Neoplasticismo

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Índice Introducción. Pág. 2 Concepto de Vanguardia. Pág 3 Desarrollo y Causa. Causa . Pág 4 Neoplasticismo. Pág 5 Conclusión. Pág. 14 Bibliografía. Pág 16

Mª Dolores Salmerón Pérez 1º B. Diseño Gráfico Historia del Arte y la Estética

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Introducción En este trabajo, se presentan los principios básicos del Neoplasticismo así como un contexto histótico y una breve definición de vanguardia para encuadrar este movimiento. Se verán los diferentes campos en los que se desarolló esta corriente como la pintura, la arquitectura y el diseño haciendo un pequeño recorrido por la vida de los artistas principales y algunas de sus obras más relevantes, las cuales son protagonistas en el desarrolo posterior de la historia del arte. De este modo, analizaremos a la figura principal, Piet Mondrian más profundamente y a Theo Van Doesburg en el campo de la arquitectura, pues sus aportaciones fueron notables. Es importante también mencionar. las aportacioenes, aunque escasas, del neoplasticismo en el diseño gráfico. En las conclusiones de este trabajo veremos la herencia que ha dejado este movimiento en épocas posteriores hasta nuestra más reciente actualidad.

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Concepto de Vanguardia En el periodo comprendido entre 1905 y 1949 se desarrollan las mayores rupturas de la tradición artística. Es la época de las vanguardias históricas, un periodo en el que la creación se abre a nuevos horizontes. Las vanguardias fueron movimientos artísticos renovadores que se produjeron en las primeras décadas de siglo XX en Europa. Buscaban la renovación radical del arte en las formas y contenidos para sustituir las tendencias anteriores consideradas ya obsoletas. Estos movimientos surgen en consecuencia a los cambios sociales que se estaban produciendo en la primera mitad de siglo XX en Europa, si la cultura de la sociedad cambia, el arte cambia con ella. El arte responde a la cultura. Este es el momento en el que la industria y la tecnología también sufren interesantes avances, una revolución industrial que ocurre en toda Europa y America. Cientos de fábricas fueron construidas

por la incipiente clase media. La gente comenzó a trabajar en ellas en lugar de hacerlo en sus casas y comenzó así la nueva era de la transformación. En definitiva, se consiguieron unos avances notables que, evidentemente, influyeron en la conciencia social y con ello en el arte. De esta manera aparecen Expresionismo, Fauvismo, Cubismo, Dadismo, Surrealismo, Abstracción (en la que se encuentra el Neoplasticismo) y Pop Art, entre otras.

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Desarrollo y causas La Vanguardia artística, conocida también como Neoplasticismo, fue fundada en 1917 con la primera publicación de la revista “De Stijl”, “El estilo” en donde pintores como Piet Mondriano Bart Van Der Leck y arquitectos como Theo Van Doesburg, exponían sus teorías. La pintura de Mondrian constituyó la fuente a partir de la cual se desarrollo la filosofía y las formas visuales de De Stijl. Estas poseían un vocabulario visual divertido de colores primarios a los que se le suman el blanco y el negro, con construcciones de formas básicas: cuadrados y rectángulos.Este movimiento persigue desnaturalizar la naturaleza, llegar al máximo grado de abstracción. Pero para extraer esa naturaleza no basta con eliminar la figuración, si no también cualquier relación de armonía que pueda haber entre los elementos de una obra separando los colores de los no colores: el blanco, el negro y el gris. Los colores primarios que Mondrian utiliza los concibe como la extracción y resumen de to-

dos los colores de la naturaleza. Con estas herramientas, líneas y colores, lleva a cabo construcciones a base de formas g eométricas de cuadrados y rectángulos que se combinan por la superficie. Los artistas de De Stijl estaban comproometidos con la sociedad de su época y decían expresar la conciencia general de esta: aseguraban que la II Guerra Mundial estaba arrasando con una vieja y que se avecinaban unos nuevos años de colectivismo y objetividad mediante los avances científicos, tecnológicos y políticos. La vanguardia buscaba explicar las leyes universales que gobiernan la realidad visible pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La belleza proviene de la pureza absoluta de la obra. Se abogaba por la absorción del arte puro por medio del arte aplicado. El espíritu de esta vanguardia se introdujo en la sociedad a través de la arquitectura, el diseño gráfico y el industria elevando los objetos cotidianos al nivel del

