O Maestro a Orquestra e a Musica.pdf

Maestro Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

O papel do maestro, regente ou condutor  é dar uniformidade a um grande contingente instrumental ou vocal para que todas sigam o tempo, a dinâmica e o andamento indicado na partitura, pois sem ele cada músico ou cantor perderia a marcação do tempo em relação aos outros. Em síntese, ele é o chefe do grupo, aquele que dita as ordens, impondo na maioria das vezes a sua "interpretação" à obra musical. Porém a figura do maestro ditador, prepotente e arrogante vem entrando em decadência há um bom tempo, e as grandes orquestras do mundo vêm preferindo assim regentes que se coloquem no mesmo nível dos outros integrantes da orquestra, sabendo que eles estão ali juntos para fazer música e não impor ordens.

História

O maestro O Maestro  como conhecemos hoje surgiu no Romantismo musical, quando a massa orquestral ou coral tomou grandes proporções. Antes disto, no barroco e no  período clássico, a figura do maestro não era materializada. Os grupos eram pequenos (orquestras de câmara) e todos os músicos podiam se entreolhar para analisar dinâmicas e entradas. Porém, já no classicismo, com o início do crescimento da massa orquestral (ou coral), quem "coordenava" era o músico mais visível: o primeiro violinista ou algum instrumentista de sopro. Em composições com acompanhamento por instrumento de teclado, o cravo na época e depois o piano, quem tocava este instrumento "regia" a orquestra. Uma evolução deste estado inicial foi a marcação do tempo (métrica musical) através de batidas de um bastão no chão. Porém este ruído produzido pela batida, afetava diretamente a música, pois todos os musicos precisavam ouvir a marcação (batidas) e assim todo o público também ouvia. Alguns músicos decidiram apenas marcar o tempo com as mãos e braços e ainda outros, enrolavam as partituras e marcavam o tempo. Carl Maria von Weber foi quem introduziu uma vareta ou pequeno bastão para substituir o rolo de partitura. A esta vareta deu-se o nome de batuta.

Os Grandes Maestros Entre os maestros do século XIX e inícios do século XX, citam-se Mendelssohn, Wagner, Berlioz, Mahler, Louis-Antoine Jullien, Richard Strauss.

Bons exemplos no século XX: Wilhelm Furtwängler, Victor de Sabata, Arturo Toscanini, Hans Knappertsbusch, Otto Klemperer, Bruno Walter, Erich Kleiber, Leopold Stokowski (que preferia não usar batuta), Sergiu Celibidache, Charles Munch, Pierre Monteux, Ernest Ansermet, Karl Böhm, Carlos Kleiber (filho de Erich Kleiber), Herbert von Karajan, Evgeny Mravinsky, Jayme Amatnecks, Georg Solti, Leonard Bernstein, Lorin Maazel, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, Claudio Abbado, Seiji Ozawa, Bernard Haitink, Simon Rattle, Pierre Boulez, Nikolaus Harnoncourt, Valery Gergiev, entre tantos outros. Outros grandes maestros brasileiros, também compositores são Carlos Gomes, Villa-Lobos, Cláudio Santoro, Camargo Guarnieri e Jayme Amatnecks. Entre os maestros de coros cita-se Alfredo Pozoco.

Orquestração Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Uma Orquestra Sinfônica

Orquestração, é : 1)  o estudo ou a prática de escrever música para orquestra (ou, mais liberalmente, qualquer grupo musical) ou. 2)  a adaptação de música para orquestra, composta originalmente para outra instrumentação. Gradualmente, na sucessão da História da Música, só recentemente este termo foi aceito como parte da arte de Composição musical. 3) No uso  figurativo, orquestração significa uma combinação harmoniosa, ou de outras facções.

Escrevendo para Orquestra Orquestrador é aquele que escreve ou adapta música para orquestra. Escrever  para orquestra é um processo complexo . Pessoas que querem escrever música para orquestra precisam estudar orquestração. Quem estuda orquestração precisa ter um certo conhecimento avançado de: Teoria e Harmonia musical; conhecer bem os intervalos, acordes e rítmos diferentes; e estudar Literatura musical dos diferentes períodos históricos; Forma e Análise; Contraponto; Instrumentação; Arranjo além de ter aulas regulares da prática instrumental, e ainda participar em grupos musicais, incluindo uma agenda de recitais. A leitura de literatura especializada sobre orquestração é essencial, e estudar partituras de orquestra também é necessário. Regência não é especificamente uma matéria necessária para quem só vai escrever ou transcrever música para uma editora, por exemplo, mas todo músico com um conhecimento aberto aproveitaria muito com práticas de regência, tanto teórica como, regência coral e instrumental. Uma prática  boa é iniciar a escrever para grupos menores, trio de cordas e quarteto de sopros ou de cordas, por exemplo. Aos poucos, com experiência, outros instrumentos podem ser adicionados. Vários instrumentos são chamados de "instrumentos de transposição"; escrever para estes instrumentos exige muita prática na literatura musical, mais  precisamente nas notações dos instrumentos. Conhecer cada instrumento, sua tessitura, sua técnica de execução e seu vocabulário de instruções é outro requisito. Estudar regência instrumental faz também com que a pessoa se familiarize com: os diversos instrumentos, •

com muitas obras literárias de Música, e instrumentações variadas, além da  prática com a leitura de partituras e seu idioma ---tudo que é preciso saber para poder escrever para um grupo, pequeno ou grande. • • •

Adaptação de música para orquestra Existe dois tipos de adaptação para orquestra: Transcrição e Arranjo musical  Na prática, os termos transcrição e arranjo  são freqüentemente usados intercambiavelmente. Mas existe uma distinção entre os dois. • •

Transcrição Musical  Na transcrição musical, a peça orquestrada segue bem aproximadamente a obra original. Como exemplo, podemos citar a Tocata e Fuga em ré menor (BWV565), orquestrada por Leopold Stokowski (cir1927), escrito originalmente para órgão por Johann Sebastian Bach entre 1703 e 1707. Apesar do resultado final da obra ser distintamente diferente na versão orquestrada, em que o som de cada frase é representado por um grupo de instrumentos de timbres diferentes---ao contrário da versão ao órgão, de Bach, com o timbre todo mais homogêneo---, a obra ainda é a mesma, praticamente nota por nota.

A primeira frase na Tocata e Fuga em ré menor, BWV565, para o órgão, de Bach  Neste exemplo, na versão transcrita para orquestra de Stokowski, ele dobra o valor das notas, mas ainda dentro do mesmo andamento; de maneira que, os dois  primeiros compassos de Bach (acima, ilustrado) se transformam em quatro, na versão de Stokowski. Os violinos (2), juntos com as violas e os violoncelos iniciam o tema com a  primeira frase (o primeiro compasso na escrita de Bach; ou seja, os dois primeiros compassos de Stokowski). Em seguida, o compasso três e o quatro (Stokowski) são tocados pelas flautas (4), oboés (3), corne inglês, clarinetas (3), clarineta baixo e fagotes (3); todas as partes dos devidos instrumentos escritas separadamente em sua própria  pauta, numa partitura de orquestra, obviamente.

Arranjo Musical  No arranjo musical, a orquestração tende a mudar aspectos significativos da composição original, especialmente na notação musical. Entre arranjos de obras eruditas que se tornaram populares, hoje em dia, encontramos o  Ave Maria de Charles Gounod que é um arranjo do prelúdio Nº1, em dó maior, do livro "Cravo Bem-Temperado", para teclado solo de Bach (BWV846) e que Gounod adicionou uma melodia (inexistente na obra de Bach) que entra após uma adaptada introdução do primeiro motivo de Bach. O  Ave Maria  de Gounod se tornou uma composição para o uso do texto litúrgico em

Latim com uso freqüente na Igreja Católica e ainda com variadas instrumentações. Quanto as obras da música barroca, da Idade Média e de eras mais antigas quando são executadas ao vivo, ou gravadas em estúdios, hoje em dia, tem que haver uma certa dose de transcrição e arranjo com adaptação instrumental nas partituras, pois os próprios instrumentos da época eram outros e muitos já não se praticam mais no uso cotidiano. A viola da gamba, por exemplo, o alaúde, vários tipos de cornes de madeira ou metal, em fim, existia uma série de instrumentos noutrora que, para as execuções destas obras com orquestras atuais é necessário fazer uma adaptação na partitura para que os instrumentos modernos possam tocar músicas de outras épocas.

Do livro de Michael Praetorius, Syntagma musicum (1618), vários tamanhos diferentes da antiga Viola de Gamba---sendo a maior de todas a mais parecida com o violoncelo dos dias de hoje.

Variação no tem Outra prática, a parte, muito usada em música é a variação no tema  que não deixa de ser uma forma de arranjo e transcrição  usados, simultaneamente, sobre um tema original, mas com muito mais material original na variação do que existente na melodia original. Johannes Brahms (1833-1897), compositor alemão, escreveu as Variações (28) em um Tema de Paganini, para Piano, em lá menor, opus 35 . Brahms usa o tema melódico do Caprice nº24 em lá menor, de Paganini (1782-1840), escrito originalmente para violino, para criar uma composição nova, basicamente arranjando e transcrevendo  o tema original de formas diferentes, noutro instrumento; uma prática comum na música erudita, inclusive que Franz Liszt e Robert Schumann empregaram e também usando Caprices de Paganini.

Instrumentação Orquestração aplica-se, falando restritamente, somente à orquestra, enquanto o termo instrumentação  aplica-se a todos grupos instrumentais. Em instrumentação,  portanto, inclui-se orquestração. No estudo de orquestração---em contraposição à  prática---o termo instrumentação  pode também referir-se à consideração das características definidas de instrumentos individuais, oposto à arte de combinar instrumentos. Em música comercial, especialmente música para cinema (filmes) e teatro (drama), orquestradores independentes são empregados para que o projeto seja  preparado dentro do prazo da produção devido a dificuldade que é para uma mesma  pessoa compor e orquestrar um material dentro de um prazo curto como demanda as  produções cinematográficas e teatrais.

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Orquestradores da indústria cinematográfica costumam usar partituras de orquestra---na qual cada voz de instrumento é escrita individualmente em sua  própria pauta e todas as pautas dos instrumentos ativos na gravação são agrupadas de maneira que o orquestrador acompanhe o desenvolvimento de cada instrumento simultaneamente, mas ainda separadamente. Por outro lado, orquestradores da Broadway costumam usar partituras reduzidas--na qual todas as vozes são escritas nas pautas de uma partitura para piano que inclui a pauta da mão direita, com a clave de sol; e a pauta da mão esquerda, com a clave de fa. Neste caso, tanto a técnica de arranjo  como a de orquestração  são usadas, pois além das notas estarem arranjadas para o piano (para uso durante ensaios da peça teatral), o orquestrador precisa levar em consideração que outros instrumentos vão interpretar cada voz escrita na  partitura reduzida para ensaios.

