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- 1359 LABADIE Patricia LABADIE Patricia Ver AMERICANO, Dúo. LABARRE (o LA BARRE) Pierre Chabanceau de n. 1592 en París - m. 1656 en París Compositor e instrumentista francés, notable virtuoso de laúd, organista de la capilla de Luis XIII, maestro de espineta de Ana de Austria y uno de los principales animadores de los conciertos realizados en la corte. Constantin Huygens y el padre Marin Mersenne, entre otros, elogiaron su figura descollante entre los célebres músicos de su mismo apellido. Besard incluyó una "courante" de Labarre en su obra "Novos partus" (1617). También está representado en notación moderna en la coleccion "Corpus des Luthistes Français" (Edition du Centre National de la Recherche Scientifique, Paris 1957/1978). LABARRE Pierre Chabanceau (hijo) n. hacia 1635 en París - m. 1710 en París Virtuoso de laúd, de tiorba y compositor francés, hijo del anterior. Como aquel desempeñó importantes cargo en la corte de Luis XIII. Músico de cámara, fue maestro de bajo de viola de la reina Maria Teresa y después "valet" de cámara de la duquesa de Bourgogne. Su gran fama como ejecutante y maestro de tiorba le valieron títulos de nobleza. Algunas de sus obras para laúd se conservan en el Museo Británico. LABARRE Trille Siglo XVIII Guitarrista y compositor francés, radicado en París en la segunda mitad del siglo XVIII, donde se distinguió como hábil ejecutante y maestro del instrumento. Entre 1787 y 1794 compuso "Sonata" para violín y guitarra op. 2, "romances" y "canciones" para voz y guitarra, y algunos "estudios" y "variaciones" para aquella sola, así como una "Nouvelle méthode pour la Guitare" (1793), catalogado con el op. 7 en su producción. Prat cita su opus 8, que comprende una "preciosa colección" de treintiuna piezas para guitarra de cinco órdenes. L'ABBE Richart Siglo XIV En el año 1349 estaba al servicio del duque de Normandía como "tañedor de guitarra morische". Es citado por M. Van der Straeter. LABITZKY José Compositor guitarrista de mediados del siglo pasado. Como compositor, fue fecundo, aunque no muy interesante. No obstante, sus obras son agradables dentro del género en que fueron escritas. Se le conocen publicadas las siguientes: op. 47 "Brandhofen Walzer"; op. 48 "Walzer aus der Feenvelf; op. 51 "SophienWalzer"; op. 53 "Andenken an das Anitschkoffsche Palais in St. Petersburg. Walzer"; op. 55 "Die Fashionablen Walzer"; op. 62 "Erste Walzer-Guirlande"; op. 63 "Souvenir a St. Petersbourg"; op. 64 "Georginen-Walzer"; op. 65 lmmergrün-Galopp; op. 66 "Die Venetianer. Walzer"; op. 67 "Hyacinthen-Polka"; op. 69 "Neue AuroraWalzer"; op. 70 "Jubelklange aus Allion"; op. 86 "Quadrilles" y "Dessauer-Galopp". (D. Prat, Diccionario,1934)

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- 1360 LABROUVE Jorge LABROUVE Jorge n. 1949 en Buenos Aires Guitarrista y compositor argentino. En 1978 publica en las ediciones parisinas "Transatlantiques" 12 interesantes estudios de carácter didáctico. Su escritura guitarrística es clásica y la presentación gráfica de su música denota un músico de buena formación. Sus composiciones están elaboradas bajo un neo-folklorismo aleatorio, pero no se deben comparar de ninguna manera con el estilo creativo de Leo Brouwer. Vincenzo Pocci nos presenta en su notable catálogo guitarrístico las siguientes obras de Jorge Labrouve: - 12 Etudes (vol. 1) - Cérémonial - Concerto (1980) (Guitarra y orquesta) - Diferencias - Diseños (1973) - Dix Esquisses - Enigma - Etudes faciles - Nucleos (1972) - Sintesis II (1969) - Trois Evocations (1967) - Trois Manuscrits

Ed. Transatlantiques " " " " UME Alpuerto Ed. Transatlantiques Max Eschig Ed. Transatlantiques Alpuerto Alpuerto Max Eschig Transatlantiques

LACASA Pastor Siglo XIX "Entre los más célebres guitarristas de la época de Rosas (1793-1877) podemos recordar a D. Pastor Lacasa. Se distinguía Lacasa por su exquisita sensibilidad para interpretar piezas de autores de su tiempo, como también propias. Su habilidad en el manejo del difícil instrumento era proverbial. Por repetidas veces se hizo aplaudir calurosamente en fiestas teatrales de beneficencia. Su fama quedó así bien cimentada y su colaboración desinteresada para esta clase de espectáculos era muy solicitada." (Segundo Contreras, "Disertaciones musicales", Buenos Aires,1931).

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- 1361 LACÔTE René François LACÔTE René François n. hacia 1785 en Mirecourt - m. hacia 1855 en París Constructor de guitarras francés, que gozó de gran fama en su época y fue premiado en distintas ocasiones con medallas y diplomas. En el año 1832, según las etiquetas de sus instrumentos, estuvo establecido en la Plaza de las Victorias 51, de París; en 1845 en la rue Grammont 7, y posteriormente en la rue des Martyrs 20. Sus guitarras, en las que introdujo algunas innovaciones, fueron tocadas por virtuosos tales como Carulli, al que construyó un "decacordo" en 1826, Carcassi y Sor, entre otros, siendo la del español de siete cuerdas. Prat hace una observación en su Diccionario respecto a Lacôte, que copiamos: "La fama que tuvo y que se mantiene aún está, quizá, por encima de su valor. Algunos de sus ejemplares se encuentran hoy en perfecto estado de conservación. Fernando Sor poseía una guitarra de Lacôte ; no obstante, podemos afirmar que con ellos ningún concertista contemporáneo, ni aún los buenos, podría realizar con ventaja una audición pública, por no encerrar las cualidades que nos ofrecen los instrumentos de los luthiers actuales". Lacôte y Carulli "Decacorde" (París, 1826)

LACHENMANN Helmut n. 1935 en Stuttgart, Alemania Compositor alemán, formado en Stuttgart y en Venecia, donde entre los años 1958-60 recibió las enseñanzas de Luigi Nono. Su producción musical, premiada en Munich (1965), Stuttgart (1968) y Hamburgo (1972) es de avanzada estética vanguardista. En 1977 estrenó en Baden-Baden (Ars Nova, Südwestfunk) su obra "Salut für Caudwell" para dos guitarras, editada por Breitkopf & Härtel.

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- 1362 LADRÚ Aníbal LADRÚ Aníbal n.1882 en Tucumán, Argentina - m. ? No tenemos otros datos de este concertista de guitarra, pedagogo y compositor argentino, que los que aporta Domingo Prat en su Diccionario de 1934, en el que se lee: "Por inclinación propia dedicóse al estudio de la guitarra, logrando ser buen instrumentista autodidacta. Circunstancias imprevistas lo indujeron al ejercicio del profesorado por los años 1920, abriéndose bien pronto un brillante camino. Nombrado profesor del Conservatorio Fracassi confecciona un programa de estudios en seis cursos, y es presentado en dicho instituto con las siguientes palabras: 'Aníbal Ladrú es considerado como uno de los más notables concertistas y profesor de guitarra de la capital federal. Desde la niñez demostró grandes aptitudes para el instrumento que ennobleciera el eminente Tárrega, a cuya escuela pertenece, adaptando sus métodos. La Prensa y La Nación, con motivo de sus audiciones, se han ocupado con artículos elogiosos también de su escuela, contando con una pléyade de distinguidas alumnas. A raíz de sus éxitos como concertista y enseñante, el maestro Fracassi lo nombró profesor de las clases de guitarra, tanto en la sede central como en las sucursales en donde el número de sus alumnas sigue en constante aumento, habiendo presentado en distintas audiciones bien seleccionados y solidos conjuntos de alumnos'. Como compositor se le conoce publicada una 'Escuela de mecanismo técnico para guitarra', que consta de veintiocho páginas de nutrido material para la enseñanza, como lo indica el título, siendo editada en el año 1927. La bondad de dicha obra es un elogio a los conocimientos guitarrísticos del autor. Tiene, también, una obra de carácter incaico titulada 'La Quena, Imitativa', discreta composición bien acertada." LAELIUS Daniel Siglo XVII Laudista alemán, autor de la obra "Testudo spiritualis..." (Armheim, 1617) que comprende una colección de salmos con acompañamiento de laúd.

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- 1363 LÄNDLER o Läender LÄNDLER o Läender Danza de carácter popular, a 3/8 o 3/4, de tempo lento, que se baila en Austria y en el sur de Alemania. Su origen es antiguo y se baila como el Vals, acompañada de un canto llamado "Jodler". No cabe ninguna duda que el Ländler nace de una diferencia social (danza de las populaciones rurales, por oposición a los medios ciudadanos y aristocráticos) y a su música, constituye una réplica popular del Minueto, del cual el Laender nació parcialmente. Mozart, Beethoven y sobre todo Franz Schubert, escribieron Suites de Läender. Esta danza también forma parte del repertorio de música para guitarra, que los guitarristas Josef Küffner, J.K. Mertz, Mauro Giuliani y otros escribieron para su instrumento; de éste último se conocen Läender en sus: Opp. 23, 44, 58, para guitarra sola. Op. 75 para flauta o violín y guitarra, y para dos guitarras, en el vol. 19 de las ediciones TECLA.

Läendler Austríaco Pintura de J. Lederwasch (1756-1812)

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- 1364 LAGO NUÑEZ Daniel LAGO NUÑEZ Daniel n. 1890 en Santa María de Tebra/Pontevedra - m. ? en Buenos Aires En 1934 escribía Prat con relación a este distinguido constructor de guitarras español: "Trasladóse a la Argentina en 1911, radicándose en Buenos Aires. Sobrino del afamado constructor Francisco Nuñez, éste le tuvo a su lado guiándolo con toda clase de desvelos y no guardando secretos para su discípulo, quien no desperció tan valiosas enseñanzas. Por el contrario, las aprovechó prontamente. Lago Nuñez ha sido un constante estudioso, llegando a hacerse un conocedor experto de las maderas que en su resistencia de fibras puedan aportar más o menos cantidad y calidad de sonido. Su consagración le ha valido ejemplares dignos de compararse con los mejores que se han importado de España. Mencionar los delicados trabajos que aplica a los instrumentos en mosaicos y filetería, es recordar a los insuperables de Antonio Torres. Sin duda alguna la guitarra tiene en este constructor-artista uno de los mejores amigos, y por lo mucho y bueno que ha realizado se tienen de él halagüeñas esperanzas." LAGOS Antonio n. 1929 en España Guitarrero argentino, hijo del constructor de igual nombre, que fue quien le transmitió el oficio desde catorce años de edad. "Mi padre ejecutaba la guitarra y en el afán de encontrar una que lo conformara, comenzó a construirlas él mismo. Es en ese momento, aún viviendo en España, cuando empieza mi pasión por la guitarra. Después, al radicarme en la Argentina en el año 1950, la luthería pasaría a ser mi medio de vida, siendo a la vez para mí una gran satisfacción dedicarme a ello. Suelo construir alrededor de veinte o veinticinco guitarras mensuales."

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- 1365 LAGOYA Alexandre LAGOYA Alexandre n.1929 en Alejandría, Egipto - m. 1999 en París Su padre es griego y su madre italiana. Aprende a tocar la guitarra en Alejandría, donde ofrece su primer recital a los trece años; luego toca en otras ciudades de su país natal. Tiene dieciocho años de edad cuando llega a París, pasando a estudiar en la Ecole Normale de Musique; su maestro en guitarra se apellida Saudry. En 1950 asiste a las clases de Andrés Segovia en Siena. Este mismo año conoce también en las reuniones de "Les Amis de la Guitare", en casa del Dr. André Verdier, a la que habría de ser su esposa, a Ida Presti; se casan en 1952, tras formar el Dúo PrestiLagoya, el cual alcanzaría muy pronto una gran notoriedad en Francia y los países de influencia francesa, y más tarde en todo el mundo. Se distinguen en la enseñanza impartiendo numerosos cursos, en la Schola Cantorum de París, en el Conservatorio de Niza, etc. Y también como recitalistas, emprendiendo continuadas giras. Graban discos, sobre todo con "Philips", pero también en "RCA", "Nonesuch" y otras casas. En 1967, durante una gira del dúo por Estados Unidos, Ida Presti fallece repentinamente en Nueva York, y la carrera de Lagoya se ve de pronto truncada, pasando unos cinco años en la sombra. Al cabo de ese tiempo reanuda la actividad artística, cultivando con frecuencia el dúo con otros guitarristas, con flautistas, etc. En 1969 consigue la cátedra de guitarra en el Conservatorio Central de París, y prosigue además los Cursos de Verano de Niza, iniciados en 1960 en colaboración con Ida Presti. Es Alexandre Lagoya autor de una serie de transcripciones, así como de algunas piezas, entre las que recordamos "Caprice", "Rêverie" (Ricordi), "6 Estudios" (Schott), etc. También tras la muerte de su esposa ha grabado discos con "Philips", "RCA" y "CBS". (A.U.Mallo)

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- 1366 LÁGRIMA LÁGRIMA Historia de "una làgrima" de Francisco Tàrrega

Lágrima (Preludio) Manuscrito de Tàrrega, en tres partes (sin título)

Se supone que Tàrrega escribiera los dos primeros movimientos en Londres; la versión en terceras, parece ser posterior, por haberse encontrado escrita en otro papel de música, engrapado al primero. (Ms archivado en la Biblioteca de Melchor Rodriguez) Durante el verano del año 1880, Tàrrega se encontraba en Londres, con el fin de dar tres conciertos en el Coven Garden, pero sólamente dio dos " No puedo soportar la tiesura inglesa, ni su idioma que desconozco, ni el clima ni la niebla", decía con tristeza el maestro.(En torno a Tàrrega, p.19) La poetisa castellonense Nieves Rueda, en un emotivo escrito dedicado a Tàrrega, hace mención del "nacimiento" (en Londres) de la Làgrima, en los siguientes términos: ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1367 LÁGRIMA "Un día, cuando había finalizado la primera parte de su interpretación, salió del salón en busca de un lugar aislado. Y cerrando los ojos, tensa las cuerdas de su espíritu en intensa añoranza. Cuando es advertida su desaparición, salen en su busca y al hallarle en aquella actitud, se detiénen y aguardan. Pero Tárrega, al sentirse sorprendido, lévanta la cabeza. Y al decir:—Pienso en mi familia. Pienso en España. Una lágrima resbala por su mejilla. La voz amiga de un inglés (seguramente el Dr Leckie) le sugiere: "Componga algo" Y compuso "La Lágrima". Un poema lleno de cautivadora sencillez, un reprimido lamento, una triste sonrisa fuera de la patria. '' F. Tàrrega, 1970. Castellón. Sin embargo, en un artículo impreso en "El Heraldo de Castellón" (20-12-1915), con el título;" "Homenaje del pueblo de Castellón a Paco Tàrrega", el escrito da otra versión de la creación de la Làgrima: "Una Làgrima (...) composición original, suya, sencilla y genial (...) dedicàndola a su primera hija, Conchita, que la muerte le arrebató, en temprana edad..." Su hija conchita, murió en Barcelona el 22 de Diciembre de 1891, es decir, 11 años después de que Tàrrega "escribiera" su "Làgrima" en Londres. (1880). 1904 Alcoy (Valencia) Copia de Juan Moya, seguramente alumno de Tàrrega; ese mismo año se encontraba Tàrrega en Alcoy y, durante su estancia en este lugar dedicó "a mi amigo y discípulo Vicente Moya" la transcripción que efectuó de un Minuetto de Beethoven. ¿Era Vicente Moya hermano de Juan? La "Làgrima", se presenta en las dos partes que màs se conocen: Mayor y menor. (El actual propietario de esta copia manuscrita de Juan Moya, es el guitarrista Carlos Ferraces) 1911"Una Lágrima" Preludio"Copiado del original por Josefina Robledo" Valencia 30-5 -11 Esta copia, procedente del Ms original, se presenta en dos partes: Mayor y menor, con la particularidad que la parte menor corresponde al tercer movimiento en terceras que Tàrrega escribió en un principio. Domingo Prat, hace en su diccionario (p.175), el siguiente comentario sobre la "Lágrima": "En la visita que en 1911 hice a Leckie, en Marsella, me ofreció varios interesantes manuscritos, entre ellos el conocido y delicado preludio de Tárrega, titulado "Lágrima", en tres partes: una de ellas desconocida, hasta que la casa "Romero y Fernández", de Buenos Aires y Daniel Fortea en su Biblioteca de Madrid, la entregaron a la imprenta. Algunos desconocedores negaron la paternidad de esta parte del preludio al distinguido maestro de Villarreal; pero en tal caso confirmo con los mejores datos de autenticidad el aserto en que tomé parte". "El Preludio "Lágrima" fué editado por primera vez en Buenos Aires, en la visita que hiciera el hijo del guitarrista en 1914: tenia dos partes Diez años más tarde se publica en esta misma ciudad con tres partes; algunos adjudicaron la paternidad de la inclusión al que subscribe; no creyéndose merecedor de tanto honor. En estos años vuelve a ser editada por la biblioteca Fortea, de Madrid (Daniel Fortea, discipulo de Tárrega), en sus partes completas, aunque no en el mismo orden, quedando demostrada la verdadera paternidad del autor de esta muy buena producción". (p.316, Diccionario). 1914 Primera edición de la "Làgrima", a cargo del hijo de Tàrrega durante su estancia en Buenos Aires; esta pieza fue publicada en dos partes (Mayor y menor), en la Imprenta MUSICAL – ORTELLI Hnos, de la capital argentina. En el sexto compàs de la segunda parte del tono menor, solamente hay un LA en el bajo, mientras que en el Ms de Tàrrega, que presentamos al principio de este artículo, del citado compàs, escribió el maestro, un acorde de La m.

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- 1368 LÁGRIMA 1921 Copia manuscrita anónima, similar a la edición de 1914; en el sexto compás de la parte menor, no figura el LA en el bajo. (Biblioteca: Jan-Olof Eriksson) 1924 Domingo Prat, edita la "Làgrima" en tres partes, como el Ms de Tàrrega aquí representado, pero la parte en terceras se sitúa en el segundo movimiento y, el sexto compàs de la tercera parte, solamente lleva en el bajo un LA. 1924 Este mismo año, publica D. Prat la "Lagrima" en dos partes, como lo hiciera el hijo de Tàrrega en 1914. ca. 1927 Las ediciones musicales madrileñas Ildefonso Alier, publican la "Làgrima" en dos partes, como lo hiciera el hijo de Tàrrega en Buenos Aires. 1930 Daniel Fortea, da a la estampa en su Editorial: PRELUDIO (Làgrima) en tres partes, pero el movimiento en terceras lo sitúa al final. (Revisado por Fortea) 1991 Las ediciones musicales madrileñas SONETO publican la "Làgrima" en tres partes, el movimiento en terceras se encuentra en segundo puesto. (Francisco Herrera, Ginebra, 2002)

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- 1369 LA GROTTE Nicolas de LA GROTTE Nicolas de Siglo XVI Organista francés, músico de cámara de Enrique III entre 1565 y 1587. Besard incluyó una "courante" de La Grotte en "Novus partus" (1617). Una "fantasía" suya para laúd se conserva asimismo en la Biblioteca Nacional de Viena (manuscrito de R. Lasso). Está representado con notación moderna en la obra "Corpus des Luthistes Français" (Edition du Centre National de la Recherche Scientifique, Paris, 1957-78). LAGUNA MILLAN Juan Carlos Originario de la Ciudad de México, realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Música de la UNAM con René Viruega y Marco Antonio Anguiano. Asimismo ha participado en clases magistrales de perfeccionamiento entre los que destacan los cursos de Manuel Barrueco, Roberth Guthrie e Ivan Rijos. En 1984 se hizo acreedor al Primer Lugar en el Concurso Nacional de Guitarra de la UAM; en 1988 el Primer Lugar en el Concurso Nacional Paracho 88. La UNAM le otorgó la medalla Gabino Barreda y el Diario de México la medalla "Los Mejores Estudiantes de México". Ha participado en tres ediciones del Festival Internacional Cervantino, el Primero y Segundo Gran Festival Ciudad de México, Las Jornadas de Música Antigua. El Foro Internacional de Música Nueva y El Festival del Centro Histórico. En 1989 ingresa al grupo CONCERTISTAS DE BELLAS ARTES, por Concurso de Oposición. LAMARE Nappy n.1907 en New Orleans/Louisiana, USA Su nombre real es Hilton Napoleon Lamare y comienza con el banjo y la trompeta, trabajando durante algún tiempo como banjoista en numerosas formaciones musicales de New Orleans. En 1930 se instala en New York y participa como guitarrista en el grupo de Ben Pollack. Desde 1942 reside en Hollywood, donde unas veces conduce su propio grupo y otras actua en formaciones de renombre como las de Bob Crosby, Jimmy Dorsey, Eddie Miller, etc. Con frecuencia trabajó para el cine como guitarrista o banjoista, contándose entre ellas varias películas de Walt Disney. Actualmente dirige su propio grupo de estilo "New Orleans" en Disneyland. Su música ha sido publicada por la editora Capitol; sus discos se hallan en los sellos "MCA", "Capitol", etc. (A.U.Mallo)

LAMBARDI Camillo Siglo XVI Laudista italiano, al que cita Cerreto al referirse a los más notables músicos que residían en Nápoles a finales del siglo XVI (Prólogo de "Della prattica musicale et strumentale", Nápoles, 1601). Hay otro laudista de la misma época e igual apellido, llamado Francesco, que cultivó la "frottola".

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- 1370 LAMBERT Michel LAMBERT Michel n. 1610 en Vivonne/Poitou - m. 1696 en París Laudista francés, que fue protegido por un hermano de Luis XIII y posteriormente músico de cámara de Luis XIV. Se distinguó en la enseñanza del laúd, tiorba y clavecín, siendo además profesor de guitarra de una de las hijas del rey Sol, Mademoiselle Charolais. Sus composiciones, en su mayor parte manuscritas, se hallan en la Biblioteca Nacional, en la del Arsenal y en la del Conservatorio de París. LAMBIASE Paolo - VITI Piero (Dúo de guitarra) Los dos, nacidos en Nápoles, iniciaron el estudio de la guitarra con Stefano Aruta. En 1982 reciben clases de perfeccionamiento de Angelo Gilardino. Diplomados los dos en el Conservatorio obteniendo la máxima calificación, fundan más tarde el dúo basado principalmente en la ejecución de obras originales para guitarra. Han participado a numerosos concursos, clasificándose en el tercer lugar del "Concorso Nazionale di Musica da Camera Citta di Sorrento". Uno de sus recitales ha sido tomado integralmente por la RAI 3 en el ámbito del Festival di Chitarra di Lagonegro. En fin en el año 1989 ganan el segundo premio en el "Concorso Internazionale per Duo di Chitarra" en Montélimar (Francia), único festival a nivel mundial dedicado exclusivamente a este tipo de formación de música de cámara. Entre los compositores que interpretan en dúo, cabe citar F. Carulli, N. Coste, M. Giuliani y otros. LAND Jan Pieter Nicolaus n. 1837 en Delft - m. 1897 en Arnheim Musicólogo holandés. Desempeñó la cátedra de lenguas orientales en la Universidad de Leyden. Entre otros interesantes tratados, dio a la estampa "Recherches sur l'histoire de la gamme arabe" (Leyden, 1884), relacionado con la música oriental, así como un estudio crítico de la obra para laúd de Thysius. LAND Wolf n. 1944 en Herchen/Siegkreis, Alemania Tenor y laúdista alemán. A partir de 1965 estudió laúd con Walter Gerwig y canto con Heinz Marten en la Escuala Superior de Música de Colonia. Prosiguió sus estudios de laúd con Michael Schäffer (1966) y de canto con Peter Witsch (1970), obteniendo diplomas de maestría en 1975 en el referido centro docente. En su actividad concertística viene prestando especial interés al "lied" alemán renacentista, acompañándose él mismo a la voz con el instrumento. LANDI Stefano n. 1530 en Nápoles - m. 1571 en Nápoles Compositor y vihuelista italiano, músico de cámara al servicio del duque de Alcala en Nápoles. Desde 1559 hasta su muerte ocupó el cargo de "conservador de las vihuelas" en el Palacio Real.

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- 1371 LANDI Stefano LANDI Stefano n. 1590 en Roma - m. 1655 en Roma Compositor y organista italiano, discípulo de un Nanini. Uno de los máximos representantes de la escuela en su tiempo, fue maestro de capilla en Padua y en Roma, así como contralto de la "Capella Giulia" desde 1629. En su producción musical, publicada en Venecia y Roma, figuran varias obras para laúd, chitarrone y "chitarra alla spagnuola". LANFRANCO Giovanni Maria Siglo XVI Músico y teórico italiano, natural de Terenzio/Parma. En el año 1532 ejercía su actividad en Brescia, y a partir de 1540 en Parma, donde se produjo su fallecimiento en 1545. En su tratado "Scintille di musica" (Brescia, 1533) trata de la enseñanza del canto, de la composición, de la lira, citara, laúd, arpa, etc., sin olvidar "la música de los mundos y de los cuerpos celestes", que entonces se admitía casi como artículo de fe. LANG Eddie n. 1904 en Filadelfia - m. 1933 en Filadelfia Músico de jazz norteamericano, uno de los propulsores del solo de guitarra en el género. Era descendiente de emigrantes italianos y se llamaba en realidad Salvatore Massino. También empleó el pseudónimo de Blind Willie Dunn para actuar en dúos inolvidables con Lonnie Johnson, que dieron a ambos justa popularidad. De adolescente estudió el violín, el cual abandonó pronto para dedicarse con todo entusiasmo a la guitarra y el banjo, instrumentos estos más afines con su temperamento latino. Inició la carrera profesional en 1924 con Red Mckenzies, después de colaborar con el violinista Joe Venuti, al que siempre estuvo vinculado en una estrecha relación. En 1930 pasó a ser guitarrista solista de la célebre orquesta de Paul Whiteman, con la que, ya próximo a su trágico fin, como consecuencia de una amigdalitis, acompañó a Bing Crosby en la película "King of Jazz". Músico nato e intuitivo, con él la guitarra comenzó a ganar un lugar de privilegio en los conjuntos de jazz. LANIAU Pierre n. 1958 en París Realizó sus estudios de guitarra en "l'Ecole Normale de Musique de Paris" con el maestro Alberto Ponce y esporádicamente con Narciso Yepes. Laniau graba su primer disco con obras de Erik Satie. En el repertorio tradicional de la guitarra, busca ampliarlo dirigiéndose a la música contemporánea francesa. A partir de su primer concierto en 1972, Laniau es invitado en los grandes festivales de música francesa en calidad de intérprete: "Festival estival de París", "Festival du Marais", "Festival de Lille, de Montpellier", "France Musique"; ha tocado en la "Salle Gaveau de Paris", etc. François Dry en "Les Cahiers de la Guitare" resume el espíritu de su trabajo: "... l'effacement de la guitare devant la musique". Además de sus recitales en Europa, Laniau se da a conocer en China por sus múltiples conciertos que cada año toca en este país.

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- 1372 LANIER Nicholas LANIER Nicholas n. 1588 - m. 1666 en Londres Compositor inglés, tañedor de laúd y de viola, cantor, grabador y pintor, miembro de una familia de músicos originaria de Ruán. Compuso una abundante serie de "masques", campo en el que introdujo el nuevo estilo italiano, así como numerosos "ayres" y dúos. Estuvo adscrito a la corte hasta la Guerra Civil, y regresó a ella con la Restauración. Huygens lo incluye en su obra "Musique et musiciens au XVIIème siècle". LANZ Joseph n. 1797 en Michaelnbach (Alta Austria) – m. ? Compositor y guitarrista austríaco, hijo de un institutor. Desde muy joven se descubrió su talento musical, siendo muy aupado por su padre; sin embargo, Lanz se formó de manera autodidacta, inspirándose de Haydn, Mozart, y Beethoven. Lanz tocaba varios instrumentos: piano, oboe, clarinete, fagoto, trompa y guitarra. Como es natural, cuando componía para guitarra utilizaba este instrumento. En 1819, Joseph Lanz ocupaba el puesto de primer violin en la Orquesta de la Abadía de Saint Pierre de Salzburgo; es aquí que se perderán sus huellas, y a partir de 1821 no se ha podido encontrar más datos biográficos de este músico. Se desconoce la fecha de su muerte. Obras: "Soirée champêtre", Sérénade (Op.19) (Flauta, violin y Guitarra) Ed. A. Diabelli, Viena. "Sérénade à la Rossini" (Flauta, Viola y Guitarra) Ed. Leidesdorf, Viena "Due Rondini" Op.9 (Guitarra sola) El "Rondino" Op.9 Nr 2, fue publicado en la Universal Edition (1992) a cargo del profesor y guitarrista austríaco Martin Rennert, autor del presente artículo. LANZA Giuseppe Siglo XVIII Compositor y profesor de canto italiano, probablemente de Nápoles. Según Mende, entre 1792 y 1812 ejerció la actividad musical en Londres, trasladándose seguidamente a Nápoles. Compuso "Sei ariette italiane con accompagnamento de chitarra e violino" (1892). Su compatriota Giuliani transcribió una "Tarantella" suya para dos guitarras. LA-PA-PU Instrumento musical usado por la orquesta musulmana del palacio imperial de Pékin, que no es sino el "rébab" o "Kachgar-rbab" persa importado a China. Posee caja de resonancia a manera de calabaza, formando un mismo cuerpo con el mástil y siete cuerdas: cinco de seda y dos de metal. En la cabeza, doblada hacia atrás, van cinco clavijas, dos a la izquierda y tres a la derecha, para las cuerdas de seda. En el mástil, dos clavijas más, a la derecha, éstas para las de hierro o acero. Las de seda se pulsan con un plectro de madera, mientras que las de hierro o acero vibran por resonancia. (A.U.Mallo)

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- 1373 LAPARRA Raoul LAPARRA Raoul n.1876 en Burdeos - m.1943 en Suresnes (Hauts-de-Seine) Compositor francés, fallecido durante un bombardeo aéreo. Recibió su instrucción musical de personalidades como, Massenet, Lavignac, Demier y G. Fauré en el Conservatorio de París. En Junio de 1903 obtuvo el Premier Grand Prix de Rome con la cantata Ulysse. Fue crítico musical del periódico Matin. Es autor de un sinnúmero de melodías "Danses basques", una "Suite" para orquesta y de las Operas: "El Tango y la Malagueña", "Amphitryon" y "Habanera". En esta última el protagonista canta en una escena acompañado con la guitarra, secundada por dos violines. Laparra ha colaborado en muchas publicaciones y es autor del trabajo "La Música y la Danza popular en España", publicado en la "Enciclopedia de la Música" A. Lavignac París, 1920 páginas 2354-2400 (1.a PARTE). En dicho artículo se ocupa de la guitarra que cita en los siguientes términos: " Es aquí (Andalucía) el verdadero reino de la guitarra; esa especie de diosa con sus sorprendentes inspiraciones". Más adelante, dice de la Vihuela. " La Vihuela, que engendró la Guitarra. Instrumento esncialmente español, cuya popularidad fue grande en el siglo XVI. El repertorio de la Vihuela es muy importante, Alonso de Mudarra, Diego pisador, Luis Venegas de Henestrosa, etc., escribieron bellas páginas para ella..." Entre los ejemplos musicales de este interesante artículo, presenta un ejemplo musical de un "Tango flamenco" del guitarrista y compositor andaluz, Angel Barrios. (p.2394) Laparra siempre ha sido un verdadero entusiasta de la música española y en particular muy amigo de la guitarra. Alberto López Poveda, biógrafo de Andrés Segovia, dijo que Laparra y Andrés Segovia se conocieron:" Andrés Segovia conoció a Raoul Laparra en el año 1924. He tenido conversaciones con el maestro Segovia en relación con su actividad artística en la capital francesa en 1924. En sta fecha conoció a Raoul, que asistió a sus conciertos. Era un francés muy amante de España. Le impresionó el sonido de la guitarra de Segovia..." Es muy probable que a raíz de este encuentro escribiera para el cordófono español. Por cortesía del Archivo de Claude Champagne y de las Ediciones Bèrben.

Obras para guitarra: CUADROS (Scènes d'Espagne) 1) Pueblo Castellano 2) En Aragón 3) Brujerías Editadas por Angelo Gilardino y Luigi Biscaldi, en la colección: " The Andrés Segovia Archive" General Editor: Angelo Gilardino. (Ediciones Bèrben, 2003) ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1374 LA PIETRA José LA PIETRA José n. 1903 en Buenos Aires Concertista, compositor y profesor de guitarra argentino. Fue discípulo de Domingo Prat, quien lo incluye en su Diccionario: "En esta ciudad (Buenos Aires) cursó los estudios de solfeo y guitarra con el maestro Domingo Rey, con quien logró grandes adelantos, a pesar de haber tenido que apartarse de él temporalmente para cumplir los deberes del servicio militar. A su terminación, volvió nuevamente con su maestro. En varios actos musicales y en las audiciones periódicas del Conservatorio Cereda, tocó a dos guitarras, pasando más tarde a la academia del que suscribe, hasta que se diplomó de Profesor de Guitarra. A continuación ejercita sus actividades en la enseñanza y la composición. En ésta se le conocen, publicadas, varios aires argentinos, unos preludios y otros de estilo vario. Toma parte en un acto artístico de Villa Devoto, el 8 de abril de 1930, donde presenta un conjunto de alumnos, entre los que intervienen: Díaz, Paujia, Placco, Guillén, Gómez y el propio La Pietra, siendo entusiastamente aplaudidos. En ocasión de haber actuado en otros actos y en Radio, el diario 'La Razón', de aquella localidad, perteneciente a 16.VI.1928, en un largo artículo, decía: 'En esta orilla porteña que es Villa Devoto, un consecuente abnegado cultiva la música de la guitarra con el cariño de un arte de acendrada vocación en su espíritu; es José La Pietra cuyas manos pulsan las cuerdas del instrumento criollo con la facilidad de un técnico y la emoción de un artista. José La Pietra, que es ventejosamente conocido por nuestro público, por haber actuado en varias estaciones de radio, lleva editadas con éxito de crítica y de público, varias composiciones musicales.' Ha sido profesor del Instituto Chopín, de Villa del Parque, y es director de una academia, a la que, en beneficio de la enseñanza, dedica totalmente su tiempo." Nada podemos añadir a lo dicho por Prat en 1934. LAPORTA Isidro de Siglo XIX Compositor español, que dedicó especial interés a la guitarra, citado por Aguado en el prólogo de su "Escuela" (versión de 1820, publicada en París). Según Saldoni, entre 1790 y 1801 aparecieron en Madrid las siguientes obras de este autor: un "fandango", acompañado de seis "tiranas" a solo y a dúo, y dos "tonadillas" nuevas, en enero de 1790; dos "sonatas", cuatro "dúos" y seis "minuetos" para guitarra y bajo, en junio del mismo año; varios "minuetos", "rondos" y un "divertimento" a dúo, todo para guitarra, en diciembre de 1798; doce "contradanzas", de agradable música con explicación del baile, a violín y a dos violines, veinticuatro "minuetos" al estilo moderno portugués y español, para guitarra y bajo, así como una "sonata" compuesta de tres aires, también para guitarra y bajo, en mayo de 1789; seis "grandes rondos" bajo el título "La seis naciones", para guitarra y bajo, en enero de 1800; un gracioso "fandanguillo" sevillano con cuarenta y dos diferencias, para guitarra sola, en abril del mismo año; y en enero de 1801, un conjunto de piezas para guitarra integrado por seis "minuetos", cuatro "contradanzas", un "allegro pastoral" con variaciones, un "rondo" y una "marcha". Consúltese, "Un fondo desconocido de Música para Guitarra" por Luis Briso de Montiano. "Opera tres". Madrid, 1995

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- 1375 LAPRÉVOTTE Etienne LAPRÉVOTTE Etienne n. 1790 en Mirecourt - m. 1856 en París "Luthier" francés, uno de los más importantes de su país en la primera mitad del siglo pasado. En 1821 tiene su taller en Marsella, trasladándolo después a París, donde lo encontramos en 1824 instalado en la "Place du Palais Royal". Luego en otras direcciones, figurando en sus etiquetas que es "Luthier de Son Altesse royale le duc de Bordeaux". Sus instrumentos, en su mayor parte violines y guitarras, que serían premiadas de concursos internacionales, se distinguieron en la forma elegante de la caja, si bien diferiendo mucho unos y otros en la calidad del sonido: Hubieron varios Laprévotte (o La Prévotte), uno de ellos, de nombre Baptiste, probablemente emparentado con Etienne, tenía su taller situado en la "rue de Richelieu 10, de Paris", dedicándose sobre todo a la construcción de guitarras para damas. LARA Roberto n. 1927 en Tres Arroyos, Argentina - m. 1988 en Buenos Aires Guitarrista y pedagogo argentino, formado en la capital de Buenos Aires. Ha realizado una fecunda actividad concertística por toda la América del Sur, Central y del Norte, así como por Europa, siendo considerado uno de los primeros guitarristas de su país. Ha grabado para las casas discográficas "Qualiton" de la Argentina y "Lyrichord" de los Estados Unidos. Posteriormente se dedicará sobre todo a la enseñanza, ejerciendo ésta en Buenos Aires. Es autor de una exhaustiva producción de arreglos, adaptaciones, revisiones y transcripoiones para guitarra, todo editado por Ricordi Americana, y que comprende obras de Aguado, Bach, Cano, Coste, Chopín, Gade, Gruber, Guastavino, Jensen, Kabalewski, Ljadov, Maiztegui, Montanero, Pahissa, Pleyel, Purcell, Rubinstein, Sanmartino, Schostakowitsch, Sor, Tárrega, Tschaikowsky, etc. foto Luigi MARIOTTI

LARICHEV Evgenij n. 1934 en Moscú Guitarrista y compositor ruso, discípulo de Alexandre Ivanov Kramskoi uno de las figuras más representativas de la guitarra clásica de seis cuerdas en su país. Como concertista, su actuación se viene desarrollando sobre todo en la Rusia. Ha grabado varios discos con obras de Tárrega, Villalobos, etc. En la composición cultiva el género popular, arreglando para su instrumento aires y danzas del folklore ruso, que ha publicado la editorial "Muzyka" de Moscú.