arte. Los principios del grupo De Stijl influyeron el desarrollo posterior de las artes decorativas y la arquitectura, campo en el que este estilo se desarrolló en forma de edificios compuestos por planos horizontales y verticales de líneas austeras, relacionados con el cubismo. Por esta razón, y para analizar el movimeinto artístico al completo, abarcaremos el desarrollo desde tres puntos de vista distintos: la pintura, la aquitectura y el diseño.

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Neoplasticismo: pintura Piet Mondrian Pintor vanguardista holandés, que evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción. Nació en una familia calvinista. Desde 1892 hasta 1907 estudió en la Academia Estatal de Ámsterdam. Comenzó su carrera como maestro, pero mientras enseñaba también practicaba la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período es naturalista o impresionista, siendo en gran parte paisajes. Sus teorías sobre la abstracción y la simplicidad no sólo alteraron el curso de la pintura, sino que tuvieron una profunda influencia en la arquitectura, el diseño industrial y las artes gráficas.Su padre, un maestro de creencias calvinistas querrá que su hijo siga sus pasos como maestro pero él decide dejar la docencia como profesor de dibujo para dedicarse plenamente a su vocación como pintor. Para ello ingresará en 1892 en la Rijksakademie de Amsterdam, allí se mostrará bastante ajeno a los movimientos modernos de la época. En sus primeras obras se

decanta por la pintura naturalista, poco a poco y tomando 1909 Mondrian se une a la Sociedad Teosófica como una reacción contra la educación calvinista que había recibido en su casa.En 1911 marchará a París donde seguirá al movimiento cubista, aunque enseguida se dará cuenta que este

movimiento no puede dar respuesta a su arte. Es en este momento cuando partiendo de un punto de vista naturalista comienza a abstraer las formas hasta que se hacer prácticamente irreconocibles, como sucede en su obra “Árbol” de 1912. Regresa a Holanda en 1914 y debido a la Primera Guerra Mundial no puede volver a París. Allí continúa trabajando en la simplificación de las formas hasta que éstas quedan reducidas a líneas verticales y horizontales en negro. Detrás de esta simplificación de las formas estarán sus creencias teosóficas que daban gran importancia a la geometría, otorgando al ángulo recto un significado místico en el que la vertical sería el principio masculino y la horizontal el femenino. A partir de 1917 empieza a experimentar con el color y las formas cuadradas y rectangulares, así poco a poco irá perfeccionando la técnica. Tras varias experimentaciones sustituirá la simetría inicial por la asimetría introduciendo rectángulos de varios

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tamaños y reduciendoel color a los tres primarios (azul, rojo y amarillo) y a los tres no colores (blanco, negro y gris). Detrás de la utilización de los colores primarios en sus obras estará también la teosofía. Pronto comenzarán los problemas entre Mondrian y los otros miembros del grupo ya que mientras Mondrian pensará en la pintura como la base principal del grupo por su adelanto con respecto a otras técnicas para los demás será solamente un elemento más en la transformación del arte. En 1925 abandonará De Stijl y poco a poco irá afianzándose como un pintor de fama que será invitado a participar en diversas exposiciones. A su vez se unirá a otros grupos artísticos como Abstracción et Création. En 1938 se trasladará a Londres donde permanecerá hasta 1940. Debido a los numerosos bombardeos en la ciudad se trasladará a Nueva York donde su pintura dará un giro influenciada por el movimiento de la ciudad, así las formas estáticas darán paso a composiciones

mucho más rítmicas cuyos títulos ejemplifican muy bien el cambio “Broadway Boogie-Woogie” y “Victory Boogie-Woogie”.