Literatura sobre orquestração Autores de literaturas, historicamente importantes, sobre orquestração: • •

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Michael Praetorius (1619): Syntagma musicum volume 2. De Organographia . Valentin Roeser (1764): Essai de l'instruction à l'usage de ceux, qui composent  pour la clarinette et le cor. Hector Berlioz (1844): Grand traité d’instrumentation et d’orchestration modernes (Treatise on Instrumentation). François-Auguste Gevaert (1863): Traité general d’instrumentation. Charles-Marie Widor (1904) : Technique de l’orchestre moderne (Manual of  Practical Instrumentation).  Nikolay Rimsky-Korsakov (1912): Основы оркестровки ( Principles of Orchestration ---"Princípios de Orchestração, em Português). Cecil Forsyth (1914): Orchestration. Charles Koechlin (1954–9): Traité de l'Orchestration (4 vols). Walter Piston (1955): Orchestration.

Com asso ( úsica) Origem: Wikipédia, a enciclopédia livr .

Exemplo de tre ho musical co

três compasso .

 Na notaç o musical, um ompasso é um  forma de divid ir quantizadamente em grupos o s sons de uma c omposição musical, com base em  pulsos e repousos. Muitos estilos musicais tradicionais já presumem um deter  inado compasso, a valsa, por xemplo, tem o compasso 3/4 e o r  ck tipicamente usa os compassos 4/4,12/8 ou 3 /4. Os comp ssos facilitam a execução mu ical, ao definir   a unidade de empo, o pulso e o ritmo da c mposição ou e partes dela. s compassos são d ivididos na par  itura a partir d e linhas vertica s desenhadas sobre a pauta. A  soma dos valores temporais d as notas e pausas d entro de um co  passo deve ser igual à duração definida pela f  rmula de com asso.

Fórm la de co passo Em uma órmula de com asso, o denomi nador indica e  quantas partes uma semibreve deve ser dividi a para obtermos uma unidade e t mpo (na notaç o atual, a semi reve é a medid   com maior du ração possível ara ser atribuíd   a um tempo, s endo ela tomad  como referência  para as demais d  rações). O nu erador define q  antas unidades de tempo o co  passo contém. o exemplo abaixo estamos per ante um tempo e "quatro por quat o". Isso signifi a que a unidad e de tempo tem duração de 1/4 da semibreve ( ma semínima) e o compasso t em 4 unidades e t mpo. Neste caso, uma semibre e iria ocupar todo o compasso. Cada compass  pode ter qualq  er combinação de notas e paus s, mas a soma e t das as duraçõe  nunca pode se  menor nem ma ior que quatro u nidades de tem o (Neste exemplo).

A fórmul  de compasso é escrita no início da composição ou de cada u a de suas seções e quando oco re mudança de fórmula durante a úsica (nesse caso esta mudança é escrita direta ente no comp sso que tem a n ova duração).

Compassos complexos particulares

Um interessante tipo de compasso complexo é a justaposição 3/X + 3/X + 2/X, formando um compasso teoricamente 8/X. Essa subdivisão é muito comum na música de todo o mundo ocidental e também de diversos outros povos (é a divisão utilizada, por exemplo, na rumba). Por ter um uso tão amplo, a grafia 8/X nas partituras deu lugar a grafias mais simples, relacionadas mais ao estilo de cada caso que à correção meticulosa da notação. Em alguns casos o que aparece na partitura é 2/4 (na verdade 3/16 +3/16 + 2/16); em outros, 4/4 ( na verdade 3/8 + 3/8 + 2/8) ou 2/2 (igualmente, mas com divisão binária). Combinações de compassos complexos

Vastamente utilizado por bandas de rock progressivo, dão grande complexidade e unicidade às músicas. Exemplos: 4/4, 3/4 (dando a idéia de 7/4); 15/16, 4/4, 7/8, 19/16 (de maior complexidade); 6/8, 6/8, 6/8, 5/8; etc. Permitindo qualquer combinação de compassos, mesmo sendo apenas entre os mais simples, amplia-se a concepção de compassos não apenas como divisões facilitadoras, mas como unidades básicas de uma composição musical. Compassos mais utilizados em rock progressivo x / y

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Choro Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Instrumentos musicais típicos do choro brasileiro: Violão de 7 cordas, violão, bandolim, flauta, cavaquinho e pandeiro O Choro, popularmente chamado de chorinho, é um gênero musical, uma música popular e instrumental brasileira, com mais de 130 anos de existência. Os conjuntos que o executam são chamados de  regionais e os músicos, compositores ou instrumentistas, são chamados de  chorões. Apesar do nome, o gênero é em geral de ritmo agitado e alegre, caracterizado pelo virtuosismo e improviso dos participantes, que precisam ter muito estudo e técnica, ou pleno domínio de seu instrumento. O choro é considerado a primeira música popular urbana típica do Brasil   e difícil de ser executado. O conjunto regional é geralmente formado por um ou mais instrumentos de solo, como flauta, bandolim e cavaquinho, que executam a melodia, o cavaquinho faz o centro do ritmo e um ou mais violões e o violão de 7 cordas formam a base do conjunto, além do pandeiro como marcador de ritmo. Surgiu provavelmente em meados de 1870, no Rio de Janeiro, e nesse início era considerado apenas uma forma abrasileirada dos músicos da época tocarem os ritmos estrangeiros, que eram populares naquele tempo, como os europeus xote, valsa e  principalmente polca, além dos africanos como o lundu. O flautista Joaquim Calado é considerado um dos criadores do Choro, ou pelo menos um dos principais colaboradores para a fixação do gênero, quando incorporou ao solo de flauta, dois violões e um cavaquinho, que improvisavam livremente em torno da melodia, uma característica do Choro moderno, que recebeu forte influência dos ritmos que no início eram somente interpretados, demorando algumas décadas para ser considerado um gênero musical. Alguns dos chorões mais conhecidos são Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth e Pixinguinha. Alguns dos choros mais famosos são “Tico-Tico no Fubá”, de Zequinha de Abreu “Brasileirinho”, de Waldir Azevedo “Noites Cariocas”, de Jacob do Bandolim “Carinhoso”, de Pixinguinha “O violão e a flor”, de Toninho Ramos Dentre as composições de Heitor Villa-Lobos, o ciclo dos Choros é considerado a mais significativa. O chorão mais conhecido e ativo na atualidade é o virtuoso flautista e compositor Altamiro Carrilho, que já se apresentou em mais de 40 países difundindo o gênero. • • • • •

História do Choro Século XIX

A história do Choro provavelmente começa em 1808, ano em que a Família Real  portuguesa chegou ao Brasil. Em 1815 a cidade do Rio de Janeiro foi promulgada capital do `Reino Unido do Brasil, Portugal e Algarves´. Em seguida passou por uma reforma urbana e cultural, quando foram criados cargos públicos. Com a corte  portuguesa vieram instrumentos de origem européia como o piano, clarinete, violão, saxofone, bandolim e cavaquinho e também músicas de dança de salão européias, como a valsa, quadrilha, mazurca, modinha, minueto, xote e principalmente a polca, que viraram moda nos bailes daquela época. Esta última foi apresentada ao público em Julho de 1845. A reforma urbana, os instrumentos e as músicas estrangeiras, juntamente com a abolição do tráfico de escravos no Brasil em 1850, podem ser considerados uma “receita” para o surgimento do Choro, já que possibilitou a a emergência de uma nova classe social, a classe média, composta por funcionários públicos, instrumentistas de  bandas militares e pequenos comerciantes, geralmente de origem negra, nos subúrbios do Rio de Janeiro. Essas pessoas, sem muito compromisso, passaram a formar conjuntos  para tocar de “ouvido” essas músicas, que juntamente com alguns ritmos africanos já enraizados na cultura brasileira, como o batuque e o lundu, passaram a ser tocadas de maneira a brasileirada pelos músicos que foram então batizados de chorões. Embora não se possa fixar uma música ou uma data para o surgimento de um gênero musical, pois se trata de um processo lento e contínuo, dentre esses músicos se destacou o flautista Joaquim Antônio da Silva Calado e seu conjunto, surgido por volta de 1870, que ficou conhecido como "O Choro de Calado". Esse flautista era professor da cadeira de flauta do Conservatório Imperial, portanto tinha grande conhecimento musical e reunia os melhores músicos da época, que tocavam por simples prazer. O conjunto de Calado era composto de dois violões, um cavaquinho e sua flauta, que era o instrumento de solo. Devido ao fato das flautas serem de ébano, essa formação era também chamada de “pau-e-corda”. No conjunto de Calado os instrumentistas de cordas tinham liberdade e todos eram bons em fazer, de propósito, improvisos sobre o acompanhamento harmônico e modulações complicadas com o intuito de "derrubar" os outros músicos. Ou seja, foi desenvolvido um novo diálogo entre solo e acompanhamento, uma característica do Choro atual. Logo, outros conjuntos com essa mesma formação apareceram. Desse modo,  Joaquim Calado é considerado um dos criadores do Choro, ou pelo menos um dos principais colaboradores para o surgimento do gênero. A polca “Flor Amorosa”, composta por Calado e Catulo da Paixão Cearense em 1867, é tocada até hoje pelos chorões e tem características do choro moderno, portanto é considerada a primeira composição do gênero. Desse conjunto fez parte Viriato Figueira, seu aluno e amigo e também sua amiga, a maestrina Chiquinha Gonzaga, uma  pioneira como a primeira chorona, compositora e pianista do gênero. Em 1897, Chiquinha compôs “Gaúcho” ou “Corta-Jaca”, uma grande contribuição ao repertório do gênero. Outras composições de destaque foram “Atraente” e “Lua Branca”. O Choro, nesse início, era considerado apenas uma maneira mais emotiva ou chorosa de se interpretar aquelas músicas, portanto recebeu forte influência das mesmas,  porém aos poucos a música gerada sob o improviso dos chorões foi perdendo as características dos seus países de origem e os conjuntos de choro proliferaram na cidade, estendendo-se ao Brasil. No final do século XIX e início do século XX outros

instrumentos de sopro e cordas, como o bandolim, o clarinete, o oficlide e o flautim foram incorporados aos conjuntos e utilizados também pelos solistas. As primeiras composições de Choro com características próprias foram compostas por Joaquim Calado, Chiquinha Gonzaga, Anacleto de Medeiros e Ernesto Nazareth, dentre outros. Porém, o Choro só começou a ser considerado como gênero musical na primeira década do século XX. Origem do termo