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- 1376 LARRAURI Antón LARRAURI Antón n. 1932 en Bilbao Compositor español, de formación autodidáctica. Fue crítico de "El Correo Español-El Pueblo Vasco" de 1960 a 1971, tiempo en el que ejerció también como profesor de Letras Clásicas, para dedicarse después a la composición. Su música, publicada en su mayor parte por Alpuerto, posee un lenguaje avanzado muy característico, más atento a lo expresivo que a lo formal. Hasta ahora ha participado dos veces en la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESC0 con las obras "Contingencias" y "Ezpatadantza", y en 1977 en el Premio Italia con "Illón". En 1978 obtuvo "ex aequo" el trofeo "Arpa de Plata" de la Confederación Española de Cajas de Ahorros. Ejecutado por las principales orquestas españolas, a la par que muy solicitado con encargos, en su producción musical actual figura un "Tríptico vasco", de 1977, para guitarra sola (Alpuerto). LATORRE Irene n. 1955 en Barcelona Desde los cinco años de edad reside en Suiza, donde posteriormente hizo la carrera de guitarra en el Conservatorio de Música de Fribourg y se diplomó con máxima calificación en 1978. Durante la época de estudiante, frecuenta cursos de perfeccionamiento de Alirio Díaz (1974) y Abel Carlevaro (1975) en la localidad francesa de Arles y obtiene el Primer Premio de Virtuosismo e Interpretación en Ginebra (1976). En 1978 es becada por la Sociedad de Músicos Suizos, de Berna, recibiendo al año siguiente un Diploma de Honor en el concurso "Maria Canals", de Barcelona. Inicia la actividad concertística siendo aún muy joven, destacando sobre todo a partir de 1978. Ese mismo año se presenta en el Carnegie Recital Hall de Nueva York, habiéndolo hecho hasta hoy (1986) en diversos auditorios de Europa, Estados Unidos y Japón. Diplomada en musicología por la Universidad de Ginebra, Irene Latorre es actualmente profesora de guitarra en Fribourg (desde 1977) y alterna esta labor con la de sus conciertos.

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- 1377 LAÚD LAÚD Se le supone nacido en Persia, y estrechamente emparentado con otros instrumentos del Irán, como el "tar" (ver) y el "darbat" (que significa "pecho de pato" debido a la forma de su caja de resonancia), llamado en árabe "darbuca" y que dará el "adufe" utilizado por los moriscos. Su nombre árabe, "al'ud", quiere decir "la madera", haciendo referencia a que la tabla armónica se construye de este material, reemplazando a la piel que se utilizaba en los instrumentos de esta familia. De aquí viene el portugués "alaude", el castellano "laúd", en italiano "lauto", "leuto" y "liuto", el inglés "lute", el alemán "leute", el francés "luth", etc. En Alemania se le denominó también con el vocablo latino "testudo" (tortuga). Durante el período de esplendor de la cultura árabe (s. IX) la música posee una enorme importancia, y el "laúd" es el instrumento preferido e imprescindible en las fiestas de la corte y en las populares, utilizado como acompañante a canciones, bailes o recitados de poemas. Lo encontramos constantemente citado en la literatura árabe, que se trate de libros de narraciones como el "Ijwan al-Safah", o en las "Mil Noches y una Noche", en historiadores como Ibn Hayan, en relatos de viajeros como los de Mohammed al-Yemeni, etc. Sabemos por ellos de su enorme aceptación y extensión; que los virtuosos de "laúd" eran tenidos en gran estima por los propios califes; que el ser diestra en este instrumento era una de las dotes más apreciadas en la mujer, que gracias a su arte podía asegurarse un mejor matrimonio o alcanzar una mayor cotización en mercado de esclavas. Los árabes extendieron su uso por todo el enorme territorio por ellos dominado, y así entró en la Península Ibérica, de donde luego se propagará al resto de Europa. En las universidades o escuelas ("medrasas") se enseñaba la música junto a la lógica, la geometría, la física, las ciencias naturales, la astrología, etc. La más famosa de estas escuelas en la España musulmana fue la de Córdoba. La supremacía musical se la disputaban esta ciudad y Sevilla, atribuyéndose a Averroes el haber dicho que si un sabio moría en Sevilla, sus libros había que venderlos en Córdoba, pero que si un músico fallecía en Córdoba, sus instrumentos, manuscritos, etc., había que enviarlos a Sevilla.

Laúd oriental Tocador de Laúd ("Encyclopédíe Lavignac") Paris 1920

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- 1378 LAÚD El califa Harun al-Raschid tenía en gran estima, en su corte de Bagdad, al laudista Ishak el-Mosli; el mejor alumno de este fue Abulhasán ben Nafi, conocido por Ziryab y de origen persa. Debido a celos por parte de su maestro, Ziryab se ve obligado a abandonar Bagdad, viene a España, y se instala en la corte cordobesa de Abderramán II, fundando en aquella ciudad una escuela de música cuya gran influencia en el mundo musulmán durará siglos. Fue el "arbiter elegantiarum" de la corte, y a su muerte pasó a la leyenda. Sabemos que Ziryab se construía, como otros muchos músicos, sus propios instrumentos y que su "laúd" era mucho más ligero que los usuales entonces, que sus cuerdas eran de seda sin hervir, excepto la tercera y en bajo que eran de tripa de león. Se le atribuye la invención de la quinta cuerda. Los "laúdes" de la época poseían cuatro cuerdas simples, de colores distintos, que se correspondían con los humores hipocráticos: la bilis, la sangre, la flema y la melancolía; la quinta que añade Ziryab, de color rojo, se corresponde al alma y ocupa posición medial, siendo la más aguda. También se le atribuye el haber sido el primero en reemplazar el plectro de madera por una pluma de ave (en su caso, de águila.) Otro músico persa fue Abu Naçr Mohammel Tarjan al-Farabi (872-950 de nuestra Era), considerado como el más grande teorizador musical del mundo árabe. En su libro "Kitab alMusiqa" ("Tratado de la música") ataca las teorías Pitagóricas y expone sus propias ideas sobre la producción del sonido; se supone que fue el físico Aben Firnás quien importó sus teorías a AlAndalus. En su tratado, al-Farabi describe "laúdes" de cuatro y cinco cuerdas (también le han atribuido algunos autores la "invención" de la quinta cuerda, pero vemos que es cronologicamente posterior a Ziryab), con cuatro trastes o bien con siete, al estilo persa, y hasta con diez. Otro teórico, Safi ed Din, describe asimismo el "laúd" de cinco cuerdas, ya en pleno siglo XIII, y da instrucciones para el estudio del instrumento. Igualmente se describe con toda minuciosidad el "laúd" en el tratado persa del siglo XIV "Kanz al-tuhaf" ("Tesoro de regalos"). Y omitiendo tantos otros libros, finalicemos citando por su curiosidad e interés el manuscrito en latín del siglo XV, "Ars de pulsatione lambuti, inventa a Fulan, mauro regni Granate, apud Ispanias inter ispanos cytharistas laude dignus, per pulsatus scientiae", que ya no es un manuscrito árabe, sino cristiano y para uso de los propios españoles. E1 "laúd", o sencillamente "'ud", perduró como instrumento dilecto del mundo musulmánárabe. De Persia se extiende hacia Oriente, instalándose en la India, China, Sudeste de Asia e islas adyacentes, produciendo toda una familia de derivados, algunos de los cuales se siguen utilizando hoy en aquellas regiones. En Arabia y todo el Norte de África, perdura en pleno siglo XX como instrumento primordial de su música autóctona. Por otro lado, a través de la Península Ibérica se introduce en la Europa medioeval; Italia fue quizas el segundo país en adoptarlo (recordemos que sus relaciones con los árabes también fueron considerables, y que además una parte de Italia estuvo intimamente ligada al reino de Aragón). Más tarde se instaló en Alemania, Francia, Flandes, Gran Bretaña, etc. Los "rawis" eran trovadores árabes que, al igual que los juglares y troveros cristianos, iban de ciudad en ciudad o de corte en corte, cantando sus poemas, acompañándose estos con el "laúd", y sabemos que hubo una considerable permeabilidad de trovadores entre musulmanes y cristianos a pesar de las guerras que les enfrentaban politicamente. Hubo laudistas en las cortes de Alfonso X "el Sabio" de Castilla, en las de João y de Alfonso "o Africano" de Portugal, y otras. Asimismo, muchos trovadores cristianos fueron bien recibidos en Córdoba, Sevilla, Granada, etc. Llegó incluso a haber un tipo de canciones bilingües árabe-castellano, contribuyendo aún más a la mezcla de ambas culturas los mudéjares y mozárabes. Ya en el siglo IX se utilizaba el "laúd" en las cortes visigóticas; así es por ejemplo citado, entre otros instrumentos, en los "Versi Domna Leodegundia Regina" dedicados a la muerte de dicha soberana. En la pila mozárabe del siglo XI que se conserva en el Museo de Játiva (Valencia) dos personajes esculpidos en la piedra tañen "laúdes" de cuatro cuerdas, cuyas palas forman ángulo recto con el mástil, y que son pulsados con los dedos, lo cual nos indica que ya en época muy temprana el plectro dejó de ser obligatorio.

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- 1379 LAÚD En un cofre de marfil del siglo XII procedente del monasterio de Leire (hoy en el tesoro de la catedral de Pamplona) otro personaje se nos muestra tañendo un "laúd". A partir del siglo XIII ya abundan los documentos plásticos y literarios. En las "Cantigas en loor de Sancta Maria" del Rey Sabio, tesoro organográfico de la época, hallamos ya "laúdes" con nueve clavijas en la pala, lo que indica cinco órdenes de cuerdas : cantarella simple y cuatro dobles; podría ser pues (y no sería tan aventurado afirmarlo) que fuera en la Península Ibérica donde las cuerdas, simples en el "'ud" árabe, se hicieran dobles.

Cantiga 170. Laúd oriental, de tamaño grande. E1 "laúd" es citado en el siglo XIV por el Arcipreste de Hita en su "Libro del buen Amor", en el "Poema de Alfonso Onceno", en el "Libro de Apolonio", en el "Roman de la Rose" de Lorris/Meung, en varias de las obras de Guillaume de Machault, en el "Decameron" de Bocaccio, etc. Citemos, también, como ejemplo plástico un Retablo de la Virgen, anónimo, de la Seo de Tortosa (hoy en el Museo de Arte Catalán de Barcelona). Desde los siglos XIV y XV aún es más exhaustiva la presencia del "laúd". En Italia está fuertemente implantado, conservando el nombre de muchos virtuosos, entre los que podría citarse al padovano Francesco Vannozzo. Lo tocaba entre otros Dante, Petrarca, Bocaccio, Isabel D'Este, Leonardo da Vinci, etc., y en España era diestro en su ejecución Enrique IV de Castilla, Felipe "el Hermoso", y otros, figurando "laúdes" en un inventario de objetos pertenecientes a Isabel "la Católica". Los ejemplos plásticos del siglo XV son de gran consideración, por lo que solamente citaremos algunos y todos presentes en España: un tapiz de la Iglesia del Pilar de Zaragoza (combinado con voz femenina, arpa y tres flautas); un fragmento de retablo que se conserva en la colección Amatier de Barcelona (combinado con tres trompetas, un arpa y viola de arco); una tabla en el Museo Provincial de Zaragoza (combinado con órgano portátil, cítola, arpa, dos trompetas y dos violas de ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1380 LAÚD arco); la "Asunción de la Virgen" de Fiorentino en la Catedral Vieja de Salamanca (combinado con cuatro trompetas y viola de arco), etc. Creemos interesante constatar dos cosas: primero, como el "laúd" ingresa en grupos de tipo orquestal ya en época muy temprana; y, segundo, su vivencia en España, que ha sido puesta en duda por muchos autores. Bien es cierto que la "vihuela" (ver) y luego la "guitarra" eran los instrumentos preferidos en la Península Ibérica, pero ello no significó un desinterés por parte española hacia el "laud", que no lo hubo, como puede comprobarse en múltiples documentos que poseemos. Recordemos de nuevo al ya citado manuscrito en latín de este siglo. Entrado el XVI, en las cortes no sólo hay laudistas profesionales en nómina, sino que también tañen el "laúd" nobles y reyes. Henry VIII de Inglaterra fue un excelente tañedor, que incluso dejó obras para él compuestas; Carlos V lo tocaba, y al venirse de Flandes a España, en su séquito trajo laudistas flamencos que se instalaron en la Corte Real (más adelante Imperial); cuando su hermana Maria de Hungría vuelve de gobernar los Países Bajos también trae con ella laudistas, etc. De este siglo podemos espigar algunos ejemplos plásticos (y volvemos a quedarnos en España): la "Presentación de Jesús en el Templo", pintura anónima conservada en el Museo Provincial de Valladolid, en la que tres ángeles tañen un "laúd" renacentista acompañado por una viola de arco y una guitarra; otros "laúdes", grandes y pequeños, están representados en una pintura del Libro de Coro de Juan de Carrión (Catedral de Avila), una tela de Juan de Peñalosa (Museo Provincial de Córdoba), en los retablos de Santa Cuita (Tarragona), de Nuestra Señora de la Gracia (Catedral de Avila), de la Colegiata de Játiva, etc.; en la "Coronación de la Virgen" (Museo Episcopal de Tarragona), en "La Virgen y el Niño" (Iglesia de Montesión de Palma de Mallorca), en la Iglesia de Santa María de Tarrasa, en la Iglesia Parroquial de Cardona (Barcelona), y tantos otros lugares, que confirman las palabras de Salazar : "laúdes, vihuelas de mano y simplemente guitarras, eran de uso normal en la vida española más o menos elegante de los siglos XVI y XVII". Veamos el "laúd" renacentista : posee una caja abombada construída con listones pegados en sentido longitudinal; la tapa armónica es de madera; la boca en roseta trabajada al estilo árabe, y con frecuencia tridimensional; algunos ejemplares llevan una riquísima ornamentación en marquetería; sobre la tapa, un "puente" sujeta las cuerdas; la longitud del mástil, así como el volumen de la caja, varia de un ejemplar a otro; la trastera suele ser de ébano, la pala doblada en ángulo recto con el mástil, en la que van las clavijas, de madera. Los trastes, de tripa, móviles, suelen ser diez, que se aumentaron luego hasta doce. Las cuerdas, de tripa, formando seis órdenes : cantarella simple y las otras dobles; también hay ejemplares con doce cuerdas, todas dobles.

Laúd, de 11 cuerdas

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- 1381 LAÚD En Francia se utilizó el "laúd" de cinco órdenes hasta bien avanzado el siglo XVI. La afinación comprende intérvalos de cuarta-cuartatercera(mayor)-cuarta-cuarta, unas veces al unísono y otras en octava. La más usual es la siguiente:

Esta afinación corresponde al "laúd tenor". La del "soprano" es (de la sexta a la prima): RESOL-DO-MI -LA-RE; la del "alto": LA-RE-SOL-SI-MI-LA; y la del "bajo" igual que el soprano, pero una octava más grave. También, claro, hubo otras afinaciones, una de ellas semejante a la de la vihuela : MI-LA-RE-FA sostenido-SI-MI. Evidentemente, la longitud del mástil varía siempre : más corto para el "soprano", más largo para el "bajo". Unas veces se pulsaba con plectro y más frecuentemente con los dedos. En el período barroco se le van añandiendo cuerdas; los seis órdenes citados pueden conservar su afinación, y las cuerdas que se le aumentan son más graves, soliendo afinarse en escala diatónica descendente ; algunas de estas nuevas cuerdas van sobre el mástil, otras quedan fuera del mismo y son para pulsar al aire. A voces el mástil se duplica, otras se le añade una nueva pala a la que van los bajos. E1 tamaño de la caja y la longitud del mástil también varían, y con todo ello se crean toda una serie de derivados, siendo los más importantes el "archilaúd" (ver), el "tiorbo" y el "chitarrone" (ver). La música para "laúd", al igual que la de "vihuela" y la de "guitarra", se escribe en "tablatura", de la que hubo distintos sistemas.

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- 1382 LAÚD

Laúd-teorbo de Jacob Van de Geest Les Monts de Corsier/Vevey, Suiza (Foto F. Herrera)

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- 1383 LAÚD

Tiorba (Mersenne, “Harmonie Universelle”)

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- 1384 LAÚD Veamos los principales : La denominada "tablatura italiana" representa los seis órdenes del instrumento en seis líneas, siendo la inferior el orden más agudo y la superior el más grave. Sobre ellas se indican con números los trastes que hay que pisar para construir las notas : cero si es al aire, y 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8 y 9 hasta el noveno traste; cuando se le añaden del décimo al duodécimo trastes se indican estos con letras : x, x', x ", o bien v, v', d. Sobre los números, encima del hexagrama, se señala el tiempo con figuras y plicas. Los adornos poseen signos convencionales. El sistema de la "tablatura alemana" agrupa a letras y cifras, sin líneas, y su invención se atribuye a Konrad Paumann. Pensado para un instrumento de cinco órdenes, las cifras se refieren a las cuerdas al aire de la grave a la aquda, y a las letras a los trastes : de la "a" a la "e" el primero, de la "f" a la "k" el segundo, etc., hasta que se agotan en el quinto traste, que se completa con dos signos semejantes al "7" y al "9"; luego vuelve a empezar al alfabeto, pero esta vez llevando cada letra encima un trazo horizontal: "a", "b", "c", etc. Al aumentar la sexta cuerda (la más grave) utiliza universos signos ; por ejemplo, letras mayúsculas para los trastes por orden alfabético : "A", "B", "C", etc., y al aire un "uno" tachado : "1". Esto es : Al aire 1er traste 2.° " 3er. " 4.° 5.° 6.° 7.° 8.° 9.° 10.°

" " " " " " "

: : : : p : : : : : : :

1 A B C

1 a f l

2 b g m

3 c h n

4 5 d e i k o

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El tiempo se indica también con figuras y plicas, y los ornamentos con distintos signos convencionales. La tablatura francesa, como la italiana, utiliza líneas para determinar las cuerdas, pero en este caso la línea inferior representa el orden más grave y la superior el más agudo. Sobre ellas, en vez de digitos, se colocan letras, cada una de las cuales nos muestra qué traste se ha de pisar en cualquier cuerda: "a" al aire, "b" el primer traste, "c" el segundo, etc. Los tiempos y adornos, no se diferencian de las anteriores. España utiliza la tablatura italiana, situando unas veces el aqudo en la línea inferior y otras en la superior. Flandes y Gran Bretaña emplearon indistintamente las tablaturas alemana y francesa. El uso del "laúd" tuvo sus altos y sus bajos. Muy en boga durante el siglo XVI, sobre todo en Italia y en Gran Bretaña, decae en el XVII en que, en cambio, se afinaza en Francia; en el XVIII va cediendo sitio a sus derivados, cuando en Alemania, precisamente, aparecen sus más preclaros maestros ; en el XIX todos los instrumentos de esta familia ya han desaparecido, cediendo el relevo a la guitarra. Las primeras obras publicadas para "laúd" se las debemos a Ottaviano Petrucci, impresor en Venecia. Desde entonces, es enorme la pléyade de virtuosos y compositores que se sucedieron en Europa durante los siglos XVI al XVIII. Citaremos algunos nombres:

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- 1385 LAÚD - Siglo XVI En Italia : Giulio Abondante, Giovan Maria Alemano, Marco Dall' Aquila, Bernardino Balletti, Melchiore de Barberiis, Giulio Barbetta, Antonio Becchi, Domenico Bianchini, Pietro Paolo Borrono, Franciscus Bossinensis, Cosimo Bottegari, Vicenzo Capirola, Joan Maria Da Crema, Marco Fabrizio Caroso da Sermoneta, Joan Ambrosio Dalza, Pierino Fiorentino, Vicenzo Galilei, Santino Garsi da Parma, Giacomo Gorzanis, Giovanni Maria Dalla Gostena, Francesco Da Milano, Simone Molinaro, Cesare Negri, Giovani Maria Radino, Alberto Della Ripa, Laurencinus di Roma, Antonio Rotta, Francesco Spinacino, Pietro Teghi, Giovanni Antonio Terzi, Bartolomeo Trombocino y Orazio Vecchi. En Alemania : Adriaen Denns, Benedictus de Drusina, Georg Leopold Fuhrmann, Hans Gerle, Simon Gintzler, Philipp Hainhofer, Wolff Heckel, Bernard Jobin (editor), Hans Judenkünig, Sixtus Kärgel, Gregor Krengel, Hans, Melchior y Konrad Newsiedier, Sebastian Ochsenkun, Matthäus Reymann, Johannes Rude, Arnold Schlick, Johannes Stobaeus, Sebastian Virdung (teórico), Matthäus Waissel y Rudolf Wyssenbach (editor). En Países Bajos : Emmanuel Adriaensen, Jean Bellère (editor), Johannes Matelart, Pierre Phalèse (editor) y Adrian Willaert. En Gran Bretaña : William Ballet, William Barley, Francis Bartlet, Daniel Batchelar, Michael Cavendish, John Dowland, Anthony Holborne, John Johnson, Thomas Morley y Thomas Robinson. En Polonia/Hungría : Valentin y Miguel Bakfark, Diomedes Cato, Adelbert Dlugoraj e Iakub Polak. En Francia : Pierre Attaignant, Robert Ballard 1.ro(editor), Pierre Ballard (editor), Jules Belin, Charles Bocquet, Nicolas Du Chemin, Guillaume Morlaye, Julien Perrichon y Adrian Le Roy (editor). - Siglo XVII En Italia : Giovanni Francesco Averio, Adriano Banchieri, Arcangelo Corelli, Alfonso Ferrari, Girolamo Frescobaldi, Michelangelo Galilei, Bernardo Gianoncelli, Alessandro Grandi, Domenico Melli Da Reggio, Pietro Paulo Melli, Alessandro Piccinini, Giovanni Pitoni, Enrico Radesca di Foggia, Raffaele Rontani, Alessandro Stradella y Orazio Tarditi. En Alemania : Jakob Bittner, Joannes Heronymus Kapsberger, Jakob Kremberg, Daniel Laelius, Johann Daniel Mylius, Johann Nauwach, Esaias Reussner (padre e hijo) y Ernst Scheele. En Países Bajos : Joachim Vander Hove, Gregor Howett, Jan Pietersson Sweelinck, Jan Thysius y Adriaan Valerius.

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- 1386 LAÚD En Gran Bretaña : John Attey, John Bartlet, William Byrd, Thomas Campion, John Cooper (Coperario), William Corkine, Francis Cutting, John Danyel, Robert Dowland, Thomas Forde, Thomas Greaves, Thobias Hume, Robert Johnson, Robert Jones, Thomas Mace, Peter Philips, Francis Pilkington, John y Henry Playfort y Philip Rosseter. En Francia : Robert Ballard 2.°(editor), Gabriel Bataille, Jean Baptiste Bésard, Antoine Boësset, Du But (padre e hijo), François Campion, François de Chancy, Nicolas Chevalier, Du Fault, Nicolas Fleury, Antoine Francisque, Jacques Gallot ("el viejo" y "el joven"), los Gaultier (Denis, Ennemond, Jacques y Pierre), Pierre Guedron, Philippe Franz Lesage de Richée, Marin Mersenne (teórico), René Mezangeau, Charles Mouton, Louis Rigaud y Nicolas Vallet. - Siglo XVIII En Italia : Francesco Durante, Francesco Feo, F.M. Manfredini y Antonio Vivaldi. En Alemania : Johann Sebastian Bach, Ernst Gottlieb Baron, Adam Falkenhagen, Johann Friedrich Fasch, Joachim Bernhard Hagen, Johann Theodor Herold, David Kellner, Jobann Ludwig Krebs, Johann Kropffganss, Wolff Jakob Lauffensteiner, Christian Gottlieb Scheidler, Rudolf Straube, Sylvius Leopold Weiss y Johann Sigismund Weiss. En Austria : Dietrich Buxtehude, Johann Friedrich Daube, Johann Joseph Fux, Franz Joseph Haydn, Ferdinand Ignaz Hinterleithner, Carl Kohaut, Jan Antonin Logy (Losi/Lo sy) von Losinthal, Johann Gotthard Peyer, Wenzel Ludwig von Radolt, Friedrich Wilhelm Rust, Georg Philipp Telemann y Johann Georg Weichenberger. En Checoslovaquia : J. Theobald Held. En Francia : Robert de Visée. Son asimismo innumerables los constructores de "laúdes" instalados con taller en las más diversas ciudades de Europa. Citemos sólo unos cuantos: Claudius Allard (Paris, s. XVII), Michael Andreas y Andreas Nicoleus Bartl (Viena, s. XVIII), Joseph Bertet (Paris, s. XVIII), Matheus Buechenberg (Roma, s. XVII), Hans Burkholtzer (Füssen, s. XVI), Christoforo Coche (Venecia), Costa di Agostino (Verona, s. XVII), Thomas Edlinger (Kärnten, s. XVII), Zacharias Fischer (Würzburg, s. XVIII), Stefano Francho (Florencia, s. XVII), Hans Frey (Bolonia, s. XVI), Matthias Fux (Viena, s. XVII), Georg Gerle (Innsbruck), Johann Michael Gittler (Breslau, s. XVII-XVIII), Georg Greiff (Füssen, s. XVI), Andrea Harton (Venecia, s. XVI), Michaele Harton (Padua, s. XVI), Magnus y Peter Helimer (Füssen, s. XVII), Johann Christian Hoffmann (Leipzig, s. XVIII), Mateu Hofmans (Amberes, s. XVII), Johann Andreas Kambl (Munich, s. XVIII), Matthias y Augustinus Keiser (Nuremberg, s. XVIII), Jakob Langenwalder (Füssen, s. XVII), Johann Jakob Lindner (Dresde, s. XVII), Johann Jakob Lindner ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1387 LAÚD (Dresde, s. XVII), Laux Maler (Bolonia, s. XV), Andreas Ferdinand Mayr (Salzburgo, s. XVIII), Leonhard Prader (Praga, s. XVII), Stephan Pratter (Praga, s. XVII), Pietro Railich (Venecia, s. XVII), Wolfgang Sagmayr (Graz, s. XVII -XVIII), Sebastian Schelle (Nuremberg, s. XVIII), Matteo Sellas (Venecia, s. XVII), Magnus Steger (Venecia, s. XVI), David Techler (Roma, s. XVII-XVIII), Ulrich Tieffenbrucker (Venecia, s. XVI), Kaspar Tieffenbrucker (Lyon, s. XVI), Wendelin Tieffenbrucker (Padua, s. XVI), Moises Tieffenbrucker (Venecia, s. XVI), Magnus Tieffenbrucker (Venecia, s. XVI-XVII) , Joachim Tielke (Hamburgo, s. XVII), Jakob Weiss (Salzburgo, s. XVIII), Maximilian Zacher (Breslau, s. XVIII) y Pietro Zenatto (Treviso, s. XVII). Tras su "desaparición" quedó el "laúd" olvidado; no obstante, en las postrimerías del siglo XIX y principios del XX una serie de estudiosos vuelven a preocuparse de desempolvar su literatura, el más importante de ellos Oscar Chilesotti; se encargan instrumentos (reproducciones de los antiguos), se estudia su técnica, se crean Sociedades laudísticas y se editan revistas especializadas. Curiosamente, este "renacimiento" del "laúd" se limita, como es el caso para la "vihuela", a reproducir lo más fielmente posible su antigua literatura, sin crear para él obras nuevas (salvo contadísimas excepciones, como por ejemplo Johann Nepomuk David). Entre la pléyade de estudiosos y ejecutantes se cuentan entre los más sobresalientes a Suzanne Bloch, Julian Bream, Ruggero Chiesa, Eugen M. Dombois, Helmut Mönkemeyer, Heinz Nickel, Peter Päffgen, Ernst Pohlmann, Diana Poulton, Konrad Ragossnig, Anthony Rooley, etc. Y entre los constructores, David Rubio, Ekkehart Stegmiller, Helmut Buchsteiner, Matthias Durvie y Maurice Ottiger, por citar algunos. En España se utiliza hoy un instrumento derivado, que conserva sin embargo su denominación "laúd". Como fue el caso de la mandolina napolitana, se reemplazó el vientre curvo por un fondo plano y paralelo a la tabla de resonancia. Sus seis órdenes dobles afinadas al unisono son de metal, se tañe con plectro y se templa por cuartas, siendo hoy su afinación más usual (idéntica a la de la "bandurria"): SOL sostenido-DO sostenido-FA sostenido-SI-MI-LA, de la sexta a la prima. Es empleado en la música folklórica de diversas regiones de la Península, y asimismo en las formaciones de tipo "rondalla" o "estudiantina" que han gozado y aún gozan de una gran aficíon. (A.U.Mallo)

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- 1388 LAÚD-CLAVECÍN LAÚD-CLAVECÍN El laúd-clavecín es un instrumento de forma parecida a la del clavecín normal. Tenía cuerdas dobles de tripa y una pequeña octava de latón. Para él compuso probablemente Juan Sebastián Bach su Suite en mi menor BWV 996. El nacimiento de este bello instrumento se sitúa a mediados del siglo XVIII. Fue J. S. Bach quien tuvo la genial idea de hacerse construir el insólito laúd-clavecín por el constructor de órganos y clavecines Zacharias Hildebrandt (1688-1757). El laúd-clavecín tenía la misma forma que los demás clavecines, pero su tamaño era más pequeño. Este instrumento estaba montado con cuerdas dobles de tripa, y con una pequeña octava de latón. Sus clavijas eran de madera y la longitud de las cuerdas idéntica a la del laúd. El sonido debía ser similar al de dos potentes teorbas tocando al unísono. Adlung, en su “Musica mechanica organoedi” (Berlín, 1768), decía: "Ciertos laúdes-clavecines tienen forma muy parecida al laúd... pero el resto es igual que el clavecín. Las cuerdas deben ser de tripa con el fin de poder obtener el mismo sonido que en el laúd"…

Según Philipp Spitta, el motivo que llevó a J. S. Bach a hacerse construir un laúd-clavecín, fue el deseo de conseguir una mayor duración del sonido. El hecho de poner cuerdas de tripa en los clavecines era porque con ellas el sonido duraba más que con las de metal... y deseando prolongar el sonido corto que se producía en los cembali, Bach ideó un laúd-clavecín, que bajo sus directrices construyó Zacharias Hildebrandt... el laúd-clavecín producía un sonido idéntico al laúd... su dimensión era un poco más pequeña que la del cémbalo ordinario. Los clavecines con cuerdas de tripa aparecen a principios del siglo XVII, siendo A. Banchieri uno de los primeros que los cita en su obra L'Organo suonanino (Venetia, 1605). Banchieri llamaba a este clavecín "Arpicordo Leutato", pudiendo tomarse ésto como sinónimo de "laúd-clavecin". Dico che ritrovandomi in quella Nobilisima Cittá, tra le molte grandisimo gusto sentij un

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- 1389 LAÚD-CLAVECÍN Arpicordo, ciamato Arpicordo Leutato, che realmente in sonarlo pareva similitudine tra questo stromento & il Leuto... En 1980, Rudolf Richter construye un laúd-clavecin tomando como base las descripciones que dio de este instrumento J. Ch. Fleischer en su obra Nature und Medicine (Breslau, 1718). La parte superior del instrumento está hecha en madera de caoba; la tabla armónica, que es extremadamente fina, es de madera de nogal y de pino y tiene tallado un rosetón en el estilo de Steger (1680). Las clavijas y las cejuelas son de madera. La Suite en mi menor BWV 996 Esta composición controvertida figura como el siguiente título en el tomo manuscrito de J. L. Krebs: Preludio con la Suite da Giov. Bart. Bach anfs Lauten-Werck. En este manuscrito figura en Mib y comprende los movimientos Prelude, Allemande, Courante, Sarabande, Bourrée y Gigue. El tañedor de laúd Krebs escribió esta composición, al igual que las otras que figuran en este tomo, en notación musical normal, utilizando dos pentagramas. Del extraño título "aufs Lauten Werck" se ha deducido que esta composición no fue destinada al laúd, sino más bien al laúdclavecín, pero no se ha podido comprobar hasta ahora que el laúd-clavecín se llamase "Lauten Werck" en la época de Bach, por lo que la reivindicación de la composición para el laúd-clavecín no se ha podido justificar hasta ahora. Dorffel, quien ha publicado la obra en el cuadragésimoquinto tomo de la edición completa, deja la decisión al lector de si se trata de una obra para laúd o para laúd-clavecín. Hay que señalar el hecho de que esta composición sería demasiado grave para un clave, lo mismo que en el caso de la Suite en Sol menor. En la copia del tercer manuscrito de Bruselas, esta Suite está escrita una cuarta más alta. Esto concuerda con el caso de la Fuga en sol menor para laúd, que aparece transportada una quinta arriba en la versión para órgano. La tesitura grave de la Suite en mi menor se adapta perfectamente al laúd. La única objeción que aún queda es explicar por qué el conocedor Krebs no ha incluido esta obra en notación para laúd, si estaba destinada a ese instrumento. Esta objeción se rechaza porque esta demostrado que también los tañedores de laúd escribían la música en notación tradicional. Es probable que Krebs se haya basado en el original perdido, es decir, que utilizó la notación tradicional de Bach sin modificación alguna. Por último, el hecho de que Bach compusiera esta Suite en la época en que Jobann Nikolaus Bach construía sus laúdes-clavecines, es un argumento más para pensar que la obra fue realmente escrita para nuestro instrumento. (F. Herrera)

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- 1390 LAUFFENSTEINER Wolf Jakob

LAUFFENSTEINER Wolf Jakob n. 1676 en Steyr - m. 1754 en Munich Laudista alemán, al que citan Baron y Gerber. Según aquellos, desarrolló su actividad de músico en la región de Baviera. Manuscritos de sus obras se conservan en bibliotecas de Augsburgo y Bruselas, así como en la Fundación Benedectina de Kremsmünster : "Concerto G-Dur" para laúd, dos violines y cello; "Partie F-Dur" y "Konzert F-Dur" para laúd, violín y cello; "Sonate A-Dur" para dos laúdes o violín y viola, etc. Actualmente se le escucha en versiones para una y dos guitarras. LAURA Massimo n. 1957 en San Remo (Italia) Es diplomado "Cum Laude" en el Conservatorio de Música de Milán con Ruggiero Chiesa en 1982. En este año se reveló como el mejor diplomado de guitarra entre los diplomados de los conservatorios italianos en el "Concurso de Cesena". En 1982 obtuvo el "Diploma del Mérito" de la Academia de Música de Basilea (Suiza) con Oscar Ghiglia, donde obtuvo en 1986 el "Solistendiploma". Ganó también los siguientes concursos: - 1980 Concurso Internacional de Roma (2° premio) - 1983 Concurso Nacional de Mondovi (1o premio), Concurso Internacional de Gargnano (2° premio) - 1986 Concurso Internacional de Nettuno (1o premio), Concurso Internacional de Neuchâtel (premio extraordinario), Concurso Nacional de Tarente (1o premio), Concurso Internacional de Alejandria (1o premio). Gracias al Concurso de Milán, realizó una gira por Brasil y Uruguay. También dio conciertos como solista en diferentes países de Europa. Ejecutó los conciertos para guitarra de Vivaldi (Milán Angelicum), Boccherini (Parme, Camerata Strumentale), Porrino (Alexandrie, Orchesta Laboratorio Lírico), Testi (Milán Angelicum), Giuliani (Bâle, Basler Sinfonie Orchester), Herze (Ferrare, primera ejecución italiana, Aterforum Carme). Después de 1980 trabajó regularmente con la orquesta de la Escala de Milán; actualmente es profesor de guitarra en el Conservatorio de Rodi Garganico.

