes de los grupos que inmediatamente hicieron esperar, llegaron por miles. Poesías, to de la sección La Ciudad. Luego de dos presentaba o se ponía a hablar durante todo dibujos, pensamientos, se organizaron tocameses se acabó. El número 12 del Fa n zin e sal- el programa, echando por la borda una selec- das y transmitimos un último programa en su dría dentro de las páginas de la revista y para ción musical preparada por la revista tres honor. Último, puesto que las autoridades del el número 13 ya era una nueva revista inde- días antes. En 1990 la revista consiguió su IMER dedujeron que si no estaba el Vladis, el pendiente pero hermanada a la Ba n d a propio espacio radial, Desde la Redacción programa ya no tenía razón de ser. R oc ke ra “tradicional”. Dado que en la revista (llamado así por idea del Vl ad is de dar la sen- Intentamos por todos lo medios recuperar el se había generado ya una estética y se cubrían sación de estar trabajando en las oficinas de espacio pero fue inútil. La revista siguió ciertos géneros más establecidos, el Fa nzin e la revista). Este pasaría los domingos a las saliendo en sus tres versiones y Oscar se encargó de cubrir los nacientes subgéneros 23:00 en la misma frecuencia del IMER. La Ramírez el Rolly, asumió la dirección de la del metal como el speed, thrash, black y death; tónica del programa era mucho más amable revista para descontento de gran parte del el hardcore, noise y grind, la naciente música que con Ca still o, y ahora sí se programaba la equipo, por lo que muchos decidimos agarrar industrial y electrónica, o las ondas experimen- mayor cantidad de rolas posibles y de puros otros caminos. El Rolly se ha encargado de tales (que cuando no había cómo clasificar a grupos en español (y si alguna se quedaba seguir publicando la revista aunque ya no con un grupo, le llamaban “música imaginativa”), el incompleta, se pasaba al siguiente progra- la misma periodicidad de antes. jazz, tópicos como el aborto, los estridentistas, ma). Aunque es cierto que al Vla di s se le la ecología, los derechos de los animales, reli- pasaba la mano programando grupos que de Esta es la historia de la Ba n da Ro ck er a, una gión, recetas de cocina vegetariana (el Vla dis verdad sonaban espantoso, era parte de la revista donde cupo el sentido, el entreteniera vegetariano y solía hacer un Fa n zi ne de esencia misma de la revista: difundir a todo el miento, la crítica, la denuncia, la protesta una sola hoja llamado La Zanahoria, mismo que tuviera algo que expresar. El programa social, la concientización, la irreverencia, la que repartía en restaurantes y fondas) y por contaba con secciones como la Cartelera, los ironía, el sarcasmo, la mordacidad, el amor en supuesto la historia del autostop por Saludos de la Banda para la Banda, la Nube y todas sus manifestaciones y devaneos, perhasta una Bolsa de Trabajo. El Vl ad is hacien- sonajes, paisajes, desahogos, pretensiones Sudamérica. do gala de sus dotes histriónicas, creó un literarias… en fin, todo.

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Olallo Rubio

¿YO QUIERO MI MTV?

Gracias a la televisión, los círculos de poder que controlan a las diferentes sociedades del mundo tienen un dominio infalible de la mente pública, aquellos que manejan el sistema saben perfectamente dónde estamos, qué pensamos y cómo debemos entender las cosas de acuerdo a sus intereses. Como lo hemos mencionado anteriormente en textos de R&R, nos encontramos en la etapa de madurez de la Infoeconomía, los medios masivos son los instrumentos más poderosos de nuestra civilización. Sin la ayuda de la televisión, Coca Cola, McDonalds, Nike, Hewlett Packard o Microsoft, no estarían totalmente anclados en el inconsciente colectivo.

H

ace unas cuantas décadas, la música era simplemente… música. El aspecto físico y la imagen gráfica de quienes la generaban era relativamente importante, pero NUNCA más que la música. Muchas veces la única imagen con la que contaba el fan de algún artista/grupo, era simplemente la fotografía que venía incluída en la funda del disco (LP) o una pequeña foto en el papelito del cassette. Desde luego que los más populares como los Beatles, Elvis, Kiss, tenían una cobertura mediática de alcances masivos, además de contar con producciones cinematográficas y televisivas importantes. Pero la mayoría de los artistas/grupos no tenían nada de eso, simplemente apariciones en revistas, fanzines, con un alcance limitado. Los músicos seducían a sus fanáticos por medio de… la música, que ahora está pasando a segundo plano; lo más importante es la vestimenta del artista, sus peinados, la paleta de colores elegida para sus videos, todo un staff de fotógrafos, maquillistas, coreógrafos, diseñadores de arte, supervisores de efectos visuales, estrategas de marketing, etcétera, influyen en la imagen que acompaña a un grupo. Por un lado esto es sumamente positivo porque complementa el trabajo de un artista, pero también puede ocultar o disfrazar las carencias del mismo.

Metallica

MTV (y sus clones tropicalizados), han sido fundamentales para que este fenómeno ocurra. Provocaciones artísticas como Marilyn

Descubrí Metallica en 1989, ya conocía el nombre, lo había visto en camisetas, graffittis y demás, pero me había mantenido alejado por razones que hasta el día de hoy desconozco. Un día, viendo videos de grupos integrados por sujetos que parecían transexuales (en esa época MTV transmitía todo el Sí, MTV le ha hecho mucho daño a la músidía videos de tipos que parecían mujeres y ca y a la cultura popular del mundo. Pero supuestamente estaban guapos/as), era el también ha sido un medio de difusión esencial para fortalecer a la industria clímax de la breve historia del hair metal o happy metal o pop musical, y aunque metal o no sé qué desde un punto de MADONNA TAMPOCO chingados. La verdad vista socialista, radiHUBIERA SIDO LO MISMO me sacaban de pedo, cal y extremista, pueSIN SUS PROVOCACIONES pero era lo que salía de parecer dañino, la EXHIBICIONISTAS Y SUS en MTV, tenía 14 años verdad es que, indiPOLÉMICOS VIDEOS, EN LOS y andaba en la penderectamente, han conQUE SE BESABA CON ja… la verdad, jajajatribuido para que se SANTOS DE YESO... ja. Pero el punto es generen movimientos que un día estaba y manifestaciones JAJAJAJAJA. viendo MTV y entre artísticas auténticas. videos de Poison, Trixter, Warrant, Slaughter, Winger y miles MTV tiene un lado muy negativo, terrible, ¡DESTRUCTIVO! para la cultura contemporánea de pendejadas “glam” de pelos esponjados y chavas chichonas con exceso de maquillaje, pero, como todo, tiene dos caras. apareció en el monitor de mi televisor un video en blanco y negro donde actuaban Por ejemplo, yo descubrí a Metallica gracias a MTV. Me da pena confesarlo, los old school músicos feos con matas madreadonas, bigofans que descubrieron a Metallica en 1981-82 tito ralito y camisetas negras (salvo la de con el No Life‘Till Lather se ofenden y me Lars que era la del ... And Justice), intercalatachan de poser, pero en 1982 yo tenía cuatro das con segmentos de una película en la que años, La verdad estaba más clavado en otros aparece un tipo completamente mutilado y pedos como caricaturas y juguetes (todavía desconectado de la mayoría de sus sentidos, no salían los de Metallica). tratando de comunicarse con el mundo exteManson jamás hubieran alcanzado el éxito que tuvieron sin un MTV. Pero pendejadas decadentes y estúpidas como el programa Dismissed también existen gracias a MTV (pero existirían sin MTV de todas maneras).

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rior (Johnny Got His Gun-1971 Dalton Trumbo, también escritor de la novela) OBVIAMENTE ME ENCANTÓ… pero la música ¿qué pedo con la música? Era nada más y nada menos que el video de “One” del …And Justice For All. ¡Me encantó! El único lugar abierto a esa hora, que vendiera discos era Sanborns, corrí al más cercano a buscar algún disco de Metallica, tenían el Master of Puppets, llegué a mi casa, lo puse y el resto es historia, hasta el día de hoy sigue siendo mi disco favorito de todos los tiempos. Metallica no se interesó en hacer videos, hasta que hicieron el de “One” (y la verdad es de los pocos videos de Metallica que me gustan). No hubo videos del Kill ‘Em All, Ride the Lightning ni Master of Puppets ¡su música era lo que vendía! Hicieron una carrera cabronsisisisísima sin la ayuda de MTV. Pero ese video fue el que me llevó a concerlos y lo que me introdujo al profundo túnel laberíntico del metal. De ahí pasé a Sepultura, Megadeth, Slayer, Cynic, Pestilence, Atheist, Carcass, Suffocation, Malevolent Creation, Deicide, Kreator, Corrosion of Conformity, Fear Factory, Sacred Ryche; claro, me siguió gustando Guns N’ Roses, que por cierto JAMÁS hubiera sido lo que fue sin MTV y casi todos sus videos son EXCELENTES. Ya sabemos que MTV es uno de los medios más influyentes de la cultura popular contemporánea pero ¿cómo se originó este canal antes de que se convirtiera en un instrumento más de las corporaciones?

MTV nació en Nueva York en 1981 y para mediados de los 80, se convirtió en un canal disponible en toda la Unión Americana gracias a la expansión de la televisión “restringida” o por “cable”. El primer video transmitido por MTV fue “Video Killed The Radio Star” de The Buggles (el primer video transmitido en MTV Europa fue “Money For Nothing” de Dire Straits, que inicia con la frase “I Want My MTV” (yo quiero mi MTV). Pero las raíces de MTV pueden ser rastreadas hasta 1977, cuando Warner Amex Cable (un joint venture entre Warner Communications y American Express) lanzó el primer sistema de cable interactivo de dos vías en Colombus Ohio: The QUBE, que ofrecía muchos canales especializados como Pinwheel, que después se convirtió en Nickelodeon. Uno de los canales era Sight On Sound, un canal musical que transmitía pietaje de conciertos y programas orientados hacia la música. Con el sistema interactivo de QUBE, los televidentes podían votar por sus canciones favoritas. La popularidad del canal en QUBE permitió a Warner Amex lanzar el canal a nivel nacional con otros servicios de cable. Eso ocurrió a la media noche del 1 de agosto de 1981, con la transformación a un formato de “video musical” y el cambio de nombre a MTV (Music Televisión). El formato original del canal estaba casado con el TOP 40 del radio (pura payoliza). Hombres y mujeres “frescos” y “hip” fueron

contratados para presentar los videos, ahora son conocidos como VJs (que poco a poco fueron buscando nuevas técnicas para llamar la atención como lanzar karatazos hacia la cámara y hacer muecas ridículas).

te del canal para promover su música. Si no hubieras visto a Michael Jackson bailando disfrazado de zombie o transformándose en hombre lobo, su música no hubiera trascendido de la misma manera; la revolución sexual explotada por Madonna tampoco hubiera sido lo mismo sin sus provocaciones exhibicionistas y sus polémicos videos, en los que se besaba con santos de yeso, jajajajaja.

Podemos recordar a algunos VJs que lograron obtener cierta popularidad y chambas en otros lados como Adam Curry, Martha Queen, Julie Brown, Kennedy, Tabitha Soren, Pauly Shore o el veterano (fósil) de MTV EL FORMATO ORIGINAL Kurt Loder (ya sé que DEL CANAL ESTABA CASADO faltan muchos nomCON EL TOP 40 DEL RADIO bres para tampoco se (PURA PAYOLIZA). HOMBRES trata de sacar una Y MUJERES “FRESCOS” Y lista de ex-conducto“HIP” FUERON CONTRATADOS res de MTV).

Hoy en día es difícil encontrar a un artista/grupo que no quiera hacer un video y aparecer en MTV, eso ha provocado que muchas bandas se preocupen más por PARA PRESENTAR ser “trendy” y fabricar LOS VIDEOS, AHORA SON una imagen fácilmenAl principio, la mayote posicionable y ría de los “videos” CONOCIDOS COMO VJ’S. explotable, en lugar incluídos en MTV no eran más que imágede preocuparse por nes promocionales o segmentos de conciersus composiciones y ejecuciones (o el sonido de las mismas), los artistas se convierten tos tomados de fuentes recurrentes. Pero en músicos/publicistas. conforme el canal fue adquiriendo popularidad, las compañías disqueras fueron invirtiendo más en la producción de los videos, Por otro lado (y viajando varios años en el que bajo su óptica eran comerciales televisitiempo hacia adelante), sabemos que le ha vos de sus artistas. permitido a nuevos artistas audiovisuales experimentar como en otros medios jamás lo pudieron imaginar: David Fincher, Madonna, Michael Jackson, Duran Duran o Michel Gondry, Spike Jonze y Mark Bon Jovi, fueron artistas 100% relacionados e Romanek son algunos directores que están identificados con MTV y dependían totalmen-

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revolucionando el cine desde hace tiempo y MTV les permitió crecer como cineastas. No hubieran tenido el presupuesto para realizar ese tipo de producciones si la industria musical no hubiera explotado la parte visual de sus artistas. En 1984 el canal produjo su primer show de MTV Video Music Awards, una respuesta divertida a los patéticos, desprestigiados y aburridísimos Grammys (y en 1991, el canal añadió los MTV MOVIE AWARDS, logrando un éxito similar, mucho más divertidos que los Óscares). Algunos años después de su lanzamiento, MTV comenzó a programar más heavy metal y rap/hip hop. Para no perder una gran rebanada del público lanzaron un segundo canal: VIDEO HITS 1 (VH1), en 1985. ¿Tóxico o saludable? ¿Enriquecedor o empobrecedor? ¿Golosinas audiovisuales o Arte? ¿Comerciales o Cine? ¿Instrumento del Sistema o válvula de escape para adolescentes? La respuesta a esas interrogantes depende de la apreciación de cada televidente y su capacidad para analizar, asimilar y reflexionar lo que ve, pero lo cierto es que MTV revolucionó la televisión y cambió la manera de apreciar y escuchar/ver la música para siempre. CONTINUARÁ… ¡En este mismo número!

VERSIÓN DELUXE: BATERÍA: $13,300 Tama Rockstar. $16,000 Rogers. $22,000 Mapex. PLATILLOS (paquetes de tres piezas básicas: contratiempos, crash y ride): $4,500 Zildjian. $5,200 a $8,000 Sabian. PARCHES (Paquetes de cinco piezas): $1,300 promedio, hidráulicos. BANCO: $1800 promedio. BAQUETAS: $141 el par Pro Mark. ATRIL EXTRA: $900 promedio.

BAJO: $7,000 Ibanez. $12,000 Fender Jazz Bass. $25,000 Ernie Ball Music Man.

El objetivo de este artículo es dar cuenta, para quienes tengan las ganas de adentrarse a tocar un instrumento y formar una banda, de la inversión que van a realizar. Y que cuando toquen en vivo le cobren al empresario dinero contante y sonante, por poco que sea, no se conformen con el cartón de chelas y ya. Con una caguama no pueden comprar más cuerdas, plumillas, cables o un afinador ¿o sí? Pero eso ya es motivo de otra nota. Por lo pronto veamos cuánto cuesta armar un grupo. Tendremos una versión económica y la versión deluxe. Los precios han sido tomados de tiendas establecidas que venden productos nuevos. Todos tienen sus ventajas y desventajas. Son esas horribles matemáticas del rock, pero sirven para darse una idea. Comenzaremos con un grupo básico de rock, digamos: batería, bajo, guitarra y voz.

TAHALÍ: $259 promedio.

AFINADOR: $340 a $1,400 (digital).

CUERDAS: $90 a $230 promedio.

TOTAL BAJO DELUXE: 27,369

PLUMILLAS: Desde $5 por pieza.

GUITARRAS: $12,300 Ibanez JEM 77. $15,000 Fender Stratocaster. $24,000 Fernandes. $25,000 Paul Reed Smith. $40,000 Les Paul Standard. $50,000 Gibson SG.