Existe controvérsia entre os pesquisadores sobre a origem da palavra “choro”,  porém essa palavra pode significar várias coisas. Choro pode derivar da maneira chorosa de se tocar as músicas estrangeiras no final do século XIX e os que a apreciavam passaram a chamá-la de música de fazer chorar. Daí o termo Choro. O próprio conjunto de choro passou a ser denominado como tal, por exemplo, “Choro do Calado”. O termo pode também derivar de “xolo”, um tipo de baile que reunia os escravos das fazendas, expressão que, por confusão com a parônima portuguesa, passou a ser conhecida como "xoro" e finalmente, na cidade, a expressão começou a ser grafada com "ch". Outros defendem que a origem do termo é devido à sensação de melancolia transmitida pelas “baixarias” do violão. •

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Século XX

Os conjuntos de choro foram muito requisitados nas gravações fonográficas (de LPs de 78 rotações) que tiveram início em 1902, o compositor Anacleto de Medeiros foi um dos pioneiros ao participar das primeiras gravações do gênero e de um dos primeiros discos impressos no Brasil em 1902. Misturou a xote e a polca com as sonoridades  brasileiras. Como grande orquestrador, traduziu a linguagem das bandas para as rodas de choro. O virtuoso da flauta Patápio Silva, considerado o sucessor de Joaquim Calado, ficou famoso por ser o primeiro flautista a fazer um registro fonográfico. O violonista João Pernambuco, autor de “Sons de Carrilhões”, trouxe do sertão sua forma típica de canção e enriqueceu o gênero com elementos regionais, colaborando  para que o violão deixasse de ser um mero acompanhante na música popular. Ernesto Nazareth, músico de trajetória erudita e ligado à escola européia de interpretação, compôs “Brejeiro” (1893), “Odeon” (1910) e “Apanhei-te Cavaquinho” (1914), que romperam a fronteira entre a música popular e a música erudita, sendo vitais  para a formação da linguagem do gênero. Pixinguinha, um dos maiores compositores da música popular brasileira, que também era tenor, arranjador, saxofonista e flautista, contribuiu diretamente para que o choro encontrasse uma forma musical definitiva. Em 1919, Pixinguinha formou o conjunto Oito Batutas, formado por Pixinguinha na flauta, João Pernambuco e Donga no violão, dentre outros músicos. Fez sucesso entre a elite carioca, tocando maxixes e choros e utilizando instrumentos até então só conhecidos nos subúrbios cariocas. Quando compôs “Carinhoso”, entre 1916 e 1917 e “Lamentos” em 1928, que são considerados dois dos choros mais famosos, Pixinguinha foi criticado e essas composições foram consideradas como tendo uma inaceitável influência do jazz. Mas na verdade elas eram avançadas demais para a época. Além disso, “Carinhoso” na época não foi considerado choro e sim polca. Outras composições, entre centenas, são “Rosa”, “Vou vivendo”, “Lamentos”, “1X0”, “Naquele tempo” e “Sofres porque Queres”.

Zequinha de Abreu  Na década de 1920, o maestro Heitor Villa-Lobos compôs uma série de 16 composições dedicadas ao Choro, mostrando a riqueza musical do gênero e fazendo-o  presente na música erudita. A série é composta de 14 choros para diversas formações, um Choros Bis e uma Introdução aos Choros. O nome das composições é sempre no  plural. O Choros nº 1 foi composto para violão solo. Também há Choros para conjuntos de câmara e orquestra. O Choros nº 13 foi composto para duas orquestras e banda e o nº 14 para orquestra, coral e banda. A composição mais conhecida e executada desta série é o Choros nº 10 para coro e orquestra, que inclui o tema "Rasga o Coração" de Catulo da Paixão Cearense. Devido à grande complexidade e à abrangência dos temas regionais utilizados pelo compositor, esta série é considerada por muitos como a sua obra mais significativa. Também a partir da década de 20, impulsionado pelas gravadoras de discos e  pelo advento do rádio, o Choro fez sucesso nacional com o surgimento de músicos como Luperce Miranda e do pianista Zequinha de Abreu, autor de Tico-Tico no Fubá, além de grupos instrumentais que, por dedicar-se à música regional, foram chamados de regionais, como o Regional de Benedito Lacerda, que tiveram como integrantes Pixinguinha e Altamiro Carrilho e Regional do Canhoto, que tiveram como integrantes Altamiro e Carlos Poyares. Luiz Americano

Um solista de destaque, nos anos 20 e 30, foi o clarinetista e saxofonista sergipano Luiz Americano, que em 1937 integrou o inovador Trio Carioca ao lado do  pianista e maestro Radamés Gnattali. A partir de 1930, os conjuntos regionais, formaram uma base de sustentação às nascentes estações de rádio, devido à sua versatilidade em acompanhar, com facilidade e sem muitos ensaios, os diversos estilos de música vocal que surgiram. Severino Araújo

Um dos exemplos de união entre o choro e o jazz foi realizado por Severino Araújo, que, em 1944, adaptou choros à linguagem das big bands. Como maestro da Orquestra Tabajara, Severino Araújo gravou vários choros de sua autoria, como “Espinha de Bacalhau”. Esse exemplo foi seguido por outras orquestras ou compositores como K-Ximbinho.

Waldir Azevedo

Em 1947, Waldir Azevedo, o mais popular artista do choro e virtuoso do cavaquinho, compôs “Brasileirinho” o maior sucesso da história do gênero, gravado por Carmen Miranda e, mais tarde, por músicos de todo o mundo. Waldir Azevedo foi um  pioneiro que retirou o cavaquinho de seu papel de mero acompanhante e o colocou em destaque como instrumento de solo, explorando de forma inédita as potencialidades do instrumento. Jacob do Bandolim

Jacob do Bandolim foi um virtuoso no seu instrumento que promovia famosas rodas de choro em sua casa, nos anos 50 e 60, além de grande compositor. “Doce de Coco”, de 1951 e “Noites Cariocas”, de 1957, são parte do repertório clássico do gênero. Jacob também promoveu o resgate de compositores antigos e fundou o famoso conjunto Época de Ouro, com César Faria e Dino 7 Cordas. O Choro perdeu grande parte de sua popularidade devido ao surgimento da Bossa Nova nas décadas de 50 e 60, quando foi considerado “fora de moda”. Mas o gênero manteve-se presente no ritmo de vários músicos, como Paulinho da Viola e Arthur Moreira Lima. Radamés Gnattali

Em 1956 Radamés Gnattali compôs a Suíte "Retratos", homenageando quatro compositores que considerava fundamentais para a música brasileira, Chiquinha Gonzaga, Anacleto de Medeiros, Ernesto Nazareth e Pixinguinha.

Década de 70 Ocorreu uma revitalização do gênero na década de 70. Em 1973, uniram-se o Conjunto Época de Ouro e Paulinho da Viola no show Sarau. Foram criados os Clubes do Choro  em Brasília, Recife, Porto Alegre, Belo Horizonte, Goiânia e São Paulo, dentre outras cidades. Surgiram grupos jovens dedicados ao gênero, como Galo Preto e Os Carioquinhas. O novo público e o novo interesse pelo gênero propiciou também a redescoberta de veteranos chorões, como Altamiro Carrilho, Copinha e Abel Ferreira, além de revelar novos talentos, como os bandolinistas Joel Nascimento e Déo Rian e o violonista Rafael Rabello. Festivais do gênero ocorreram no ano de 1977. A TV Bandeirantes de São Paulo  promoveu duas edições do Festival Nacional do Choro  e a Secretaria de Cultura do Rio de Janeiro promoveu o Concurso de Conjuntos de Choro . Em 1979 com o LP “Clássicos em Choro”, o flautista Altamiro Carrilho fez sucesso tocando músicas eruditas em ritmo de Choro. Altamiro é uma lenda viva do Choro, já gravou mais de 100 discos, fez mais de 200 composições e já se apresentou em mais de 40 países difundindo o gênero. Também em 1979, por ocasião do evento intitulado "Tributo a Jacob do Bandolim", em homenagem aos dez anos do falecimento do bandolinista, é criado o grupo Camerata Carioca, formado por Radamés Gnatalli, Joel Nascimento e Raphael Rabello, dentre outros músicos.

Década de 80 A década de 1980 foi marcada por inúmeras oficinas e seminários de Choro. Importantes instrumentistas se reuniram para discutir e ensinar o gênero às novas gerações. Em 1986, realizou-se o primeiro Seminário Brasileiro de Música  Instrumental, em Ouro Preto, uma proposta ampla que ocasionou uma redescoberta do Choro. A partir de 1995 o gênero foi reforçado por grupos que se dedicaram à sua divulgação e modernização e pelo lançamento de CDs.

Século XXI O Choro entra no terceiro século da sua existência, com uma bagagem de mais de 130 anos, completamente firmado como um dos principais gêneros musicais do Brasil. São milhares de discos gravados e centenas de chorões que marcaram presença. O choro além de ser um gênero musical rico e complexo, é também um fenômeno artístico, histórico e social.  No entanto falta divulgação, pois enquanto o Dia Nacional do Choro é comemorado em outros países, como a França e o Japão, no Brasil a maioria da  população nem sabe que existe essa data comemorativa. Sobre isso, Hermínio Bello de Carvalho escreveu: “Ao defender a tese de que a cultura deveria ser tratada como matéria de segurança nacional, penso traduzir a necessidade cada vez mais premente de abrasileirar o brasileiro, como advertiu Mário de Andrade...”

Dia do Choro  No dia 23 de abril se comemora o Dia Nacional do Choro , trata-se de uma homenagem ao nascimento de Pixinguinha. A data foi criada oficialmente em 4 de setembro de 2000, quando foi sancionada lei originada por iniciativa do bandolinista Hamilton de Holanda e seus alunos da  Escola de Choro Raphael Rabello.

