Historia del diseño

Diseño Gráfico en el Siglo XX Estudios Superiores de Diseño Gráfico. Escuela de Arte José Nogué.

Índice 1  Introducción.

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2  El Arts and Craft. El movimiento Arts and Craft. William Morris.

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3  El Art Noveau. Antecedentes. Características generales del Art Nouveau. Geografía del Art Nouveau internacional. Dos grandes representantes del Art Nouveau: Cheret y Mucha.

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4  Espacios para el siglo XX. Frank Lloyd Wright, Le Corbusier, Mies VanDer Rohe y Gerrit Rietveld.

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5  La Bauhaus. Diseño Industrial y Diseño Gráfico. Diseño de Interiores o Arquitectónico.

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6  La vanguardia y el diseño gráfico. El Arte moderno. Peter Behrens. Futurismo y tipografía. El Dadaismo. Constructivismo y Suprematismo. De Stilj. El Cubismo y el nacimiento del collage.

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7  El Art Decó. Exposición internacional. Cassandre. Diseño de interiores y producto. Diseño de moda.

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8  EEUU tras la II Guerra Mundial. Richard Neutra. El proyecto Case Study Houses. Los Eames. Julius Shulman.

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9  El Diseño Gráfico Suizo. La Tipografia Tradicioinal. El estilo internacional. Surgen las escuelas sobre el nuevo estilo. Estilo Tipográfico Internacional. Josef Müller-Brockman. Herbert Matter. Paul Rand.

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10  El Diseño Nórdico.

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11  Los años 60 y el influjo del pop: Hipismo, psicodelia, futurismo y otras tendencias.

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12  La Estética Punk en los años 70. El punk. Malcolm McLaren. Vivienne Westwood. Jamie Reid.

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13 Japón y la influencia en el diseño occidental.

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14  Milton Glaser. Jan Lenica. Saymour Chwast. Tibor Kalman. Peter Saville.

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15  El diseño de los años 80. Posmodernismo. Memphis Milano. Estudio Alchimia. Arquitectura High Tech. Herzog & De Meuron. Philippe Starck.

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16  El Diseño en los 90 y el Cambio de Milenio. Los 90 y las nuevas tecnologías. Stefan Sagmeister. El diseño en un futuro cercano. Tejo Remi. Globalización del diseño.

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17  El minimalismo. Ariquitectura minimalista: John Pawson. Arquitectura minimalista: Tadao Ando. Diseño de moda japonés: Issey Miyake. Diseño de moda japonés: Rei Kawakubo. Diseño de moda alemán: Jil Sander.

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18  Bibliografía.

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«Todo es diseño, ¡todo!.»

Paul Rand.

El término historia designa varios significados. Por una parte se refiere al transcurrir de la vida con todos sus asuntos, pequeños o grandes y por otra al relato necesariamente fragmentario que hacemos del mismo, seleccionando un periodo y acotando un ámbito de interés. Al afrontar este proyecto, en la tesitura de seleccionar una metodología óptima que nos permitiese recoger y reordenar la Historia del Diseño desde finales del siglo XIX hasta nuestros días, tuvimos muy presente la necesidad de encontrar una fórmula capaz de conjugar las dos acepciones de la expresión historia aplicadas al diseño, en las cuatro especialidades recogidas en el currículo establecido por la Junta de Andalucía para los Estudios Superiores. Dicha fórmula debía ser sensible tanto a la realidad de los productos, los espacios, la moda y las imágenes gráficas que se han sucedido en ese lapso de tiempo, como a la manera en la que se han explicado desde el ámbito académico, que es al que pertenecemos. Consideramos pertinente seguir el consejo de Guilles Deleuze y Felix Guattari, para quienes el croquis era la herramienta de estudio óptima de cara a lograr un tipo de conocimiento fluido que, de una forma rizomática, enlace las diversas partes del discurso en un modo natural. El primer paso fue decidir cómo agrupar los contenidos del estudio y ofrecer voluntariamente a cada estudiante la posibilidad de seleccionar aquel núcleo de contenido que más atractivo le resultase. Este es el punto de inicio a partir de cual era posible ampliar, renunciar a parte de los epígrafes, intercambiar materia de estudio o trabajar en equipo. El fin era un trazar un croquis, un itinerario que abarcase desde la reacción ética y estética encabezada por William Morris, los proyectos de diseño total del periodo Art Nouveau, las propuestas utópicas vinculadas a las diversas experiencias de vanguardia, la adaptación comercial de la vanguardia a través del Art Déco, la confortable eficacia del diseño escandinavo, las líneas orgánicas posteriores a la Segunda Guerra Mundial desarrolladas en el contexto del pragmatismo norteamericano, las fantasías futuribles de los años sesenta, las aportaciones japonesas, el diseño posmoderno, el minimalismo popularizado en los años setenta y ochenta, hasta llegar al diseño en nuestros días. El fruto del trabajo debe ser un manual de la materia que en el futuro sirva de referencia al alumnado que participa en el proyecto. El objetivo es realmente ambicioso, especialmente si tenemos en cuenta las limitaciones propias de un ejercicio académico. Finalmente, éste es el resultado, la contribución de este grupo de estudiantes pioneros a la transmisión del saber que, como la caridad bien entendida, debe comenzar siempre por uno mismo.

José Antonio Romera Díaz. Profesor de Historia del Diseño.​ Estudios Superiores de Diseño. Escuela de Arte José Nogué. Jaén. Curso 2012-2013.

William Morris Pablo Muñoz Buendía

Arts and Crafts

y WILLIAM MORRIS

Contenido 01. El movimiento Arts and Craft. 02. William Morris.

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El movimiento Arts & Crafts fue una reacción contra la Revolución Industrial. El desarrollo de la máquina de vapor por James Watt en 1765 dio lugar a la mecanización de la industria, la agricultura y el transporte y cambió la vida del hombre que trabaja en Gran Bretaña. Las ciudades y pueblos crecieron para dar cabida a las industrias en expansión y la afluencia de trabajadores de las zonas rurales en busca de empleo. Sin embargo, las condiciones de vida se deterioraron gradualmente y la industrialización fueron personas con una sensación de que su vida había cambiado para lo peor. Muchos de ellos habían sacrificado un estilo de vida rural ‘en la tierra verde y agradable de Inglaterra “por el bien de un trabajo en el” molinos satánicos oscuro “de la Revolución Industrial. Como resultado, perdieron ese sentimiento de seguridad y pertenencia que viene de vivir en comunidades más pequeñas.

Arts and Crafts 8

El movimiento Arts and Crafts

Elementos diseñados por Morris & Co.

Denominado literalmente, Artes y oficios, fue un movimiento artístico que surgió en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Inspirado por la obra de John Ruskin, alcanzó su cenit entre 1880 y 1910.

El movimiento Arts and Crafts formados en diversos oficios gremios para tratar de recrear el ambiente de trabajo digno que existía en los oficios gremios medievales. Le dieron a sí mismos nombres como el Gremio siglo, la Cofradía de San Jorge, el Sindicato de Trabajadores de Arte y el Gremio de Artesanía.

El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Frank Lloyd Wright, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del movimiento prerrafaelita.

El movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo. Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines. En Estados Unidos, se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman, o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (Modernismo) y Art decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Pretende que cada objeto deberia tener o retomar algo del pasado pero dandole un sentido elegante.

Los miembros del movimiento Arts and Crafts incluyen artistas, arquitectos, diseñadores, artesanos y escritores. Temían que la industrialización estaba destruyendo el medio ambiente en el que las habilidades y artesanías tradicionales podrían prosperar, ya que la producción de la máquina había tenido el orgullo, la habilidad y el diseño de la calidad de los productos que se fabrican. Ellos creían que la mano objetos artesanales fueron superiores a las realizadas por la máquina y que el artesano rural tenía un estilo de vida superior a los que subordina en las fábricas urbanas y fábricas. Estaban convencidos de que la disminución general de las normas artísticas provocados por la industrialización estaba ligada a la decadencia social y moral de la nación.