AFINADOR: $340 a $1,400 (digital). TOTAL GUITARRA DELUXE: $53,673 MICRÓFONO: $6,000 Sennheiser (inalámbrico). $5,000 Shure (inalámbrico). CONSOLA: $7,086 Yamaha. $14,600 Peavey. BAFLES: $6,300 par promedio. TOTAL VOZ DELUXE: $18,386

EFECTOS $6,104 Procesador GT Boss $8,200 Procesador Midi GR 20, GR33 Roland

TOTAL GRUPO DELUXE: $121, 369

Si quisieras hacer tu grupo comprando instrumentos de primera línea, es obvio que los costos aumentan muchísimo, aunque tienes la garantía de tener un equipo que te va a durar muchos años e inclusive, es una inversión a largo plazo si después lo quieres vender. Ahora, tampoco se asusten, en ambos casos hay muchas alternativas que abaratan costos. La recomendación ideal de los comerciantes es que compren todo de un jalón, con ello les harían descuentos sustanciales o les hacen regalos extra por la compra. La mayoría de las tiendas tienen también sistemas de pago diferido a seis meses con alguna tarjeta de crédito, algunas hasta les llevan las cosas a su casa sin ningún costo. La otra alternativa es recurrir a lo usado. En el Tianguis del Chopo, Rock Shop y en el tianguis de los músicos en Taxqueña, pueden encontrar precios mucho más bajos, e incluso instrumentos que no tienen en las tiendas, nomás que a veces no se puede probar nada y el arriesgue es que no hay garantía si se les descompone lo que compren. Así que comiencen a ahorrar ya o qué, ¿prefieren seguir comprando caguamas y cigarros?

ESTUCHE: $700 a $2,600 (estuche rígido). CABLE: $100 a $200 (hasta seis metros de largo).

A

PLUMILLAS: Desde $5 por pieza.

ESTUCHE: $700 a $2,600 (estuche rígido).

AMPLIFICADOR: $12.000 Gallien Krueger. $12,600 Ampeg. $18,000 Hartke.

ciencia cierta no se sabe cuántos grupos de rock y sus variantes existen en el país. Alguna vez tuve la idea de empezar a crear una base de datos y embarcarme en esa labor que después resultó titánica. Era 1994 y no lograba siquiera reunir los datos de una tercera parte de los grupos de la capital, mucho menos de los demás estados. En una era sin Internet, no me alcanzaban los cuadernos llenos de datos. Decidí dejarlo por la paz (pero algún día lo retomaré, jejeje). Desde ese entonces, también me sorprendía que cada uno representa una inversión monetaria, que en la mayoría de los casos no resulta redituable (más que espiritualmente), salvo para unos cuantos.

CABLE: $100 a $200 (hasta seis metros de largo).

AMPLIFICADOR: $13,400 Roland Jazz Chorus. $15,000 Fender Supereverb. $20,000 Laney (stack cerebro y dos bafles). $30,000 Marshall JCM 2000 (stack cerebro y dos bafles).

TOTAL BATERIA DELUXE: $21,941.

Por I ván N iebla s

CUERDAS: $200 a $370 promedio.

TAHALÍ $259 promedio.

VERSIÓN ECONÓMICA: El instrumento más caro resulta ser la BATERÍA. Nos iremos por algo básico de cinco piezas: tarola, dos toms, tom de piso y bombo. La mayoría incluye el atril de los contratiempos y uno extra. Según el lugar, el precio varía y se incluyen o excluyen cosas.

BATERÍA: $3,200 Power Beat, Maxtone (incluye atril de contratiempos y uno más). $3,900 Power Beat (incluye banco, dos atriles y platillos). $4,000 Century (incluye banco, baquetas y dos atriles). $4,500 Pacific (incluye dos atriles). $5,000 Maxtone (incluye dos atriles y banco). Esto es sólo por los tambores en promedio. Faltan más aditamentos: PLATILLOS (paquetes de tres piezas básicas: contratiempos, crash y ride): $1,200 a $3,500 Power Beat. $1,500 Platillos sin marca. $2,000 Orion. PARCHES (Paquetes de cinco piezas): $500 promedio. BANCO: $320 promedio. BAQUETAS: $44 el par Batter.

ATRIL EXTRA: $400 promedio

TOTAL BATERÍA ECONÓMICO: $6,764 Pasemos al BAJO. Uno normalito, de cuatro cuerdas, dos pastillas. Veamos primero los precios del instrumento.

TAHALÍ (es la madre esa con la que se cuelga el bajo o la lira, por si no sabían): $160 promedio. CUERDAS: $200 a $300 promedio. PLUMILLAS: Desde $5 por pieza (si tocaras con los dedos como Cliff Burton o Steve Harris te ahorrarías esta lana).

BAJO: $1,400 Maxtone. $1,650 Xpectra. $1,900 Jay Turser. $2,200 Epiphone, Cort. $2,400 Ibanez, Yamaha (incluye pedestal, pa’ no tener que dejarlo recargado por ahí). $2,500 a $3,000 Fender Squier. Van los aditamentos: AMPLIFICADOR: $2,000 a $2,300 Peavey, Crate (30 watts). $2,500 Peavey (50 watts con efectos integrados). $3,739 Ampeg (30 watts). $4,800 Ampeg (50 watts). ESTUCHE: $75 a $900 (funda). CABLE: $100 a $200 (hasta seis metros de largo)

AFINADOR: $150

TOTAL BAJO ECONÓMICO: $5,620 Seguimos ahora con el coco de muchos, la GUITARRA. Consideraremos las marcas más economicas y modelos baratos de las más comerciales. Todas incluyen cuerdas (aunque siempre están bien gachas).

TOTAL GUITARRA ECONÓMICO: $5,890

ESTUCHE: $75 a $900 (funda).

MICRÓFONO: $600 a $900 Shure SM58 (incluye base).

EFECTOS (el efecto por excelencia es la distorsión, después consideraremos efectos menos recurrentes): $690 Ibanez DS7. $700 Boss Overdrive/Distortion. $800 Ibanez Turbo Tube Screamer. $1000 Boss Distortion. $1,600 Boss Metal Zone.

CONSOLA: $2,200 Peavey Mp4. $2,300 Alpha 8.

CABLE: $100 a $200 (hasta seis metros de largo). TAHALÍ: $160 promedio.

GUITARRAS: $1,500 Cort. $1,500 Yamaha. $1,600 Maxtone. $1,600 Cruiser. $1,800 Washburn. $2,000 Gibson Epiphone, Ibanez. $3,300 Fender Squier.

AMPLIFICADOR: $1,000 Autec (50 watts). $1,500 Samick (75 watts).

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$2,000 a $2,400 Peavey, Crate (30 watts). $2,300 Park by Marshall (30 watts). $2,500 Peavey (50 watts). $3,712 Fender (30 watts).

CUERDAS: $40 a $130 promedio. PLUMILLAS: Desde $5 por pieza. AFINADOR: $150

EN EL TIANGUIS DEL CHOPO, ROCK SHOP Y EN EL TIANGUIS DE LOS MÚSICOS EN TAXQUEÑA,

Nos falta la VOZ. Digo, no todos son como Austin TV o los Twin Tones.

PUEDEN ENCONTRAR PRECIOS MUCHO MÁS BAJOS, E INCLUSO INSTRUMENTOS QUE NO TIENEN EN LAS TIENDAS

BAFLES: $1600 par promedio. TOTAL VOZ ECONÓMICO: $4,500

TOTAL GRUPO ECONÓMICO: $22,774 Suponiendo que todos ganaran el salario mínimo vigente, que es de $46.80 diarios, tendrían que trabajar entre dos y cuatro meses para comprar su equipo. Claro, eso si no gastan un sólo centavo. Pero como eso es imposible, el periodo se extenderá dependiendo cuánto ahorre cada uno. Y no estamos tomando en cuenta el transporte, los gastos del ensayo (luz, agua, comida, acondicionamiento del espacio) y si habrá que tomar clases, porque uno no nace sabiendo tocar. Y ya ni se hable si el grupo tiene más integrantes como los de ska, que llegan a ser hasta 14.

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Jimi Hendrix

Masacre 68. Foto: WARpig

Gracias al correo conocimos bandas como DISOLUCIÓN SOCIAL de Monterrey. Histeria tronó y su lugar fue ocupado rápidamente por MASSACRE 68 con el July, el Thrasher, El Virus y otro gritante muy especial: El Aknes. Para ese momento, los temas de las rolas se revolvían en lo mismo: policías corruptos, drogadicción, abuso de poder. Miseria. El movimiento punk en ese sentido se había estancado. La música seguía siendo salvaje y cruda pero desgraciadamente todos hablaban de lo mismo y de una forma muy ingenua. No había ironía, no había educación o un buen manejo de la información. Las rolas muchas veces parecían regaños, o la sección de “desastres” de un noticiero. Las drogas le dieron en la madre a muchos. El desempleo a otros. La violencia de sus barrios a otros. Aparte, había mucha discriminación dentro de un movimiento que decía repudiarla. Si eras rubio, no debías tocar punk. Si eras de clase media tampoco. Si tenías el cabello largo no eras punk. Etc, etc, etc. En el mismo lugar de ensayo de Massacre 68 (en la San Felipe de Jesús, claro) comenzó a ensayar un proyecto alterno del Thrasher: ATOXXXICO. Banda que, influenciada por S.O.D. comenzó a fusionar algunos riffs de metal rápido con hardcore punk. El dilema era que ATOXXXICO era muy punk para los metaleros y muy metalero para los punks. Aún así, su aportación fue importante. Ja, ¿qué les puedo yo decir?

H

ijos de políticos, restauranteros y juniors en general vieron la naciente moda “punk” en Europa y la trajeron a México. Se les hacía “cagadito” la onda del pelo de colores, las cadenas y la ropa desgarrada. La diferencia es que el punk en otros países surgió de la clase trabajadora, de los obreros y desempleados y aquí, de los fresitas que también tuvieron el derecho de estar aburridos (y es que el rock en México a finales de los 70/principios de los 80, era una verdadera cagada mal producida, estancada en el viaje, flautitas, mota y su siempre sobrada “búsqueda de identidad nacional”). El antro donde se dieron aquellas prototocadas fue el Hip-70, allá en Insurgentes Sur. Dangerous Rhythm tocaba “Electroshock” y “I Pity You”; Size quién sabe qué pedo traía entre punk-electrónico y hasta The Plugz llegaron a tocar ahí. El público estaba integrado por fresas, algún intelectual, periodistas jóvenes, morritas ricas a la moda. Era como una escena de Cachún Cachún Ra Ra pero con la diferencia de que se estaba gestando algo importante.

K N E U PMÉ N

Rolo, Vocalista de Atoxxxico. Foto: Carlos Somonte

—Por WARpig—

XICO

. Vamos, el punk no muchísimo más que eso es o per a nos tigi ver a s de maner dre, es inconforme, es de los tres acordes tocado n, es desmadre y vale ma cho azó mu cor la es hab la, Se bur , jo. nía ple iro Felipe es punk. Es algo en El punk es com compromiso, dcore es punk, ni sólo San a, es arte, es cultura, es har ític el pol o es sól al, ni k, sic salen por ahí mu pun o son alg sólo es o los Ramones cación y claro, también The Clash es punk, ni sól y alternativas de comuni les a ción , co m rea s i n f o r m ma for a l a e, art c c e s o de VASTO. Porque no sólo en te; esa qu e te nía a ndo verdaderas obras p u d i era gen c l a s e va e n l a que ión u r g i ó tac constante mu n k en n u estro p aís s RD AS. I rón icam en te, e l pu U n ido s. algunas verdaderas MIE e via jar a Euro pa y Estad os a d d s o te nía la o p ortu nid i n g l é a s e n r e v i s t r a b a p

Al mismo tiempo, una banda tijuanense de h0ardcore-punk distribuía sus cassettes y demos-ensayos en el gabacho y se filtraron al DF: SOLUCION MORTAL. Por su cercanía a Estados Unidos, sus influencias iban con lo más actual punk mientras que en el DF se seguían tocando rocanroles básicos a la Sex Pistols o a la Generation X. Se corrió la voz entre las clases bajas y medias: uno podía hacer música sin tener que saber de música. Sobre todo, a diferencia de Dangerous Rhythm (posteriormente la tropical agrupación Ritmo Peligroso), se podía cantar en español y de lo que realmente importaba: policías culeros, desempleo, muertos, drogas. Se conseguían guitarras baratas, amplis puteados, un lugar dónde “ensayar” y órale, ya tenías una banda. Los amigos eran tu público y te acompañaban a las tocadas donde no se tenía nada. Por ejemplo, dos amplis pequeños (en uno conectabas dos guitarras, en otro metías el bajo y la voz), una batería desafinada y destartalada y ya; con eso se hacía ruido en un frontón, en una casa, en un terreno baldío. Olvídense de una consola, del PA o de “monitores”. Esas mamadas no existían (no las prestaban, costaba mucho rentarlas y ni se sabían usar) y aún así… era divertido. Ana Punk, Laura y La Zappa formaron Virginidad Sacudida, banda de puras tías metidas en el punk de verdad, es decir, no sólo drogas, no sólo grenetina para pararse los pelos. También le entraban a la onda de tratar de concientizar a sus compañeros sobre temas como el aborto, la discriminación y el abuso de poder. Hacían fanzines sin importarles que el discurso fuera básico y muchas veces hasta ingenuo… el pedo era hacerlo, regalarlo, intercambiarlo por otros fanzines. Los grupos así como surgían, morían. VS no dejó ninguna grabación oficial pero La Zappa continuó editando su fanzine Caramelo, Ana un fanzine propio y juntas anduvieron desde ayudando a organizar tocadas, hasta formando colectivos. Luego se pelearon, como todas las pinches viejas, y cada quien andaba en lo suyo. No digo que fueran las primeras ni las únicas. Tranquilos. Sólo fueron importantes.

Los D.F.CTUOSOS tenían lo suyo. Letras como: “No me gusta Santa Claus, pinche panzón. No me gustan los regalos, no me gustan sus mamadas”. Y el hardcore punk crudo apareció aquí en el DF con la banda que desde mi punto de vista fue la más importante de todas: HISTERIA. Estuvo formada por tres skins: el July, El Tex, El Jarocho y un skater, el Thrasher. Juntos tenían una presencia apabullante y en términos de rock, eran súper estrellas en el mejor sentido de la palabra y claro, a un nivel punk. Los riffs de sus rolas como “Muerte en el ruedo” o “Liberación”, eran básicos, cabrones, creíbles. July tocaba rápido, El Tex era un pelón rudo y alto que no se andaba con mamadas y berreaba como loco, el Jarocho era más amable y lo cagado era que venía desde el bajío para tocar y/o ensayar. El Thrasher es un capítulo aparte, ya que fue responsable de la formación de las tres mejores bandas de hardcore-punk que han salido de este país: HISTERIA, MASSACRE 68 Y ATOXXXICO. Los fans de

La pólvora corrió por todo México y en los estados del norte pasaba lo que sucedió en el DF en la época Hip-70: los riquillos del pueblo o los fresas del condado eran los que formaban bandas de punk. Cuando ATOXXXICO llegaba a algún lugar de provincia y alternaba con las bandas locales, el público de inmediato informaba: “Esos güeyes son culeros, WARpig, no son punks, el papá del vocalista es comandante de la policía”. Je. Y ATOXXXICO recorrió toda la provincia y parte de Estados Unidos ya que no cobraba $$$. Sólo se pedía comida y dónde dormir. Cosa que aprovecharon “empresarios”, “amigos” y hasta el Thrasher. Esa es otra historia. AQUELLARRE en Tampico, SEDICION en Guadalajara, ESPÉCIMEN en Tijuana (creo). Chingos de bandas influenciadas por el hardcore punk europeo en la onda EXTREME NOISE TERROR, RATTUS, THE EXPLOITED. Pero la temática no evolucionó: todo era policías, represión y miseria. En el DF surgían bandas como M.E.L.I; DESVIADOS y colectivos de acciones directas como CHAPS (Chavas Activas Punks) y Cambio Radical, Fuerza Positiva. Para hablar del punk en México se necesita de mucho espacio y aquí estoy un poco limitado. Sin embargo, les diré que el declive del punk en México llegó con el exceso de información. Un güey leía que en Estados Unidos les gritaban fascistas a los DEAD KENNEDYS por un elevado costo de sus boletos y entonces, aquí le gritaba “fascistas” a las bandas que cobraban 20 pesos la entrada. Pendejadas así. Otros güeyes, se empapaban de fanzines de anarquía y si no compartías su ideología eras pendejo. Los straight-edge odiaban a los punks que le metían al activo. Y así, las divisiones fragmentaron el pedo. Luego, llegó la ola noise-core. Morritos que hacían puro ruido y creían que era divertido. Sin mensaje y sin nada entretenido. Sólo ruido. Y por otro lado, comenzó la invasión del punk de niñas. Es decir, las bandas que copian el sonido Epitaph. ¡Huácala! Y de esa pendejada del “happy-punk” mejor ni hablar. Y tranquilícense: no es lo mismo ser punk que tener la influencia. Y bueno, la historia ahora la escribirán ustedes, no sólo la leerán. Pero, algo seguramente te podríamos recomendar (y con conocimiento de causa) quienes de alguna u otra forma fuimos parte de la escena punkera en las décadas de los 80 y 90: LO QUE TE ESTAN VENDIENDO COMO PUNK, HOY EN DÍA, NO LO ES. No nos vengan a nosotros con mamadas.