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- 1391 LAURENCINUS LAURENCINUS Siglo XVI Laudista italiano, radicado en Roma a finales del siglo XVI, al que también identificamos por "il Cavalier Romano" y "Lorencini da liuto". Gozó de gran renombre y fue maestro de Besard, quien lo llamó "Il divino Laurencini" y le dedicó su "Thesaurus Harmonicus" (1603), que incluye veintiún "brani" suyos. Obras de Laurencinus encontramos también en las colecciones de Hainhofer (1603), Dowland (1610), Fuhrmann (1615), Dlugorai (1619) y Lord Herbert (1640). LAURENT Compositor guitarrista francés, del siglo XVIII. En el año 1774, se le publicó "Choix d'Ariettes" con acompañamiento de cítara o guitarra alemana. En esta misma época se publicaron varias colecciones de obras originales y transcripciones del autor que nos ocupa y su contemporáneo Berquin, siendo las de ambos compositores de excelente factura y agradables. Laurent y Berquin están citados por Lionel de la Laurencie en la "Encyclopédie de la Musique et Dictionnaire du Conservatoire" (París, 1920). (D. Prat, Diccionario,1934)

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- 1392 LAURO Antonio LAURO Antonio n. 1917 en Ciudad Bolívar (Angostura-Venezuela) - m. 1986 en Caracas Antonio Lauro es uno de los compositores y guitarristas venezolanos más reconocidos en el orbe mundial. Oriundo de Ciudad Bolívar, nace el 3 de Agosto de 1917, hijo de Antonio Lauro Ventura y de Armida Cutrero. Sus inicios en la música los encuentra en el seno de su familia. Su padre fue la figura determinante en su elección en la carrera de músico. La temprana muerte del padre hace que la familia Lauro se traslade a Caracas, capital de Venezuela, al lado de los abuelos maternos. En esta ciudad siente la pasión de la música y la necesidad de emprender estudios serios. En 1931 se inscribe en la Escuela de Música y Declamación. En ese establecimiento estudiará piano durante tres años con el profesor Salvador Llamozas. La llegada del guitarrista paraguayo Agustín Barrios Mangoré hace que cambie el piano por la guitarra y se inscriba en la cátedra de Guitarra clásica que abre el guitarrista Raúl Borges. Estudiará cinco años consecutivos a partir de 1934. Su interés por la música popular será una pasión y gusto que lo cautivaría durante toda su vida. Crea el cuarteto de guitarras popular "Los Cantores del Trópico", junto a sus amigos Eduardo Serrano, Manuel Enrique Pérez Díaz y Marco Tulio Maristani. Los arreglos de voces y de guitarra estarán a cargo de Antonio Lauro, quién fungirá también como director del conjunto. Con este grupo recorrerán buena parte de América Latina a principio de la década de los cuarenta. Colombia, Ecuador, Perú, Chile, Argentina son los países visitados y en los que obtienen un fuerte y entusiasta reconocimiento por la calidad musical de este grupo de música popular. Sus estudios de guitarra con Raúl Borges terminan en 1938 y sigue estudios musicales de armonía de manera interrumpida por sus compromisos artísticos con su grupo "Los Cantores del Trópico". Pero en 1942, ya de regreso a su país, se inscribirá en los cursos de Composición que impartía el maestro Vicente Emilio Sojo y comienza sus labores como docente de música fundando y dirigiendo grupos corales estudiantiles y obreros. También para ese mismo año crea el Trío Clásico de Guitarras con Flaminia Montenegro y Manuel Enrique Pérez Díaz, grupo con el que se hicieron pocas presentaciones. Para 1947 termina sus estudios de composición obteniendo el título de "Maestro Compositor" con su obra "Copla Errante" para coro y orquesta, que será luego el primer movimiento del Poema Sinfónico Cantaclaro, terminado en 1948 y con la que gana el Premio Vicente Emilio Sojo.Por su Cuarteto de cuerdas Leonardo, compuesto en 1947, obtiene también el Premio del Concurso Anual de Composición que otorga el Ministerio de Educación. Ese mismo año compone la Pavana al estilo de los vihuelistas, obra con la que gana, otra vez, el Concurso Anual de Composición. Antonio Lauro fue hombre de ideas sociales y un luchador contra las injusticias de su país. Hombre de convicciones democráticas y socialistas sufre para 1951 encarcelamiento político por su actividad política contra el régimen dictatorial del teniente-coronel Marcos Pérez Jiménez. Allí concibe la creación de dos obras emblemáticas de su estilo estético personal, la Sonata para Guitarra y la Suite Venezolana. Ambas obras fueron compuestas durante un período umbrío política y socialmente de la nación venezolana. Lauro en prisión no perdió su oficio y retoma la guitarra durante ese período de reclusión estudiando y componiendo con gran entusiasmo. La defensa de los ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1393 LAURO Antonio ideales sólo se consolidan, ante la absurda y mezquina injusticia, con la verdad irreversible de la creción artística. La Sonata para Guitarra y la Suite Venezolana están concebidas en el manejo de la arnomía politonal y bajo la sombra del lenguaje impresionista. La Sonata consta de tres movimientos: Allegro, Canción y Bolera, sujetos a los moldes clásicos de esta forma musical pero con la intervención de ese personal politonalismo del autor aunado a los aires y danzas populares venezolanos, llegando a ampliar sus posibilidades expresivas, dando a la obra unos carácteres de novedad y experimentación que no habían sido tocados antes en forma tan desarrollada y madura en los años precedentes de juventud. Sin lugar a dudas se puede afirmar que se puede considerar como una obra fundamental del repertorio guitarrístico del siglo XX. La Suite Venezolana consta de cuatro movimientos que son expresión genuina del esplendor y del nacionalismo musical de este maestro y compositor. Sus movimientos son: Registro, Danza Negra, Canción y Valse. El Registro, como bien se lo ha reconocido, es un movimiento que formalmente pertenece a Lauro. Con él se quiere dar un reconocimiento a guitarreros y a los arpistas populares venezolanos en su preparación previa al comienzo de los toques y cantos criollos; la elasticidad desgranada de sus notas abarcan, de manera virtuosa, el registro y la amplitud sonora de la guitarra en toda su extensión. La Danza Negra nos presenta el grado de admiración y conocimiento de la cultura musical afroamericana, ejemplo digno de los ritmos étnicos y asincopados de la región costera central de su país. La Canción presenta su melodía la remenbranza por los músicos serenateros de las ciudades de la primera mitad de siglos que llevaban sus cantos a la amada y que hoy yace perdido entre ciudades de concreto que modelan la vida en el trajinar del vértigo constante. El Valse es la expresión genuina y maestra de ese lenguaje politonal unido a su concepción del nacionalismo musical y obra única dentro de la extensa obra guitarrística de valses populares para guitarra. Su Concierto para Guitarra y Orquesta data de 1956. Obra con la que gana, otra vez, el Premio "Vicente Emilio Sojo". Está dedicado a su entrañable amigo Alirio Díaz. El mismo Lauro lo estrena el 25 de julio de ese mismo año participando como solista y bajo la dirección del compositor y director venezolano Antonio Estevez, al lado de la Orquesta Sinfónica Venezuela en el Teatro Municipal de Caracas dentro del Festival de Música Venezolana. Esta obra consta de tres movimientos que portan un equilibrado mestizaje entre lo clásico y lo popular, portadora de una exquisita complejidad rítmica popular. La Bolera, allegro-moderato, es una forma prácticamente extinguida de lamúsica venezolana que Lauro retoma varias veces también en otras obras; esta danza era propia de la zonacentro-oriental del país. El segundo movimiento es un Madrigal que evoca las lentas canciones de serenatas de los guitarreros de las criollas ciudades venezolanas, aquí la orquesta lleva el peso melódico y el instrumento solista logra acompañar la cristalina melodía serenatera que se dibuja a través de las cuerdas y los vientos. El último movimiento es una Marisela, forma dancística y alegre, representante del joropo llanero, expresión músical y evocación de los típicos toques de los arpistas de los llanos venezolanos. Otras obras para orquesta, aparte del ya nombrado poema sinfónico Cantaclaro son "Giros Negroides" (1955), suite sinfónica y el Misterio de Navidad (1952). También tiene una Suite para Quinteto de Vientos (1955). A la par de su trabajo como compositor fue creador y animador de distintos grupos musicales junto a su labor de educador en distintas escuelas de música y liceos caraqueños. Funda y dirige el grupo coral Madrigalistas de la Radio Nacional, con el que montará un vasto repertorio universal y ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1394 LAURO Antonio venezolano de música coral. Compone y arregla numerosas piezas para ese género de agrupación musical. No podemos dejar pasar la constitución de un nuevo trío de guitarras, del Trio Raúl Borges, agrupación con el cual llegó a dar una serie de recitales a nivel nacional. Con el que estrenó sus obras para ese tipo de agrupación guitarrística, como sus dos Boleras, un Merengue Venezolano, también Egloga, Serenata, Ana Cristina (canción infantil) y Occidente además de unos treinta y seis arreglos de diversos autores y épocas tanto venezolanos como de clásicos europeos. El trío Raúl Borges, estuvo formado por Flaminia Montenegro y Antonio Ochoa y sus actividades duraron desde 1969 hasta el año de 1974, año que por motivos de enfermedad de Flaminia Montenegro dejan de ensayar. Perteneció a importantes instituciones musicales en Venezuela. Fue miembro fundador y percusionista de la Orquesta Sinfónica Venezuela; de ella será elegido presidente para el año de actividad de 1959-1960. Se jubilará de esta agrupación musical en el año de 1969. También fue Presidente de la Asociación Venezolana de Autores y Compositores en varios períodos. Gremialista infatigable hizo una ardua labor en defensa de los derechos de autor y de los músicos, lo cual prácticamente era desconocido por la legislación venezolana. Será profesor de Guitarra Clásica y de Composición y Formas Musicales en el Conservatorio Juan José Landaeta. De ahí surgirán una nueva hornada de guitarristas venezolanos en los que se encuentran Luis Zea, Rafael Benatar, Bartolomé Díaz Hugo Zuleta, José Luis Presa, Daniel Marchant y graduándose bajo su tutela como profesor-ejecutante en guitarra clásica se encuentran Terry Pazmiño (ecuatoriano), Eduardo González, Armando Cisnero, Frankué Matínez y David De los Reyes. Pero su obra más significativa y reconocida mundialmente se arropa bajo las sinuosidades de su apreciada guitarra. Antonio Lauro hoy día es reconocido como el mayor compositor de valses para guitarra del siglo XX. Es el género que más cultivó sin no por ello componer en otras formas de danzas populares venezolanas, como lo es el merengue, la canción, la bolera, la marisela, el seis por derecho y la gaita zuliana. Entre los más conocidos encontramos: -

Natalia o valse # 3 (1940-42) Maria Luisa (1963-65) Carora (1963-65) Angostura (1963-65) El Marabino (1940-42) El Niño (1971) Yacambú (1955) o valse # 4 Andreina o valse # 2 (1938) Tatiana o valse # 1(1938) María Carolina (1983) La Gatica (1955) El Negrito "estudio en forma de valse" (sin fecha) La Negra (1978) Además de sus valses hay otras obras significativas para guitarra como:

-

El Seis por derecho "al estilo de la arpa criolla" (1967), Variaciones sobre un tema infantil (1967), Bambuco Tachirense (1984), Nelly "gaita al estilo de Maracaibo" (1979-80), Cueca Chilena (1984), Suite en Homenaje a John Duarte (1984), entre otras.

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- 1395 LAURO Antonio También tiene, además de una larga lista de arreglos populares para guitarra sola, una Pavana y Fantasía para Clavecín (1976), obra encomendada por la Universidad Simón Bolivar y estrenada por el autor junto al clavecinista Abraham Abreu. En sus últimos años hubo un gran reconocimiento de su obra artística y humana tanto a nivel nacional como internacional. Fue declarado en 1977 "Hijo ilustre de Ciudad Bolívar", su ciudad natal y recibe un año más tarde un Homenaje en la Casa de las Américas de la Habana, Cuba. Entre 1979 y 1980, invitado por su amigo Robert Vidal da dos cursos sobre la interpretación de su obra en Ville de Castres; también ese año es invitado por sus amigos, los guitarristas Paco Peña y John Williams a tocar en el Wigmore Hall de Londres. Durante esta década final de su vida hará una exitosa gira europea, recibirá otro homenaje en Florencia y se le otorga, en Venezuela, el Premio Nacional de Música para 1985. Antonio Lauro, luego de una larga enfermedad, muere en la ciudad de Caracas el 18 de abril de 1986.

Bibliografía - BRUZUAL Alejandro: Antonio Lauro, un músico total. Ed. CVG Siderúrgica del Orinoco, Caracas, 1995. (nota: es el trabajo más exhaustivo, cuidado y documentado que se ha hecho sobre Lauro)

- DÍAZ Alirio: Al divisar el humo de la aldea nativa. Ed. Privada, Caracas. - PEÑIN José: Antonio Lauro, una vida para la música hecha guitarra. Rev. Canto Llano Nº 14, Caracas, Junio-julio 1986. - ZEA Luis: Antonio Lauro: 1917-1986. Rev. Guitar Player v.20 Nº 12, Inglaterra, 1986. (David De Los Reyes)

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- 1396 LAWES Henry LAWES Henry n.1596 en Diston - m. 1662 en Londres Compositor inglés, hermano de William y,como aquel, discípulo de John Cooper o Coperario. Gentilhombre de la capilla real desde 1626, compuso "masques" y salmos, distinguiéndose sobre todo como el gran maestro del "ayre", de cuyo género publicó tres colecciones a una, dos y tres voces (1653, 1655 y 1658), ricos en prosodia y sensibilidad de expresión. LAWES William n.1602 en Salisbury - m. 1645 en Chester Compositor británico, discípulo de John Coperario y músico de cámara en la corte de Carlos I, en la que llegó a ser muy estimado. Muerto en el asedio a Chester, durante las jornadas de la guerra civil, su obra comprende "masques", "ayres" y salmos. Ovtuvo sus mayores aciertos en el cultivo de la música de cámara, sobresaliendo los "broken consorts", en los que reune violines, violas, tiorbas y arpas, y algunas voces el órgano en partes "obligadas" de muy eleborado contrapunto. Al género pertenece en los "Royal Consorts of Viols" y "Greant Consorts", que agrupa sus aportaciones más notables. Compuso asimismo una suite para dos laúdes, que Julian Bream ha transcrito para dos guitarras y ha grabado formando dúo con John Williams. LAWRENCE Morton n. 1896 en Hereford, Inglaterra Guitarrista y pedagogo inglés. Tras varios años de actuación como pianista en su país, se interesó por la guitarra, bajo la influencia de W.M. Appleby, al que le unía unos estrechos lazos de amistad. Este fue su maestro, y sobre todo en el transcurso de la segunda guerra mundial realizó una gran actividad como concertista de dicho instrumento en Brecon (Gales), dedicándose en años sucesivos a la enseñanza y a organizar actos guitarrísticos. Entre sus diversas iniciativas de la Sociedad de Guitarra del Sur de Gales y contribuído asimismo a la aparición de la revista "Guitar News", de la que fue un asiduo colaborador.

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- 1397 LAZARDE Rómulo LAZARDE Rómulo n. 1940 en la Isla Margarita, Venezuela Inició sus estudios guitarrísticos en la Escuela Superior de Música de Caracas con Raúl Borges, prosiguiéndolos seguidamente con Guillermo Ramos y Vicente Emilio Sojo, entre otros. A los quince años ofrece su primer concierto en el Instituto Pedagógico de la capital venezolana. Poco después parte para España y amplía sus conocimientos del instrumento con Regino Sainz de la Maza, en el Real Conservatorio de Madrid, estudiando también composición con Daniel Bravo. Al regresar a su país, asume la dirección de la Escuela de Música "Gómez Gardiel" (1961-62), de Cumana, de donde se traslada una vez más a Europa para asistir a los cursos de la Academia Chigiana (1964) y Santiago de Compostela (1965). Su actividad concertística se extiende mientras tanto a diversos países europeos y se establece en Viena, donde en 1965-67 estudia Dirección Orquestal con Hans Swarowsky en la Academia de Artes de dicha capital. En 1971 la Escuela Experimental de Música "Lino Gallardo", de Caracas, le otorga el título de Profesor y Maestro Ejecutante de Guitarra, título que en 1973 le reconoce el Ministerio de Ciencias e Investigaciones de Austria, concediéndole la revalida del mismo. En 1971-72 ejerce la enseñanza de la guitarra en el Conservatorio Haydn de Eisenstadt (Austria). Romulo Lazardo se ha distinguido también como compositor fecundo y de garra, cuyas producciones se han escuchado desde 1956 en Colombia, Venezuela, Estados Unidos, Irlanda, España, Austria, Alemania, etc. Actualmente es supervisor musical en la Casa Editorial Fritz Fogt, de Alemania Federal, y cultiva la docencia (cursos de perfeccionamiento del CONAC y profesor de teoría y solfeo en la Escuela Experimental de Música "Lino Gallardo") y la composición en su país de origen, sin descuidar por ello la labor concertística. Es creador de un sistema de taquigrafía musical, de un método práctico para la enseñanza de teoría y solfeo, e inventor de una guitarra atemperada provista de dos llaves automáticas.

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- 1398 LÁZARO Alicia LÁZARO Alicia n. 1952 en Jaca/Huesca Reside en Madrid hasta 1979, cursando allí estudios universitarios (Universidad Politécnica) y de música. Durante sus estudios de guitarra con Jorge Fresno, comienza a interesarse por los instrumentos antiguos, concretamente los de cuerda pulsada. En esa época funda el grupo "Odhecaton", que sería de los pioneros en la renovación de la música antigua en España. En 1979 se traslada a Suiza para ampliar su formación con Eugen M. Dombois y Hopkinson Smith (laúd y vihuela) en la "Schola Cantorum" de Basilea y con Jonathan Rubin en el Conservatorio de Música de Ginebra. En calidad de solista y también formando parte de conjuntos dedicados al cultivo de la música antigua, desarrolla su labor concertística por diversas ciudades europeas, así como en Brasil, país en el que confiesa sentirse como en el suyo propio. Ha realizado varios trabajos de investigación sobre música española, siendo hasta ahora su más valiosa aportación la edición integral de 51 canciones con guitarra de cinco órdenes de José Marín, con tablatura original, transcripción, estudio crítico, estilo, ornamentación, etc., de próxima aparición en estos momentos en Chanterelle. Aunque toca cualquier instrumento con caja y cuerdas, es la vihuela con la que mejor se identifica. Dotada de un espíritu selecto, aficionada a la pintura, a la literatura, dibujante a ratos perdidos, escritora cuando el tiempo se lo permite, Alicia Lazaro deplora - son sus propias palabras - la desaparición del ideal renacentista del "hombre total", y aspira como artista a recrear y transmitir un arte que haga de todo espectador un cómplice.

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- 1399 LÁZARO VILLENA José LÁZARO VILLENA José n. 1941 en Valencia Guitarrista y compositor español, cuyos estudios musicales realizó en principio con M. Gimeno y después con P. Galindo, con él que terminó la carrera. Frecuentó también los cursos de guitarra impartidos por Andrés Segovia en Santiago de Compostela. Hizo su debut de concertista en la Peña Guitarrística "Tárrega", de Barcelona, y paralelamente a través de la radio, en el año 1961. Ha compuesto diversas obras para guitarra, entre las que conocemos: "Diez pequeñas piezas", vol. I ("Canción del pastor", "Pasco andaluz", "Vals", "Allegro", "Coral I", "Andante", "Danza", "Alborada gallega", "Juglaresca", "Romera") y vol. II ("Danza del pastor", "Dos fantasías", "Baile del pato", "Coral II", "Ronda del indio", "Habanera", "Barcarola", "Marcha funebre", "Zaida", "Rondino"); "Sonata N°1", homenaje a Villa Lobos; "Sonata N° 2", homenaje a Falla; "Sonata N° 3"; "Sonata N° 4", homenaje a Turina; "Diez preludios"; y "Veinticinco pequeñas obras", etc. Además el tratado "Escuela de Guitarra", en tres volúmenes, y "Escalas y ejercicios para guitarra", un complemento a los tres volúmenes anteriores. Actualmente està escribiendo una tesis sobre los guitarristas valencianos que han realizado una labor de enseñanza de la guitarra, en centros con cierta oficialidad, fundamentalmente, fuera de España. Piensa abrir un importante capítulo que serà: la influencia de los valencianos en la expansion de la enseñanza de la guitarra en todo el mundo. Este notable trabajo irà acompañado de grabaciones efectuadas por el mismo José Làzaro. LEA Henry Siglo XIX Músico, profesor de guitarra y de flauta y editor inglés, radicado en Londres en la primera mitad del siglo pasado. Entre 1820 y 1830 publicó obras en general y particular para guitarra, figurando en esta producción páginas de Diabelli, Küffner, Giuliani, Meissonnier, Castellacci, Duvernay, etc. y algunas suyas originales. LEAL ALARCÓN Gregorio n. 1867 en Casasimarro - m. 1955 en Casasimarro/Cuenca Inició muy joven el oficio de constructor de guitarras en el taller de su padre, D. Felipe Fausto, quien fue el primero de la familia Leal que se dedicó a la construcción de instrumentos de cuerdas, timples, laúdes, bandurrias, guitarras, etc. Gregorio estuvo trabajando durante mucho tiempo con Juan Leal, conocido por Juanillo: Tres de los hijos de Gregorio siguieron sus pasos en la fabricación de guitarras : Aurelio, Honorio y Juan Gregorio. (Luis F. Leal Pinar)

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- 1400 LEAL ALARCÓN Juan LEAL ALARCÓN Juan n. 1869 en Casasimarro - m. 1944 en Casasimarro/Cuenca Se dedica desde temprana edad a la fabricación de guitarras, juntamente con su hermano Gregorio. Juan Leal, o "Juanillo", como se le conocía, era hijo de Felipe Fausto, quien se había especializado en la construcción artesanal de timples, laúdes, bandurrias, guitarras, etc. (Luis F. Leal Pinar)

LEAL GÓMEZ Aurelio n. 1908 en Casasimarro - m. 1976 en Casasimarro/Cuenca Guitarrero español, cuyo oficio aprendió en el taller de su padre, pasando más tarde a trabajar en el de Pablo Casas Cebrián, juntamente con su padre y sus hermanos Honorio y Juan Gregorio. El taller de Casas Cebrián desaparece en 1945, por lo que Aurelio Leal se decide a transmitir el oficio a sus hijos José y Tomás, quienes en adelante habrían de proseguir la tradición familiar. (Luis F. Leal Pinar)

LEAL GÓMEZ Honorio n. 1905 en Casasimarro - m. 1983 en Casasimarro/Cuenca Se formó como guitarrero en el taller de su padre, Gregorio Leal Alarcón. Más tarde, hacia 1940, trabaja en el de Pablo Casas Cebrián, permaneciendo en él hasta 1945, año en que desaparece. Honorio Leal trabajó siempre en compañía de sus hermanos Juan Gregorio y Aurelio. (Luis F. Leal Pinar)

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- 1401 LEAL GÓMEZ Juan Gregorio LEAL GÓMEZ Juan Gregorio n. 1908 en Casasimarro - m. 1977 en Casasimarro/Cuenca Hijo y nieto de guitarrero, se formó en el taller de su padre. Más tarde, hacia 1940, trabaja en el de Pablo Casas Cebrián hasta 1945, fecha en que desaparece dicho taller. A partir de entonces su afición por la guitarra le lleva a formar parte de la rondalla de "Educación y Descanso" de Casasimarro, de la que fue guitarra primera y, después, fundó la rondalla "Juvenil" de dicha localidad, siendo director de la misma. Juan Gregorio Leal fue sin duda la máxima gloria guitarrística local de Casasimarro, ya que por él pasó todos los iniciados en la guitarra, llegando a contarse más de cien sus alumnos. Asimismo, la rondalla "Juvenil" llegó a sobrepasar los setenta instrumentistas. Sus compañeros lo llamaban "Reclín". ( Luis F. Leal Pinar)

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- 1402 LEAL MEJIAS José LEAL MEJIAS José n.1933 en Casasimarro/Cuenca Guitarrero español, continuador de la saga de los Leal en Casasimarro. Como su hermano Tomás, trabajó en el taller de Vicente Carrillo Cantos hasta 1970. Entre 1970 y 1976 lo hizo en sociedad con Tomás, hasta instalar después su propio taller. José Leal también ha presentado sus guitarras en exposiciones de Madrid, Cuenca, Manzanares, Sevilla, etc., y su taller cuenta con el Trofeo Provincial de la Feria del Campo de Manzanares (Ciudad Real), de 1972, y una Placa nominada del Ministerio de Industria, ésta otorgada con motivo de la exposición de Casasimarro en el "Homenaje Iberoamericano a la Guitarra", de 1984. (Luis F. Leal Pinar)

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- 1403 LEAL MEJIAS Tomás LEAL MEJIAS Tomás n. 1942 en Casasimarro/Cuenca Guitarrero español, hijo y nieto de guitarrero. Se forma en el taller de Vicente Carrillo Cantos ("Vicentillo"), trabajando en el mismo hasta 1970, en cuyo año crea su propio taller juntamente con su hermano José. Tomás y José forman sociedad hasta 1976, en que deciden separarse para llevar cada su propio taller. Tomás ha asistido a diversas exposiciones : Sevilla, Cuenca, Manzanares, Madrid, etc., y obtenido varias distinciones, entre las que figuran : Trofeo Feria Provincial del Campo de Manzanares (Ciudad Real), en 1972; Placa del Ministerio de Cultura de Cuenca, en 1981; Placa del Ministerio de Industria, en 1984, con motivo de la exposición que organizó el "Homenaje Iberoamericano a la Guitarra" en Casasimarro, etc. ( Luis F. Leal Pinar)

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- 1404 LEAL PINAR Luis F. LEAL PINAR Luis F. n. 1940 en Casasimarro (Cuenca) Estudió Magisterio en la Escuela «Fray Luis de León», de Cuenca, e inició estudios de Filosofía y Letras, sección Filología Románica, en las Universidades de Granada y Madrid. Colaborador de diversas revistas, lo es en la actualidad de la «Gran Enciclopedia de Madrid. Castilla-La Mancha». También ha colaborado, como articulista, en la presente Enciclopedia de la Guitarra. Es miembro de la Asociación Prometeo de Poesía, de Madrid. En su deumbalar profesional eligió las tierras del Sur: Pampaneira (Granada), Cazalla de la Sierra (Sevilla) y Jerez de la Frontera (Cádiz). Aquí en estas tierras, visitando tablaos y asistiendo a juergas flamencas, fue donde prendió en él la llama de la devoción a la guitarra, aunque las cenizas del amor al «ocho sonoro» siempre estuvieron en lo más profundo de su alma; no en valde nació en «El pueblo de las guitarras», que así se conoce, por aquellas tierras manchegas, a su ciudad natal. Luis F. Leal tiene laborado mucho el pro de la guitarra. A él se debe la feliz idea de erigir el primer «Monumento a la Guitarra» que hay en el mundo; también se deben a él los «Homenajes Iberoomericanos a la Guitarra». En la actualidad es promotor y Coordinador General de la Comisión Nacional Pro-Museo Iberoomericano de la Guitarra, cuyos objetivos, annque lentos, se van cumpliendo. Por último, debemos reseñar que en breve aparecerán sus obras: «Casasimarro y la Guitarra. Siglo y medio de historia» y «La presencia de la Guitarra en Castilla-La Mancha». Bibiliografía: "Antología Iberoamericana de la Guitarra" Editorial Alpuerto, 1987 LEAL POVEDA Felipe Fausto n. 1832 en Casasimarro - m. hacia 1897 en Casasimarro/Cuenca Pocos son los datos que tenemos del taller de este artesano, pero sabemos que hacía timples y que estos eran utilizados por los jóvenes en sus juergas. Su valor reside en que formó a Gregorio Leal, quien fue el promotor de una de las familias de guitarreros casasimarreños, la de los Leal, que no se ha interrumpido hasta la fecha. (Luis F. Leal Pinar)

LÉBEDEW Wasil n. 1867 en Capiatowski/Samara - m. 1907 en San Petersburgo Guitarrista y pedagogo ruso, discípulo de J. Decker Schenk. Virtuoso de guitarra de siete cuerdas y posteriormente de la de seis, atraído por el mejor repertorio a disposición para ésta, en 1901 publicó un estudio relacionado con ambos sistemas. Buen conocedor del instrumento, seguidor de la escuela de su maestro; Sor, Giuliani y otros clásicos figuraban con frecuencia en sus programas de concertista. En 1890 actuó en París al frente de un conjunto instrumental, que llamó poderosamente la atención. A la muerte de Decker Schenk, Lébedew le reemplazó en la actividad pedagógica, contribuyendo en la formación de jóvenes valores. Compuso unas cincuenta canciones con acompañamiento de guitarra.

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- 1405 LECKIE Walter LECKIE Walter Guitarrista inglés, aficionado, cuya vida estuvo estrechamente vinculada a la de Tárrega. Emilio Pujol ha dejado una semblanza suya, que transcribimos : "El doctor Walter Leckie, o "Don Gualterio'' como le llamaban familiarmente sus amigos españoles, era un hombre original por los cuatro costados, que, por dondequiera que iba, llamaba la atención por su figura, sus modeles, su vasta cultura, y, digámoslo también, sus extravagancias. Rayaba por aquel entonces en los cincuenta años de edad. Tenía una estatura regular, rasgos fisonómicos típicamente sajones, bigote engomado y monóculo en el ojo izquierdo, pelo teñido de rubio con raya en medio. Vestía, de ordinario, chaqueta clara y chaleco de veludillo negro con botones dorados, cuello alto, recto y almidonado, y amplia corbata plastrón de subido color grana. Cubríase con un sombrero flexible de alas anchas; y completaba su atuendo con un abrıgo muy cumplido y desajustado, con flor en el ojal y con repletos y abultados bolsillos, por los que tan pronto asomaba un pañuelo de abigarrados colorines como las hojas de una vulgar hortaliza. Era hombre de profundos conocimientos, y médico de profesión, aunque no la ejercía: hablaba siete idiomas, y conocía la geografía e historia de todos los países europeos y americanos, los cuales había recorrido en alguna u otra etapa de sus andanzas por el mundo. Muy erudito en literatura, daba la impresión de retener textualmente en su privilegiada memoría las obras célebres de los clásicos latinos, de los mejores escritores ingleses, e incluso de nuestros Cervantes, Lope, Calderón, Espinel, y otras figuras de nuestro Siglo de Oro, en cuyo estilo gustaba de improvisar frases y sentencias que, como los refranes de Sancho, aplicaba más o menos a cuento. Rico e independiente, mal se avinó con la placidez sumisa del matrimonio. Casado por tres veces y padre de veinte hijos, hubíase divorciado de sus dos primeras esposas, a las que pasaba sendas pensiones de acuerdo con las leyes de su país. La tercera vivía con sus dos hijos más pequeños en Niza, donde tenían establecido el hogar conyugal. Distribuídos por parejas de igual sexo, los restantes hijos del doctor estaban internos y recibían convenientemente educación en diversos colegios de Inglaterra, Francia y Estados Unidos. Nuestro hombre empleaba sus días en atender sus negocios mineros del Transvaal, en hacer visitas periódicas a sus hijos, y en seguir los pasos de Tárrega, en cuya compañía gustaba de pasar el mayor tiempo posible. Si el Maestro se encontraba en Barcelona, el doctor se hacía entonces acompañar de su mujer, bastante más joven que él, y de sus dos vástagos. Tenía Don Gualterio un temperamento caprichoso; sin ser corpulento, era musculoso y ágil, y poseía una gran resistencia física, consecuencia, sin duda, de su vida errante. A favor de su fortuna, siempre propicia, mostrábase a veces veleidoso, y, en ocasiones, hasta impertinente, en un afán notorio de distinguirse de los demás. Admiraba a Tárrega, y, sin embargo, no intentaba imitarle ni seguir sus consejos. 'Cada uno tiene su escuela', solía decir; 'Tárrega tiene la suya y yo tengo la mía'. Conocía a los pocos guitarristas ingleses que en Londres se habían formado en torno a Regondi, fallecido en 1873; y especialmente a Mrs. Pratten, hija de Ignacio Pelzer, quienes constituían la dinastía guitarrística clásico-romántica en Inglaterra. De Mrs. Pratten había aprendido todo cuanto sabía en la guitarra, y, con preferencia, la fantasía en la expresión y en la actitud; afinaba su instrumento en mi menor: mi-si-mi-sol-si-mi, de sexta a prima respectivamente. Sus acordes eran producidos por el pulgar, que deslizaba por las seis cuerdas en consonancia. Exageraba el vibrato, y cuando su pulgar atacaba una nota suelta en los bordones, levantaba y alejaba la mano de las cuerdas, con la actitud solemne de quien fuera dueño y señor de las vibraciones en el espacio. Cada vez que venía a España se sentía especialmente atraído por todo lo típico y callejero. Bajo esta pauta, se instalaba en una pensión de mediana categoría, adonde solía invitar a sus amigos y conocidos. Acostumbraba a visitar el mercado cada mañana, y llenaba los bolsillos de su abrigo con los artículos más heterogéneos y absurdos, con olvido de la más elemental compostura. E1 temor al ridículo por algo extravagante, desmesurado o insólito, que tanto afecta a los españoles, le tenía completamente sin cuidado; y esta despreocupación suya habitual mantenía en constante de alarma ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1406 LECKIE Walter a quienes le acompañaban por calles y lugares públicos de la ciudad. Se prendaba con suma facilidad y frecuencia de la canción de moda entre el populacho, martilleada hasta la saciedad en los manubrios callejeros, y pedía a Tárrega, por favor, que hiciera de ella una transcripción para darse el gusto de tocarla él en su guitarra. Este fue el origen de tantos aires de zarzuela como 'El Pobre Valbuena', 'El Ratón', y otros, que, sin las veleidades del 'inglés' jamás hubiesen sido dignificados por el arte de Tárrega. (...) Cierto día, invitó Tárrega a Don Gualterio a una excursi6n a Montserrat, con el fin de hacerle admirar la legendaria montaña, de enorme interés geológico y panorámico, y el monasterio, en donde podría escuchar el canto gregoriano con la misma pureza que en la propia abadía de Solesmes. Pero una vez allá, nuestro bien 'inglés', seducido por las formas fantásticas de aquellas peñas, y añorando tal vez recuerdos de una juventud deportiva y aventurera, prefirió trepar por aquellos escarpados vericuetos hasta la cima de alguna empinada roca para, desde allí, cual nuevo tambor del Bruch, gritar con voz estentorea a su amigo : '¡Eh...! Taríga...!' (...) Don Gualterio era una especie de trotamundos fanático de la guitarra. Después de la muerte de Tárrega, perdida La Meca de sus peregrinaciones artísticas, se dedicó a visitar a los pocos guitarristas destacados que se hallaban diseminados por el mundo. Visitó a Llobet en París; a Domingo Prat en Buenos Aires; a Josefina Robledo en Brasil; a Daniel Fortea en Madrid; a Pepita Roca y a Loscos en Valencia; al autor de esta obra, en distintas poblaciones.