O conjunto regional e os instrumentos do choro

Cavaquinho em exposição. Waldir Azevedo explorou de forma inédita as potencialidades do mesmo

Flauta tr ansversal, instrumento de Joaqui Calado, Patápio ilva, Bene ito Lacerd   e Altamir  Carrilho

O virtuoso Ja ob do Ban olim é o ais conhecido bandolinista de choro

E emplo de andeiro, q  e faz o pa el de marca or de ritm  no choro

O

iolão junt  com o violão de 7 co das forma a base do conjunto

Violão de 7 corda  em exposição. O inst umento foi introdu ido no cho ro para se  bter notas ais grave

Abel Ferreira e Paulo Moura são exemplos de clarinetistas

Pixinguinha e Luiz Americano são exemplos de saxofonistas

O Piano, instrumento dos chorões Chiquinha Gonzaga, Ernesto Nazareth e Arthur Moreira Lima, dentre outros

Trombone, o instrumento de Raul de Barros O nome provavelmente surgiu na década de 1920 por dedicarem-se à música regional. Os conjuntos regionais são compostos por instrumentos musicais de sopro, cordas e percussão. Geralmente um ou mais instrumentos de solo, como flauta,  bandolim, cavaquinho ou ainda clarinete e saxofone, executam a melodia, enquanto o cavaquinho faz o papel de centralizador de ritmo e um ou mais violões e violão de 7 cordas improvisam modulações como acompanhamentos, harmonizando e formando a  base do conjunto com a chamada “baixaria” de sons graves. Além desses, há os instrumentos de percussão como o pandeiro. O piano e o trombone eventualmente fazem parte dos regionais. Os chorões são versáteis e revezam-se no solo com facilidade. Conjuntos Regionais em ordem cronológica • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

O Choro de Calado (aproximadamente 1870) Oito Batutas (1919) Regional de Benedito Lacerda (1934) Regional do Canhoto (1951) Quinteto Villa-Lobos (1962) (não é regional, mas o grupo toca choros) Época de Ouro (1964) Isaías e seus Chorões (aprox. 1970) Galo Preto (1975) Os Carioquinhas (1977)  Nó em Pingo D'Água (1979) Camerata Carioca (1979) Água de Moringa (1989) Grupo Bola Preta (1990) Rabo de Lagartixa (aprox. 1990) Quebrando Galho (1993) Choronas (1994) Grupo Sarau (1996) Choro na Feira (2000) Grupo Cordaviva (2001) Trio Quintessência (2001) Choro das 3 (2002) Resumo do Choro (2002) Trio Madeira Brasil Camerata Brasileira Grupo Choro Rasgado (2002) Trio Mandando Bala (2004) Grupo Chorando as Pitangas (2004) Grupo Ó do Borogodó (2005) Grupo Choro de Moça (2005)

Chorões Os chorões geralmente são compositores e também instrumentistas do gênero. Afirma-se que os bons chorões precisam ter grande capacidade de improviso e domínio dos instrumentos. Lista de Chorões em ordem cronológica • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Chiquinha Gonzaga (1847-1935) Joaquim Calado (1848-1880) Viriato Figueira (1851-1883) Juca Kallut (1858-1922) Sátiro Bilhar (1860-1927) Ernesto Nazareth (1863-1934) Catulo da Paixão Cearense (1863-1946) Anacleto de Medeiros (1866-1907) Irineu de Almeida (1873-1916) Quincas Laranjeiras (1873-1935) Patápio Silva (1880-1907) Zequinha de Abreu (1880-1935) João Pernambuco (1883-1947) Heitor Villa-Lobos (1887-1959) Donga (1890-1974) Bonfiglio de Oliveira (1894-1940) Pixinguinha (1897-1973) Luiz Americano (1900-1960) Benedito Lacerda (1903-1958) Luperce Miranda (1904-1977) Radamés Gnattali (1906-1988) Copinha (1910-1984) Abel Ferreira (1915-1980) Garoto (1915-1955) Raul de Barros (1915- ) Dilermando Reis (1916-1977) K-Ximbinho (1917-1980) Jacob do Bandolim (1918-1968) Dino 7 Cordas (1918-2006) Rossini Ferreira (1919 - ?) Ademilde Fonseca (1921- ) Orlando Silveira (1922-1993) Waldir Azevedo (1923-1980) Álvaro Brochado Hilsdorf (1923-1997) Altamiro Carrilho (1924- ) Carlos Poyares (1928- ) Antônio da Silva Torres, o Jacaré (1930-2005) Evandro do Bandolim (1932-1994) Paulo Moura (1933- ) Joel Nascimento (1937- ) Canhotinho (1938- ) Ventura Ramirez (1939- ) Arthur Moreira Lima (1940- ) Paulinho da Viola (1942- ) Toninho Ramos - 7 cordas (1942- )

Déo Rian (1944- ) Pedro Amorim (1958- ) Raphael Rabello (1962-1995) Aleh Ferreira (1966- ) Maurício Carrilho(?)  Nilze Carvalho (1969- ) Hamilton de Holanda (1976- ) Danilo Brito (1985- ) Mestre Zé Paulo(?) Valter Silva - 7 cordas(?) Trombone e Cia - 2004 (acesse www.tromboneecia.com) • • • • • • • • • •

Curiosidades Choro ou Chorinho?

O nome do gênero é Choro, mas popularmente é chamado de Chorinho. Muitos chorões, ou mesmo apreciadores do gênero, não gostam desta última denominação, alegando que não se chama samba de “sambinha” ou jazz de “jazzinho”. Outros consideram o chorinho como um aspecto do choro ou o ambiente proporcionado pelo gênero. Sucesso internacional

O choro faz sucesso em países muito distantes do Brasil, como o Japão, França, Itália e Estados Unidos. Já em 1985, quando a Camerata Carioca esteve no Japão, constatou a existência de músicos que tocavam e estudavam música brasileira, como o Choro Club que faz uma fusão da linguagem do choro com as tendências contemplativas da música oriental, com um repertório de composições próprias e de Ernesto Nazareth e Jacob do Bandolim. Em outubro de 2006 houve uma Roda do Choro da Camerata do Choro ( direção: Paulo Gouveia, flauta) em Hamburgo/Alemanha que contou com participação entre outros de Wilfried Berk (Rio de Janeiro/Hannover), com sua clarineta chorona, e de Fabiano Borges (Brasília) no violão de 7 cordas. Em  Novembro de 2007, o Trio Madeira Brasil atuou em Berlim e Munique tocando com convidados (Yamandú Costa, Zé da Velha) os highlights do filme "Brasileirinho" de Mika Kaurismäki. Em Dezembro de 2007 foi fundado em Turim (Itália) o Clube do Choro de Turim, que realiza periodicamente Rodas de Choro e pouco a pouco se torna uma referência do gênero no Norte da Itália. Violão de 7 cordas

 No choro, além do violão de seis cordas, existe o violão de 7 cordas, introduzido nos regionais provavelmente pelo violonista Tute, quando procurava notas mais graves  para a chamada baixaria. ”Jazz Brasileiro”?

Muitas pessoas dizem que o choro é o “jazz brasileiro”, mas ocorre que, apesar de ambos terem em comum a improvisação, o choro surgiu antes do jazz, portanto este último é que deveria chamar-se “choro estadunidense”. Além disso, a origem dos mesmos é diferente, o jazz provém da cultura negra estadunidense e o choro tem origem européia, da polca principalmente. Uma comparação muito mais apropriada entre dois gêneros musicais brasileiro e estadounidense é a feita entre o Jazz e a Bossa Nova, essa sim, diretamente influenciada pelo ritmo criado nos EUA.

Opiniões •

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Radamés Gnattali reconhecia o choro como a mais sofisticada forma de música instrumental popular. “A verdadeira encarnação da alma brasileira”, disse Heitor Villa-Lobos. “O choro está para o brasileiro como o tango está para o argentino.”; “O chorinho é música clássica tocada com pé no chão, calo na mão, alma no céu.” (Aquiles Rique Reis, vocalista do conjunto MPB-4. Letra

Uma das principais discussões sobre o Choro é se deve ou não ter letra. Essa  polêmica sempre foi discutida entre os chorões, que tem opiniões diversas, já que o gênero é puramente instrumental, mas de vez em quando algum compositor coloca letra. Um exemplo famoso é o de “Carinhoso” de Pixinguinha que recebeu letra de João de Barro e foi gravado com sucesso por Orlando Silva. As interpretações de Ademilde Fonseca a consagraram como a maior intérprete do choro cantado, sendo considerada a "Rainha do choro". Filme “Tico-Tico no Fubá”

Em 1952, a Companhia Cinematográfica Vera Cruz produziu o filme Tico-Tico no Fubá, baseado na vida de Zequinha de Abreu. Filme “Brasileirinho”

Em 2005 foi lançado o filme documentário Brasileirinho, um tributo ao gênero choro, do cineasta e diretor finlandês Mika Kaurismäki. Alguns músicos que  participaram do filme foram Yamandú Costa, Paulo Moura e Trio Madeira Brasil, dentre outros.

Samba Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre. O Samba é a principal forma de música de raízes africanas surgida no Brasil. O nome "samba" é, provavelmente, originário do nome angolano semba, um ritmo religioso, cujo nome significa umbigada, devido à forma como era dançado.

História O primeiro registro da palavra "samba" aparece na Revista O Carapuceiro, de Pernambuco, em 3 de fevereiro de 1838, quando Frei Miguel do Sacramento Lopes Gama, escreve contra o que chamou de "samba d'almocreve". Em meados do século 19, a palavra samba definia diferentes tipos de música introduzidas pelos escravos africanos, desde o Maranhão até São Paulo. O samba carioca provavelmente recebeu muita influência de ritmos da Bahia, com a transferência de grande quantidade de escravos para as plantações de café no Estado do Rio, onde ganhou novos contornos, instrumentos e histórico próprio, de forma tal que, o samba moderno, como gênero musical, surgiu no início do século 20 na cidade do Rio de Janeiro (a capital brasileira de então). Muitos pesquisadores apontam  para os ritmos do maxixe, do lundu e da modinha como fontes que, quando sintetizadas, deram origem a ao samba moderno. O termo "escola de samba" é originário deste período de formação do gênero. O termo foi adotado por grandes grupos de sambistas numa tentativa de ganhar aceitação  para o samba e para a suas manifestações artísticas; o morro era o terreno onde o samba nascia e a "escola" dava aos músicos um senso de legitimidade e organização que  permitia romper com as barreiras sociais. O samba-amaxixado Pelo telefone, de domínio público mas registrado por Donga e Mauro Almeida, é considerado o primeiro samba gravado , embora Bahiano e Ernesto Nazaré tenham gravado pela Casa Édison desde 1903. É deles o samba " A viola está magoada". Há registros também do samba " Em casa de Baiana" (1913), de autoria de Alfredo Carlos Brício. Porém ambos não fizeram muito sucesso, e foi a composição registrada por Donga que levou o gênero para além dos morros. Donga chegou a anunciar "Pelo telefone" como "tango-samba", no Jornal do Brasil de 8 de janeiro de 1917.  Nos anos trinta, um grupo de músicos liderados por Ismael Silva fundou, na vizinhança do bairro de Estácio de Sá, a primeira escola de samba,  Deixa Falar . Eles transformaram o gênero, dando-lhe os contornos atuais, inclusive coma introdução de novos instrumentos, como o surdo e a cuíca, para que melhor se adequasse ao desfile de carnaval. Nesta mesma época, um importante personagem também foi muito importante  para a popularização do samba: Noel Rosa. Noel é responsável pela união do samba do morro com o do asfalto. É considerado o primeiro cronista da música popular brasileira.  Nesta época, a rádio difundiu a popularidade do samba por todo o país, e com o suporte do presidente Getúlio Vargas, o samba ganhou status  de "música oficial" do Brasil.  Nos anos seguintes o samba se desenvolveu em várias direções, do samba canção às baterias de escolas de samba. Um dos novos estilos foi a bossa nova, criado  por membros da classe média, dentre eles João Gilberto e Antonio Carlos Jobim.  Nos anos sessenta os músicos da bossa nova iniciaram um movimento de resgate dos grandes mestres do samba. Muitos artistas foram descobertos pelo grande público