Bart Van der Leck El paso del artista holandés Bart Van der Leck por el grupo De Stijl, aunque efímero, fue significativo en el desarrollo del movimiento neoplástico. Su concepción pictórica geométrica y sustancialmente su paleta de colores, ejercieron un influjo determinante en la obra pictórica de Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, que posteriormente se trasladó a todas las actividades artísticas del grupo. Nacido en Utrecht en 1876, Bart Van der Leck se dedicó a la pintura desde su infancia. En 1905 realizó su primera actividad destacada colaborando con Piet Klaarhamer en la ilustración de libros. A medida que progresa en su pintura, las formas plásticas de su obra sufren un proceso de apla-

namiento en busca de la compresión pictórica. Paralelamente, el uso de una paleta reducida a los colores primarios aleja la obra de Van der Leck de cualquier referencia conocida, dando vida a un estilo propio que transita lentamente desde lo figurativo hacia la abstracción. Van der Leck era diseñador gráfico, un hecho que trascendió en su pintura plasmada en colores planos contenidos entre franjas negras que organizaban el espacio. Ese mismo año conoce a Piet Mondrian, con quien traba una sólida amistad. En esos años Mondrian había limitado su paleta de colores a los rosas, ocres y azules, pero a partir de su contacto con Van der Leck decide utilizar una paleta restringida únicamente a los colores primarios, complementados con negro, gris y blanco. Por iniciativa de Mondrian, Van Doesburg toma contacto epistolar con Van der Leck y le solicita fotografías de sus obras para darlas a conocer en una publicación. Sin embargo Van der Leck prefiere que tenga con-

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tacto directo con sus pinturas y lo invita a recorrer la exposición que realiza en la galería Kröller- Muller. Van Doesburg queda gratamente sorprendido al ver su obra, que define como una “aplicación pura y madura de los principios del arte plástico”. A partir de esta visita su trabajo también adopta colores primarios y formas regulares.Cuando en 1917 Van Doesburg decide editar la revista De Stijl, concluye que la obra más clara a los fines neoplásticos es la pintura de Van der Leck. Invitado a participar, Van der Leck escribe un artículo para el primer número de la revista. Sus ideas referidas la relación entre la arquitectura y la pintura diferían considerablemente con las de Van Doesburg. Tampoco adhería a la pintura no figurativa ni a la rígida geometría. Las teorías elaboradas por Van Doesburg y Mondrian para De Stijl no estaban dentro de su concepción pictórica. La negativa de Van der Leck a firmar el primer manifiesto fué considerada por el resto del grupo como una se-

paración prematura. Para disipar estas sospechas, escribe a Van Doesburg: “En lo que a mi refiere, no hay nada de alejamiento de De Stijl, y le ruego que considere mi negativa a firmar como un hecho aislado.” No obstante, su alejamiento del grupo fue consumado a partir de ese momento. Volvió al realismo, imprimiendo un estilo que inicio en 1918 con “el Jinete” y lo acompañara hasta su muerte acontecida en 1958. A pesar del escaso tiempo en que participo del grupo, Van der Leck trazó una huella indeleble en el desarrollo de De Stijl. La

paleta de colores primarios, el carácter geométrico y la planitud espacial, son resultado directo de su influjo sobre el resto de los artistas del grupo De Stijl. La serie cromática se revalida en la pintura de Mondrian, Van Doesburg y Vilmos Huzar. En la arquitectura de Oud, Rietveld y Van Eesteren. En la obra plástica de Vantongerloo y Domela. En el mobiliario de Rietveld. Bart Van Der Leck, el artista de paso fugaz por el movimiento neoplástico, dejo su marca en una paleta de colores que se transformó en el sello distintivo del grupo De Stijl.