De iz. a der. W. Leckie, su familia y Tárrega. ( Niza, 1894 )

De iz. a der. W.Leckie, su mujer y Francisco Tárrrega (Por cortesía del Museo de la Ciudad, casa de Polo de Villarreal)

En otoño de 1912, hallándome en Londres, en donde quiso darme a conocer como guitarrista mi noble amigo el ilustre pintor Pablo Antonio de Béjar, acudió Don Gualterio al estudio del artista en Kensington Gardens para presentarme a Mad. Giulia Pelzer, hermana de Mrs. Pratten. Pocos días después, el 14 de diciembre, debía celebrarse mi primer recital en el Bechstein Hall (hoy Wigmore Hall), y Don Gualterio recibió una invitación de Béjar. En pleno concierto, y cuando en la segunda ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1407 LECKIE Walter parte del programa acababa de interpretar el "Capricho árabe' de Tárrega, veo a nuestro Don Gualterio levantarse de su butaca, al fondo de la sala, y avanzar decidido a todo lo largo del pasillo hasta llegar a mí, tenderme la mano, y exclamar en alta voz : '¡Viva Taríga !' Y ante mi asombro y el de aquel público inglés tan flemático y enemigo de exhibicionismos fantasiosos, volvió sobre sus pasos y fue a sentarse de nuevo en su butaca. Estas excentridades degeneraban, a veces, en lo grotesco. ¿ Como calificar si no, el hecho de ostentar en la solapa de su desgarbado abrigo un clavel reventón de rojo subido, cuando por los bolsillos deformes asomaban unas hortalizas ? ¿O la ceremoniosa escena de ofrecer a la esposa del Maestro en plena calle unos ramos de flores, postrado de rodillas y besándole la mano ? No cabe duda que en el ambiente barcelonés de principios del siglo una figura como la del 'inglés' tenía que despertar por fuerza, verdadera espectación. Tampoco era cosa vulgar ni frecuente ver a un extranjero cautivo de amor apasionado por la guitarra y de admiración fanática hacia el Maestro, y que, saltando por encima de dificultades e inconvenientes, iba a encontrarle donde estuviera, sólo para gozar el placer de oirle. De sus sentimientos admirativos respecto al Maestro habla elocuentemente esta dedicatoria que escribió, de su puño y letra, en una fotografía con la que quiso obsequiarle: 'A Don Francisco Tárrega,el más grande guitarrista de este mundo y el próximo"'.

Preludio de Tárrega, dedicado a W. Leckie

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- 1408 LECLERCQ Norbert LECLERCQ Norbert n. 1944 en Bruselas Guitarrista, pedagogo y compositor belga, formado en el Real Conservatorio de Bruselas. Desde 1970 impartió clases de guitarra en dos academias de la capital belga, y desde 1974 también en el Real Conservatorio, dándose además a conocer como concertista en diversas localidades de Bélgica, Francia y Suiza. Sus inspiradas y bonitas obras para guitarra, publicadas en París y Amberes, se inspiran en estéticas avanzadas,siendo muy apreciadas y tocadas en los Conservatorios de Música de Europa.

Obras para guitarra de Norbert Leclercq: 6 Couleurs, 1973 6 Nuances, 1978 3 Géométrie, 1981 Syllabes, 1981/1982/1985 . 5 vol. sobre las posiciones 3 Dimensions, 1983 7 Facettes, 1985

Ed. Schott, Bruselas/Paris Ed. Metropolis, Amberes " " " " Ed. H. Lemoine, Paris

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- 1409 LE COCQ François LE COCQ François Siglo XVIII Músico de la corte belga, autor de la obra "Recueil des pièces de guitarre, composées par Mr. François Le Cocq, musicien jubilaire de la Chapelle Royale à Bruxelles" (Bruselas, 1729). La integran una serie de composiciones propias, a las que añade otras de N. Derosier, F. Corbet, G. Sánchez, J. Saint Luc, Lelio, R. de Visée, P. de Zavala, G.B. Granata y de dos anónimos.

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- 1410 LECUNA Juan Vicente LECUNA Juan Vicente n. 1891 en Valencia, Venezuela - m. 1954 en Roma, Italia Pianista y compositor venezolano, formado en el Conservatorio de Caracas. Fue uno de sus maestros Salvador Llamozas (piano). En 1918 se encuentra en Nueva York, donde se gana la vida como pianista tocando en restaurantes y hoteles. Tras una estancia en Caracas, en 1936 vuelve a los Estados Unidos, esta vez como empleado civil de la Embajada de Venezuela en Washington, participando por esas fechas en unos cursos de orquestación impartidos por Gustav Strude en Baltimore. Posteriormente trabaja en la agregaduría cultural de su país acreditada en Brasil, Uruguay, Argentina y Chile, pasando en 1949 a ser Secretario de Embajada en Roma. Compuso un concierto para piano, música de cámara y, entre otras obras, también una "Suite venezolana" para cuatro guitarras. "Revista Musical de Venezuela" (enero-abril de 1981). LEDERER Horst n. 1920 en Markneukirchen, Alemania Representa en su quinta generación a una antigua dinastía de constructores de guitarras radicada en Markneukirchen desde el siglo pasado. Horst aprendió el oficio con su padre, transmitiéndolo a su vez a su hijo Peter Lederer, maestro diplomado en 1979 y que hoy encarna a la sexta generación de los Lederer. Ambos trabajan en el mismo taller, en el que construyen guitarras para clásico y para folklore americano, destacando entre estas el modelo que denominan "Jumbo", de seis y doce cuerdas. LEDHUY Adolphe Siglo XIX Guitarrista y compositor francés, que realizó su actividad musical a principios del siglo XIX. Sus obras para guitarra fueron publicadas por Lemoine, entre las que se recuerdan los Estudios op. 18 (à mon ami F. Sors) y 21 (à mon ami D. Aguado), actualmente editados por Beltz, y un "Nocturne espagnol" op. 26. El uruguayo Savio incluyó en su "Antología" (Ricordi Americana) un "Preludio" de este autor, de interés por su originalidad. También encontramos en el catálogo de Bèrben un "Aria" suya. Asimismo dio a la estampa, entre otros trabajos de carácter didáctico, una "Encyclopédie Pittoresque de la Musique" (1835), en colaboración con el pianista Henri Bertini, en la que aporta una importatísima biografía llena de preciosos datos acerca de la gran figura de Sor. En el año 1806 estaba establecido en Coucy-le-Château un "luthier" apellidado Leduy, el cual pudo ser el mismo Ledhuy, del que nos ocupamos, o un pariente suyo. Construyó buenas guitarras e inventó una "lire-organisée" de tres mangos, con el propósito de poder introducirla en la orquesta. ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1411 LEEB Karl Hermann LEEB Karl Hermann n. 1906 - m. 1979 en Zürich Guitarrista y pedagogo suizo. Al mismo tiempo que realizaba sus estudios universitarios en Berna y en Zürich, hizo los de guitarra. Posteriormente se traslada a Viena para perfeccionarse con el consejo de Jakob Ortner, quien en 1930 le extiende el diploma de profesor. Como concertista actuó principalmente en Austria, Alemania y en su propio país, destacando por su labor como profesor del instrumento en el Conservatorio de Zürich. Escribió una "Gitarrenschule" (Hug & Comp., Zürich). LEGNAME Niccolò Siglo XVII Laudista italiano, autor de una colección de "Canzonette a tre voci" con acompañamiento de laúd, publicada en Venecia en 1608.

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- 1412 LEGNANI Luigi LEGNANI Luigi n. 1790 en Ferrara - m. 1877 en Ravenna Guitarrista, compositor y cantante italiano, figura sobresaliente dentro del período clásico de la guitarra, que siempre conseguía entusiasmar al auditorio. Inició sus estudios musicales a muy temprana edad en Ravennam adonde se habían trasladado sus padres en 1799, aprendiendo ınstrumentos de arco, guitarra y canto. Poseía una hermosa voz de tenor, que lo llevó a triunfar desde 1807, con diecisiete años, cantando óperas de Cimarosa, Donizetti y Rossini en el Teatro Vecchio de Ravenna. Más tarde prestó toda su atención a la guitarra, presentándose con ella en Milán en 1819, e inmediatamente después en Viena, en donde residió hasta 1823, alternando la actividad concertística con la de la enseñanza del canto. Ejecutante brillante, dotado de una gran musicalidad y recursos técnicos, que le permitían extraer del instrumento efectos sorprendentes, en sus recitales nunca faltaban las correspondientes arias de óperas, por él mismo transcritas, para satisfacer los gustos de los públicos de entonces. En 1824 recorrió Suiza y Alemania, alcanzando un éxito clamoroso en Munich (1825), que se repetiría en posteriores ocasiones. Luego viajó a Inglaterra, Rusia y otros países, en los que asimismo sería aclamado. En París, se cuenta, se lastima una mano y recurre a los "dos amigos", Sor y Aguado, para que lo reemplacen, lo cual hacen aquellos renunciando a los consiguientes beneficios. La anécdota, verídica o no, se extiende. En 1833 está una vez más en la capital austríaca, en la que el célebre "luthier" George Stauffer le construye una guitarra especial, y transcurrido un tiempo lo volvemos a encontrar de gira, en esta ocasión integrando un dúo con el fabuloso Paganini, con el que actua en Ginebra, Génova, y por último, el 9 de junio de 1837, en el Teatro Carignano de Turín.

Portada original de tres piezas para guitarra de Legnani; es de suponer que fueran publicadas durante su estancia en Viena (1833, ediciones Artaria).

Curiosamente, en la segunda pieza de esta publicación, "La Gitana", encontramos un tema que es idéntico al del Intermedio de "La boda de Luis Alonso" (Sainete lírico de Jerónimo Giménez, estrenado en Madrid en 1897). ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1413 LEGNANI Luigi Ejemplo musical de "La Gitana"

Ejemplo melódico del Intermedio, "La boda de Luís Alonso"

A los cincuenta años Legnani de edad tocó en España, concretamente en Barcelona. En "Iberia Musical", de Madrid, fecha 29 de mayo de 1842, se lee el siguiente comentario: "En la noche de anteayer se presentó en el Teatro Principal de esta ciudad (Barcelona), el Sr. Luis Legnani, guitarrista italiano de nombradía; tocó una fantasía, a solo, y unas variaciones brillantes con acompañamiento de orquesta; ambas piezas, de su composición. Este profesor reune mucha agilidad en la ejecución, gran entereza e igualdad en el tono o sonido que saca de su instrumento, y mucho sentimiento en el cantábile. E1 Sr. Legnani fue muy aplaudido y lo que nos llamó la atención fue un Adagio que tocó con mucha exactitud y gusto, y un "Motivo" en forma de crescendo rosiniano en el que se distinguió el canto, de mucha dificultad, junto con un acompañamiento bastante complicado. Dicho profesor hace uso de una guitarra, a la que se añadió dos cuerdas bordonas al aire, para la primera pieza que tocó, y tres, para la segunda. A lo que observamos, se sirve de estas bordonas para hacer a veces ciertos puntos de la armonía." Como es de presumir, debe de tratarse del instrumento que le hizo Stauffer. Autor fecundo, socio honorario de las Sociedades Filarmónicas de Florencia, Parma, Verona y Munich, su producción musical abarca los doscientos cincuenta títulos, entre los que siguen sosteniendo vigencia "Fantasia brillante con variazioni" op. 1, "Capriccio" op. 6, "Grandi variazioni sulla Molinara" op. 16, "Duetto concertante per chitarra e flauto" op. 23, "Concerto" op. 28, "Gran capriccio" op. 34, "Capricci-Metodo per imparare la música e la chitarra" op. 250, etc. En los últimos años de su vida, alrededor de 1850, se retiró a Ravenna para dedicarse exclusivamente a la construcción de violines y guitarras, siendo muchos los instrumentos suyos que hoy se guardan en museos y colecciones privadas. ------------------------------(Un importante listado con obras de Luigi Legnani, lo encontramos en el Catálogo "Rischel & Birket - Smith Collection" 1989, Publicado en las famosas ediciones ORPHÉE / Columbus / U.S.A. ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1414 LEHMANN Johann Traugott LEHMANN Johann Traugott n. hacia 1782 en Wenbrück, Alemania - m. ? Guitarrista y pedagogo alemán, autor de obras teóricas y didácticas, entre ellas "Neue Gitarrenschule" (1806), "Kleine Gitarrenschule" (1825), "Hinweise zur Ausführung alter Tabulaturen", "Regeln und Grundiagen des Solospiels auf der Gitarre",etc. Asimismo cultivó la composición, dando a la estampa una colección de danzas ("Beliebte Tänze"), otra de canciones acompañadas a la guitarra ("Ausgewählte Gesänge") y "dúos" de flauta y guitarra. LEIDESDORF Maximilian Joseph n. 1778 en ¿ Viena ? - m. 1840 en Florencia Compositor, pianista y editor austríaco. Sostuvo estrecho contacto con Giuliani, Legnani y otros guitarristas, así como con Beethoven, Haydn y Schubert. Protegido por el gran duque de Toscana, fundó una editorial de música en Viena, la cual trasladó posteriormente a Florencia. Compuso unas ciento cincuenta obras, entre ellas "2 Divertissements" para violín y guitarra (Diabelli, Viena), y "Variations concertantes" (Sauer & Leidesdorf, Viena) para guitarra, piano, dos violines, viola y violoncello, ésta en colaboración con Legnani. LEISNER David n. 1953 en Los Ángeles/Calif., USA Guitarrista y compositor norteamericano, graduado por la Universidad de Wesleyen, en Connecticut, en el año 1976. Hizo los estudios del instrumento con John Duarte, Angelo Gilardino y David Starobin; los de interpretación musical con Karen Tuttie y John Kirkpatrick; y composición con Richard K. Winslow. En 1975 obtuvo el Segundo Premio en el Concurso Internacional de Guitarra de Toronto, y en 1981 la Medalla de Plata en el de Ginebra. En los años 1976 -78 ejerció la enseñanza en el Conservatorio de Nueva Inglaterra, en Boston. Posteriormente en el de San Francisco y en otros centros docentes, impartiendo frecuentemente "master classes". Su actividad concertística se ha venido desarrollando hasta ahora principalmente en Estados Unidos, y con menos regularidad en Europa (Semana Intern. de Guitarra de Amsterdam, Festival Intern. de Lagonegro, Italia, etc.). Aparte de la actuación solística, ha cultivado la música de cámara y el concierto, éste acompañado por la Orchestra de la Suisse Romande, la de Cámara de Nueva Inglaterra y otras. En 1980 apareció su primer disco, titulado "Viennese Guitar" (Titanic Records), con obras de Johann Kaspar Mertz. De su producción musical conocemos "Love is the Crooked Thing", op. 2 (voz y guitarra); "Simple Soogs", op. 4 (voz y guitarra) : "Night Scenes" op. 5 (guitarra); "Dances in the Madhouse", op. 6 (violín y guitarra); "Billy Boy Variations", "Passacaglia and Toccata", etc. Diversas revistas guitarrísticas se han ocupado de la labor de David Leisner, sobre todo la "Guitar Player Magazine" y "Soundboard".

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- 1415 LEITE Antonio da Silva LEITE Antonio da Silva n. 1759 en Oporto - m. 1833 en Oporto Músico portugués. Entre otras actividades desempeñó el cargo de maestro de capilla en la catedral de su ciudad natal, cultivando paralelamente la guitarra como ejecutante y maestro. En su tratado "Estudio de guitarra... (Oporto, 1796), expone el modo más fácil para aprender a tocar el instrumento, empleando por primera vez en su país la notación moderna. Dividido en dos partes, en la primera instruye sobre las reglas de música y de acompañamiento que debe seguir el alumno, dando entrada, en la segunda, a una colección de "minuetos", "marchas", "allegros", "contradanzas", etc. Autor fecundo, sobre todo de música vocal, entre sus obras se cuentan "Seis Sonatas" para guitarra, violín y dos trompas, fechadas en 1792. LEJ Teodoro n. 1900 en Reus/Tarragona Guitarrista y profesor argentino, de origen español. Desde la edad de dos años reside en Buenos Aires, adonde sus padres habían emigrado en 1902. Su primer maestro de guitarra es su padre. Más tarde comienza a estudiar seriamente el instrumento en la Academia "Tárrega", entonces dirigida por el español Hilarión Leloup. Paralelamente frecuenta el Conservatorio "Paganini" y se perfecciona después como instrumentista en la Academia "Prat". En el catálogo de la Antigua Casa Nuñez encontramos las siguientes obras de Lej para guitarra sola : "Así soné", "Estudio inédito", "Mina Clavero", "Vals" N° 1 y "Vals" N° 2; y el tratado "Nueva didáctica del guitarrista".

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- 1416 LEJARZA LEO Miguel Ángel LEJARZA LEO Miguel Ángel Nacido en Tepeji del Río, Hidalgo, Miguel Ángel Lejarza Leo estudió en la Escuela Superior de Música y en el Conservatorio. Posteriormente, en París, trabajó en la Schola Cantorum, y luego en el Real Conservatorio Superior de Madrid. También ha tomado cursos superiores de perfeccionamiento con maestros como: Leo Brouwer, Wilhelm Bruck, José Thomas y Robert Guthrie. Comenzó sus estudios musicales en 1973 en la Escuela Superior de Música para posteriormente ir al Conservatorio Nacional de Música en la Ciudad de México, finalizando el ciclo de estudios con la más alta calificación en el año de 1978. Al revisar la programación musical de este XVI Feslival Internacional Cervantino, no deja de ser patente la presencia de la guitarra, ya en grupos, o ya como solista. Otra presencia bienvenida y entrañable que viene de la mano de la guitarra es la Heitor Villa-Lobos Miguel Ángel Lejarza Leo, entre otros, es uno de los exponentes principales de la interpretación de este compositor brasileño: supera airoso los problemas técnicos para concentrarse en los expresivos. Lejarza restaura en Villa-Lobos su intuitiva nobleza, fuerte emotividad y audacia tímbrica. Lejarza Leo ha sido galardonado en diversos concursos, entre los que destacan el Primer Premio de Interpretación del Conservatorio Nacional de Música de la Ciudad de México; Primer Premio del Concurso Internacional de la UFAM de París; Premio Abel Carlevaro del Conservatorio Nacional de Música de México; y dos veces el primer lugar de la Schola Cantorum de París. Su actividad concertística es extensa: tanto en México como en París, Madrid, Londres, Cambridge - adonde fue invitado por el Trinity College con motivo del centésimo aniversario del nacimiento de Heitor Villa-Lobos en febrero de 1987-, Alemania y Suiza, país este último donde radica desde hace algunos meses. Este destacado guitarrista ha realizado ya diversas grabaciones para la radio y televisión mexicana; asimismo la compañía de discos alemana Aulus le ha ofrecido un contrato que ha producido dos discos: Homenaje a Heitor Villa-Lobos, (grabación que ha recibido las mejores críticas en Europa); y el segundo: ¡Guitarrista! En 1989 aparecerá el tercero, dedicado en exclusiva a la música mexicana contemporánea. (José Antonio Alcaraz)

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- 1417 LEJET Edith LEJET Edith n. 1941 en París Compositora francesa. Después de haber terminado sus estudios de matemáticas en la Universidad, se inscribe en el Conservatorio Nacional de París, en el que entre 1963 y 1968 obtiene cinco premios en otras tantas disciplinas musicales: en Estética, Armonía, Contrapunto, Fuga y Composición (alumna de André Jolivet). En 1967 recibe el Premio de la Vocación; en 1968 es laureada de la Academia de Bellas Artes con un primer segundo Gran Premio de Roma; en 1970 se le otorga el Premio "Florence Gould"; es también laureada de la SACEM; en 1974 se le concede el Premio "Hervé Dugardin"; y en 1979 el Gran Premio de la Música de Cámara. Es Edith Lejet una figura importante en el terreno de la creación musical, autora de varias obras para orquesta, instrumental, música de cámara, etc. Incitada por el español Tomás Marco compuso la pieza "Gémenux", para guitarra (Amphion Editions). Más tarde escribirá para el mismo instrumento la pieza "Balance", ejecutada por primera vez en el festival guitarrístico de Carpentras (Francia).

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- 1418 LELOUP Hilarión LELOUP Hilarión n. 1876 en Bilbao - m. 1939 en Buenos Aires Concertista, compositor y profesor de guitarra, establecido en la Argentina desde 1912. Tomemos de Prat sus datos biográficos: "Hizo los estudios musicales y de guitarra con su señor padre, destacado profesor en dichas materias, empezando a los cinco años con carácter de pasatiempo, formalizándolos a los siete en mérito al adelanto ya alcanzado. En 1889 formó parte de un conjunto musical, organizado y dirigido por el autor de sus días, grupo que recorrió gran parte de España y Francia, actuando con lisonjero éxito en París, en la época en que se celebraba el gran certamen de la Exposición Universal. En la Sociedad Guitarrística, fundada en Bilbao, existió un cuarteto de guitarras, en el que se destacó Leloup por su brillante actuación. A los diez y seis años era concertista y profesor de este instrumento; habiéndose recibido, además, de profesor de contrabajo en la reputada Sociedad Filarmónica, de la capital vasca, obteniendo por concurso la plaza titular de este último instrumento en la Banda Municipal y en la Sociedad de Conciertos. En el año 1909, junto con varios instrumentistas de guitarra, realizó una gira artística por las principales ciudades de España, Inglaterra y Francia.

En 1912 se trasladó a la Argentina, siendo contratado ventajosamente en Bahía Blanca para actuar como profesor de contrabajo en un distinguido conjunto musical, determinando, después de una larga temporada y de haber cumplido sus compromisos, radicarse definitivamente en la capital de la república para actuar también como contrabajista y profesor de guitarra, logrando bien pronto un merecido renombre. Luego abandonó por completo el contrabajo. En 1915 entra a formar parte de la dirección de la Academia "Tárrega", que dirigía el maestro Sonópoli; separándose más tarde de dicho colega, para continuar bajo su sola tutela al frente de esta Academia, cargo que no le impediía realizar periódicamente algunas audiciones en la capital y en el interior de la república, como lo hiciera en 1917 con el ya concertista C. Rizzuti. Su crédito como profesor se extiende, y desde 1920 realiza demostraciones de alumnos que afirman su prestigio. Cuenta, entre algunos de sus numerosos alumnos egresados, maestros unos y concertistas otros, los siguientes: Carlos Novatti, Maria Elena McInnes, Adolfo López, Pablo Fleury, Braulio L. Garcia, Amelia Flores Ortega, ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1419 LELOUP Hilarión Francisco S. Aldino, Juan A. Ahumada, Zulema Celia Quiroga, Jacinto Landi, Isidro Figueroa, Armando Sosa Soler, Amelia Amando Ruggia, Ricardo Morelló, Irene Asenjo, Josefina Romano, Beatríz Romero, Jorge S. Croce, Ana Battiato, Humberto Bianchi, Ofelia López Muñoz, Manuel Sabaté, Julio Alberto Couyet, Margarita Beccaria, Eduardo Correa, Alicia Báez Iriarte, Victor Addesso, Alberto M. Barrenechea, Ana María de Acha Llambias, otras que escapan a mis apuntes y muchos más ya citados en este libro en su respectivo lugar. Como compositor de obras originales y publicadas, se le conocen: 'Album de 8 piezas fáciles', 'Método de solfeo aplicado a la guitarra', 'Método elemental' y 'Escalas, acordes y ejercicios técnicos', labor que merece encomiásticos adjetivos, realizada por su inteligencia y en parte por las orientaciones en que le iniciará Francisco Tárrega en su visita artística a Bilbao en el año 1905, en la que sellaron una buena amistad,como lo atestigua la siguiente carta: 'Mi cariñoso y buen amigo, señor Leloup: Con gran placer recibí su muy atenta, agradeciéndole sus afectos y atenciones. Yo no crea le olvido, y pronto mandaré a usted original para que lo estudie y no decaiga su entusiasmo en la idea que concertamos en ésa, de tocar a dos guitarras obras de los clásicos que, sin duda, luciremos. Trabaje mucho, puesto que usted es uno de los pocos elegidos, que pueden llegar a la meta en la bellísima guitarra...' Dichos proyectos no se pudieron realizar, por razones de enfermedad. E1 maestro Leloup es, en efecto, de los que tienen un valor real por haberse hecho con su propio esfuerzo. Como ejecutante y como docente ha triunfado allá en su país, y aquí, entre nosotros, donde le creemos definitivamente adaptado."

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- 1420 LELOUP Maria Carmen LELOUP Maria Carmen n. 1907 en Bilbao Profesora española de guitarra, de la que Prat nos dice en su "Diccionario" de 1934 : "En 1914 trasladóse con sus mayores a la Argentina, radicándose en Buenos Aires. A los ocho años de edad comenzó el estudio de la guitarra con su señor padre, el notable profesor Hilarión Leloup, quien, comprobando los excelentes dotes de instrumentista de su hijita Maria Carmen, le dio una esmerada y completa enseñanza musical y guitarrística. La señorita Leloup ha intervenido ya en varios conciertos de alumnos, realizados por su padre, habiéndose destacado con relieves netos. Hoy ejerce la enseñanza con singular éxito, siendo un distinguido valor, entre el vasto elenco de profesores que actuan en la capital de la República Argentina." LEMAIGRE Philippe n. 1950 en Vise (Bélgica) Empezó sus estudios de guitarra a la edad de 13 años. Su primer profesor fue González Mohino, en Lieja; paralelamente a la guitarra estudia contrapunto y armonía con Félix Mathieu. A los 17 años se inscribe en el Conservatorio de Lieja, saliendo egresado de este centro docente en 1971. En la música de cámara, obtuvo el primer premio por su excelente interpretación. Posteriormente recibe clases de Leo Brouwer y Alberto Ponce. Philipp Lemaigre también toca el laúd, dando conciertos por toda Europa con los dos instrumentos. Ha grabado discos con obras de L. Brouwer, M. Giuliani, F. Tárrega, F. Sor, N. Coste etc., Composiciones para guitarra sola: 12 Etudes "Billaudot" / Esquisses "Billaudot" / Jeux d'Enfants – 12 pièces "Martin" / Le Petit TrainBleu (vol.3, Repertoire dedagogique) "Transatlantiques", 1898 / Miniatures (6 pièces) "Billaudot" / Six Preludes en hommage à Debussy "Hortensia" Cuarteto de guitarras: Fantasía N°2 "Inédito" (POCCI 2004 Guitar Reference - Guida al Repertorio della Chitarra Moderna e Contemporanea)

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- 1421 LEMES HERNÁNDEZ Antonio LEMES HERNÁNDEZ Antonio n. 1944 en Teguise/Lanzarote (Islas Canarias) Constructor de timples canarios. En la Escuela de Artes y Oficios del Cabildo de la isla aprendió la talla de madera (piquillo canario), y desde joven estuvo trabajando en carpinterías. De algunos carpinteros aprendió a construir los primeros timples. A los dieciocho años comenzó a trabajar por su cuenta. Sólo construye timples, aunque ha reparado laúdes, guitarras, violines, bandurrias, etc. Dedica a su oficio unas doce o catorce horas diarias.

LEMMERMANN Dirk n. 1960 en Bremen, Alemania Se forma como guitarrista en la Hochschule der Künste de Berlín Occidental. Desde 1982 dirige en esta capital la parte musical de "Die Phrasenmäher" grupo teatral de crítica social y política. En 1986 fundó el "Worpsweder Gitarrendoppel". Ofrece conciertos, dicta seminarios y clases de guitarra y dirige además un coro. LEMOINE Antoine Marcel n.1763 en París - m. 1817 en París Guitarrista, compositor y editor francés, autor del tratado "Nouvelle méthode courte et facile pour la guitare" (Paris, 1790), con una colección de composiciones propias y transcripciones para guitarra de cinco y de seis cuerdas, ésta última denominada "lyre ou guitare a six cordes". En 1793 fundó la célebre editorial que lleva su nombre, en la que por vez primera se publicaron gran parte de las obras de Carulli, Sor, Ledhuy, Tessarech, Bosch, Zurfluh, etc. “L’ENCOURAGEMENT” de F. Sor Ver: ROMEA Alfredo

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- 1422 LENDLE Wolfgang LENDLE Wolfgang n. 1948 en Ludwigsburg, Alemania Empezó los estudios de guitarra con el maestro H.J. Volkholz, en Trier. Entonces tenía diez años. En 1966 se encuentra en España, en Málaga, donde recibe las enseñanzas de Antonio Company. Dos años más tarde ingresa en la Escuela Superior de Música de Saaerbruecken para estudiar el instrumento con Jiri Jirmal, asistiendo paralelamente a los cursos de Andrés Segovia y José Tomás en Santiago de Compostela. En 1968 obtiene el Tercer Premio en el "Concours International de Guitare de Paris", y al siguiente el Segundo (no se concedió el primero) en el de "Maria Canals" de Barcelona. Concluída su formación en Saerbrücken, en 1971, comienza en dicha ciudad a ejercer la enseñanza y graba en Luxemburgo su primer disco. En 1971-72 resulta premiado en el certamen de jóvenes artistas de su país y participa en un curso de Alirio Díaz impartido en Alessandria (Italia). Volvemos a encontrarlo en España en 1974, año en que asiste al curso "Manuel de Falla" de Granada, que dicta Regino Sainz de la Maza, y gana el Primer Premio en el Certamen "Francisco Tárrega" de Benicasim. En los años 1975 y 1976 se da a conocer en Venezuela y Ecuador, actuando en diversos auditorios y a través de la televisión. En 1978 se deja escuchar en festivales, tales como en los de la "Anthologie Shakespeare for Lovers", de Schwetzinger, de Hannover Herrenhausen y en el de la Akademie de Künste de Berlín; dos años después emprende su primera gira de conciertos por distintas universidades de los Estados Unidos. Muy introducido en tareas de docencia, desde 1979 imparte anualmente un curso de guitarra en Pfalz, habiéndolo también impartido en Guayaquil (1981 y 1983), en Esztergom (Hungría, 1983), Volos (Grecia, 1984), Reisbach (Alemania, 1984), etc., lo que no lo imposibilita para proseguir la actividad concertística. Entre sus exitosas giras figuran las que realizó en 1984 por Polonia e Inglaterra. En 1983 apareció en el mercado alemán un disco suyo ejecutando obras de Scarlatti y Rodrigo. En 1985 otro integrado por música de compositores iberoamericanos, en el que canta la mezzo-soprano Bertha Casares, su esposa, y Wolfgang Lendle la acompaña a la guitarra. Desde 1985 dirige una cátedra de Guitarra en la Academia Superior de Música de Kassel. A partir de 1991 Wolfgang Lendle es codirector artístico del Festival Internacional de Guitarra de Esztergom, (Hungría). Discografía Saudade Francoise Reuter (voc.),Wolfgang Lendle (Guitar) (Luxembourg Sound S.A.76.26391) Scarlatti-Rodrigo: Sonatas Leico records 8155

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- 1423 LENDLE Wolfgang Ginastera, Guastavino,Villa-lobos,Almeida Bertha Casares (Mezzosoprano); Wolfgang Lendle(Guitar) TGF 20-8504 Recuerdos de La Alhambra Teldec 243 717-2 Villa-lobos The complet works for Solo Guitar Teldec 244 197-2 Agustín Barrios Mangoré Preludes, Etudes, Waltzes and Characterpieces Opus 91 2405-2 Curiositis & Favourites for Guitar Opus 91 2422-2 Variations capricieuses Works of Paganini, Alard, Kreutzer and Lendle Ars Musici AM 1305-2 "Carmenfantasy" works by Bizet/Lendle, Rodrigo, Pujol, Esquembre, Pedrell a.o. Acoustic-Music-records in preparation

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- 1424 LENZI Eduardo LENZI Eduardo Siglos XIX-XX Guitarrista y profesor uruguayo, figura destacada en su país en las postrimerías del siglo pasado y primeras décadas del presente. Era descendiente de una ilustre familia patricia y discípulo de guitarra de los maestros españoles, Carlos García Tolsa, José Maria López y Pedro Bustamante. "Bien pronto, - nos informa Prat, - se distinguió por sus rasgos personales, que lo caracterizaron como un perfecto caballero en todos los círculos donde le cupo actuar. Dedicado a la enseñanza, tuvo su mejor discípulo en el gran ejecutante uruguayo Miguel Herrera Klinger, quien dedica a su desaparecido maestro las mejores palabras, hijas de un gran recuerdo. Lenzi era poseedor de una guitarra de sonido extraordinario, al decir de su citado discípulo, construida por el guitarrero Jaime Ferrer, cuando tenía noventa y dos años de edad. LENZI MOZZANI Carmen n.1923 en Renazzo (Prov. de Ferrera) - m.1969 en Pesaro Guitarrista italiana, nieta y discípula de Luigi Mozzani.A los once años empieza a estudiar la guitarra con su abuelo, el Maestro Mozzani. Contaba Carmen:" Muchas veces, durante mis primeras lecciones de guitarra, mi abuelo, me daba una partitura de que desconocía y me decía: - Estúdiatela y dentro de una hora vendré a escucharte". "Otras veces la pieza que me daba me parecía muy difícil y complicada, pero como no había posibilidad de rechazarla, no tenía màs remedio que estudiármela Carmen Lenzi, enseñó la guitarra durante 5 años en la *Liuteria Musical di Rovereto"; también fue profesora de su instrumento en el "Liceo Musical" de Rovereto y en el Conservatorio "G. Rossini" de Pesaro. Participó en muchos eventos artísticos, formando parte en asociaciones internacionales de guitarra clàsica. Se encargó en publicar las obras de Luigi Mozzani y editó ademàs música compuesta por ella para guitarra. Carmen Lenzi continuó impartiendo clases, siguiendo la escuela de su abuelo, enriqueciendo sus investigaciones y experiencias personales y su propia cultura musical y concertística. En las Ediciones Bèrben publicó su composición, "Canción Triste" para guitarra sola; obras de F. Carulli y de L. Mozzani, "Esercizi di tecnica superiore" y "Prière". (Giovanni Intelisano)

Biografía: MOZZANI, "Un liutaio e la sua arte" Cento (Ferrara) 1900

Carmen Lenzi y Helz Bischoff

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- 1425 LEÓN Argeliers LEÓN Argeliers n.1918 en La Habana Musicólogo, profesor y compositor. En 1943 se graduó de Pedagogía en la Universidad habanera, y en 1945 en el Conservatorio Municipal de dicha ciudad, en el que estudió con los profesores Mompó, Luaces y Pérez Sentenat; se inició en composición con José Ardévol y completó su formación con Nadia Boulanger en París. En 1951 recibió una beca para estudiar folklore y didáctica musical en la Universidad de Chile. Ha viajado por países de América, Europa y África, ofreciendo cursos y conferencias : Universidad de Santiago de Chile, "Panorama del folklore musical cubano"; Ministerio de Educación, Lima, "El negro en el folklore musical cubano", 1951; Escuela de Antropología, México, "Factores etnológicos del pueblo cubano"; Universidad de Hunboldt, Berlín, "Factores etnológicos del pueblo cubano", 1967. Ha participado en varios eventos internacionales: delegado al VIII Congreso Internacional de Ciencias Antropológicas y Etnológicas, Moscú, 1964; reunión de los grupos de trabajo para el estudio de la música en América Latina celebrado en Caracas, convocado por la UNESCO. Ha colaborado, además, en revistas extranjeras : Scientific Worid, Londres; Algérie Actualité, Argel; América Indigena, México; Abhandlungen und berichte des steatliche Museums für volkerkunde Dresden, Dresde. Dirigió, entre 1961 y 1970, el Instituto de Etnología y Folklore de la Academia de Ciencias de Cuba. Fue director, además, del Departamento de Folklore del Teatro Nacional de Cuba; del Departamento de Música de la Casa de las Américas. Sus composiciones se basan fundamentalmente en la música folklórica, pero manejándolas mediante elementos técnicos elaboradísimos. Sobresalen : Sinfonía N° 1; Suite cubana; Sonata de la virgen del cobre; Quinteto para guitarra y maderas; Concertino; Cánticos de homenaje; Creador del hombre nuevo (cantata), primer premio de música de cámara, Concurso 26 de Julio, FAR, 1969; así como otras obras de cámara, corales, para piano, y algunas canciones. Ha publicado, de su labor como músicologo: "Un marco de referencia para el estudio del folklore musical en el Caribe"; Influencias africanas en la música de Cuba, 1959; Música folklórica cubana, 1964, y Del canto y el tiempo, 1974, entre otros. Para guitarra o con ella junto a otros instrumentos, ha compuesto "Canciones lentas", en las que incursiona por el serialismo; "Sonata"; "Quinteto" para guitarra y cuarteto de maderas ; "Cinco piezas breves", para flauta, clarinete y guitarra; un "Cicio de Canciones" con textos de Nicolás Guillén; y una partitura de forma abierta realizada sobre sugerentes estímulos sonoros para cualquier instrumento solista, titulada "En homenaje a un amigo".