neste momento. Nomes como Cartola, Nelson Cavaquinho, Zé Keti e Clementina de Jesus gravaram os seus primeiros discos.  Nos anos setenta o samba era muito tocado nas rádios. Compositores e cantores como Martinho da Vila, Bezerra da Silva, Clara Nunes e Beth Carvalho dominavam as  paradas de sucesso.  No início da década de 1980, depois de um período de esquecimento onde as rádios eram dominadas pela Disco Music e pelo rock brasileiro, o samba reapareceu no cenário brasileiro com um novo movimento chamado de pagode. Nascido nos subúrbios cariocas, o pagode era um samba renovado, que utilizava novos instrumentos, como o  banjo e o tantã, e uma linguagem mais popular. Os nomes mais famosos foram Zeca Pagodinho, Almir Guineto, Grupo Fundo de Quintal, Caras de Pau, Jorge Aragão e Jovelina Pérola Negra. Em meados de 1998 surgiu uma tendência para o samba que agora seguiria para direção das influências das músicas caribenhas. Nesse tempo, bandas baianas e também cariocas laçaram novidades como o Samba-reggae, hoje a principal variante do Pagode  baiano. Assim, tanto o Samba de Roda quanto a Axé Music, estavam caminhando para a decadência e com pouca vendagem de discos. No início do Século XXI, em concorrência com a popularidade dos Pagodes carioca e paulista, o Samba-reggae, um gênero originalíssimo, tem ganhado popularidade. Grandes bandas tem mantido o estilo como Olodum, Terra Samba, Refla, Cidade Negra e até o Só Pra Contrariar. Atualmente o Samba  é o gênero musical mais popular no Brasil e também  popular em outras regiões do mundo como no Japão. Alguns artistas brasileiros como  Nelson Sargento, Monarco e Wilson Moreira produzem Samba para japoneses.

Subgêneros Samba comum O samba é caracterizado por uma seção de ritmo contendo a marcação, geralmente surdo ou tantan, o 'coração do samba'; e seu núcleo mais importante é geralmente reconhecido como cavaco e pandeiro. O cavaquinho é a conexão entre a seção de harmonia e a seção de ritmo, e costuma ser reconhecido como um dos instrumentos harmônicos mais percussivos existentes; sua presença, via de regra, diferencia o verdadeiro samba de variações mais suaves como a Bossa Nova (embora haja algumas gravações de samba que não usem o cavaco, e.g. de Chico Buarque). O  pandeiro é o instrumento percussivo mais presente, aquele cuja batida é a mais completa. Um violão está sempre presente, e a maneira de tocar violão no samba  popularizou o violão de 7 cordas, por causa das sofisticadas linhas de contraponto utilizadas no gênero nas cordas mais graves. As letras falam basicamente de qualquer coisa, já que o samba é o ritmo nacional brasileiro. Esse subgênero engloba todos os outros. Artistas Famosos: Beth Carvalho, Paulinho da Viola, Zeca PagodinhoFundo de quintal , Wilson Moreira, Dudu Nobre, entre outros. Partido alto Esse termo é utilizado para denominar um tipo de samba que é caracterizado por uma batida de pandeiro altamente percussiva, com uso da palma da mão no centro do instrumento para estalos. A harmonia do partido alto é sempre em tom maior. Geralmente tocado por um conjunto de instrumentos de percussão (normalmente surdo,  pandeiro e tamborim) e acompanhado por um cavaquinho e/ou por um violão, o partido

alto costuma ser dividido em duas partes, o refrão e os versos. Partideiros costumam improvisar nos versos, com disputas comuns, e improvisadores talentosos fizeram sua fama e carreira no samba, como Zeca Pagodinho, que é não só um grande sambista de  propósito geral como um dos melhores improvisadores. Artistas Famosos: Candeia, Jovelina Pérola Negra, Martinho da Vila, Zeca Pagodinho, Arlindo Cruz, Aniceto do Império, Sombrinha, Nei Lopes, Almir Guinéto, Camunguelo, Xangô da Mangueira, Nilton Campolino.[fundo de quintal]Bezerra da Silva Pagode Hoje é a forma de samba que se difunde entre as periferias dos centros urbanos do Brasil, surgida nos anos 80 com a introdução de três novos instrumentos, o banjo, o tantan e o repique de mão. Usualmente é cantado por uma pessoa acompanhada por cavaquinho, violão e pelo menos por um pandeiro. As letras são descontraídas, falam normalmente de amor ou qualquer situação engraçada. Quase sempre as letras não tem grande expressão, sendo maior preocupação a aliteração do que o conteúdo. Artistas famosos:Raça Negra, Caras de Pau, Katinguelê, Sorriso Maroto, Revelação, Jeito Moleque. Neo-pagode: Swingueira É uma nova modalidade de Pagode surgida nos anos 1990 que se mistura com Axé Music. Este derivado do Samba, portanto, apresenta elementos do Axé como tamborins baianos, agogô e às vezes berimbal metalizado, apesar de manter os instrumentos do Pagode. Alguns grupos, como Gera Samba, continuaram a tocar Pagode tradicional, já outros apresentam o Neo-pagode tipificado como Olodum & Samba. Grupos / Artistas famosos: É o Tchan, Gera Samba, Terra Samba, Kiloucura, Molejo, Inimigos da Hp,Jeito Moleque,Exaltasamba. Samba de Breque Hoje um gênero morto, as músicas do samba de breque eram intercaladas com  partes faladas, ou diálogos. Os cantores, necessariamente, tinham um excelente dom vocal e habilidade de fazer vozes diferentes. As letras contavam histórias e eram  jocosas. Artistas famosos: Moreira da Silva, Germano Mathias. Samba-Canção O samba-canção foi muito executado nas rádios, com grande influências do estilo e da melodia do Bolero e ballad   americano. As canções deste gênero são românticas e de ritmo mais lento. Os temas variam do puramente lírico ao trágico. Artistas famosos: Noel Rosa, Heitor dos Prazeres, Ângela Maria, Alexandre Pires, Nora Ney, Nelson Gonçalves, Cauby Peixoto, Agnaldo Rayol, Dolores Duran, Maysa Matarazzo, Lindomar Castilho. As intérpretes desse gênero ficaram conhecidas como as divas da  Era de Ouro do Rádio. Samba-Exaltação O samba-exaltação, é caracterizado por composições "meta-regionais", o ufanismo observado nas composições exalta por assim dizer a cultura do país e não um folclore específico, constituindo o primeiro momento de exportação da música popular

sem precedentes na história, apresentando as cores, a aquarela do país ao resto do mundo. Aquarela do brasil, de Ary Barroso, é a composição que inaugura esse estilo de samba. Carmen Miranda destaca-se como uma das grandes expoentes. Samba-Enredo O samba enredo é o estilo cantado pelas escolas de samba durante os desfiles de carnaval. A letra do samba-enredo, normalmente, conta uma história que servirá de enredo para o desenvolvimento da apresentação da escola de samba. Em geral, a música é cantada por um homem, acompanhado sempre por um cavaquinho e pela bateria da escola de samba, produzindo uma textura sonora complexa e densa, conhecida como  batucada. Bossa Nova A bossa nova é um estilo originalíssimo de samba brasileiro que surgiu na década de 1960. Este estilo é uma fusão dos estilos do  jazz  com o samba. Durante muitos anos foi o samba das praias e bares do Rio de Janeiro. A Bossa Nova foi bem original no seu estilo criativo, pois introduziu a viola eletrônica, imitando a guitarra nos tons mais agudos, fazendo uma melodia com forte influência das melodias americanas mescladas com batidas abrasileiradas. As interpretações são marcadas por um tom suave, intimista ou sussurrado. Gravado em 1958 o LP Canção do Amor Demais, é considerado axial para a inauguração deste movimento, surgido em 1957. O antológico LP trazia ainda, também da autoria de Vinícius de Moraes e Tom Jobim, Chega de saudade,  Luciana,  Estrada branca, Outra vez. A melodia ao fundo foi composta com a  participação de um jovem baiano que tocava seu violão de maneira original, inédita: o  jovem João Gilberto. Samba Reggae É um dos gêneros do Samba que surgiu no final da década de 1990, a partir de manifestação de grupos baianos, cariocas e paulistas em modificar o Pagode tradicional e transformá-lo em samba swingado. Nesta transformação apareceu cada vez mais um Pagode tipo swuingueira. Por não ter durado muito tempo, o Swigueira foi novamente reformado e com a volta de alguns aspectos, deixados de lado, de Samba & Pagode, artistas e bandas brasileiras começaram a introduzir a guitarra, na melodia, no lugar do cavaquinho e influências da batida jamaicana. Este conjunto faz um swing, que é parte da dança do Samba-reggae. Hoje, durante a execução deste tipo de música, os artistas costumam intercalar a melodia típica do Reggae modificado por artistas modernos, com as batidas,"levadas", do Samba-pagode e alguns elementos latinos variados, sendo que alguns artistas reintroduziram também o violão e o Tantan. A Banda Oludum exerceu influência sobre este gênero, mas não o tem definido. Atualmente as influências são diversas. Os artistas e bandas famosas são: Terra Samba, Seu Jorge, Patrulha do Samba, Paula Morelembau, Trio do Samba, Só Pra Contrariar, Refla e Martinho da Vila e sua filha Mart'nália.