Elementos diseñados por Morris & Co. en la revolución industrial

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El movimiento Arts and Crafts 10

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«Él es mejor conocido por sus diseños de patrones, sobre todo en las telas y los papeles pintados»

William Morris (1834-1896) Miembro destacado del movimiento Arts and Crafts. Su enfoque creativo que William Morris emplea en sus diseños se reveló en una conferencia de 1874: “en primer lugar, el estudio diligente de la Naturaleza y en segundo lugar, el estudio de la obra de las edades de Arte ‘.

Morris consideró que el “estudio diligente de la naturaleza” era importante, ya que la naturaleza era el ejemplo perfecto del diseño de Dios. Él vio esto como el antídoto espiritual a la disminución de los estándares sociales, morales y artísticos durante la Revolución Industrial.

Asi mismo, el “estudio del trabajo de las edades de Arte”, una referencia a la apreciación de la historia del arte, fue tan importante como Morris animó a los artistas a mirar al pasado en busca de inspiración creyendo que el arte de su edad era inferior. Solución de Morris era un retorno a los valores del arte gótico de la Edad Media, donde los artistas y artesanos que habían trabajado juntos con un objetivo común: el de glorificar a Dios por medio de la práctica de sus habilidades. El modelo de esta solución era la artesanía medieval gremios que veía como una especie de hermandad socialista donde todo el mundo cumple a sí mismos en función de su nivel de habilidad. Morris consideró que esto mejoraría la calidad de vida para todos, y que la propia actividad artística sería visto como una fuerza para el bien en la sociedad.

Los Oficios gremios medievales

Elementos diseñados por Morris & Co.

Las artesanías gremios medievales eran grupos de artistas, arquitectos y artesanos que formaron una alianza para mantener un alto nivel de mano de obra, regular el comercio y la competencia y la protección de los secretos de su oficio. Los gremios se compone generalmente de pequeños talleres de artesanía asociados de la misma ciudad, que se unieron en grupos más grandes para su propia protección y la prosperidad. Ellos operan en un sistema maestro, oficial y aprendiz que el maestro tome en aprendices para formarlos en las técnicas de su oficio. Los aprendices fueron “obligados” a trabajar gratis para los que amo por un período de alrededor de cinco a nueve años. A cambio, el maestro cuidar de su

WILLIAM MORR IS

bienestar y la educación en las habilidades de su oficio hasta que se graduaron como jornaleros. Como jornaleros, que no sólo se les paga por su trabajo, sino también libre de ir y trabajar por otros maestros. Con el tiempo, si un oficial demostró habilidad excepcional en su oficio, se podría avanzar en la alianza a la posición de maestro y asumir sus propios aprendices.

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Morris fue uno de los grandes diseñadores de patrones. Sus diseños clásicos están todavía disponibles comercialmente como fondos de pantalla y textiles. Sus patrones están inspirados por su profundo conocimiento de las formas naturales descubiertos a través del dibujo y estilizada a través de su conocimiento detallado de los estilos históricos. Por lo general eran tituladas con los nombres de las flores que se describían como “Crisantemo ‘,’ Jasmine ‘,’ Acanto ‘, y’ Sunflower ‘. En efecto, Morris tomó las formas naturales que se encuentran fuera de los bosques y los prados y los utilizó para decorar el interior de nuestros hogares.

Sus diseños de papel tapiz se hizo eco en sus textiles, tapices y alfombras diseños. Sus imágenes son similares, sólo se simplifican debido a las limitaciones de los medios de comunicación más grueso.

En total Kelmscott publicó 53 títulos (18.000 copias en total), incluyendo “La Naturaleza de la gótica ‘, un capítulo de” Las piedras de Venecia “por el crítico de arte John Ruskin. Morris, quien escribió el prólogo elogiando el libro, se ha inspirado en gran medida por Ruskin cuyos escritos la influencia del movimiento Arts and Crafts, fomentando el renacimiento del arte gótico y la arquitectura.

Elementos diseñados por Morris & Co.

En 1891, Morris fundó la Kelmscott Press, lleva el nombre del pueblo cerca de Oxford, donde había vivido desde 1871. El Kelmscott Press produjo libros impresos a mano de alta calidad para ser vistos y apreciados como objetos de arte. Morris diseñó y corte los tipos de letra, bordes ornamentales y páginas de título que se basaron en el estilo de los manuscritos medievales, mientras que las ilustraciones fueron creadas por el artista prerrafaelista, Edward Burne-Jones. Los libros fueron impresos en el papel hecho a mano, copiados de muestras italianas del siglo 15, y lo envolvieron en vitela.

Sillas diseñados por Morris & Co.

El Kelmscott Press nunca fue un éxito financiero en sus libros con un diseño increíble eran demasiado caros para producir una ganancia. Era una empresa que Morris corrió simplemente por placer. Kelmscott sólo funcionó durante siete años y se cerró en 1898, dos años después de la muerte de Morris. Sin embargo, el alto nivel de su producción inspiró un renacimiento de la prensa privada a través de Europa y América e influyó en el desarrollo de la tipografía y el diseño gráfico en el siglo 20.

Aunque Morris miró al pasado en busca de inspiración, sus objetivos anticipar las ideas modernistas en la tipografía y el diseño: “Empecé impresión de libros con la esperanza de producir algunas de las cuales tendrían un derecho definido a la belleza, mientras que al mismo tiempo deben ser fáciles de leer y no deben deslumbrar a los ojos ...... me di cuenta de que tenía que tener en cuenta principalmente las siguientes cosas: el papel, la forma del tipo, la separación relativa de las letras, las palabras, y las líneas, y por último la posición de los materiales impresos en la página ‘.

El gremio del siglo fue el primero de los gremios para formar. Fue fundada en 1882, bajo la influencia de William Morris, por el arquitecto y diseñador AH Mackmurdo. En 1884 la Alianza publica una revista trimestral llamada “caballo de la afición ‘para promover sus objetivos e ideales. En particular, defendió la nave de la impresión como forma artística, que inspiró a Morris encontró la Kelmscott Press.

Entre otras alianzas notables fue el prestigioso Sindicato de Trabajadores de Arte, cuya membresía incluye profesores y los principios de las escuelas de arte principales. Walter Crane, el director de la Royal College of Art en 1897 a 8 y una reconocida ilustradora de libros para niños, fue miembro fundador. El arquitecto y teórico, WR Lethaby, el primer Profesor de Diseño de la RCA, se convirtió en el director original y co-fundador de la Escuela Central de Londres de Artes y Oficios, el primer colegio para presentar talleres de artesanía para promover Artes y Oficios principios dentro de la corriente principal la educación artística. Esta integración del diseño con la educación artística es uno de los grandes legados del movimiento Arts and Crafts. Elementos diseñados por Morris & Co. en la revolución industrial. Libro realizado a mano.

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produciendo 19 nuevos diseños en los próximos años. Muchos fueron ejecutados tanto como papel tapiz y textiles. Los nuevos diseños llevan una sugerencia de influencias medievales y oriental y fueron mucho mejor recibidas por el público de sus diseños originales. Morris no le gustaba las anilinas sintéticas que se utilizan comúnmente y comenzó a experimentar con tintes naturales para sus textiles. Kelmscott House era grande y Morris dio la habitación para diseñar y tejer sus propios tapices y alfombras. Sin embargo, la adición de los tapices y alfombras con las ofertas de la Firma garantiza el paso a cuartos más grandes, Merton Abbey, a orillas del río Wandle.

«Morris cree que la naturaleza era el ejemplo perfecto del diseño de Dios.»

A pesar de sus altos ideales, el movimiento Arts and Crafts fue fundamentalmente defectuoso. Su oposición a los métodos modernos de producción y la tendencia a mirar hacia atrás en el mundo medieval, en lugar de hacia delante a una era progresista de la mecanización completa, fue lo que finalmente sonó el toque de difuntos del movimiento. Sólo podían fracasar en su ideal socialista de la producción de la calidad del diseño hecho a mano asequible para las masas ya que los costes de producción de sus diseños eran tan altos que sólo podían ser adquiridos por los ricos. Además, cualquier movimiento que se ve continuamente al pasado para su inspiración debe tener una vida útil limitada. Sólo hay tantas maneras de reinterpretar el pasado, sin llegar a ser repetitivo.

Sin embargo, el mayor legado del movimiento Arts and Crafts fue su comprensión de la relación entre el diseño y la calidad de vida. Esto dio el ejemplo para otros que más tarde se intenta utilizar el poder de la producción industrial en serie en el servicio de un buen diseño.

