Manual Del Dj

MANUAL COMPLETO DEL DJ Por: DJ’JORMI Email: [email protected] Año: 2003 Índice de contenidos: 1. Introducción 2. Historia del Dance 3. Tipos de música Dance 3.1. Dance 3.2. House 3.3. Trance o progressive 3.4. Techno 4. Versiones de un disco 5. El vinilo y el cd 6. El equipo para mezclar 6.1. El reproductor de cd 6.2. El reproductor de vinilo 6.3. Mesa de mezclas 7. Tipos de mezclas (estructura y mezclas) 8. El tempo 9. El trubabilist o scratching 10. Proceso de grabación de un vinilo 11. Pinchar con el ordenador 12. Montaje analógico y digital 12.1. Analógico 12.2. Digital 13. Trucos para mezclar 14. Final scracth 15. Créditos 1. Introducción Este manual abarca todo lo relacionado con la música dance, estilos, los djs como mezclar. 2. Historia del dance Para empezar este manual tenemos que saber como se origino la música Dance. La música dance actual es el resultado de la evolución de otros estilos a lo largo del tiempo. Personalmente creo que el Dance empezó en los comienzos de la humanidad, cuando a alguien se le ocurrió inventar el tam-tam y se empezó a bailar al ritmo de ese, y otros instrumentos, que fueron apareciendo. Desde entonces la música sufre un proceso de constante evolución y surgen gran cantidad de manifestaciones musicales: música clásica, Jazz, Rock, etc... La aparición de nuevas tecnologías va a ser uno de los pilares fundamentales para la creación de la música de baile actual, que nace a finales de los años 70 La música dance nace gracias a la evolución del sonido negro americano el Rhythm & Blues y el Soul. Uno de los artistas que contribuyó al desarrollo del "dance" fue sin duda James Brown. Películas corno "Fiebre del Sábado noche" o "Por fin es Viernes" nos mostraron por primera vez una discoteca y una cabina de DJ . A finales de los años 70 la Psicodélica y el Funky se adueñaron de las pistas de baile.

Artistas como Earth, Wind & FIRE, The Jacksons, Donna Summer, y muchos otros llenaban las discotecas de todo el mundo con su música. Por otra parte, desde Alemania, cuatro universitarios llamados Kraftwerk creaban las bases de lo que sería el sonido Techno, llegando incluso a fabricarse sus propios instrumentos. A principios de los 80, gracias a la labor de gente como Sugarhill Gang y Afrika Bambaataa, el Rap se convirtió en estandarte de la juventud. El fenómeno del “Breakdance” fue sin duda lo que propició la fusión entre el Rap y los sintetizadores, creando así un sonido más comercial que se podía "pinchar" en cualquier sesión. Paralelamente a este hecho, productores como Bobby O' y Patrick Cowley transformaron el sonido Disco en High Energy, acelerando así el ritmo de la música de baile. Por su parte, los músicos que tomaron el camino de Kraftwerk crearon un sonido llamado Techno Pop. Este nuevo estilo combinaba las letras románticas con el sintetizador y el resultado fue muy positivo. Formaciones como Yazzo o Depeche Mode se convirtieron en ídolos para la juventud, gracias al buen hacer de uno de los mejores músicos de los 80, Vince Clarke. En 1983 desde Italia se creo un nuevo estilo: el Italo-Disco, también conocido como Spaghetti. Las bases de esta nueva creación fueron el High Energy y el Techno Pop. Durante cuatro años el Spaghetti llenó las pistas de países como Alemania, Holanda y España. Dos de los artistas más importantes dentro del Italo-Disco son Ryan París, que con su "Dolce Vita" vendió en España 500.000 discos y Den Harrow, que se mantuvo durante varios años como máximo exponente de este estilo. En Estados Unidos Madonna se convirtió en "Reina del Pop", haciendo extensivo su éxito al resto del planeta. Sus canciones eran una mezcla de música Disco y Pop. Precisamente esa fue la línea que siguieron muchos artistas en aquella época, aunque otros, como Michael Jackson, preferían mezclar el Funky con el Pop. Por lo que respecta al Reino Unido las producciones Techno Pop de Erasure, Depeche Mode o Eurythmics, alcanzaron las cotas más altas en las listas de éxitos, y lógicamente el resto del planeta también bailó sus discos. y les gustaba mucho a la gente de la época. En 1986 el sonido Spaghetti dejó de ser el centro de atención para los DJ Europeos. Desde Estados Unidos en primer lugar, y desde Gran Bretaña más directamente, Europa sucumbió bajo el poder del House. Este nuevo estilo tenía sus raíces en la música Disco y tomó su nombre en Chicago. El House se convirtió en el primer estilo musical que reflejaba al dj como centro de atención. Las actuaciones de Frankie Knuckles que combinaban el sonido electrónico con el ritmo Disco y la calidad vocal del Soul, fueron el punto de partida para la consolidación del House, en general. Contrariamente a lo que se cree el House no tomó su nombre debido a que era música "hecha en casa" por djs. El verdadero motivo fue que Frankie Knuckles, el responsable de este estilo pinchaba en un local llamado The Warehouse. Gracias a la labor de Ralphi Rosario (rey del House Latino); Mike "Hitman" Wilson y Marshall Jefferson entre otros, la "fiebre housera" se expandio al Reino Unido, donde artistas como Bomb the Bass; M.a.r.r.s. y muchos otros, transportaron el nuevo estilo al resto del continente con la típica etiqueta de "N0 1 en U.K.". Desde Estados Unidos Todd Terry se convirtió en "rey del house" con impresionantes producciones y remezclas. Una vez consolidado, el House empezó a evolucionar a finales de los 80 desembocando en nuevos estilos como el Hip House de Dj Fast Eddie; el Italo-House de Black Box o el Flamenco-House de Raúl Orellana, aunque la creación del Acid-House fue la más revolucionaria. El disco "Acid Trax" de Phuture inició la nueva era para el sonido House. La repercusión del nuevo estilo fue tal que se creó la moda Acid. El logotipo del "Smiley" y el pañuelo en la cabeza eran dos de los símbolos más claros de los "Add-men". Uno de los temas más

representativos del estilo fue "We call it acieeed" de D-Mob. Este disco, que incluía uno de los gritos más "sampleados" por los productores de la época, estuvo prohibido durante unos meses en las emisoras del Reino Unido. A nivel comercial hay que destacar la labor de los británicos Stock, Aitken & Waterman, sus producciones para Rick Astley; Kylie Minogue y otros artistas, fueron número uno en medio mundo y marcaron la pauta de la música comercial. Por otro lado, gente como Nitzer Ebb fusionó el Techno Pop con el Hard Rock, creando así el Sonido Industrial. Este estilo tomó su nombre porqué los instrumentos que se utilizaban en los temas tenían un sonido metálico y muy contundente, como si se estuviese golpeando con un martillo en una fábrica. La moda Acid se extinguió muy rápidamente, en tan solo un año. Ibiza, la isla innovadora por excelencia, acogió al New Beat como sonido de moda. Este estilo tenía sus raíces en el Sonido Industrial, pero conservaba parte de la esencia Acid. Dos de las características más importantes del New Beat eran la denominación de origen. Principalmente llegaba desde Bélgica, y la velocidad rítmica de tos temas que era bastante lenta. Junto a "Sound of C", de Confetti´s, el tema de Amnesia, "Ibiza", se convirtió en el disco por excelencia de 1989, el año del New Beat. El nuevo sonido comercial europeo recibió el lógico nombre de Euro-Beat. El bombardeo de producciones era constante, Ice M.C. desde Italia, M.C. Sar & The Real Mc Coy desde Alemania, etc. Mientras estos artistas vendían muchos discos, grupos como Front 242 apostaban por el Sonido Industrial y se convertían en ídolos para el público que no le gustaba la música comercial. El radicalismo y el culto al Techno Pop de Krafwerk crearon un nuevo estilo que en España se denominó Máquina. El resto del mundo continuó llamando Techno esta fusión entre el New Beat, el Techno Pop y el Sonido Industrial. De nuevo los djs se convirtieron en productores y crearon su propia música. Gente como Interactive, LA. Style, Quadrophonia, y muchos mas, llevaron la Máquina a lo más alto de las listas de "dance". En nuestro país, Valencia se convirtió en "Capital del Bakalao", llevando la iniciativa musical con artistas como Megabeat o Chimo. La música dance continua evolucionando, como puedes observar una canción de 1997 no es igual a una del 2003. 3. Tipos de música dance Antes de nada conviene tener claros algunos conceptos. DANCE es el nombre genérico que recibe la música de discoteca, aunque también es uno de sus estilos. Es como decir música clásica (Dance) como estilo general y luego dentro de la música clásica está la música barroca, la romántica, etc. (House, Techno,...) "Existen muchos estilos y variantes en la música dance, aunque se podría decir que hay cuatro estilos genéricos entre los cuales se puede encajar casi cualquier canción". La principal característica de todas las canciones de música Dance frente a las de otros estilos es el ritmo. No puede faltar el bombo, que suena al principio de cada uno de los 4 tiempos de cada compás 4/4, y los platillos, que suenan en medio de cada bombo a contrarritmo. A partir de ahí los instrumentos, las melodías, los ritmos e incluso las voces son muy diferentes dependiendo de cada estilo.