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Neoplasticismo: arquitectura Theo Van Doesburg Theo Van Doesburg desarrolló el Neoplasticismo en muchas de sus principales vertientes como la pintura pero en este apartado nos interesa centrarnos en las ideas en cuanto a la arquitectura, las cuales son la base y tendencia de este movimiento neoplasticista. En cuanto a la forma: La abolición de todo concepto de forma en el sentido de un tipo preestablecidotiene una importancia esencial para el sano desarrollo de la arquitectura y el arte engeneral. En vez de utilizar e imitar estilos anteriores como modelos, se debe plantear completamente de nuevo el problema de la arquitectura. La nueva arquitectura es elemental, es decir, se desarrolla a partir de los elementos de la construcción en el sentido más amplio. Estos elementos — como función, masa, superficie, tiempo, espacio, luz, color, material, etc. — son plásticos. La nueva arquitecpendiosa posible y no despilfarra estos medios ni tura es económica, es decir, emplea sus medios el material. La nueva arquitectura es funcional, es elementales de la forma más eficaz y menos disdecir, se desarrolla a partir de una exacta determi-

nación de las exigencias prácticas, que establece en esquemas claros. La nueva arquitectura es informe aunque exactamente definida, es decir, que no está sometida a ningún tipo de forma estética establecida. No posee ningún molde (como los de los pasteleros) para elaborar las superficies funcionales resultantes de exigencias prácticas, vivas. Ese espacio funcional está dividido estrictamente en superficies rectangulares, que no poseen ninguna individualidad por sí mismas. Aun cuando cada una está definida en función de las demás, pueden concebirse como si se extendieran hasta el infinito. Constituyen, por tanto, un sistema coordinado, en el cual todos los puntos corresponden a un número igual de puntos en el universo. De ello se desprende que las superficies tienen una relación directa con el espacio infinito. La nueva arquitectura ha independizado el concepto de monumental de lo grande y lo pequeño (puesto que la palabra «monumental» está dete-

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riorada, se sustituye por la palabra «plástico»). Ha demostrado que todo existe sobre la base de las interdependencias de relaciones. La nueva arquitectura no posee ningún factor pasivo. Ha superado la abertura (en la pared). La ventana con su abertura desempeña un papel activo en oposición al cerramiento de la superficie de los muros. En ninguna parte aparece una abertura o un vano en primer plano, todo está rigurosamente determinado por contraste. Compárense las diversas contra construcciones en las cuales los elementos de que consta la arquitectura (superficie, línea y masa) se hallan libremente situados en una relación tridimensional. La planta: La nueva arquitectura ha abierto las paredes y ha eliminado así la división entre el interior y el exterior. Las paredes han dejado de ser portantes, sólo son puntos de apoyo suplementarios. El resultado es una planta nueva, abierta, completamente distinta de la clásica, pues el

interior y el exterior se interpenetran. La nueva arquitectura es abierta. El conjunto está formado por un espacio dividido de acuerdo con las diversas exigencias funcionales. En la próxima fase de desarrollo de la arquitectura, la planta debe desaparecer por completo. La composición bidimensional del espacio, que se establece en esa planta, se sustituirá por un cálculo exacto de la construcción — un cálculo mediante el cual la capacidad de carga quedará limitada a los puntos de apoyo más simples, pero también más resistentes. Espacio y tiempo: La nueva arquitectura tiene en cuenta no sólo el espacio, sino también la magnitud tiempo. A través de la unidad de espacio y tiempo el exterior arquitectónico adquirirá un aspecto nuevo y completamente plástico. La nueva arquitectura es anticúbica, es decir, no trata de combinar todas las células espaciales funcionales en un cubo cerrado, sino que proyecta las células espaciales funcionales (así como las superficies

que las cubren, balcones, etc.) centrífugamente desde el centro del cubo. De este modo la altura, la longitud y la profundidad más el tiempo adquieren una expresión plástica completamente nueva en espacios abiertos. De esta manera, la arquitectura logra un aspecto más o menos fluctuante