Elementos diseñados por Morris & Co.

Algunos diseñadores, como Christopher Dresser cuyo trabajo todavía se ve muy moderno, comenzaron a rechazar las limitaciones de las Artes y Oficios ideales y aceptar positivamente las técnicas de fabricación industrial. Este fue el comienzo de una evolución del diseño que finalmente culminará en la fundación de la Escuela Bauhaus de Arte y Diseño, que se convirtió en el prototipo de la educación artística en el siglo 20.

Morris & Co. En 1875, Rossetti y Morris disolvieron su sociedad de negocios, más amablemente que cabría esperar. Los miembros originales de The Firm estar mucho tiempo ausente, la nueva empresa se reorganizó en torno a la dirección de Morris y era conocido simplemente como Morris & Co.

Elementos diseñados por Morris & Co.

Desde su creación, el enfoque de la empresa había cambiado de productos eclesiásticas hacia la decoración del hogar y los productos nacionales. Morris parece haber superado su ambivalencia al papel pintado,

Tras la muerte de Morris, Morris & Co., JH Dearle un veterano que había empezado a trabajar para la empresa en su adolescencia, se convirtió en director de arte. Cuando Burne-Jones murió en 1898, se convirtió en su Dearle diseñador de vidrieras director. Muchos de sus primeros diseños se venden bajo el nombre de Morris. Su obra posterior muestra distintas influencias persas y turcos, a pesar de que mantiene un fuerte compromiso con los valores estéticos de Morris.

Elementos diseñados por Morris & Co.

Al mismo tiempo que Morris estaba produciendo productos caros asequibles sólo por los ricos, su atención estaba convirtiendo cada vez más en los asuntos públicos y los intereses de las clases trabajadoras, al venir primero en contra de la guerra con Rusia. Fue miembro fundador de la Sociedad para la Protección de Edificios Antiguos, afirmando que el estado de degradación del arte era un reflejo del estado de degradación del obrero común y espera elevar a las clases trabajadoras a través del arte. Leía mucho y en 1883, se convirtió en un socialista. Continuó la lectura extensiva, asistiendo manifestaciones interiores como en exteriores, con buen tiempo y el mal, ni una sola vez de ser arrestado. Él creía que la revolución era inevitable y se mantuvo muy activo en el movimiento hasta que cayó enfermo en 1891.

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El Art Nouveau Inmaculada Jiménez Lara

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Contenido 1 Introducción 2 Antecedentes 01. Pre-Rafaelismo. 02. Art and Craft. 03. William Morris. 04. Japonesismo. 3 Características generales del Art Nouveau 4 Geografía del Art Nouveau internacional 01. Bruselas. 02. Francia. 03. Barcelona. 04. Viena. 05. Glasgow 5 Dos grandes representantes del Art Nouveau: Cheret y Mucha

Definición

Antecedentes

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Prerrafaelitas

Japoneismo

Art and Craft

Publicación mensual dirigida por Samuel Bing. (Hamburgo, 1838 Vaucresson 1905).

William Morris. The Art and Craft of Printing: Collected Essays by William Morris.

Definición El Art Nouveau, fue un movimiento artístico, arquitectónico, gráfico y decorativo que surgió a finales del Siglo XIX y tuvo su auge de 1890 a 1910. En Europa, el movimiento se conoce bajo diferentes nombres Art Nouveau en Francia, Modern Style en Inglaterra, Jugendstil en Alemania y Sezession en Austria.

The Lady of Shalott Waterhouse

El Art Nouveau es un arte joven, libre, innovador que busca una ruptura total con las influencias del arte histórico. Bajo el poder de una burguesía rica y poderosa, el movimiento trasciende para incorporar artes mayores (pintura, escultura, arquitectura) y menores (cerámica, joyas, mobiliario, grabado, carteles, etc).

Antecedentes.

El art nouveau no fué siempre un movimiento ondulante, floral, natural... en otros países como Glasgow y Bruselas fue un movimiento rectilíneo, limpio y sobrio aunque incluía ciertos aspectos del art nouveau ondulante, por hay dos grandes ramas. Aunque de poca duración, el Art Nouveau fue un movimiento clave en la transición del Siglo XIX al Siglo XX, del neoclasicismo a la modernidad y a los ismos del arte contemporáneo.

Mueble de Victor Horta. Imagen arriba izq. Winter Garden construido en 1900 por Eddy Van. Imagen arriba der. La sagrada familia iniciada por Antonio Gaudi en 1882.

A mediadas del Siglo XIX, el movimiento Pre-Rafaelita, inspirado en los antiguos maestros del Renacimiento, y el movimiento Arts & Crafts, que rehabilita el trabajo hecho a mano, promueven un regreso al arte decorativo. Al mismo tiempo, el Japoneismo y las artes niponas influyen en los artistas europeos, especialmente los franceses, quienes son afectados por las formas planas de colores vibrantes y las composiciones libres de los grabados en xilografía japonesa. Frente a una creciente industrialización, que trae consigo maquinas, vapor y estandarización, surge una nueva preocupación para valorar el trabajo individual, artesanal y ornamental. Aquellas nuevas preocupaciones, en conjunto con las influencias de los prerrafaelitas, Arts & Crafts y del Japonismo, favorecen la aparición del “nuevo arte” o Art Nouveau que, de cierta forma, embellece un estilo de vida ya muy industrializado y estandarizado. El primer diseño clasificado Art Nouveau es una ilustración del diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo. En la ilustración de 1883 (cubierta de libro dedicado a las iglesias del arquitecto inglés Christopher Wren) predomina la línea sinuosa y el estampado floral rítmico. El primer diseño clasificado Art Nouveau: cubierta de libro dedicado a las iglesias del arquitecto inglés Christopher Wren.

http://panamarte.net/2012/08/art-nouveau/

http://panamarte.net/2012/08/art-nouveau/

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Características generales del Art Nouveau: 18

Geografía del Art Nouveau internacional 19

-Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época. -Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.

-Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...

-Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial

Rótulo comercial en el que podemos apreciar una imagen plana, lineal y ornamental.

-Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios.

- La naturaleza es reina en el Art Nouveau. Se destacan las formas orgánicas entrelazadas, los motivos de vegetales, la línea curva y la sensualidad. Las formas son sinuosas, florales, innovadoras. Se abandonan los temas diarios a favor de temas simbólicos y conceptuales donde la mujer y la naturaleza son enfatizadas.

A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.

Bélgica. Bruselas, su capital, es dinámica, activa industrialmente y comercialmente que persigue la renovación cultural y en ese contexto se sientan las bases perfectas para el nacimiento del movimiento. Se agrupan los artistas en diferentes grupos que dan manifestaciones conjuntas. En el campo de la arquitectura no existen dudas respecto a que el Art Nouveau se presenta por primera vez, perfectamente definido por Victor Horta y Paul Hankar. La casa tassel no es meramente un intento de romper con las tradiciones, se trata de un desarrollo profundamente pensado para establecer las bases de una nueva arquitectura, libre de cualquier referencia histórica. Por sí sola, en su coherencia y perfecto control de todos los detalles, esta obra demostró la posibilidad concreta de crear un nuevo estilo, con su vocabulario y su sintaxis propia. La casa catapultó la fama de V. Horta y, a partir de ese momento, fueron numerosos los encargos que recibió. Construyó viviendas, tiendas, almacenes, pero la que se considera su obra maestra es la “Maison du Peuple” —las oficinas del Sindicato de Trabajadores socialistas—, construida en 1897. El palacio Stoclet por el arquitecto Josef Hoffmann en Bruselas.Aunque la fachada recubierta de mármol está radicalmente simplificada y mira al racionalismo, contiene obras encargadas a Gustav Klimt en el comedor.

Casa Tassel de Victor Horta. Imagen arriba izq. Maison du Peuple de Victor Horta. Imagen arriba der. El palacio Stoclet de Josef Hoffmann.

La naturaleza presente en todos los diseños.

http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artnouveau.htm

http://www.elarteporelarte.es/el-art-nouveau-la-linea-ondulante-belgica-y-francia-la-linea-geometrica-inglaterra-mackintosh-y-austria-wagner-olbrich-hofmann-y-loos-gaudi-y-otros-arquitectos-modernistas-espanoles/

Geografía del Art Nouveau internacional

Geografía del Art Nouveau internacional

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Francia.

