Intermediate Guide to Jazz Improvisation _ MATT WARNOCK GUITAR

28/11/2016

Intermediate Guide to Jazz Improvisation | MATT WARNOCK GUITAR

MATT WARNOCK GUITAR Intermediate Guide to Jazz Improvisation Along with learning how to play chords, scales, and arpeggios, building your jazz improvisation skill set is essential in your development as a jazz guitarist. When soloing with scales and arpeggios, though the notes sound correct, they can lack that special something that makes your lines sound like your favorite jazz guitarist. This special something is jazz vocabulary.     By mixing classic jazz vocabulary with your knowledge of scales, chords, and arpeggios, you’ll build a strong foundation in the jazz language. This vocabulary will allow you to build up from that strong foundation as you progress in your jazz guitar journey. In this intermediate jazz improvisation guide, you’ll learn one of the most important, and difficult, skills that any jazz guitarist can posses: Seeing one chord and playing another. By exploring various approaches to this technique, you’ll expand your jazz vocabulary, hip your lines to new areas of the jazz language, and build your confidence as a jazz guitarist all at the same time.   Free Jazz Guitar eBook: Download a free jazz guitar PDF that’ll teach you how to play jazz chord progressions, solo over jazz chords, and walk basslines.      

Seeing One Chord and Playing Another   The main challenge presented in this article will be to see one chord symbol on a page, say Gmaj7, and solo using another chord, such as Bm7, as you begin to stretch your chops in the woodshed. This concept can be a big hurdle for many guitarists to tackle in their practice routine.

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But, it’ll add a number of new colors to your soloing lines, open up your fretboard, and bring a new level of sophistication to your improvisations. Throughout this article, keep in mind the following practice goal: The goal of this article is to get to the point where you eliminate any mental math when soloing. Learning to see your secondary chord as your first choice, not in relation to the first chord, but as the first chord itself. If you can learn to do this, which will take time and practice, you’ll be able to quickly apply all of these harmonic concepts to your jazz soloing lines in the moment, no thinking involved. As you work through this material, you’ll focus your studies on five main intermediate jazz guitar concepts. All of which will build your ability to see one chord and play another in your soloing. These 5 concepts are:   3 to 9 Arpeggios Minor Conversion Sidestepping Tritone Substitution Tritone Pairing

  Learning to see one chord while playing another is probably the biggest challenge you will face as an intermediate jazz guitarist. And it can take a lot of practice to master this important skill. While it’ll take effort, that time spent in the woodshed will pay off as you take your jazz soloing skills to the next level. Now that you’ve looked at what you will be studying in this article, it’s time to play as you take these concepts off the page and onto the fretboard.    

Intermediate Jazz Improvisation – Arpeggios   To begin your study of Intermediate jazz improvisation, you’ll apply a number of advanced concepts to arpeggios. Then you’ll take those arpeggios to common jazz chord progressions as you apply this knowledge to practical, musical situations. For any of these examples, make sure to play them in multiple keys, change the fingerboard positions if possible, and apply them to tunes in the woodshed. http://mattwarnockguitar.com/intermediate­jazz­guitar­vocabulary­guide

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Working these concepts from a strictly technical perspective will help see them on the fretboard. But, real growth will occur when you take them to a soloing situation over common progressions and jazz tunes. Being able to run a technique with a metronome is a good start, but being able to be creative with that same technique over a tune shows a higher level of control and internalization of that same concept. Always aim to bring these, and any, concept to your soloing lines and phrases. This’ll show you where you’ve grown, and where you still need work, as a jazz guitarist.    

3 to 9 Arpeggios 1 – Major ii-V-I   The first concept you’ll study in this lesson is the 3 to 9 arpeggio. This is a commonly used arpeggio concept used to add color and avoid the root note in your lines. 3 to 9 arpeggios are built by playing an arpeggio from the 3rd of an underlying chord, outlining the 3rd, 5th, 7th, and 9th of that chord in the process. Here’s an example of how a 3 to 9 arpeggio would be applied to a Cmaj7 chord. In this case, you’re playing an Em7 chord over Cmaj7 to outline the intervals 3, 5, 7, and 9.   Click to hear 

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Now that you know how to apply 3 to 9 arpeggios to one chord, you can apply this concept to a major ii V I chord progression. You will the chords Am7­D7­Gmaj7 in the given key of G major. As a quick reference, here are the 3 to 9 arpeggios for m7, 7, and maj7 chords.   m7 = Maj7 arpeggio from b3 7th = m7b5 arpeggio from 3 Maj7 = m7 arpeggio from 3