Histeria comenzaron a hacer bandas y quienes escuchaban a Eskorbuto, La Polla Récords y Decibelios de España también. Así surgieron KAOS SUBTERRÁNEO, XENOFOBIA, ANTI-GOBIERNO, PSICOSIS, DECADENCIA, PODRIDOS, COLECTIVO CAÓTICO, HEREJÍA, COPROFILIA y muchas bandas más que tocaban a la par de la segunda generación de bandas punks, es decir, SYNDROME DEL PUNK, REBEL D´PUNK, DESORDEN PÚBLICO, DESCONTROL y poco después LOS YAPS. Así, tenemos que la primera generación de punks fueron los fresas, la segunda generación fueron los rockers que gustaban de los pelos parados y mucho Sex Pistols y mucho Ramones; y la tercera generación comienza con Virginidad Sacudida, Histeria y sus derivados. Ahora, si nos ponemos mamones (como escritor que se cree banda) pues punks en México siempre hubo y luego dicen que el mohawk es derivado de los penachos aztecas, etc. Lo que pasa es que donde haya jodidos hay punk. Donde haya rencores y malos gobiernos, hay punk. Se tenían muchas malas interpetaciones: unos creían que el punk sólo era vomitar y agarrarse a madrazos, otros creían que punk era organizar marchas anti-ricos y otros creían que era “evangelizar” a la banda a ser “políticamente correcta”. La verdad es que era todo eso junto, pegado, distorsionado, caótico, punk (de ahí su atractivo y de ahí las consecuentes divisiones. Todos creían tener la neta).

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TABLA 1.1 EL ROCK COMO FRANQUICIA S

En cuál estemos carece de relevancia; lo importante es que en todas se despacha exactamente lo mismo, de la misma forma, en los mismos vasitos de cartón. Los sujetos del mandil verde son reemplazables, prescindibles; conseguirán un poco de pasta para pagarse la colegiatura y se marcharán, a la primera oportunidad, a un sitio mejor. La rareza en estos tiempos es encontrarte una cafetería donde te atiende el dueño, o su esposa, o sus hijos, o el dependiente de toda la vida; donde se saben tu nombre por las repetidas visitas, no por evitar una confusión con la bebida de alguien más. Lo difícil es encontrarte una cafetería donde no te sientas parte de una anónima masa de consumidores que acude (hipnotizada y despierta a medias), a echarse agua caliente al cogote para que se le devuelva el alma al cuerpo en una mecánica rutina diaria, idéntica en esta colonia que en la de al lado y la de junto y la que sigue y Londres y Chicago y Nueva York. Naomi Klein y yo lo sabemos. Y no nos gusta. Porque, verán, el asunto no se restringe a la industria cafetalera; abarca en estos tiempos casi todo y darse una vuelta por la tienda de conveniencia (ya no a las misceláneas caseras, y aún allí) es ir a hacer un depósito a las gordas cuentas de la multinacionales dueñas de todo: refrescos, agua embotellada, frituras, jugos de fruta y cualquier otra cosa existente o por descubrir. Este modelo de producción, distribución y

marketing que homogeniza la cultura del mundo, o pretende conseguirlo, ha sido exitoso en su labor de llevar mucha riqueza a los bolsillos de unos cuantos, lo cual ha inspirado a otros poquitos a sumarse al movimiento y fundar su propio changarro global, anteponiendo el nombre e imagen de una marca al producto que supuestamente le interesa vender. Damas y caballeros, la industria de la música no es ajena a la sociedad donde se genera. Actualmente, por increíble que pueda resultar la siguiente aseveración, existen grupos de rock que funcionan como una tienda de café, de esas que son lo mismo en todas partes y donde apuntan tu nombre en el vaso, para evitar que otro zombi anónimo a medio despertar termine llevándosela a la boca por equivocación. Estos conjuntos, se alejan de ofertar una experiencia emocional genuina para, en cambio, poner a disposición del público productos reconocibles, de fácil identificación, donde lo único relevante (como en el caso de las zapatillas Nike o las camisas Lacoste), lo único que el público ansía ver, la estrella verdadera, es el nombre del grupo: una marca registrada. Todos los derechos reservados. Una vez que han tenido éxito, una vez que han abandonado las cocheras y los pequeños clubes, una vez que se han transformado en marca reconocible y posicionada en diversos países, estos grupos se alejan de la inocencia y configuración humana originales, de la promesa de hermandad eterna entre los miembros, para perderse en mares de plata, empeñados en llevar su bote a la isla de las regalías. La franquicia es inaugurada. Revisaremos ejemplos, pero antes de continuar, hagamos una breve revisión del la palabra franquicia. En un rápido

surfeo por la supercarretera de información encontramos definiciones como la siguiente, de definiciones.org: “Sistema de negocio que consiste en la compra de los derechos sobre un producto o servicio a una compañía grande con reconocimiento de marca y posicionamiento en el mercado, para lucrar con ella”. ¿Una más? ¿qué les parece este par, extraído de wikipedia.org? A) “Es un método de negocio donde el propietario de una marca y métodos, los licencia a otro a cambio del pago de una regalía”. B) “Es un tipo de contrato utilizado en comercio por el que una parte llamada franquiciador cede a otra, llamada franquiciado, la licencia de una marca así como métodos de hacer negocios a cambio de una tarifa periódica o royalty”. Otra aquí adelante, esta proviene del diccionario de marketing en buzoneo.info: “Acuerdo de venta en el que una compañía (franquiciador) cede los derechos a una persona o compañía (franquiciatario) para proporcionar los productos o servicios del franquiciador en un mercado específico. El franquiciatario se compromete a operar de acuerdo a las normas establecidas por franquiciador, las cuales normalmente incluyen el uso de sus productos, materiales promocionales y otros servicios de soporte de la compañía”. Ahí lo tienen, el modelo es aplicable a casi todo y nos permite la invención del término grupos franquicia, donde no importa quién se encargue del bajo, la batería, o las voces. Sino el “know how”, la experiencia arriba del escenario y, claro, el derecho a ejecutar los hits a sabiendas de que el equipo de abogados no iniciará proceso legal alguno, pues todos los papeles se encuentran en regla.

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Pero qué amable la señorita. Con su cabellera recogida, su mandil verde, su sonrisa forzada y la cara de buena gente que está obligada a poner ante cualquier individuo cuyos pies se encuentren dentro del local. —Por Julio Martínez Ríos—

e trata de una en una sucursal específica de la cafetería, pero estar en ella es, al mismo tiempo, visitarlas todas: las de Londres, las de Chicago, las de Nueva York, la de Avenida San Jerónimo o la que está en la calle de Arenal, rumbo a La Noria.

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“En nuestras tiendas cuidamos el aroma del café. Gracias por no fumar”. “Comercio justo con los campesinos mexicanos”. “Crea tu propia especialidad edulcorada”. —Hoooolaaaa, buenos días, ¿puedo tomar tu ordeeeeen?—

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Algunos tratarán de refutar nuestro postulado argumentando que ningún miembro de un grupo paga una regalía por pertenecer a él. Cierto. A medias. Si bien muchos de los músicos que son contratados para incorporarse a un grupo franquicia no van al banco y depositan un cheque, sí pagan, de forma indirecta, por la adquisición de la marca. Muchos de ellos no participan como socios del grupo; son contratados como empleados externos y reciben una paga inferior a aquella de los miembros originales (a quienes podríamos ubicar como una especie de franquiciatarios). En otros casos se les impide aparecer en las fotos, o se les envía a hacer los trabajos de flojera que nadie quiere desempeñar (como dar entrevistas telefónicas a las revistas mexicanas). Para clarificar dudas publicaremos, a continuación algunas cualidades definitorias del grupo franquicia. A) Poseer un nivel alto de fama. Si mañana cambian todos los miembros de Electric Six y sólo va el cantante a dar una gira mundial seguido por un puñado de músicos de sesión, será tan irrelevante como si la alineación original saliera de gira. Los grupos franquicia poseen, por lo general, un catálogo contundente, con elevado nivel de convocatoria. B) Utilizar el nombre original. O sea, Pink Floyd sí pertenece a esta categoría. Jaguares no. Como lo vimos en las definiciones, parte del chiste se encuentra en la explotación del nombre. Jaguares puede, en efecto, tocar todas las de Caifanes, pero no tienen la marca. Es como entrar a un lugar que tiene las hamburguesitas, los muebles, los conos de helado, todo igual, pero carece de los arcos dorados sobre fondo rojo: la gente no acudirá con la misma devoción.

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C) Sensibles cambios de alineación. A pesar de sus múltiples reemplazos, el quinteto de Seattle, Pearl Jam, no pertenece al catálogo de grupos franquicia: aunque Abbruzzese y Irons nos hayan caído bien, no cargaban con el peso del conjunto, su salida no alteró radicalmente la esencia.

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La antítesis del grupo franquicia es U2, por supuesto. Llevan 25 años juntos y aún en los momentos más peligrosos de su existencia colectiva (léase la etapa del Pop) se han comportado como un grupo de ROCK y no como una cafetería que ofrece empleo temporal a estudiantes universitarias desubicadas durante el verano, anteponiendo utópicos intereses musicales a las necesidades del ego (por lo menos son muy efectivos haciéndonos creer eso). A estas alturas de la historia resulta impensable una encarnación distinta del cuarteto irlandés; ni modo que de repente se pelearan y se consiguieran un guitarrista con más pelito, que no tuviera que taparse la mollera con un gorrito de alpinista en cada sesión fotográfica. Eso es, nomás, inimaginable. Pero los lazos del rock no han tenido esa peculiar fuerza en otros casos, como los que expondremos aquí.

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The Doors of the 21st Century

Esto está fuerte también. A ver, ¿cómo un grupo sin Jim Morrison se llama “The Doors”? Por lo menos le pones Héroes del Silencio o algo. Y eso del “of the 21st Century”, bueno… es como ponerle a unas hamburguesas de carrito “El Burger King de Avenida Toluca” y con eso creer que el público dejará de notar la diferencia. En 2002, 31 años después de que Morrison hiciera sus últimos bucitos en París, Ray Manzarek y Robby Krieger recorrieron el mundo con una puesta en escena donde el ex cantante de The Cult, Ian Astbury, interpretó el papel de Rey Lagarto. Visitaron el Auditorio Nacional del DF, un amigo fue a verlos y dice que, si cerraba los ojos, esta encarnación sonaba igualita a la que grabó los discos.

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KISS

Fundadores, amos y señores del franquicia rock. Poseen el catálogo de mercancía más abundante del universo (lo siento pero hasta que los Beatles pongan a la venta su propio sarcófago de edición limitada el título será imbatible). El asunto de los disfraces ayuda mucho; Paul Stanley y Gene Simmons pueden agarrar a cualquier hijo de vecino, meterlo en unos botines de tacón alto, untarle crema Teatrical en el rostro y sacarlo, sin más, a ofrecer conciertos por el mundo. El guitarrista y bajista son los únicos elementos de la histórica alineación original de 1972. Por Kiss han desfilado Peter Criss, Ace Frehley, Eric Carr, Bruce Kulick, Vine Vincent, Marc St. John, Eric Singer y Tommy Thayer. El conjunto neoyorquino ofrece una experiencia idéntica en cualquier sito de la galaxia donde se admiren sus presentaciones. Los mismos éxitos, la misma pirotecnia, las mismas sensaciones. Aunque efectuaron ya su gira del adiós, en 2003 visitaron escenarios al lado de Aerosmith y en 2004 hicieron conciertos en Estados Unidos.

INXS

También falleció su carismático vocalista. Aquí estaba todo puesto para continuar dignamente y la oportunidad fue desaprovechada con torpeza, en la desesperación por seguir con un nombre ya posicionado. Explico. INXS se llamó, originalmente, The Farris Brothers. Al fallecer Hutchence (y como muestra de respeto a él, al público, a todos), los miembros restantes podrían haber vuelto a esa nomenclatura, o habrían podido inventarse otra. El mundo hubiese comprendido la trágica situación y habría aceptado la mutación sin problemas. Sin embargo, decidieron ofrecernos algo que no era INXS, con múltiples cambios de orador. Ahora, en diferentes publicaciones estadounidenses, es posible encontrar los anuncios de un programa de realidad televisiva llamado Rock Star: INXS, donde se buscará un nuevo sustituto para Hutchence. Claro, lo más visible en dicha publicidad es el logo de la banda. Cualquiera que, a bordo de un auto, haya meneado el cuello escuchando “Listen Like Thieves”; o quien se haya untado gel viéndose al espejo, mientras sonaba en su estéreo la introducción de “Guns In The Sky”, tiene derecho a sentirse indignado.

Pink Floyd

No sé ustedes, pero yo me ardí muchísimo leyendo esto: “It has been confirmed that Roger Waters will join Pink Floyd to perform at the Live 8 concert in Hyde Park on 2nd July. A ver, a ver, a ver. Gilmour nos cae bien a todos y se reconoce su pericia con las seis cuerdas. Eso es aparte. Pero que no sea payaso. Waters es miembro de la banda en igual proporción que cualquiera de los músicos quienes actualmente poseen derechos de explotación sobre la marca. Waters, legalmente, no los tiene, de acuerdo. Nomás que a él se le ocurrieron obras clave como Dark Side of the Moon y The Wall. Merece un reconocimiento equitativo. ¿Quién tiene derecho legítimo y quién se está aprovechando? Los puristas dirán que todos son unos oportunistas, pues la esencia del conjunto se perdió a la salida de Barret. Lo que yo puedo decir es que aprovechando su exitosa presentación en Live 8, se deberían juntar, salir por el mundo y arrancarnos hasta el último peso. De todos modos el dinero iba a acabar en manos de alguna corporación malvada.