Viena.

Arte nouveau en Francia aparece aisladamente en comparación con el centralismo de Inglaterra.

En la secesión, aunque se busca la elegancia, predomina la sobriedad formal, e incluso cierta severidad, en los casos en que se transgrede la sobriedad sale a la luz el expresionismo, en muchos aspectos por su rupturismo la secesión ya es incluible dentro del vanguardismo.

Surgió gracias a la tienda de muebles abierta en París en 1890 por Samuel Bing, un ferviente partidario del arte nuevo y difundido internacionalmente a partir del extraordinario éxito de la Exposición de París de 1900 que significó un hito destacado. Fueron especialmente impactantes las instalaciones coordinadas (en diseño y color) de obras de arte junto a muebles y tapices.

Adolph Loos, arquitectro de la Sezesion, contra los excesos ornamentales del Art Nouveau, escribió su célebre arenga ornamento y delito en defensa de una arquitectura esencial y sin decoración. Estos mismos principios se aplican a sus muebles. Elimina molduras y elementos decorativos superfluos, recubre de piedras nobles, a veces de suelo a techo, es decir de una forma muy depurada, lo decora todo.

En el último tercio del siglo XIX comenzó a aparecer en Francia algunos esbozos modernistas, como el gusto por las estructuras de acero de los arquitectos e ingenieros. Obras como la torre Eiffel de Gustave Eiffel. Otro arquitecto importante del Art Nouveau en Paris fué Hector Guirmard con sus celebres bocas del metros prefabricadas. Las entradas de Metro de Paris se transforman en verdaderas obras de arte, curvilíneas y onduladas, donde Harmonía y Continuidad son ennoblecidas. Los diseñadores del arte nuevo trabajaron en gran cantidad de medios y materiales desde pequeños objetos de arte como joyería. El 1 de enero de 1895 un cartel publicitario difundido por las calles de París representó la aceptación popular del art nouveau en las artes plásticas: era de Alfons Mucha y representaba a la actriz Sarah Bernhardt en Gismonda.

Otros muebles que destacaron en este arte son las míticas sillas thonetas.Sus revolucionarios diseños marcan un hito histórico. Son efectivos y pragmáticos, fáciles de transportar y montar. Su patente más célebre es la de la madera curvada al vapor, no obstante también fueron importantes sus investigaciones en las colas y adhesivos. La tienda de muebles abierta en París en 1890 por Samuel Bing. Imagen arriba izq. la torre Eiffel de Gustave Eiffel. Imagen arriba der. Boca del metro de Paris realizada por Hector Guirmard.

Los trabajos son muy estructurados, dándoles mucha importancia al orden, el equilibrio y la geometrización (el cuadrado y el cubo son repetidos continuamente). Su objetivo estético final era la “obra de arte total” o Gesamtkunstwerk, término acuñado por Richard Wagner para denominar a un arte que condensara las destrezas de todas las demás. Los artistas vieneses querían dar a su arte una expresión despojada de sus velos y nada envuelta en accesorios. Un arte propio, sin servilismos extranjeros. No quieren imitar al arte exterior, pero sí que les sirva de inspiración y análisis.La decoración es modernista, ni orgánica, ni naturalista sino estilizada y abstracta.

Joseph Maria Olbrich: Edificio de la Sezession. Imagen arriba izq. La antigua Sastrería Goldman & Salatsch, fue construido entre 1910 y 1911, tambien conocida como Casa Loos. Imagen arriba izq. Sillas Thoner. Su creador, Michael Thonet, le llevo años perfeccionar. Comenzó a trabajar con madera estratificada curvada desde que abrió su primer taller en Boppard del Rin en 1819, aunque sus primeros diseños no llegaron hasta 1930. En 1492 el príncipe Metternich, asombrado por su talento, lo hizo trasladar a Viena, donde se encargó de amueblar el Palacio Liechtenstein, el Palacio Schwarzenberg y el Café Daum.

La tipografía es un elemento determinante. Gran importancia de la letra, esta tiene un valor formal, compositivo y comunicativo, podemos ver cómo está aplicada en la arquitectura como en edificios de Joseph Olbrich. http://www.elarteporelarte.es/el-art-nouveau-la-linea-ondulante-belgica-y-francia-la-linea-geometrica-inglaterra-mackintosh-y-austria-wagner-olbrich-hofmann-y-loos-gaudi-y-otros-arquitectos-modernistas-espanoles/ http://www.whattoseeinparis.com/es/metro-hector-guimard-paris/

https://sites.google.com/site/historiadeldisenografico1/el-siglo-xix/estilos-del-siglo-xix/artnouveau http://www.decoesfera.com/carpinteria/la-silla-thonet-el-primer-mueble-de-diseno-industrial

Geografía del Art Nouveau internacional

Geografía del Art Nouveau internacional

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Barcelona.

Glasgow.

Como en otras ciudades cosmopolitas de Europa Barcelona cumple con los requisitos para la instalación de las vanguardias, aunque tambien se dará en otras zonas, pero Barcelona será el principal foco.

El Glasgow de la década de 1890 es una ciudad económicamente próspera pero socialmente muy problemática. El acelerado proceso de industrialización que vive durante la segunda mitad del XIX la sume en un grave estado de degradación urbana. La polución atmosférica, la violencia étnica, la lucha obrera, los numerosos tugurios, la prostitución y el alcoholismo, son cuestiones de las que la clase pudiente quiere librarse a través de la creación de un ambiente cultural donde poderse distinguir y evadir.

El modernismo en España empieza con algo de retraso, en 1900. Su vida se prolongará hasta 1914, aunque en Cataluña el modernismo seguirá hasta el fallecimiento de Gaudí en 1926. Cataluña era región fronteriza, muy abierta hacia Francia/Europa y una vía de penetración de ideas y estéticas también. De tal modo que Barcelona, frente a Madrid, era una ciudad más moderna, abierta y con mayor apuesta hacia las vanguardias y cualquier idea innovadora. En estos años además cuenta con un sector industrial potente que va a impulsar un programa cultural innovador porque Cataluña se suma a esas grandes ciudades culturales de Europa. En ese contexto, el modernismo encaja perfectamente y comienzan a levantarse edificios adaptándose al lenguaje de este nuevo estilo. Se construyen palacios, bloques de viviendas, se decoran establecimientos… Uno de los principales expositores del Art Nouveau en Cataluña fue Antonio Gaudi cuyas obras iniciales se apoyaron en la hibridación y reinterpretación de estilos históricos, sobre todo de los medievales gótico y mudéjar. Influenciaron notablemente en el artista el libro de Violet Le Duc sobre la arquitectura francesa de los siglos XI al XVI y los escritos teóricos de Ruskin, quien predicó en 1853 que el ornamento era el origen de la arquitectura, despertando el gusto por las formas caprichosas y por los juegos ornamentales que darían origen al Art Nouveau.

La Glasgow School of Art, influenciada por el movimiento de las Arts & Crafts, el grupo de diseñadores The Four -Charles Rennie Mackintosh, Margaret, Frances Macdonald y Herbert MacNair-, surgido de sus aulas, y el grupo de pintores Glasgow Boys y Glasgow Girls se convirtieron en el motor cultural de la alta sociedad, interesada en invertir en bienes artísticos en una ciudad sin una sólida tradición cultural y arquitectónica.

La Sagrada Familia de Antonio Gaudí. Imagen arriba izq. Casa Batllo de Antonio Gaudí. Imagen arriba der. Mobiliario de Antonio Gaudí.

A pesar de que el Glasgow Style gozó de más reconocimiento en el continente que en las islas Británicas, especialmente en Alemania y Austria -gracias a la labor de Francis Newbery, director de la escuela de arte desde 1885, y a la difusión que las revistas The Studio y Dekorative Kunst hicieron del trabajo del grupo The Four, sobre todo del de Mackintosh-, quienes financiaron las obras de los artistas de la ciudad.