Samba-rap É um renovado gênero do Samba, criado nas favelas e presídios paulistas e cariocas, que trata de misturar a marcação do Pagode com as do Hip hop e Funk Music, além de apresentar melodia falada durante o samba e elementos pesados na música. Os

artistas mais famosos deste gênero são: Gabriel O Pensador,Marcelo D2, Sampa Crew e o Rappa. Outras variantes Samba de roda é uma dança ritual preservada em algumas cidades baianas. Samba rock • •

Principais sambistas •

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Adoniran Barbosa Agepê Alcione Anjos do Inferno Arlindo Cruz Aracy de Almeida Ary Barroso Benito di Paula Beth Carvalho Bezerra da Silva Candeia Caras de Pau Carmen Miranda Cartola Chico Buarque Clara Nunes Clementina de Jesus Demônios da Garoa Dona Ivone Lara

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Donga Dorival Caymmi Elza Soares Elizeth Cardoso Francisco Alves Germano Matias Ismael Silva Jair Rodrigues Jamelão João Bosco João Nogueira Jorge Aragão Jorge Ben Jor Jorge Veiga Leci Brandão Lupicínio Rodrigues Maria Rita Marisa Monte Martinho da Vila Milton Banana Baterista

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Moraes Moreira Moreira da Silva  Neguinho da Beija-Flor  Nelson Cavaquinho  Noel Rosa  Novos Baianos Paulinho da Viola Pixinguinha Roberto Paiva Roberto Roberti Roberto Ribeiro Rodrigo Carioca Silas de Oliveira Simone Teresa Cristina Tom Jobim Wilson Batista Zeca Pagodinho Zé Ketti

Frevo Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Dançarino de Frevo com a tradicional sombrinha.

A Capoeira é uma luta que influenciou diretamente as origens do Frevo. O Frevo é um ritmo pernambucano [1] derivado da marcha e do maxixe. Surgido no Recife no final do Século XIX, o frevo se caracteriza pelo ritmo extremamente acelerado. Muito executado durante o carnaval, eram comuns conflitos entre blocos de frevos, em que capoeiristas saíam à frente dos seus blocos para intimidar blocos rivais e  proteger seu estandarte. Da junção da capoeira com o ritmo do frevo nasceu o  passo, a dança do frevo. Até as sombrinhas coloridas seriam uma estilização das utilizadas inicialmente como armas de defesa dos passistas. A dança do frevo pode ser de duas formas, quando a multidão dança, ou quando  passistas realizam os passos mais difíceis, de forma acrobática. O frevo possui mais de 120 passos catalogados.[2][3] Pode-se afirmar que o frevo é uma criação de compositores de música ligeira, feita para o carnaval. Os músicos pensavam em dar ao povo mais animação nos folguedos. No decorrer do tempo, a música ganha características próprias acompanhadas por um bailado inconfundível de passos soltos e acrobáticos.

Origem da palavra A palavra frevo vem de  ferver , por corruptela,  frever , que passou a designar: efervescência, agitação, confusão, rebuliço; apertão nas reuniões de grande massa  popular no seu vai-e-vem em direções opostas, como o Carnaval, de acordo com o Vocabulário Pernambucano, de Pereira da Costa. [4] Divulgando o que a boca anônima do povo já espalhava, o Jornal Pequeno, vespertino do Recife que mantinha uma detalhada seção carnavalesca da época,

assinada pelo jornalista "Oswaldo Oliveira", na edição de 12 de fevereiro de 1907, fez a  primeira referência ao ritmo, na reportagem sobre o ensaio do clube Empalhadores do Feitosa, do bairro do Hipódromo, que apresentava, entre outras músicas, uma denominada O frevo. E, em reconhecimento à importância do ritmo e a sua data de origem, em 09 de Fevereiro de 2007, a Prefeitura da Cidade do Recife comemorou os 100 anos do Frevo durante o carnaval de 2007.

Instrumento e letra De instrumental, o gênero ganhou letra no frevo-canção e saiu do âmbito  pernambucano para tomar o resto do Brasil. Basta dizer que O Teu Cabelo Não Nega , de 1932, considerada a composição que fixou o estilo da marchinha carnavalesca carioca, é uma adaptação do compositor Lamartine Babo do frevo  Mulata, dos  pernambucanos Irmãos Valença.[5] A primeira gravação com o nome do gênero foi o Frevo Pernambucano (Luperce Miranda/Oswaldo Santiago) lançada por Francisco Alves no final de 1930. Um ano depois, Vamo se Acabá, de Nelson Ferreira pela Orquestra Guanabara recebia a classificação de frevo. Dois anos antes, ainda com o codinome de "marcha nortista", saía do forno o  pioneiro  Não Puxa Maroca  (Nelson Ferreira) pela orquestra Victor Brasileira comandada por Pixinguinha. Ases da era de ouro do rádio como Almirante (numa adaptação do clássico Vassourinhas), Mário Reis (É de Amargar , de Capiba), Carlos Galhardo ( Morena da Sapucaia, O Teu Lencinho , Vamos Cair no Frevo), Linda Batista (Criado com Vó),  Nelson Gonçalves (Quando é Noite de Lua ), Cyro Monteiro ( Linda Flor da  Madrugada), Dircinha Batista ( Não é Vantagem), Gilberto Alves ( Não Sou Eu Que Caio Lá,  Não Faltava Mais Nada, Feitiço), Carmélia Alves (É de Maroca) incorporaram frevos a seus repertórios. Em 1950, inspirados na energia do frevo pernambucano, a bordo de uma  pequena fubica, dedilhando um cepo de madeira eletrificado, os músicos Dodô & Osmar fincavam as bases do trio elétrico baiano que se tornaria conhecido em todo o  país a partir de 1969, quando Caetano Veloso documentou o fenômeno em seu  Atrás do Trio Elétrico.

O frevo no carnaval Em 1957, o frevo Evocação No. 1, de Nelson Ferreira, gravado pelo Bloco Batutas de São José (o chamado  frevo de bloco) invadiria o carnaval carioca derrotando a marchinha e o samba. O lançamento era da gravadora local, Mocambo, que se destacaria no registro de inúmeros frevos e em especial a obra de seus dois maiores compositores, Nelson (Heráclito Alves) Ferreira (1902-1976) e Capiba. Além de

 prosseguir até o número 7 da série Evocação, Nelson Ferreira teve êxitos como o frevo Veneza Brasileira, gravado pela sambista Aracy de Almeida e outros como  No Passo, Carnaval da Vitória,  Dedé , O Dia Vem Raiando ,  Borboleta Não É Ave , Frevo da Saudade. A exemplo de Nelson, Capiba também teve sucessos em outros estilos como o clássico samba canção  Maria Bethânia  gravado por Nelson Gonçalves em 1943, que inspiraria o nome da cantora. Depois do referido É de Amargar , de 1934, primeiro lugar no concurso do Diário de Pernambuco, Capiba emplacou  Manda Embora Essa Tristeza (Aracy de Almeida, 1936), e vários outros frevos que seriam regravados pelas gerações seguintes como  De Chapéu de Sol Aberto , Tenho uma Coisa pra lhe Dizer , Quem Vai  pro Farol é o Bonde de Olinda,  Linda Flor da Madrugada ,  A pisada é essa, Gosto de Te Ver Cantando . Cantores como Claudionor Germano e Expedito Baracho se transformariam em especialistas no ramo. Um dos principais autores do samba-canção de fossa, Antônio Maria (Araújo de Morais, 1921-1964) não negou suas origens pernambucanas na série de frevos (do número 1 ao 3) que dedicou ao Recife natal. O gênero esfuziante sensibilizou mesmo a intimista bossa nova. De Tom Jobim e Vinicius de Moraes (Frevo) a Marcos e Paulo Sérgio Valle ( Pelas Ruas do Recife ) e Edu Lobo ( No Cordão da Saideira) todos investiram no (com)passo acelerado que também contagiou Gilberto Gil a munir de guitarras seu Frevo Rasgado em plena erupção tropicalista.

Blocos de rua brincam nas ladeiras de Olinda A baiana Gal Costa misturou frevo, dobrado e tintura funk (do arranjador Lincoln Olivetti) num de seus maiores sucessos, Festa do Interior   (Moraes Moreira/Abel Silva) e a safra nordestina posterior não deixou a sombrinha cair. O  pernambucano Carlos Fernando, autor do explosivo  Banho de Cheiro, sucesso da  paraibana Elba Ramalho, organizou uma série de discos intitulada Asas da América a  partir do começo dos 1980.[6] Botou uma seleção de estrelas para frevar: de Chico Buarque, Alcione, Lulu Santos e Gilberto Gil a Jackson do Pandeiro, Elba e Zé Ramalho, Geraldo Azevedo, Fagner e Alceu Valença. Entre os citados, Alceu, Zé e Geraldo mais o Quinteto Violado, Lenine, o armorial Antônio Nóbrega e autores como J. Michiles, mantêm no  ponto de fervura o frevo pernambucano. Mesmo competindo com os decibéis – e o  poder de sedução – do congênere baiano. As pessoas enfrentaram e competiram honestamente.

A importância do Galo da Madrugada na preservação do frevo O Galo da Madrugada é um bloco carnavalesco que preserva as tradições locais. Eles tocam ritmos pernambucanos e desfilam sem cordões de isolamento. O desfile do galo da madrugada é um dos momentos para se ouvir e se dançar frevo no carnaval.

O levante de Vassourinhas Quando as primeiras notas de Vassourinhas são executadas no carnaval  pernambucano, a multidão ergue os braços e grita junto e dança freneticamente.

Os novos intérpretes do Frevo de Pernambuco  No Galo da Madrugada os foliões também têm a oportunidade de conhecer novos intérpretes de Frevo de Pernambuco como: Gustavo Travassos, Almir Rouche,  Nena Queiroga, André Rio, entre muitos outros que fazem a voz do frevo contemporâneo acontecer nas Ruas do Recife.