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- 1426 LEÓN TRUJILLO Manuel LEÓN TRUJILLO Manuel n. 1961 en Cayambe, Ecuador Realiza sus estudios musicales y de guitarra en el Conservatorio Nacional de Música de Quito, los del instrumento con Luis Maldonado Lince. Posteriormente viaja a Cuba para continuar su formación en la Escuela de Música de La Habana; aquí, mientras recibe clases de guitarra de José Ángel Pérez Puentes, asiste a un curso de Música Electroacústica dictado por Juan Blanco. Asiste asimismo a varios seminarios y "clases magistrales" de Abel Carlevaro, Leo Brouwer, Ichiro Suzuki y Jan Luc Mas. Como recitalista, se ha dado a conocer en diversas ciudades del Ecuador, así como también en Cuba y Colombia. Además de su actividad concertística, actualmente se desempeña como profesor de guitarra en el Conservatorio Nacional de Muúsica de la capital ecuatoriana.

LEONARDO Umberto n. 1954 en Nápoles Hijo de un violinista y de una profesora de piano, se decidió por la guitarra, instruyéndose en este instrumento en el Conservatorio de Florencia desde los once años. En 1971 inicia la actividad concertística con notable y creciente éxito, cultivando, además del repertorio clásico, el flamenco y la improvisación en jazz. Se ha distinguido también como compositor, labor a la que viene prestando cada vez más tiempo, siendo autor de piezas para su instrumento y música para televisión y cine, colaborando a veces con Roberto de Simone. LEONE Alfio Ver MUSIKALIA Dr. Leone.

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- 1427 LEONI Carlo LEONI Carlo Siglo XIX Constructor de guitarras y cítaras italiano, que en 1860 estaba establecido en Treviso. Algunos instrumentos suyos que conocemos son de modesta calidad. LE ROY Adrian n. hacia 1520 en Montreuil-sur-Mer - m. 1598 en París Laudista, compositor y editor francés, establecido en París. En 1551 se asocia con su primo Robert Ballard (Le Roy & Ballard) para fundar juntos la más importante editora de música de París del siglo XVI, la cual llega a cubrir casi toda la segunda mitad de aquel siglo y contribuye de modo decisivo en el florecimiento de la canción francesa. Su obra comprende a la vez tratados teóricos sobre el laúd (tres libros), la guitarra de cuatro cuerdas (cinco libros, según unos, cuatro,según otros, aparecidos en 1551, 1552, 1554 y 1556) y el cistro, con transcripciones en su conjunto de obras de diversos autores y numerosas composiciones propias, entre ellas "pavanas", "gallardas", "allemandas", "branles", "turdiones", "fantasías", "canciones", etc. Su tratado "A Briefe and easye instruction to learne the tableture" se publicó en Londres en versión inglesa en 1568.

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- 1428 LE SAGE de RICHÉE Philip François LE SAGE de RICHÉE Philip François Siglos XVII-XVIII Compositor y laudista francés nacionalizado alemán. Fue discípulo aventajado de Charles Mouton. Hacia finales del siglo XVII exhibió sus habilidades de ejecutante en la corte de Breslau, donde estuvo al servicio del Baron von Neidhardt. Su notoriedad como intérprete de laúd, fue muy aplaudida en Bohemia, Austría y Francia. Su publicación "Cabinet der Lauten" editado en 1695, contiene 98 piezas distribuidas en 12 Suites, que se calificaron entre las mejores de su tiempo. En este coleción, se encuentran los siguientes diferentes tipos de composiciones: preludio, allemande, courante, sarabande, gigue, minueto, bourrée, chacone, pasacalle, ouverture y rondeau. Solo una de ellas se atribuye a Graf Logi (Losy), las demás parecen ser todas de Le Sage de Richée. Frontispicio de "Cabinet der Lauten" de Ph. F. Le Sage de Richée,1695 (¿Breslau?)

LESUEUR Daniel n. 1933 en París Luthier de Arte, recibe su formación de ébanista y ejerce este oficio hasta la edad de 39 años. En 1972, encuentra Daniel Friederich quien acepta darle una formación de luthería en guitarras. Es en el taller de Friederich donde construye su primera guitarra. Hoy es mundialmente conocido y su trabajo ha sido recompensado en el "Concours International de Castres", en 1985, recibiendo la medalla de oro y primer premio de sonido. En 1986, obtiene la suprema recompensa por la construcción de una guitarra de concierto, y recibe el título de "Meilleur Ouvrier de France". En 1987 realiza una guitarra experimental con tabla en fibra de carbón para el "Groupe de Recherche d'Acoustique de l'Université de París VI". En 1989, instala definitivamente su taller a su domicilio: 18, rue des Bourgognes - Coupvray - 77450 ESBLY (France) Tel: 1.60.04.09.21.

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- 1429 LEU Christophe LEU Christophe n. 1955 en Berna (Suiza) Profesor, compositor y concertista de guitarra suizo. Realizó sus estudios musicales en Ginebra, Después de obtener el certificado de guitarra con A. Lazzari en la "Académie de Musique", continúa en el Conservatorio de Ginebra en la clase de guitarra de Ma Livia Sao Marcos, obteniendo el certificado de estudios superiores, diploma profesional, y certificado de virtuosismo. Asistió a master classes de Segovia; más tarde obtendrá el segundo premio en el Concurso Internacional de Coimbra. Persona polivalente, Leu también estudió con Tal Farlow. Ha dado conciertos con las siguientes agrupaciones: dúo de guitarras con Maya Le RouxObradovic; flauta –guitarra, canto-guitarra, y orquestas: Filarmónica de Bogotá; Orquesta de la Suisse Romande, Orquesta de Berna, Orquesta Sinfónica de Neuchâtel y Mozarteum de Salzburgo. Muy activo en el campo de la música actual, ha tocado con Constantin, Christophe Godin y otras formaciones. Christophe Leu, da regularmente giras con Claude Delabays y el grupo Courant d'R. Estas diferentes actividades le han permitido grabar diez CD, y poder darse a conocer mejor en Suiza, Francia, Bélgica, Portugal, Austria, Italia, Yugoslavia, Colombia, Puerto Rico, Canadá y Estados Unidos. Actualmente es profesor en el Conservatorio Popular de Música de Ginebra y en las clases profesionales de l'Ecole des Technologies Musicales de este misma ciudad. También colabora en la revista francesa "Guitare Classique" en la que escribe interesantes artículos. Obras: 9 pièces pour guitare (éd. Henn) Jazz notes (éd. Combre) Odes Brèves (baryton et guitare), éd. Rencontres guitares. Pagan (éd. Rencontre guitares) Suite océan (violon et guitare) éd. Rencontres guitares. Inéditas: L'Histore du blues (guit. solo) / Il était une fois (guit. solo) / Jazz Club (guit. solo) / Minor Spleen (guit. solo).

LEU Christophe Foto: Patrick Thonnessen

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- 1430 LEUKAUF Robert LEUKAUF Robert n.1902 en Viena – m.1976 Compositor y director de orquesta austríaco. En su producción musical se cuentan obras de diversos géneros (óperas, música de cámara, lieders, etc.), así como una serie de piezas para guitarra, entre otras "Altspaniche Suite" op. 27 y op. 49, la última a dúo con la flauta, "Improvisation I" op. 52, "Ukrainische Fantasie" op. 56, "Improvisation II" op. 57, etc., publicadas en Viena por Hladky (hoy Heinrichshoven's Verlag, Wilhelmshaven). LEVY Moshe n. 1923 en Hannover, Alemania Su madre, cantante de ópera, fue su primera maestra de música. De raza judía, en 1939 Moshe tiene que abandonar Alemania y se traslada a Israel, donde prosigue sus estudios musicales. En 1959 está una vez más en Alemania, ahora en Berlín Occidental, recibiendo allí las enseñanzas de Siegfried Behrend en guitarra; también estudia pedagogía musical, a lo que pretará en adelante el mayor interés. A su regreso a Israel, es comisionado por el gobierno de dicho país para impartir cursos de música. Entre 1966 y 1968 es el principal instructor en la Escuela de Música y Arte Dramático de la Universidad de Ghana, en Acora. Por esa época publica su obra de carácter didáctico "24 Etüden und Stücke in allen Tonarten" para guitarra, que obtiene una excelente acogida. A partir de 1969 lo encontramos ejerciendo como profesor de guitarra en la Escuela de Música "Greenwich House" de Nueva York. Posteriormente lo hace en Hannover, su ciudad natal.

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- 1431 LEWIN-RICHTER Andrés LEWIN-RICHTER Andrés n. 1937 en Miranda (Burgos) "Vive en Barcelona desde 1945. A partir de 1956 se incorporó al movimiento de la música electrónica, tema sobre el que ha realizado numerosos escritos y conferencias. Entre 1959 y 1962 fue secretario de Música Oberta (Club 49). En 1962 obtuvo una beca Fulbright para realizar estudios de post-graduado en la Universidad de Columbia (N. Y.) y durante los cuatro años de estancia trabajó en el ColumbiaPrinceton Electronic Music Center (fue Asistente de Investigación y Profesor Auxiliar) con V. Ussachevsky, M. Davidovsky, E. Varèse, etc.; en el Departamento de Acústica de la Facultad de Ingeniería investigó y compuso y se dedicó también a la ayuda técnica en espectáculos musicales (Carnegie Hall, Philharmonic Hall, Alwin Nikolais, etc.). En 1965 realizó los proyectos preliminares que culminarían con la creación del Estudio de Música Electrónica del Taller de Composición Chávez del Conservatorio de Méjico. Al volver a Barcelona reemprende las colaboraciones con J. M.Mestres Quadreny. Fue la época de la creación del Laboratorio de Música Electrónica de Barcelona (1963) y del Laboratorio de Música Electrónica Phonos (1975). Fue Director Ejecutivo del Conjunt Català de Música Contemporània (1970- 72) y colaboró, desde 1977, en la formación y proyección del Grup Instrumental Català, Secretario (1977-81) y Vice-presidente (desde 1984) de la Associació Catalana de Compositors y Secretario y Director Ejecutivo de la Fundación Phonos (desde 1982). Sus obras siempre giran alrededor del medio electrónico, ya sea en composiciones para cinta sola, instrumento/s y cinta o utilizando técnicas de tipo collage para obras instramentales. Posee una extensa producción para medios escénicos (ballet, teatro, cine y TV) y ambientación de exposiciones". Obras: SECUENCIA V (1983), 8' Guit., Cinta Ed.: CLIVIS Publicacions Est.: Barcelona 26/6/84 (W. Waters) JOC (ESPACIO SONORO IV) (1976), 14' Guit. Elect., Perc., Cinta Ed.: CLIVIS Publicacions Est.: Barcelona 10/76 (J. Navarrete, J. Mestres) JUEGOS (1985), 10' 2 Guit. Cinta Ed.: CLIVIS Publicacions Est.: Barcelona 5/85 (W. Waters, J. Garrobé) EL VIENTO (HOMENAJE A LORCA) (1979), 10' Text: García Lorca./Veu, Guitarra, Cinta (ad. lib.) Ed.: CLIVIS Publicacions Est.: Barcelona 23/3/83 (A. Ricci, W. Waters) ISAAC EL CEC (1984), 10' Text: Poemes sefardites. Veu, Guit. Fl. Cinta Ed.: CLIVIS Publicacions Est.: Girona 9/8/84 (A. Ricci, W. Waters, B. Castillejo) SEMBLANÇA (1987), 12' Veu, Guit. F1. Cinta ("Llibre per a guitarra" Clivis Publicacions,1992.Barcelona)

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- 1432 L'HOYER Antoine L'HOYER Antoine n. 1768 en Clermont-Ferrant (Francia) Celebrado compositor y guitarrista francés que floreció a principios del siglo XIX. Empezó a tocar la guitarra desde muy joven, juntándose a una compañia de comediantes franceses, que viajaban en su tierra nativa, y posteriormente entraron al servicio del Príncipe Henry de Rheinsberg. Antes del año 1800 abandonó este servicio, con el fin de dar una gira de conciertos en calidad de solista, estableciéndose más tarde en Hamburgo, donde impartía clases de guitarra. En esta ciudad permaneció varios años siendo muy estimado como profesor y concertista, publicando en esta ciudad excelentes composiciones entre las que destaca su "Concerto pour guitare, avec quatuor, Op. 16; (Hambourg, Boheme) y que viene de ser publicado por Matanya Ophee en sus Ediciones Orphée. Ciertas obras de L'Hoyer fueron publicadas sin el número del Op. El editor parisino Carli, publicó entre 1809-1811, "Trois Solos pour Guitare" Op.76 de F. Carulli, que éste dedica "A Monsieur L'Hoyer", lo que demuestra que seguramente había entre estos dos guitarristas una cordial relación artística. La elección estilística de L'Hoyer no se aleja de aquella del mundo guitarrístico en el que vivía. L'Hoyer se muestra un autor elegante, preocupado sobre todo de exprimirse con rapidez melódica y conseguir un buen efecto instrumental. En general sus composiciones se asemejan a la forma de la Sonata, seguidas de secciones brillantes (como los Minuetos), con episodios líricos (un largo o un andante), para terminar "vivacemente" con un "rondó" o una "polonaise". La escritura guitarrística denota pues, la voluntad de salirse del ámbito limitado de los esquemas más usuales que se utilizaban. Una especial noticia que debemos de señalar es los "Sei Preludi" Op.83 atribuidos a Mauro Giuliani, cuando en verdad ya fueron compuestos anteriormente por Antoine L'Hoyer con el título: "Six exercices pour la Guitare" "dédiés à son Altesse Imperiale Madame la Grande Duchesse (nombre illisible) par A. de L'Hoyer./Oeuvre 27 (1812, A Paris, chez CORBAUX, Editeur de Musique. N°1063". Composiciones de A. L'Hoyer: Op.12 Grande Sonate pour la la Guitarre. / Op.14 Six Romances pour la Guitarre. / Op.15 Six Romances composées et arrangées pour la Guitarre. / Op.16 Concerto pour la guitare avec accompagnement de Violons, Alto et Basse. / Op.17 Trois Sonates pour la Guitare avec un Violon obligé. / Op.18 (a) Ouverture pour Guitarre et Vilon. / Op.18 (b) Trois Sonates pour la Guitare avec ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1433 L'HOYER Antoine un Violon obligé. / Op.20 Six Romances avec accompagnement de Guitare. / Op.22 Ouverture facile pour la Guitare avec accompagnement de Violon obligé. / Op. 23 Dote Valzes pour Deux Guitares. / Op.24 Romances Nouvelles. / Op. 27 Six exercices pour la guitare. / Op.28 Grand Duo Concertant pour Guitare et violon. / Op.29 Trio Concertant pour trois Guitares. / Op 30 Sin título. / Op.31 Trois Duos Concertants pour deux Guitares ou Lyres. / Op 32 Douze Waltz pour deux Guitares. / Op.33 Fantaisie Concertante pour deux Guitares. / Op.34 Trois duos Concertants pour deux Guitares. / Op.35 Six Duos Concertants pour deux Guitares. / Op. 36 Six Sérénades Faciles pour deux Guitares. / Op 37 Six Duos Nocturnes pour deux Guitares. / Op.38 Trio pour Guitare, Violon et Alto. / Op.39 Etudes faciles. / Op.40 La Flûte Enchantée. Musique de Mozart. Arrangée en trio pour Guitare, Violon et Alto. / Op.41 Grand Trio pour Guitare, Flûte et Alto. / Op.42 Second Trio pour trois Guitares. / Op.43 Divertissement pour la Guitare. / Op.44 Duo Concertant pour deux Guitares. / Op. 45 Grand Duo pour Violon et Guitare. (Erik Stenstadvol, "Fronimo" n.100)

Siguen 12 obras sin número de Op. que figuran en el catálogo de Matanya Ophee. ***** Por una amplia información sobre la vida y obra de Antoine L'Hoyer, consúltense el artículo de Erik Stenstadvold en el "Fronimo"n.100,1997, en el que presenta una catalogación completa de sus obras, y el excelente escrito de Matanya Ophee en el "Fronimo" n.73, 1990. Bibliografía: F.J. Fétis "Biographie universelle des musiciens" Bruxelles 1835-1844 Ph. Bone "Guitar and Mandolin" Londres, 1972 Ruggero Chiesa "A. LHOYER "Trio Concertant pour 3 guitares" S.P.E.S. (Firenze, 1982)

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- 1434 LIBBERT Jürgen LIBBERT Jürgen n. 1941 en Poznan, Polonia Guitarrista, pedagogo y musicólogo alemán, radicado actualmente en Regensburg (Alemania) en cuya Escuela de Música Sacra (Kirchenmusikschule) y Universidad ejerce la enseñanza musical desde el año 1971. Estudió la guitarra con Robert Brojer en Viena, terminando su formación en 1968. Desde ese mismo año hasta 1971 imparte clases de guitarra en Flensburg, y en los años 1974-76 en el Conservatorio "Leopold Mozart" de Augsburg, estudiando paralelamente Musicología e Historia del Arte (1972-78) en Regensburg. En 1968 inició la actividad concertística, cultivando desde entonces el recital y la música de cámara en diversos escenarios de Alemania, Dinamarca y Austria. Colaborador asiduo de Robert Brojer, Erwin Scheller y Helmut Scheller en cursos internacionales de ejecución guitarrística, así como de diversas revistas, en las que escribe sobre el proceso histórico del instrumento, Jürgen Libbert se ha distinguido en particular dando a la estampa páginas de Fernando Sor, Ludovico Roncalli, Domenico Scarlatti, etc., así como arreglos, estudios y primeras ediciones de obras de Antoine Carré ("Livre de Guitare", Paris, 1671), Michel Corrette ("Les Dons D'Apollon", Paris, 1762), Henri Grenerin ("Livre de Guitare, Paris, 1680), Johann Michael Kühnel ("Suite D-Dur", según manuscrito de Regensburg, siglo XVIII), Pietro Antonio Locatelli ("Thema mit Variationen", manuscrito de Augsburg, siglo XVIII), Thomas Mace ("Musick's Monument", London, 1676), Wenzel Th. Matiegka ("12 Pièces faciles" op. 3), Anónimo ("Regensburger Calochon-Tabulatur", siglo XVIII), Erwin Scheller ("Das Gitarrenwork", solos de guitarra y música de cámara, según manuscritos), Robert White ("3 Fantasien", para 3 guitarras, siglo XVI), etc., editadas por Benjamin-Simrock (Hamburg-London), Edition Preissler y G. Ricordi & Co., ambas en Munich. LICKL Ägidius Ferdinand Karl n. 1803 en Viena - m. 22.7.1864 en Trieste Compositor austríaco. Desde 1830 ejerció como profesor de música en Trieste. Fue aficionado a la guitarra, de la que era hábil ejecutante. En su producción musical (óperas, oratorios, música sacra, etc.), según Zuth, se cuentan varias obras para el citado instrumento, como solista e introducido en la música de cámara, las cuales hoy se desconocen.

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- 1435 LIESKE Wunfin LIESKE Wunfin n.1956 en Linz, Austria A los doce años inició los estudios de la guitarra como autodidacta, presentándose por primera vez al público en 1972 con un programa integrado por obras del repertorio clásico, otras suyas e improvisaciones. En 1973 ingresó en el Conservatorio Municipal de Colonia, pasando dos años después al de Rheinland, de la misma ciudad alemana, a la clase de Karl Heinz Bottner, y desde 1978 a la de Hubert Käppel, hasta diplomarse en 1981. Paralelamente asistió a cursos de Rudolf Kolisch, Francisco Ortiz, Oscar Cáceres, José Tomás, Oscar Ghiglia y John Williams, además de estudiar composición con Jürg Baur, jazz con Manfred Schoof y música de cámara con los componentes de Quarteto Amadeus. Desarrolla su actividad musical desde apenas cumplidos los dieciseis años. En 1976 funda el cuarteto de improvisación "Extempore", con el que tres años más tarde graba su primer disco. Músico inquieto, muy activo, que cultiva con igual acierto la música clásica que la de jazz, en 1981 ganó el primer premio en el concurso guitarrístico de Alicante, y en 1982 otra vez el primer premio en el "Tonger", de Colonia, y el segundo (el primero no se concedió) en el de Bergnano, quedando finalista en el de "Tárrega", de Benicasim. Ha publicado una serie de transcripciones para la guitarra clásica (Editorial P.J. Tonger, Colonia). En un disco suyo recién aparecido (1984), ejecuta obras de Bach y Schubert adaptadas por él para su instrumento. LIGHT Edward Siglo XIX Guitarrista y "luthier" inglés, primer constructor de un arpa-laúd, llamada por él "dital-harp", que tuvo una vida poco duradera a principios del siglo XIX. Durante un largo tiempo ejerció como organista en Londres, cultivando a la vez la guitarra, para la que escribió un método, "The art of playing the guitar...", así como otro para el instrumento por él ideado. Compuso una serie de "arias" y "lieders" con acompañamiento de guitarra o arpa-laúd. En 1819 dio a la estampa "New and complete directory to the art of playing on the dital-harp", by the inventor. Hoy no se le recuerda.

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- 1436 LILLMEYER Harald LILLMEYER Harald n. 1959 en Essen, Alemania Hizo sus estudios de guitarra en Essen, Viena y Karlsruhe, siendo sus maestros Hans Graf, Karl Scheit y Wilhelm Bruck. Fue premiado en 1981 en el certamen guitarrístico de Mettmann. Se ha especializado sobre todo en la música de vanguardia, de la cual fue docente e interprete en eventos tales como "Festivale Neue Musik München" en 1984 y 1986, "Tage Neues Musik Bonn" en 1985, "Wittenes Tage für Neue Kammermusik" en 1985, "Internationaler Gitarrenkongress Mettmann" en 1985, "Tage für Nene Musik Karlsruhe" en 1985, "Aspekte Salzburg" en 1986, etc. Desde 1982 ejerce la enseñanza del instrumento en el "Leopold Mozart Konservatorium" de Augsburg y en el "Richard Strauss Konservatorium" de München. LIM Sang-Yoo n. 1955 en Osaka, Japón Concertista de guitarra coreano, formado en el Japón, donde inició los estudios del instrumento a los quince años. Más tarde recibió las enseñanzas de Nobutaka Nakagawa y obtuvo el primer premio en un certamen de guitarra. En Europa, donde también estudió el instrumento con Yoski Iwanaga, ha realizado ya un buen número de presentaciones. LIMA Raúl n. 1920 en Vueltas/Las Villas, Cuba - m. 1986 en La Habana Laudista cubano, hermano de la cantante Rodeunda Lima, en cuya trayectoria artística la ha seguido acompañándola con su instrumento. Ha sido uno de los primeros ejecutantes de laúd en la isla, habiendo realizado también actividad como solista e intérprete de la música campesina integrado en conjuntos.

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- 1437 LINARES Miguel Ángel LINARES Miguel Ángel n. 1961 en Santa Crúz de Tenerife Comienza sus estudios musicales a la edad de nueve años en el Conservatorio Superior de Música de su ciudad natal, concluyendo los de guitarra bajo la dirección de Manuel Gutiérrez con titulación superior y premio extraordinario Fin de Carrera. Posteriormente siguió cursos de perfeccionamiento con José Tomás, John Williams y José Luis Rodrigo, así como complementarios de composición con Amando Blanquer. Interesado en primer lugar por la actividad concertística, cuya carrera inicia en estos momentos (1984), dotado ya de una excelente formación y recursos técnicos, recientemente ha obtenido los premios "Josefina Robledo", de Valencia, y "Teobaldo Power", de Santa Cruz de Tenerife. LIND Ekard n. 1945 en Lienz/Tirol Realizó sus estudios de guitarra con Luise Walker, en Viena, y Betho Davesac, en París, y los de composición con H. Degen y B. Rövenstrunck, en Alemania. Obtuvo el diploma de maestría en 1969, conjuntamente con un Premio Extraordinario. Inició la actividad concertística en 1967, presentándose a partir de ese momento en diversos escenarios de Austria, Alemania, Francia, Suiza, Checoslovaquia y Estados Unidos. En 1982-53 realizó una serie de conciertos para "Amnesty International". De 1971 a 1981 ejerció la enseñanza en la "Musikhechschule" de Stuttgart, pasando seguidamente a formar parte del profesorado del "Mozarteum" de Salzburgo. Ha dirigido cursos y seminarios en Tübingen, Munich, Schweinturt y Linz, aquí últimamente, desde 1981, desarrollando un programa experimental en el que trata de asociar la guitarra con la pintura, la danza y la poesía. Ha grabado dos discos y compuesto varias piezas para guitarra, incluidas transcripciones, así como tratados pedagógicos ("Entwicklung einer technischen Perfektion", "Minutenprogramm", "Tägliche Übungen", etc.), que han publicado Schott's (Mainz), Vogt und Fritz (Schweinfurt) y Zimmermann (Frankfurt).

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- 1438 LINDBERG Jakob LINDBERG Jakob n. 1952 en Danderyd, Suecia Realizó los estudios musicales en la Universidad de Estocolmo, cursando seguidamente las carreras de guitarra y de laúd en el "Royal College of Music" de Londres. Tras diplomarse en dichos instrumentos, emprende una brillante actividad como concertista que lo lleva a recorrer los principales auditorios de Europa, Estados Unidos, Canadá, Japón, etc. Graba asimismo para la BBC de Londres, la Radio y Televisión Sueca y las de otros diversos países, interpretando con frecuencia la parte del bajo continuo. Ha colaborado con varios grupos ingleses de música antigua, entre ellos regularmente con "The Taverner Players", "The Academy of Ancient Music" y "The Consort of Musicke". Como consecuencia de sus profundos conocimientos de las técnicas laudísticas de los siglos XVI y XVII, en las que se ha especializado, es invitado a impartir cursos en los centros de más prestigio, tales como "The American Lute Society Summer School" y "The York Early Music Festival". Ha grabado un elevado número de discos para los sellos EMI, CBS, Deutsche Grammophon y Decca ("Scottish Lute Music", "English Lute Music", "French Lute Music", "Italian Music for Lute and Chitarrone", etc.), en los que, por ejemplo, se incluye la obra completa para laúd de John Dowland. Uno de estos discos, en el que ejecutaba chitarrone fue designado el mejor disco de música antigua en el año 1984. En 1979 sustituyo a Diana Poulton en el profesorado del "Royal College of Music" de Londres, cuya cátedra viene ejerciendo Jakob Lindberg desde entonces.

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- 1439 LINHARES Dagoberto LINHARES Dagoberto n. 1953 en São Paulo, Brasil Inició los estudios de la guitarra a los nueve años de edad con Manuel São Marcos y seis años después obtuvo el Premio de Juventudes Musicales y el de la Villa de São Paulo. En 1971 estrena en Sudamérica el "Romancero Gitano", con texto de Garcia Lorca y música de Castelnuovo Tedesco, obra que más tarde también dará a conocer en Australia y grabará para la casa Arion. En 1972 se establece en Europa e imparte clases de guitarra en el Conservatorio de Fribourg (Suiza), asistiendo paralelamente a cursos de Turibio Santos y Julian Bream. Al año siguiente recibe el Primer Premio de Virtuosismo del Conservatorio de Ginebra (clase de Maria Livia São Marcos) y el Premio de estudios de la Asociación de Músicos Suizos. En 1974 hace su debut en el Wigmore Hall de Londres y emprende giras por diversos países europeos, los Estados Unidos, América Latina y Australia. Desde entonces su actividad concertística se ha extendido por todo el mundo, actuando en recitales, con orquesta y en música de cámara ("Cuarteto" de Schubert, "Serenade" de Schönberg, "Trios" y "Cuartetos" de Paganini, etc.). Ha grabado para la BBC y diversas radios y televisiones europeas, además de sellos discográficos. Asidua ha sido también su participación en festivales, tales como en el de Bratislava, de Tibor Varga, en Sion, del Château de Sceaux, en París, de Lisboa, impartiendo paralelamente cursos de guitarra, etc. En 1975 hizo su debut en el Lincoln Center de Nueva York (Alice Tully Hall). Su repertorio comprende los conciertos de Villa Lobos, Rodrigo, Castelnuovo Tedesco, Carulli, Giuliani y Vivaldi, que ha ejecutado acompañado por las Orquestas de Cámara de Detmold, Sinfónica de Birmingham, de la Suisse Romande, de Gulbenkian, en Lisboa, de Luxemburgo, de Sofía, etc. En 1985 ofreció una serie de recitales en los Estados Unidos, así como en Inglaterra, Luxemburgo, Rusia, Polonia, Italia, Portugal y Francia, en parte integrado a un cuarteto de guitarras que lleva su nombre. Dagoberto Linhares toca una guitarra de Fleta e hijos.

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- 1440 LINSKY Jeffrey LINSKY Jeffrey n. 1952 en Whittier/Calif., USA Guitarrista y compositor norteamericano. Fueron sus maestros en el instrumento su propio padre y Vicente Gómez, estudiando con el primero jazz y con el segundo guitarra clásica. Se ha distinguido en el género "pop", ejecutando música original suya; también cultiva el género clásico, dejándose aquí influenciar por la música folklórica de compositores sudamericanos; es asimismo un improvisador inspirado. En el año 1978 participó en el "Carmel Classic Guitar Festival", aumentando a partir de ese momento su prestigio de músico. Algunas de sus composiciones ("Wintersuite", "Le Penseur", "A Contemporary March", "Inspiration", etc.) fueron grabadas en discos por el sello "Insight Record co.". LINTANT Charles n. 1758 en Grenoble - m. 1830 en Grenoble Guitarrista y compositor francés, se le suele confundir con Doisy, pero son dos personas diferentes. Estuvo establecido en París durante varios años, publicando allí "10 Airs variés" para guitarra de cinco cuerdas (Lemoine), algunos "dúos" de guitarras (Nadermann), "sonatas" para violín y guitarra (Porro), etc. y una "Petite méthode" (Lemoine). Hasta poco antes de su regreso a Grenoble, estuvo muy vinculado al teatro en la capital francesa. Su labor de músico fue elogiada por Tomás Brondi en unas "notas biográficas".

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- 1441 LIRA, Lyra (lat.), Lyre (fr.), Leíer (al.), etc. LIRA, Lyra (lat.), Lyre (fr.), Leíer (al.), etc. Podrían escribirse volúmenes y más volúmenes sobre la historia de la Lira y sólo se desfloraría la materia si no se hacían valer algo más que meras hipótesis. Digamos que es uno de los instrumentos de cuerdas punteadas más antiguos. Su forma varía según los pueblos y los tiempos y puede decirse también según el gusto de los artistas que las construían, aunque sus partes esenciales suelen ser siempre idénticas. Distingüese en ellas, desde luego, una caja de figura y materia variables, á la cual se fijaba uno de los extremos de las cuerdas y servía para reforzar el sonido; luego, dos montantes y un travesano provisto de clavijas ó llaves, á las cuales se arrollaba el otro extremo de las cuerdas. Se supone que el origen de la caja resonante fué una concha de tortuga y esto explicaría por qué los autores griegos solían llamar á la Lira, Chelis, y Testudo los autores latinos, cuyas dos palabras significan tortuga. La Lira tuvo además otros nombres, llamándose, por ejemplo Barbitos, Cithara, Phorminx, etc. Reseñaremos, ahora, rápidamente los fastos de la Lira. Ni Homero ni Hesiodo hablan de este instrumento. En los tiempos homéricos solo aparecen la Cíthara y sus variedades. La Lira vino de la Tracia, según parece, y los poetas cantores de la Tracia y la Tesalia usaron Liras de cuatro cuerdas que se punteaban con los dedos ó se hacían resonar con el plectron. He aquí el dibujo de este instrumento primitivo:

Usábase, todavía, esta Lira en Grecia europea en el momento en que apareció Terpandro, cuyo advenimiento se señaló introduciendo en la Lira nuevas cuerdas pues antes de èl sólo se admitía en los concursos de canto de los juegos públicos la de cuatro cuerdas, propagóse rápidamente la Lira de siete cuerdas llamada heptacordo, que dio origen á los tetracordos conjuntos en los cuales se formularon los cantos de los músicos. He aquí el modelo de este instrumento. Con el octacordo ó Lira de ocho cuerdas, el instrumento tuvo la escala completa y los tetracordos

disjuntos pudieron introducirse en el sistema tonal. Los bajos relieves y pinturas de vasos griegos presentan modelos de Liras de nueve, diez y once cuerdas y de Liras de grandes proporciones cuyos sonidos graves se destinaban á las voces de bajo en los cantos pertenecientes a los modos hipodorio, hipofrigió é hipolédio. En otros casos las Liras eran de tamaños pequeños y de sonidos propios para ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1442 LIRA, Lyra (lat.), Lyre (fr.), Leíer (al.), etc. acompañar los cantos de niños ó mujeres en los modos dorio, frigio y lidio. Las Liras se afinaban haciendo dar vueltas sobre su eje á los anillos á los cuales estaban atadas las cuerdas, como se ve en la figura siguiente:

Ningún escritor de la antigüedad explica con claridad en qué consistía la diferencia entre la Cítara y la Lira. Parece que la Citara se apoyaba contra el pecho y de aquí el nombre de kithara o parte superior del pecho. El Pectis, el Magadis, y la Lira Fenicia eran todas variedades de Liras usadas por los griegos antiguos y, según se quiere probar, de origen asiático. La Sambuca siria era una variante del Magadis. El Pectis y el Magadis servían para los acompañamiemtos altos: el Barbitos, el Trigonio o Trígono y el Salterio triangular, asociábanse á todas las variedades de la Lira. Eran de sonoridad grave y propias para ejecutar el canto. La Lira epigonio tenía 46 cuerdas y fue inventada por Epigonio de Ambrasia. De la palabra kithara (Citara} de los griegos derivan la cetra de los italianos, la cithara de los latinos la cétre de los franceses, el. Zither de los alemanes y la Guitarra de los españoles.