Una de las constantes de su obra es el amor a la Naturaleza. En las formas vivas, vegetales o animales, encontró una fuente de inspiración, que quedará reflejada en el uso de piedras de construcción curvas y formas orgánicas. Tambien diseño muebles, uso el vidrio la cerámica y el hierro forjado.

El edificio que sintetiza el Glasgow Style y que ha pasado a formar parte de la historia de la arquitectura europea es la sede de la Glasgow School of Art. El proyecto de Mackintosh, dividido en dos etapas constructivas, preveía otorgar a la escuela una imagen más artística que técnica: priorizó los estudios por encima de los talleres, la decoración integral de los espacios y el uso de nuevas formas en el tratamiento de los volúmenes. Los diseños interiores del grupo The Four, protagonizados por las hermanas Macdonald y por los artistas de la Glasgow School, como George Walton, Ann Macbeth y Jessie King, son los que introducen en el resto de Europa el arte japonés, las figuras de los prerrafaelitas ingleses y un gusto estilizado, sobrio y lineal en el trabajo de las artes decorativas.

https://sites.google.com/site/historiadeldisenografico1/el-siglo-xix/estilos-del-siglo-xix/artnouveau

http://artnouveau.eu/es/city.php?id=18

Joseph Maria Olbrich: Edificio de la Sezession. Imagen arriba der. La antigua Sastrería Goldman & Salatsch, fue construido entre 1910 y 1911, tambien conocida como Casa Loos. Imagen arriba izq. koloman Moser, portada ver sacrum de 1897.

Principales Representantes del Art Nouveau 18

Dos grandes representantes del Art Nouvea: Cheret y Mucha 19

Los representantes del Art Nouveau fueron muchos como Gustav Klimt, Hector Guimard, Henry de Toulouse Lautrec... pero aqui destacaremos a Jules Cheret y Alphonse Mucha.

A Cheret tradicionalmente se le atribuye la invención del cartel moderno. Con gran conocimiento de la técnica litográfica. Pinto e impresor, una dualidad que marcó su carrera. Su primer cartel a un solo color, publicitaba una pieza teatral parisina. Con el tiempo comenzó a realizar diseños litgráficos en color. Teatros, estrellas, museos y periódicos solicitaban sus obras. Se le llama “padre del cartel” porque fue el principal elaborador y codificador de las normas artísticas por las que el cartel iba a desarrollarse en el futuro: - elaboración rápida y directa por el artista - simplicidad en el diseño que facilite la inmediata percepción Primer diseño litográfico en color de Chertet, 1958

- atrevimiento cromático que atrae la mirada del observador - concisión en el texto escrito.

En el caso de Alphons Mucha tras estudiar, tubo su primer promotor y trabajo en un estudio de Paris junto con Gauguin. Presentó su primer cartel en Navidad realizado para la obra teatral La Gismonda en la que aparecia la actriz Sara Bernard.

Alphons Mucha Es el gran diseñador e ilustrador del Art Nouveau. Desarrollo una colosal obra, publicidad, carteles, ilustraciones, etcétera. Era de origen checo pero trabajó por toda Europa Y EE.UU. Trabajó todos los campos posibles del diseño. Su labor fue enorme. Constituye el icono perfecto del Art Nouveau: Líneas ondulantes, muchachas en flor, líneas orgánicas… Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales (litografías) . Los trabajos de Mucha frecuentemente introducían mujeres jóvenes, hermosas y saludables, flotando en atuendos vagamente neoclásicos, frecuentemente rodeadas de exuberantes flores las que a veces formaban halos detrás de sus cabezas. Este estilo fue imitado con frecuencia. De todos modos, Mucha intentó distanciarse de tal estilo a lo largo de su vida, insistiendo que más que adherirse a este estilo, sus pinturas se originaban en su propia inspiración. Declaró que pensaba que el arte existía para transmitir un mensaje espiritual y nada más; de allí su frustración por la fama que logró a través de un arte básicamente comercial. Por ende siempre quiso concentrarse más en proyectos elevados que ennoblecieran el arte y su lugar de nacimiento. Mucha visitó los Estados Unidos entre 1906 y 1910, retornando luego a tierras checas para establecerse en Praga, donde decoró el Teatro de Bellas Artes así como otros lugares distintivos de la ciudad.

Primer cartel de Alphons Mucha realizado para la obra teatral La Gismonda.

http://www.blogartesvisuales.net/diseno-grafico/jules-cheret-el-padre-del-cartel

Cuando Checoslovaquia obtuvo la independencia, tras la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava, una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en1928. Mucha había soñado con completar esta serie, una celebración de la épica eslava, desde su juventud. Al invadir los alemanes Checoslovaquia, Mucha fue arrestado e interrogado por los ocupantes. Nunca se recuperó de la tensión de este episodio, ni de ver su país invadido y vencido. Su última pintura fue El juramento de unión de los eslavos. http://panamarte.net/2012/08/art-nouveau/

Cartel anuncio de Galletas . Imagen arriba izq. Serie de la Luna y Las Estrellas. Imagen arriba der. Cuadro de la serie El juramento de unión de los eslavos.

Dos grandes representantes del Art Nouvea: Cheret y Mucha 28

Jules Cheret. Maestro de la litografía a color sus ilustraciones y carteles publicitarios son obras maestras del Art Nouveau. La relación Con Ukiyo-e, Toulousse Lautrec y Alphonse mucha es más que obvia. Nació en París, Francia en una familia de artesanos con raro poder pero creativos, una carencia económica que significó que Jules Chéret tuviese una educación muy limitada. Su hermano pequeño era Joseph Chéret. A los trece años, comenzó un aprendizaje de tres años con un litógrafo y entonces su interés por la pintura lo llevó a tomar un curso de arte en la École Nationale de Dessin. Como la mayoría de artistas novatos, Chéret estudió las técnicas de varios artistas, antiguos y modernos, visitando los museos de París. Aunque algunas de sus pinturas le dieron cierto respeto, fue su trabajo de crear carteles de anuncios lo que le permitió pagar sus cuentas y que se convirtió después en objeto de su dedicación y por lo que es recordado hoy. Influenciado por las frívolas escenas representadas en las obras de Jean-Honoré Fragonard y otros artistas rococós tales como Antoine Watteau, Chéret creó el cartel vívido para los cabarets, teatros de variedades y los teatros como Eldorado, el Paris Olympia, el Folies Bergère, el Teatro de la Ópera, el Alcazar d’Ete y el Moulin Rouge. Debido a la gran demanda, amplió su negocio para proporcionar los anuncios para las representaciones de compañías itinerantes, festivales municipales y luego para las bebidas y licores, perfumes, jabones, cosméticos y productos farmacéuticos. Eventualmente se convirtió en una importante fuerza de publicidad, sumando a las compañías de ferrocarriles y un buen número de negocios de fabricación a su lista de clientes. En 1895, Chéret creó la colección Maîtres de l’Affiche, una significativa publicación de reproducciones artísticas clasificadas más pequeñas que ofrecían las mejores obras de diecinueve artistas parisinos. Su éxito inspiró una industria que conoció la aparición de una nueva generación de diseñadores y de pintores de carteles tales como Charles Gesmar y Henri de Toulouse-Lautrec. Uno de sus alumnos fue Georges de Feure (1868-1943). http://www.arqfdr.rialverde.com/8-S_xix/art_nouveau.htm

Cartel Anunciador de Jules Cheret. Imagen arriba izq. Cartel Anunciador de la obra teatral ``Los Miserables´´ Imagen arriba der. Cartel Publicitario de Juguetes para niños.

Espacios para el siglo XX. Frank Lloyd Wright, Le Corbusier, Mies VanDer Rohe y Gerrit Rietveld. Antonia García Rayo

Contenido 1 Introducción al Racionalismo 01. Orígenes. 02. Características y tendencias. 2  Frank Lloyd Wright 01. Introducción. 02. Características. 03. Inicios. 04. Etapas. 05. Diseñador industrial. 3  Le Corbusier. 01. Principios básicos de su obra. 02. Arquitecto. 03. Diseñador industrial. 4  Mies Van Der Rohe. 01. Introducción. 02. Arquitecto. 03. Diseñador industrial. 5  Gerrit Rietveld. 01. Introducción. 02. Arquitecto y diseñador. 03. La Casa Schöeder.