Tipos de frevo

 Na década de 30, surge a divisão do frevo em três tipos[7] Frevo de rua Frevo canção Frevo de bloco • • • •

Referências 1. ↑Sobre a origemdo frevo, ver: *FREVO - Origem e dança IPHAN - Registro do frevo o o Diário do Comércio - 100 anos de coreografia 2. ↑ http://jc.uol.com.br/jornal/2007/02/14/not_219579.php 3. ↑ http://www.opovo.com.br/opovo/vidaearte/669846.html 4. ↑ http://jornalmusical.com.br/textoDetalhe.asp?iidtexto=876&iqdesecao=1 5. ↑  A composição original, dos Irmãos Valença, foi apresentada por Lamartine Babo como de sua autoria, o que gerou uma ação judicial contra o mesmo, ganha pelos autores originais. A ação resultou em acordo, por serem os compositores ainda desconhecidos e Lamartine já famoso no Brasil. Pelo acordo, foi colocado o nome de Lamartine Babo como coautor. Ver [1] 6. ↑ http://inventabrasilnet.t5.com.br/trioel.htm 7. ↑ http://www2.uol.com.br/JC/sites/100anosfrevo/tipos_frevo.htm

Forró Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Escultura em barro pintado de um sanfoneiro, um dos músicos que integram as bandas de forró. Caruaru, Pernambuco Denomina-se forró uma festa popular brasileira, de origem nordestina, e a dança  praticada nestas festas, conhecida também por arrasta-pé, bate-chinela, fobó, forrobodó.  No forró, vários ritmos musicais daquela região, como baião, o coco, a quadrilha, o rojão, o xaxado e o xote, são tocados, tradicionalmente, por trios, compostos de um sanfoneiro (tocador de acordeão -- que no forró é tradicionalmente a sanfona de oito baixos), um zambumbeiro e um tocador de triângulo. O forró possui semelhanças com o toré e o arrastar dos pés do índios, com os ritmos binários portugueses e holandeses e com o balançar dos quadris dos africanos. A dança do forró têm influência direta das danças de salão européia. Conhecido e praticado em todo o Brasil, o forró é especialmente popular nas cidades brasileiras de Juazeiro do Norte, Caruaru, Mossoró, São Miguel e Campina Grande, onde é símbolo da Festa de São João, e nas capitais Aracaju, Fortaleza, João Pessoa, Natal, Maceió e Recife, onde são promovidas grandes festas.

História Origem do nome O termo "forró", segundo o folclorista potiguar Luís da Câmara Cascudo, notável estudioso das manifestações culturais populares do Brasil, vem da redução da  palavra "forrobodó", que significa arrasta-pé, farra, confusão, desordem.  Na etimologia popular (ou pseudo-etimologia) é freqüente associar-se a origem da palavra "forró" à expressão da língua inglesa  for all (para todos). Para essa versão foi construída uma engenhosa história: no início do século XX, os engenheiros britânicos, instalados em Pernambuco para construir a ferrovia Great Western, promoviam bailes abertos ao público, ou seja  for all. Assim, o termo passaria a ser pronunciado "forró"

 pelo nordestino (a pronúncia aproximada da expressão inglesa). Outra versão da mesma história substitui os ingleses pelos estadunidenses e a Pernambuco do início do século XX pela Natal do período da Segunda Guerra Mundial, quando uma base militar dos Estados Unidos foi instalada nesta cidade. Apesar da versão bem-humorada, não há sustentação para tal etimologia do termo, pois em 1937, cinco anos antes da instalação da referida base, a palavra "forró"  já se encontrava registrada na história musical através da gravação fonográfica de “Forró na roça”, canção composta por Manuel Queirós e Xerém. Histórico Os bailes populares eram conhecidos em Pernambuco por "forrobodó" ou "forrobodança" (nomes dos quais deriva "forró") já em fins do século XIX. O forró tornou-se um fenômeno  pop em princípios da década de 1950. Em 1949, Luiz Gonzaga gravou "Forró de Mané Vito", de sua autoria em parceria com Zé Dantas e em 1958, "Forró no escuro". No entanto, o forró popularizou-se em todo o Brasil com a intensa imigração dos nordestinos para outras regiões do país, especialmente, para as capitais: Brasília, DF; Rio de Janeiro, RJ e São Paulo, SP.  Nos anos 1970, surgiram nessas e noutras cidades brasileiras, "casas de forró". Artistas nordestinos que já faziam sucesso tornaram-se consagrados (Luiz Gonzaga, Dominguinhos, Trio Nordestino, Genival Lacerda) e outros surgiram. Depois de um período de desinteresse em década de 1980 e forró ganhou novo fôlego da década de 1990 em diante, com o surgimento e sucesso de novos trios e artistas de forró.

Gêneros Musicais O forró é dançado ao som de vários ritmos brasileiros tipicamente nordestinos, entre os quais destacam-se: o xote, o baião, o xaxado e coco. Outros estilos de forró são: o forró pé-de-serra, o forró universitário e o forró eletrônico (que, para alguns, não é considerado forró).

Artistas consagrados Existem diversos artistas que, entre outras modalidades, também contribuíram, sejam como compositores sejam como intérpretes, com diversos gêneros do forró. Alguns dos mais destacados compositores brasileiros de músicas de forró são: • • • • • • • • • • •

Alceu Valença Chico Salles Dominguinhos Elba Ramalho Genival Lacerda Jackson do Pandeiro Luiz Gonzaga Sivuca Trio Nordestino Zé Ramalho Marines

Estilos da Dança O forró é dançado em pares que executam diversas evoluções, diferentes para o forró nordestino e o forró universitário: O forró nordestino é executado com mais malícia e sensualidade, o que exige maior cumplicidade entre os parceiros. Os principais passos desse estilo são: Levantada de perna. Testada - as testas do par se encontram. O forró universitário possui mais evoluções. Os passos principais são: Dobradiça - abertura lateral do par. Caminhada - passo do par para a frente ou para trás. Comemoração - passo de balançada, com a perna do cavalheiro entre a perna da dama. Giro simples. Giro do cavalheiro. Oito - o cavalheiro e a dama ficam de costas e passam um pelo outro.

Nota e Referência 1. •

↑ ENCICLOPÉDIA DA MÚSICA BRASILEIRA: p. 301.

ENCICLOPÉDIA DA MÚSICA BRASILEIRA: Erudita, folclórica, popular. 2a. ed. rev. e atual. Art Editora/Itaú Cultural, 1998.

Baião (música) Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre. Baião é um ritmo de dança popular da região Nordeste do Brasil, derivado de um tipo de lundu, denominado " baiano", de cujo nome é corruptela [1].

História Segundo informa Câmara Cascudo, foi gênero de dança popular bastante comum durante o século XIX[2] Em 1928 Rodrigues de Carvalho registrou que "... o baião, que é o mais comum entre a canalha, e toma diversas modalidades coreográficas ".[3] Câmara Cascudo registra ainda a sua popularização no país, a partir de 1946, com Luiz Gonzaga, em forma modificada pela " inconsciente influência local do samba e das congas cubanas " - sendo o ritmo de sucesso vencendo o espaço então dominado  pelo bolero.[2] Sua execução original era com sanfonas, que com a popularização passou a anexar o orquestramento. [2] O primeiro sucesso veio com a música homônima - Baião - de Luiz Gonzaga e Humberto Teixeira, cuja letra diz: "Eu vou mostrar pra vocês / Como se dança o baião / E quem quiser aprender / É favor prestar atenção. " [4] e " (...) o baião tem um quê / Que as outras dancas não têm ".[5] Gonzaga logo passou a dominar o gosto popular com outros sucessos no estilo do baião, a ponto de jornais da época registrarem que o ritmo tornara-se a "coqueluche nacional de 1949" (Radar) e era decisiva sua influência "na predileção do povo" (Diário Carioca).[4] A partir da década de 50, o gênero passou a ser gravados por diversos outros artistas, dentre os quais Marlene, Emilinha Borba, Ivon Curi, Carolina Cardoso de Meneses, Carmem Miranda, Isaura Garcia, Ademilde Fonseca, Dircinha Batista, Jamelão, dentre outros. Se Gonzaga era o "Rei do Baião", Carmélia Alves era tida como a Rainha, Claudete Soares a princesa e Luiz Vieira o príncipe. Após um período de relativo esquecimento, durante a década de 60 e a seguinte, no anos 70 ressurgiu com Dominguinhos, Zito Borborema, João do Vale, Quinteto Violado, Jorge de Altinho. [4] O ritmo influenciou ainda o tropicalismo de Gilberto Gil e o rock'n roll de outro baiano - Raul Seixas. Este último fundiu os dois ritmos, criando o  Baioque".[4]

Características Segundo Guerra Peixe, o baião possui uma escala que vai de dó a dó, com as seguintes variações: [2] 1. todos os graus naturais; 2. com o sétimo grau abaixado (si bemol); 3. com o quarto grau aumentado (fá sustenido); 4. a mistura dos dois dos modos anteriores, ou dos três; 5.  poucas vezes no modo clássico europeu e, 6. raramente, no modo menor com o sexto grau maior. Continuando, o maestro consigna que possui os ritmos melódicos: semicolcheia, colcheia, semimínima e mínima prolongada em compasso de dois por quatro. As harmônicas nos modos acima: [2]

1. modo maior: 1. I, V e IV graus, em ordens variáveis; 2. I, II graus, com a terceira do acorde alterada (fá sustenido). 2. modo menor: 1. I, IV grau, com a terceira alterada (fá sustenido). 2.

Principais músicos do Baião • •

Luiz Gonzaga Humberto Teixeira - o " Doutor do baião".

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Carmélia Alves Dominguinhos

Referências 1. 2.

↑ Novo Dicionário Aurélio 2,0 2,1 2,2 2,3 2,4 ↑  CASCUDO, Câmara. Dicionário do Folclore

Brasileiro. Ediouro,

Rio de Janeiro, 10ª ed., 1998 (ISBN 85-00-80007-0) 3. ↑ in: Cancioneiro do Norte , Paráiba do Norte, 2º ed., 1928 4. ↑ 4,0 4,1 4,2 4,3 Dicionário Cravo Albin de Música Popular Brasileira. Verbete Baião (página acessada em 10 de junho de 2008). 5. ↑ Letra, na íntegra, página acessada em 10 de junho de 2008

Ciranda Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre. Ciranda é um tipo de dança e música do Brasil. É originada na região Nordeste. Caracteriza-se pela formação de uma grande roda, geralmente nas praias ou praças, onde os integrantes dançam ao som de ritmo lento e repetido. [1]

Música O ritmo, quaternário composto, lento, com o compasso bem marcado por uma  pancada forte do zabumba (ou bumbo), e acompanhado pelo tarol, o ganzá, o maracá, é coreografado pelo movimento dos cirandeiros. São utilizados basicamente instrumentos de percussão.