  One of the biggest advantages of using 3 to 9 arpeggios, is that you’re able to add color, avoid the root, and only use arpeggios that you already know, such as m7, maj7, and m7b5 shapes. There’s no new learning needed to explore 3 to 9 arpeggios. You just work out a new application of previously learned material. Now, time to apply this knowledge to the fretboard by working 3 to 9 arpeggios in four exercises over major ii­V­I chord changes. Once you can play any of these exercises with a metronome, in a number of keys, apply the same exercises to other fingerings you know for these arpeggios on the fretboard. As well, make sure to put on a ii­V­I backing track and solo using these 3 to 9 arpeggios over those chord changes in order to work this concept from both a technical and improvisational standpoint. Exercise one features ascending 3 to 9 arpeggios over each chord in the progression.   Click to hear 

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  You can now practice descending 3 to 9 arpeggios over each chord in the changes.   Click to hear 

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  With the first two variations under your belt, you can begin to alternate those arpeggios by playing one up and one down.   Click to hear 

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  The final exercise is the reverse of the previous exercise, where you now play the first arpeggio down and the second arpeggio up, alternating around the changes from there.   Click to hear 

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  Now that you’ve applied 3 to 9 arpeggios to a technical workout, here’s a sample lick that you can learn that uses these arpeggios over each chord in an improvisational setting. http://mattwarnockguitar.com/intermediate­jazz­guitar­vocabulary­guide

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Learn this lick in 12 keys and practice applying it to tunes you know or are studying in the practice room. When that’s solid, write out a few sample lines of your own using 3 to 9 arpeggios.   Click to hear 

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  Take your time with these exercises, and improvising with 3 to 9 arpeggios over major ii V I changes. This is especially important if this is the first time you’ve seen one chord and played another. It’ll take a bit of time until this becomes natural. But, with practice and focus in the woodshed, you’ll be able to apply this concept with confidence to your jazz guitar soloing.      

3 to 9 Arpeggios 2 – Minor ii-V-I   As well as applying 3 to 9 arpeggios over major ii­V­I changes, you can apply the same concept to minor ii V I chord changes. Though in this case using different chord qualities and a bit of caution over the iim7b5 chord. Here are the formulas for each chord in the progression in order to build a 3 to 9 from these changes.   iim7b5 = m7 from the b3 V7b9 = Dim7 from the 3 Im7 = Maj7 from the b3

  Before you go on, you’ll need to address the iim7b5 3 to 9 arpeggio, as it’s a bit tenser than the other chords you’ve seen so far. http://mattwarnockguitar.com/intermediate­jazz­guitar­vocabulary­guide

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When you play a m7 arpeggio from the b3 of any m7b5 chord, you’ll outline the intervals b3­b5­b7­b9, with the b9 being the sticky point in this case. This isn’t to say that you can’t use that can’t use the b9 in this situation. But, if you find it a bit too outside for your taste, play the normal R­b7 arpeggio over iim7b5 chords. Then use 3 to 9 arpeggios to solo over the other two changes where they are an easier fit. Give it a try in the examples below and see what you think. It might take some time to get used, but with a bit of practice you might come to love that tension over the m7b5 chord. Never eliminate a concept from your practice that doesn’t sound good to you today. Your ears will change over time and suddenly ideas you didn’t like in the past will sound great today. To begin your practice of minor ii V I 3 to 9 arpeggios, here’s an example of those shapes played ascending over each chord.   Click to hear 

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  Moving on, here’s the descending version of those arpeggios to workout in your practice routine.   Click to hear 

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The next variation features and alternating, one up one down, approach to practicing minor ii V I 3 to 9 jazz guitar arpeggios.   Click to hear 

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  The final exercise has you begin with a descending arpeggio followed by an ascending arpeggio.   Click to hear 

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  After you’ve practiced these technical examples, here’s a sample arpeggio lick over a minor ii V I progression in Am that you can learn, work in 12 keys, and add to your jazz guitar soloing.   Click to hear 

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  After you work out this lick, write out 3 to 5 of your own over the same changes in order to take this approach further.      