Existen muchos estilos y variantes, aunque se podría decir que hay cuatro estilos genéricos entre los cuales se puede encajar casi cualquier canción aproximadamente. Y decimos aproximadamente porque al haber muchos estilos podemos estar encasillando un tema en un estilo y estar equivocándonos. Hay que tener en cuenta que también hay estilos resultantes de la fusión de los que os vamos a enseñar, y que una canción cualquiera puede tener características de dos o más estilos. Por ejemplo, canciones como "Take my heart" de Consilio o "Move your body" de Eiffel 65 tienen características del Dance y características del House, y en realidad son de un estilo diferente a ambos: el Europop, que se podría englobar dentro del Dance. Los 4 estilos genéricos que hay son: Dance, House, Trance y Techno. Dentro de cada estilo hay muchas variantes, y por ello es un poco más complicado distinguirlas, así que sólo explicaremos las más importantes o diferentes. Antes de continuar cabe indicar, para los que no lo sepan, que cuando se dice el nombre de una canción, normalmente se pone primero el nombre o el seudónimo de quien la ha hecho y después el título, aunque en el mundo de los dj's muchas veces coloquialmente sólo se las llama por el seudónimo de quien las ha hecho, no por el título. 3.1 Dance Es un estilo cantado y comercial, que suele tener una melodía sencilla pero pegadiza, manteniendo los vocales como principal base de la canción. Las canciones suelen tener una velocidad entre 130 y 140 BPM (bombos por minuto, indica el número de bombos o golpes que hay en cada minuto de la canción). Esto no quiere decir que TODAS tengan una velocidad entre ese intervalo. Hay canciones Dance de 125 hasta 145 BPM. Allá por el '95 las había más rápidas, llegando hasta la velocidad del Techno (unos 160 BPM), pero en general ha disminuido la velocidad. Ejemplos de canciones Dance son: • Crispy - "I like" • Radiorama - "One more time" • Gitta - "No more turning back" También hay un estilo que triunfó principalmente en ambientes muy comerciales. Hablamos del Europop, que aunque ya existía desde hacía algún tiempo, fue popularizado por Eiffel 65 en el verano de 1999 con su primer tema, "Blue (Da ba dee)", que arrasó en toda Europa. A la vez, Eiffel 65 fue quien puso ese nombre al estilo, según ellos porque es euro-popular (nada que ver con la música pop). Es más lento que el Dance normal, y además combina ciertas características del House que han conseguido que este estilo guste a todo tipo de público, incluso a aquellos a los que no les gusta el resto de estilos de música dance en general. 3.2 House También puede ser cantado, pero la principal característica que lo diferencia del resto de los estilos es que es más rítmico, esto es, que el ritmo cobra mayor importancia que la melodía o la letra. Esto no quiere decir que no pueda tener melodía, pero suele ser una melodía sencilla y corta que se repite. Las canciones suelen ir un poco más lentas que en el Dance, entre 125 y 135 BPM, aunque hay algunas que pueden ir un poco más rápidas. Es la música que más se pone en las discotecas de Ibiza. Es una música con mucho feelin'. 3.3 Trance o progressive Aunque aquí, en España, erróneamente se le conoce como Progressive, su verdadero nombre es Trance. Es un estilo muy melódico en el que abundan los riffs (secuencia de varias notas que se repite a gran velocidad) acompañando a los

instrumentos principales que tocan una melodía con lo que se crea un ambiente muy rallante (por algo se llama Trance). Las canciones van entre 135 y 145 BPM, a una velocidad similar a la del Dance, por lo que se pueden combinar en la misma sesión. Este es el estilo que más está triunfando en Europa, y ha llegado a superar al House. Temas Trance son: • Adamski products inc. - "In the city 2001" • Airheadz - "Stanley" • M-Shape - "Cloudless sky" Hay una variante, el Eurotrance, que tiene una melodía Trance y además una parte en la que se canta. De hecho, lo más característico del Eurotrance es que los temas tienen un paradón en el que canta una chica y después suena una melodía. Ejemplos de esta variante son: • Chummy DJ presents Limite four - "Stop living my life" • Head horny's & Miguel Serna - "In my dreams" • Kate Ryan - "Scream for more" 3.4 Techno Este es un estilo más duro y rápido. Las canciones van entre 150 y 170 BPM, por lo que la diferencia de velocidad es tan grande que generalmente no se puede pinchar con ninguno de los estilos anteriores a menos que se haga a lo bestia. Suelen tener alguna melodía con sonidos muy sintéticos (todos los sonidos en música Dance suelen ser sintéticos, incluso los pianos o las guitarras, excepto las voces, por supuesto, pero normalmente no resultan duros). Hay una variante, la Mákina, que es como el Techno pero no tiene melodía sino una serie de sonidos sintéticos duros y repetitivos, aunque suelen tener varias notas. En la Mákina lo más importante es el ritmo, y por tanto cómo se combinan esos sonidos. En la Mákina se utilizan más los sonidos sintéticos que en el House, en el cual cobran más importancia las percusiones. Las canciones Techno suelen tener partes con melodía y otras puramente makineras. Las palmas o claps suelen sonar en cada bombo, y no alternando un bombo no y el otro sí como pasa en casi todos los demás estilos. También se le llama Mákina catalana al Techno. Hay otro estilo que podríamos englobar dentro del Techno aunque sea independiente. Es el Jumper, más abundante en países como Bélgica o Alemania. Se caracteriza sobretodo por el bombo que tiene, que es más largo y parece que resuene, y porque las canciones van más lentas. Por ejemplo, Da Rick - "Bill and Monica" o todas las de Da Tekno Warriors son temas Jumper. El siguiente paso, el Hardcore, va más rápido aún que la Mákina, y el bombo está muy distorsionado. El tema más famoso, y que podríamos decir que fue el que lo popularizó fue el: The stunned guys & DJ Paul - "Thrillseeka". Otro estilo que podríamos englobar dentro del Techno es el Hard-house, que es un término medio entre la máquina y el house, tomando melodías más bien makineras pero no tan duras y más lentas, a la velocidad del Dance y el Eurotrance. Suelen tener un bajo característico. Como ejemplo podemos citar: • Alex K - U got it • Bad habit boys - "Rock ya" • Futura - "You got a girl" • Klubbheads - "Turn up the bass" Ahora ya conoces los estilos genéricos que hay actualmente. Esto no quiere decir que sean los únicos que ha habido, porque hay otros como el Dream, en el que predominaban el piano y las cuerdas, que ya han desparecido prácticamente por suerte o por desgracia. 4. Versiones de un disco

Para grabar un disco se utilizan diferentes pistas en las cuales se graban por separado los diferente instrumentos y voces de manera sincronizada. Una vez grabadas todas las pistas se realiza la mezcla final, que consiste en calibrar cada una de las pistas en cuanto a volumen, ecualización y efectos se refiere. Esta mezcla final se puede realizar de varias formas diferentes: Radio Version ó Álbum Version: Comúnmente denominado 7 pulgadas por el tamaño que tienen estos disco de vinilo. Esta mezcla esta pensada para ser utilizada de modo promocional en las emisoras de radio o también para ser incluida en el álbum. Es una mezcla compacta reduciendo el tiempo de las distintas partes instrumentales del disco. La duración total de esta mezcla no supera los 4 ó 5 minutos. Maxi-single: También denominado 12 pulgadas por el tamaño que tienen estos discos de vinilo. Es la mezcla pensada para el discjockey ya que ofrece multitud de posibilidades para una mezcla limpia con otro maxi-single al incluir partes instrumentales y breaks. La calidad del sonido también es mejorada ya que en la mezcla final se retocan el volumen y la ecualización para obtener un sonido lo más realzado y nítido posible. Instrumental Version: Es la mezcla donde se anula la pista de voz. En algunos discos podemos encontrar que algún instrumento suple la voz. Dub Mix: Es una versión instrumental con pequeños fragmentos de voz que van apareciendo esporádicamente añadiéndoles diferentes efectos. (eco, vocoder, delay). Club Mix: Es la versión creada para la discoteca ya que incluye varios breaks centrales pensados para facilitar la mezcla. Es una nueva grabación que alarga la versión original incluyendo fragmentos inéditos. Acapella: Se anulan todas las pistas excepto la de la voz. Bonus Beat: Se anulan todas las pistas excepto la de percusión. Remix: Se mezclan las diferentes versiones de un disco consiguiendo una mezcla totalmente nueva. 5. EL vinilo y el cd Si crees que el vinilo ha muerto debes saber que estás muy equivocado, pues la gran mayoría de las discotecas prefieren el vinilo antes que el CD. Eso no quiere decir que el CD no se utilice en las discotecas, por supuesto que sí, pero como una fuente de sonido secundaria. Tanto el vinilo como el CD tienen sus ventajas uno respecto al otro, que analizaremos a continuación, al igual que sus inconvenientes, pero el hecho es que si pretendes ser DJ y pinchar algún día en una discoteca, el vinilo debería ser tu mejor opción, y si símplemente quieres pinchar porque te gusta y tus espectativas se limitan a hacer cintas a los amigos, el CD es, en general, el más adecuado. Veamos por qué. El disco compacto o CD es un soporte de sonido en el que se graba digitalmente. Esto quiere decir que el sonido no pierde calidad aunque pase el tiempo siempre y cuando, claro está, el disco compacto esté bien cuidado y no tenga rayas ni arañazos. Así mismo, proporciona una calidad de sonido superior a la del vinilo. En teoría, el vinilo tiene más calidad que el CD al ser un formato analógico, pero las partículas de polvo que se acumulan en los surcos del vinilo por muy limpio