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1. Introducción al Racionalismo

2. Frank Lloyd Wright

1.01 Orígenes 32

33

El Racionalismo es un movimiento que se desarrolla en el período de entre guerras (1920-1939). Tras la Primera Guerra Mundial hay una disminución de la actividad constructiva. Los arquitectos se encuentran una sociedad social, económica y tecnológica alterada.

«El artista creativo es por naturaleza y por oficio el dirignete más cualificado de cualquier sociedad»

La población había crecido como consecuenxia de la Revolución Industrial y Demográfica, y el arquitecto racionalista tiene que dar prioridad a la planificación urbanística antes que a su proyecto arquitectónico, la vivienda será el tema central de la actividad adilicia. La reestructuración socioeconómica impone grandes edificios para concentraciones multitudinarias: pabellones de exposiciones, almacenes, estaciones de ferrocarril, oficinas inmensas... El arquitecto (artista) de separa de los constructores (ingenieros). Se crea una nueva concepción estética.

2.01 Introducción

En America, Sullivan y toda la Escuela de Chicago crean rascacielos. En Europa, Adolf Loos destaca por su concepción espacial frente al decorativismo del Art-Nouveau contemporáneo.

Es el arquitecto americano más importante de este siglo. De compleja personalidad y se una capacidad de trabajo enorme, decide no sólo un aépoca sino un modo de entender la arquitectura. Es el arquitecto “orgánico” por excelencia, discípulo de Sullivan

Los más destacados arquitectos de este momento son Le Corbusier, Mies Van Der Rohe y Walter Gropius.

Nació el 8 de junio de 1867 en Richland Center (Wisconsin), murió el 9 de abril de 1959 en Phoenix (Arizona).

1.02 Características y tendencias Frank Lloyd Wright

El movimiento agrupa las personalidades más fuertes de la arquitectura del siglo, pero todas ellas tienen un denominador común: la simplicidad de las formas, con un retorno a ls volúmenes elementales del cubo, el cilindro, el cono y la esfera, y con una lógica más constructiva que decorativa en un deseo de buscar las formas arquitectónicas del cubismo.

Sus pilares eran: que el edificio ha de concebirse en armonía con el paisaje, y el cliente ha de sentirse realizado entre sus paredes. En esencia, las obras de Wright persiguen la felicidad y huyen de provocar impactos medioambientales.

2.02 Características

Los puntos básicos del racionalismo son: esqueleto interno de pilares y dinteles a base de hierro y hormigón armado (sistema de encofrado), muro que deja de ser soporte para ser sólo cierre. Por tanto volúmenes transparentes y sin decoración (muro-cortina), desaparición de la cornisa, líneas aerodinámicas y navales, decoración cubista: geometrización del espacio, luces indirectas

Intuición, individualismo, formas múltiples y cambiantes, estructuras que crecen del interior al exterior, alianza con la naturaleza...Trata de insertar a la arquitectura en la naturaleza. Inició sus estudios de ingeniería civil en la Universidad de Wisconsin y en 1887 viajó a Chicago para trabajar como dibujante en el estudio de Adler and Sullivan.

Dentro del racionalismo caben múltiples tendencias: •  formal: cuyo principal exponente es Le Corbusier (Francia)

2.03 Inicios

•  didáctico: con la Bauhaus, Walter Gropius y Mies Van Der Rohe (Alemania) •  orgánico: con Wright (América) •  empírico: con Alvar Aalto (Países Escandinavos).

Ingeniero y arquitecto y también diseñó mobiliario y vidrieras. Admiraba la arquitectura japonesa, con la que tenía claras coincidencias en la elaboración de espacios internos que se continúan y se confunden con los externos.

El Modulor. Le Corbusior.

En 1893 abrió su propio estudio en Chicago. Acuñó el término de arquitectura orgánica, cuya idea central consiste en que la construcción debe derivarse directamente del entorno natural. Desde los inicios rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos que imperaban a finales del siglo XIX. Siempre se opuso a la imposición de cualquier estilo, convencido como estaba de que la forma de cada edificio debe estar vinculada a su función, el entorno y los materiales empleados en su construcción. Este último siempre fue uno de los aspectos donde demostró mayor maestría, combinando con inteligencia todos los materiales de acuerdo con sus posibilidades estructurales y estéticas.

2.04 Etapas 34

1ª Fase:

2ª Fase: Nueva Era

Casas de la Pradera(prairie-houses)

Tras 1909, perdería el interés por todo, abandonaría a su mujer e hijos, e iría a Alemania con Mamah Chiney. De regreso a Wisconsin, en 1911, su madre le ofreció ese espacio para trabajar y lo aceptó, convirtiéndolo en vivienda, estudio y granja. Estaba emplazado en una colina a la que llamó Taliesin West (frente brillante), pensó que destruiría la colina y prefirió asentarla en la ladera. Creó un complejo con grandes patios que se extendían por toda la ladera. Armonizó el interior con el exterior de la manera más íntima posible. En el interior, bandas alargadas de ventanales, habitaciones provistas de terrazas de grava. Pero Mamah será asesinada en el incendio de su casa, junto a otras 6 personas. Wright huye a Japón y conoce a Marian Noel, se divorcia, estudia la arquitectura maya y se vuelve a casar con una bailarina yugoslava, Ivanova, que lo ayudaría a remontar su carrera.

Frank Lloyd Wright, en sus primeros trabjos, destaca junto a Louis Comfort Tiffany en el contexto del Art Nouveau americano.

Casa William H. Winslow. 1893.

De sus míticos orígenes Irlandeses conserva un amor a la naturaleza agreste. Viaja y trabaja en Japón, es además comerciante de Ukiyo-e, con lo cual la inspiración japonesa es casi una constante en su obra. En sus inicios erige las Casas en la pradera, muy inspiradas por un cierto goticismo europeo, luego madurará su relación con el paisaje, y descubrirá la grandeza sublime del desierto Es una etapa inicial que abarca desde 1887 a 1909, con casas unifamiliares en urbanizaciones residenciales integradas en la naturaleza. Su estructura se ha comparado con las villas renacentistas de Paladio, cruciformes y con un diseño rectangular entorno a un distribuidor central con cubiertas, chimeneas, porches…pero con una exquisita decoración arquitectónica y y diseño de mobiliario que tomó un enorme valor y enlazó a Wright con la finura de Mackintosh y la Secesión Vienesa En esta primera parte puede considerársele íntegramente del movimiento “Arts and Crafts”, como una arquitectura de ideales del siglo XIX, donde utiliza las vidrieras y la ebanistería típicas de este estilo americano. También ha de considerarse su trabajo como un modo de entender el diseño completamente nuevo y abstracto, que interpretó los elementos constructivos como una familia geométrica de planos y líneas que se prolongan en el espacio y articulan para formar volúmenes. Esto sentó las bases del nuevo lenguaje moderno.

Casa Robie House en Chicago, 1909.

Coonley House, Riverside. 1911.

Casas de la Pradera Casa William H. Winslow, 1883. Casa Susan Lawrence Dana, 1902. Casa Arthur M. Heurley, 1902. Casa Ward W. Willits, 1902. Casa Martin House en Buffalo, Nueva York, 1904, con 37 años. Unity Temple, 1905. Casa Frederick C. Robie, 1906. Casa Edward E. Boynton, 1907. Casa Robie House en Chicago, 1909, con 41 años. Casa Coonley House en Riverside, Illinois, 1911 con 44 años.bolista, entre la que destaca Zang Tumb Tumb (1914).

En las casas de la pradera, elementos como zócalos, cubiertas, paredes… se convirtieron en elementos abstractos cuya geometría protagonizaron la composición. La casa, sin perder su identidad, se convirtió en un diseño fuertemente expresivo. Concepción predominantemente horizontal, espacio interior organizado a base de dos ejes que se cruzan y la prolongación del techo en alas que forman pórticos. Gran transparencia visual, profusión de la luz y sensación de amplitud. Para diferenciar una zona de otra recurre a divisiones de materiales ligeros o a techos de altura diferente. Pionero en la utilización de nuevas técnicas constructivas, como los bloques de hormigón armado prefabricados y las innovaciones en el campo del aire acondicionado, la iluminación indirecta y los paneles de calefacción. El Larkin Building en Buffalo (Nueva York), proyectado en 1904, fue el primer edificio de oficinas en disponer de aire acondicionado, ventanas dobles, puertas vidrieras y muebles metálicos. Dejó el espacio central vacío desde la planta baja hasta el techo, con el fin de que todas las plantas se abrieran mediante balconadas a esta amplio ámbito. De carácter monumental, estructura rectangular y fachada de ladrillo. Para este edificio diseñó también el mobiliario, adecuándolo a su función laboral.