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- 1443 LIRA-GUITARRA LIRA-GUITARRA En la Francia Napoleónica, el "imperio" quiso poner de moda todo lo que recordase al otro Imperio, el romano: arquitecturas, trajes, peinados, etc. Entonces alguien tuvo la idea de "disfrazar" a la "guitarra" de "lira" grecorromana, y este híbrido estuvo en boga durante los primeros años del siglo XIX. La transformación afecta sobre todo a la caja de resonancia, que unas veces se prolonga por ambos lados en "cuernos" o "alas", uniéndose luego a la pala del mástil por medio de un travesaño; otras veces es toda la caja la que toma forma de "lira"; en otras la caja conserva su forma de "guitarra" y la "lira" sólo esta esbozada por dos alerones pequeños, etc. El mástil y los trastes son los mismos; las cuerdas pueden ser seis, siete y ocho, según ejemplares, que a veces son simples y a veces dobles; la boca guarda su forma, pudiendo también multiplicarse o ser reemplazada por "ojos de violín"; en ocasiones la tarraja (o tarrajes) está trabajada con esmero al estilo árabe. Basándose en este híbrido, el "luthier" H.P. Moller, de Dinamarca, patenta una "lira-guitarra" mecánica, que produce un sonido semejante al del piano. Existen numerosos testimonios del uso de la "lira-guitarra" por la alta sociedad Bonapartista. Citemos como ejemplo un dibujo de Ingres de la familia de Lucien Bonaparte, en él que una de las hijas sostiene en sus brazos una "lira-guitarra", o los retratos que pintó Goya de la Marquesa de Santa Cruz. El Musco de Niza es particularmente interesante en instrumentos de este tipo. (A.U.Mallo)

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- 1444 LÍRICO LÍRICO Lo que pertenece a la lira o a la poesía propia para el canto. Dícese también de las odas y de los himnos. En la antigüedad se daba este nombre a toda poesía compuesta para ser cantada con acompañamiento de lira. Parece que la poesía lírica difería de la poesía dramática o teatral en que era acompañada de flautas y de otros instrumentos de viento.-El epiteto lírico se aplica hoy a todas las poesías compuestas para ser puestas en música y así las poesías que componen una ópera se designan bajo este nombre, aplicándose, particularmente, a la ópera por su constitución dramática el nombre de drama lírico. F. Pedrell. "Diccionario técnico de la música".Barcelona, 1894

Un artista tocando la Lira

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- 1445 LISLEVAND Rolf LISLEVAND Rolf n. 1961 en Oslo, Noruega Entre 1980 y 1983 realiza sus estudios de guitarra clásíca en el Conservatorio Nacional Superior de Música de Oslo, ganándose al mismo tiempo la vida como ejecutante de música popular (jazz y pop) con guitarra eléctrica. En 1983 se traslada a Suiza para estudiar laúd con Eugen M. Dombois y Hopkinson Smith en la "Schola Cantorum" de Basilea. En 1956 obtiene el diploma en Oslo con "Prix d'Excellence", terminando también sus estudios en Basilea. Desde 1984 participa con frecuencia en festivales de música antigua, sobre todo en Holanda, Alemania, Francia y España, unas veces como recitalista y otras formando en grupos ("Monteverdi-Orchester München", "Hesperion XX", etc.). En 1955 fue invitado como conferenciante y solista por el "Third London Guitar Symposium". En 1986 comenzó a grabar discos con guitarra barroca para el sello "Cadenza".

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- 1446 LISTES Goran LISTES Goran Guitarrista croata contemporáneo. Estudió guitarra simultáneamente en la Académia de Zagreb (Croacia), con el profesor Darko Petrinjak, y en la Académia de Música de Graz (Austria), con Marga Bäuml. Se graduó en ambas Academias con las más altas calificaciones. Goran Listes, ha participado en importantes concursos, en los cuales ha obtenido numerosos premios entre los que cabe destacar: - Primer Premio de "Jóvenes Músicos Yugoslavos", patrocinado por la Fundación "Ivo Pogorelich" - Primer Premio del Concurso Internacional "F. Sor" de Roma - Primer Premio del "XV International Jeuneses Musicales" de Belgrado. - Primer Premio del Concurso Internacional "Mauro Giuliani" de Bari (Italia) - Primer Premio, Premio de la Prensa y Premio de Compositores Belgas en el Concurso Internacional " Printemps de la Guitare" en Walcourt (Bélgica) Como solista ha realizado giras por Cuba, Grecia, Austria, Comunidad de Estados Independientes (antigua URSS), Checoslovaquia, Italia, Yugoslavia, Bélgica, Bulgaria y Polonia. Ha actuado también como componente de numerosos grupos de càmara. En 1987 grabó un disco con la firma "Yugoton" y dos discos màs con el grupo "Zagreb Guitar Trio". En el XXVII Certamen Internacional de Guitarra "Francisco Tárrega", (1993) interpretó: "Dos Sonatas de D. Scarlatti", el "Capricho Arabe" de F. Tárrega y las "Variaciones sobre una canción popular catalana" Op. 25 de J.W. Duarte. LJACHOW Iwan n. 1835 en Moscú - m. 1877 en Moscú Guitarrista ruso, ejecutante de guitarra de siete cuerdas, que se distinguió como instrumentista. Fue médico veterinario y luego empleado de banca, abandonando posteriormente este oficio para consagrarse a la música. Dejó una serie de composiciones sin publicar y murió en la miseria.

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- 1447 LLACER PLA Francisco LLACER PLA Francisco n. 1918 en Valencia Hace los estudios musicales en el Conservatorio de Valencia, los cuales prosigue después con Báguena Soler, Machansoses y Manuel Palau. Compositor, director de orquesta, pedagogo y crítico musical, hoy profesor en en Conservatorio de su ciudad natal, hay en su haber producción para piano, coro, orquesta, órgano, etc... En 1982 edita el libro "Guia analítica de formas musicales para estudiantes". Ha dedicado también su atención a la guitarra, componiendo en 1975 la obra "Episodios concertantes" para dicho instrumento, doble cuarteto y percusión. Estrenada en Sevilla en diciembre de 1979, "es una obra - ha escrito Tomás Marco - en la que la materia abstracta se estructura según leyes personales y propias para convertirse en elemento expresivo de primer orden". (A.U. Mallo)

LLANAS Albert n.1957 en Barcelona "Realizó sus estudios musicales en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona, finalizándolos con la obtención del Premio de Honor de Grado Superior de Composición e Instrumentación. Amplía estudios con Josep Soler y Franco Donatoni. Trabaja en las técnicas de la música electroacústica bajo la supervisión de Andrés Lewin-Richter en el Laboratorio de Música Electroacústica Phonos. Es miembro de la Asociación Catalana de Compositores y de la Asociación de música electroacústica española Ha sido profesor del conservatorio de Tarragona. Actualmente es profesor de Armonía, Acústica y Nuevas tecnologias en el Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona. Ha obtenido diversos premios nacionales e internacionales entre los que destacan. Premio Ciutat de Barcelona de música, 1987, seleccionado en las IV y VI Tribunas de Jóvenes Compositores de la Fundación Juan March (1985/1987), premiado en el I Concurso Musicians' Accord (New York, 1985), Mención honorable en la European Youth Competition (Holanda, 1985). Sus obras están editadas por E.M.E.C., Catalana d 'Edicions Musicals, Clivis Publicacions y Fundación Juan March. Grabaciones en disco en los sellos Grabaciones Accidentales y Discobi". Obras: BXR2 (1985), 5' Guit. Est.: Girona 7/3/86 (J. Olivé) Ed.: CLIVIS Publicacions MIRATGE (1976), 12' Fl. Guit. Pno. Revisió: 1987 Ed.: CLIVIS Publicacions CINCO ESTUDIOS PARA GUITARRA (1990), 14' Est.: 17/4/91 Auditorio Nacional - Madrid (Ignacio Rodes) I.er Premio Internacional de Composición para Guitarra de la Soc. Esp. de Guitarra CONCERT PER A GUITARRA I CORDES (1988), 21' Guit., Clave, 4.3.2.2.1. Est.: Sant Feliu de Guíxols, 1988 (Carles Trepat i Solistes de Zagreb, Dir.: Donko Ninic) Ed.: C.E.M. Grav.: DISCOBI Ref. D 1003 LP GASA Ref. 9 G 0442 CD ("Llibre per a guitarra" (Clivis Publicacions,1992.Barcelona)

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- 1448 LLERENA Marcus LLERENA Marcus n.1955 en Santos, Brasil Este guitarrista brasileño estudió el instrumento en Rio de Janeiro con Norberto Maceda, luego en España con Aureo y Rocío Herrero y por último con el uruguayo Oscar Cáceres en Francia. En 1982 también frecuenta un curso especial impartido por Andrés Segovia en el Metropolitan Museum de Nueva York. En 1978 obtiene el Primer Premio en el concurso "Guitarra de Oro", organizado en Rio de Janeiro por el canal de televisión "Ghobo"; en 1981 el tercero en el de Porto Alegre, y en 1983 también el tercero en el de "Ville de Sablé" (Francia). Marcus Llerena es un joven valor dotado de talento y muy activo, que ya se ha dejado escuchar como concertista (1984) en diferentes localidades de Brasil, Argentina, Estados Unidos, España, Inglaterra y Francia.

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- 1449 LLOBET Miguel LLOBET Miguel (1878-1938) Guitarrista y Compositor. Biografía extraída de la "Revista Musical Catalana", por Fernando Alonso y Carles Trepat. (Barcelona, 1995) La escasa y veces equívoca información que se ha tenido sobre Miguel Llobet, ha hecho que sea una figura enigmática en la historia de la guitarra, quedando confuso un capítulo de ella. A la luz de nuevos datos que poseemos, y conociendo bien su labor y sus méritos, podemos ver que su influencia ha sido trascendental para el desarrollo y protagonismo que este instrumento ha experimentado en el transcurso del siglo XX. Su trayectoria concertística fue tan brillante que desde muy joven se destacó como el primer guitarrista de su tiempo, ganándose la admiración y respeto de la crítica y de los más prestigiosos músicos, quienes lo consideraron uno de los mejores intérpretes del momento. Su obra es un magnífico 1egado que los guitarristas hemos recibido; todo ello le situa junto a los grandes guitarristas -compositores del pasado como fueron Fernando Sors y Francisco Tárrega . El siguiente resumen biográfico intenta dar a conocer algunos de los momentos más decisivos de su vida artística.

Miguel Llobet (1921)

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- 1450 LLOBET Miguel INFANCIA - Pintura y música Miguel Llobet y Solés nació en Barce1ona, en la calle de La Palma de San Justo, el 18 de octubre del año 1878. Hijo de Casimiro Llobet y de Joaquina Solés, creció rodeado de un ambiente artístico, pues su padre era dorador de imágenes y tenía en Sociedad con Dionís Renart un establecirniento de escultura religiosa donde se cultivaban todo tipo de artes plásticas. Allí nacería su primera vocación: la pintura. En la Lonja de Barcelona el maestro Torrescasana guiaría sus pasos en esta materia. Sintiendo una fuerte atracción por la música, a los diez años inició estudios de solfeo, piano y vio1ín en la Escuela Municipal de Música que dirigía el maestro Rodoreda, y fue condiscípulo de Manuel Burgés, Pau Casals y María Barrientos. En 1889 la impresión que le produjo un concierto del famoso guitarrista Antonio J. Manjón le haría emprender también el estudio de 1a guitarra, recibiendo las primeras lecciones del profesor Magín Alegre. Llobet demostró ser un niño especialmente dotado para el arte. Los trabajos de pintura de su niñez, y adolescencia así lo demuestran, destacándose por su vigor y firmeza en el dibujo. Llegó a realizar diversas exposiciones y en una crítica publicada en el Diario de Barcelona le situaba en "lugar preferente entre nuestros pintores".

Miguel Llobet dibuja a su padre (1890)

También con el piano y el violín se mostró como un ejecutante excelente, utilizando estos instrumentos en algunos de sus primeros conciertos. Pero él sabía que para sobresalir en cualquiera de 1as facetas que dominaba, debía decidirse por una de ellas, y optó por su más poderosa vocación: la guitarra. Un encuentro decisivo Miguel Llobet y Francisco Tárrega se conocieron en una guitarrería de la calle Ancha en el año 1892. Emilio Pujol en su ensayo biográfico "TÁRREGA" nos lo relata de la siguiente manera: "Una tarde del mes de octubre del citado año, coincidieron en la guitarrería, Tárrega y el pequeño guitarrista, quien fue inmediatamente presentado al Maestro. Al darse cuenta éste de las facultades extraordinarias del muchacho, le abrió las puertas de su hogar para cuantas veces deseara sus ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1451 LLOBET Miguel consejos. E1 sentido musical y artístico de Miguel Llobet, cultivado ya por los estudios de solfeo en la Escuela Municipal y por el ambiente favorable en que se desenvolvía, le permitió darse cuenta en el acto de la superioridad de Tárrega, y modificar, en bien de sus ejecuciones, la orientación de su sentido instrumental y artístico". Por aquel tiempo el gran maestro de Villarreal se encontraba en su plenitud creativa. Sus innovaciones enriquecían la técnica de la guitarra dándole una nueva dimensión expresiva. Pocas lecciones hicieron falta a Llobet para asimilar los conocimientos de Tárrega: el alumno resultó ser un superdotado. Su clara inteligencia, su carácter observador y analítico unido a un marcado interés por lo moderno, muy pronto le permitieron brillar con luz propia. A los dieciseis años ya estaba sólidamente formado, y a partir de febrero de 1895 aparacen las primeras y alentadoras críticas de sus conciertos en los periódicos catalanes.

Miguel Llobet Dibujo hecho del natural por el notable artista Don Ramón Casas el año 1899 (Museo Municipal de Barcelona)

Las composiciones y armonizaciones de las canciones populares Plany, La filla del marxant, El testament d'Amelia, etc. que escribió al final de su adolescencia, innovadoras y fuertemente impregnadas del espíritu modernista, dejarían asombrado a su maestro. No deja de ser significativo que la composición considerada más avanzada de Tárrega, el Preludio N° 2 en la menor, fuera dedicada a Miguel Llobet. ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1452 LLOBET Miguel

"El Testament d'Amelia" (1900) Manuscrito de Llobet (Biblioteca Fortea)

Primeras giras A comienzos de siglo inicia giras por los principales centros musicales de España. El primer concierto se celebra en Valencia. El éxito obtenido fue enorme, y le valió ser calificado por Eduardo López Chavarri como "un músico completo que convierte la guitarra en orquesta especial e inesperada" y después de elogiar sus composiciones concluye: "joven como es, ha llegado ya, y su labor perfecta le coloca en el primer puesto al lado del gran Tárrega".(Diario, Las provincias). Después de dar un concierto en Málaga fue nombrado Profesor Honorario y Socio Facultativo del Conservatorio. En un diario de la ciudad, el musicólogo Rafael Mitjana señala que Llobet "es una verdadera gloria artística. Quizá él mismo no tenga conciencia de su mérito, pero esto no importa, los inteligentes sabrán apreciarlo en lo que vale". Y añade proféticamente: "... estoy seguro de que el día que quiera, recogerá, lo mísmo en Berlín que en París, lo mismo en Londres que en Nueva York, los aplausos y los laureles con que por todas partes era acogido Fernando Sors". En Granada actua en e1 Teatro Principal y el entusiasmo que despierta hace que le sean organizados tres nuevos recitales en la misma primavera. En Madrid dio varios conciertos en el Ateneo y en el Teatro de la Comedia, y finalmente, su vertiginosa carrera le lleva a tocar en el Palacio Real ante los monarcas. Allí es presentado por Tomás Bretón, lo que le permitió actuar durante tres años consecutivos. Alentado por los éxitos obtenidos y motivado por la atración que irradiaba el ambiente artístico de París, decide trasladarse a la capital francesa. Para ello cuenta, entre otros, con el apoyo de Tomás Bretón, Rafael Mitjana y Felipe Pedrell.

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- 1453 LLOBET Miguel París - Consagración internacional Durante el período comprendido entre 1905 y 1914 Llobet vivió en París. De la mano de Isaac Albéniz y Ricardo Viñes se introduce en los ámbitos musicales más avanzados de la ciudad, y es escuchado por Fauré, Ravel, D'Indy, Dukas y Debussy quien, maravillado por el arte de Llobet, se declararía como "su más ferviente admirador y devoto amigo". La impresión que causa en ellos, le abre las puertas de "La Société National de Musique", La Trompette y otros centros musicales en los que escuchar a un guitarrista era insospechado. Uno de los éxitos más resonantes en sus primeros meses de París fue su participación en el Concierto de Música Catalana celebrado en la Gran Sala de la Schola Cantorum donde también intervinieron Marìa Gay, Blanca Selva y Ricardo Viñes. Deodorat de Séverac escribió en "Le Monde Musical", comentando este concierto: "En el transcurso de esta sesión se escuchó al guitarrista Llobet. Llobet es en primer lugar un músico encantador, de gusto delicado (la manera con que ha armonizado E1 Testament d'Amelia lo prueba); pero, es además un intérprete extraordinario y la guitarra se convierte entre sus manos en un maravilloso instrurnento capaz de transmitir tanto los sentimientos más íntimos como los más intensos y tan emocionante como el violín cuando es tocado por los más grandes". Después de numerosas actuaciones por Francia y Bélgica, en uno de sus viajes a Barcelona, en 1907 contrae matrimonio con la excelente pianista Ana Aguilar, discípula de Malats y de Granados. Fruto de este matrimonio nació su única hija Miguelina. En años sucesivos Llobet emprendió diversas giras por Europa y América. Visita Inglaterra, Argentina, Chile, Brasil, Estados Unidos, etc., dando a conocer la moderna escuela de guitarra que se había creado en Barcelona. En Alemania alcanza uno de los triunfos más grandes de su carrera. E1 crítico musical Dr. Bauer publicó en la revista "Der Guitarrefreund" de Munich: "El profesor Miguel Llobet, cuyo renombre como primer virtuoso de la guitarra había llegado a nosotros desde hace ya tiempo, ha obtenido un éxito tal como raras veces ha podido registrarse en los anales de las salas de conciertos. Me imagino que en su tiempo Paganini, en sus actuaciones, ha debido provocar sensaciones idénticas. Una técnica que supera en mucho a todo lo que nosotros habíamos conocido hasta ahora, una sonoridad emitida por este simple instrumento de seis cuerdas, que nadie hubiera sospechado jamás, y aún más: una manera verdaderamente musical de interpretar las piezas más heterogéneas con una delicadeza extrema. No sorprende que el entusiasmo del público haya ido en aumento de obra en obra hasta llegar finalmente a producir un verdadero frenesí". Ta1 fue la impresión causada por Llobet en Alemania, que a lo largo de su vida volvería numerosas veces a este país que tanto valoró su Arte. Allí, su recuerdo y reconocimiento permanecen tan vivos como entonces. E1 estallido de la Primera Guerra Mundial le obliga a suspender una serie de conciertos que tenía previstos dar en Alemania, y ante la gravedad de la situación, se traslada con su familia a Barcelona. Durante su estancia en París, Llobet cultivó la amistad con Albeniz, Viñes, Ravel, Caplet, Debussy, Séverac, Wanda Landowska, Falla, Stravinski, Mompou...etc, compartiendo programas de conciertos con algunos de ellos. De esa época son sus obras:La pastoreta, Variaciones sobre un tema de F. Sor, Scherzo - Vals, y El Mestre, (1910) una de las más bellas páginas que se han compuesto para guitarra.

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- 1454 LLOBET Miguel En Nueva York con Enrique Granados Con motivo del estreno mundial de su ópera Goyescas, Enrique Granados viajó rumbo a Nueva York en noviembre de 1915. Le acompañaba su entrañable amigo Miguel Llobet, quien a su vez participaría en diversos recitales que se habían organizado en homenaje al compositor leridano. "Goyescas" se estrenó el 26 de enero de 1916 en el Metropolitan Opera House, y Granados pudo disfrutar del gran éxito obtenido, en compañía de su esposa y de numerosos amigos, entre los que se encontraban Pau Casals y la brillante pianista Paquita Madriguera. Días antes, en el Princess Theatre y en presencia del compositor, también había tenido lugar un singular estreno: por primera vez Granados era interpretado en la guitarra, y Llobet había sido su artífice. La obra escogida fue la célebre "Danza española N° 5". Del mismo autor transcribiría también las Danzas españolas N° 7 y N° 10, La maja de Goya, Dedicatoria y, para dos guitarras, las Danzas N° 6 y N° 11.

Dedicatoria de Andrés Segovia: "Al insigne Llobet con los ojos en blanco después de oirle las danzas". Se refiere a las Danzas españolas de Granados

Homenaje a Debussy - Elegía de la guitarra. Entre el gran guitarrista y Manuel de Falla existía una mútua admiración y se había creado una firme amistad iniciada en sus años de París. En diversas ocasiones Llobet le había solicitado que compusiera para guitarra y, satisfaciendo ese viejo anhelo, en 1920, Falla escribió su Homenaje pour le Tombeau de Claude Debussy, que sería publicado en el "Supplément musical de La Revue Musicale N° 2, " (diciembre 1920), dedicado a la memoria del gran compositor. Llobet lo estrenó en Burgos el 13 de febrero de 1921. Para la ocasión había transcrito dos piezas de El amor brujo, Romance del pescador y Canción del fuego fátuo, que acompañarían al Homenaje; era la primera vez que la música de Falla sonaba en la guitarra. ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1455 LLOBET Miguel

Dibujo de Falla con dedicatoria a Llobet (1925)

E1 que un compositor sin tocar la guitarra escribiera para este instrumento, resultó ser un hecho verdaderamente sorprendente. A consecuencia del ejemplo dado por Falla y por Llobet, en pocos años la literatura guitarrística se vería incrementada por las aportaciones de López Chavarri, Moreno Torroba, Ponce, Turina, Roussel, Broqua, Rodrigo, Frank Martin, Antonio José, Castelnuovo Tedesco, etc., A partir de entonces, el Homenaje a Debussy, esa sentida elegía que Falla hizo surgir de la guitarra, la llevaría Llobet con orgullo en su repertorio.

Programa de un concierto de guitarra de Llobet en el Palau de la Música. (Martes, 9 de diciembre de 1924)

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- 1456 LLOBET Miguel Un dúo histórico Los numerosos conciertos que Llobet dio en Argentina y sus largas estancias en Buenos Aires, habían creado un ambiente propicio para el estudio y florecimiento de la guitarra. Su alumno Domingo Prat y la concertista Josefina Robledo, discípula de Tárrega, contribuyeron a difundir la nueva escuela, en la que se formaría la maravillosa guitarrista María Luisa Anido.

Al regresar a Barcelona Llobet, después de su brillante tournée entre nosotros, el año pasado, el vapor en que viajaba hizo una corta escala en el puerto de Cádiz, donde el artista desembarcó breves instantes para telegrafiar a su familia y dar un corto paseo, pero como olvidó arreglar su reloj de acuerdo a la hora de aquel meridiano, estuvo a punto de perder el vapor, al cual debió de subir, cuando ya estaba en movimiento y por una escala de cuerdas que le fue arrojada desde albordo al bote que le condujera hasta el costado del barco. Véase en el grabado como imaginó nuestro dibujante Bensadon, la apurada situación del ilustre artista. Caricatura de Llobet por Bensadon “La guitarra” (Buenos Aires, 1923-1926)

En 1918, Llobet quedaría impresionado por la precoz artista, que entonces contaba once años de edad ,y se ocupó de perfeccionar sus estudios. A ella le dedicó su "Imprormptu Respuesta" en 1922.

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- 1457 LLOBET Miguel En sus dos últimos viajes a Sudamérica -1925 y 1929- Miguel Llobet, dio conciertos a dúo con Maria Luisa Anido en Buenos Aires, provincias del norte de Argentina y Uruguay. Para este dúo Llobet transcribió obras de d'Aquin, Mozart, Mendelssohn, Brahms, Tchaikowsky, Bizet, Albéniz, Granados, Falla, López Chavarri, Aguirre, Villa-Lobos, y Rogatis, creando un importante y atractivo repertorio. En esos años efectuó grabaciones discográficas para los sellos Odeon y Parlophon, algunas de ellas con María Luisa Anido. De esa época es su Preludio original en Mi mayor la Cançó del Lladre, las transcripciones de Córdoba de Albéniz, Canción leonesa de Villar, y en sus programas aparecen obras de Robert de Visée, Ponce, Roussel, Grau, Villa-Lobos, etc.

Maria Luisa Anido y Miguel Llobet

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- 1458 LLOBET Miguel Últimos años En 1931 viajó por última vez a Estados Unidos, contratado por la Library of Congress de Washington donde interpretó seis piezas a guitarra sola, y acompañó a la soprano Nina Koshetz las "Siete canciones populares españolas" de Falla, que Llobet había transcrito especialmente para este concierto. Allí sería nombrado Socio Honorífico de 1a institución. Hasta 1933 recorre nuevamente Europa, realizando su última gira extranjera en Alemania. A partir de 1934, y después de casi cuarenta años de incansable labor e ininterrumpidos viajes, permanece en Barcelona junto a su familia, dando esporádicos conciertos por Cataluña. Esto le permite atender de forma continuada a los alumnos que en esos años solicitaban sus enseñanzas. En 1935 escribe sus dos últimas composiciones, los Preludios en Mi mayor y La mayor, que junto a El Mestre, se destacan como sus más evolucionadas creaciones. Después de una vida feliz y llena de triunfos, su gran sensibilidad no pudo soportar las atrocidades de la guerra, que lentamente fueron minando su espíritu. Sumido en profunda tristeza, sus fuerzas vitales le abandonaron, y en la mañana del 22 de febrero de I938, falleció en su casa de la Via Layetana rodeado de su familia.

Escultura de Llobet por Josep Cardona (Instituto de Expresión Visual de San Juan, Argentina)

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- 1459 LLOBET Miguel Maestro y compositor de1 modernismo. Perteneciente a una de esas generaciones de grandes artistas que florecieron en Cataluña durante el período modernista, Llobet era de temperamento sencillo y no hacía alarde de sus propios méritos. En sus declaraciones de agradecimiento y gran admiración hacia Francisco Tárrega, mostró su carácter gentil y generoso, pareciendo olvidar que él había llegado, más lejos que su maestro.

De pié, de iz. a der.: Lleó Farré, Enrique García (Luthier) y Juan Parras del Moral Sentados, de iz. a der.: Fco. Tárrega (hijo), Andrés Segovia, Miguel Llobet y Eusebio Gual (foto: Vilatobá)

Su labor la heredaría toda una generación de nuevos guitarristas, y puesto que fue responsable del desarrollo de la técnica moderna de la guitarra, a su influencla no ha podido sustraerse practicamente ninguno. Además de María Luisa Anido y Domingo Prat, recibieron sus enseñanzas: Luise Walker, Rosita Rodés, Rosa Lloret, Graciano Tarragó, Eduardo Sainz de la Maza, Antonilo Francisco Serra, Magda Espinet, Rey de la Torre y Andrés Segovia, que en 1915 vino a Barcelona para estudiar con él, llegando a alcanzar gran celebridad.

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- 1460 LLOBET Miguel

De iz. a der.: A.Segovia, D. Fortea, M. Llobet y E.Pujol.

Como compositor, Llobet abre nuevos caminos y posibilidades. Su lenguaje es avanzado y el tratamiento tímbrico y armónico sugiere una atmósfera mágica y evocadora. Sus obras son reveladoras de un estilo moderno y lo separan del romanticismo de Tárrega. Las Canciones populares catalanas, algunas publicadas en vida de su autor, ha ayudado a difundir nuestros cantos, y han sido el soporte más firme en el que Llobet ha prevalecido hasta nuestros días; e1 resto de sus composiciones fueron publicadas en su mayoría muchos años después de su muerte, y ello, unido a que la ejecución de gran parte de ellas, requiere un virtuosismo poco común, no ha favorecido, su conocimiento y divulgación. Tras la guerra civil, la postguerra, y circunstancias adversas su figura quedó injustamente ensombrecida; sin embargo, conociendo su trayectoria y después de un análisis de su obra, Miguel Llobet se nos presenta como el gran maestro de la guitarra del siglo XX y una de las cimas más altas de su historia. Fernando Alonso y Carles Trepat (Biografía resumida) * * * * Emilio Pujol, impresionado por el arte guitarrístico de Llobet, escribirá el siguiente comentario: "Miguel Llobet, fue un virtuoso asombroso y un músico excepcionalmente dotado. En oposición a la estética de Tárrega, Llobet dio a la guitarra un sentido moderno; mientras aquél, enamorado del cuarteto clásico, hubiera hecho de las seis cuerdas de su instrumento una sola unidad, Llobet, atraído por la diversidad de timbres de la orquesta, hubiera hecho de cada cuerda una guitarra distinta. En sus obras extiende Llobet, dentro de todos los recursos instrumentales conocidos, un ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1461 LLOBET Miguel nuevo virtuosismo, el sentido lírico y los más sutiles hallazgos de armonía de su tiempo.Una colección de melodías catalanas bellamente armonizadas por él, marcan el repertorio guitarrístico, el nuevo paso que incorpora 1a guitarra al sentido estético de nuestros tiempos. Sus actuaciones fuera de España fueron la iniciación de esa verdadera cruzada reveladora, ante los más exigentes públicos de cada continente, de las considerables y cautivadoras posibilidades artísticas de la guitarra". "Diccionario Encilopédico de la Música" {Barcelona, 1947) * * * * El 29 de abril de 1977, la guitarrista María Luisa Anido dio un concierto-homenaje a Miguel Llobet, en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, organizado por Fernando Alonso "Casa Sors".

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- 1462 LLORENS RIVERO Elio LLORENS RIVERO Elio n. 1910 en la ciudad de Ponce (Puerto Rico) – m. 1989 en San Juan de Puerto Rico Guitarrista extraordinario. Especializado en la interpretación y adaptación de temas populares. Hijo del famoso poeta portorriqueño Luis Llorens Torres y de madre española. De niño realiza estudios musicales con el violín, pero en su adolescencia elige la guitarra como instrumento preferente, si bien, con los años dominaría también profesionalmente otros instrumentos como el piano, el Ukelele, la guitarra Hawayana. etc.. llegando a tocar el contrabajo en orquesta sinfónica. Desde muy joven viajó por diversos países de América y Europa, formando parte de grupos musicales y orquestas típicas. En Madrid se matricula en el Conservatorio para mejorar sus conocimientos de guitarra española. En ese periodo, (años treinta) se convocó en dicha ciudad un concurso de ukelele, al que asistieron veinte participantes. Llorens tocó en segundo lugar. Al oírlo, los 18 competidores restantes se retiraron del concurso sin atreverse a intervenir. Elio Llorens con el Ukelele

Durante la segunda guerra mundial permanece en Barcelona. Gran estudioso de la obra de Tárrega y Llobet, asiste a las clases del maestro Emilio Pujol. Éste, impresionado por la gran capacidad que tenía Llorens para tocar música popular, ensayó e interpretó con él un fox-trot a dos guitarras. De este encuentro, Llorens conservaba una fotografía del maestro leridano, con la siguiente dedicatoria: "Al asombroso guitarrista Elio LLorens, afectuosamente. Emilio Pujol". En la posguerra graba numerosos discos con el grupo "Gaspar, Laredo i LLorens". el "Cuarteto Tropical" y otros grupos musicales. También participa con el maestro Quiroga en la banda sonora de películas. A finales de los años cincuenta abandona los escenarios y solo toca la guitarra en la intimidad, ante aficionados y profesores. Su único discípulo en Barcelona, Fernando Alonso nos dice de él: "Elio Llorens era un guitarrista excepcional. Tenía la facultad de tocar los más variados estilos musicales, evocando con exquisita gracia el tipismo y carácter propios de cada obra, ya fueran temas americanos, sudamericanos o europeos. Con un sentido rítmico perfecto, de su guitarra salían guajiras, mambos, sambas, tangos, charlestones, boleros, etc.. magníficamente armonizados. En su repertorio aparecían, lo mismo bellas canciones americanas de Gershwin que valses de Strauss, lo mismo muñeiras gallegas que tarantelas italianas, lo mismo un son cubano que una sardana. Era increíble. "Llorens tocaba con la yema de los dedos, pues se le astillaban las uñas con facilidad, y solo usaba la poquita uña que tenía para hacer matices tímbricos. Sabía utilizar todos los recursos de la guitarra, consiguiendo siempre el efecto deseado. "Me aconsejó que en la música popular, pulsara el bajo dándole un sentido más percusivo y con independencia de la melodía, pues decía, que muchos guitarristas clásicos tocaban el bajo como si fuera una nota melódica y eso no favorecía la interpretación de la música popular. Tal vez, la forma de pulsar el bajo de Llorens. era uno de los motivos que hacían que la guitarra le sonara como una orquesta. "Los que tuvimos el privilegio de conocerlo y escucharlo, no olvidaremos nunca la fuerte impresión que nos causaron sus interpretaciones de "Brasil", "Guadalajara", "Beguin the beguine", y tantos y tantos temas famosos ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1463 LLORENS RIVERO Elio de aquellos años. "Lo vi en Barcelona por última vez en 1977. Después de una larga enfermedad, Elio Llorens murió en San Juan de Puerto Rico el año 1989". En el archivo musical de Fernando Alonso se conservan algunos de sus manuscritos. (Fernando Alonso, Barcelona, 2004).

De iz. a der. : Carlos Portela (guitarrista uruguayo), Elio Llorens y Francisco Pelufo (cantor de tangos)

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- 1464 LOHNES Manolo LOHNES Manolo n. 1943 en Freiburg, Alemania La pasión por la guitarra no despierta en él hasta después de cumplidos los dieciseis años, producida como consecuencia de sus contactos con gente aficionada al flamenco. Luego durante tres años estudia con intensidad la guitarra clásica con Kurt Gudian, trasladándose seguidamente a la propia Andalucía para observar y aprender "el toque" con el consejo de los auténticos maestros. José de la Vega es quien lo orienta mejor, quien le enseña todo lo que sabe. De regreso a su país, en 1967, obtiene el segundo premio en el certamen de la ZDI (Segundo canal de televisión); y al año siguiente el primero en un festival europeo. En la actualidad Manolo Lohnes es en Alemania un guitarrista de flamenco muy solicitado y con frecuencia participa en cicios literarios, en los que la guitarra acompaña al recitado del poeta.