que esté producen una serie de sonidos llamados "clicks", que resultan molestos y su acumulación produce un chisporroteo, con lo que al final se pierde calidad. La mayor durabilidad de la calidad del sonido en CD es su principal ventaja respecto al vinilo. Sin embargo, existe otra ventaja evidente: Los CD's se pueden copiar, y aunque es algo ilegal que no se debería hacer, todos tenemos CD's piratas que nos grabamos de los amigos, con lo cual sale mucho más barato tener una colección de música en CD's con la que ponernos a pinchar. Al mismo tiempo, los recopilatorios nos ofrecen muchas canciones y salen mucho más baratos que si comprásemos los maxi-cd's sueltos. Pero incluso los mismos maxi-cd's son más baratos que sus equivalentes en vinilo, los maxisingles. Sin embargo, aunque los soportes de CD salgan más baratos, un reproductor de CD's doble es generalmente más caro que dos platos de polea. Por ello, la inversión inicial para un dj aficionado que quiera pinchar con vinilo es menor que la del que quiera pinchar con CD's, lo cual vendrá bien para el que no disponga del dinero suficiente al principio. El vinilo tiene otra ventaja respecto al CD, y mucho más importante. Pinchar con platos resulta muchísimo más intuitivo que pinchar con cd, probablemente porque se tiene un mayor control sobre el avance de la música. A esto se une el hecho de que en un disco podemos identificar cada parte de la canción y saber más o menos qué viene a continuación sin haber escuchado el disco antes, sólo con mirar los surcos del vinilo. La luz del plato que ilumina el disco está por esto. Y es que dependiendo de cómo sea el reflejo en el disco podemos saber si hay sonidos más graves o más agudos, lo cual coincide casi siempre con las partes más tranquilas y las partes más movidas de una canción respectivamente. Además, los platos buenos tienen mayor precisión en el pitch que los reproductores de cd's, y podemos controlar mejor cuánto empuje o frenada queremos darle al disco. Esto dificulta un poco el clavado de las canciones cuando pinchamos con cd. Para la mayoría de los dj's aficionados este inconveniente no es demasiado grande, sobretodo teniendo en cuenta que los platos baratos no tienen la misma precisión que los buenos, pero para los profesionales sí, y más a la hora de pinchar con 3 cd's. Este es el principal motivo por el que la mayoría de los dj's profesionales prefieren el vinilo y no el cd, junto con el hecho de que resulta más intuitivo pinchar con los platos. Obviamente, las discotecas y los dj's profesionales tienen un presupuesto mucho mayor que el de los aficionados y se pueden comprar unos platos buenos como los Technics SL1200. Ahora que ya conoces las ventajas e inconvenientes de unos y de otros, la decisión es tuya, pero en general te aconsejamos que si pretendes llegar a ser DJ profesional algún día en alguna discoteca elijas el vinilo, y si tan sólo vas a pinchar en tu casa o en las fiestas que hagas con tus amigos elije el CD. Ventajas del Vinilo: • Más intuitivo • Dos platos de polea son más baratos que un reproductor de cd's doble • Mayor precisión • Se puede hacer scratch pero no loop. Ventajas del CD: • Mayor calidad de sonido • Los cd's vírgenes salen más baratos que los discos y se pueden copiar • Se puede hacer loop (no en todos los modelos) Conclusión: • Con el vinilo es un poco más fácil aprender a pinchar por su mayor intuitividad • El CD es más adecuado para pinchar en casa porque el soporte sale más barato

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Si pretendemos llegar a ser DJ de una discoteca tendremos que dominar los platos, porque es lo que más se usa.

6. El equipo para mezclar Una vez nos hayamos decidido por el CD o por el vinilo, es muy importante saber elegir el equipo que vamos a comprar en función del dinero del que dispongamos. Es un gran desembolso y tenemos que tener en cuenta que no siempre merecerá la pena comprarse el mejor equipo y viceversa, a veces será preferible gastarse un poco más por otro modelo mejor. Así mismo, los precios pueden variar bastante entre equipos de características parecidas de unas marcas y otras, y entre unas tiendas y otras. Por ello, lo más importante es preguntar en todos los sitios que podamos, y conseguir tantos catálogos y listados de precios como nos sea posible. Hace falta paciencia, y no tomar ninguna decisión precipitada porque entonces podemos equivocarnos. Más vale esperar dos semanas a que te traigan tal mezcladora a quedarte con esta que es más mala (por ejemplo). Para empezar a pinchar necesitaremos por lo menos lo siguiente: • Si nos hemos decidido por el vinilo, dos platos, y si preferimos el CD, dos reproductores de CD sencillos o un reproductor de CD doble, todo ello con pitch y especial para DJ. • Un mezclador de dos vías como mínimo. • Un amplificador y dos buenos baffles (no hace falta que sean muy potentes). En su lugar también nos servirá cualquier minicadena que tenga entrada de línea (dos conectores RCA, uno rojo y otro blanco o negro en la parte trasera) • Viene bien tener una pletina de cassette para poder grabar tus sesiones, pero es opcional, y si tienes el equipo conectado a una minicadena no te hace falta, puedes usar la pletina de la minicadena. 6.1 El reproductor de cd Si queremos pinchar con CD's, no nos servirá cualquier reproductor, tiene que tener como mínimo control de pitch y pitch blend. Esto es lo mínimo, pero es muy recomendable que además tenga jog-shuttle, porque nos facilitará considerablemente la tarea, sobretodo a la hora de aprender a pinchar. Vale la pena pagar un poco más por ello. Se puede sustituir el jog-shuttle por el pitch bend, y de hecho muchos modelos no lo llevan. También deberá tener CUE (más adelante explicaremos para qué sirve), aunque prácticamente todos los reproductores para DJ lo llevan. Hay otra opción que es el loop, que puede resultar interesante para realizar determinados efectos cuando se tiene mucha experiencia, pero generalmente para el dj principiante no es muy útil. En los CD's no pasa lo que con el vinilo. La calidad del sonido no depende del tipo de reproductor que escojamos porque es digital. Las diferencias entre unos reproductores y otros consisten en las características técnicas de las que disponen y de la calidad de la electrónica y de la óptica del reproductor. Si ésta última es poca, pueden producirse de vez en cuando errores de lectura, tal y como ocurre en cualquier minicadena o radiocassette con CD. Pero normalmente con una calidad media no suele haber ningún problema, a menos que estemos trabajando en un ambiente hostil para las máquinas o sometidos a ciertas vibraciones, como ocurre en una discoteca o pub. En estos casos, habrá que utilizar reproductores con sistemas capaces de absorver las vibraciones o de corregir los errores de lectura. Hay tres tipos de reproductores, dependiendo básicamente de la forma del aparato: Reproductores de CD dobles

Son 2 en 1. Con ellos podemos escuchar dos cd's, de modo que con un sólo reproductor y una mesa de mezclas ya podemos pinchar perfectamente. Están formados por dos módulos unidos por un cable. El módulo de lectura es el que contiene la óptica y donde se colocan los cd's. El módulo de control es el que manejamos a la hora de pinchar. En él es donde están todos los botones y los controles. La ventaja de este tipo de reproductores es que salen un poco más baratos que comprarse 2 reproductores de cd sencillos, ocupan menos espacio y sobretodo que al estar divididos en 2 módulos, podemos colocarlos como queramos. Por ejemplo, el módulo de lectura en horizontal y el módulo de control en vertical. Hay muchísimos modelos de reproductores de este tipo, más incluso que de otros tipos o de platos, pero las características y los precios son parecidos. En la mayoría de los modelos, estos oscilan entre las 90.000 y las 120.000 pesetas (540-720 euros; 450-600 dólares). Estamos hablando de modelos de calidad media con jogshuttle, porque también hay modelos con un precio algo inferior pero sin jogshuttle y de menos calidad. Bien, esto es en lo que concierne al dj aficionado. El dj profesional ha de trabajar con equipos de más calidad siempre que sea posible. Hay una marca que se ha hecho casi un estándar. Es Denon, con sus modelos DN2000F Mk3 y DN2600F. Su precio es mayor, el del primero está en torno a las 180.000 pesetas (1080 euros; 900 dólares), pero también lo es su calidad y sus características. Reproductores Dobles: • Acoustic Control CDJ-400 II • Gemini CD-240 • Squale CD 400 MkII Reproductores de CD sencillos planos Eso de planos significa que se trabaja con ellos desde arriba, de forma similar a como se hace con un plato. No es que sean planos realmente, de hecho tienen más o menos la misma altura que un plato, pero se les llama así. Están pensados para colocar junto a unos platos o en sustitución de éstos. Por ello son el complemento ideal para un dj que trabaja principalmente con platos o en una discoteca, pero no son muy adecuados para pinchar en casa sólo con ellos porque son más caros. Su manejo es un poco más parecido al de un plato y, por tanto, más intuitivo, pero no hay una diferencia demasiado grande con respecto al de un reproductor doble o uno sencillo frontal. Hay bastantes modelos de este tipo, pero muchos menos que de los dobles. Los más utilizados por los dj's profesionales son el Pioneer CDJ500s y el CDJ100s, ambos de características parecidas. El primero cuesta unas 120.000 pesetas (720 euros; 600 dólares) y el segundo unas 80.000 (480 euros; 400 dólares), aunque la mayoría de los modelos están entre las 70.000 y las 90.000 pesetas (420-540 euros; 350-450 dólares). Reproductores sencillos planos: • Akiyama CDJ800 • BST Cleving 166 • Pioneer CDJ100s y CDJ500s Reproductores de CD sencillos frontales Son parecidos a los dobles solo que únicamente tienen un módulo, que lleva el control y el lector. Obviamente sólo se puede reproducir un cd con estos lectores, así que necesitamos dos reproductores para poder pinchar. Sin embargo, es mejor comprarse un reproductor de cd's doble que dos sencillos, así que este tipo de

reproductores sólo interesan cuando se pinche con platos. Pero cuando se pincha con platos son más adecuados los sencillos planos.