Minor Conversion 1 – Major ii-V-I   If you have ever listened to jazz guitarists such as Wes Montgomery or Pat Martino and thought:   “How do they get that cool sound in their lines? It sounds so smooth.”   The answer is the minor conversion concept. Minor conversion is an easy concept to understand, but’ll take time to be able to solo with it in the moment with confidence. The minor conversion concept means that you replace any chord you are soloing over with a related m7 chord from the underlying key center. To begin your study of this concept, you’ll apply it to the V and I chords of a major key ii­V­I in your practice routine. When applying a minor conversion to a V7 chord, you will simply continue to use the iim7 arpeggio over that chord change. This means that if you are playing over Dm7­G7­Cmaj7, you will use Dm7 over both Dm7 and G7 in your lines. Here’s how that sounds on the guitar. Pay attention to how the Dm7 arpeggio changes color when played over G7, as it outlines the 5­b7­9­ 11 intervals over that chord.   Click to hear 

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  As an exercise, put on a ii­V­I backing track and solo over both the iim7 and V7 chords with the iim7 arpeggio. This’ll help you understand and hear the concept in a musical situation. To help you begin with this application, here’s a sample line that uses the minor conversion over a V7 chord in a ii V I progression.   Click to hear 

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  The next minor conversion will be to play a vim7 chord over the Imaj7 chord to create a I6 sound in your lines. In the key of C, this would mean playing Am7 over Cmaj7. When doing so, you outline the intervals 6­R­3­5, removing the 7th and creating a “softer” sound in your improvised lines. Here’s how that sounds over a iim7­V7­Imaj7 progression in C major.   Click to hear 

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  When you’ve played through this example, put on a backing track and solo over the changes using the minor conversion over Imaj7 in those changes. Here’s a sample line to get you started with this application in your studies.   Click to hear 

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  When each of these subs is comfortable, apply both the V7 and Imaj7 minor conversions to take this exercise a step further in your studies. To help get this sound into your playing, here is a ii V I line that applies the minor conversion to both the V7 and Imaj7 chords.   Click to hear 

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Minor Conversion 2 – Jazz Blues   Now that you know what the minor conversion concept is, you can practice applying it to the most common jazz chord progression, the jazz blues chord progression. In order to accomplish this goal, you will need to replace 4 different chords in your solo. In the key of F blues, these subs would be:   F7 replaced by Cm7 Bb7 replaced by Fm7 D7b9 replaced by F#dim7 C7 replaced b7 Gm7

  As the 7th chords will be familiar to you from the previous section, you only have to learn about applying minor conversions to 7b9 chords in this application. When doing so, you are outlining the intervals b7­b9­11­b13. This means that you are creating a D7sus(b9,b13) sound when applying it to this key center for example. Again, you are creating a modal soloing sound when using minor conversion over the VI7b9 chord in a jazz blues, which will modernize your sound over that change. Here’s an ascending arpeggio exercise to practice over an F blues with minor conversions. To help you practice the exercises in this section of the article, here is an F blues backing track that you can use in the woodshed.  

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  Moving on, you can work descending arpeggios over the same progression.   Click to hear 

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  The next exercise consists of playing one arpeggio up, followed by one arpeggio down, over each chord change.   Click to hear 

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  The final exercise will feature one arpeggio down then one arpeggio up over the same chords.   Click to hear 

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  After you’ve worked out these exercises, put on a jazz blues backing track and solo over those changes using the minor conversion for each chord in the tune.      

Arpeggio Sidestepping   The final arpeggio concept in this lesson digs into one of my favorite soloing approaches, arpeggio sidestepping. Again, this is another simple to understand approach that can take measurable time in the woodshed to properly get under your fingers and into your playing. Sidestepping is where you move between the underlying chord and one a half­step higher, creating a tension and release sound in your lines in the process. When applying this concept to your arpeggio soloing lines, the inside sound is the chord you are on, and the outside sound is the chord one fret higher that you’re moving to in your solo. http://mattwarnockguitar.com/intermediate­jazz­guitar­vocabulary­guide

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The key to a successful sidestep line is not stepping outside it’s bringing everything back to the original chord. Leaving a line hanging over the outside sub, or not resolving a line properly when sidestepping, can lead to this concept sounding like a mistake rather than a hip phrase. Because this concept is fairly straightforward, the best way to practice it is to put on a backing track and solo over those changes, applying sidestepping to your lines as you do. Here are 5 progressions to work on with sidestepping, in order from easiest to hardest.   Static chord – m7, 7, maj7, etc. ii V Chords ii V I Major Key Chords ii V I Minor Key Chords Jazz Blues Chords

  To help you get started with this concept, here’s a static Am7 line using sidestepping over that change.   Click to hear 

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  As well, here’s a ii V I line in the key of D that you can practice when first learning how to apply sidestepping to these changes.   Click to hear 

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  Lastly, here’s a minor ii V I line in Am that uses sidestepping to create tension, which is released, over those changes.   Click to hear 

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  Arpeggio sidestepping can be tough at first to get smooth in your solos. But, with time and practice, you’ll be able to use this concept to hip up your lines, and bring a modern, inside­outside sound to your jazz guitar soloing.      