LOLIKOFF Andrej n. ? - m.1894 en Moscú Guitarrista ruso. Desde muy niño comenzó a cultivar la guitarra de siete cuerdas, teniendo como maestro a Beloschein. Más tarde sostuvo contacto con Sokolowsky, que le dio algunas lecciones y lo animó a ejercitarse con guitarra clásica, de seis cuerdas. Así lo hizo Lolikoff, llegando a destacar como ejecutante de aquella. Sin embargo, su carácter apacible y extremada modestia no le permitieron dejarse escuchar fuera de círculos privados. No dejó discípulos. Tampoco composiciones.

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- 1465 LOPATEGUI José Luis LOPATEGUI José Luis n. 1940 en Valencia - m. 2002 en Barcelona Residente en Barcelona desde la infancia y hoy profesor del Conservatorio Superior Municipal de Música de aquella capital, director del aula que lleva su nombre, ha seguido la escuela de su maestro, Narciso Yepes, a la que ha aplicado su propia identidad artística como instrumentalista cualificado de la guitarra de diez cuerdas. Es intérprete de prestigio internacional desde 1961, a partir de cuyo año se le invita a participar en eventos musicales de elevado rango, en los que colabora como solista con orquestas y grupos de cámara. Complementa su actividad dando recitales e impartiendo cursos especiales, que lo llevan a actuar asiduamente en los Estados Unidos, Asia y Europa. Elogiado con unanimidad por la crítica seria por el interés de sus programas, la pureza e imaginación de sus ejecuciones y la gran belleza de sonido que consigue extraer del instrumento, ha sido distinguido con el "Premio especial Fernando Sor" en el certamen de Premios Nacionales del Disco, por la grabación de dos Opus integrales de aquel maestro catalán. En 1980 estrenó en Praga un concierto para guitarra y orquesta de Tomás Marco, colaborando en esta ocasión con la Orquesta de la Radio de la capital checa. Poco después, con motivo del 80 aniversario de Joaquín Rodrigo, fue invitado para interpretar el célebre "Concierto de Aranjuez" en el Teatro Real de Madrid, junto a la Orquesta Nacional. Durante el año 1984 fue nuevamente nominado para el Premio Nacional del Disco, por la grabación de obras de Haydn y Boccherini, acompañado por el cuarteto de la ciudad de Kösice (Checoslovaquia). Ha publicado el tratado "La Técnica de la Guitarra" (Alpuerto), hoy en su segunda edición.

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- 1466 LOPES CONSALTER Géris LOPES CONSALTER Géris Guitarrista brasileño contemporáneo. Las notas biográficas relacionadas con su vida artística nos las da el mismo Géris Lopez: 1994-Seminário de Guitarra Montenegro-Brasil con el renomado profesor brasileño Henrique Pinto. 1994-Seminário de Guitarra de Academia de Música Palestrina/Porto Alegre/Brasil con los guitarristas Eduardo Isaac y Carlos Barbosa-Lima. 1995-Masterclass de guitarra como oyente con Stephan Schmidt en el Conservatorium de Berna/Suiza. Masterclass com Paulo Bellinati en Porto Alegre como oyente de Academia de Música Palestrina. 1997- Participé al Festival Internacional de Guitarra Clásica de la Fundación Blas Sánchez en las Islas Canarias/España. Masterclass de Guitarra como oyente con Abel Carlevaro en la Academia de Música Palestrina/Brasil. Con Gilson Antunes en el Seminário de Guitarra de la Escuola Pró-Música de Caxias del sur/Brasil. Actividades con la organización para la guitarra 1994- Organicé la Associacíon Guitarrística Fernando Sor en la Escuola Pró-Música de Caxias del sur Brasil, así como el concierto de Eduardo Isaac en Caxias del sur en el Teatro de Sesc. 1997- Organicé el I Seminario de Guitarra Clásica de la Escuola Pró-Música/Brasil. 1998- Organicé el II Seminario de Guitarra y el I Concurso de Guitarra de la Escuola Pro-Música" Digna de admirar es, la excelente labor que está realizando este joven guitarrista en el mundo de la guitarra. LOPES GRAÇA Fernando n. 1906 en Tomar, Portugal - m. 1994 Compositor, pianista y musicólogo portugués. Fueron sus maestros en el Conservatorio de Lisboa Tomas Borba, en composición, y Luis de Freitas Branco en musicología (1923-31). Entre 1932 y 1936 ejerció como profesor en el Instituto de Música de Coimbra, teniendo seguidamente que abandonar el país por razones ideológicas. En París amplia sus conocimientos de composición a partir de 1937 con Charles Koechlin. Regresa a Lisboa en 1940, y colabora aquí muy activamente con la "Academia de Amadores de Música" (1940-54). En 1958 se traslada al Brasil, actuando seguidamente como pianista. También se da a conecer en Ángola (1959), tras haber emprendido con anterioridad (1957) una gira por la Rusia como acompañante del tenor Fernando Serafim. En su importante producción musical, de raíz nacionalista, figuran algunas obras para guitarra : "Preludio e Baileto" (1968), "Partita" (1970-71) y "Sonatina" (1974) para guitarra sola, y "3 Capriccetti" (1975) para flauta y guitarra. Las dos primeras han sido publicadas por Suvini Zerboni.

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- 1467 LÓPEZ Emilio LÓPEZ Emilio n. 1916 en Granada Compositor español, cuyos estudios musicales inició en la Academia "Isidoriana" con José Molina entre 1929 y 1931. Prosiguió su formación en el Conservatorio de Madrid, donde terminó la carrera en 1940 tras haber recibido las enseñanzas de Adela Espallarges, Emilio González, Javier Alfonso, Jesús Guridi, José Moreno Bascuñana, Facondo de la Viña, Conrado del Campo y Julio Gómez. En 1954 obtuvo una beca del Conservatorio "Benedetto Marcello" de Venecia. Profesor de Armonía en el Conservatorio de Madrid desde 1961, en su producción musical figuran dos obras para guitarra: "Tres improvisaciones" (1964), para dos guitarras, y "Homenaje a Enrique Granados" (1970), para guitarra sola. LÓPEZ Hernando Siglo XVI Por el P. Bermudo ("Declaración de instrumentos musicales", Osuna, 1549-55) sabemos que López fue uno de los mejores tañedores de vihuela de su tiempo y que estuvo al servicio del duque de Arcos. Hijo de Martín de Jaén, también vihuelista, en la obra "Ramillete de flores", manuscrito de 1593, publicado por Juan José Rey (Alpuerto), se publica una "Fantasía" suya. LÓPEZ Pablo Siglo XIX Guitarrero de origen español, establecido en Buenos Aires a fines del siglo pasado. Obtuvo gran renombre como constructor y fue buen amigo de Francisco Nuñez. LÓPEZ Severino n. 1900 en Camagüey/Cuba - m. 1978 en La Habana Es guitarrista de singular importancia en la historia del instrumento en su país. Después de cursar estudios en La Habana con Juan Martin Sabio y Pascual Roch, se traslada a Barcelona para completarlos con Miguel Llobet y Domingo Prat; allí también realizó estudios de composición. Hacia 1924 regresa a Cuba, para luego ir a Nueva York, y más tarde instalarse en La Habana, donde funda una academia de guitarra en 1929, que después abandona para radicarse en Santiago de Cuba. En la década del cincuenta se incorpora a la lucha insurreccional antibatistiana. Severino López ejecutó la primera guitarra por cuartos de tono que se conoce en Cuba, con el grupo del compositor mexicano Julián Carrillo ("Sonido 13", 1930); como compositor, son conocidas sus obras "Quebrada del Yuro" (elegía), "Sierra Maestra" (rapsodia), "Horas de nostalgia", "Amor en sueño" y otras; también hizo transcripciones, entre las que se encuentra "La comparsa", de Ernesto Lecuona. Tuvo algunos alumnos, como el célebre maestro Vicente González Rubiera, también conocido por "Guyún", y José Rey de la Torre. (Radamés Giro)

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- 1468 LOPEZ ARENCIBIA Pedro LOPEZ ARENCIBIA Pedro n. 1892 en Santa María de Guía (Gran Canaria) - m. 1955 en Las Palmas Trabajaba como contable en Las Palmas, en la empresa Cruz Gómez, perteneciente a una adinerada familia de su pueblo natal. Su carácter reservado y tímido hizo que muchas de la personas de su entorno desconocieran su faceta de guitarrísta, dándose incluso el caso de que para tocar delante de otras personas se situaba detrás de un biombo. Publicaba sus piezas en "Unión Musical Española" y hasta nosotros han llegado dos: Evocación, Mazurka op.l y Rosas de Otoño, Improvisación op.10. Es probable que viajara a Madrid con motivo de estas publicaciones, que suponemos se imprimieron aproximadamente en 1928. Para esta suposición nos basamos en la dedicatoria manuscrita que se observa en las copias conservadas en el Museo Canario de Las Palmas. Suponemos que es muy probable que se publicaran otras piezas suyas atendiendo a los números de opus de las que conocemos, pero no hemos podido encontrarlas. Al final de su vida sufrió una enfermedad que le afectó la mobilidad de las manos. Las dos obras que mencionamos, únicas que conocemos de este autor tienen un carácter melódica y de salón, en la línea de las piezas para guitarra típicas en esos años, donde el modelo imitado, casi siempre con menos éxito que el modelo original, eran las obras de Francisco Tárrega. Su armonía siempre tona1 y no existen complicaciones rítmicas, predominando una textura homofónica. Asimismo ambas tiene una estructura ternaria A-B-A precedida de una introducción y en el caso de la op.10, seguida de una pequeña coda. Ambas piezas utilizan la sexta cuerda afinada en Re mientras que a opus 10 requiere ademas la quinta afinada en Sol, modificación ésta menos usual y que suele dotar al instrumento de unas resonancias más melancólicas. Obras para guitarra: - Evocación, mazurka op.l. Ed. "Unión Musical española", Madrid, ca. 1928. - Rosas de Otoño, improvisación op.10. Ed. "Unión Musical Española",Madrid' ca. 1928. (Incluye un poema impreso al final de la segunda página que, al parecer sin ninguna firma, suponemos que será del propio López Arencibua suponemos que sera del propio López Arencibia). Estos ejemplares se conservan en el Archivo de Música de El Museo Canario de Las Palmas de Gran Canaria. (Pompeyo Pérez "La Guitarra y los guitarristas-compositores en Canarias", 1996)

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- 1469 LOPEZ-BELLIDO y MARTIN Jesús Manue LOPEZ-BELLIDO y MARTIN Jesús Manue Desde mi nacimiento, en el año 1966, he estado vinculado al mundo de la guitarra, ya que tuve la suerte de venir al mundo en el seno de una familia de guitarreros. No obstante, es a la edad de trece años cuando comienzo mi formación profesional en el taller de mi padre y maestro, compaginando la misma con mi formación académica, que concluyo de forma exitosa con dos titulaciones universitarias. A la edad de 17 años construyo y vendo mis primeras guitarras. A partir del año 1.989 imparto cursos como profesor de construcción de guitarras dentro de diversos programas formativos de la Junta de Andalucía, hasta 1.995, cuando decido dejarlo y dedicarme plenamente a la construcción de instrumentos en mi taller de Cenes de la Vega (Granada). Desde el año 1.999 vuelvo a compartir el taller con mi padre, en Granada, Paseo de las Palmas 1, antigua Parrilla 11, donde pueden encontrarme en la actualidad. Durante todos estos años he participado en numerosas exposiciones, charlas, demostraciones, conferencias, programas de radio y TV. He sido seleccionado como representante de España y experto ante la Comunidad Económica Europea, en las reuniones celebradas en Colonia en los años 2.001 y 2.002, dentro del programa A Leonardo da Vinci Project. Desde el punto de vista técnico he practicado los tres sistemas de construcción, con diversas modificaciones; lógicamente, siempre buscando las ventajas que me podrían procurar. En la actualidad, mantengo dos sistemas de construcción: el más tradicional de la escuela española, partiendo de la unión mástil-tapa y utilizando peones para montar los aros; y el menos habitual en nuestro entorno, en el que se parte de la unión de los aros al mástil y por medio de refuerzos o contra-aros, se une al fondo y a la tapa; habiendo dejado de utilizar un tercer sistema en el cual, primero hacía la caja y por medio de un zoque interior la unía al mástil por medio de un ensamble de cola de milano. Me he dedicado básicamente a la construcción de guitarras flamencas y clásicas. No obstante, he construido otros instrumentos tales como bandurrias, laúdes, reproducciones y restauraciones de guitarras y otros instrumentos antiguos.

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- 1470 LOPEZ BELLIDO Manuel LOPEZ BELLIDO Manuel n.1939 en Granada (España) Se forma como constructor de guitarras en el taller del maestro D. Eduardo Ferrer. Tras su vuelta del servicio militar, se independiza y monta su primer taller. Han sido diversos los talleres que ha tenido, en la actualidad, y desde hace más de 30 años, se le puede encontrar en Granada en el Paseo de las Palmas, 1; antigua Parrilla*. A lo largo de su carrera profesional podemos distinguir diferentes épocas: En la primera, sus instrumentos aparecen etiquetados como A Vellido. No obstante, un buen número de dichos trabajos los construyó para otros maestros, lo que hace probable que no conserven su etiqueta original. En una segunda época, fruto de su asociación con D. Antonio Marín Montero, aparecen etiquetados como Montero-Bellido. En la tercera época, sus instrumentos aparecen etiquetados con su nombre completo, AManuel López Bellido, o, AManuel L. Bellido, y en la actualidad como A.Manuel Bellido. Desde el punto de vista técnico, sus guitarras son muy complejas, pues domina todos los sistemas de construcción y habitualmente los utiliza y mezcla a su antojo†. Esta inquietud le ha llevado a realizar importantes mejoras en diferentes técnicas y a la construcción de útiles que hoy encontramos en cualquier taller de instrumentos, tales como la calibradora de lija, cuyo primer prototipo aún está en funcionamiento en su taller. Entre las innovaciones que se le pueden atribuir está el uso del doble fondo, tapa e incluso aros, productos de la búsqueda de nuevos matices al combinar maderas diferentes. Ha construido muy diversos instrumentos, tales como laúdes españoles, laúdes renacentistas y barrocos, guitarras de todo tipo (reproducciones antiguas, bajos, guitarras de 7, 8, 10 cuerdas), tiples, charangos, requintos, etc. Ha realizado numerosas restauraciones. Es considerado por muchos profesionales como uno de los principales nombres de la guitarrería española. Desde el punto de vista estético, sus instrumentos destacan por la riqueza y calidad ornamental‡. *

Rioja, Eusebio. Inventario de guitarreros granadinos, A Y es que D. Manuel es otro de los que entienden el trabajo como un arte. Es de los que necesitan estudiar, investigar, probar, experimentar e innovar. Ediciones Códice, Granada 1.983. Pag.189 † Op cit. A... Lo vemos con frecuencia realizar boquillas con incrustaciones de nácar, filetería complicada y originalísima, y sus trabajos se distinguen nada más verlos por una belleza y calidad de terminación fuera de lo habitual. ‡ Mourat, Jean Maurice. A propos de la guitare, A Naturellement des grands noms se détechent comme Ignacio Fleta, ...,Bellido,...,à Grenade et bien d' autres... Ed. Gérard Billaudot.París 1.990. Pag. 53. ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1471 LÓPEZ CHÁVARRI Eduardo LÓPEZ CHÁVARRI Eduardo n. 1871 en Valencia - m. 1970 en Valencia Compositor y musicógrafo español, uno de los que se han destacado describiendo musicalmente los temas populares, impregnados éstos por un discreto impresionismo. Se formó siguiendo las enseñanzas de Felipe Pedrell, en Barcelona, quien supo transmitirle la afición a la musicología. Dio a la estampa obras didácticas, así como una "Historia de la Música" (1914) y "Música popular española". Entre sus composiciones encontramos páginas para orquesta, coro, música de cámara, para canto y piano, etc. La editorial alemana Schott le publicó siete piezas para guitarra, tituladas : "Danza lenta", "Ritmo popular", "Fiesta lejana en un jardín", "Nocturno", "La mirada de Carmen", "Lamento" y "Gitana". Por otro lado, en el catálogo de la Unión Musical Española figuran un "Intermezzo", "Preludios a Valencia" (Benicasim, Huertas de Sagunto y Danza del sur) y "Tríptico de Homenajes" (a Luys Milán, a Francisco Tárrega y a Oscar Esplá).

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- 1472 LÓPEZ NIETO Marcelino LÓPEZ NIETO Marcelino n. 1931 en Madrid. Desde muy pequeño se identifica plenamente con la guitarra y su construcción. En 1948 inicia los estudios del instrumento con Daniel Fortea en la casa -estudio de éste, situada en la madrileña calle de la Cruz, 27, y se instruye en otras disciplinas musicales: solfeo, piano, etc. En muy poco tiempo, llega a tocar con entusiasmo y dedicación gran número de obras y estudios de concierto, trabajando al mismo tiempo a partir de 1949 en la construcción de guitarras, especialmente de concierto, a cuyo oficio habrá de consagrarse en adelante. Posteriormente visita diversos museos europeos, en los que estudia las características de los instrumentos de cuerdas de siglos atrás, especializándose en la reproducción de los mismos. En el año 1979 obtiene el Primer Premio a la Mejor Guitarra en el Concurso de Rondas. Marcelino López Nieto, al que de vez en vez le satisface hacerse escuchar a la guitarra, tributó en 1979 un homenaje a Daniel Fortea en el Ateneo de Madrid, ejecutando un programa integrado por obras de dicho maestro.

Taller de Marcelino LOPEZ NIETO

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- 1473 LÓPEZ de la OSA Fernando David LÓPEZ de la OSA Fernando David n. 1942 en Madrid Recibió las primeras nociones de música y guitarra de su hermano hasta que pasó a formar parte de los discípulos de Fortea. El Maestro, sorprendido por sus cualidades innatas para la música y, sobre todo, al descubrir que tenía “oído absoluto”, le dedicó siempre una especial atención. Al morir Fortea, sigue trabajando la técnica de la guitarra con su hermano y comienza los estudios de armonía y piano, con Ángel Mingote. Más tarde Quintín Esquembre, discípulo de Tárrega en su primera época, le toma como alumno y pronto le requiere para formar parte de su ya célebre “Trío Esquembre”, que obtiene mucho éxito debido en gran parte a la calidad de sus arreglos musicales y a su escogido repertorio. Desde muy joven su actividad transcurre por diferentes vertientes, debido a su versatilidad en el ámbito musical. Interviene en grabaciones de bandas sonoras para cine (Placido, El Crack, Gallarre etc.); series de T.V. (“Don Quijote”, “Curro Jiménez”, El oso y el madrileño etc.); como componente de la orquesta en obras de teatro (“La Matahari”, “Annie”, “El Diluvio que viene” etc.); de Jurado como miembro de la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música. Ha tocado en numerosos eventos musicales bajo la dirección de Antón G. Abril, Román Alís, Carmelo Bernaola, José Nieto, Odón Alonso etc. En la actualidad alterna las actividades mencionadas con la cotidiana tarea que su maestro Daniel Fortea le confió: conservar y continuar su “Biblioteca Fortea”.

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- 1474 LÓPEZ de la OSA José Maria LÓPEZ de la OSA José Maria n. 1934 en Villagarcía de Arosa/Pontevedra Desde muy temprana edad despertó en él la afición a la música inculcada por sus padres. De su padre, alumno de Daniel Fortea, recibió las primeras lecciones de guitarra que después continuará con el prestigioso discípulo de Tárrega. Alternando los estudios del instrumento con los de Bachillerato, sigue su formación musical en el Conservatorio de Madrid con Ángel Mingote y, más tarde, con Ángel Arias. Con Fortea llega a tener una gran amistad: le integra en las tertulias con sus amigos, dan juntos recitales en público y en Radio Nacional, y le ayuda a impartir las clases de guitarra. Al morir Fortea, continúa estudiando con Quintín Esquembre, que pronto le invita a rehacer el “Trío Esquembre,” en el que intervienen también su hermano Fernando López y Antonio Albanés. López de la Osa ha colaborado con la Sociedad Cervantina para musicar una obra de Cervantes representada en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Ha participado, como instrumentista, en los Cursos de Dirección de Música Contemporánea, en el Aula de Música de la Universidad de Alcalá de Henares, impartidos por Arturo Tamayo; en el Teatro Real bajo la dirección de García Navarro; en los Solistas de la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid que dirige José Ramón Encinar. También ha intervenido en otros eventos musicales como grabaciones, televisión y actuaciones en público, dirigidos por Antón García Abril, F. Moreno Torroba (hijo), Carmelo Bernaola, Benito Laurent, Galduf, etc. Con Rafael Alberti ha colaborado en su “Invitación a un viaje sonoro”, como componente de la orquesta M. Grandío dirigida por Pedro Chamorro, dando recitales en Madrid y en diversas ciudades españolas. La mayor parte de su labor musical está dedicada a la enseñanza, encontrándose entre sus alumnos más sobresalientes José Luis Rodrigo. Por deseo de Fortea, es continuador de su obra didáctica, tanto en lo que se refiere a la enseñanza como a la publicación de métodos, estudios y obras de buena parte de la literatura guitarrística conocida con el nombre de “Biblioteca Fortea”, cuyo trabajo viene desempeñando desde la década de los cincuenta.

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- 1475 LÓPEZ PALACIOS Antonio LÓPEZ PALACIOS Antonio n. 1955 en Ciudad de México Se inicia como autodidacta en la guitarra cuando ha cumplido ya los catorce años. Poco después decide estudiar seriamente, por lo cual se inscribe en la Escuela Superior de Música en la que es aceptado como alumno del maestro Guillermo Flores Méndez. Su dedicación y facilidad hacen que pronto le brinden la oportunidad de presentarse en la Sala "Manuel M. Ponce" del Palacio de las Bellas Artes, como parte de un cicio de conciertos de alumnos del citado centro docente. Dos años más tarde continua sus estudios en el Conservatorio Nacional, en donde participa en cursos de Oscar Ghiglia, José Luis Rodrigo y Leo Brouwer. En 1979 se traslada a la ciudad de Los Ángeles, reanudando allí su formación de forma privada con diferentes maestros tales como Ronald Purcell, Pepe Romero y Manual Barrueco, entre otros. En 1982 López Palacios se destaca al ser único finalista latinoamericano en el I Concurso Internacional de Guitarra, organizado por la "Guitar Foundation of America" y que tuvo lugar en Denver, Colorado. En 1984 es invitado a tocar en el ciclo de conciertos que organiza la Sociedad Americana de la Guitarra conjuntamente con el departamento de Música de la Universidad de Northridge en Los Ángeles. Antonio López Palacios ha estrenado varias obras para guitarra, entre ellas la "Sonata N° 2" de Ernesto García de León, "Viñetas" de Gerardo Taméz, y, en los Estados Unidos, el "Concierto San Miguel" de este último. En su primer disco para el sello "Ángel" (Capitol), intitulado "La Guitarra en Latino América", incluye composiciones de Ginastera, Barrios, Taméz, Brouwer y García de León.

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- 1476 LÓPEZ RAMOS Manuel LÓPEZ RAMOS Manuel n. 1929 en Buenos Aires A los doce años empezó estudiando la guitarra flamenca, pero advirtiendo su padre las disposiciones que poseía lo inclinó por la clásica e inscribió en las clases de Miguel Michelone. Justamente entonces tuvo ocasión de oír a Andrés Segovia en el Teatro Odeón de Buenos Aires y ello motivó el punto definitivo de su vocación. No ha cumplido aún los veinte años cuando ya es uno de los primeros guitarristas del país. En 1948 recibe el premio de la Asociación de Música de Cámara Argentina, y desde entonces, sobre todo a partir de 1952, viaja constantemente a través de toda América y Europa actuando como recitalista y acompañado de las orquestas más importantes. Pronto pasa a ejercer como profesor de guitarra en la Escuela de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México, así como en diversos centros docentes de los Estados Unidos, desde los que en adelante contribuírá en la formación de toda una pléyade de excelentes guitarristas. En 1963 emprende una amplia gira de recitales por la Rusia. Posee un amplio repertorio, distinguiéndose en primer lugar como intérprete de la música española. Ha grabado varios discos, siendo uno de los artistas exclusivos del sello "Ángel". Músico de elevado rango, tanto en la labor artística como en la docente, sus "master classes" dentro y fuera del territorio mexicano son siempre acogidas con el máximo interés. LOPEZ VIERA José Angel n. 1960 en La Laguna (Tenerife) DOS PIEZAS PARA FLAUTA Y GUITARRA DE JOSÉ ÁNGEL LÓPEZ VIERA . José Ángel López Viera realizó sus estudios de flauta y de guitarra en el Conservatorio de Santa Cruz, siendo además alumno del guitarrista Silvestre Alvarez. Si bien su labor compositiva se ha decantado por vertientes ni cercanas al jazz como miembro del grupo musical Al-Farabi realizado también algunas incursiones en e1 campo de la música culta, y utilizamos esta palabra simplemente como una convención, pues pensamos que no puede considerarse hoy en día el jazz como una música popular, sino de creación. Sus Dos piezas para flauta y guitarra constituyen una muestra de esta última vertiente mencionada siendo además la única obra compuesta para dicha combinación instrumental por un autor canario, dicho ésto con la salvedad de que es posible que en el catálogo de Blas Sánchez exista también alguna. La obra tiene un carácter improvisatorio, con frases cortas e imitaciones entre ambos instrumentos. Su riqueza ritmica y e1 uso de disonancias libres dota a esta pieza de una personalidad afín a las tendencias contemporáneas, algo que resulta poco común entre las obras compuestas para el instrumento en el Archipiélago. Su estreno se produjo el 13 de marzo de 1991, en un concierto celebrado en la Universidad de La Laguna, siendo sus intérpretes Santiago Méndez a la guitarra y el propio autor como flautista. (Pompeyo Pérez "La Guitarra y los guitarristas-compositores en Canarias", 1996)

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- 1477 LO PRESTI Carlo LO PRESTI Carlo n. 1967 en Turín (Italia) Diplomado con mención especial en 1986, ha estudiado con el maestro Pier Luigi Cimma y con Ruggiero Chiesa. Actualmente se perfecciona bajo la dirección del Maestro Stefano Grondona. Ha sido premiado en los siguientes concursos nacionales e internacionales: Premio Especial en el Concurso "F. Sor", de Roma, 1980. Tercer Premio en el Concurso "R. Bartoli", de Salon de Provence, en 1982. Ganador absoluto en el Concurso de Stresa, en 1984. Seleccionado para las Sesiones del Certamen Internacional de Guitarra "Francisco Tárrega", de Benicasim en 1981 y 1984. Desarrolla su actividad como concertista solista en Italia, en dúo con la cantante Lauretta Brovida y en formación de cámara. Recientemente ha realizado varios conciertos en Alemania, así como estudios de B. Britten, H.W. Henze, Manuel de Falla, John Dowland, aparecidos en la revista musical "Il Fronimo", o próximos a publicarse. Ha seguido cursos de música de cámara (Curso Académico de Vicenza), de Análisis Musical (Música Rival), y ha participado en seminarios de fenomenología de la música, tanto con el Maestro Serfin Celibidoche, bajo la Escuela Europea de Música de Saluzzo. Alumno del Maestro Felice Quaranta, ha participado en 1987, en el I Concurso Internacional de Composición de "Il Fronimo", con dos óperas (Música Ficta y Perarchi). También ha compuesto el "Lento-agitato, para cuarteto de cuerda y guitarra", dedicado a Schostacovich. En 1987 es coordinador artístico de la actividad musical de las Asociaciones Culturales Mythos (Turín) y redactor de la revista "Il Refuson". LORCA Antonio, I, II y III I) m.1870 en Málaga II) m.1909 en Málaga III) m.1929 en Málaga No tenemos otras referencias documentales de esta dinastía de guitarreros, que las aportadas por Domingo Prat en su Diccionario. Allí se lee : "En el año 1803 el constructor de guitarras Antonio Lorca fundó su taller en Málaga, y su hijo, Antonio Lorca Pino, siguió las mismas normas del padre, quien falleció casi centenario en el año 1870. Lorca Pino, dentro del ambiente de guitarras, guitarreros y guitarristas en que vivía, supo hacer de su taller el punto de reunión obligado, como sala de estudio y crítica, a la que acudían Torres, Arcas, Parga y otros muchos. Puede, pues, decirse que entre instrumentos y música saltaban virutas desgranando preludios multicolores. Lorca Pino fue distinguido ejecutante, discípulo de Parga, quien en el año 1893 le dedicó su op. 10; capricho sobre las "murcianas", primera rapsodia de concierto del ilustre gallego. La guitarra de Juan Parga que se ve en las portadas de sus obras, la construyó Lorca, su discípulo guitarrista, en 1889. Lorca Pino falleció el 18 de Febrero de 1909, sucediéndole su hijo, Antonio Lorca Ramírez, quien por el desgaste natural de tantos "Antonios Lorcas" fue el último de esta dinastía de guitarreros fundada en 1803 y fenecida en Mayo de 1929, fecha en que falleció sin sucesión constructiva, Antonio Lorca Ramírez."

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- 1478 LORENZINI LORENZINI Laudista italiano; uno de los ejecutantes y compositores más célebres de su tiempo. Nació probablemente en Roma alrededor del año 1540. Sus contemporáneos le llamaron "Laurencinus Romanus", "Eques Romanus", "Lorenzini del liuto", "Cavallere del liuto", etc. Fue laudista del cardenal d'Este en Tivoli, en los años 1570-71. Luego pasó al servicio de las cortes de Ferrara y Mantua, radicándose más tarde en Roma alrededor del año 1580. Algunas de sus obras se conservan en los libros de Besard y Fuhrman, ''Thesaurus harmonicus" y ''Testudo gallo-germanico" respectivamente. Este gran músico, gloria de su época, murió probablemente en el año 1610. (D. Prat, Diccionario, 1934)

LORENZO VILA Juan Carlos n. 1962 en Vigo Comienza a instruirse en la guitarra a los catorce años de forma autodidacta, ingresando dos años más tarde en el conservatorio vigués, donde estudia el instrumento con Tomás Camacho y Antonio Uxio Mallo. Completa su formación en Madrid, recibiendo las enseñanzas de Miguel A. Jiménez Arnáiz y José Luis Rodrigo. Asiste paralelamente a cursos de perfeccionamiento impartidos por Camacho en Vigo, y José Tomás, en Santiago de Compostela. En mayo de 1982 obtuvo el Segundo Premio "ex aequo" en el I Concurso "Ciudad de Orense", en noviembre del mismo año el Primer Premio en el I Concurso de Interpretación "Ciudad de Vigo" y en 1983 el Premio "Alhambra" en el II Concurso de Orense. Juan Carlos Lorenzo Vila cultiva tanto el recital como la música de cámara, desarrollándose por ahora su actividad artística sobre todo en la región gallega.

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- 1479 LORIMER Michael LORIMER Michael n. 1946 en Chicago, USA Guitarrista, laudista, pedagogo y editor norteamericano, dotado de una capacidad extraordinaria. Realizó sus estudios musicales y de guitarra en California, los del instrumento con Guy Horn hasta la edad de catorce años. La joven guitarrista Dorothy de Gaede lo presenta a Andrés Segovia, quien después de escucharlo e intuir su talento natural lo invita a asistir a sus cursos de Siena y Santiago de Compostela. Durante los siete años siguientes Lorimer será discípulo en los cursos de Siena y Santiago de Compostela, impartidos por el gran Maestro español. Pronto comenzará a destacar en la actividad artística ofreciendo un promedio de treinta conciertos anuales en los continentes americano y europeo, repúblicas iberoamericanas, España, Francia, Italia, Inglaterra, Irlanda, etc. En 1970, Andrés Segovia le recomienda a su "manager", Sol Hurok, iniciando por aquellas fechas también el propio Lorimer la labor pedagógica. Lorimer es el primer guitarrista norteamericano que se escucha en varias repúblicas de la Rusia, adonde viajó por primera vez en 1975 y después en 1977. En 1970, también, comienza a cultivar un laúd barroco construído por Robert Strizich, haciéndose construir más tarde otro por el holandés Nico van der Waals, copia del utilizado por una de las hijas de Luis XIV, obra de Jean Vaboan. Aparte su actividad concertística, con la que ha descollado, - en 1981 emprendió una gira por Israel, - y sus colaboraciones en "Guitar Player", Lorimer es hoy uno de los más reputados profesores de guitarra en los Estados Unidos, maestro de una pléyade de excelentes guitarristas, y sus transcripciones de páginas de John Dowland, Johann Froberger, François Couperin, Sylvios Leopold Weiss, Johann Sebastian Bach ("Michael Lorimer Editions", 141 Kearoy Street, San Francisco, CA 941US), entre otras, se reeditan con frecuencia.

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- 1480 LOSCOS Manuel LOSCOS Manuel n.1867 en Valencia - m. ? Guitarrista español, uno de los discípulos predilectos de Francisco Tárrega, cuyo "curriculum" extraemos del libro "La música en Valencia", del Barón de Alcahaly, publicado en 1903. Allí se lee: "Artista por temperamento, dedicó al estudio de la pintura los primeros años de la adolescencia, asistiendo a las clases de la Real Academia de San Carlos; pero un concierto de guitarra, dado por el maestro Tárrega, le decidió a perfeccionarse en dicho instrumento, ya que tocaba sin orientación alguna. Así pasó su ya larga vida en la trastienda de su estanco, preocupándose de dar satisfacción a su gusto artístico y acompañado del cariño y respecto de los pocos aficionados que en esos tiempos contaba Valencia. Sus verdaderos melos ratos los pasaba en los preparativos del consabido concierto íntimo, que Tárrega daba en la trastienda de Toscos Plá; porque entonces era de ver que los habituales parroquianos tomaban el aspecto de 'quien se va de viaje', pues había que financiar entre todos, la partida de Valencia, del gran Tárrega. Este, dedicó a Loscos el precioso estudio que conocemos con el nombre de "La Mariposa". Gracias a la amabilidad del inglés Walter Leckie, quien nos regaló en Francia una foto-miniatura, conocemos a nuestro biografiado, que aparece en "Audición íntima de Tárrega". Junto con el profesor A. Sinópoli, la hicimos ampliar y hoy es la foto más conocida del popular autor de 'Danza Mora"'.

Loscos junto a Tárrega

LOSY (o LOGI), Graf von Losinthal Jan Antonin n. hacia 1643 - m. 1721 en Praga Músico de origen checo, aristocrata, que se distinguió como ejecutante de laúd, guitarra y violín. Dejó una importante producción musical, de la que se hicieron diversos estudios y transcripciones desde la segunda mitad del siglo pasado. Sus "suites" y "danzas" sueltas, hoy llevadas a la notación moderna de la guitarra, exigen muchas veces al ejecutante un virtuosismo avanzado e impropio de la época en que fueron escritas. LOTZ Robert n. 1817 en Gotha - m. 1864 en Dresde Constructor de instrumentos de cuerda alemán. En el catálogo de Georg Kinsky ("Zupf und Strechinstrumente", 1912) se cita una guitarra de este artesano, preciosamente elaborada, con seis cuerdas dentro del diapasón y dos fuera de aquel. En su época se construyeron frecuentemente ejemplares con variado número de cuerdas.