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Creedence Clearwater Revisited

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Este caso es gachito. Y me refiero al asunto de utilizar tres cuartos del nombre previo; de ninguna manera se está atacando en estas líneas la música del Creedence (fiiuu, espero haber evitado la aparición de un ejército de enfurecidos señores barbones con chalequito de piel a las afueras de R&R). Aquí no fue como si Pearl Jam cambiara de baterista. La Historia del rock reconoce a John Fogerty (compositor, guitarrista y cantante), como el centro de Creedence Clearwater Revival y en la actualidad, quienes fungieran como sección rítmica del grupo (Stu Cook y Doug Clifford), se dedican a ordeñar una vaca ajena en cualquier tipo de escenarios y eventos. De acuerdo, la existencia de Revisited permite a los fans escuchar las canciones que aman, interpretadas por 50% del conjunto original, pero entendemos a quienes consideran su existencia una abominación. Es como si unos ex empleados de hamburguesería se consiguieran un local y le pusieran Burger Kong ¿haber trabajado en el original les concede derecho a piratearse la idea?

“Durante años me fue imposible ver una razón para volver a hacer Queen. No podía visualizarlo. Entonces interpretamos unas canciones con Paul Rodgers; se abrió una puerta en mi mente. De pronto se me ocurrió que podríamos hacer algo que daría al público un pedacito de lo que quieren, pero también nos llevaría a nuevos territorios. Comienzo a preguntarme por qué no se me había ocurrido hacer esto antes”. Así explicó Brian May a la publicación británica Uncut, la existencia de una nueva versión de Queen que este año exprimirá el potencial de la marca, utilizando al ex vocalista de Free como reemplazo de ya saben quién. Los hits y el nombre ya habían demostrado su rentabilidad en el Siglo XXI, con el estreno del musical We Will Rock You, en 2002. Muy diferente al caso de Creedence Clearwater Revisited. En Queen cada miembro es autor de, por lo menos un hit mundialmente famoso; así que pensar en una gira donde el 75% de la alineación original adoptaba un cantante, no resultaba, en teoría, tan monstruoso. Sin embargo, el bajista John Deacon, autor de “Another One Bites the Dust”, “I Want To Break Free”y “You’re My Best Friend”, no participa en la reunión. Dicen que, pese a todo ha dado su visto bueno. ¿Si sólo hay dos miembros, originales, es realmente Queen, o una franquicia? ¿Acaso Brian May se ha convertido en el Paul McCartney de este cuento y pretende ahora imponernos su versión de lo ocurrido.

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The Rolling Stones

Especialistas en satisfacción. Otro caso que, no importando la localidad, despachará siempre con la misma eficacia. Expresión máxima del grupo de rock como multinacional. Tienen su propia tarjeta de crédito y chequeras; “Start Me Up” fue el tema del Windows 95. Rompieron sus propios esquemas con la gira del Forty Licks. Durante ella, en cada país al que llegaban los Stones, realizaban presentaciones en tres escenarios diferentes (un club pequeño, una arena mediana y un estadio gigante). Son los Stones y pueden hacer lo que les venga en gana.

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Casos como The Cure, Megadeth u Oasis no tienen ingreso en el rock franquicia, dado que los motores principales y personajes centrales de cada conjunto permanecen activos, manteniendo intacta la idea original. Casos como Timbiriche, Menudo y Abba Teens, deberán ser analizados en el especial de primer aniversario de la revista Rebelde. Una banda es un negocio; la afirmación carece de novedad. Como tal debe adaptarse a los modelos imperantes mediante los cuales se posibilita su existencia. En estos tiempos, sin embargo, a uno le encantaría creer en esos fundamentos pletóricos de inocencia y ensueño que llevan a dos o más individuos a inventar canciones juntos. A uno le gustaría creer que el rock es una fuerza de la naturaleza, una entidad inasible que va tocando con su magia a diferentes personas, en diferentes puntos geográficos. Nos gustaría creer que no existe premeditación, que las canciones simplemente ocurren. Nos gustaría pensar en las entrañas de un grupo como en un sitio lleno de sueños colectivos, radicalmente distinto al frío, impersonal, vulgarmente concreto interior de una cafetería, de esas que son iguales en todo el mundo. Nos gustaría pensar eso porque hemos atestiguado el milagro y estamos cierto de que un día, (ignoramos dónde, cómo y en qué género), se va a repetir.

Elvis Presley

“Usaremos la toma 475”

ES NECESARIO ENTENDER SOBRE COMPOSICIÓN, DISCOS, INSTRUMENTOS, MICRÓFONOS, PEDALES DE GUITARRA, CONSOLAS, BATERÍAS Y SOBRE TODO, EGOS.

—Por Julio Martínez Ríos—

—Productores influyentes del rock & roll LAS

SIGUIENTES LÍNEAS DE NUESTRO ESPECIAL DE PRIMER ANIVERSARIO ESTÁN DEDICADAS A LOS PRO-

DUCTORES.

SEMI

ANÓNIMOS HÉROES QUE POSIBILITAN LA REALIZACIÓN DE LOS MILAGROS.

VERÁN,

LOS

MÚSICOS SE LLEVAN TODOS LOS APLAUSOS, LA RETROALIMENTACIÓN INMEDIATA ARRIBA DE UN ESCENARIO, LOS CORAZONES DE LAS CHAMACAS, EL RESPETO DE LOS MUCHACHOS, LOS ADELANTOS MONETARIOS DE LAS DISCOGRÁFICAS MULTINACIONALES Y LAS SILLAS DE HONOR EN EL SALÓN DE LA FAMA; PERO POCO PUEDE HACERSE SIN EL SUSTENTO DE UN BUEN ÁLBUM, SIN LAS HORAS HOMBRE INVERTIDAS EN UN TRABAJO QUE PUEDE TORNARSE DESESPERANTE Y MONÓTONO.

LA

LABOR DE ESTOS INDI-

VIDUOS NO ES SENCILLA, SU PRINCIPAL MISIÓN CONSISTE EN ENTENDER LAS IDEAS DE UN GRUPO Y AYUDAR A QUE SEAN PLASMADAS CORRECTAMENTE EN LA CINTA

TOOLS,

YA ESTAMOS BIEN ENTRADOS EN EL

SIGLO XXI). PARA

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ELLO ES NECESARIO ENTENDER SOBRE

COMPOSICIÓN, DISCOS, INSTRUMENTOS, MICRÓFONOS, PEDALES DE GUITARRA, CONSOLAS, BATERÍAS Y SOBRE TODO, EGOS.

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s necesario, también, contar con imaginación para intentar cosas, criterio para deshacerse de canciones, tacto para lidiar con los conjuntos y un tanto de suerte para que todo amarre. Si bien la del productor es una vida algo alejada de las luces y los fuegos artificiales, su trabajo es altamente valorado en la industria fonográfica. Aunque los detalles son poco difundidos por las publicaciones que llegan al público masivo, se sabe de la existencia de grandes estrellas del gremio cuyas tarifas llegan a ser, en promedio, de 75 mil dólares por la realización de un sólo track (nada caro si tomamos en cuenta la cantidad de dinero que puede hacer mover una canción exitosa). Muchas de estas figuras son inseparables de las canciones y artistas con quienes han trabajado y la Historia se ha encargado de hacer justicia y otorgar merecidos laureles en varios de los casos aquí expuestos.

SIR GEORGE MARTIN

PHIL SPECTOR

JIMMY PAGE

TONI VISCONTI

Londinense, de 79 años. Perteneció a la Real Fuerza Aérea Británica. Convenció a los Beatles de correr a Pete Best. Fabricó la leyenda al lado de ellos. Capturó a John Lennon con una voz extenuada en el cover de “Twist and Shout” aparecido en Please Please Me, el debut del conjunto. Entendió lo que McCartney quería lograr metiendo cintas recortadas y reconstruidas mediante el azar en “Tomorrow Never Knows”; consiguió ese sonido de “Strawberry Fields” que aún puede obligarte a detener el auto y echarte a llorar sobre el volante si te la encuentras en el radio. Construyó mundos sonoros fantásticos con tecnología de ocho tracks. Nadie, nunca, en universo alguno podrá superarlo.

Amo del hit radiofónico y de rockola durante los 60. Grababa a muchos individuos tocando al mismo tiempo un instrumento, guitarra acústica, por ejemplo, y sobreponía esa gorda grabación encima de otras tantas igualmente densas, consiguiendo así poder y dramatismo. Inventó el atasque fino, pues. A esa técnica se conoce como “pared de sonido”. Su aportación en este ramo es tan grande y trascendente que existen, incluso, recopilaciones de artistas que han imitado su estilo al producir, pueden comprobarlo consiguiendo el disco Phil’s Spectre. A Wall of Soundalikes.

Mucho más conocido por su oficio de guitarrista, sus alianzas con Belcebú y su debilidad por los estupefacientes duros. Page fue productor de Led Zeppelin, innovando en técnicas y sonidos que hoy continúan sirviendo como obligados puntos de referencia entre conjuntos debutantes. Supo sacarle nuevos llantos a la guitarra Telecaster mediante la amplificación de un Supro. Hacía buenos trucos de microfoneo y amplificación que le ayudaban a subrayar el sonido ambiental, obteniendo profundidad. Entre sus múltiples creaciones de estudio está el disco de las varas… Oh pues, el de las Runas, el Zoso, el de los cuatro símbolos, el del viejito, el Led Zeppelin IV.

Recientemente participó en el disco Lifeblood de los Manic Street Preachers, pero esa no es la raíz de su fama. Revisen la contraportada de los discos Space Oddity, The Man Who Sold the World, Young Americans, Low Heroes, Lodger y Scary Monsters, todos de David Bowie. La alianza entre el músico y su productor fue indispensable para el nacimiento del mito. Ninguno de los efectos que se escuchan en la canción “Heroes” fue creado digitalmente. Cuanto en dicha canción se percibe, es producto de la acústica, de una ingeniosa colocación de micrófonos y de la fortuna de contar con un cuarto adecuado para efectuar el experimento. Visconti afirma: “A finales de los 60 comencé a producir discos. En aquella época, el ‘productor’ se había convertido en el director de un álbum (gracias a pioneros como George Martin y Phil Spector). Sin embargo el mote se quedó y continuamos empleándolo”.

“Stairway to Heaven”… tsssss, tsssss y recontra tssssss padrino.

Aunque el público casual, ese que se topa con las canciones casi por accidente (bajo el hielo seco del club o entre los avisos publicitarios de la radio), no parece estar consciente de su existencia ni de su papel en la música popular contemporánea, existen otros que han llegado hasta ellos sorprendidos, atónitos, admirados, enmudecidos, buscando en el reverso del disco (donde siempre aparece esa información valiosa), los nombres de aquellos que han estado allí, detrás de paredes de vidrio, ejecutando milagros, entendiendo las minucias de una consola, ayudando a conseguir la toma adecuada y esquivando los disparos en la batalla de los egos.

Tras una separación de 20 años, la primera década del Siglo XXI atestiguó el reencuentro de Visconti con Bowie. Han vuelto a trabajar juntos en los discos Heathen y Reality.

R&R enlista a continuación 12 productores fundamentales. Por supuesto el trabajo de muchos más habría de merecer sus propias dosis de papel y tinta, pero el espacio y el tiempo son breves. Si se buscan investigaciones profundas sobre el tópico, esta publicación se permite recomendar las lecturas siguientes: Good Vibrations: History of Record Production, de Mark Cunningham y el extraordinario Behind the Glass: Top Record Producers Tell How They Craft the Hits de Howard Massey.

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RICK RUBIN

BRIAN ENO

BRENDAN O’BRIEN

STEVE ALBINI

NIGEL GODRICH

NEPTUNES

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Antes de ser conocido como un extraordinario productor de discos de rock, ya se había ganado un lugar en la Historia mediante su trabajo con artistas de hip hop, como LL Cool J y Run DMC, indispensable para el desarrollo del género y su llegada al gran público. Fundó Def Jam, que actualmente es una institución. En 1986, produjo Reign In Blood de Slayer y License To Ill de los Beastie Boys. A partir de entonces, se convirtió en pieza clave para el mestizaje entre heavy metal y rap, amalgama que mostraría ser muy redituable a finales del siglo pasado. En 1991 inició una de sus alianzas más fructíferas al trabajar con los californianos Red Hot Chili Peppers en el disco que los transformó en multiplatino: Blood Sugar, Sex Magik. Con ellos ha hecho también One Hot Minute, Californication, y el extraordinario By the Way. Es el productor de rock mainstream más reconocido en nuestros días.

Dejen de estar ahí de ociosos y métanse a recordstore.co.uk/brianeno. Por 30 libras esterlinas (559 pesos con 12 centavos) podrán adquirir su propio mazo de Estrategias Oblicuas. Se trata de una colección de tarjetas, ideadas por el ex miembro de Roxy Music en 1975. Sobre la superficie de cada una puede leerse un mensaje capaz de resolver un problema durante el proceso de creación. Es un sistema de azar al cual debe recurrirse ante la duda para obtener ideas tipo: “Utiliza sólo un elemento de cada categoría”, “¿Qué haría tu mejor amigo?”, “¿Qué debes aumentar, qué debes reducir”?

Discípulo de Rick Rubin. Trabajó con él como ingeniero de mezcla. Sabe, por lo tanto, hacer lucir el poder dentro de un conjunto de rock. Tocaba en The Georgia Satellites. Sus servicios fueron sumamente cotizados durante la década de los 90, cuando se mantuvo ocupado haciendo VS, Vitalogy, No Code y Yield de Pearl Jam.

Si se entera que lo metimos en una lista de “productores” nos busca y nos atiza unas hostias. Albini jamás ha empleado el crédito. Cuando hace discos lo único que dicen es: “recorded by Steve Albini”. Según él, cuando interviene un “productor” solo aporta la destrucción de los discos.

Paul McCartney prepara un nuevo disco, cuyo título será Chaos and Creation In the Backyard. A muchos sorprende, gratamente, que sea Godrich el encargado de producirlo. Pero, ¿quién es él y cómo ha llegado hasta allí? Nació en Reino Unido, en 1972, estudió en la School of Audio Engineering y trabajó en diversos estudios a través de los cuales obtuvo el puesto de ingeniero de mezcla en el segundo disco de Radiohead, The Bends. Con ellos creó OK Computer. Si nunca lo han escuchado, dejen de leer esto y vayan por él a la tienda. Abundancia de detalles, ambientes, radios de onda corta, procesos indescifrables, influencias progresivas y del space rock; Godrich es responsable de muchos trucos en una de las bandas más respetadas de la actualidad. Y allí no para. Se encargó de The Man Who, el disco que envió a Travis al Continente Americano; y de hacer que Beck sonara serio en el rompimiento estilístico titulado Sea Change. Combina atrevimiento y capacidad para construir hits que saldrán a comprar los chicos indie antes de que empiece el capítulo de The OC.

Consciente o accidentalmente les has dejado dinero. Son responsables de las siguientes canciones: “I’m a Slave For You”, de Britney Spears, “Change Clothes” de Jay-Z, “Milkshake”, de Kelis, “Pass Tha Courvoisier (Part II)” de Busta Rhymes y una lista interminable de trancazos recientes a cargo de Snoop Dogg, Gwen Stefani, Nelly, Usher y Missy Elliot. Contratarlos garantiza ventas, credibilidad, caché, gente derritiéndose en la pista y gente comprando discos en las tiendas. Su aportación radica en la imaginación. Se valen de toda suerte de trucos digitales, crean texturas con percusiones y ritmos fuera de este mundo.

Andre Romel Young fue miembro del grupo delictivo-musical NWA. Antes de eso ya era productor en el trío The World Class Wreckin’ Cru. En 1992 hizo The Chronic, álbum que continúa siendo imitado en el mundo del hip hop. En 1993, nos presentó el debut de Snoop Doggy Dog, Doggystyle, en el 96 grabó “California Love” con Tupac Shakur. En el 99 le presentó al mundo a un virtuoso de la rima y la controversia: Eminem. Uno de los productores de hip hop más importantes que jamás haya pisado la Tierra. Extraordinario cliente de los vendedores de “hierba”.