Intermediate Jazz Guitar Arpeggio Solo   After exploring these jazz guitar arpeggio concepts, you can learn this sample soloing study, which applies these arpeggios to a musical situation. The study is written out over the chord changes to the popular jazz tune “Summertime.” You can learn the solo as a whole, or break it down into 4­bar chunks if you need to isolate phrases in your study. Once this solo is under your fingers, try writing out and memorizing a sample arpeggio solo of your own, using the concepts found in this lesson.   http://mattwarnockguitar.com/intermediate­jazz­guitar­vocabulary­guide

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Intermediate Jazz Improvisation – Scales   Now that you’ve explored the idea of seeing one chord and playing another with arpeggios in a jazz improvisation situation, you can move on to applying similar concepts to your jazz guitar scale practice and solos. As scales have more notes than arpeggios, they can be more difficult to manipulate and maneuver than arpeggios when applying them to more advanced jazz concepts. Because of this, when you take any of these concepts to your soloing, start with more modal, longer harmonic movement, such as “So What,” “Maiden Voyage,” and “Milestones,” in order to get used to these concepts on slower progressions. Then take them to tunes with faster moving changes. As was the case with the arpeggio examples, make sure to practice these scale exercises in 12 keys, as well as work them with both a metronome and over jazz progressions and tunes in your studies.    

Tritone Subs   Even if you haven’t attempted to play one chord while seeing another, you’ve probably heard of the tritone sub technique. It is the most common outside concept in jazz, and something that you’ve probably read about many times but might not fully understand yet. Tritone subs are when you see one chord, then play another chord a tritone away from the underlying change. The most popular application of this technique is over Dominant 7th chords. This is where you see one 7th chord, C7 for example, and you solo over a 7th chord a tritone away from that chord, F#7. Here’s a line that uses a tritone sub over the V7 chord so that you can hear this technique in action. Notice how the tritone sub resolves into the Imaj7 chord in bar 3 of the phrase. This is essential, resolving to the next chord, when applying outside sounds such as this to your lines.   Click to hear 

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  When you approach tritone subs from a scale point of view, you can use any of the modes that you’d normally apply to that chord. For example, over a tritone sub 7th chord, you could use:   Mixolydian Lydian Dominant Altered Scale Phrygian Dominant Bebop Scale

  If you’re new to applying tritone subs to your solos, it’s best to begin with the most direct mode, then working to more complex sounds from there. Now that you know how to apply tritone subs to 7th chords, put on a backing track and solo over those changes with a tritone sub applied to the V7 chord, resolving it to the next chord in the progression. As well as the more common tritone sub over 7th chords, you can apply this concept to any chord you are soloing over to bring a more modern jazz sound to your lines. When doing so, you’ll want to use the same chord quality as the chord you are subbing. This means that if you’re playing a tritone sub of Dm7, you solo with Abm7. In doing so, you’re stepping outside of the chord changes, by seeing one chord and playing another, but the common chord quality brings a sense of cohesion to the line along the way. Here’s an example of how you could apply a tritone sub to a m7 chord, in this case Abm7 played over Dm7, which resolves into the second bar of the phrase, the V7 chord.   Click to hear 

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  Once you’ve played through this sample line, put on a m7 backing track and practice applying tritone sub lines to your own solos. You can also apply tritone subs to Maj7 chords, such as in this example where you use an F#maj7 chord over a Cmaj7 chord in a ii­V­I progression.   Click to hear 