Por ello, este tipo de reproductores se utilizan cada vez menos. Como son más baratos que los planos, únicamente resultan interesantes si tenemos platos y queremos comprar un cd pero no podemos pagar uno plano. El precio de un reproductor de este tipo está entre las 30.000 y las 50.000 pesetas (180-300 euros; 150-250 dólares), dependiendo de las características y de si tiene jogshuttle. Reproductores sencillos frontales: • Gemini CD-140 • Omnitronic CDP430 6.2 El reproductor de vinilo Si te has decidido por el vinilo es conveniente que conozcas las partes de un reproductor de vinilo. Para empezar las principales partes son: El brazo, la capsula y aguja, pich, selector de rpm (33 y 45), empiezo y parada de disco, luz orientada y motor de polea o tracción directa. Motor de polea (correa) Consiste en un motor que enganchado por una correa (por eso se llama asi) al plato lo hace girar. La ventaja como dije antes esque son mas baratos pero sufren fribilaciones con lo cual empeora la calidad del sonido, aunque si no tienes mucho dinero te lo recomiendo sirve igual para pinchar. Motor de tracción directa Consiste en un motor en el medio del plato que hace girar al plato de manera directa. Estos son los mejores no sufren fribilaciones ni perdida de tono. Un ejemplo son los technics sl1200mk2. Aunque estos han sido mejorados dando paso a al mk5 aunque son muy parecidos. (ver foto)

Funciones (ambos tipos de reproductores) - El brazo: suele están en forma de “S” (para club) y recto (para turnabilist scratch, mas adelante explico esto). Sirve para sujetar la aguja para que siga el surco. - La capsula y aguja: Sirven para captar el sonido del surco del vinilo. EL sonido es captado y es llevado hasta la salida del reproductor donde es amplificado. ES conveniente comprar una buena aguja.

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Pich: sirve para acelerar decelerar las canciones; suele tener un rango entre como minimo de 8% el mas comun, y como máximo 100%. La mayoría viene con 8 o 16. Selector de rpm: sirve para definir la velocidad de giro del disco. Las velocidades mas comunes son 33rpm y 45rpm, aunque ahora empieza aparecer 78rpm. Salida y parada de disco: pos eso para empezar o parar de girar el disco. Luz orientada: se usa para ver el surco del disco y situar la aguja donde se quiera. Anti-skating: suele venir en todos los reproductores. Utilizado para que la aguja no salte. Pesa: se coloca encima de la aguja. Sirve para lo mismo que el anti-skatiing.

6.3 La mesa de mezclas No os asustéis con tantos botones y controles, pronto aprenderéis para qué sirven y a manejarlos. Mesas de mezclas hay para todos los gustos, con una gran variedad de marcas y modelos y también de precios. Dependiendo de nuestras necesidades deberemos saber elegir el modelo más adecuado. Lo primero que tenemos que decidir es el número de canales que vamos a necesitar. Para ello hay que tener en cuenta el número de fuentes que queremos tener sonando al mismo tiempo como máximo, no las totales. Hay que tener en cuenta que en la mayoría de las mesas, las entradas se pueden conmutar y cambiar así el aparato que sonará por una vía (siempre que no la estemos utilizando en ese momento, claro). Para un dj aficionado, lo más básico sería una mesa de 2 vías + micrófono si vamos a utilizar dos fuentes de sonido (platos o reproductores de cd) y estamos seguros de que en el futuro no vamos a utilizar una tercera fuente al mismo tiempo. Sin embargo, en mi opinión, para la mayoría de los casos lo más adecuado es una mesa de tres vías. Así estamos seguros de que si en el futuro decidimos comprarnos un tercer plato o reproductor de cd no necesitaremos una mesa nueva, y también nos será muy útil para poder conectar el ordenador a la mesa y así poder pinchar también con mp3's.

Behringer DX626 (mesa tres canales) También podremos usar más de tres fuentes (no simultáneamente, claro) y conmutar entre ellas sin tener muchos problemas, ya que al disponer de tres vías podemos hacer la conmutación en una de ellas tranquilamente incluso mientras estemos haciendo una mezcla entre las otras dos, por ejemplo. Sin embargo, en una mesa de dos vías sólo podremos conmutar cuando no estemos haciendo

ninguna mezcla, lo cual puede resultar un poco más incómodo y entorpecedor. Vale la pena pagar un poco más por el tercer canal. El caso de una mesa de cuatro canales es diferente. Si vamos a utilizar tres fuentes y queremos los cuatro para tener un margen de seguridad hay que tener en cuenta que en realidad podremos arreglárnoslas perfectamente con una de tres, y una de cuatro será bastante más cara o más mala que una de tres. 2 canales: • Akiyama DJ30 • BST Hife 256 • Ecler SmacFirst • Pioneer DJM300s 3 canales: • Acoustic Control DJ252 • Behringer DX626 • Gemini BPM250 • JBSystems Classic 3 • Magnedine Mag-10 4 canales: • Akiyama DJ45 • Gemini PS1000 • Pioneer DJM500s • Rodec MK180 Aprovechando esto hablaremos de otra cuestión importante en una mesa de mezclas: la calidad. En la electrónica no se nota mucho la diferencia entre una mesa de calidad y otra barata con características semejantes. Es en los faders donde está el problema. En una mesa de calidad, podemos estar seguros de que los faders nos durarán mucho tiempo y no darán problemas, pero en la mayoría de las mesas baratas, con el paso de algún tiempo (un año o año y medio, dependiendo del uso que hagamos de ellas) los faders comienzan a resentirse y a carraspear. El carraspeo es un ruido que se oye cuando los movemos, y se produce en parte por la acumulación de polvo y suciedad. Está claro que si mantenemos la mesa cubierta con un plástico le entrará menos polvo y nos durará más tiempo. La situación no estan grave, y no estamos indefensos ante el carraspeo. Podemos llevar la mesa a la tienda a que nos la abran y nos limpien los faders, lo que cuesta unas 3.000 ptas. porque hay que desmontarla. Aunque será un remedio temporal y con el paso del tiempo volveremos a sufrirlo. He aquí la diferencia entre una mesa de calidad y una barata. Por eso podemos encontrarnos en el mercado mesas de dos canales + micrófono por un precio de 80.000 ptas. Sí, son caras, pero también son buenas. Si no tenemos problemas económicos merecerá la pena, y si la mesa es para un local está más claro aún. No esperéis encontraros con ningún chollo porque tendrán truco. Una mesa barata por definición es mala, y otra cara debe ser buena (a no ser que os estén estafando). Generalmente entenderemos una mesa barata por una entre 10.000 y 50.000 ptas. y una buena entre 50.000 y 150.000 ptas. Otro aspecto a tener en cuenta de las mesas de mezclas son los extras. Con ello me refiero a un montón de características especiales que llevan las mesas actuales con el objetivo de facilitar la tarea al DJ, por supuesto a costa de encarecer el producto final. Por ejemplo, están los controles de ganancia-graves-medios-agudos, los indicadores de beat, los contadores de BPM, los samplers, etc. Los controles de ganancia-graves-medios-agudos (gain-bass-mid-treble) están incluidos en la mayoría de las mesas y se hacen casi imprescindibles, porque no todos los discos están grabados con el mismo volumen ni tienen la misma ecualización. Algunos tendrán más agudos que otros y otros más graves, y con estos controles, además de poder crear efectos especiales, podremos ajustar la ecualización de los temas.