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(corresponde al ingeniero saber hasta qué punto ello es posible desde el punto de vista constructivo), que contrarresta por así decirlo la fuerza de gravedad de la naturaleza. Simetría y repetición: La nueva arquitectura ha eliminado tanto la monótona repetición como la rígida regularidad de las dos mitades — la imagen en el espejo, la simetría —. Un bloque de casas es un conjunto en el mismo sentido que lo es la casa individual. Las leyes que son válidas para la casa individual, también lo son para el bloque de viviendas y para la ciudad. En vez de simetría, la nueva arquitectura ofrece una relación equilibrada entre partes dispares, es decir, de partes que se diferencian unas de otras por su posición, dimensiones, proporción y situación, en virtud de sus peculiaridades funcionales. La equivalencia de estas partes se basa en el equilibrio de su desigualdad y no en su igualdad. Además, la nueva arquitectura ha convertido las partes delantera,

trasera, derecha, superior e inferior en factores de igual valor. Color: La nueva arquitectura ha abolido la pintura como expresión separada e imaginaria de armonía. La nueva arquitectura admite el uso orgánico del color, como medio directo de expresión de sus relaciones en el espacio y el tiempo. Sin color, estas relaciones no son reales, sino invisibles. El equilibrio de las relaciones orgánicas sólo adquiere realidad visible por medio del color. La tarea del pintor moderno consiste en crear con ayuda del color un conjunto armónico en el nuevo campo espaciotemporal de cuatro dimensiones, y no una superficie de dos dimensiones. En una posterior fase de desarrollo el color también se podrá sustituir por un material desnaturalizado que tenga su propio color específico (problema para el químico), pero sólo en el caso de que exigencias prácticas requieran este material. La nueva arquitectura es antidecorativa. El color (y esto es

algo que los temerosos del mismo deben tratar de comprender) no es una parte decorativa de la arquitectura, sino un medio orgánico de expresión suyo. La arquitectura como síntesis del neoplasticismo. La construcción es una parte de la nueva arquitectura que, al reunir todas las artes en sus manifestaciones más elementales, revela su verdadera esencia. Dado que la nueva arquitectura no admite imágenes de ningún género (como pinturas o esculturas como elementos separados), su propósito de crear un conjunto armónico con todos los medios esenciales es evidente desde el principio. De este modo, todo elemento arquitectónico contribuye a que se alcance un máximo de expresión plástica sobre una base práctica y lógica, sin que por ello se descuiden las exigencias prácticas.

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Neoplasticismo: diseño Gerrit Rietveld Diseñador holandés. En 1911 abrió un taller de carpintería especializado en muebles. De 19171918 es su butaca “roja-azul”, basada en la descomposición en elementos geométricos y combinaciones de colores primarios. En 1919 se adhirió a De Stijl, del que sería una de sus figuras más representativas. En 1921 inició su colaboración con el decorador T. SchroederSchräder (Casa Schroeder, Utrecht). A pesar de seguir vinculado al neoplasticismo hasta 1931, se acercó al racionalismo arquitectónico (Penaat, Tongeren). Entre sus últimas obras destacan el pabellón holandés para la Bienal de Venecia y el Museo Van Gogh (Amsterdam). Volviendo a la “Silla Roja y Azul”, fue diseñada en 1917, una de los primeros experimentos del grupo De Stijl en el ámbito tridimensional. Se compone de un expresivo juego de líneas rectas y planos pero donde cada uno mantiene su propia identidad. Ambos producen formas que se apropian del espacio. Rietveld creía que la forma

siempre prevalece sobre el material. Se utiliza un esquema muy claro de colores: rojo, azul, amarillo y negro (los colores del movimiento De Stijl). La silla es abstracta y austeramente objetiva aunque con marcado carácter propio. Presenta un equilibrio dinámico por la oposición de negros y amarillos (sobriedad frente a vibración y movimiento). El brillo lacado del negro añade cierta animación y profundidad, algo que siempre ha faltado en los diseños bidimensionales de De Stijl. No pretende ser una silla cómoda, sino que se trata de una reflexión personal del autor. Rietveld sentía que su usuario podía tonificarse física y mentalmente a través de su utilización (la silla no debería usarse como retiro, sino como conexión, ya que el aislamiento no conduce a una solución). También es un exponente de que se puede generar un diseño atractivo sin recurrir a técnicas industriales complejas.

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Diseño Gráfico Rietvel tiene otros diseños al estilo neoplasticista como la lámpara compuesta por tres lámparas tubulares rematadas con enchufes de madera y suspendida de 6 tubos acrílicos. De nuevo, Rietveld experimenta con líneas que seapropian del espacio.