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  As long as you resolve the tritone sub back into the next chord, or underlying chord if it’s longer than one bar, it’ll work out. If you don’t resolve the sub, well, it won’t work out so well. Notice that since the chord in bar 4 is the same chord as your sub, Imaj7, you’ll resolve your line into that tonic sound. This is a bit of a preview of the next section, tritone pairing, where you’ll move between both the underlying chord and its tritone sub over the same bar in your lines. Once you’ve explored these 3 examples, find other chords that will work with tritone subs. You can begin with minor ii­V­I changes, or a jazz blues, or apply tritone subs to any jazz standard you’re learning in the woodshed. Experimentation is your best friend with this concept, as it’s fairly straightforward on paper, but to make tritone subs sound good takes time in the woodshed. But, once you get this approach down, it’ll add an essential jazz concept to your solos, getting that hip jazz sound in your lines at the same time.   http://mattwarnockguitar.com/intermediate­jazz­guitar­vocabulary­guide

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Tritone Scale Pairing   You can now move on to a variation of the tritone sub technique, where you will now freely move between the underlying chord and its tritone sub in your lines. Whereas before you resolved the tritone sub into the next chord in the progression, here you’ll resolve the sub into the same chord you’re soloing over. I was first introduced to this concept in the playing of Woody Shaw, who used pentatonic scales with this technique to great effect in his playing. In this first sample line, you’ll see this concept applied to the Dm7 chord, the iim7 chord, as you move between Dm7 and Abm7 in that bar. Listen for the “slippery” sound this produces, how it creates momentary tension that is then quickly resolved back to the underlying chord. This is in contrast to the tritone sub approach, where you create a longer sense of tension before resolving that tension to the next chord in the progression.   Click to hear 

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  Moving forward, here is the same technique applied to the V7 chord in a ii V I progression. After you’ve tried these two sample lines, put on a backing track and begin to solo with this technique in your own playing. When doing so, you can begin with a static m7 or 7th­chord backing track, working only one chord, before moving on to improvising with this concept over full progressions when you feel ready.   Click to hear 

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  The last example line applies the tritone pairing technique to the Imaj7 chord in the same progression. As you have more time on this chord, two bars, there is more time to experiment and stretch out over that change, giving you ample time to add the concept to your solos.   Click to hear 

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  As well as working on applying this concept to your soloing practice, you can work on a few of my favorite patterns in the technical side of your practicing. In this first pattern, you climb up the 1234 notes of each chord, the underlying Dm7 and its tritone sub Abm7.   Click to hear 

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The second pattern is the classic John Coltrane 1235 grouping, again applied to both the underlying chord and its tritone sub.   Click to hear 

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  The final pattern is a descending line, 8765, over both changes as you work your way down the fretboard, hitting the underlying chord and its tritone sub along the way.   Click to hear 

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Scale Sidestepping   As well as applying sidestepping to arpeggios, you can bring scales into your sidestepping lines, but with a bit more caution than when you outline chord tones in your solos. Because scales have 7 or 8 notes, compared to 4 notes in an arpeggio, sidestepping can get a bit messy if you try to cram in all of those notes over a single line. When applying sidestepping, playing the underlying chord and one a half step above that chord, try not to play too many notes in your lines.

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You can still use scales, and if you can do it musically using more notes can work, but more often than note less is more when it comes to scale sidestepping. To begin, put on a static chord backing­track, for example a D Dorian Backing track, and solo over that Dm7 chord with D Dorian and Eb Dorian as you sidestep over that change. How did it sound to you? Were you able to use the less is more technique to outline those changes? If you’re new to using scales with sidestepping, one of the best ways to introduce this concept is to play one idea over the diatonic chord, then play the same idea over the outside chord, then return to a variation of the original idea over the diatonic chord. Here’s an example of that approach over a Dm7 chord.   Click to hear 

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  You can also hear an example of this idea over a G7 chord.   Click to hear 

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  Now that you’ve checked out a few examples of how to apply this approach to your playing, put on a backing track and begin to apply the “melodic motive” approach to sidestepping to your own solos. To finish up your intro to scale sidestepping, here’s a sample lick over the first 8 bars of Blue Bossa that you can practice and apply to your own jazz guitar soloing.   http://mattwarnockguitar.com/intermediate­jazz­guitar­vocabulary­guide

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  After you’ve explored this concept on your own, practice sidestepping by mixing arpeggios and scales together in your lines. Here’s an example of that approach over a static Cmaj7 chord before you move on to applying it to your own improvised lines.   Click to hear 

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4th Intervals   When looking to expand your playing into a more “modern” feel, 4th intervals are one of the most direct ways to reach that goal. http://mattwarnockguitar.com/intermediate­jazz­guitar­vocabulary­guide