Los indicadores de beat consisten en un led por cada canal que se enciende cuando suena un beat o bombo. Ya están incluidos en la mayoría de las mesas y es una característica interesante pero prescindible. Más prescindible aún es el contador de BPM, que indica a qué velocidad en bombos por minuto va la canción. Nos será útil cuando estemos aprendiendo a pinchar, pero cuando ya tengamos cierta experiencia no nos será necesario, y lo único que hará será encarecer la mesa. Los samplers ofrecen nuevas posibilidades creativas al poder grabar pequeños fragmentos (generalmente de hasta 12 segundos) y luego reproducirlos cuando queramos. En las mesas baratas suelen tener bastante ruido de fondo y generalmente no los vamos a utilizar mucho. Si disponemos de cd's, podemos utilizarlos como samplers gracias a la función cue-sampler, y por lo tanto no necesitaremos el sampler en la mesa. Así pues, en resumen, hay muchos tipos de mesas y generalmente lo que mejor nos irá será una de 3 vías con controles de ganancia-graves-medios-agudos, indicadores de beat y sin contadores de BPM ni sampler, y si podemos permitirnoslo merecerá la pena comprarse una mesa de más calidad pagando un poco más por ella. Pero cuidado porque también hay muchas mesas iguales internamente (incluso las fabrican en el mismo sitio aún siendo de marcas diferentes) y de marcas y de precios distintos, lo cual ocurre principalmente en las mesas baratas. 7. Tipos de mezclas Conceptos Básicos • RITMOS Y ESTRUCTURAS - LAS BASES : - Podríamos definir ritmo (de un modo general) como la sucesión de tiempos o ''golpes'' (=beats) en una cadencia cíclica constante sobre la cual , en la mayoría de ocasiones , se desarrollan una o varias melodías. Los ritmo tienen subdivisiones llamadas compases; desde el 3/4 del clásico vals hasta los más complicados y ''experimentales'' 7/8 o 13/16 de algunos de Peter Gabriel. En la música dance (entendiendo por este termino el dance , trance , progressive , house , techno , máquina , hardcore y demás estilos bailables )el tipo de compás por excelencia es el 4/4 ( Cuatro por cuatro ). •

RITMOS Y ESTRUCTURAS - COMPASES :

- Un compás de 4/4 se compone de 4 tiempos y en la secuencia habitual es bombo-caja-bombo-caja (o clap en lugar de caja). En palabras más simples , se trata del típico ''pum-pah-pum-pha''... - En un compás de 4/4 los tiempos fuertes son el 1 y el 3 mientras que en los débiles son el 2 y el 4. El 1 es el tiempo más fuerte del compás y nos ayuda a identificar el inicio del mismo dentro de una estructura rítmica. En el 1 suele hacerse un especial hincapié o ''acento'' , tanto en la instrumentación ( crash de batería , inicio de la melodía o secuencia de bajo y/o especial énfasis en la voz ).

Estucturas y compases en estilos Dance

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RITMOS Y ESTRUCTURAS EN EL DANCE :

- En la música de baile el ritmo tiene especial relevancia. En realidad a veces tanto o más que las melodías. En Dance , las estructuras rítmicas de compases se agrupan fundamentalmente en bloques de 4 compases o 16 beats ( Un grupo de 16) de 8 compases o 32 beats (un grupo de 32) e , incluso , hasta de 16 compases y 64 beats (un grupo de 64). Para simplificar digamos que , habitualmente las melodías y/o líneas de bajo realizan una secuencia que se repite cada 16,34 o 64 beats. Es lo que llamamos ''ruedas''. - Tener estos conceptos bien claros y saber aplicarlos e identificar ruedas en la páctica nos abrirá un extenso horizonte , para nuestras mezclas que dejen de ser sencillamente cuadrar ritmos y se conviertan en cuadrar estructuras. El resultado es mucho más estético. El resultado es tremendamente agradable al oido y mucho más natural rítmicamente hablando. TIPOS DE MEZCLAS • EL FUNDIDO O FADE : V O L U M E N TIEMPO Los temas se funden pero sus ritmos no coinciden. - Es el tipo de mezcla habitual en los años 60,70 y buena parte de los 80. Consiste sencillamente en mezclar el sonido de dos temas que , por norma general descuadran ritmo y estructuras. Este tipo de mezcla es muy adecuada para baladas y temas ambientales , en los que el ritmo no tenga una importancia relevante. Cuando un Dj de los años 70 había grabado una cinta con ''unas mezclas tremendas'' se refería en realidad a fundidos. •

EL CORTE O CUT : V O L U M E N

TIEMPO Un tema se corta de golpe para dar paso al siguiente. Se busca un punto importante del segundo tema para entrarlo , pero su ritmo no suele coincidir con el de la canción anterior. - En los años 60,70 y 80 , los Djs , a pesar de las grandes dificultades técnicas de la época , ser percataron de que fundir dos ritmos de baile no sonaba demasiado bien al oído , desarrollaron una depurada técnica de

corte. El corte consiste en esperar un punto muy concreto de la canción que suena y lanzar la siguiente bruscamente desde otro punto determinado (que no tenía porque ser obligatoriamente del principio del tema) cortando el anterior. En el momento del corte, en muchas ocasiones se interrumpía el ritmo , pero se conseguía un efecto muy agradable al oído. Es decir, la pista ''se paraba'' pero solamente una fracción de segundo. Una solución, como podéis suponer, mucho más adecuada que el fundido. •

LA MEZCLA O MIX : V O L U M E N

TIEMPO Es la mezcla clásica por excelencia. Los ritmos de los dos temas se sincronizan y la mezcla en sí suele ser un largo y elegante fundido. - Se originó en los 70 en USA y se trataba de un lento fundido entre temas, pero respetando los ritmos. Al realizar estas mezclas más por intuición que mediante una técnica definida, sucedía que en muchas ocasiones que las estructuras no cuadraban, aunque -como ya he dicho los ritmos sí. Era, desde luego, un sistema de trabajo muchísimo mejor que el Fundido o el Corte. La pista nunca "se paraba" y el público gritaba al identificar un nuevo tema mientras lentamente iba ''entrando" sin perderse nunca el ritmo y sin dejar de bailar. Era la época dorada Studio 54 en New York y Ritchier Kratzkor ''importó" la mezcla hasta el 54de barce lona. En ese tiempo ya habían unos pocos Djs que dominaban bien esa técnica como Tomásde CHIC PRIVÉ o Raúl Orellana de SANT JORDI, quien pronto pasó a Studio 54 de Barcelona al que , con sus históricas mezclas convirtió durante muchos años en una sala mítica. •

BEAT MIX O MEZCLA ACOMPASADA :

Como concepto general, digamos que es una mezcla en la que no sólo el ritmo continúa de forma ininterrumpida, sinó que, además, las estructuras rítmicas también. En otras palabras, no únicamente se respeta el ritmo; también las estructuras de compases. Al conseguir que, donde debería haber comenzado a sonar tal o cual instrumento de un tema, suene (una vez acabada la mezcla) otro de la siguiente canción, se crea un efecto de continuidad musical muy atractivo (que, llevado al extremo, puede ser incluso monótono). Este es el tipo de mezcla más habitual en la actualidad. Algunos Djs incluso calculan las estructuras de compases del principio del tenia y del break final para saber el punto exacto en el que debe comenzar la mezcla para que las estructuras cuadren a la perfección de tal o cual manera. Desde luego, dos canciones concretas se pueden mezclar de muchas formas distintas, todas ellas correctas. La clave está en que, si se conoce con antelación la estructura, se puede "hacer la mezcla antes de hacerla". 0 sea; se puede saber que "si se lanza el otro AQUÍ y se tiene TANTOS grupos

''arriba'' la mezcla puede acabarse en TAL punto y cuadrará ''milimétricamente". Esto es más difícil de explicar aquí que de mostrar in situ. Y, como en casi todo en la vida, se puede mezclar "por intuición" o bien mediante una técnica. En mi opinión, la intuición y la inspiración fallan a menudo (que le pregunten a los músicos ...), mientras que la técnica y las matemáticas casi nunca. Veamos ahora los distintos tipos de Mezcla Acompasada: DISTINTOS TIPOS DE MEZCLA ACOMPASADA • CUT MIX O MEZCLA AL CORTE : V O L U M E N TIEMPO Aparentemente, puede parecer igual que el cut de la Fig.03 pero algo muy importante los diferencia. Aquí el ritmo coincide y la pista ''no se para''. - Se trata del punto medio entre un Corte y una Mezcla Acompasada. Consiste en cuadrar los ritmos de dos temas por preescucha (Cue) y, en el momento del cambio, cortar el tema anterior para dar paso al siguiente de forma instantánea, pero conservando el ritmo y la estructura de compases. Es decir, donde debería comenzar a sonar tal instrumento del primer tema, pasará a sonar tal otro instrumento del segundo tema. Es importante el hecho de que "el ritmo sigu'' pero con otra canción distinta. Este cambio requiere, por supuesto, cierta habilidad y una buena dosis de precisión, puesto que el segundo tema se lanza "arriba", o sea, con el Fader (potenciómetro) "abierto". Las dos canciones, en la práctica, no llegan a coincidir "arriba" en ningún momento, por lo que se podría considerar como un Corte puro y duro. El hecho de clasificarlo como Mezcla es debido a que se respeta el ritmo y las estructuras de compases. •

PSEUDO CUT MIX O FALSA MEZCLA AL CORTE : V O L U M E N

TIEMPO Para el oyente es casi como un Cut Mix. El truco es sincronizar estructuras de compases por preescucha y cortar en un punto concreto. - Lo de "Falsa" se debe a que es un Corte/Mezcla como la anterior pero con ''truco''. Consiste en comenzar una mezcla aparentemente normal a través de preescucha y en un momento adecuado (teniendo las estructuras de los dos temas perfectamente sincronizadas) realizar el Corte. Esto, en la práctica, suena como una Mezcla Al Corte pero, al no lanzar el segundo

tema "arriba", el riesgo que esto comporta queda completamente eliminado. Es algo así como un Cut Mix sin riesgo (y ''con ''trampa''). •