En 1921 regresó a Estados Unidos y reconstruyó en dos ocasiones Taliesin. Por otro lado, el círculo le obsesiona y comienza a experimentar con ese tipo de planta de la que nacerá el Museo Salomón Guggenheim. Tras 1909, perdería el interés por todo, abandonaría a su mujer e hijos, e iría a Alemania con Mamah Chiney. De regreso a Wisconsin, en 1911, su madre le ofreció ese espacio para trabajar y lo aceptó, convirtiéndolo en vivienda, estudio

Casas de la Nueva Era Casa Millard, en Pasadena, EEUU, 1923, con 56 años. Casa Ennis Brown, en Los ángeles, EEUU, 1923, con 56 años Casa de Herbert Jacobs, 1936. Casa Wingspread de Herbert F. Johnson, 1937. Casa Auldbrass plantation de C. Leigh Stevens,1939. Johnson Wax Company, en Racine, EEUU, 1939, con 72 años.

«La Casa de la Cascada» Grandes planos horizontales de hormigón juegan con muros verticales de piedra. Valor escultórico. Integracón de agua, árboles, rocas, cielo y naturaleza.

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y granja. Estaba emplazado en una colina a la que llamó Taliesin West (frente brillante), pensó que destruiría la colina y prefirió asentarla en la ladera. Creó un complejo con grandes patios. Armonizó el interior con el exterior de la manera más íntima posible. En el interior, bandas alargadas de ventanales y habitaciones provistas de terrazas de grava. Pero Mamah será asesinada en el incendio de su casa, junto a otras 6 personas. Wright huye a Japón y conoce a Marian Noel, se divorcia, estudia la arquitectura maya y se vuelve a casar con una bailarina yugoslava, Ivanova, que lo ayudaría a remontar su carrera. En 1921 regresó a Estados Unidos y reconstruyó en dos ocasiones Taliesin. Siguió una época de reflexión y de planteamientos más teóricos que prácticos, antes de volver a la actividad con obras en las que desempeña un papel fundamental el hormigón armado. Entre ellas ocupa un destacado su creación más famosa, la Casa Kaufmann o Casa de la Cascada, en Mill Run, EEUU, 1937, a los 70 años. El mayor ejemplo de arquitectura orgánica y perfecto modelo de vivienda doméstica moderna. Se adapta a la perfección a la topografía escalonada del terreno y prolonga hacia el exterior el espacio interior en una búsqueda de integración entre arquitectura y naturaleza.

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3.Le Corbusier Últimos años 36

Desde los 16 a los 72 años de su práctica arquitectónica, Wright proyectó más de 500 casas. En estos últimos años introdujo un nuevo desarrollo con el uso de columnas dendriformes y bordes curvos de hormigón. Edificios con la Price Tower, Beth Solomon Sinagogue y el Marin Cownty Civic Center, muestran a Wright como un genio de la proyección y un ingeniero innovador: viga y pilar en acero y hormigón. Museo Guggenheim de Nueva York.

El país tras la 2ª G.M. había impulsado la industria y la arquitectura, haciendo aumentar el coste del trabajo. Numerosos proyectos, muchos sin realizar, de parkings, hoteles, balnearios… fueron planeados durante estos años, pero se seguía centrando en las residencias privadas porque pensaba que el arquitecto debía servir a la sociedad y para ello debía empezar por la unidad básica: la casa.

Obras últimos años Iglesia First Unitarian, en Madison, EEUU, 1947, con 80 años. Casa Isadore J. Zimmerman, 1950. Price Tower en Bartlesville, EEUU, 1953, con 86 años. Casa Gerald B. Tonkens, 1954. Sinagoga Beth Sholom, 1954. Annunciation Greek Orthodox, en Wauwatosa, EEUU, 1956, con 89 años.

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«La casa como una máquina de habitar»

Por otro lado, el círculo le obsesiona y comienza a experimentar con ese tipo de planta de la que nacerá el Museo Salomón Guggenheim de Nueva York, 1959, a los 92 años. Museo Salomón Guggenheim de Nueva York, 1959. En los últimos años de su vida realizó sobre todo proyectos, algunos de los cuales se convirtieron en realidades concretas después de su muerte. El legado arquitectónico de Wright puede resumirse en dos conceptos que constituyen el centro de su reflexión: la continuidad exterior del espacio interior dentro de la armonía entre naturaleza y arquitectura y la creación de un espacio expresivo en el interior de un volumen abstracto.

3.1 Principios básicos de su obra

Entre sus aportaciones también destacan sus numerosos escritos, entre los que se incluyen An Autobiography (Autobiografía, 1932, revisada en 1943), An Organic Architecture (Arquitectura orgánica, 1939), y Natural House (Casa natural, 1954).

Establece el Modulor: compendio de un sistema de proporciones v’alidas para los edificio y objetos de uso del hombre. La medida m’axima es 2,16 m. equivalene a la altura de un hombre con el brazo extendido levantado.

Su principal preocupación es le hombre inserto en una colectividad.

Le Corbusier

2.05 Diseñador industrial

Techo/jardín: se utiliza la cubierta del edificio para montar solariums, piscinas, pistas de tenis...

(1) Side chair para su estudio de Oak Park, 1985. Esqueleto estructural. Altos respaldos que se prolongan más allá de las cabezas de los comensales. Colocadas alrededor de la mesa crean un recinto más privado dentro del comedor. (2) Lámpara de techo Mariposa para la Casa Dana, 1902. Vidrios emplomados transparentes y coloreados, a juego con las vidrieras dispuestas en diferentes puntos de la vivienda, tan del gusto de este diseñador. (3) Sala de estar de la Casa Palmer, Michigan, 1950. Amplia y ordenada. Sus muebles, con sus reiteradas formas geométricas, son necesarios para la concepción del diseño interior y proporcionan esa idea de sencillez y orden. La creación de espacio de calidad era uno de los fines de sus diseños. Muebles multiusos compactospara diferentes actividades dentro de un gran ámbito único. (4) Mobiliario modular Burberry, 1955. Para viviendas prefabricadas. El concepto modular del diseño perseguía que cada propietario fuera capaz de conformarlo de forma distinta en cada caso.

A.A.V.V., “Historia del Arte”, Barcelona, Vicens-Vives, 1998. William J. R. Curtis, “La Arquitectura Moderna desde 1900”, Madrid, Herman Blume.

Construye sobre pilotes, eliminando así la humedad y la oscuridad. Sus plantas son libres, al igual que sus fachadas. El sistema de pilares en lugar de muros de carga de carga, permite que cada piso pueda dise;arse libremente.

Curiosidades

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Conoci’o a Josephine Baker en un transatl’antico dede Sudam’erica a Europa y dibuj’o bocetos de ;a actriz desnuda. Dise;’o la Primera ciudad planificada de la India, Chandigart. En 1934 fu’e invitado por Benito Mussolini a una conferencia en Roma. Salvador Dal’i llam’o a los edificios de Le Corbusier "los m’as feos y m’as inaceptables del mundo". Se inspir’o fuertemente en los conceptos matem’aticos utilizados por Leonardo Da Vinci, como el n’umero ‘aureo y las series de Fibonacci, las cuales utilizaba como base para sus proporciones arquitect’onicas.