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While 3rd intervals are great for outlining chord changes in a more traditional feel, 4ths allow you to play over the changes but with a more “open sounding” vibe to your lines. This open sound hides the underlying chord quality  compared to 3rds, which is one of the reasons for the more modern sound of the 4th interval. To begin your practice of 4th intervals, here ascending 4ths applied to an E Dorian scale, which you can learn in this key and then take to all 12 keys in your studies.   Click to hear 

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  Here’s the descending version of those 4ths through the same scale. Make sure to practice these patterns with a metronome to get the most out of your time in the practice room.   Click to hear 

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  Lastly, here’s an alternating approach to 4th intervals over E Dorian to practice. Once you have learned this, or any, 4th interval pattern, make sure to put on a backing track and apply it to your soloing practice as well as your technical study.   Click to hear 

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  To help you get started with soloing using 4th intervals, here are a few sample lines that you can study, as well as work into your solos as you take 4ths into your improvisational practice time.

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This first lick is played over a ii V I progression in D major and uses 4th intervals over each chord in the progression.   Click to hear 

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  Moving on, this lick is played over a minor ii V I progression with 4ths applied to each mode in the changes.   Click to hear 

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  Lastly, here is a 4th based lick over the first four bars of Rhythm Changes in Bb. After you’ve learned these three licks, write out three of your own to take them further in your studies.   Click to hear 

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4th Chords Through Scales   If you are looking to expand upon 4th intervals in your practicing and soloing, you can work on 3­note 4th chords through scales and modes. When doing so, you’re adding one note to the previous 4th exercises, which sounds easy but can be very difficult to finger and work out smoothly on the guitar. Because of this, take your time with any of these exercises, and make sure to practice them with a metronome to ensure they’re smooth and flowing in your playing. It’s better to be slow and smooth than fast and choppy with this, or any, exercise. Here’s an ascending exercise through A Dorian that you can study.   Click to hear 

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  And here’s the same exercise, though with descending intervals through A Dorian.   Click to hear 

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  Lastly, you can run these 4th chords one up and one down as you take them to the next level in your studies.   Click to hear 

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  After you’ve worked out these cool­sounding chords in your technical routine, you can practice them from an improvisational standpoint. To get you started, here is a ii V I lick in G major that uses 3­note 4th chords over each change in the progression.   Click to hear 

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  The next sample line, over a minor ii­V­I progression in Em, works these chords into the line but more spread out than the previous example. http://mattwarnockguitar.com/intermediate­jazz­guitar­vocabulary­guide

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  The final 4th chord lick is played over the first 8 bars to Summertime, and weaves these 3­note shapes over various changes. When you have these three lines down, write a few of your own as you begin to bridge this approach from your technical to soloing studies.   Click to hear 

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Intermediate Jazz Guitar Scales Solo   To help you apply these scale concepts in a practical, musical situation, here’s a sample solo written out over the chord changes to the jazz tune “Sunny.” Before playing the entire solo, try learning it in 4­bar phrases, then build up the entire solo from there. As well, once you get the solo under your fingers, from memory, write out a one­chorus solo study of your own using the scale concepts from this lesson.   Click to hear 

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How to Practice Intermediate Jazz Improvisation   Now that you’ve checked out the various arpeggio and scale­based language in this lesson, you can plan out your approach to practicing these items in your studies. Here’s a list of 7 exercises that you can do in order to ensure that you get the most out of the concepts in this lesson.   1. Play a chord and sing any arpeggio or scale pattern from this lesson. Move on to full chord progressions when ready. 2. Play any scale or arpeggio pattern from this lesson as you sing the root of each chord under those patterns. 3. Solo over a major or minor ii­V­I using the material in this lesson as the basis for your lines. Repeat in 12 keys. 4. Write out a few lines using the concepts in this lesson, play those lines in 12 keys and apply them to your soloing practice. 5. Write out a full chorus of solo using the material in this lesson. Play the solo with a backing track from memory. 6. Transcribe a solo by your favorite player, label all the items you studied in this lesson that you can find in that solo. 7. Take any lines in your transcription that use the concepts from this lesson and run them through exercises 1­4.

  The goal to learning improvisational vocabulary is to integrate it into your playing in a natural and organic fashion. Make sure to work any item from this lesson in both a technical and improvisational standpoint so that you practice integrating this language into your jazz guitar solos.

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