FLYING MIX O MEZCLA AL VUELO : V O L U M E N

TIEMPO La especialidad de los kamikazes de la mezcla. Es un Beat Mix que comienza con el nuevo tema ''arriba''. - Es algo así como un Cut Mix pero sin cortar. ¿Cómo...?. Me explico: Cuadramos ritmos por preescucha y el segundo tema se lanza "arriba'' pero mezclando en lugar de cortar. Es una mezcla tremendamente arriesgada porque requiere una gran pericia para corregir instantáneamente cualquier desincronía existente. Posee la gran cualidad de la Mezcla Acompasada (la sincronía de ritmos y estructuras) y la gran cualidad de¡ Corte (la sorpresa inesperada de algo que entra "de golpe'') Esto es muy importante para comprender el cambio que representó la introducción de este tipo de mezcla a principio de los 80. La reacción de la pista hablaba por si misma. •

PSEUDO FLYING MIX O MEZCLA AL VUELO : V O L U M E N

TIEMPO Puede parecer igual que un Flying Mix , pero el nuevo tema se sincroniza por preescucha andes de ''subirlo''. La mezcla de los grandes Djs de hoy. A oído, es idéntico a un FIying Mix, pero sin el riesgo de éste. Se trata de sincronizar los dos temas por preescucha y "subir" el segundo tema de golpe. Esto da la falsa sensación de un Flying Mix. Las dos grandes cualidades de la mezcla y del corte se mantienen , pero sin riesgos. Es el tipo de mezcla más utilizada en la actualidad por la mayoría de los grandes Djs ( y de los no tan grandes ) de primera línea tanto en España como en el extranjero.

8. El TEMPO El “tempo” es la velocidad de la música. Se puede medir de 2 maneras: en “Bars”, también llamada “Measures per minute” (Mpm); o en “Beats per minute” (Bpm). Existiendo una interrelación entre ambas. En el mundo del Dj, la forma más común

de medir el “tempo” es con Bpm. Así, podemos decir que la música Funky/Disco va a una velocidad de entre 100 y 125 Bpm; mientras que la música Máquina llega a velocidades de hasta 180 Bpm (¡y algunas veces mas!). Los Bpm, o golpes por minuto, es el sonido (ritmo) que produce el bombo de una batería en un minuto. También puede usarse como referencia los “charlis” o el bajo. La importancia del “tempo” en una sesión de baile estriba en que las velocidades de las canciones sean la misma para mezclarlas correctamente (aunque no siempre es así). Siendo la única manera el que vayan las pistas al mismo Bpm. Hay varios métodos para contar el “tempo” manualmente (existen software y máquinas hardware que lo hacen automáticamente). El método más eficaz es cronometrar los segundos que pasan al medir 40 beats (golpes), y dividir el resultado entre 2400. Se ha de tener cuidado al contar puesto que si se empieza en 1, deberemos parar el cronómetro en el beats 41; además, aunque en un momento determinado del pasaje deje de sonar el bombo, deberemos de seguir contando como si estuviera. Pongamos un ejemplo: Si a los 40 beats de una melodía obtenemos 19,25 segundos, entonces: 2400 /19,25 seg = 124,67 Bpm. Mucha gente se pregunta cuántos decimales deben de usarse. Pues bien, he realizado diferentes estudio probando diferentes errores en los decimales y a diferentes velocidades y he llegado a la siguiente conclusión: Bpm con errores de una unidad es inadmisible. Por ejemplo: una canción mezclada a 120 Bpm con otra a 121 Bpm es imposible cuadrarla. Bpm con errores de una décima (0,1) no es aconsejable. Por ejemplo: una canción mezclada a 120 Bpm con otra a 120, 1 Bpm se suele “ir” al 3º o 4º compás en canciones de 4/4 (aproximadamente al cabo de 5 o 7 segundos). Por tanto, sólo sirve para mezclar dos canciones muy rápidamente. Bpm con errores de una centésima (0,01) es aceptable. Por ejemplo: una pista mezclada a 120 Bpm con otra a 120,01 y con el mismo tiempo que en el caso anterior, las canciones pierden su sincronía entre los 2 minutos y los 2 minutos y medio. Por último, Bpm con errores de una milésima (0,001) es perfecto. Por ejemplo: un disco mezclado a 120 Bpm con otro a 120,001 no existe prácticamente desplazamiento entre bombos (inapreciable). Pudiéndose mantener dos canciones a la vez mezcladas durante largo tiempo (más de 4 minutos) 9. Turnabilist o scratching El scratch es uno de los elementos básicos del Turntablism (el término "Turntablism" fue utilizado por primera vez en 1995 por DJ Babu para describir una forma avanzada de hacer música con turntables [platos]). Básicamente consiste en mover el vinilo hacia atrás y hacia adelante (el orden también puede ser inverso) generando una deformación del "sonido" que esta en contacto con la aguja del plato (aunque vale cualquier aguja, es recomendable utilizar las que tengan la punta redonda para evitar el mínimo saltos). El sonido generado puede ser más grave o más agudo dependiendo de la velocidad con que efectuemos los movimientos. También podemos hacer variar el "ritmo" del scratch, moviendo

rítmicamente el disco. Si al desplazamiento del vinilo le sumamos el uso del Cross Fader o la perilla de corte, podemos obtener “scratch” de los mas diversos ritmos y tonos. Las mesas de mezcla (Mixes) sirven todas que tengan Cross Fader. Pero es preferible usar aquellas específicas para esta técnica y, en especial, si poseen el crossfader de corto recorrido para que encaje bien la mano. Cada Dj tiene su propio estilo de scratching (ya dicen que “...cada maestrillo tiene su librillo”) y cada uno termina encontrando el suyo propio. Aunque los mejores Djs pueden hacer diversos tipos de scratch, generalmente tienen preferencia por algún tipo en concreto, o tienen mayor precisión en la ejecución de un tipo de scratch en particular. Existen nombres (en anglosajón) que definen diferentes formas de hacer scratching. Los más conocidos son: Baby: Es el más simple (básico). Consiste en girar el disco hacia delante y hacia atrás al ritmo de la caja. Forward: Se deja sonar el disco un instante, se corta el sonido y se retrocede al principio del sonido. Rub: El movimiento (de avance o de retroceso) se ralentiza, como si se frenara. Stab o Chop: Es similar al Forward, se empuja hacia adelante, se corta al sonido y se retrocede al principio. Chirp: Durante el movimiento hacia adelante, el sonido es gradualmente cortado según se acerca al final. Cuando se inicia el movimiento hacia atrás, el volumen se sube. Scribble: Este truco se realiza moviendo el vinilo con los músculos del brazo tensos y así provocando que el disco se mueva atrás y adelante de forma muy rápida en un recorrido muy corto. Tear: Consiste en tres movimientos, uno hacia adelante y dos hacia atrás cuando se retrocede al principio. Transform: El sonido empieza apagado, después se conecta y desconecta de forma intermitente durante su reproducción. El sonido acaba apagado. Hydroplane: Mientras se empuja el disco en alguna dirección, aplicar una ligera presión a la superficie del disco frotando suavemente con un dedo de la otra mano en contra de la dirección del empuje. Flare: El concepto es el de un Transform inverso. En vez de comenzar con el sonido apagado, la rutina de encendido/apagado, comienza con el volumen subido (conocido como "clicking") Twiddle: Un estilo fulgurante en el que se utilizan los dedos corazón e índice para, alternamente, mover el fader entre los dos. Crab: Un Flare a cuatro toques, ejecutado golpeando con los dedos el fader en orden de meñique a índice para encender el sonido, mientras el dedo gordo aplica presión inversa para cortarlo. Para acabar este pequeño artículo sobre el scrach decir que la DMC (Disco Mix Club), fundada en 1980 por Tony y Christine Prince del Reino Unido organizan cada año, en diferentes países, campeonatos de “turntablist” en el que, el plato fuerte (nunca mejor dicho) es el scratching. 10. Proceso de grabación de un vinilo Vamos a intentar explicar el proceso de grabación de un vinilo. Posiblemente pueda resultar un rollo para algunos o quizás tenga un lenguaje un poco complicado, pero voy a intentar satisfacer la curiosidad de muchos de vosotros cuando preguntáis que cómo se graba un vinilo.