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3.2 Arquitecto Charles Edouard Jeanneret, (1887-1965), pintor, arquitecto y teórico franco-suizo, al que se considera la figura más importante de la arquitectura moderna. Nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds (Suiza), y en esta misma ciudad estudió artes y oficios. Trabajó dos años en el estudio parisino de Auguste Perret, y más tarde viajó a Alemania para colaborar esporádicamente con Peter Behrens y trabar relación con Joseph Hoffmann y el Deutscher Werkbund. Construyó su primera casa a los diecisiete años. En 1919 fundó con Amadée Ozenfant el purismo, una derivación del cubismo. También había creado una revista, L’Esprit Nouveau, desde la que lanzaba sus proclamas contra la Escuela de Bellas Artes. Una de sus principales aportaciones, aparte del rechazo a los estilos historicistas compartido con otros arquitectos y teóricos del movimiento moderno, es el entendimiento de la casa como una máquina de habitar (machine à habiter), publicado en un artículo en 1921, en consonancia con los avances industriales que incorporaban los automóviles, los grandes transatlánticos y los nuevos aeroplanos. Definió la arquitectura como el juego correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz, fundamentada en la utilización lógica de los nuevos materiales: hormigón armado, vidrio plano en grandes dimen-

Obras destacadas

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Pabellón del Esprit Nouveau en París (1925), la villa de Monzie en Garches (1927) y la villa Savoye en Poissy (1929-1931), aparte de los proyectos no construidos para la Sociedad de Naciones en Ginebra (1927-1928) y el palacio de los Soviets en Moscú (1928). Sus obras posteriores más representativas son la Casa de Suiza de la ciudad universitaria de París (1931-1932), la Unidad de Habitación de Marsella (1947-1952), donde puso en práctica su elaborado sistema de proporciones publicado con el nombre de modulor, la iglesia de peregrinación de Notre Dame du Haut en Ronchamp (Francia, 1950-1954), el monasterio de los dominicos de La Tourette (19571960) y el planeamiento urbano de Chandigarh, la ciudad construida en la India como nueva capital del Punjab, para cuyo capitolio proyectó los edificios de la Asamblea (1953-1961), el Palacio de Justicia (1952-1956) y el Secretariado (1958). Sus escritos más importantes se recogen en varios libros, entre los que destacan Vers une architecture (Hacia una arquitectura, 1927), La maison des hommes (La casa de los hombres, 1942) y Quand les cathédrales étaient blanches (Cuando las catedrales eran blancas, 1947). Le Corbusier murió el 27 de agosto de 1965 en Cap Martin (Francia).

siones y otros productos artificiales. Con ello no defendía la estética ni el espíritu maquinista, sino que trataba de hacer una casa tan eficaz funcionalmente como lo eran las máquinas en las tareas para las que habían sido inventadas. Una de sus preocupaciones constantes fue la necesidad de una nueva planificación urbana, adecuada a las necesidades de la vida moderna (Plan Voisin para París, Ville Radieuse, Plan Obus para Argel, Chandigarh, etc), y sus ideas han tenido una enorme repercusión en el urbanismo de este siglo. La vida moderna traía consigo una serie de exigencias cuya satisfacción era imposible encontrar en la pervivencia de la arquitectura tradicional; había por ello que adecuar la arquitectura a la civilización industrial. “Nosotros gustamos del aire puro y del sol a raudales... -afirmó-. La casa es una máquina de vivir, baños, sol, agua caliente y fría, temperatura regulable a voluntad, conservación de los alimentos, higiene, belleza a través de proporciones convenientes. Un sillón es una máquina de sentarse... los lavabos son máquinas para lavar... El mundo de nuestro quehacer ha creado sus cosas: la ropa, la estilográfica, la cuchilla de afeitar, la máquina de escribir, el teléfono... la limusina, el barco de vapor y el avión.”

Clásico

En esta etapa se caracteriza por la construcción sobre pilotes, ventanas apaisadas, solariums en terraza, juegos de rampas. Influencia Aeronáutica. Máquinas para habitar. Máquinas para descansar. Funcionalismo. La forma emana de su función y ésta se ajusta a las necesidades contemporáneas.

Brutalista

Le Corbusier fue uno de los precursores del brutalismo. Su obra cumbre fue el edificio Unité d’Habitation. El término tiene su origen en el término francés béton brut u “hormigón crudo”, un término usado por Le Corbusier para describir su elección de los materiales. geometrías angulares repetitivas, y a menudo permanecen las texturas de los moldes de madera que se emplearon para dar forma al material, que normalmente es hormigón.

Organicista

A partir de sus viajes a Latino América, Le Corbusier incorpora las bondades de la arquitectura vernácula. Un claro ejemplo de esta etapa es el Cabanon de Vacances.

En su actividad urbanista es donde más destaca su visión racional, económica y humana de la gran ciudad. Le Corbusier realizó planes urbanísticos para muchas ciudades, entre ellas París (1925), Argel (1931), Barcelona (1932), Estocolmo (1933), o Saint Dié (1945).

«Iglesia de Rondchamp» «La Villa Saboya»

«Cabanon de Vacances»

«La Unidad de habitación en Marsella»

1952, Francia

1928-1929

1947-1952

Los cinco puntos básicos de Le Corbusier están presentes en esta obra. Considerada el mejor ejemplo del racionalismo. Sustentada por pilotes, relacionada con el exterior a través de grandes cristaleras y con los espacios interiores conectados.

Edificio como gran armazón en el que se encajan las viviendas. Sobre pilotes, plantas libres con distribuciones internas variadas. Su idea era construir grandes edificios de apartamentos dotados de los servicios necesarios para constituirse en unidades autosuficientes.

De planta es irregular. El exterior, de gruesos muros blancos curvados e inclinados ligeramente, forma un volumen compacto, escultórico, rematado por una enorme cubierta. No existe una fachada principal ya que se junta la visión de frente y de perfil. En el interior crea un ambiente religioso muy intimista matizando las luces, perforándolas en un muro de forma asimétrica.

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1951-1952, Francia Es una cabaña prefabricada de una sola pieza con el mobiliario mínimo: dos camas, una mesa, armarios empotrados, dos cubos de madera como sillas, un fregadero de acero inoxidable detrás de una bajada sanitaria, un wc; ventilaciones y pinturas de su autor.

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4. Mies Van Der Rohe 3.3. Diseñador de interiores y mobiliario 40

41 El sello de Le Corbusier no se limitó sólo al mundo de la arquitectura, sino que también tiene varios “hitos” en lo referente a diseños de interiores, y a muebles en particular. Con su característica visión funcionalista, sus piezas más reconocidas se destacan por líneas despojadas, economía de materiales y de ornamentaciones. La racionalidad que demostraba al realizar sus edificios, la demostró igualmente al diseñar sus muebles, simplicidad de líneas con una base funcional fue el secreto de sus exitosos diseños.

«Menos es más» «Dios está en los detalles»

Silla LC 1

La Exposición de artes decorativas celebrada en París en 1925, fue el impulso definitivo para que este magnifico arquitecto, se lanzara al diseño de muebles. Los primeros muebles fueron realizados en colaboración con Pierre Jeanneret y Charlotte Perriand. Las sillas y sillones eran realizados en términos de confort, tras realizar estudios antropométricos, por ello a pesar de que los diseños nos puedan parecer muy rectos, son sumamente cómodos.El primer diseño que realizó Le Corbusier conjuntamente con estos diseñadores fue la Silla LC1, presentada en 1928, esta silla tenia un respaldo ajustable en altura que permitía al usuario elegir la postura más cómoda.

4.01 Introducción

Si hay un diseño conocido de Le Corbusier y sus colaboradores, es el LC4, más conocida como Chaise Lounge. Fue presentada en el Salón de Otoño del Diseño de 1929, aunque fue diseñada para la Casa Church en 1928. Se trata de un diseño purista, radical, que en su tiempo se ganó el reconocimiento que hoy la han convertido en un clásico del diseño. Otro de los diseños más reconocidos han sido los LC2, LC3 y LC5, sofás de 1, 2 y 3 plazas, pensados para revolucionar la fabricación en serie de muebles modernos. Además debemos reseñar el diseño de taburetes y sillas de comedor, como la LC7, presentada en el Salón de Otoño de 1929 o el LC8. Le Corbusier, Jeanneret y Perriand, buscaban diseñar mobiliario para todas las estancias de la casa, así por ejemplo diseñaron el LC9, un taburete para el baño, muy simple, con asiento de tela.

Arquitecto alemán nacionalizado estadounidense, uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna y con toda probabilidad el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio. Definió la esencia del racionalismo. Crea espacios abiertos al exterior buscando la integración con le entorno.

Chaise Lounge LC4

Se interesó por los materiales como elemento expresivo: piedra, mármol, acero y vidrio.