En cuanto a la relación con el diseño gráfico, se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia. Ésta es una vanguardia, y las vanguardias son fenómenos sociales y estéticos, que tienen que ver con lo nuevo, lo original y lo innovador, así que se aplica, como en este caso, al diseño gráfico. El movimiento constructivista nació por gran influencia del cubismo en artistas como Vladimir Tatlin, que regresó a Rusia después de conocer la obra de Pablo Picasso o Juan Gris. Aunque este movimiento fue breve, tuvo una importante influencia en el diseño gráfico. Basado en unas composiciones construidas a partir de rayos de luz que se cruzan y se disuelven en motivos que cambian constantemente, es el rayonismo un importante foco de teoría artística al fundir en sus lienzos una estructura fundamentalmente cubista, con un sentido del movimiento propiamente futurista, siendo el con junto de la obra totalmente abstracto al romper el

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tema en haces de líneas sesgadas. El movimiento tuvo una vida corta, por lo que no llegó a crear escuela. El constructivismo aplicado al diseño gráfico logró gran aceptación dentro y fuera de Rusia. Son muchas las características relacionadas con este movimiento. Alguna de ellas son comunes con otras vanguardias como el Cubismo, el Futurismo, el Suprematismo y el Dadaísmo. Se inspiraban en la producción técnica desde un punto de vista estético. Abandonaron el ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos: diseño de carteles, de moda, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones. El movimiento se orientó hacia fines más utilitarios, defendiendo el concepto del artista ingeniero y la función de resolver necesidades sociales.

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Conclusiones A pesar de que este movimiento o tendencia artística no fuera muy extensa en el tiempo, podemos decir que el Neoplasticismo jugó un papel muy importante en la historia del arte. Se comportó como el resultado final de muchos estudios sobre la reducción del todo a la máxima simpleza, algo que desde años anteriores a la primera publicacion de la revista De Stijl, se estaba intentando conseguir. De esta manera, y teniendo a Piet Mondrian como artista protagonista, se consiguió reducir la naturaleza de las cosas y la propia naturaleza, desvirtuándola, a líenas horizontales, verticales y colores tontalmente primarios como el rojo, el amarillo y el azul, separaándolos entre sí con espacios en blanco y simples líneas gruesas negras. Tal importancia tuvo el movimiento que afectó a todos lo campos que se estudian dentro de la historia del arte e incluso llegó a hablarse de un neoplasticismo literario. Podemos apreciar este movimiento en pintura, arquitectura, la escultura, diseño de interiores, producto y gráfico y como hemos dicho, hasta en literatura. Unos cuantos nombres de artistas que se movieron como pez en el agua dentro de este movimiento han quedado para ser centro de estudio de la corriente del neoplasticismo como Theo Van Doesburg (como pintor, arquitecto y diseñador), Georges Vantongerloo en la escultura junto a Gerrit Rietveld (quien también hizo algo en diseño gráfico como hemos visto anteriormente).

El hecho que hizo famoso este movimiento fue la publicación de la revista De Stijl. Fue en ella donde todos estos artistas plasmaron sus ideas y publicaron sus obras y de esta manera se dieron a conocer. En definitiva, el padre del Neoplasticismo es Piet Mondrian. Han sido sus obras clasificadas como neoplasticistas las que hasta en la actualidad se siguen reconociendo por toda la sociedad. Tanto es asi que ha dejado sus huellas en la publicidad y en el arte comercial. Para finalizar y a modo de curiosidad, podemos observar algunas marcas actuales que han sabido aprovechar los conceptos de Mondrian como la gama de productos de Loreal Studio en su packaging o Tommy Hilfiguer en su imagen corporativa.

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Bibliografía - ANGULO, Diego. Historia del arte. “II Tomo”. Ed. Raycar - BAX, Marty. Complete Mondrian. Ed. LH - FARTHING, Stephen. Arte, toda la historia. Ed. Blume - GOMBRICH, H.H. La historia del arte. Ed. Debate - MILLER, John. Mondrian. Ed. Phaidon