Un vinilo es un genial medio para grabar y reproducir audio. La respuesta en frecuencia de los vinilos es nada más y nada menos que de 7 Hz hasta 25 kHz (para que os hagáis una idea el oido humano percibe hasta 20 kHz) y el rango dinámico que tiene es de 75 dB (es decir, que desde el ruido de fondo que puede producir hasta el máximo nivel de volumen hay 75 decibelios) o sea, que posee un realismo impresionante. El vinilo es capaz de transportar una sensación de espacio a la que los CD´s o los DVD´s ni siquiera se acercan y además tiene también una gran claridad en el sonido. Diciendo todo esto hay que saber también que tiene unas limitaciones muy grandes. La primera gran limitación es el tiempo que puedes tener en un vinilo, que depende directamente de la cantidad de graves frecuencias que tengas en esa grabación y del volumen que haya, ya que las frecuencias graves ocupan más espacio físico en un vinilo. Para que lo entendáis, el surco que hay en un vinilo es una analogía de la forma de onda de ese sonido. Intentad imaginaros un río, en el que la orilla izquierda es el canal izquierdo y la orilla derecha es el canal derecho, y la aguja de vuestro plato es una gran balsa redonda que va a viajar a través del río. Para simplificar imaginaros que la orilla izquierda es paralela a la derecha, lo que significaría que el sonido es monoaural, ya que lo que hay en los dos lados es lo mismo, y que vuestra balsa viaja de lado a lado del río; para las frecuencias graves la balsa debería hacer un recorrido más largo de lado a lado de la orilla, pero a la vez tiene que ir haciendo recorridos más cortos para las frecuencias agudas. Esto provoca que el surco que hay en un vinilo sea más gordo en las frecuencias graves, cosa que se resolverá más adelante. La siguiente limitación son las frecuencias. Tu puedes poner en un CD o un DAT todas las frecuencias que quieras, pero en un vinilo no es así. El vinilo puede alcanzar una frecuencia de 25 kHZ, pero esto se consigue tras un proceso en el que se eliminan muchos de los transitorios de estas frecuencias. Para poder tener una calidad como es debida en los vinilos, cuando se crearon los primeros se creo también un estandar que fue reducir en una gran medida las frecuencias graves de las grabaciones a vinilos, algo así como 40 dB (una burrada), para conseguir también que tuvieran más tiempo de duración (si no se realizadara esta reducción de frecuencias un vinilo duraría 5 minutos). Además también se realizó una reducción en las demás frecuencias. Así pues los vinilos grabados tienen esa reducción de frecuencias, pero tú no tienes que preocuparte por eso, ya que los previos de los phonos están preparados para esa reducción y tienen unas curvas de ecualización contrarias, para que el sonido que salga por el canal de tu mesa sea absolutamente normal. Con esto quiero decir que tú no tienes que preocuparte por esa curva de ecualización contraria, pero el técnico que graba los vinilos sí. Para la grabación de un vinilo unos amplificadores que van desde 100 a 400 wattios mueven las delgadas bobinas que graban cada canal con el cabezal. Son como unos pequeños monitores que en vez de mover el aire empujan la aguja que hace el surco. Con 20 dB de reduccion de frecuencias tu tan solo escuchas los agudos de la canción. Las bobinas están refrijeradas con helio, pero aún así alcanzan los 200º de temperatura (también poseen un circuito preventivo que evita catastrofes). Cuando en la grabación suenan los agudos, al estar atenuadas las frecuencias graves puede parecer que los agudos no vayan a saturar, pero con mucha frecuencia suelen hacerlo. Imaginemos de nuevo la balsa en el río y que las orillas son más estrechas que la propia balsa, o que se dirije a unos rápidos, pues eso es lo que la aguja del cabezal esta haciendo cuando se reproduce una frecuencia muy aguda en la grabación (ir más rápido en menos espacio). En el momento en el que la curva del surco es más pequeña que el radio de la aguja tienes un100% de distorsión. Aquí habría que explicar también otra cosa, que es el por qué de que en los vinilos suenen más limpios los surcos que están mas alejados del centro del disco. Con

una velocidad de 33 1/3 R.P.M. el disco tarda en dar una vuelta 1.8 segs, que es lo que tarda en recorrer 36 pulgadas por la parte de fuera del disco y 14.9 pulgadas por la parte interior del disco. Esto provoca que la aguja vaya más rápido cuando circule por la parte interior del disco, recuerda los rápidos del río. Puede provocar que sea mucho más fácil saturar en la parte interior del vinilo, lo que hace que suene menos limpio. Ahora entramos también en el problema del estéreo. Si las orillas del río no permanecen paralelas el sonido es estéreo, o en otras palabras cuando hay alguna diferencia entre los dos canales esto provoca que la aguja se mueva en suma con los dos. Cuando la aguja hace más surco está usando más espacio del disco, por lo que esto provoca que la mayoría de los productores se hechen un poco atrás a la hora de panoramizar sus instrumentos completamente, y además esto puede provocar que algún instrumento entre en fuera de fase, y un fuera de fase puede ser mortal en un vinilo. Ahora es cuando entiendo el por qué de que los vinilos estén casi siempre grabados hasta el final (lo más cerca de la galleta), aunque en realidad lo que tengan sean menos minutos de todo lo que se les puedan grabar. El por qué es gracias a que cuanto más separados estén los surcos unos de otros mejor se escuchará, aunque anteriormente haya dicho que cuanto más cerca de la galleta está el surco peor se vaya a escuchar; lo mejor es que los surcos estén lo más separados posible. Ahora vamos a dar algunos trucos que vendrán bien a la hora de grabar los primeros vinilos. Mantén la grabación del vinilo lo más corta posible. Ya se que esto no es conseguible la mayoría de las veces, pero lo ideal es que si en un LP puedes grabar entre 20 y 24 minutos, pues tu consigas grabar entre 16 y 18. También intenta equilibrar la longitud de los temas en las dos caras, es decir, que no tengas en una cara 19 minutos y en la otra 11. Preferentemente que entre las dos caras no haya más de 1 minuto de diferencia. Si esto ocurre lo que tienes que hacer es meter más silencio entre tema y tema en la cara en la que tengas menos música. Con esto lo que conseguirás es asegurar más los volúmenes. Un tema no debe durar más de 12 minutos, lo ideal es entre 9 y 10, ya que como hemos dicho antes los discos no suenan igual según se va adelantando el surco. Esto de que no dure más de 12 minutos es porque lo más posible es que tengas que cambiar la ganancia cuando el tema se va a cercando al final, ya que su nivel en volumen es menor. Vigila sobre todo el excesivo nivel de agudos en la mezcla, de 8 kHz a 16 kHz, ya que luego no lo podrás quitar de ninguna manera en el vinilo (en especial estas frecuencias). Lo mejor es que vigiles la mezcla sobre todo con un tema que tengo muchos sonidos agudos, es decir, platillos. Si escuchas mucho chisporroteo en la mezcla cámbiala para que esto no pase en el vinilo. Utiliza un de-esser en la voz(procesador que atenúa el silbido en las voces) para que no te saturen las "eses" en la voz. Pon los temas que suenen más duros (con más volumen) y que tengan más acumulación de sonidos en los principios de los discos y los que suene más flojos al final y todo te sonará mejor. Otra es intentar hacer el trabajo del técnico que vaya a grabar el vinilo más fácil. Antigüamente se le daba al técnico una copia en un cassette (de bobina abierta) para que lo pasara a vinilo, y ahora se le da el master en un CD o en un DAT. Pues para facilitarle el trabajo es necesario darle en el master perfectamente indicado todos los tiempos muy claros y sencillos, ya que antes con las bobinas abiertas de los cassettes se veían muy claros cuando empezaba y terminaba cada tema, ya que se marcaba con cinta de color, pero ahora con el CD y el DAT es necesario que venga todo muy bien indicado. Se deben indicar todo tipo de tiempos, desde el

principio, final, duración, puntos importantes de cada tema y desde donde esta el principio y el final de esos puntos,...en definitiva, todo. Esto puede parecer una tontería, pero ya veréis en la práctica. 11. Pinchar con el ordenador Esta es otra manera diferente de pinchar ademas de ser la mas barata. Básicamente se basa en lo mismo que en la realidad con una mesa de mezclas o los platos y cd. El inconveniente esque tienes menos control sobre la música. Existen muchos programas para mezclar con el ordenador. Si quieres mezclas perfectas el atomix mp3, y si quieres de manera mas intuitiva y mas profesional el mj-studio o el deejaysystem que esta basado en el denon mkII y es español el programador.Aquí expongo algunos programas para mezclar AtomixMP3 Completo y genial mezclador que sincroniza BPM a la perfección. AtomixMP3 está enfocado tanto para profesionales como para principiantes. Su módulo CAM (Computer Assisted Mix - Mezcla Asistida por Ordenador), permite a cualquier persona realizar, con archivos MP3, mezclas de una calidad técnica prácticamente perfecta.

Tactile12000 Tactile 12000 es un sencillo programa de mezcla que simula el entorno de un DJ, con sus dos platos y un mezclador. Tiene todas las funciones que necesitas para divertirte un buen rato mezclando tus canciones MP3 favoritas. Incluye crossfade, puedes acelerar el pitch, cambiar la velocidad como si de un vinilo se tratara (33/45 RPM). También podrás fijar un punto en cada canción y luego acceder a él en un instante, gracias a dos botones cercanos a cada plato. Bpm Studio

Convierte tu PC en un estudio de grabación y mezclas de MP3."BPM Studio" abre las puertas a una nueva dimensión del procesamiento del señal digital de audio utilizando MP3, emulando las funciones del Denon 2000F "101%".Con BPM Studio las canciones pueden ser reproducidas, editadas, mezcladas, administradas y guardadas sin ningún tipo de problema, es un multiusos que en cuanto lo instales no podrás pasar sin él.