Dança  Na marcação do zabumba, os cirandeiros pisam forte com o pé esquerdo à frente. Num andamento para a direita na roda de ciranda, os dançarinos dão dois passos  para trás e dois passos para a frente, sempre marcando o compasso com o pé esquerdo à frente. Os passos podem ser simples ou coreografados. As coreografias, quando há, são individuais. O dançarino pode aumentar o número de passos e fazer coreografias com as mãos e o corpo, sempre mantendo a marcação com o pé esquerdo à frente.

Letra A letra da ciranda pode ser improvisada ou já conhecida. De melodia simples e normalmente com estribilho, para facilitar o acompanhamento, é entoada pelo mestre cirandeiro, acompanhada pelos tocadores e pelos dançarinos.

Fontes 1.

↑ http://www.fundaj.gov.br/docs/pe/pe0007.html

Coco (dança) O coco é um ritmo originário do Nordeste brasileiro. O nome refere-se também à dança ao som deste ritmo. Coco significa cabeça, de onde vêm as músicas, de letras simples. Com influência africana e indígena, é uma dança de roda acompanhada de cantoria e executada em pares, fileiras ou círculos durante festas populares do litoral e do sertão nordestino. Recebe várias nomenclaturas diferentes, como coco-de-roda, coco-deembolada, coco-de-praia, coco-do-sertão, coco-de-umbigada, e ainda outros o nominam com o instrumento mais característico da região em que é desenvolvido, como coco-de-ganzá e coco de zambê. Cada grupo recria a dança e a transforma ao gosto da  população local. O som característico do coco vem de quatro instrumentos (ganzá, surdo,  pandeiro e triângulo), mas o que marca mesmo a cadência desse ritmo é o repicar acelerado dos tamancos. A sandália de madeira é quase como um quinto instrumento, se duvidar, o mais importante deles. Além disso, a sonoridade é completada com as  palmas. Existe uma hipótese que o diz que o surgimento do coco se deu pela necessidade de concluir o piso das casas no interior, que antigamente era feito de barro. Existem também hipóteses que a dança surgiu nos engenhos ou nas comunidades de catadores de coco.

Xaxado Xaxado  é uma dança popular criada no Agreste Pernambucano e Sertão

 pernambucano, muito praticada pelos cangaceiros da região, em comemoração as suas vitórias. O nome é devido ao barulho das sandália dos cangaceiros contra a areia do sertão. Xaxado é uma dança de guerra e entretenimento criada pelos cangaceiros de Lampião no inicio dos anos 1920, em Vila Bella, atual Serra Talhada. Ainda na época do cangaço tornou-se popular em todos os bandos de cangaceiros espalhados pelos sertões nordestinos. Era uma dança exclusivamente masculina, por isso nunca foi considerada uma dança de salão, mesmo porque naquela época ainda não haviam mulheres no cangaço. Faziam da arma a dama. Dançavam em fila indiana, o da frente, sempre o chefe do grupo, puxava os versos cantados e o restante do bando respondia em coro, com letras de insulto aos inimigos, lamentando mortes de companheiros ou enaltecendo suas aventuras e façanhas. Originalmente a estrutura básica do xaxado é da seguinte forma: avança o pé direito em três e quatro movimentos laterais e puxa o pé esquerdo, num rápido e deslizado sapateado. Os passos estão relacionados com gestos de guerra, são graciosos porém firmes. a presença feminina aparece depois da inclusão de maria bonita ao bando de lampião.

Maracatu Nação Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Maracatu é uma manifestação cultural da música folclórica pernambucana afro-

 brasileira. É formada por uma percussão que acompanha um cortejo real. Como a maioria das manifestações populares do Brasil, é uma mistura das culturas indígena, africana e européia. Surgiu em meados do século XVIII. Foi criado para formar uma critíca as cortes portuguesas.

História

Os Maracatus mais antigos do Carnaval do Recife, também conhecidos como Maracatu de Baque Virado ou  Maracatu Nação, nasceram da tradição do Rei do Congo, implantada no Brasil pelos portugueses. O mais remoto registro sobre Maracatu data de 1711, de Olinda, e fala de uma instituição que compreendia um setor administrativo e outra, festivo, com teatro, música e dança. A parte falada foi sendo eliminada lentamente, resultando em música e dança próprias para homenagear a coroação do rei: o Maracatu. Parece que a palavra "maracatu" primeiro designou um instrumento de percussão e, só depois, a dança que se dançava ao som deste instrumento. Os cronistas portugueses chamavam aos "infiéis" de nação, nome que acabou sendo assumido pelo colonizado. Os próprios negros passaram a autodenominar de nações a seus agrupamentos tribais. As nações sobreviventes descendem de organizações de negros deste tipo, e nos seus estandartes escrevem CCMM (Clube Carnavalesco Misto Maracatu). Mário de Andrade, no capítulo Maracatu de seu livro  Danças Dramáticas  Brasileiras II , elenca diversas possibilidades de origem da palavra maracatu, entre elas uma provável origem americana: maracá=instrumento ameríndio de percussão; catu=bom, bonito em tupi; marã=guerra, confusão; marãcàtú, e depois maràcàtú valendo como guerra bonita, isto é, reunindo o sentido festivo e o sentido guerreiro no mesmo termo. Mario de Andrade no mesmo texto deixa claro que enumerava os vários significados da palavra "sem a mínima pretensão a ter resolvido o problema. Simples divagação etimológica pros sabedores...divagarem mais." No entanto, sua origem e

história não é certa, pois alguns autores ressaltam que o maracatu nasceu nos terreiros de candomblé, quando os escravos reconstituíam a coroação do reis do Congo. Com o advento da abolição, este ritual ganhou as ruas, tornando-se um folguedo carnavalesco.

Constituição Do  Maracatu Nação participam entre 30 e 50 figuras. Entre elas estão o Portaestandarte, trajado à Luís XV (como nos clubes de frevo), que conduz o estandarte. Atrás, vêm as Damas do Paço, no máximo duas, e que carregam as Calungas, que são bonecos de origem religiosa, que simbolizam uma rainha morta. A dança executada com as Calungas tem caráter religioso e é obrigatória na  porta das Igrejas, representando um "agrado" a Nossa Senhora do Rosário e a São Benedito. Quando o Maracatu visita um terreiro, homenageia os Orixás. Depois das Damas do Paço segue a corte: Duque e Duquesa, Príncipe e Princesa, um Embaixador (nos Maracatus mais pobres o Porta-estandarte vale como Embaixador). A corte abre alas para o Rei e a Rainha, que trazem coroas douradas e vestem mantos de veludo bordados e enfeitados com arminho. Nas mãos trazem pequenas espadas e cetros reais. O Rei é coberto por um grande pálio encimado por uma esfera ou uma lua, transportado pelo Escravo que o gira entre suas mãos, lembrando o movimento da Terra. O uso deste tipo de guarda-sol é costume árabe, ainda hoje presente em certas regiões africanas. Alguns Maracatus incluem nesse trecho do cortejo também meninos lanceiros e a figura do Caboclo de Pena, que representa o indígena brasileiro e tem coreografia complicadíssima. A orquestra do Maracatu Nação é composta apenas por instrumentos de  percussão: vários tambores grandes (alfaias), caixas e taróis, ganzás e um gonguê (metalofone de uma ou duas campânulas, percutidas por uma vareta de metal).Hoje em dia, se usa os agbes ou xequerês(instrumento confeccionado com uma cabaça e uma saia de contas). O Mestre de Toadas "puxa" os cantos, e o coro responde. As baianas têm a responsabilidade de cantar, outras vezes, são os caboclos, mas todos os dançarinos também podem participar. Este Maracatu mais tradicional é chamado de Baque Virado porque este termo é sinônimo de um dos "toques" característicos do cortejo. Os Maracatus de Baque Virado sempre começam em ritmo compassado, que depois se acelera, embora jamais alcance um andamento muito rápido. Antes de se ouvir a corneta ou o clarim, que precedem o estandarte da Nação, é a zoada do "baque" que anuncia, ao longe, a chegada do Maracatu. O Maracatu se distingue das outras danças dramáticas e das danças negras em geral pela sua coreografia. Há uma presença forte de uma origem mística na maneira com que se dança o Maracatu, que lembra as danças do Candomblé. Balizas e Caboclos dançam todo o cortejo. Baianas e Damas do Paço têm coreografias especiais. Todos os outros se movimentam mais discretamente. Caboclos e Guias fazem muitas acrobacias, que parecem com os passos dos frevos de carnavalescos. Mário de Andrade descreve a dança das yabás(baianas): “Embebedadas pela percussão, dançam lentas, molengas,  bamboleando levemente os quartos, num passinho curto, quase inexistente, sem nenhuma figuração dos pés. Os braços, as mãos é que se movem mais, ao contorcer  preguiçoso do torso. Vão se erguendo, se abrem, sem nunca se estirarem completamente no ombro, no cotovelo, no pulso, aproveitando as articulações com delícia, para ondularem sempre. Às vezes, o torso parece perder o equilíbrio e lerdamente vai se

inclinando para uma banda, e o braço desse lado se abaixa sempre também, acrescentando com equilíbrio o seu valor de peso, ao passo que o outro se ergue e  peneira no ar numa circulação contínua e vagarenta...”

Personagens 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8.

As personagens que compõem o cortejo são os seguintes: Porta-estandarte, que leva o estandarte; este contém, basicamente, o nome da agremiação, uma figura que o represente e o ano que foi criada. Dama do paço , mulher que leva em uma das mãos a CALUNGA(boneca de madeira, ricamente vestida e que simboliza uma entidade ou rainha já morta). Rei e rainha, as figuras mais importantes do cortejo, e é por sua coroação que tudo é feito. Vassalo, um escravo que leva o PALIO(guarda-sol que protege os reis). Figuras da corte: príncipes, ministros, embaixadores, etc. Damas da corte, senhoras ricas que não possuem título nobiliárquicos. Yabás, mais conhecidas como baianas, que são escravas. Batuqueiros, que animam o cortejo, tocando vários instrumentos, como caixas de guerra, alfaias (tambores), gonguê, xequerês, maracás, etc.

Grupos de Pernambuco • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Aurora Africana (Jaboatão dos Guararapes) Batuque Estrelado Cambinda Estrela Encanto da Alegria Leão Negro (Olinda) Maracambuco Maracatu A Cabralada (Olinda) Maracatu Badia Maracatu Chuva de Prata (Olinda) Maracatu Nação Olinda Maracatu Vila Nova (Surubim) Maracatudo Camaleão (Olinda)  Nação Elefante  Nação do Engenho  Nação Estrela Brilhante  Nação Leão da Campina  Nação Leão Coroado  Nação Pernambuco  Nação Porto Rico Ouro do Porto Várzea do Capibaribe