De nuevo los punks quieren mover el esqueleto. Y no el que traen impreso en la camiseta. Tim Goldsworthy y James Murphy, ayudados por un misterioso mecenas, llamado TB, fundaron en Brooklyn DFA Records, sello independiente que pronto fue asociado con el llamado electroclash. La Internet fue un factor decisivo en la difusión de su obra. Produciendo, Goldsworthy y Murphy han conseguido su toque mágico desempolvando discos viejos de la primera oleada post punk, de finales de los 70. Actualmente son lo hip de lo hip y quienes pretenden estar a la moda, les copian mucho. Gracias a ellos, The Rapture, se bailó con fiereza en todo el globo.

Tiene a las grandes ligas: Audioslave, System of a Down, AC/DC, Rage Against The Machine, Slipknot, The Mars Volta y nomás para que a nadie se le olvide de dónde viene, produjo el track “99 Problems” del Black Album de Jay-Z, en 2003. Produjo la serie de álbumes American Recordings, de Johnny Cash, quien gracias a ellos se despidió de este plano de la existencia siendo un artista vigente.

Además de estos “aforismos que potencian el proceso artístico”, Eno ha aportado discos de James, Talking Heads, Devo y U2 (es cómplice de las dos reinvenciones del cuarteto irlandés, Unforgettable Fire y Achtung Baby) y frecuentemente se le mienta como inventor del género ambient. Es autor del sonidillo de inicio del Windows 95.

En el mismo periodo se encargó de Core, Purple, Tiny Music, No 4 y Shangri-La Dee Da de los Stone Temple Pilots. Su estilo es limpio, alejado de cualquier tentación lo-fi, aprovecha todas las bondades de los equipos modernos. Trabajó en el Evil Empire de Rage Against The Machine (1996) y en A Crow Left of the Murder de Incubus (2004). Podríamos quemarlo diciendo que hizo un disco de Papa Roach, pero mejor mencionaremos de su colaboración con Bruce Springsteen en la obra post 11-S, The Rising.

Su estilo es crudo, evita que las voces se encuentren en primer plano, recurre poco a los efectos, evita hacer tomas separadas de cada instrumento y prefiere grabar mientras todo el grupo ejecuta al mismo tiempo la canción, empleando micrófonos estratégicamente colocados. Las enciclopedias de música le tienen en sus registros sobre todo por dos obras que todo mundo debe poseer: Surfer Rosa de los Pixies e In Utero de Nirvana. Su obra reciente incluye the difference between you and me is that i’m not on fire, de los agresivos McLusky.

Bob Rock

Sus créditos más recientes pueden encontrarse en Make Believe de Weezer y Fijación Oral Vol. 1 de Shakira, chin.

Si alguien puede representar una antítesis de Albini es el hombre que se encargó del Keep The Faith de Bon Jovi y el Dr Feelgood de Mötley Crüe. Ingeniero de audio, guitarrista y canadiense, ha realizado los últimos cuatro discos en estudio de Metalllica, con quienes sostiene una relación tan cercana, que hasta a terapia los acompañó (ver, para mayor referencia, el documental Some Kind of Monster). Cuanto él hace, es ultra detallado, limpio, amigable con la radio de FM; con voces en primer plano, baterías gordas, guitarras cristalinas y multiplatino asegurado. Dice haberse deshecho de todos sus trucos para la grabación de St. Anger, un álbum efectivamente crudo y de sonido directo, donde las baterías suenan a cubeta sin sonar mal.

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Han fundado su propio sello, Star Trak. Desgraciadamente, con lo que no les ha ido tan bien, ha sido con su proyecto de rock, NERD (siglas que quieren decir “No one ever really dies”), allí como que las ideas de Pharrell Williams y Chad Hugo no fluyen con tanta facilidad.

Sus producciones son siempre innovadoras, hecho destacable a la luz de una industria que mueve millones de dólares y podría recurrir cómodamente a la repetición de fórmulas. Hoy, el hip hop es el género más vanguardista en el ramo de producción, ese estatus se lo ha ganado en buena parte, gracias a la obra de Dre. ¿Se está quemando una llanta o qué es ese aroma?

¿EOtsrots ágransdaestpurorduactnoreds ode?l rock

Butc h Vig Fundamental de la década pasada. Se le conoce por Nevermind de Nirvana, Siamese Dream de Smashing Pumpkins y Dirty de Sonic Youth.

T he Dust Br othe rs Productores del Paul's Boutique, de los Beastie Boys.

Bruc e Fa irba irn Vizconde del hair metal. Vean: Bon Jovi, Slippery When Wet, Balance de Van Halen y Get a Grip de Aerosmith.

Ala n P ars ons Trabajó en el Abbey Road de los Beatles y Dark Side of the Moon, de Pink Floyd.

B o b Ezrin Produjo, junto con Gilmour y Waters, The Wall.

Trent Re zno r Cuando se llevaba con Marylin Manson produjo Antichrist Superstar, en la acualidad no se hablan.

John Ca le Produjo el clásico Horses, de Patti Smith.

S co tt B urns Un agente del amo del merol. Su crédito viene en Eaten Back To Life, de Cannibal Corpse y el Beneath the Remains de Sepultura.

Andy Wa rho l Productor de la obra maestra The Velvet Underground & Nico.

Sa m Phil lips Grabó por primera vez a Elvis Presley. Grabó a Johnny Cash, Roy Orbison y Jerry Lee Lewis.

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U2

The Beatles

*

*

Porque no sólo lo oyes. También lo sientes.

Porque tiene las mejores playeras (¿o qué, han visto una chida de Thalía?)

* Porque no lo tienes que bailar. Los hombres verdaderos no bailan; las chicas sí ¡¡¡yeah!!!

*

* Porque para los yuppies, los rockeros somos perdedores… aunque sus esposas estén en nuestras camas.

Porque nos podemos burlar de los falsos rockeros como Shakira, Alejandra Guzmán y otros que son nuestros amigos. ¡Jajajajaja!

* Porque puedes tocar un acorde, gritar “rock & roll” a todo pulmón… y ya tienes una rola.

* Porque aleja a las señoras que venden biblias y a tus primos los charangueros.

*

*

Porque nos ha dado a las chavas con guitarra, chicas sin sostenes y tatuadas, a Motörhead y a Black Sabbath.

Porque dice Kiss que Dios nos lo dio.

*

*

Porque le lates más a las chavas si tocas en una banda: en la cadena alimenticia de las chicas, primero estamos los rockeros netos, después los actores, luego los escritores, los futbolistas y al último, todos los demás.

Porque puede cambiar al mundo.

* Porque el rock es más grande que los Beatles y Dios... ¡JUNTOS!

*

*

Porque es sinónimo de coger: “mecerse y rodar”; “Rock & Roll”.

Porque no les late a tus papás, y si les late… NO ES ROCK.

*

*

Porque siempre te acusan de satánico y se siente chido.

Porque el rock es nuestra vida… ¡¡¡Y ésta es nuestra revista!!!

ROCK Sex Pistols — 38 —

—Por Olallo Rubio— Se habla continuamente de los peligros y daños causados por la globalización económica, de los movimientos y manifestaciones de los llamados “globalifóbicos” (bautizados así por el mismísimo Ernesto Zedillo), del FMI (Fondo Monetario Internacional) y el BMC (Banco de Comercio Mundial), el neoliberalismo, las políticas económicas impuestas por los Estados Unidos de Norteamércia con sus aliados/socios y desde luego, se habla mucho sobre las Corporaciones Trasnacionales que representan una amenaza para las clases marginadas y los denominados “países del tercer mundo”.

P

ero muchos se preguntan: ¿Cuál es el gran problema con las famosas corporaciones? La respuesta puede ser muy compleja y elaborada, o simple y comprensible, por cuestiones de límites de espacio, en esta publicación le daremos preferencia a la segunda opción. Básica y esencialmente, el pedo consiste en que no tienen límites, son insaciables y su único objetivo es crecer sin importar el daño moral, físico, cultural y ecológico que cause su destructiva expansión. En Estados Unidos, legalmente, una corporación tiene los mismos derechos que un ser humano. Microsoft tiene los mismos derechos que un empleado de Starbucks que pretende abrir una cafetería independiente o un pequeño negocio de reparación de lavadoras y refrigeradores. No importa qué tantos “socios” tenga, no importa que sea un monstruo financiero gigantesco con alcance y cobertura global, para fines legales una corporación cuenta como un individuo. Gracias a la audacia inmoral de un grupo de abogados que se aplicó al concluir la Guerra Civil de Estados Unidos, ahora tenemos que enfrentarnos a unos depredadores que están acabando rápidamente con el mundo como lo conocemos. Es IMPOSIBLE competir contra una corporación y si haces el intento, lo más probable es que te coma, te compre, te consuma, se apropie de tu identidad y la fusione con la suya… o simplemente la desaparezca. Las estructuras económicas y sociales son controladas por una poderosa institución dominante, la cruel y frívola cadena alimenticia financiera es una realidad de nuestros tiempos, así como el nazismo fue una realidad… o la inquisición… o la esclavitud en sus respectivas regiones y épocas. De hecho, las leyes y derechos de los obreros de las corporaciones (principalmente fuera de las fronteras de Estados Unidos), son similares a las experimentadas durante sistemas que recurrían a la esclavitud para sustentar su economía.

Cuando abres la caja del “cereal” y sacas la bolsa descubres que el “product shot” (la foto publicitaria), es un fraude. No tiene tantas pasitas como se ve en la pinche caja. Pero ni pedo, ya la compraste y lo peor de todo es que probablemente lo consumas nuevamente a la mañana siguiente. Los cereales son cómodos, “accesibles”, parecidos entre si y siempre podrás encontrar alguno que “te guste”. Tristemente, gran parte del ROCK en Estados Unidos puede ser comparado con un cereal (la piedra angular de la alimentación norteamericana). Todas las formas, colores y sabores disponibles para que deposites tu dinero en el mismo lugar. Clear Channel es propietaria de 1,200 estaciones de radio ¡1,200! Y 37 canales de televisión, con inversiones globales en 240 estaciones de radio. Están en 248 estaciones de radio del top 250. Controlan más del 60% de la programación de rock. Tienen 103 millones de radioescuchas en Estados Unidos y mil millones globalmente (una sexta parte de la población mundial). Esta corporación ha crecido de manera incontrolable (como las corporaciones más importantes de Estados Unidos) y usa su devastador monopolio para dominar la industria musical del mundo.

• Dickless stoner surfers smoking grass in the beach rock (Rock semi-viajado para surferos pachecos en la playa). ES POR ELLO QUE HEMOS DECIDIDO PRESENTARLES LOS SUB-GÉNEROS MÁS REPRESENTATIVOS DEL CLEAR CHANNEL ROCK, CORTESÍA DE R&R. • Post-grunge white trash-cute dude in love rock (Rock de gringo naco enamorado que suena igual a Pearl Jam en 1992, pero con malas canciones, más distorsión en las guitarras e integrantes “más lindos”). • Non-smoking club in the suburbs rock (Rock de antros fresones disfrazados de “alternativos-buena ondita” ). • Clean San Diego mall punk rock (Punk de centro comercial californiano). • Fat sloby springbreaker puking in the sidewalk rock (Rock de gringos obesos gritones vomitando en la banqueta). • Keep the Bush administration happy modern rock (Rock para mantener a la administración de Bush tranquilita). • FCC friendly Rock (Rock aprobado con gusto por la Comisión Federal de Comunicaciones). • Arty, intellectual, sensitive male gay wearing glasses with acoustic guitars and keyboards rock (Rock intelectualoide semi-izquierdoso de gringos “conscientes” bien portaditos). • Angry, confused, skater, misfit emo rock (Rock para chavitos berrinchudos “emocionales”). • Polished western country Alabama rock (Rock para vaqueros de Alabama…y Arkansas).

Ellos deciden qué se debe escuchar y qué NO. Ahora, la música anteriormente conocida simplemente como rock & roll o rock, que proviene de la potencia económica y militar mundial ya no se llama simplemente “rock”, lleva un tatuaje ineludible, una marca profunda. En nuestros días el rock es un producto regulado por un régimen fascista intolerante mediatizado... y se llama:

Clear Channel es una de estas corporaciones. Gracias a ellos gran parte del rock & roll se ha convertido en un género esencialmente uniforme y totalmente predecible (aunque superficialmente tengamos la impresión de que hay diversidad). Lo que alguna vez fue un movimiento, una causa, un sentimiento colectivo, una expresión artística genuina, ahora es un producto que se vende como los cereales de cajita. Sí, hay para todos, con galletitas en forma de fruta, regalitos escondidos, juegos de crucigramas impresos en el empaque y miles de químicos, saborizantes y colorantes artificiales. Productos comestibles diseñados para su consumo en masa.

RO CK

• Record company designed -shock rock -with lots of make up (Shock rock de disquera con harto maquillaje de pandita o payasito).

CLEAR CHANNEL ROCK Casi todo lo que se difunde y distribuye no es otra cosa más que CLEAR CHANNEL ROCK, claro que tiene una estructura para poder satisfacer necesidades. Es importante ubicar a los consumidores para controlarlos en una posible desviación intelectual e ideológica colectiva. Todo régimen necesita clasificar a los diferentes segmentos sociales ya sea por edades, etnias, nivel socio-económico o por gustos y preferencias. Existen todo tipo de perfiles de consumidores pero Clear Channel no puede permitir que se le escape uno solo.

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• Polished western country Alabama Rock overrated by pretentious europeans. (Rock para vaqueros de Alabama sobrevaluado por europeos pretenciosos). • Young Executive suffering a midlife crisis as a consumer soft rock (Rock para gringos de varo en crisis existencial… suavecito). • Punk, new rap metal for 13 year old girls discovering menstruation poppy rock (Rap metal punketon para niñas de 13 años experimentando cambios hormonales). • Ex marine suffering a mental disorder in the middle of a suicide attempt rock (Rock de soldados gringos sacados de pedo).

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• Sad punk Britney Aguilera Hilton rock (Rock de la onda “chavitas bonitas sacadas de onda”). • Ex boy band member trying to be nasty rock (Rock de ex integrante de Magneto gringo tratando de ser acá). • Fashion New York 70’s revival arty simple, boring funny hair cut rock (Rock de chavitos cuidadosamente despeinados aburridos de la onda “que cool eran los 70”). • Pro tools over produced electronic heavy rock-detectado, por nuestro compañero Rulo (Rock sobre-producido con bases y saturación de efectos electrónicos pero “pesado”). • Redneck fixing a loan mower eating chips and drinking beer- heavy metal (Metal de gabacho del campo arreglando su máquina podadora). • Foreign exotic afro-latin chinese silly rock (Rock exótico quién sabe qué). Los grupos realmente interesados en pertenecer a la elite del CLEAR CHANNEL ROCK deben cumplir con una serie de requisitos y condiciones listadas a continuación. Tener una increíble capacidad de mutación para cambiar completamente de sonido y estilo cuando los intereses del marketing discográfico lo requieran. Contar con integrantes intercambiables que puedan deslindarse de la banda cuando el management lo considere conveniente… e incorporarse rápidamente a la banda señalada por la misma corporación. Descartar cualquier ideología política que no coincida con la política o los “códigos de ética de Clear Channel”. (George S. Bush – NWO – Nuevo Orden Mundial). Incluir en su producción discográfica por lo menos cuatro temas radiofónicamente amigables con estructuras convencionales, límpios y fácilmente censurables. Líneas melódicas sencillas, digeribles y tarareables serán indispensables para su apoyo mediático. Dependiendo de las características del producto… hmm... hmm, perdón, grupo, el “look” de los integrantes deberá ser coherente con su género y sonido pero siempre cuidando su aspecto para no parecer “de verdad”. Pueden ser payasos diabólicos pero bien diseñados.

Radiohead

El rol de la red

CCORTE 5

C eros y U nos

Los sencillos del milenio Beautiful Day - U2 Feel Good Hit Of The Summer - Queens Of The Stone Age Big Pimpin' - Jay-Z Stan - Eminem Without Me - Eminem The Real Slim Shady - Eminen Lose Yourself - Eminem Dr Dre / Eminem - Forget About Dre In Da Club - 50 Cent Daft Punk - One More Time Music - Madonna Get UR Freak On - Missy Elliott Work It - Missy Elliott Can’t Get You Out Of My Head - Kylie Minogue Ms. Jackson Outkast Hey Ya! - Outkast Hard To Explain - The Strokes Yellow - Coldplay The Bad Touch - Bloodhound Gang Clint Eastwood - Gorillaz Let Me Blow Ya Mind - Eve Feat. Gwen Stefani Silver Screen (Shower Scene) Felix Da House Cat Fell in Love With a Girl - The White Stripes Hot in Herre - Nelly Can't Get You Out of My Head- Kylie Minogue Hate to Say I Told You So - The Hives A Little Less Conversation - Elvis Presley Take Me Out -Franz Ferdinand Float On - Modest Mouse Vertigo - U2 Somebody Told Me - The Killers Mr. Brightside - The Killers Galang - M.I.A. Dreaming Of You - The Coral Emerge - Fischerspooner House Of Jealous Lovers - The Rapture Maps - Yeah Yeah Yeah Seven Nation Army - The White Stripes Hurt - Johnny Cash Move Your Feet - Junior Señor Are You Gonna Be My Girl - Jet Clocks - Coldplay Time Is Running Out - Muse Take Me Out - Franz Ferdinand Can't Stand Me Now - The Libertines Dry Your Eyes - The Streets Take Your Mama Out - Scissor Sisters I Predict A Riot- Kaiser Chiefs Interpol - Evil First Of The Gang To Die - Morrissey Losing My Edge- LCD Soundsystem Boulevard Of Broken Dreams - Green Day First Day Of My Life - Bright Eyes Rebellion (Lies) - The Arcade Fire Like A Stone - Audioslave Silent Sight - Badly Drawn Boy Lost Cause - Beck Out Of Time - Blur Fight Test - The Flaming Lips Bandages - Hot Hot Heat Slow Hands - Interpol California Waiting - Kings Of Leon Forever Lost - The Magic Numbers Interiatic E.S.P. - The Mars Volta Helena - My Chemical Romance The Hand That Feeds - Nine Inch Nails Lyla - Oasis

TIMELINE

los primeros

LA PERSONALIDAD.

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5

LA HAZAÑA.

de caja:

años del milenio

—Por Rulo—

os 90 prácticamente se definieron con un par discos que se editaron cuando apenas empezaban a correr, en 1991, para ser exactos. Se trata de dos obras que estéticamente no podrían estar más lejos una de la otra, pero que fueron incuestionablemente influyentes: Blue Lines de Massive Attack y Nevermind de Nirvana. Quizá para algunos no son los mejores discos de la década, ni los únicos que sirvieron de cimientos para lo que se escuchó en años subsecuentes, pero es evidente que muchos artistas siguieron la ruta que trazaron los autores de los dos discos antes citados. De la década actual (¿los 00?) sólo han transcurrido cinco años. Es pronto para hacer un recuento arriesgado y tratar de adivinar cómo va a terminar. Cuando comenzó el milenio, el rock lo dominaban bandas como Limp Bizkit, Korn y sus apóstoles, grupos con nombres que difícilmente pasarán a la Historia, como Papa ¿ESTO ES? Roach, P.O.D. Saliva y montones de los que ya ni me acuerdo. Sin embargo, dos años más tarde se extinguirían casi todos, como dinosaurios tras No me queda duda, el disco más influyente en lo que va del milenio, es Is This It?, la caída de un meteorito. Quizá los únicos que se salvaron fueron los de The Strokes, editado, primero en Inglaterra, a finales de agosto del año 2001. Les Linkin Park, que siguen siendo un suceso de ventas. puede gustar o no. Le pueden encontrar una gran falta de originalidad a la banda si se ponen melindrosos y decir que suenan a cien bandas que existieron antes de ellos. Pueden acusarlos de preocuparse más por su aspecto que por sus canciones (lo cual, por cierto, sería sumamente injusto). Pero lo que es incuestionable es que este disco, que ni siquiera ha vendido tantas copias, causó una revolución. Sin la aparición de los Strokes, no habría en sus colecciones discos, de The Libertines, ni de Franz Ferdinand, ni de Interpol, ni de The Killers y ni de muchos otros que han usado el debut del quinteto neoyorquino como su machote. Y los White Stipes probablemente seguirían siendo un oscuro grupo de garage venerado por unos cuantos snobs. Influenciaron a muchos y les abrieron las puertas a otros. Sin The Strokes, las niñas de Rebelde no usarían corbatas y probablemente tú no tendrías unos Converse en el closet. Sí, ahorita ese álbum probablemente te suena muy normal, pero en ese momento, nadie en el mainstream estaba haciendo nada parecido, nada así de simple y sucio. Nadie reconocía a Blondie, los Ramones y Television como una influencia. Hoy un disco que no suene a eso (The Magic Numbers, por ejemplo), nos sorprende gratamente, gracias a la voracidad de la industria de la música que se ha esmerado para replicarlo en sus laboratorios.

L

2000

Travis lo intentó pero no pasó nada. Exportar a Estados Unidos (el mercado más importante de la música) su brit pop hipersensible no era cosa fácil. O al menos eso se creía hasta que apareció Coldplay en el año 2000 con Parachutes, su primer larga duración, que impulsado por dulzura de “Yellow”, llegó hasta donde ninguna banda inglesa había llegado en muchos años: abrió de par en par la puertas de la rígida radio americana, sonando al lado de Madonna, Eminem, Rage Against The Machine o Creed. Dos discos y cinco años después, Coldplay aspira seriamente a convertirse en la banda más grande de la tierra, lo cual, no dudo que logren si algún día se retira U2, porque al igual que los irlandeses, han construido una profunda conexión emocional con su audiencia, la cual crece con cada disco, con cada sencillo, con cada video y con cada concierto, a la vez que muestra una lealtad extraordinaria hacia Chris Martin y sus muchachos.

UN NUEVO LENGUAJE GLOBAL GENERA LA MÁXIMA ESTRELLA DEL MILENIO. Me acuerdo que en 1986, cuando, por cierto, el rap ya estaba por cumplir diez años de vida, mucha gente decía que sólo era una moda. Es más, creo que hay gente que sigue pensándolo. Sólo me parecen más ridículos los que dicen “eso no es música”. Temo informarles a los que veían próxima su fecha de caducidad, que se equivocaron rotundamente en sus pronósticos. Hoy en día, en pleno 2005, se ha convertido en un lenguaje global, ubicuo en las calles de Aragón en el DF, los ghettos de Palestina, los clubes más exclusivos de Nueva York y las listas de popularidad de todo el globo terráqueo. Como todo lenguaje, se ha ido transformando al paso del tiempo de acuerdo a sus necesidades; hoy en día, lírica y musicalmente se encuentra a años luz de sus orígenes. El rap que se consume por millones de personas de todos los colores, es el que en sus letras manifiesta la necesidad de la comunidad afro americana de alcanzar un posición acomodada dentro de su sociedad. Y musicalmente, es, sin duda, el género que evoluciona más rápido, en el que se dan las mayores innovaciones a nivel de producción. Además, es responsable de haber creado a la máxima estrella de nuestro breve milenio: Eminem, un hombre tan talentoso, como exitoso, como controvertido. Un raro artista que logra complacer al crítico más severo y a la adolescente más inocua. Cada sencillo que lanza es un evento. Es el único que puede hacer una gira por todo el mundo llenando estadios, acompañado de alguien que le hace segunda, un DJ y nada más. Es un filoso crítico social y un consumado comediante; además hace canciones pegajosísimas enmarcadas por una producción deslumbrante.

os discos más relev antes, año poraño

Kid A - Radiohead The Marshall Mathers LP - Eminem The Chronic 2000 - Dr. Dre Relationship Of Command - At The Drive-In Parachutes - Coldplay Nixon - Lambchop Kittenz and Thee Glitz - Felix Da Housecat Hour Of Bewilderbeast - Badly Drawn Boy Rated R - Queens Of The Stone Age Stories From The City, Stories From The Sea - PJ Harvey Exterminator - Primal Scream Lost Souls - Doves

2001

2002

Is This It? - The Strokes White Blood Cells - The White Stripes Yoshimi Battles The Pink Robots - The Flaming Lips Amnesiac - Radiohead By The Way - Red Hot Chilli Peppers Próxima Estación: Esperanza - Manu Chao Up The Bracket - The Libertines Ágætis Byrjun - Sigur Ros Original Pirate Material - The Streets Rooty - Basement Jaxx As Heard On Radio Soulwax Vol. 2 - 2 Many DJ's Gorillaz - Gorillaz A Rush Of Blood To Head - Coldplay Toxicity - System Of A Down Turn On The Bright Lights - Interpol The Tijuana Sessions Vol. 1 - Nortec The Eminem Show - Eminem All That You Can't Leave Behind - U2 Sea Change - Beck Yankee Hotel Foxtrot - Wilco Under Construction - Missy Elliot Discovery - Daft Punk Songs for the Deaf - Queens of the Stone Age

— 44 —

2003

Speakerboxx / The Love Below - Outkast Elephant - The White Stripes Hail To The Thief - Radiohead Fever To Tell - The Yeah Yeah Yeah Boy In Da Corner - Dizee Rascal Black Album - Jay Z Give Up - The Postal Service Permission To Land - The Darkness American Vol. IV - Johnny Cash De Loused In The Comatorium - The Mars Volta Cuatro Caminos - Café Tacvba Youth and Young Manhood - Kings of Leon

2004

Franz Ferdinand - Franz Ferdinand American Idiot - Green Day A Grand Don't Come For Free - The Streets Antics - Interpol Hot Fuss - The Killers Funeral - The Arcade Fire The College Dropout - Kanye West Smile - Brian Wilson Medúlla - Björk The Grey Album - Danger Mouse Real Gone - Tom Waits Madvillany - Madvillian

— 45 —

El contador que uno se encuentra al entrar a la tienda virtual iTunes lo dice todo: 489, 602, 917. Sí, aunque resulte difícil de creer, están a punto de llegar a la imponente cifra de quinientos millones de canciones vendidas. El fenómeno aún no se hace presente en nuestro país, pero al parecer es cuestión de meses. La diferencia es que aquí, el servicio no lo brindará Apple, sino una empresa de telefonía y las canciones se cobrarán en el recibo, junto a las llamadas a celulares o de larga distancia. Al comenzar está década, la Internet era vista por la industria del disco como su gran enemigo. Queda para la posteridad la imagen de Lars Ulrich denunciando a Napster y con una lista gigantesca de la gente que había intercambiado canciones de Metallica. Su esfuerzo se vio recompensado, pues al poco tiempo la ley obligó a Napster a cerrar. Sólo fue una batalla ganada en una guerra perdida. Con o sin Napster, la gente, durante estos cinco años, ha encontrado decenas de programas que les siguen permitiendo el intercambio de archivos de música. El pánico que esto generaba en la industria es hoy claramente injustificado, pues en los países donde la piratería de verdad (la de discos quemados sobre una manta en una avenida transcurrida) no está fuera de control, las ventas siguen tan robustas como siempre. Entonces, se puede decir que la red en realidad viene siendo un aliado muy valioso y junto con los ringtones telefónicos, le está brindando a las disqueras ingresos que posiblemente en 1999 no tenían contemplados. El peligro que ahora enfrentan, es que muchos artistas estarán descubriendo que, para llegar a su público, ya no los necesitan, pues con servicios como iTunes, otro intermediario es completamente innecesario.

Blog s Para los amantes de la música la red se ha vuelto el medio indispensable. Sus necesidades cada vez son menos atendidas por la prensa, la radio y, mucho menos, la televisión. La emergencia de los blogs ha creado un ejército de críticos y aunque la mayoría tienen un gusto y una cultura musical que dejan mucho que desear, hay gente absolutamente brillante escribiendo en algunos. Los mejores blogs son los que suben música para compartirla con sus lectores y, aunque en teoría es una práctica ilegal hecha sin el consentimiento del dueño de las grabaciones, la industria se hace de la vista gorda, pues se trata de un medio mucho más abierto y receptivo a cosas nuevas que los medios tradicionales. Algunos blogs, como Fluxblog (www.fluxblog.org), se han vuelto tan influyentes, que los mismos artistas les envían su música esperando generar lo que en lingo disqueril se conoce como “buzz”. No veo lejano el día en el que una artista tenga éxito promoviéndose exclusivamente en Internet. La red, gracias a la libertad que goza, también ha sido caldo de cultivo para algunos de los fenómenos más curiosos y sorprendentes que ha tenido la música en fechas recientes, por ejemplo el boom de los mash ups, esos extraños remixes que consisten en poner la capella de una canción encima de la versión instrumental de otra. También, por culpa de la red, muchos artistas se ven obligados a adelantar la fecha de lanzamiento de sus discos, pues aparecen en el ciberespacio semanas antes poder conseguirlos en las tiendas. Lo que se está viendo es que queda atrás su anarquía inicial: poco a poco se está acomodando, quienes quieren pagar por algo lo pueden hacer y quienes no también. Lo que es clarísimo, es su influencia en la forma que oímos, compramos y gozamos de la música; va en un infrenable aumento.

¿Cómo va a acabar esto?

Seguro, muy diferente a como empezó. Los clones de los Strokes correrán la misma suerte que Candlebox y sólo sobrevivirán los mejores, los que tengan algo de originalidad o buenas canciones. La música electrónica, que a mediados de los 90 era la gran apuesta de los medios, está en una franca crisis, pero hay discos, por ejemplo el de Whitey o el de Vitallic, que demuestran que, por lo pronto, no es necesario comenzar los preparativos de su funeral. Surgirán nuevos subgéneros como el “electroclash” o el “grime” que probablemente tendrán una existencia tan efímera como la de los dos ejemplos antes expuestos. Lo que sí es una realidad, es que conforme ha ido avanzado, se ha puesto más interesante. Ojalá continúe al tendencia. Por el bien de nuestros iPods.

The Rolling Stones

MTV inició transmitiendo puros videos musicales, era realmente un canal MUSICAL, pero conforme fue pasando el tiempo incluyeron otro tipo de programación: las series animadas fueron muy populares, probablemente la más exitosa fue un experimento de un sujeto llamado Mike Judge llamado Beavis and Butt-head que se convirtió en un fenómeno internacional (South Park jamás hubiera existido sin su antecedente). Beavis and Butt-Head fue una sátira de una sátira de una sátira.

L

Nirvana

a idea de dos adolescentes, miembros de familias disfuncionales, extremadamente inmaduros, obsesionados con el rock, educados por la televisión y con apreciaciones limitadas del mundo, fue un cliché de los noventa. Dos “dudes” metaleros californianos, uno güero y uno de pelo negro, fueron la imagen consentida de los publicistas gringos. Bill y Ted, Wayne y Garth, y claro, Beavis and Butt-Head, los más emblemáticos, una celebración o glorificación de la pendejez adolescente norteamericana: GRAN CARICATURA. Pero lo más divertido de Beavis and Butt-Head era cuando criticaban videos, probablemente los mejores y más atinados críticos de rock de la Historia. Luego salió Daria (un personaje tomado de la “serie” Beavis and Butt-Head). Los primeros “reality shows” fueron una invención de MTV, series como The Real World, Road Rules o la aberración conocida como The Osbournes, una patética exhibición de un ex drogadicto decadente que alguna vez fuera el vocalista de BLACK SABBATH, convertido en un payasito moderno para adolescentes que probablemente se identifican con los pendejitos de sus hijos. Por otro lado estaban (o están) los programas de

“World Premiere” de ese video cambió TODO: adiós Warrant, adiós Poison, adiós Skid Row ¡ADIÓS HAIR METAL! Adiós limusiLo que “todo mundo” critica de MTV sin nas y groupies en videos, adiós a los 80. Los importar sus gustos musicales es que MUSIC publicistas supieron capitalizar ese fenóTELEVISION ya casi no meno y al poco tiemsaca nada de ¡¡¡MUSIC!!! po comerciaron con UNO DE LOS MOMENTOS Pero evidentemente esel accidentalmente MÁS IMPORTANTES DE LA ta programación (que denominado “grunHISTORIA DE LA MÚSICA (Y tiene cosas rescatables ge”. MTV también LA CULTURA) POPULAR CONpero la mayor parte es tuvo que cambiar TEMPORÁNEA FUE CUANDO estiércol audiovisual), radicalmente en EN 1991 SE TRANSMITIÓ POR les genera rating y todos los aspectos, PRIMERA VEZ EL VIDEO DE siendo parte de una cortinillas, bumpers, corporación como VIAvestuario y peinados “SMELLS LIKE TEEN SPIRIT” COM, no se pueden de conductores. Ese DE NIRVANA dar el lujo de incluir video y todo lo que contenidos inteligenrepresentaba social y tes, artísticos o “de calidad”, desgraciadaculturalmente le bajó los pantalones al sismente eso no funciona, no jala con “los tema sorpresivamente. chavitos” (o eso es lo que dicen), además, es TELEVISIÓN, otra vez, gritemos todos junEn 1994 MTV lanzó MTV “latino”, la versión tos: ¡NI PEDO! tropicalizada y adaptada para nosotros ¡los “latinos”! con Ruth, Gonzalo (¡Salvaje!), Uno de los momentos más importantes de Edith (mamacita, estaba increíble aunque la historia de la música (y la cultura) popuno pudiera articular ni una sola palabra… lar contemporánea, fue cuando en 1991 se monosilábica) y un sujeto chileno llamado transmitió por primera vez el video de Alfredo que conducía Headbanger’s, la ver“Smells Like Teen Spirit” de Nirvana; la sión latina de Headbanger’s Ball conducida DESMADRE como: The Tom Green Show, Jackass y Punk’d.

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por un pendejazo, patético amigo de Axl Rose llamado Ricky Rachtman que se convirtió en la botana de Metallica, Faith No More y Nirvana entre muchos otros. Alfredo era infinitamente superior a la mayoría de los VJs: sí sabía de lo que estaba hablando (aunque tuviera la boca chueca), era un auténtico fan del metal. Pero la verdad es que MTV LATINO en muchos aspectos era y es la “Third World Version” del MTV gabacho: MTV MIAMI, MTV Cubanicaraguaboliviapuertoricocolombiaméxicomiamilatinoricosuave. Ni pedo, para los gringos todo lo que esté abajo de su frontera es SOUTH AMERICA o LATIN AMERICA, todos somos latinoamericanos, colombianos, chilenos, nicaraguenses, bolivianos o mexicanos, somos exactamente lo mismo. Poco a poco ha tratado de definir algún tipo de personalidad o identidad, se nota el esfuerzo pero desafortunadamente no se ve. MTV latino ha servido para empujar a la industria discográfica a producir videos (en la era pre-MTV latino, los videos eran un capricho del artista, de Pedro Torres o de Benny Corral, nadie quería invertirle a los videos, bueno con algunas excepciones). Gracias a MTV latino (y la neta también gracias a Teleshit y mierdas

así) muchos grupos y directores de cine han podido experimentar poniéndole imágenes a sus canciones. Directores como Chicle, Leche, Rogelio Sikander, Fernando Eimbcke, Alejandro Lozano, Jorge Aguilera, Oliver Castro y muchos más, han mejorado en mucho “la imagen” de los videos mexicanos. ¿Pero MTV está pinche? Depende bajo qué óptica se estudie... pónganle en Telehit ¡Eso sí está HÍPER CULERO! No es un MTV región 4 (ese ya lo tenemos), es un VIDEO CD pirata mal digitalizado y con una fotocopia de portada. Hace tiempo me invitaron a grabar las narraciones de una serie de programas para VH1, canal hermano de MTV dirigido a un público más “adulto”, los programas eran Golden Albums o Greatest Albums, o algo así y The Faboulous Life of… Sinceramente la producción de estos programas me parece buena, si hay algo que los gringos saben hacer, es televisión con ritmo y un adecuado lenguaje visual. En ese entonces me divertía mucho en el radio (trabajaba en el radio) realizando parodias de programas o comerciales de cualquier tipo. Pensé que parodiar La fabulosa vida de… podía hacerse con “La fabulosa vida de René Bejarano”, “La fabulosa vida de Raúl Salinas”, “La fabulosa vida de Emilio Azcarraga”; con mi voz de

¿PERO MTV ESTÁ PINCHE? DEPENDE BAJO QUÉ ÓPTICA SE ESTUDIE... PÓNGANLE EN TELEHIT, ¡ESO SÍ ESTÁ HÍPER CULERO!

narrador, sin necesidad de hablarle a otros locutores. Valío madres la estación en la que trabajaba, así que ya no tenía sentido grabar estas cosas, grabé cinco capítulos (de 30, ya no pude grabar los demás) y jamás cobré… hasta el día de hoy me siguen diciendo: “estás trabajando en VH1, ¿no??” Se ve que repiten HASTA EL CANSANCIO estos programas porque ya pasó más de un año y siguen transmitiendo esos cinco programas. Un día, grabando La Fabulosa Vida de Brad y Jennifer, me sentí muy incómodo, leyendo un guión de un programa sobre lo ricos que son y las pendejadas que hacen con todos sus millones de dólares, salí del estudio de grabación (de doblaje… un estudio viejito donde trabaja gente buen pedo pero en otro mundo), llegué a mi casa y encontré mi departamento inundado con caca que se desparra-

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mó del escusado, se rompió una tubería y se armó un desmadre, al ver el caos hidráulico, me dije a mí mismo: “¡No mames! Brad Pitt y su mujer NO tienen que hacer esto, no les pasa esto, y si les pasa ¡tienen 20 personas limpiando todo en menos de cinco minutos! ¿Qué pedo con esa gente?”. Ese día decidí que nunca más iba a grabar nada de eso, aunque se me hiciera “cagado”, lo “cagado” puede resultar más CAGADO de lo que parece. La fabulosa vida de las celebridades gringas que alimentan un sistema que está destrozando la cultura (y muchas cosas más). Muy duro, la verdad. Yo no tengo MTV (ni gringo, ni latino) ni Telehit, ni Bandamax, ni Ritmoson, ni Much Music, no tengo Cablevisión, ni Sky. En mi multifamilar (unidad habitacional socialista) hay una antena parabólica vieja y si pagamos una cuota anual tenemos acceso a cinco canales gabachos: HBO, CINEMAX, SHOWTIME, DISCOVERY CHANNEL y DISNEY CHANNEL, canales que jamás veo. Y ya me quitaron el canal 40 donde veía las noticias cuando andaba de chismoso queriendo ver qué pedo con el Peje y cosas así. No sé muy bien qué tal esté MTV actualmente, creo que ya estoy viejo (28 años), pero dudo mucho que realmente esté enriqueciendo la cultura musical de sus televidentes.

David Bowie

—Por Javier Umpierrez— El Argentino

A Pixies

rgentina se encuentra al extremo sur del Continente Americano: es el país más austral del mundo. De hecho, los nativos le llaman “el culo del mundo”. La historia política es compleja: de 1930 a 1983 alterna entre dictaduras y frágiles democracias, llenas de represión y censura. La situación no es la más favorable para el libre transito de productos culturales, el aislamiento y el retraso en la llegada de “cosas nuevas” es inevitable. Dicen los que saben que estas son las principales razones por las que el rock argentino desarrolló una personalidad muy marcada, principalmente en sus comienzos. En la segunda mitad de los 60, el rock en Argentina era un núcleo muy pequeño de personas que sabían que del otro lado del mundo había música interesante. Este núcleo pertenecía principalmente a la clase alta, que podía viajar a Inglaterra

o Estados Unidos para traer los discos; en Argentina era casi imposible encontrarlos, la lejanía y la censura complicaban todo. En esa época empezaron a salir los grupos más interesantes. Es cierto que ya había rock desde principios de los 60, pero la mayoría eran imitadores de los Beatles y Bob Dylan, algunos muy buenos, la verdad, pero nada muy original. Fue hasta 1967 que se editaron varios discos fundacionales, como el de Los Gatos, y se formó Almendra. Pero bueno, no se trata de ponernos a escribir la historia completa del rock argentino, ¿no? Hay libros enteros dedicados a eso, que son mucho más precisos que mi memoria. A continuación, me voy a limitar a hacer un a lista bastante caprichosa (como todas las listas), de los discos que, a mi parecer, son los más interesantes del rock argentino.

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ALMENDRA Almendra (1969)

Primer disco del primer grupo de Luis Alberto Spinetta, quizá el músico y compositor más original del rock argentino. Contiene canciones como “Muchacha ojos de papel”, fiel representante del hippismo tardío imperante en la época; “Color humano” (nueve minutos de pura psicodelia pacheca hippie) y “Ana no duerme”, (gran canción con arreglos de cuerdas, flautas y bandoneón), de las primeras en tener elementos tangueros. Todo muy poetizo, muy metafórico y melancólico. Fueron de los primeros grupos en tener una identidad marcada y original.

MANAL

Manal (1970) Otro de los grupos fundacionales. Blues en español lleno de referencias locales (una de las canciones, por ejemplo, se llama “Avenida Rivadavia”, una de las principales vialidades de Buenos Aires). Grabado en baja fidelidad, mitad a propósito, mitad falta de buen estudio, tuvo mucho éxito, más que nada porque no era una copia del blues norteamericano, cosa que todos los grupos hacían en ese entonces. Mitad urbano (“Avellaneda Blues”), mitad hippie (“Jugo de tomate frío”, “Una casa con diez pinos”). Usaban mucho lenguaje coloquial en sus canciones, y principalmente, tocaban muy bien, cosa que tampoco era muy normal en la época.

PESCADO RABIOSO

época setentera: muy buenas canciones y muy bien tocado. “El anillo del capitán Beto” es su “Space Oddity”, pero ubicado en el entorno más precario de Buenos Aires. “Los libros de la buena memoria”, es una mezcla de jazz y tango muy bien lograda. “Que ves el cielo” es una canción pop con cambios armónicos raros. Termina con “Las golondrinas de Plaza de mayo”, sutil critica a la dictadura militar con sintetizadores y bandoneones. En fin, uno de los mejores de discos del rock argentino.

SERU GIRAN

Yo no quiero volverme tan loco (2000)

SUMO

Seru Giran estaba liderado por Charly García (que ya en esos años era el rockstar más importante en el país), e incluía a Pedro Aznar (virtuoso del bajo que luego tocaría con Pat Metheny), David Lebon (bajista de Pescado Rabioso) y Oscar Moro (baterista de Los Gatos, primer grupo con éxito comercial). Existieron de 1977 a 1982. Tocaban una mezcla de rock progresivo lleno de sintetizadores con coros pop y arreglos de voces muy Beatles. Este es un disco en vivo grabado el 26 de diciembre de 1981, que sirve muy bien como introducción al grupo y para poder apreciar cómo sonaba. Tocan muy bien, y estaban en un gran momento. Sobresale por mucho “Autos, jets, aviones, barcos”; una canción que habla sobre el exilio a causa de la dictadura. El bajo en esta canción es increíble. También esta muy bien “Mientras miro las nuevas olas”. La banda se escucha desnuda (está grabado directo de la consola, sin mezcla en estudio), pero ajustadísima.

Sumo es uno de los grupos más importantes del rock argentino, a pesar de haber sido formados por Luca Prodan, un italiano que vivía en Londres y llegó a Argentina escapando de su adicción a la heroína. Su sistema de referencias era muy amplio (punk, reggae, post punk, funk), y en Sumo se mezclaba todo. Luca escribía mitad en español y mitad en ingles, y cantaba como Ian Curtis. Cuando empezaron, en 1981, eran un grupo de culto, pero pronto fueron generando interés en el mainstream. Se separaron en 1988, tras la muerte de Luca por una sobredosis. Sacaron tres discos de estudio, y éste tiene varias de sus mejores canciones : “Mañana en el abasto” es quizá la mejor canción que se le haya escrito a Buenos Aires. Post punk basado en un solo acorde y una caja de ritmos. “Lo quiero ya”, fue compuesta por palabras elegidas al azar y es una mezcla de funk y post punk. Este grupo es una muy buena rareza dentro del rock argentino.

After Chabon (1987)

VIRUS

Wadu Wadu (1981)

Artaud (1973)

Este es el segundo grupo de Luis Alberto Spinetta, con el cual editó tres discos entre 1972 y 1973. Los dos primeros eran muy cercanos a Deep Purple, pero sin el virtuosismo, y con el estilo del “Flaco” Spinetta. Muchas metáforas y progresiones de acordes raros. Artaud, su tercer disco, es totalmente diferente, principalmente porque el grupo estaba separado y Spinetta tuvo que hacerlo para cumplir con el contrato que tenía con la disquera. O sea, técnicamente es su primer disco solista. Mucha psicodelia, mucha manipulación de cintas, momentos de hippismo, momentos de blues a lo Led Zeppelin, además de letras oscuras y crípticas. Sobresalen “Cementerio Club”, blues súper Zeppelin que Soda Stereo homenajea en su versión de “Té para tres” de Confort y música para volar; “Bajan”, de las mejores canciones que escribió Spinetta (pueden escuchar el cover que hace Cerati en Amor amarillo) y “Cantanta de puentes amarillos”, nueve minutos de existencialismo con guitarra acústica, canción esencial del rock argentino.

Virus fueron los pioneros de la escena new wave de principios de los 80, mezcla de rock liviano y pop. Liderados por Federico Moura (cantante), también fueron de los primeros grupos en tener una estructura a su alrededor: tenían letristas, escenógrafos, sus shows tenían cambios de vestuario y elementos de performance mientras tocaban. Su estética era plenamente naive, con un dejo gay (Federico Moura lo era abiertamente), con mucho humor y un gran manejo de la ironía: hacer canciones “chistosas y alegres” y además verse gay, era un statement muy fuerte en medio de la oscura dictadura de la época. En 1981 editaron su disco debut. “Soy moderno, no fumo” lo abre, y es de sus canciones más conocidas: ironía sobre la “modernidad” liviana de la época. “Loco Coco” es un gran juego de palabras con el slang de esos tiempos. ¡Esencial para entender la actitud de Miranda y la forma de cantar del vocalista de Los Látigos!.

El jardín de los presentes (1976) Súper clásico. Tercer grupo de Spinetta (sí, sí, soy muy fan) formado por Machi y Pomo. Éste, su tercer y último disco. Rock progresivo, pero sin virtuosismo excesivo, siempre en el marco de las canciones de Spinetta, con toques de jazz. A nivel letras es muy parecido a los discos arriba comentados, mucha poesía y oscuridad. A nivel musical, es el disco mejor logrado de su

TODOS TUS MUERTOS El Álbum (1988)

Antes de ser los hijos de Mano Negra, Todos tus Muertos era una mezcla punk y hardcore con elementos de dub. Todo muy oscuro, con muchas referencias a la muerte, la magia negra, la cultura africana. Las letras eran muy directas y agresivas, y a pesar de ser muy básicas, la forma de cantar de Fidel Nadal, tan sincera y aguerrida, les daba otra relevancia. Luego de grabar un EP (Noches agitadas en el cementerio), editaron su primer disco en 1988. “El féretro” abría. Punk lento de voces con delays, y una letra basada en un cuento de Allan Poe. “Gente que no” es un ska tocado con actitud punk, sin trompetas, que denuncia la hipocresía de la época. Básico y un poco inocente, pero con actitud.

mismo melancólico. “La ra La” es el momento “experimental” del disco: arpegios, afinaciones raras y la voz infantil de María Fernanda Aldana (bajista que además es maestra de kinder). “Rock alternativo” adolescente, hecho a tiempo y sin sonar enteramente a fusil.

SUÁREZ

Galope (1996) El grupo argentino de indie rock más exitoso. Liderados por Rosario Blefari, cantante y principal compositora, existieron durante la segunda mitad de los 90, moviéndose entre canciones lo-fi con coros pop, y experimentación de guitarras. Una especie de mezcla entre Galaxie 500 y Sonic Youth. Su mejor disco, según los entendedores, es Horrible, de 1995. pero a mí me gusta más éste. Su sonido está más logrado, más gordo, mucho más rocker pero igual de melódico. Es muy buena “Explosión Madonna”, de las más rockers del disco. En el coro, Rosario canta: “si queremos podemos ser hasta hermanos, pero mejor prefiero ser tu amor”. “Estrella solitaria” es una referencia al pop italiano de los 60, con órgano y todo, pero con guitarras distorsionadas. “Río de enero” tiene acordes de jazz y guitarras con delay. Remite bastante a Cerati solista, nomás que lo hicieron unos cuantos años antes.

VICTORIA ABRIL Todos los días hago eso (1997)

Disco debut del grupo antes de que fueran demandados por la actriz española y tuvieran que cambiar su nombre a Victoria Mil. Era un disco raro en ese año, cuando todos querían hacer brit pop: post punk mezclado con kraut rock y canciones con coros pop desafinados. “Esta época” es la canción que más sonó de ese disco: una crítica a la estupidez. El coro dice: “hagamos una cita, y yo llevo la cabeza puesta”. “Orgánico” es su interpretación del kraut rock, ritmo monótono, acordes simples y sonidos de sintetizador analógico. Muy variado y bastante sorprendente para su tiempo, aunque no tan logrado como su último disco, Este cielo de estrellas caerá, de 2003.

EL OTRO YO Mundo(1995)

LOS TWIST

Cachetazo al vicio (1984)

INVISIBLE

mejores canciones: “Mirando vidrieras, comparando precios”, empieza contando la historia de alguien que va mirando precios por la calle, para luego convertirse en una defensa de la música popular española, pasando a una defensa del tango, y termina con una especie de jingle de impermeables. Difícil de explicar, escatológico, pacheco y derivativo. “Acuarela homosexual”, es una historia de policías gays en baños públicos. Vale la pena intentar conseguirlo.

Otro de los grupos clave dentro de la escena new wave de los 80. Basándose en la estética de los 50, tanto visual como musicalmente (peinados de copete, traje, guitarras grandes y coristas), usaban mucho humor escatológico e ironía para hacer críticas políticas. En su primer disco (La dicha en movimiento, 1983) incluyen la canción “Pensé que se trataba de cieguitos”; relata un típica “detención preventiva” de la policía en la dictadura. Su segundo disco contiene varias de sus

Posiblemente, el mejor disco de El otro yo. Antes de MTV y las giras interminables. Grabado de manera casera, es el comienzo de su etapa independiente, que luego desembocaría en la creación de su disquera, Besotico records. Mezcla de punk, Sonic Youth y rock alternativo de la época. Canciones de extraterrestres, sexo y ángeles. “69” es, de todas sus canciones sobre sexo, la mejor. Punk con arreglitos de sintetizador y gritos de Cristian Aldana (guitarrista y cantante), muy bien lograda, muy redonda. “Alegría” está al borde del happy punk, pero con más pretensiones, puro opti-

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Estos son sólo algunos discos del rock argentino que podemos enumerar en este espacio. Claro que faltan grupos, y discos importantes, pero esta lista no pretende ser exhaustiva, ni está basada en la relevancia histórica de las obras, sólo en el gusto del que firma y con la intención de hablar de discos y grupos no tan conocidos en México. Varios de estos álbumes los pueden encontrar en las tiendas de discos, y generalmente están en las ofertas a muy buen precio. Si no, los pueden pedir en Internet: www.soyrock.com es un link básico para comprar obras argentinas. Espero no haber generado olas de bostezos interminables. Sin más, muchas gracias.

Kraftwerk

Robert Smith

R&R Tomo 1 Celebra el primer año de la publicación que ahora tienes en tus manos. A través de este espacio agradecemos a las diversas compañías que han creído en un medio independiente a toda forma de censura y control. Apple Astro Discos Axe BF Goodrich Bulldog Café Cartoon Network Casa Cuervo Cerveza Sol Coca-Cola Compudabo DVS Kiubo Mundo LG Memorex Motorola OCESA Renault Sony Music Sum Records Telcel TNT Vans Vento Zeta Games Gracias por formar parte de esto desde el primer año, el primer mes, la primera semana, el primer día, la primera hora y el primer segundo. Algunos de ustedes nos brindaron su incondicional apoyo incluso antes.

James Brown

Sonic Youth — 61 —

MÚSICA

EN

VIDEOJUEGOS

LA GENTE YA GASTA MÁS DINERO EN VIDEOJUEGOS QUE EN COMPRAR DISCOS O IR AL CINE

Por su parte, los juegos de deportes continuaron con la tendencia musical y pudimos escuchar a algunos mexicanos por primera vez en un título, como el caso de Café Tacvba con “Eo (El sonidero)”, para FIFA 2004 y Kinky con “Más” en la banda sonora del juego de snowboarding SSX3. Por cierto, en la versión 2005 de FIFA tenemos a Clorofila de Nortec, desafortunadamente no son de mi agrado.

LA NUEVA RADIO HAY QUIENES AFIRMAN QUE EL 50% DE LA EXPERIENCIA DE VER UNA PELÍCULA RADICA EN EL AUDIO. EN BUENA PARTE DEBIDO A LOS DIÁLOGOS, PERO JUGANDO UN PAPEL IMPORTANTE TAMBIÉN ESTÁ LA MÚSICA, ELEMENTO QUE DOTA DE AMBIENTE Y SENTIMIENTOS A LO QUE VEMOS EN PANTALLA. EN EL CASO DE UN VIDEOJUEGO OCURRE ALGO SIMILAR, PUES LA MÚSICA NUNCA HA SIDO AJENA A ESTA FORMA DE ENTRETENIMIENTO, AL CONTRARIO, AL IGUAL QUE EN EL CINE RESULTA FUNDAMENTAL, DESDE LOS BIPS DE LAS MÁS RUDIMENTARIAS ARCADIAS HASTA EL AUDIO EN 5.1 CANALES DE LAS CONSOLAS ACTUALES, PASANDO POR LOS ARCHIVOS MIDI.

Por Paella

para videojuegos sencillamente porque tener una canción de Ozzy Osbourne o The Darkness en un título cuesta, pero a su vez reditúa en términos monetarios y de promoción, ya saben, derechos de autor. Actualmente el pago por canción oscila entre los 2 mil y los 100 mil dólares, dependiendo del artista y popularidad del tema que se quiera conseguir, aunque en algunos casos el precio puede irse hasta las nubes tratándose de clásicos, a tal grado de volverse inconseguibles para los desarrolladores, ¿en algún título han escuchado a The Beatles? La música en los juegos se ha vuelto un negocio, pero afortunadamente los que nos dedicamos a jugar somos quienes finalmente ganamos. ¿A poco no se les antoja romperle la cara a Fred Durst en Fight Club?

S

uper Mario Bros. y La Leyenda de Zelda definitivamente no serían lo mismo sin la música de Koji Kondo, ni algunos juegos de Final Fantasy serían igual de memorables sin las composiciones de Nobuo Uematsu. No señor, serían como cine mudo. Tom de Junkie XL, responsable del remix de “A Liitle Less Conversation” de Elvis Presley y realizador de toda la música para el nuevo título de carreras de Xbox, Forza Motorsport, nos dijo en entrevista exclusiva que los videojuegos se han convertido en una nueva forma de promoción para los artistas, ya que llegan a un público que quizá nunca compraría un disco suyo, pero gracias al videojuego lo hacen. De acuerdo a un estudio realizado el año pasado, los ingresos generados por la industria del videojuego ya superaban a los de la industria cinematográfica, pero ahora son incluso más que los obtenidos por la industria de la música, ¿qué quiere decir esto? Que más gente está ocupada moviendo palancas y apretando botones que comprando discos o asistiendo a conciertos. Esto no significa que la música esté relegada, sino que dicha expresión artística se ha integrado a las nuevas formas de entretenimiento. Según una encuesta hecha el mes pasado, 25% de los videojugadores compran canciones nuevas gracias a que las conocieron por medio de un videojuego. La importancia de la música en el entretenimiento digital se vuelve inmensa debido a la competencia entre compañías desarrolladoras y ni hablar cuando se trata de un juego dentro del mismo género. Las casa disqueras y editoras han desarrollado divisiones especiales dentro de su modelo de negocios para licenciar música

Una de las primeras incursiones de imagen de un artista y música licenciada en el terreno de los videojuegos la realizó Journey en 1983 con una arcadia que tenía el nombre del grupo. En esa maquinita, cada uno de los integrantes de la banda debía recobrar su instrumento para después abordar una nave y vencer enemigos a través del espacio con el objetivo de llegar a tiempo para ofrecer un concierto en el estadio galáctico. Las gráficas era austeras, pero unos cuantos pixeles en escalas de grises, formando los rostros de los miembros de Journey, sirvieron para pavimentar el camino hacia el futuro. En 1989 apareció Michael Jackson en el título para arcadia, computadoras y consolas basado en la película Moonwalker. Era impresionante en ese entonces aplicar tu habilidad especial y ver a los enemigos bailar inclinándose al igual que tú mientras sonaba “Smooth Criminal”. La revolución había iniciado y unos cuantos años más tarde nos toparíamos con Aerosmith, en las maquinitas y consolas, con el juego Revolution X, donde tu arma principal eran CDs.

En 1993 Interplay nos traería en SNES y Genesis, Rock 'n Roll Racing, un título de carreras donde era posible escuchar estupendas canciones como “Born To Be Wild” de Steppen Wolf, “Paranoid” de Black Sabatth y “Bad to the Bone” de George Thorogood. No sería hasta que el desarrollo tecnológico permitió utilizar al disco óptico como dispositivo de almacenamiento de juegos que veríamos bandas sonoras más complejas y con una calidad estéreo de 16 bits y 44.1 KHz. En 3DO, el primer sistema en emplear CD, pudimos asombranos gracias a otra muestra de que el rock había llegado para quedarse en los videojuegos con Road Rash, una entrega de carreras de motocicletas que, si bien no era ingeniosa en sus sistema de juego, sí lo era en su banda sonora con potentes canciones de principios de los 90 a cargo de Soundgarden y Monster Magnet, entre otros. Éste sería el juego que marcó la pauta para lo que hoy en día se hace con Grand Theft Auto, Tony Hawk o Def Jam. Posteriormente la música ya no era tomada simplemente de un álbum de un artista reconocido, sino compuesta especialmente por él mismo, como en el caso del interactivo titulado Explora, de Peter Gabriel, para computadoras. A más de diez años de esa experiencia, Gabriel, en 2004, participó con su voz y música para Uru: Ages Beyond Myst. Otro ejemplo del estilo lo encontramos en Spiderman de Activision para PsOne, que contó con la remezcla del tema por Tommy Tallarico, fundador de Apollo 440 (quienes luego aparecieron en FIFA con “Can't Stop the Rock”).

UNA DE LAS PRIMERAS INCURSIONES DE IMAGEN DE UN ARTISTA Y MÚSICA LICENCIADA EN EL TERRENO DE LOS VIDEOJUEGOS LA REALIZÓ JOURNEY EN 1983 CON UNA ARCADIA QUE TENÍA EL NOMBRE DEL GRUPO.

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Al arrivar las consolas de la actual generación con DVDROM y otros dispositivos. el contenido musical de los juegos se ha vuelto tremendo, tanto en calidad como en cantidad. Por ejemplo, Grand Theft Auto: Vice City tuvo más de 80 horas de canciones en distintas estaciones de radio presentando variados géneros, desde el pop más fresa hasta el rock más pesado. Para la música de San Andreas, hasta un contrato con la disquera Interscope se tuvo que realizar con el fin de ilustrar mejor con rap y hip-hop la época que se muestra; así mismo, por una cantidad no revelada, Rockstar Games contrató a Axl Rose para que fuese DJ de una de las estaciones que se pueden escuchar en el juego.

La salida de la primera versión de Playstation inundó de extraordinarias canciones nuestras experiencias de juego caseras. En 1996, el título de carreras de naves Wipeout XL nos dejaba boquiabiertos con los nombres más importantes de la música electrónica de su tiempo dentro de la banda sonora. Ésta reunía a The Chemical Brothers, The Prodigy, Underworld, Future Sound of London y Fluke, entre otros. Gran Turismo 2 también nos dio una buena dosis musical con The Cardigans, The Crystal Method, Garbage, Fear Factory y más. Mientras tanto, en Nintendo 64, gracias a la capacidad de los cartuchos podíamos también escuchar canciones como “Tubthumping” de Chumbawamba, en FIFA Road to World Cup 98. Todos los juegos de deportes de Electronic Arts comenzaron a poblarse con buena música y hoy en día su iniciativa EA Trax, es reconocida como visionaria. Para 1999 Konami nos asombraba yendo un paso más allá con la música, pues ya no era únicamente parte ambiental, sino elemento primordial del juego, siguiendo los pasos en pantalla con un tapete. Dance Dance Revolution ha contado con canciones de Britney Spears, KC and The Sunshine Band (“That's The Way I Like It”, también salió “Chatting Parodius”), E-rotic y muchos de los artistas de pop japoneses más populares. La evolución de ello han sido los juegos de Karaoke, donde encontramos incluidos a REM, Madonna, Jimmy Eat World y Missy Elliot.

La demanda de música para videojuegos se ha vuelto impresionante, sea el género que sea, incluso algunos de los artistas más solicitados han rechazado jugosos contratos por falta de tiempo, como The Crystal Method para Need For Speed Underground 2, pero al menos su canción “Busy Child” aparece en versión cover para Donkey Konga. En cuanto a carerras, tenemos grandes bandas sonoras en Burnout 3, Street Racing Syndicate y Gran Turismo 4. En lo que a guerra se refiere, nos encontramos con uno de los mejores soundtracks en Battlefield Vietnam, lleno de clásicos de los 60 como “Hush” de Deep Purple, “Wild Thing” de The Throggs, “Fortunate Son” de Creedence Clearwater revival y “I Fought the Law” con Bobby Fuller Four.

SUPER MARIO BROS. Y LA LEYENDA DE ZELDA NO SERÍAN LO MISMO SIN LA MÚSICA DE KOJI KONDO

Dentro de los juegos de acción también hay música formidable, como la de Snoop Dogg en True Crime: Streets of L.A. pero si les gustan los títulos de peleas, la música de Def Jam: Fight for N.Y es de lo mejor. O bien, si les laten los FPS en la serie de Doom están composiciones de Trent Reznor y Chris Vrenna, ex-compañeros en Nine Inch Nails. Olvidando Britney's Dance Beat, Matthew Nelson haciendo rolas para Sonic Heroes, Christina Aguilera en DOAXBV, “La vida loca” en Samba de Amigo, lo caro que pretende cobrar Blink 182 por sus canciones y alguna que otra cochinada del estilo, el contenido musical de artistas famosos en los videojuegos tiene un buen presente y ofrece un panorama aún más prometedor. Si hay artículos en el Wall Street Journal al respecto, quizá sea cierto lo que dijo Tom Holkenborg de Junkie XL y los videojuegos son la nueva radio.

Pink Floyd