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- 1481 LOURE LOURE Antigua danza española que remonta a la Edad-Media, popular en Normandía y en Poitou. La Loure fue introducida en la Corte de Luis XV y en el Teatro. Su nombre parece haberse tomado del instrumento que la acompañaba, especie de gaita utilizada en Normandía por los pastores. La Loure se suele presentar con Los ritmos: 6/4 y 3/4, lenta, sencilla y pastoral como la música que que nace del instrumento. El primer tiempo del compás es acentuado y los pasos son como los de la Musette, a 6/4.Es muy posible que la Loure y la Musette sean una misma danza, recibiendo el nombre del instrumento que la acompaña. La Loure, se baila por parejas,bajo una forma de corro; por su carácter campestre, nos hace recordar la "bourrée auvergnate". En el lenguaje musical "lourer" significa nurrir el sonido con dulzura y marcar el la primera nota de cada compás, más sensiblemente que la primera ; esta manera de tocar se usa generalmente en las composiciones de carácter rústico y montañés. La Loure fue insertada en las Suites del siglo XVII, para clavecín y orquesta de J. S. Bach; también encontramos una Loure en la Suite en Mi M. 1006 de Bach, interpretada muy amenudo por los laudistas y guitarristas. Se piensa que Bach, hubiera podido muy bien escribir esta Suite para uno de sus instrumentos favoritos, el "Laúd - Clavecín" (Lautenwerk) Loure

J. S. Bach

La famosa bailarina Marie Camargo, (1710- 1770) danzó una Loure en la Opera de París, inspirándose de un tema popular, pero ejecutando una coreografía muy esmerada. (F. Herrera y M. Weber, "DANZAS en la música del Laúd, Guitarra y Vihuela", Ed. Piles, 2003, Valencia/España)

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- 1482 LÖW Ingeburg LÖW Ingeburg n.1937 en Jena, Alemania Fueron sus maestros de guitarra Roland Zimmer, Walter Socha, Franz Just y Jiri Knobloch. En 1959 ganó el Primer Premio en el certamen guitarrístico de Markneukirchen, dejando constancia de su excelente formación musical y dominio del instrumento. Es Ingeburg Löw una artista que ama su oficio con auténtica vocación. Aunque con frecuencia actua sola, siente al parecer predilección por la música de cámara, que cultiva formando parte del "Colegium Musicum Jenense" y otros grupos, así como con miembros de la "Staatskapelle" de Weimar, la "Gewandhausorchesters" de Leipzig y la "Philharmonie" de Jena, con los que en repetidas ocasiones ha dado a conocer páginas musicales inéditas del renacimiento y barroco. Ha formado dúo estable con el guitarrista checo Martin Myslivecek, colaborando además con otros renombrados intérpretes de distintos instrumentos en dúos, tríos, cuartetos, etc. Ha participado asimismo en una serie de programas interpretando obras para guitarra de todas las épocas, siendo estos ilustrados con aclaraciones sobre la evolución histórica del instrumento y su música. Intérprete de numerosas composiciones de autores modernos, Ingeburg Löw toca guitarra de Weissgerber y laúd de Jordan, ambos instrumentos construidos en Markneukirche (Alemania).

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- 1483 LOWDEN George LOWDEN George n. en 1951 en Irlanda Tenía diez años, en 1961, cuando construyó su primera guitarra, bastante rústica por cierto; no pierde la afición y algunos años después, en 1969, construye la segunda, esta vez una guitarra eléctrica. En 1973 se inicia como guitarrero profesional y hacia finales de 1977 ya le llegan pedidos de París, Londres, Ginebra y de la propia Irlanda, que apenas puede atender. Ello lo lleva en 1981 a asociarse con una firma japonesa, construyendo en principio cuatro tipos diferentes de instrumentos. Transcurridos otros tres años, el número de modelos que construye asciende ya a quince de distintos niveles. En 1985 George Lowden decide instalar su taller en Bangor, en el condado de Down, reuniendo en torno suyo a un equipo de "luthiers" que trabaja bajo su dirección y que produce alrededor de 15 y 23 guitarras mensuales. Entre tanto las "Lowden Guitars" han conquistado un prestigio internacional.

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- 1484 LOZANO Antonio LOZANO Antonio n. 1892 en Madrid Sólo disponemos de los datos que aporta Domingo Prat en su "Diccionario", en el que leemos: "Hizo los estudios de este instrumento con el profesor ciego, César de Burgos, y más tarde con el reputado didacta Daniel Fortea, recibiendo oportunamente los buenos consejos del genial Segovia. La afición por el instrumento, que cultivó con carácter popular el autor de sus días, hizo que despertará en el niño Lozano el deseo de su estudio, siendo su primer director el ciego citado, quien le prodigo sus mejores atenciones, alcanzando tan visibles adelantos en plazo prudencial, que determinaron realizar una audición que obtuvo éxito. El profesor Cimadevilla, ya desaparecido, asistente al acto, y admirado por sus no vulgares cualidades, lo encaminó hacia el guitarrista D. Fortea, siendo tan provechosas sus enseñanzas, que en pocos meses pudo independizarse de toda tutela. A partir del año 1918 comenzó a mostrarse en público, aplaudiéndosele en Madrid (sala del Centro Gallego y en la de Fomento de las Artes). De estos actos se ocuparon 'El País' (N° 11685) y el semanario 'La Villa y Corte' (N° 20) en 1919; de este último extractamos en siguiente elogio : 'Antonio Lozano es un artista enamorado de su arte, con personalidad. De él no pueden contarse hazañas bohemias, ni piruetas funambulescas, ni truculencias de perversidad. Modesto, humilde, laborioso, invierte la riqueza del tiempo en estudiar, sin tregua ni descanso; en tanto muchos de sus colegas lo emplean en correr, suelta la melena y desgarbado el gesto, tras el erotismo y la orgia, con los que envuelven su vagancia y mixtifican y empañan la vida artística. De vez en cuando, en el místico recogimiento, íntimo y propicio a unos cuantos amigos, identificados en la sublimidad del arte, Lozano estrecha en abrazo pasional el talle grácil de su amada, la guitarra, y de su corazón hace brotar llantos y risas, que son como quejidos leves de un alma enamorada... Por eso lo veis aquí, fijos los ojos en el rostro de su amada, mientras sus dedos, con la refinada y voluptuosa sabiduria del amor, la estremecen en larges caricias.' Más adelante llevó su arte a Andalucía, y 'El Liberal de Jaén' (N° 4437) le dedica un elogioso artículo por sus éxitos en aquella ciudad. En 1921 y 22 se le aplaude en Barcelona : Sala "Aeolian" y "Casino Premianench", y en este último año en el Ateneo de Santander, ocupándose del acto 'El Diario Montañés" (N° 7080). Después de recorrer varias capitales españolas, se le oye en París ; el 'Excelsior' de esta capital (N° 5004) se ocupó de una audición dada en la estación de radio P.T.T. el 24 de agosto de 1924. Impuesta ya su personalidad de instrumentista, es llamado por la 'Cultural Guitarrística' de Madrid, y el 28.2.1926 ofrece un concierto en los salones de la extinguida sociedad, en cuyo acto vertió un equilibrado programa formado de tres partes, con trece obras de los mejores autores, siendo premiada la labor del concertista y consocio fundador con cálidas manifestaciones de entusiasmo. Su intervención periódica en aquella capital en las "Emisiones Radio-Ibericas" es bien apreciada, siendo insistentemente solicitado. Como compositor la casa editora Unión Musical Española le publicó 'Canto popular andaluz' y otros trabajos para guitarra, esperándose nuevos aportes originales de este interesante concertista, apreciado y aplaudido (1930). Consultado el actual catálogo de la Unión Musical Española (1983-84), encontramos de este autor la serie titulada "Motivos Populares", que comprenden, N° 1 "Malagueñas", N° 2 Media granadina" y N° 3 GuaJiras. Asimismo los siguientes arreglos para guitarra : "Recuerdo de Granada", capricho, op. 90 (Nieto), "Las ruinas de Atenas", marcha (Beethoven), "Serenata andaluza" (Nieto) y "Válgame Dios de los celos", canto popular andaluz, op. 41 (Mariani).

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- 1485 LOZANO CARRILLO Casimiro LOZANO CARRILLO Casimiro n. 1954 en Casasimarro/Cuenca Desde muy temprana edad entra a trabajar en el taller de los herederos de Vicente Carrillo, donde se forma como artesano de la guitarra. Se casa con Petry Carrillo, hija de Vicente Carrillo Cantos, y decide vivir su aventura artesanal. Desde ese momento, Casimiro Lozano se ha sabido abrir un mercado y actualmente tiene guitarras por diversos países europeos y de Iberoamérica. En 1984, con motivo del "Homenaje Iberoamericano a la Guitarra" e inauguración de un monumento a dicho instrumento, se celebra una exposición de guitarras en Casasimarro y el Ministerio de Industria le otorga una placa nominada. (Luis F. Le Pinar)

Taller de Casimiro LOZANO CARRILLO LUCARINI Vincenzo Siglo XIX "Luthier" italiano, oriundo de Florencia, constructor de excelentes guitarras, laúdes y mandolinas. En las etiquetas de sus instrumentos se lee : "Vincentius Lucarini Restauravit, Eaventise, Anno..." Uno de estos instrumentos que conocemos data de 1804.

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- 1486 LUCENA Paco (Francisco Díaz Fernández) LUCENA Paco (Francisco Díaz Fernández) De este notable guitarrista, decía Prat en su Diccionario: "Guitarrista célebre entre los grandes del género andaluz (vulgo flamenco). Nació en Lucena el 1.° de Junio de 1859. Hijo de José Bernardino y Josefa Juana, todos del lugar nombrado de la provincia de Córdoba, España. Así dice en el certificado bautismal, folio 235, vuelto, del libro 108, que se custodia en el archivo parroquial de San Mateo. Francisco Díaz, (a) "Paco Lucena", nombre por el que se le conoció con el adicional de "célebre tocaor", fué distinguida figura, que llevaba en sí una aureola de respeto y admiración, en nada parecida a la que se observa generalmente entre los artistas de su género. Sus bellas facciones, su porte distinguido, su arte siempre renovado con la frescura de las variantes improvisadas que tanto sedujeron e inspiraron al compositor ruso Glinka, oyendo al brujo del Albaicín "El Murciano", hacen de él un bello exponente de la raza, exteriorizado en figura y música. Recuerdo que mi finado padre, al exaltar la memoria de su género único, decía: que asistir a una de sus sesiones era presenciar una exposición de cuadros multicolores, animados con la fuerza del sol de Andalucía. Necesitaba de las sublimidades de su guitarra para una sensibilidad que rayaba en lo sobrenatural. Producía hermosos efectos de pedrería moruna cuando arqueaba su pecho sobre la guitarra, tal vez impelido sin darse cuenta por la dolencia que tan prematuramente nos llevara también a Chopín. Lástima grande que a estos geniales creadores del arte, no les alcanzará - ¡y todo por razón de tiempo!-, la indudable satisfacción de escucharse reflejados en un disco. Sus verdaderos valores, pues, no lo sabremos más que por los cronistas de la época. En la misma ciudad de Lucena, y a los 39 años, se apaga la vida de este sublime "tocaor", el 24 de Mayo de 1898. (Copiado del certificado de defunción)."

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- 1487 LUCÍA Paco de LUCÍA Paco de n. 1947 en Algeciras/Cádiz Su verdadero nombre es Francisco Sánchez Gómez, pero toma el nombre de su madre en el mundo artístico. Paco recibe de su padre las primeras nociones de guitarra, quien, para hacer frente a la vida, toca en los tablaos por las noches. Su hermano Ramón es quien le afianza en el toque, juntamente con Manuel Serrapí "Niño Ricardo". La infancia de Paco es dura. Hay que tener esto presente al escuchar su guitarra. La música de flamenco es un grito de dolor, de la frustración, de la rabia, una desesperada reivindicación de los derechos del ser humano, y, aunque hay que reconocer que en la bulería se da rienda suelta a la alegría, a la pasión, al orgullo, es también un desafio a la desesperación. La diferencia que separa a Paco de Lucía de cualquier otro humano es la forma de expresar los sentimientos. La vida, no obstante, empieza a sonreirle muy pronto. En 1959, cuando cuenta tan sólo doce años, se le concede un premio especial en el Concurso flamenco de Jerez, en el que acompaña a su hermano Pepe, quien gana el Primer Premio de Cante. En 1961 se incorpora al grupo flamenco de José Greco y marcha a América del Norte y América Central; cuenta a la sazón catorce años. Más tarde realiza otra gira por Europa, Australia y África. En su gira por América conoce al Maestro Sabicas, quien elogia, con palabras emocionadas, sus dotes guitarrísticas. Paco se incorpora al "Festival Flamenco Gitano" y con él colabora durante siete años. En este grupo desarrolla un excelente trabajo en estrecha colaboración con Camarón de la Isla. Camarón se revela en ese momento como el cantaor flamenco más completo de todos los tiempos y graba repetidas veces con Paco. En 1967 graba "La Guitarra Fabulosa de Paco de Lucía", en el que se nota la influencia de "Niño Ricardo" y Escudero; pero en 1969 su "Fantasía Flamenca" rompe todas las ataduras que le unen con el flamenco tradicional. Paco de Lucía se consagra en el Palacio de la Música de Barcelona, en 1970, ante la élite nacional de melómanos. A partir de este momento el público busca en Paco la innovación y él se la da con creces y con categoría en "El Duende Flamenco" y "Fuente y Caudel". Pero él se exige más todavía; estudia, investiga, labora machaconamente, no se da respiro. Fruto de ello es la creación de su propia escuela. Paco no se parece a nadie, Paco es suyo. Son muchos los tocaores que tratan de imitarle, pero ninguno lo consigue. Paco es irrepetible. Paco visita todos los grandes centros internacionales de la música y en todos ellos triunfa. Recorre todo el mundo con su sexteto, en el que van sus hermanos Pepe y Ramón. Más tarde surge la fusión entre Paco, John McLaughlin y Larry Coryell, cuyos éxitos son bien conocidos. Juntamente con Al di Meola y John McLaughlin graba "Viernes Noche en San Francisco" y "Passion Grace and Fire". Asimismo, debemos recordar sus "Almoraima", "Paco de Lucía interpreta a Manuel de Falla", "Castro Marín" y "Los Tarantos", ballet estrenado en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, en 1986. En su obra "Siroco" arranca aullidos al viento y abre una interrogante aún no dilucidada. (Luis F. Leal Pinar)

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- 1488 LUCONI Giuseppe LUCONI Giuseppe n. 1928 en La Spezia, Italia Estudia música y clarinete desde los ocho años de edad, cultivando asimismo la guitarra algún tiempo después como autodidacta. Más tarde, tras frecuentar por dos años la Facultad de Jurisprudencia de la Universidad de Pisa, opta por proseguir la carrera musical y estudiar en serio la guitarra clásica. Su maestro es Carlo Pallenino, de Génova, asistiendo posteriormente a cursos de perfeccionamiento de Alirio Díaz en la Accademia Chigiana de Siena y en Santiago de Compostela, con José Tomás. Radicado entonces en Siena, aún toma parte en los cursos de Emilio Pujol sobre vihuela y música del renacimiento y barroco. En 1960 gana en Riva el Primer Premio "dei giovani concertisti italiani". Su carrera de concertista lo lleva a recorrer diversas ciudades italianas, realizando además grabaciones para la R.A.I., Radio Suiza y la "Columbia Broadeasting System" de Nueva York. Pronto acapara toda su atención la actividad didáctica, que le atrae, y pasa a desempeñar la cátedra de guitarra de varios centros docentes del centro y norte de Italia, entre ellos la del Instituto Musicale Pareggiato "A. Peri", de Reggio Emilia, en el que ejerce de 1966 a 1967. LUIZ Nonato n. 1953 en Rio de Janeiro A los cuatro años recibe de su padre como regalo un "cavaquinho". Advirtiendo este la gran pasión que el pequeño siente por la música, lo inscribe más tarde en el Conservatorio de Fortaleza. A los quince años Nonato Luiz es segundo violín de la Orquesta Sinfónica de la citada capital. En 1969 descubre la guitarra y empieza a estudiar seriamente este instrumento, ingresando posteriormente (1976) en el Instituto "Villa Lobos" de Rio de Janeiro. Durante esta época compone y gana con una de sus obras el Primer Premio del concurso "Guitarra de Oro" del Brasil, así como él de los Solistas de la Televisión Brasileña. Nonato Luiz suele tocar sus propias composiciones, muy ricas en ritmo y en armonía e inspiradas en el folklore de su país.

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- 1489 LUNA Adolfo LUNA Adolfo n. 1889 en La Rioja, Argentina - m. 1971 en Buenos Aires Concertista, compositor y profesor de guitarra argentino, exponente del género folklórico. "A los diez años, - escribe Prat en su Diccionario,- empezó el estudio de la música y la guitarra, en su ciudad natal, con el modesto ejecutante Camilo Castellanos. En 1909 realizó un viaje a Buenos Aires, proporcionándosele en esta visita la ocasión de asistir a los conciertos que daba Antonio Giménez Manjón y él que suscribe, siendo ellos acicate para su estudio y afirmando más su afición al instrumento. Regresa a su provincia y forja la idea de abarcar un estudio más serio de la música, trasladándose en 1911 a la capital federal para ingresar en la academia. Sus progresos fueron sensibles, aunque molestados por prácticas viciosas adquiridas anteriormente. En septiembre de 1913 se destaca brillantemente en el concierto de alumnos que presentamos, al lado de otros buenos distinguidos condiscípulos, como Benito Fernández, Carmelo Rizzuti, Luis Colombié, etc. En 1915 se independiza; cursa los estudios de armonía e interrumpe en parte esta labor la asunción a la vicepresidencia de la nación argentina de su hermano Pelagio, en el primer período de Hipolito Irigoyen, 1916. En el Salón 'La Argentina' ofrece un recital de guitarra el 14 de octubre de 1920, con el concurso de los profesores Obdulio Lima y Ricardo J. Vergara, vertiendo en él obras de significado valor musical y guitarrístico. Su labor fue premiada con entusiastas aplausos y encomiásticas apreciaciones por los rotativos porteños. Su pasión por la música folklórica argentina lo aparta relativamente del clasicismo de la guitarra y se entrega por completo a su estudio. Da a continuación breves muestras de ello, interveniendo en el acto tradicionalista, organizado por la Sociedad Argentina de Arte Nativo, en el Salón Teatro, el 7 de noviembre de 1922. El 10 de septiembre de 1924, da una audición de guitarra en el Salón 'La Argentina', dedicado por completo a la música incaica y nacional; otra audición en el mismo local el 7 de julio de 1926, en la que intervienen las señoritas Hilda y Margarita Suárez, violín y piano, respectivamente. Es de admirar el temperamento tesonero de Luna, que, con la labor enumerada y con un alto puesto en la administración nacional que le está confiado desde largos años, ensancha, sin embargo, su radio de acción a la música y compone para piano. El artista en este instrumento, Viñes, se honra tocando obras de Luna. Compone luego para orquesta. En concierto realizado el 20 de septiembre de 1931, en el teatro Odeón, por la Asociación Argentina de Orquesta de Cámara, se dan en primera audición tres aires norteños : 'Triste', 'Pala Pala' y 'Vidala', 'tres arreglos de motivos populares realizados con buen gusto. En estas obras Luna acredita sensible progreso en cuanto a manejo de la orquesta y más colorida que en anteriores obras y a plan general, Pala Pala es una página graciosa y Vidala una obra de gran emoción y de mucho carácter, que señalan en su autor una marcha ascendente que mucho promete' (La Prensa, 21.IX.1931). Aquí tenemos el guitarrista que iniciará Camilo Castellanos, transformado en compositor de orquesta por obra y gracia de su inteligencia y constancia. Luna, además de ser un reputado compositor de guitarra, ha ocupado la plaza titular de esta materia en la Sociedad de Arte Nativo, siendo hoy director del Conservatorio Díaz Vélez, de la capital federal. Su infatigable labor en guitarra, en la rama folklórica, es numerosa, conociéndosele más de cincuenta obras publicadas, que le han valido el bien ganado renombre que tiene." ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1490 LUNAR Perico el del (padre) LUNAR Perico el del (padre) n. 1894 en Jerez de la Frontera - m. 1964 en Madrid Fernando el de Triana dijo con relación a este legendario guitarrista ("Arte y artistas flamencos", Madrid, 1935): "Notabilísimo guitarrista, de arte bien conocido en toda España por sus repetidas actuaciones en la Radio y la gran cantidad de discos que ha impresionado, siempre acompañando a los artistas del cante, hasta última impresión del gran don Antonio Chiva. Se destaca en ese inmensa nube de modernos guitarristas, que no piensan más que en ejecutar a toda velocidad (caiga donde caiga), en que Perico el del Lunar no tiene otra preocupación que los acompañamientos de los cantos, mientras más antiguos mejor, demostrando con eso la escuela de donde procede, que no es ni más ni menos que la del verdadero brujo de la guitarra, Javier Molina: así es y se comprende que Pedro del Valle haya sido el primero que haya llevado a la partitura musical con los más puros compáses flamencos, en colaboración con el maestro Monreal, nada más que la dificilísima "Caña del Filo", y todo por afán de que no muera lo grande, aunque sea transformado el baile. E1 día que fui invitado a escuchar la Caña, cantada y acompañada al piano por el maestro Monreal, dije: - ya que los que viven del cante flamenco le abandonan en su inmensa mayoría, ¡que lo conserven los músicos! E1 asunto es que no se pierda. Perico el del Lunar dice que el tiempo que ha de gestar en adquirir monótona velocidad y alardes de gran ejecución, lo gesta en adquirir conocimientos prácticos, que es para lo que se ha hecho la guitarra en el sistema andaluz; y no es que por eso quiera decirse que Pedro del Valle es manco, pues todo lo que toca es maravilloso y de una exactitud y justeza intachables. ¡Como de la escuela que procede !" Por nuestra parte, diremos que Perico el del Lunar (Pedro del Valle Pichardo, en realidad) se aficionó a la guitarra junto a su padre, panadero de oficio y que tocaba el instrumento en las horas libres. Pasó los primeros años de su vida en Jerez, donde asimiló las influencias de Javier Molina. Aún joven, en 1910, se trasladó a Madrid, adonde por aquellos tiempos solían acudir los cultivadores del arte flamenco en busca de trabajo. Desde el año 1914 acompañó a Antonio Chacón, permaneciendo con él hasta producirse su fallecimiento en 1929. Tocó también para otros famosos cantaores radicados entonces en la capital de España, tales como Manuel Torre, Tomás Pavón, la Niña de los Peines, etc. y convivió con los inolvidables Ramón Montoya, Niño Ricardo y Luis Yance, distinguiéndose como aquellos en el afán de conservar las antiguas tradiciones del cante y del toque. Con su estilo personal y grandes conocimientos de oficio, creó escuela de guitarristas, corrigió a muchos cantaores defectos adquiridos e implantó la pureza de muchos cantes que empezaban a desvirtuarse. 1954 fue uno de sus años de mayor actividad : lo ENCICLOPEDIA DE LA GUITARRA 2004 - Reservados todos los derechos - All rights reserved

- 1491 LUNAR Perico el del (padre) inició emprendiendo una gira por Francia, actuando con el bailarin Vicente Escudero; en la compañía iban artistas que empezaban a destacar, como Juan Varea, Rafael Romero "Gallina" y el ya consagrado Pericón de Cádiz; en marzo se publicó su "Antalogía del Flamenco", por él preparada, que después de haber sido premiada por la Academia del Disco, en Francia, supuso una auténtica promoción cultural del flamenco como arte en España y en todo el mundo; en diciembre comenzó a tocar en el "Tablao Zambra", sin duda la más prestigiosa sala de este género en Madrid. Con el paso de los años se le produjo en defecto en el dedo anular, que le impidió su utilización para el toque de arpegios y trémolos, por lo que se vio obligado a desarrolar una nueva técnica en la que empleaba los dedos pulgar, medio e índice. Con todo, Perico el del Lunar siguió siendo el gran maestro del toque hasta los últimos días de su vida. El mismo se puso el apodo "el del Lunar" porque, en efecto, tenía un lunar entre ceja y ceja, pareciéndole que ello era una característica muy singular.

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- 1492 LUNAR Perico el del (hijo) LUNAR Perico el del (hijo) n. 1940 en Madrid Su nombre real es Pedro del Valle Castro, y aprendió el arte del toque a la guitarra desde muy niño guíado por su padre, al que solía acompañar de cerca en sus actuaciones. Poseedor de un estilo muy peculiar, desde los inicios tocó y aún toca preferentemente para el cante. Hoy sigue la escuela de su padre, y este magisterio, junto a su predisposición para el estudio constante, hacen de él uno de los auténticos artistas exponentes del arte flamenco puro. En 1957 empieza a trabajar en el "Tablao Zambra" (selección de los mejores artistas), donde acompaña al cuadro grande, con Andrés Heredia, Triguito y otros valores destacados. Al año siguiente lo hace junto a su padre en el "Cuadro de Antología", integrado por Rosa Durán, Juan Varea, Rafael Romero "Gallina", etc. Es a partir de este año (1958) cuando su buen toque a la guitarra comienza a llamar la atención de los aficionados, alternando ya con las grandes figuras del momento. En 1960 emprende varias giras por países europeos, y en París actua en el Teatro de los "Champs Elysées". En 1962 vuelve a la capital francesa (Teatro "Sareh Bernhardt"), donde el cuadro flamenco en el que Perico el del Lunar participa obtiene el Premio Nacional de Francia al mejor conjunto de bailes. En 1964 viaja a Nueva York para representar a España en la Feria Mundial, actuando allí durante seis meses consecutivos. 1968 fue uno de sus años más activos, y tras tocar en Túnez, Argelia, Marruecos, etc., repite actuaciones en Europa y parte luego hacia el continente americano. Luego vendría el resto del mundo, en el que, practicamente, se le ha escuchado ya y valorado su arte. En su producción discográfica cuentan grabaciones con Rafael Romero, Juan Varea, Pericón de Cádiz, José Menese, Enrique Morente... En 1974 se cerró el "Zambra" por defunción del dueño. Perico el del Lunar crea entonces la "Asociación Tartessos", que actualmente organiza festivales, encuentros y actos similares con el proposito de ahondar en las raíces del arte flamenco y promover el cultivo de los cantes antiguos en sus formas primitivas.

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- 1493 LUNDESTAD Sven LUNDESTAD Sven n. 1950 en Sarpsborg, Noruega La guitarra clásica no es un instrumento con tradición en Noruega, por lo que puede considerarse a Sven Lundestad uno de los pioneros en su cultivo. Realiza sus estudios musicales en el "Veitvedt Musikkonservatorium", teniendo como maestro de guitarra al sueco Gunnar Lif; en 1974 hace su debut en el auditorio de la Universidad de Oslo, y es el primer concierto de guitarra que se ofrece en Noruega por un guitarrista del país. A partir de entonces sus actuaciones se extienden por toda Noruega, presentándose también en Suecia, Dinamarca e Inglaterra. Aquí toca en el Wigmore Hall de Londres en 1983, volviendo en 1987, esta vez formando dúo con Geir Otto Nilsson, con el que integra "The Norwegian Guitar Duo". Ha presentado diversos programas en la radio y la televisión, incluído la BBC de Londres. Ha grabado cuatro discos (1980, 1982, 1986 y 1988), uno a dos guitarras y los tres restantes como solista. Desde 1974 ejerce paralelamente como profesor del instrumento en el "Ostlandets Musikkonservatorium" de Oslo. LUQUE Juan de Asís n.1954 en Madrid Cursó los estudios de guitarra en el Real Conservatorio de Música de Madrid con Rocío Herrero. Más tarde asiste a cursos de perfeccionamiento impartidos por González Mohino, en Wallonie, y David Russell, en Cuenca. Estudia distintas disciplinas musicales con Antonio Pérez Olea, Francisco Calés y José Maria Turina, frecuentando además la Escuela de Música de Darmstadt (XXXI Ferienkurse für Neue Musik). Paralelamente siguió estudios de Ciencias Exactas en la madrileña Universidad Complutense y se orientó en música electrónica en el Laboratorio de Música Electrónica "Phonos" y después en el del Conservatorio de Cuenca bajo la guía de Robin Wood. Ha publicado artículos sobre temas musicales en el diario "E1 País", ofreciendo a la vez numerosos conciertos en calidad de solista e integrado en agrupaciones. Actualmente ejerce como profesor de guitarra y de elementos acústicos en el Conservatorio de Música de Cuenca.

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- 1494 LUQUE Virginia LUQUE Virginia n. 1964 en Algeciras/Cádiz Cuando recientemente RTVE interrogó a Andrés Segovia acerca del futuro de la guitarra clásica, durante el homenaje que se le rindió en Almuñecar, el maestro respondió: "Está muy bien en la actualidad. Hay una muchacha en Málaga que se llama Virginia Luque y que tiene un gran futuro". La aludida inicia en serio su formación guitarrística a los ocho años de edad, como alumna de Mesa Serra, teniendo que desplazarse cada quince días desde su ciudad natal al Conservatorio Superior de Música de Málaga, por carecer Algeciras de centro para tales estudios. Más tarde, después de haber mostrado un talento musical poco común, sus padres se trasladan con ella a Málaga, donde la pequeña sigue preparándose y obteniendo excelentes calificaciones en cada asignatura, hasta recibir a los diecisiete años el título de maestría con Premio de Honor Fin de Carrera. Comienza la actividad concertística a partir de los once años, actuando en Málaga, Córdoba, Granada, Cádiz, etc., así como en Madrid, en cuya capital se deja escuchar en repitidas ocasiones. Aparte del recital cultiva el dúo, la música de cámara y el concierto con acumpañamiento de orquesta, presentándose también en la radio y la televisión. En 1980 se le concede el Primer Premio del curso "Manuel de Falla", de Granada, y desde 1982 Andrés Segovia, le dará algunos consejos. "Mi profesión, - nos refiere la joven guitarrista, - la decidí desde muy pequeña y es dar conciertos. El hecho de que yo sea profesora y halla ganado la plaza por oposición, es algo a lo que recurrí en un momento determinado hasta que llegese mi verdadera oportunidad como concertista".Profesora numeraria del Conservatorio Superior de Música de Málaga, desde 1983, Virginia Luque es sin duda uno de los valores más firmes entre los guitarristas españoles de su generación, con perspectivas para imponerse en el "auditorium" internacional. Hace poco se le requerió desde Berlín para que participe en el Festival Internacional de Guitarra "Toyoko Yamashita" de 1985. LUTHER Martin n. 1483 en Eisleben - m. 1546 en Eisleben El líder alemán de la reforma protestante, dotado de excelente formación musical, además de acometer a la organización del canto coral en el templo, con el propósito de devolver a la melodía su sentido popular, también fue un apasionado y hábil ejecutante del laúd, sobre todo en los años de su juventud.

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- 1495 LUTHIER (fr.) GUITARRERO (esp.) LUTHIER (fr.) GUITARRERO (esp.) Esta expresión se usaba antiguamente sólo para designar á los fabricantes de laúd. Aplícase, ahora, indistintamente en Francia á todos los fabricantes de instrumentos de cuerdas. Esta voz corresponde a la italiana Liutaio, de la cual no tenemos equivalente en España por haber caído en desuso la antigua de violero que corresponde perfectamente a todas las indicadas. (F. Pedrell "Dic. Técnico de la Música" Barcelona, 1894)

El célebre luthier Agustín Altimira, establecido en Barcelona a mediados del siglo XIX, decía que para ser un buen constructor en este arte, se debería saber tocar el instrumento que se fabrica. ("La guitarra a Mallorca i els seus constructors" p.8 ) Antoni Mir y Joan Parets / 2001

LUTYENS Elisabeth n. 1906 en Londres - m. 1983 en Hampstead Hija de un famoso arquitecto, Sir Edwin Lutyens, su infancia se desenvuelve en un ambiente impregnado de arte. En el "Royal College of Music" de Londres estudia composición con Harold Darke y viola con Ernest Tomlinson (1926-30). Se perfecciona en París recibiendo clases de Caussade. Sus primeras composiciones poseen un lenguaje expresionista, pero pronto se hará atonal, encontrando en el dodecafonismo el medio de comunicación más adecuado. En varias de sus obras interviene la guitarra : "O Saisons, O Châteaux", cantata para soprano, mandolín, guitarra, arpa y arcos (1946); "Nocturnes" para violín, cello y guitarra (1956); "The Dying of the Sun" para solo de guitarra (1969); "Anerca" para recitadoras, coro, diez guitarras y percusión (1970); "Go, Said the Bird" para guitarra eléctrica y cuarteto de arcos (1975), etc. LUTZ Ignaz n. 1843 en Schönbach/Eger - m. 1907 en Viena Este apellido corresponde a una dinastía de "luthiers", constructores principalmente de violines y cítaras, entre cuyos miembros encontramos a tres con el nombre de Anton: Anton Joseph (n. alrededor de 1780), Anton I (n. 1814 - m. 1896) y Anton II (n. 1850- m. 1910), los tres oriundos de Schönbach, en la antigua Bohemia, y allí fallecidos. Ignaz, hijo de Anton I, hizo el aprendizaje con su padre y viajó seguidamente por Alemania, Austria Hungría e Italia para instruirse más ampliamente en su oficio, estableciéndose por último en Viena en el año 1868. Allí instaló su taller y en 1878 fue nombrado conservador de los instrumentos de la casa real, a la par que se distinguía en la construcción de guitarras y cítaras. Usó diversos barnices, prefiriendo los de Italia, y por su labor le fueron otorgadas varias distinciones honoríficas. LUTZEMBERGER Cesare n. 1918 Compositor italiano, que cultiva una estética post-romántica. Bèrben ha publicado sus obras para guitarra : "Alba", "Andantino in mi minore", "Concerto in minuatura" (5 pezzi) y "Quattro composizioni".

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- 1496 LYEU-HYEN LYEU-HYEN Instrumento chino de la familia "laúd", en realidad una variante de la "p'i-p'a". Algo más alargado que aquella, con seis cuerdas y cuatro trastes, su invención se atribuye a Ghi- Chéng en el transcurso del siglo VIII de nuestra Era. LYSLO 0yvind n. 1960 en Narvik, Noruega Desciende de una familia a la que le atrae la música, y a los trece años comienza el estudio de la guitarra. Su primer maestro de guitarra clásica es Torbjom Wiberg en Bergen. Prosigue más tarde su formación en el Conservatorio de Música de la misma ciudad, en el que entre 1979 y 1984 tiene por maestros a Arild Hansson y Stein Erik Olsen. En 1986 obtiene el diploma de solista en la clase de Erik Stenstadvold de la Escuela Superior de Música de Oslo. Se le concede luego una beca de dos años para perfeccionarse en Frankfurt (Alemania) bajo la guía de Michael Teuchert. Paralelamente frecuenta "master classes" de Manuel Barrueco, Göran Söllscher, John W. Duarte, John Milis y Vladimir Mikulka. Su actividad concertística se ha extendido hasta ahora por Noruega, Suecia, Inglaterra, Holanda y Venezuela, presentándose en su país además a través de la radio. Ha compuesto "Gegen Winter" y "Gegen Frühling", ambas para dúo de guitarras, y "Mandalay" para guitarra sola.

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- 1497 LYUDA LYUDA n. 1947 en Brest, Rusia Cantautora y guitarrista rusa, cuyo nombre real es Lyudmila Kravchuk. Después de realizar estudios musicales, en 1970 comienza a trabajar como actriz en Wolgograd. Paralelamente cultiva la "chanson" y el "lied" acompañándose ella misma a la guitarra. En 1972 se traslada a Moscú e ingresa en una Escuela de Arte Dramático, conquistando poco tiempo después popularidad en teatros de "variétés". Ganadora de certámenes, actua en las principales salas de Moscú, de Leningrado, en la televisión, etc. En 1983 abandona la Rusia y se establece en Munich, desde donde se propone reanudar la carrera artística. Alumna del célebre "chansonnier" E. Batschurin, Lyuda interpreta aires populares rusos, baladas y "chansons" con textos de W. Wissotzky, B. Okudschawa, B. Pasternak y M. Zwetaewa, entre otros poniendo en su voz de bello timbre una emotividad honda.

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