12. Montage Analagico y digital 12.1 Montaje Analógico Esta técnica fue utilizada para la creación de los primeros Mixes, siendo herencia del "corte de cinta" que requerían los montajes radiofónicos para empalmar anuncios, entrevistas, jingles, etc. El equipo básico que se utiliza para crear un montaje en cinta es un magnetófono de bobina abierta, dos platos giradiscos, dos ecualizadores y un mezclador. La razón de utilizar un formato de cinta mayor que la cinta de cassette es que la velocidad de esta última es de 4,75 cm/s, mientras que la de una bobina de 15'' es de 38 cm/s, lo que hace que la precisión de una bobina sea mucho mayor. El magnetófono de bobina más utilizado en la época de los

primeros Mixes fue el Revox B77. Para la realización de la técnica de "corte de cinta", es necesario utilizar un cortador con la cuchilla desmagnetizada y con diferentes ángulos de corte (45, 60, 90 grados). Con cada corte se puede realizar una mezcla diferente: con el corte de 45 grados se realiza una mezcla suave, con el de 60 grados una mezcla más rápida, y con el de 90 grados se realiza una mezcla al corte. Con un lápiz graso y cinta adhesiva especial se marcan y se empalman los diferentes cortes realizados. Mágnetófono de bobina Marcar con el lápiz grasoEl proceso a seguir para la realización de un montaje con "corte de cinta" es el siguiente: 1. Se graba el tema o el fragmento del mismo en la cinta. 2. Para hacer por ejemplo un efecto de repetición, se ha de grabar el fragmento tantas veces como queramos que este se repita. 3. Se localiza el punto exacto donde comienza cada fragmento para lo cual se avanza y se retrocede manualmente las bobinas, buscando en el cabezal de grabación el punto exacto de corte. 4. Un vez localizado el punto de corte, se marcan con el lápiz graso y se corta. 5. Con la cinta adhesiva se unen los diferentes cortes realizados colocándose por la parte trasera o no magnética de la cinta de audio. Es importante no tocar la parte magnética ya que puede perderse calidad de sonido. 6. Para crear el efecto de repetición o redoble, se cortaran y unirán tantos fragmentos como repeticiones se quieran realizar. 12.2 Montaje Digital Esta técnica tiene muchas más ventajas que el montaje analógico, ya que es más rápido, se trata gráficamente, es mucho más fiable y no se pierde calidad de sonido. En el montaje analógico, se graba el sonido en un soporte magnético (cinta de audio), mientras que en el montaje digital se guarda el sonido en forma de datos en el disco duro de un ordenador u otros soportes que permitan la grabación digital (DAT, CDROM, etc.) Para explicar la técnica del montaje digital, vamos a utilizar un PC (Pentium II con 64 Mb. de RAM) y un programa editor de audio (Cool Edit Pro). Cool Edit Pro1. Grabar en el disco duro los temas que vamos a mezclar, para lo cual utilizamos un programa que capture el sonido proveniente de la fuente de audio (CD, vinilo, cinta, etc.) y la introduzca en el disco duro del ordenador. 2. Abrimos el primer tema grabado en el disco y lo colocamos en el primer canal del editor multipista. 3. Abrimos el segundo tema y lo colocamos en el segundo canal del editor multipista. 4. Desplazamos el segundo tema hasta que coincida un break de este con un break del primer tema. 5. Hacemos clic en el botón play y escuchamos la mezcla. 6. Si los golpes de bombo y caja no coinciden desplazaremos el segundo tema hacia atrás y hacia delante para sincronizar los temas. 7. En el caso de que el segundo tema no cuadre perfectamente con el primer disco, se podrá realizar pequeños cortes en la onda e ir colocando los beats (bombo o caja) de manera que cuadren perfectamente. Mezcla de dos temas 8. Se pueden utilizar más pistas de audio para incluir efectos y samples a la mezcla final. 9. Una vez tengamos la mezcla final creada la escuchamos, y si nos parece correcto, podemos utilizar la función MIX DOWN para crear una única onda (fichero wav) y así poderla grabar posteriormente en un CDROM para evitar cualquier perdida de calidad sonora. 13. Trucos para mezclar Controlar el plato y que no se te vayan los beats no significa que ya puedas hacer fantásticas mezclas. Aunque este control es muy importante hay que tener en cuenta varias cosas a la hora de hacer mezclas: No es aconsejable mezclar un corte, porque casi siempre se nota y además suele quedar mal. Lo mejor es bajar la otra canción justo cuando haya un corte en la canción que estamos metiendo, habiendo dejado antes que se mezclen bien. De este modo parecerá como si las dos se callaran a la vez, pero en realidad ya habremos quitado el disco. No obstante, con mucho vicio puedes conseguir mezclar

cortes, que quede bien y no se note. La máquina se presta más a esto ya que muchas canciones tienen cortes en los que suena un bajo repetitivo, que se puede encajar con cualquier otra máquina. Tampoco queda bien mezclar dos pastelitos (Dance cantado) y que suenen a la vez. Dos voces al mismo tiempo cantando cada una algo diferente es algo que queda horroroso. Si hace falta, puedes intercalar pastelitos con discos Dance que no canten, por ejemplo : - Shock! - Extended mix (Neja) - Never surrender - Perpetual motion remix (2 unlimited) - Mysterious Times - Original 12" (Sash! feat. Tina Cousins) - Move mania - John B. Norman rmx (Sash! feat. Shannon) - Así sólo suena la voz de una de las canciones. Cuando vayas a mezclar pastelitos, ten cuidado con las voces. En una mezcla, la canción que más resalta es la canción más fuerte (no de volumen). Y hay que procurar que la más fuerte pase a ser la que vamos a meter, para que al quitar la otra apenas se note. Sin embargo, si la más fuerte es la que queremos quitar se notaría demasiado. Y canciones con voz son más fuertes. Por ello, si tenemos un pastelito en el que no pare de cantar como Shock! (Neja) tenemos que tener cuidado porque por mucho que mezclemos seguirá teniendo fuerza. Las introducciones son las partes de una canción en las que comienza a aparecer un bombo muy rápido que se va acelerando cada vez más hasta que suena un platillo y comienza la música de nuevo. Son muy típicas en el progressive y en la máquina. Soltar una canción tras una de estas introducciones suele quedar bastante bien. Cuando queramos pasar a otro estilo diferente que no podamos mezclar, por ejemplo de house o dance a pachanga, podemos usar el siguiente truco: Preparar el disco y tenerlo listo para soltarlo. Entonces, desenchufamos el plato que está sonando o lo desconectamos del power (si pulsais Stop no funcionará porque muchos platos tienen un freno). De este modo, la canción se irá parando poco a poco, y vamos bajando el volumen despacio. Cuando ya casi se haya parado soltamos la canción que queramos poner. Esto deja rayada a la peña. ¡Ojo!, este truco no se puede hacer en todos los platos porque muchos (sobre todo los de tracción por correa como el Akiyama DJ1200) se paran en seguida. Los mejores son por supuesto los Technics, pero como es difícil tenerlos, los platos de tracción directa normalmente nos irán bien. Si tenemos un pastelito muy fuerte que queremos quitar, un buen truco es meter alguna base o un Dance con poca voz y bajar un poco la voz para que pierda un poco de fuerza. Entonces, esperaremos a un corte en la canción que estamos metiendo y quitaremos el pastelito. Se nota el corte pero nos quitamos de encima el empacho de pastelitos. Significa demasiados àstelitos ¿Estás mezclando una máquina? Hay muchas formas de mezclar, pero te voy a comentar dos: primero, puedes coger una máquina que empiece en bombo y tenga algún sonido raro. La metes justo después de una introducción y parece como si fuera un cambio en la canción. Después, cuando el disco que tenías empiece a morir lo quitas y ya está. La segunda forma es meter una máquina con un sample repetitivo justo después de una introducción, dejar que se mezclen un poco y "voie là". 14. Final scratch Es un sistema de emulación de vinilo fabricado por stanton. Sirve para poder pinchar cualquier formato de sonido digital (mp3,wav,...), desde un ordenador, en vinilo. Existe otro muy parecido que es el de numark, pero sinceramente es mas sencillo de manejar el de stanton. Lo que se necesita básicamente es un ordenador, cables balanceados y uno USB, el final scratch (que consta de dos vinilos

especiales, software, el aparato transformador de digital a analógico) dos platos especiales para pinchar, y una mesa de mezclas. En cuanto al ordenador se recomienda un portátil para poder llevártelo en tus sessiones. Con esto conseguimos olvidarnos de la pesada maleta de vinilos o cds. Aquí expongo en un dibujo el funcionamiento del final scrath.

Como se ve es bastante sencillo y nos ahorramos el comprar vinilos y cd’s puesto que si tienes internet puedes bajarte las canciones, o si tienes cds de musica hacerlos mp3. Hay que decir tambien que los bueno dj’s prefieren el vinilo autentico que al final scratch, entre ellos dj’neil. El inconveniente de este sistema es que es un poco caro sale por unos 600€. 15. Creditos Bueno y aquí acaba el manual del dj o para el ke no es dj. Espero que te haya sido de gran ayuda. Este manual ha sido realizado por DJ’JORMI – ZAMORA 2003 Para mas información: [email protected] Saludos cordiales, a todos mis colegas. Este manual va dedicado a ellos. Firma: