Histoire du Cinéma Classique

   

 

Histoire  du  Cinéma  Classique   V2F01   David  Chirol  

SOMMAIRE  

         

   

   

 

I.

Transition  vers  le  cinéma  parlant  …………………………………p3-­‐7   1) 2)

II.

Hollywood  classique  :  les  années  30……………………………..p8-­‐10   1)

III.

L’arrivée  du  son………………………………………………p3   Conséquences………………………………………………..p4  

L’âge  d’or  des  studios………………………………………p8-­‐10  

Cinéma  français  des  années  30……………………………………p11-­‐17   1)              Contexte……………………………………………………….p11   2)              Structure,  production,  réalisateurs…………………….p11-­‐13   3)              Le  réalisme  poétique……………………………………….p14-­‐17  

IV.

Cinéma  allemand  des  années  30….p18-­‐23   1)            Sous  la  république  de  Weimar…………………………..p18-­‐20   2)            Sous  le  troisième  Reich…………………………………...p20-­‐22   3)            Cinéma  d’après  guerre…………………………………….p23  

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Partie  1  :  Transition  vers  le  cinéma  parlant    

  1)  L’arrivée  du  son  :   Le  1er  film  sonorisé  à  séquences  parlantes  est  «  Le  chanteur  de  jazz  »  de  Allan  Crosland,  avec   Al  Johnson,  sorti  en  1927.  Seules  deux  séquences  contiennent  des  paroles,  le  reste  du  film   est  muet  mais  comporte  des  effets  sonores.  Ces  films  semi  parlants  seront  appelés  des   «  talkies  ».     Avant  1927,  le  son  des  films  était  réalisé  en  direct  dans  les  salles  (instrumentistes,  bruiteurs,   acteurs   doublant   les   dialogues,   bonimenteurs).   Mais   il   y   a   toujours   eu   des   expérimentations   pour   ajouter   le   son,   mais   le   principal   problème   était   la   synchronisation   avec   l’image   (cependant   possible   pour   les   films   courts),   ainsi   que   celui   de   l’amplification   du   son   (au   moment  de  l’enregistrement,  et  dans  les  grandes  salles  ou  tout  le  public  doit  entendre).   Il   existait   deux   systèmes   pour   enregistrer   le   son  :   a. Le  son  sur  disque   b. Le  son  optique     a. Le  procédé  de  son  sur  disque  est  simple,   le   film   défile   et   un   gramophone   lit   la   piste   sonore   contenue   dans   un   disque.   Le   système   le   plus   utilisé   sera   celui   mis   en   place   par   la   Warner  :   le   Vitaphone   (adopté   notamment   pour   «  Le   chanteur   de   jazz  »   en   1927   et   «  Don   Juan  »   en   1926).   Ce   système   ne   sera   utilisé   qu’entre   1926   et   1930,   et   disparaît   totalement  en  1932,  les  disques  de  gramophone  s’abimant  trop  rapidement.     Vitaphone,  b obine  et  disque  lus  en  même     temps.   b. Le   son   optique   consiste   quand   à   lui   à   imprimé   directement   la   piste   sonore   sur   la   pellicule   (enregistrement   des   variations   électro-­‐acoustiques   et   traduction   en   variations   lumineuses).   Plusieurs   systèmes   seront   créés,   en   particuliers   le   Phonofilm   de  Lee  Deforest  (1919)1  et  le  Phonophone  de  Georges  Demeny  (1895  !)2.                                                                                                               1

 

 En  1927,  le  producteur  Pat  Powers  en  fera  une  contrefaçon,  nommée  «  Cinephone  »  

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L’année   1928/1929   fut   une   année   de   grande   transition,   on   passe   d’une   diffusion   majoritairement   composée   de   films   muets   à   une   transition   majoritairement   composée   de   films  parlant.  À  partir  de  1930,  le  monde  entier  produit  des  films  parlants.      

Diffusion  en  1928  

Diffusion  en  1929  

Muets  

Muets  

Semi-­‐Parlants  

Parlant  

Semi-­‐Parlants  

Parlant  

3%   16%  

21%   54%   76%  

30%  

 

L’arrivée   du   parlant   sera   un   grand   bouleversement   dans   le   monde   du   cinéma,   premièrement   au   niveau   du   monde   du   travail  :   de   nombreuses   carrières   prennent   fin   tandis   que   de   nouvelles   démarrent.   Beaucoup   de   réalisateurs   réputés   mettent   un   terme   à   leurs   carrières  (Buster  Keaton,  David  Griffith…)  et  des  réalisateurs  venus  d’Europe  rentrent  dans   leur   pays   d’origine   (Sjöström,   Tourneur…).   D’autres   réalisateurs   passent   le   cap,   comme   Lubitsch,  Sternberg,  Browning…       On   voit   l’arrivée   massive   du   personnel   du   théâtre   venant   de   la   côte   est   (New   York)   chez   les   anciens  cinéastes  du  muet.  Ils  commencent  par  simplement  les  épauler,  puis  prennent  place   à   la   réalisation.   Ils   seront   surtout   utiles   pour   effectuer   un   nouveau   travail   dans   l’industrie   du   cinéma  :   la   scénarisation,   on   a   besoin   d’écrire   les   dialogues.   Beaucoup   de   comédiens   deviendront  acteurs  du  cinéma,  les  acteurs  n’ayant  pas  une  voix  adaptée  seront  virés  et  les   acteurs  à  accent  étranger  n’auront  que  des  rôles  secondaires.3    

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                2

 Il  sera  amélioré  et  servira  à  Alice  Guy  pour  tourner  plus  de  100  bandes  chantantes  entre  1900  et   1907  (source)   3  Des  acteurs  comme  Gish,  Pickford  ou  encore  Fairband  seront  virés,  tandis  que  des  acteurs  comme   Emil  Sannings  retourneront  dans  leur  pays  pour  tourner  dans  leur  langue  maternelle.  

 

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Les   métiers   de   bonimenteurs,   bruiteurs   et   instrumentistes   seront   évidemment   touchés   eux   aussi,   ils   subissent   des   licenciements   en   masse.   Au   Japon,   ces   licenciements   entraineront   une  vague  de  suicides  chez  les  benshis  (bonimenteurs  japonais).    

L’organisation   en   studio   devra   être   revue  :   tout   va   être   lié   à   la   prise   de   son   (costumes,   caméras,  décors…).  Les  tournages  vont  donc  demander  beaucoup  plus  de  travail,  il  faut  les   préparer   à   l’avance   et   donc   imaginer   la   forme   finale   d’une   scène   dés   le   départ.   L’improvisation  prendra  une  place  moindre,  le  produit  cinématographique  se  standardise.   Les   équipements   techniques   sont   alourdis   (plusieurs   caméras   doivent   être   placées   dans   des   caissons   pour   diminuer   le   bruit),   entrainant   des   tensions   entre   les   techniciens   qui   se   gênent   mutuellement   lors   du   tournage.   Ces   problèmes   seront   réglés   par   la   suite   lorsque   seront   mis   au   point   les   caméras   silencieuses,   les   perches   pour   micro   et   la   postsynchronisation.   Par   souci  technique,  la  fréquence  est  standardisée  à  24  images/seconde.    

C’est   un   bouleversement   économique,   l’équipement   nécessaire   coûte   très   cher  :   les   entreprises   prennent   des   risques.   On   décide   alors   de   faire   des   films   qui   rapportent   en   utilisant   des   vedettes  :   c’est   le   renforcement   du   «  star-­‐system  ».   Les   petites   sociétés   de   production  ne  tiennent  pas  le  choc  et  se  font  engloutir  par  les  grandes  firmes.  

Bien   qu’il   existe   de   grands   films   parlant   («  Scarface  »,   «  L’ange   bleu  »…)   ,   beaucoup   de   films   tournés   à   la   hâte   déçoivent.   Le   parlant   sera   alors   longtemps   considéré   comme   une   régression  de  l’art  cinématographique  (allongements  des  plans  ,  tournages  en  studio…).     Le  parlant  apporte  cependant  de  nouveaux  genres  irréalisables  avant,  comme  la  comédie   musicale.  On  va  également  adapter  des  pièces  de  théâtre  au  cinéma,  les  pièces  ayant  un   support  dramatique  tout  prêt  (pas  besoin  d’écrire  de  dialogue).  En  France  entre  1930  et   1934,  37%  des  films  sortis  sont  des  pièces  de  théâtre  filmées.    

En  effet  dans  le  cinéma  muet,  les  films  étaient  facilement  exportables,  il  suffisait  de  filmer   les   cartons   d’intertitres   en   plusieurs   langues,   chose   devenue   plus   compliquée   avec   le   parlant  !   Le   cinéma   Américain   dont   les   recettes   proviennent   essentiellement   de   l’exportation  est  obligé  de  chercher  des  solutions.     -­‐ Des   films   «  bilingues  »   apparaissent,   comme   «  Allo   Paris,   Ici   Berlin  »   de   Duvivier   ou   «  No   Man’s   Land  »   de   Trivas,   qui   offrent   un   jeu   entre   les   acteurs   parlant   les   différentes  langues.  

 

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On   pense   aux   sous   titres   mais   ils   ne   seront   pas   adoptés   immédiatement   (on   sous   titre  industriellement  en  France  depuis  1933),  le  problème  étant  qu’il  faut  simplifier  à   l’extrême  le  texte.   Le   doublage,   d’abord   rejeté   par   le   public,   devient   une   activité   régulière   à   partir   de   1931.  Les  politiques  de  doublage  diffèrent  selon  les  pays.4 Certains   films   seront   tournés   en   plusieurs   versions,   avec   autant   d’équipes   de   comédiens   et   de   réalisateurs   que   de   langues5.   Le   1er   film   à   versions   multiples   était   «  Atlantique  »,   paru   en   Français,   Anglais,   et   Allemand.   Cette   solution   sera   abandonnée  car  trop  couteuse  et  effaçant  les  éléments  sociaux  et  culturels.

    C’est   le   doublage   qui   sera   retenu,   surtout   grâce   aux   progrès   du   mixage   apparu   en   1932.   On   peut   alors   enregistrer   séparément   les   différents   sons,   les   mixer   et   ainsi   permettre   le   doublage.  La  piste  sonore  des  films  devient  également  plus  maîtrisée.                                                                                                                                   4  La  Scandinavie  ne  double  aucun  film,  ils  seront  tous  en  VO  sous  titrés.  L’Italie  au  contraire   ne  diffuse  que  des  films  doublé  en  Italien  :  c’est  une  mesure  protectionniste  de  Mussolini   pour  «  préserver  »  la  culture  Italienne.  Dans  les  pays  de  l’est,  on  double  en  voix  off  par   dessus  le  dialogue  original.   5  Le  record  est  détenu  par  un  film  ayant  été  tourné  en  13  versions  différentes  !    

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  Le  cinéma  parlant  a  connu  2  réactions  :   1. Certains  cinéastes  saluent  l’arrivée  du  parlant,  le  cinéma  devient  pour  eux  alors  plus   réaliste,  plus  vivant.   2. D’autres   considèrent   que   le   son   est   une   dégénérescence   du   cinéma  :   c’est   une   copie   du   réel   plus   qu’un   travail   d’imagination   et   de   montage.   C’est   le   cas   d’Eisenstein,   Alexandrov,  Poudovkine6  et  de  René  Claire7     Le   plus   grand   résistant   au   cinéma   parlant   sera   Charlie   Chaplin.   Il   n’est   pas   hostile   à   l’arrivée   du   son,   au   contraire,   cela   lui   permet   de   composer   sa   propre   musique.   Il   est   cependant   hostile  à  l’arrivée  de  la  parole.     Il  ne  réalisera  que  3  films  dans  les  années  30  :     1931  :  «  Les  lumières  de  la  ville  »,  film  sonore  sans  paroles  («  comédie  pantomime  »)   1936  :  «  Les  temps  modernes  »,  film  sonore  avec  voix,  mais  ces  dernières  ne  sont  audibles   qu’à  travers  des  machines.   1940  :  «  Le  dictateur  »,  son  premier  film  parlant,  et  son  dernier  film.                                                                                                                                                               6  Ils  vont  rédiger  un  manifeste  dénonçant  la  non  coïncidence  entre  le  son  et  l’image  :  ils   veulent  travailler  l’un  et  l’autre  sans  but  réaliste.   7  René  Claire  considère  le  cinéma  parlant  comme  «  contre  nature  ».    

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Partie  2  :  Hollywood  classique  :  les  années  30     Les   années   30   sont   une   période   de   crise   (4   octobre   1929  :   jeudi   noir,   début   de   la   grande   dépression).  Le  cinéma  n’est  pas  épargné  par  cette  crise,  ce  secteur  est  touché  par  20%  de   chômage  et  le  salaire  des  ouvriers  baisse  de  ¼  en  moyenne.     Roosevelt   va   être   élu   président   en   1933   (jusqu’en   1945),   il   met   en   place   le   New   Deal   pour   lutter  contre  la  crise  (rationalisation  de  l’économie  par  l’état  :  état  providence).  Il  suit  alors   une   période   d’isolationnisme,   les   USA   n’interviennent   pas   dans   le   reste   du   monde   militairement.       Les   activités   cinématographiques   sont   regroupées   à   Hollywood,   en   raison   d’un   soleil   plus   fréquent   et   de   prix   de   terrains   plus   bas.   Dés   les   années   30,   le   cinéma   Hollywoodien   se   caractérise  par  :     -­‐ un  regroupement  en  grandes  firmes   -­‐ une  organisation  en  genre   -­‐ le  star-­‐system   -­‐ un  système  d’autocensure  (code  Hays)   -­‐ un  drainage  des  cinéastes  du  monde  entier8      

1) L’âge  d’or  des  studios         Studio  :   -­‐ «  Des  ateliers  de  peintures  combinés  à  une  usine  à  la  chaîne  »   -­‐ Principalement  basés  à  Los  Angeles,  ils  ont  pour  but  de  produire  des  films  en  masse.   -­‐ Dirigés  par  des  patrons,  puis  des  producteurs  exécutifs,  puis  des  producteurs     -­‐ Les   patrons   ont   une   grande   longévité,   certains   garderont   leur   poste   pendant   des   décennies     On  retient  principalement  5  majors  companies  (le  «  Big  Five  »)  produisant  chacune  40  à  50   films  par  an  et  3  semi  majors  (les  «  Little  Three  »)  produisant  chacune  environ  20  films  par   an.  Ces  studios  existaient  presque  tous  déjà  depuis  les  années  20.     Après  l’arrivée  du  parlant,  la  stabilité  du  système  mis  en  place  met  fin  au  règne  du  metteur   en  scène,  c’est  la  production  qui  est  principalement  chargée  du  film,  on  assiste  alors  à  une   standardisation  du  cinéma.                                                                                                               8  Notamment  après  l’arrivée  du  nazisme,  beaucoup  de  cinéastes  allemand  et  d’Europe   centrale  migrent  vers  les  USA.    

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1. L’intégration  verticale     C’est   le   modèle   économique   qui   va   expliquer   la   puissance   des   studios.   Le   studio   se   divise   en   trois  secteurs  :                Production   Contrôlés  par  les  studios            Distribution            Exploitation9       C’est   une   structure   de   monopole   contestée   par   des   lois   anti   trust,   mais   sans   effets   avant   1949   (puis   dans   les   années   50),   il   va   se   créer   une   séparation   entre   ces   domaines   qui   entrainera  le  déclin  des  majors  plus  tard.     Il  existe  tout  de  même  des  producteurs  et  distributeurs  indépendants  mais  peu  nombreux.   (ils  produisent  souvent  des  films  dédiés  à  des  communautés  ethniques)     Cette  intégration  verticale  entraine  deux  pratiques  :     Le   block-­‐booking  :   Les   majors   vont   au   moment   de   louer   des   films,   demander   aux   exploitants  de  réserver  un  groupe  de  films  (ils  obligent  aux  exploitants  de  montrer  d’autres   films  en  plus  de  celui  voulu.     Le   blind-­‐booking  :   Réservation   à   l’aveugle,   les   exploitants   louent   des   films   qu’ils   n’ont   pas   visionnés.       2. Organisation  en  départements  internes.     Chaque   domaine   de   création   artistique   a   un   département   (costumes,   décors,   musiques…).   Ces   départements   ont   chacun   un   chef   de   département   qui   devra   rendre   des   comptes   directement  au  producteur  et  non  au  réalisateur.     D’un   film   à   l’autre   on   réutilise   les   mêmes   costumes,   décors,   musiques…   Chaque   firme   va   donc  petit  à  petit  se  forger  une  identité.                                                                                                                         9  Souvent  dans  les  propres  salles  du  studio    

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3. Employés  sous  contrat  

  C’est   un   système   dans   lequel   les   employés   sont   sous   contrats,   y   compris   les   acteurs,   réalisateurs.  (MGM  :  4  000  employés  permanents,  environ  20  réalisateurs  et  60  scénaristes)     Toutes   les   personnes   travaillant   sous   une   firme   sont   sous   contrat,   alors   qu’aujourd’hui   on   choisit  un  projet  puis  l’on  compose  son  équipe  studio.     Les   vedettes   sont   des   employés   (contrats   longues   durées).   Les   acteurs   ont   des   closes   sur   la   vie  privée  :  ils  règlementent  les  signes  extérieurs  de  la  vie  des  vedettes  (leur  vie  déborde  des   films),   ils   «  gèrent  »   leur   vie   privée.   (Ex  :   L’acteur   Hutson,   homosexuel,   va   être   marié   de   force  par  Universal)     4. Division  entre  catégories  A  et  B     Le  double  programme  se  généralise,  une  séance  contient  2  films  en  plus  de  dessins  animés,   actualités,  bande  annonces,  le  tout  durant  environ  3h).  Ils  diffusent  un  film  A  puis  un  film  B   (pas  plus  de  1h10,  petit  budget  et  tourné  rapidement).     Les  majors  produisaient  eux  même  les  films  B  avec  une  équipe  spécialisée,  mais  ont  peu  à   peu  délégué  leur  réalisateurs  à  d’autres  firmes.  Certaines  firmes  se  spécialisent  donc  dans  le   film   B   (Monogram,   PRC,   Republic).   Chaque   studio   comporte   une   équipe   de   réalisation   de   dessins  animés.       La   fréquentation   des   salles   bat   des   records,   elle   passe   de   80   millions   de   spectateurs   par   semaine   en   1930   à   100   millions   de   spectateurs   par   semaine   en   1946   (année   record).   De   nombreuses  salles  se  construisent  :  des  salles  d’exclusivités,  les  «  drive-­‐in  »…                                        

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Partie  4  :  Cinéma  français  des  années  30    

Contexte     Les   années   sont   des   années   marquées   par   la   crise   économique   et   sociale   de   la   grande   dépression  qui  touche  la  France  à  partir  de  1931/1932.  Les  classes  moyennes  sont  durement   touchées,  le  pouvoir  est  incapable  de  trouver  des  solutions,  on  se  trouve  dans  une  période   d’instabilité   ministérielle   avec   une   série   de   scandale   politico-­‐financier,   montée   de   l’antiparlementarisme  (manifestation  du  6  février  1934  qui  tourne  à  l’émeute).     Le   fascisme   monte,   les   partis   de   gauche   fondent   le   Front   Populaire.   Ils   sont   au   pouvoir   à   partir   de   1936.   Beaucoup   d’acquis   sociaux  :   la   semaine   des   40   heures,   les   congés   payés,   relèvement   des   salaires…   Une   partie   de   la   production   cinématographique   va   donc   refléter   cette  période  et  cette  société  en  pleine  ébullition,  ainsi  qu’une  production  militante.   Cette  période  est  aussi  marquée  par  la  montée  des  tensions  entre  Allemagne,  France…     Le  30  janvier  1929  sort  en  France  «  Le  Chanteur  de  Jazz  ».  Un  certain  nombre  de  films  vont   être   rapidement   sonorisés   pour   exploiter   les   procédés   sonores   (films   muets   auxquels   on   ajoute   à   la   va   vite   des   scènes   dialoguées   et   musicales).   Les   salles   vont   s’équiper   progressivement   mais   il   faut   aussi   équiper   les   studios   de   tournage,   les   tous   premiers   films   français  parlant  vont  être  tournés  en  Grande  Bretagne  qui  s’était  équipée  plus  rapidement   que  la  France  dans  ses  studios.     Trois  grands  studios  Français  qui  s’équiperont  :   -­‐  Epinay   -­‐  Billancourt   -­‐  Joinville     Ils  sont  tout  trois  prêt  à  la  fin  d’octobre  1929.     Il   y   aura   des   réussites   plus   ou   moins   grandes.   L’arrivée   du   parlant   touchera   beaucoup   d’acteurs,   notamment   les   Russes   de   Montreuil   qui   avaient   beaucoup   contribué   au   cinéma   français   des   années   20.   Les   acteurs   seront   recrutés   au   théâtre   (Michel   Simon,   Harry   Baur,   Jules  Berry…    

Structure  de  la  production     Dans   les   années   30,   la   profession   du   cinéma   n’est   pas   structurée,   en   crise   permanente,   désorganisé  :  rien  à  voir  avec  les  studios  américains.  Très  fragilisé  par  la  crise,  la  profession   misait  beaucoup  sur  l’arrivée  du  parlant,  la  transformation  des  salles,  des  studios  ;  mais  tous   ces  investissements  ont  causé  l’endettement  de  la  profession.  Les  années  30  seront  pleines   de  faillites  (notamment  1933),  les  deux  empires  du  met  Pathé  et  Gaumont  vont  s’effondrer   progressivement  de  façon  assez  parallèle.        

 

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La  production  se  dissémine,  le  cinéma  français  est  soutenu  par  des  entreprises  très  fragiles,   par  des  sociétés  qui  on  souvent  été  créées  au  coup  par  coup  pour  produire  tel  ou  tel  film,  et   non  pas  pour  soutenir  une  production  longue  :  285  producteur  ne  sortiront  qu’un  seul  film   chacun.  Chaque  année,  plusieurs  dizaines  de  sociétés  de  production  font  faillite  pendant  que   du   côté   de   l’état,   aucune   structure   n’encadre   le   cinéma.   L’idée   qu’il   faudrait   structurer   la   profession  apparaît  dans  les  années  30,  il  va  y  avoir  des  réflexions  au  niveau  parlementaire.   À  la  fin  des  années  30  arrive  une  loi  de  réorganisation  du  cinéma  français  mais  il  sera  trop   tard  (1939),  c’est  le  régime  de  Vichy  qui  s’en  occupera.    

Genre  des  années  30     On   associe   surtout   le   cinéma   français   des   années   30   au   réalisme   poétique.   Les   séances   durent  environ  2h50  (double  programme),  souvent  composé  de  comédie,  de  théâtre  filmé,   d’adaptation   littéraire…   La   production   courante   n’est   pas   caractérisée   par   une   exigence   esthétique,  ce  n’est  pas  du  cinéma  de  grande  qualité     1934  :   37%   des   films   sont   des   adaptations   de   pièces   de   théâtre   (pièces   récentes,   vaudeville…)   Beaucoup   de   films   d’opérette,   de   music   hall   (avec   Fernandel),   et   de   films   avec   des   ambiances   militaro-­‐patriotiques.   Les   auteurs   écrivent   très   vite   et   s’inspirent   en   général   de   l‘actualité,  de  la  rubrique  judiciaire  des  journaux,  des  faits  divers…  (Films  sur  la  corruption,   l’affairisme).       Cette   production   courante   n’est   esthétiquement   pas   très   innovante,   la   mise   en   scène   est   plate.   L’intérêt   de   la   production   réside   dans   les   acteurs   (Michel   Simon,   Raimu,   Baur,   Arletty…).   C’est   un   cinéma   très   pauvre   dans   l’ensemble,   très   désorganise,   mais   qui   a   produit   une   poignée   de   films   qui   ont   porté   très   haut   l’image   du   cinéma   français,   qui   garde   aujourd’hui  un  énorme  prestige.  

Réalisateurs     René  Clair  avait  réalisé  plusieurs  films  d’avant  garde  à  l’époque  du  muet,  des  pièces  fondées   sur  le  dialogue  transcrites  sans  paroles.  C’était  également  un  grand  critique  des  années  20,  il   voyait  l’arrivée  du  parlant  d’un  très  mauvais  œil.  Il  s’y  converti  à  partir  de  1930  avec  «  Sous   les  toits  de  Paris  ».  Très  influencé  par  Chaplin,  il  écrit  le  scénario  de  tous  ses  films  et  apporte   au   cinéma   une   vision   d’auteur   qui   va   beaucoup   influencer   l’histoire   du   cinéma   dés   les   années  30.  C’est  le  premier  à  développer  ce  style  très  personnel,  des  films  animés  par  des   chansons,   de   la   musique,   il   met   en   scène   un   peuple   parisien   très   poétisé,   aérien  :   une   vision   qui  va  séduire  le  monde  entier.    Il  réalise  5  films  parlants  importants  dans  les  années  30  :   1. Sous  les  toits  de  Paris  193010   2. Le  million  1931   3. À  nous  la  liberté  1932   4. Quatorze  Juillet  1933   5. Le  dernier  milliardaire  1934                                                                                                               10  Film  sonore,  musical,  chanté  mais  très  peu  parlé.    

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1  :  Histoire  d’un  chanteur  de  rue  (joué  par  Albert  Préjean).  Décors  de  Lazzare  Meerson.   Couleurs   très   claires,   images   presque   transparentes  :   cinéma   qui   rejette   les   contrastes   durs,   et   travaille   sur   les   nuances   en   demi   teinte.   L’industrie   du   cinéma   étant   liée   à   l’industrie  du  disque  et  de  la  radio,  la  chanson  du  début  est  un  grand  succès.     2  :   Vaudeville,   histoire   de   deux   artistes   peintres   qui   ne   gagnent   pas   leur   vie   avec   la   peinture,   poursuivis   par   leur   créancier,   poursuivent   un   voleur   qui   a   dérobé   une   veste   contenant   un   billet   de   loterie   gagnant.   Très   inventif   au   niveau   du   son,   une   des   rares   comédies  musicales  du  cinéma  français  travaillant  beaucoup  sur  les  bruitages  (scène  de   bataille  pour  récupérer  la  veste  ou  passe  en  fond  sonore  l’enregistrement  d’un  match  de   rugby).     3  :  met  en  parallèle  entre  la  vie  en  prison  et  le  travail  en  usine  :  dénonce  le  machinisme.     4  :  présente  une  vision  poétisée  du  petit  peuple  parisien     René  Clair  part  de  France  en  1935,  il  reviendra  après  la  guerre.     Jean  Vigo  :  Il  a  une  carrière  éclair  (mort  très  tôt),  il  n’a  fait  que  4  films  dont  un  seul  long   métrage.  Sa  filmographie  ne  fait  au  total  que  3h.  Ce  cinéaste  fait  figure  de  poète  maudit,   des   films   avec   un   climat   très   difficile   à   décrire,   un   mélange   d’étrange   et   d’élégiaque.   Il   commence  par  des  documentaires  (un  sur  Nice  :  «  À  propos  de  Nice  »  1930,  un  «  point   de   vue   documenté  »   et   un   sur   Jean   Taris   «  La   natation,   par   Jean   Taris,   champion   de   France  »   1931),   puis   réalise   un   moyen   métrage   «  Zéro   de   conduite  »   sur   la   vie   de   collège   en   internat   après   les   vacances,   ou   le   monde   des   enfants   et   celui   des   adultes   sont   hostiles.   Dans   ce   film,   lors   de   la   fête   du   collège,   4   garçons   entre   en   révolte   contre   l’institution.   Cette   scène   ne   passera   pas   le   coup   de   la   censure,   le   film   sera   censuré   en   1933   puis   ré   autorisé   seulement   en   1945  :   «  film   critiquant   de   manière   ostentatoire   le   corps  enseignant  français  ».  Son  dernier  film  «  L’Atalante  »,  un  long  métrage  avec  Michel   Simon,   musique   de   Maurice   Jaubert.   C’est   une   histoire   d’amour   entre   Jean   et   Juliette,   Juliette  veut  voir  Paris  mais  c’est  impossible,  elle  va  être  séduite  par  quelqu’un  d’autre   acceptant  de  lui  montrer…  Film  de  geste,  de  regard,  très  mal  accueilli  par  la  profession,  la   maison   de   production   a   massacré   le   film   avant   de   le   sortir,   l’a   remonté   puis   renommé   «  Le   chaland   qui   passe  ».   C’est   seulement   après   la   guerre   qu’il   sera   vu   dans   les   cinéclubs   et   reconnus.   Vigo   meurt   de   la   tuberculose   en   1934,   ses   films   n’auront   pas   été   vus   au   moment   ou   ils   ont   été   tournés   et   produits,   il   sera   redécouvert   et   reconnu   seulement   après  la  guerre.                  

 

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Courant  du  réalisme  poétique  :  Carné,  Duvivier,  Grémillon     C’est   un   cinéma   très   écrit,   avec   des   dialogues   très   stylisés,   on   y   retrouve   les   répliques   les   plus  célèbres  du  cinéma  français.  Henri  Jeanson  à  l’origine  journaliste  (au  canard  enchainé),   Charles  Spaak  qui  fait  24  films  entre  1935  et  1938  et  Jacques  Prévert  :  10  films  entre  1935  et   1938.   Jacques   Prévert   aura   un   rôle   capital   dans   le   cinéma   français   à   l’époque,   il   fait   parti   du   groupe  «  octobre  »  qui  fait  du  théâtre  politique  à  tendance  communiste,  il  sera  célèbre  pour   ses   films   avec   Carné,   connu   pour   son   antiaméricanisme   et   antimilitarisme  :   les   pauvres   s’opposent  aux  malfaisant,  aux  nuisibles.     Cette  formule  de  réalisme  poétique  a  été  inventée  par  la  critique  littéraire  à  propos  de  livres   comme  ceux  de  Marcel  Aimé,  utilisée  au  cinéma  pour  un  film  adapté  justement  de  Marcel   Aimé.   Ce   cinéma   propose   des   personnages   en   quête   d’un   ailleurs   impossible.   On   y   trouve   l’idée  d’évasion  par  l’aventure,  par  le  rêve.  Ce  cinéma  est  complètement  fabriqué,  artificiel,   autant   dans   le   scénario   que   dans   le   film.   Carné   détestait   cette   expression,   il   parle   de   «  fantastique   social  ».   Pierre   Billard   parle   de   populisme   tragique.   L’expression   de   réalisme   poétique  est  cependant  rentrée  dans  l’histoire,  aussi  bien  en  France  qu’à  l’étranger.      

Caractéristiques  du  cinéma  réaliste  poétique  :     §

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un   grand   pessimisme,   une   grande   noirceur,   voir   un   coté   très   dépressif.   (qui   correspond   à   la   période   de   tension   qui   traverse   la   France)   Les   personnages   ont   un   grand   mal   de   vivre,   il   y   a   tendance   à   la   tragédie,   la   fin   malheureuse   se   généralise   dans   les   films,   tout   comme   un   certain   fatalisme.   Carné   rencontrait   beaucoup   d’hostilité,   on   l’accusait   de   morbidité.   Les   personnages   de   ces   films   sont   des   gens   du   peuple,   des   ouvriers,   des   marginaux   atteints   du   mal   de   vivre   (ce   cinéma   dit   «  de   la   rue  »).     Une   grande   importance   est   donnée   au   travail,   ou   plutôt   à   l’absence   de   travail.   L’acteur   principal   de   ces   films   est   Jean   Gabin,   c’est   l’acteur   par   excellence   du   réalisme  poétique.  À  part  dans  Golgotha  (ou  il  joue  Ponce  Pilate),  il  a  toujours  eu  le   rôle  de  l’homme  du  peuple.  C’est  sur  son  nom  que  comptait  les  films,  il  a  permis  a   des  films  d’être  tourné  (sans  lui  certains  films  ne  se  serait  pas  faits).  Dans  certains  de   ses  contrats,  il  est  prévu  que  la  production  n’ait  rien  le  droit  de  changer  sans  l’accord   de  Jean  Gabin.   Tout  un  travail  sur  les  décors  et  la  lumière,  c’est  surtout  un  cinéma  de  studio  («  Hôtel   du   nord  »   est   censé   se   passer   sur   le   canal   St   Martin,   il   est   en   fait   tourné   en   studio   ou   le   canal   a   été   reproduit).   Le   décorateur   principal   est   Alexandre   Trauner,   un   juif   hongrois   (il   a   construit   les   rues   du   quai   des   brumes,   la   place   de   «  Le   jour   se   lève  »…).   La   lumière   vient   principalement   du   travail   de   Curt   Courant   et   Eugen   Schüffan,   ils   arrivent  au  milieu  des  années  30  en  France  après  avoir  quitté  l’Allemagne  nazie.  Ils   jouent   sur   une   lumière   inspirée   de   la   lumière   allemande,   les   grandes   ombres,   les   contrastes   violents  :   gros   travail   sur   la   lumière   artificielle   (précurseur   du   film   noir   américain).  

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C’est   une   nouvelle   génération   du   cinéma   français   menée   par   des   jeunes   cinéastes.   Parmi   les   cinéastes,   on   note   Jean   Grémillon   («  Gueule   d’amour  »   avec   Jean   Gabin,   ou   il   incarne   un   cavalier   de   l’armée   française  ;   «  L’étrange   Monsieur   Victor  »   avec   Raimu),   Jacques   Feyder,     Julien   Duvivier   («  La   Bandera  »   1935   avec   Jean   Gabin,   «  La   belle   équipe  »  111936   avec   Jean   Gabin  et  «  Pépé  le  moko  »  1937).  Duvivier  part  en  1938  tourner  aux  Etats-­‐Unis.     Carné  est  l’un  des  cinéastes  les  plus  importants  de  la  période,  il  est  passé  de  journaliste  de   cinéma  au  stade  d’assistant  (de  Jacques  Feyder  et  René  Clair).  Il  a  réalisé  un  film  muet  à  la   fin  des  années  20  en  extérieur.  Dans  le  film  «  Jennie  »  1936,  on  lui  a  imposé  les  techniciens   mais   il   a   choisi   de   travailler   avec   Prévert.   Prévert   et   Carné   inventent   des   très   bon   second   rôles,  assez  caractéristiques  de  la  période.  1937  :  «  drôle  de  drame  »,  également  un  scénario   de  Prévert  :  échec  publique  à  l’époque,  succès  après  la  guerre.  «  Le  quai  des  brumes  »  1938,   avec  Jean  Gabin,  Michelle  Morguant  ;  encore  une  collaboration  avec  Prévert.  Dans  ce  film,   Jean   Gabin   joue   un   déserteur   de   l’armée   coloniale.   «  Hôtel   du   nord  »   1938,   Jeanson   aux   scénarios  et  aux  dialogues.  Le  film  est  centré  sur  deux  couples,  un  couple  romantique  et  un   couple   plus   trivial,   cynique   et   pittoresque.   Le   film   phare   de   Carné   est   «  Le   jour   se   lève  »   1939,  dans  lequel  Jacques  Prévert  revient  pour  les  dialogues,  un  des  films  les  plus  noirs  de   l’époque.   Le   film   est   très   intéressant   dans   sa   construction,   le   scenario   est   construit   en   flashback   (scenario   de   Jacques   Viot).   Tous   les   décors   sont   créés   en   studio.     Les   films   de   Carné   sont   célèbres   grâce   aux   collaborateurs   qui   ont   travaillé   sur   ses   films   (Prévert,   Schüfftan…)   qui   ont   contribué   à   l’atmosphère   très   noire   du   film.   Il   sera   cependant   une   des   cibles   privilégiées   des   critiques,   notamment   par   Truffaut.                                                                                                                       11  5  chômeurs  gagnent  à  la  loterie  avec  un  billet  acheté  en  commun,  ils  achètent  une  maison   qu’ils  décident  de  retaper.  Mais  ils  s’entendent  de  moins  en  moins  et  se  séparent.  Deux  fins   seront  tournées,  une  fin  optimiste  (réussite  d’une  entreprise)  et  une  fin  pessimiste  (l’un  tue   l’autre)  .  Le  film  connaitra  un  échec  commercial,  6  semaines  après  la  sortie  du  film,  un  jury   populaire  est  choisi  par  la  production,  il  leur  demande  laquelle  des  fins  ils  préfèrent,  ils   choisissent  la  fin  optimiste.  Ce  film  est  aussi  célèbre  par  sa  chanson  interprétée  par  Gabin   «  Quand  on  se  promène  au  bord  de  l’eau  ».    

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Jean   Renoir   a   réalisé   14   films   dans   les   années   30,   tous   très   différents   les   uns   des   autres.   (Adaptations,   scénarios   originaux…).   Il   est   influencé   par   le   naturalisme   de   Stroheim   (notamment   dans   «  La   Chienne  »   1931),   un   goût   du   spectacle,   du   théâtre   et   des   décors   extérieurs  (dans  «  Boudu  sauvé  des  eaux  »  1932).  En  1934  il  adapte  Madame  Bovary,  produit   par  les  éditions  Gallimard  (qui  a  créé  un  département  cinéma).  Il  réalise  «  Toni  »  en  1934,  un   film   dans   lequel   le   personnage   avoue   par   amour   un   crime   qu’il   n’a   pas   commis   (reconstitution  d’un  fait  divers).  Il  réalise  ce  film  en  Provence,  dans  des  extérieurs  proches   de   Marseille,   proches   du   fait   divers   réel,   avec   des   acteurs   non   professionnels   recrutés   sur   place.   Il   va   d’une   certaine   façon   préfigurer   le   néoréalisme   Italien   dans   ces   méthodes   de   travail   en   extérieur.   «  Le   crime   de   Monsieur   Lange  »   1936,   c’est   son   unique   collaboration   avec  Prévert  et  le  groupe  «  octobre  ».  C’est  un  film  antibourgeois,  anticlérical,  narrant  une   maison   d’édition   gérée   par   un   escroc.   Il   réalise   un   film   de   propagande   pour   le   parti   communiste  «  La  vie  est  à  nous  ».  Puis  le  film  pacifiste  «  la  grande  illusion  »  en  1937  qui  met   en   scène   la   fraternité,   le   triomphe   entre   les   hommes.   1938   «  La   marseillaise  »,   film   qui   se   passe  lors  de  la  révolution  française.  Ce  film  a  été  en  parti  financé  par  une  souscription  en   partie  lancée  par  la  CGT,  les  figurants  étaient  des  bénévoles.  Le  film  est  centré  sur  le  peuple.   Il   adapte   ensuite   «  La   bête   humaine  »     de   Zola   en   1938.   On   retrouve   un   personnage   typique   du   réalisme   poétique   qui   est   condamné   par   la   fatalité.   En   1939,   il   réalise   «  La   règle   du   jeu  »,   comédie   qui   vire   au   drame.   Il   aura   peu   de   succès   commercial   à   l’époque,   mais   ressortira   après  la  guerre  dans  une  version  d’origine  (l’originale  a  été  remontée).                                                          

 

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Pagnol  et  Guitry  viennent  tous  les  deux  du  théâtre,  ils  font  du  cinéma  de  façon  originale  et   arrivent   à   dépasser   le   théâtre   filmé.   Ce   sont   deux   auteurs   à   succès   aussi   bien   au   théâtre   qu’au   cinéma,   ils   ne   seront   pas   touchés   par   la   censure   mais   gagneront   le   mépris   de   la   critique  au  détriment  d’un  succès  populaire.     Marcel   Pagnol   vient   du   théâtre,   il   arrive   au   cinéma   avec   le   parlant.   Il   avait   déjà   écrit   des   pièces   de   théâtre,   elles   sont   représentées   à   Paris   sur   scène   dans   les   années   20   ou   il   connaitra  sa  consécration  théâtrale.  Pagnol  veut  être  associé  aux  adaptations  de  ses  pièces   au   cinéma.   Il   considère   le   cinéma   comme   une   bonne   chose,   il   permet   à   ses   pièces   d’avoir   une  plus  large  audience.  Il  sera  invité  à  faire  parti  d’un  comité  littéraire  chez  la  Paramount,   cela  lui  permettra  de  passer  beaucoup  de  temps  sur  des  plateaux  de  tournage.     En   1931   Alexandre   Corda   adapte   «  Marius  »,   une   pièce   de   Pagnol   dont   il   exigera   que   les   acteurs   soient   les   comédiens   qui   ont   joué   la   pièce  ;   puis   en   1932,   Marc   Allégret   adapte   la   pièce  «  Fanny  ».     Pendant   ses   1ères   années,   Marcel   Pagnol   comprend   qu’il   sera   un   cinéaste   autonome   seulement  si  il  contrôle  tous  les  aspects  de  la  production.  Il  va  alors  fonder  sa  propre  société   de  production  ainsi  qu’une  société  d’édition  pour  vendre  ses  scénarios.  Il  permettra  à  Renoir   de   tourner   «  Toni  »   dans   les   environs   de   Marseille.   Marcel   Pagnol   devient   alors   un   artiste   indépendant,  il  développe  deux  voies  :   -­‐ des  adaptations  théâtrales   -­‐ des  films  tournés  en  plein  air   Il  introduit  alors  un  certain  régionalisme  dans  le  cinéma  (coutumes  pittoresque)     Sacha   Guitry  vient  du  théâtre,  c’est  un  acteur  et  auteur  adulé  de  la  scène  Parisienne.  Il  a   longtemps   manifesté   contre   le   cinéma,   mais   il   en   fait   à   partir   des   années   30.   Il   réalisé   12   films   dans   les   années   30.   La   parole   a   une   place   primordiale   dans   ses   œuvres,   notamment   sa   propre  voix.  Par  exemple,  dans  «  Le  roman  d’un  tricheur  »,  le  film  est  à  90%  commenté  en   off  par  Sacha  Guitry  sur  les  images  du  film.                                      

 

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Cours  N°5    

Partie  5  :  Cinéma  Allemand     Nous  allons  étudier  trois  périodes  :   -­‐ La  république  de  Weimar  :  1929  –  1933   -­‐ IIIème  Reich  :  1933  –  1945   -­‐ Partition  des  deux  Allemagnes  :  1949    

République  de  Weimar     Période   courte   très   fructueuse   dans   le   cinéma   allemand,   avec   une   très   grande   inventivité   formelle  et  une  grande  liberté  de  création.  C’est  une  époque  politiquement  mouvementée,  il   y   a   un   fort   taux   de   chômage,   une   montée   de   la   violence,   la   démocratie   se   dissipe  :   un   grand   désir   d’expression   se   dessine   des   le   cinéma   dont   certain   film   sont   encore   aujourd’hui   reconnus   par   la   critique   (M   le   Maudit,   L’Ange   Bleu…   ).   Principalement   des   films   musicaux,   des  films  réactionnaires,  des  films  pacifistes...     Principales  caractéristiques  du  genre  Allemand  de  l’époque  :   L’industrie   Allemande   de   l’époque   est   très   forte   et   puissante,   au   moment   du   passage   au   parlant,  ils  sont  les  premiers  à  exploiter  les  procédés  sonores.  L’industrie  Allemande  exporte   beaucoup,   elle   est   puissante   à   l’étranger   et   joue   un   rôle   central   sur   le   marché   européen.   Berlin  devient  capitale  du  cinéma  en  Europe.     L’industrie   du   cinéma   Allemand   sera   donc   peu   touché   par   la   crise,   elle   va   continuer   à   se   consolider,   elle   va   être   très   fortement   centralisé   autour   de   la   société   de   production   principale  :   la  UFA.   (déjà   très   puissante   à   l’époque   du   muet)   Elle   absorbe   presque   toutes   les   autres  sociétés  de  production.     Le   cinéma   sera   en   grande   partie   réalisé   en   studio   mais   qui   va   être   différent   du   cinéma   américain   en   terme   d’organisation   du   travail.   Le   réalisateur   garde   un   grand   pouvoir,   il   est   responsable  du  film  jusqu’au  montage.       La  plus  grande  partie  de  la  production  standard  sont  les  comédies  musicales.     Entre   1929   et   1935,   la   production   est   composée   pour   un   tiers   de   films   d’opérettes   et   de   comédies   musicales.   Un   sous   genre   sera   en   vogue  :   le   film   de   voyage   (un   voyage   dont   chaque  étape  est  accompagné  d’une  chanson).                    

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Deux  grands  succès  internationaux  à  l’époque  :   «  Le  chemin  du  paradis  »  Wilhelm  Thiele,  1930   La   comédie   musicale   la   plus   célèbre   au   début   du   parlant,   déclinée   en   plusieurs   versions.   Histoire   de   trois   amis   qui   deviennent   garagistes   et   vont   se   disputer   les   faveurs   d’une   jolie   et   riche   cliente.   Un   peu   un   éloge   de   la   paresse,   le   film   sera   censuré   en   1937   par   les   nazis.   (Réalisateur  juif)   Vedette  féminine  :  Lilian  Harvey   Vedette  masculine  :  Willy  Fritsch     «  Le  congrès  s’amuse  »  Erik  Charell,  1931   Repose  sur  les  mêmes  acteurs,  le  même  compositeur,  mais  la  réalisation  est  confiée  à  Erik   Charell.     Beaucoup  de  comédies  musicales,  mais  aussi  beaucoup  de  films  caractérisés  par  un  courant   nationaliste  et  militariste,  et  de  l’autre  coté  par  un  courant  pacifiste.  Beaucoup  de  films  de   guerres   vont   être   produit,   exaltant   le   patriotisme   et   la   revanche   contre   la   France.   Un   courant   internationaliste   et  pacifiste  va  être  aussi  organisé  autour  notamment  de   Pabst.   Ce   courant   exalte   plutôt   des   valeurs   démocratiques,   anti   autoritaires   et   des   convexions   humanistes.     Pabst   en   1930   réalise   «  Quatre   de   l’infanterie  »,   son   premier   film   sonore,   situé   pendant   la   1ère   guerre   mondiale  au  niveau  des  tranchés.  Il  va  montrer  la  tuerie   que  représente  le  front,  la  démoralisation  des  soldats.  Il   met  aussi  en  scène  l’arrière,  les  répercutions,  la  misère.  Il   oppose   la   fraternité   internationale   à   l’horreur   de   la   guerre.   Il   est   alors   considéré   comme   le   grand   metteur   en   scène  de  gauche.     «  La   tragédie   de   la   mine  »   en   1931   (Kameradschaft),   situé   dans   l’immédiat   après   guerre,   s’inspire   d’une   tragédie  réelle  met  en  scène  le  rapprochement  entre  Allemands  et  Français.  (des  secouristes   Allemands  secourent  des  Français).  Le  film  est  bilingue,  il  met  en  scène  les  deux  langues.     «  L’opéra  de  quat’  sous  »  1931,  d’après  la  pièce  de  Brecht,  sera  une  comédie  musicale  très   différentes  des  comédies  légères,  le  film  est  une  satire  qui  dénonce  la  pègre,  la  police  et  la   haute  finance.  Le  film  de  Slatan  Dudow  «  Ventre  glacé  »  rejoint  cette  idéologie  socialiste,  il   est   même   considéré   comme   profondément   Marxiste.   Film   produit   par   des   communistes,   Brecht   collabore   au   scénario,   il   parle   de   la   lutte   des   classes,   analyse   le   problème   du   chômage,   dénonce   la   lutte   des   classes,   le   militarisme,   les   illusions   par   lesquelles   les   victimes   de  la  crise  croient  s’en  sortir.     «  L’ange   Bleu  »   en   1930,   produit   par   Erich   Pommer   en   coproduction   avec   la   Paramount,   réalisé  par  Sternberg.  Grand  succès  commercial.    

 

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«  M   le   maudit  »   en   1931,   premier   film   parlant   de   Fritz   Lang.   Le   scénario   est   écrit   par   sa   femme.  Premier  rôle  de  Peter  Lorre.  C4est  l’histoire  de…  C’est  un  film  très  ambivalent,  il  ne   dicte  pas  au  spectateur  ce  qu’il  faut  penser,  on  est  dans  l’impossibilité  de  juger  le  meurtrier.     «  Le   testament   du   Docteur   Mabuse  »  en  1933,  suite  des  deux  parties  de  docteur  Mabuse   faites   dans   les   années   20.   Dans   ce   film,   Fritz   Lang   reprend   le   personnage   du   commissaire   Loman.   Mabuse,   interné   dans   un   asile   de   fou,   veut   imposer   la   souveraineté   du   crime  :   «  L’humanité  doit  être  précipitée  dans  un  abime  de  terreur  ».  Le  commissaire  va  lui  faire  la   chasse,  Mabuse  va  être  tué  et  le  directeur  de  l’asile  va  se  prendre  pour  Mabuse  et  continuer   le  travail.  Analogie  avec  l’écriture  de  «  Mein  Kampf  »,  on  peut  prendre  ce  film  comme  une   dénonciation  du  nazisme  avant  sa  prise  de  pouvoir(«  J’avais  placé  les  slogans  nazis  dans  la   bouche  d’un  criminel  fou  ».     Ce   film,   finit   en   1933,   sera   interdit   par   la   commission   de   censure,   Hitler   arrive   au   pouvoir   au   moment  du  montage  du  film.  M  le  Maudit  sera  également  interdite  après  coup.  Fritz  Lang   quitte  l’Allemagne  peut  après.    

Cinéma  sous  le  régime  nazi     Le   cinéma   est   pris   en   main   par   les   nazis.   Hitler   est   nommé   chancelier   par   le   président   Hindenburg   en   janvier   1933.   Dés   mars   il   se   fait   attribuer   les   pleins   pouvoirs   et   devient   président   puis   Reichführer.   Goebbels   sera   le   ministre   de   la   propagande   et   de   l’information.   Goebbels   et   Hitler   sont   tous   deux   grand   amateurs  de  cinéma,  Hitler  se  fait  projeter  un  film  par   soir   jusqu’au   dernier   mois   de   la   guerre   (notamment   les   films   muets   de   Fritz   Lang).   Goebbels,   ministres   de   la   propagande   et   de   l’information   donne   un   discours   programmatique   devant   les   professionnels  du  cinéma,  il  y  cite  en  modèle  plusieurs  films  dont  «  Le  cuirassé  Potemkine  »   et   «  Les   Nibelungen  »,   il   espère   que   le   cinéma   Allemand   pourra   produire   un   «  Cuirassé   Potemkine   germanique  ».   Dés   le   lendemain   de   ces   déclarations,   la   UFA   écarte   résolument   ses   collaborateurs   juifs   dont   Erich   Pommer   et   Erik   Charell.   Le   cinéma   s’adapte   idéologiquement   et   structurellement   aux   services   du   national   socialisme.   Le   cinéma   va   adopter  lui  même  le  principe  de  la  révolution  nationale  pronée  par  les  nazis.     À  partir  de  ce  moment  la,  le  parti  nazi  a  la  main  mise  sur  le  cinéma,  sur  le  plan  administratif,   idéologique   et   économique.   Les   films   adaptés   de   livres   brulés   par   les   nazis   sont   eux   aussi   interdits.  L’épuration  va  toucher  tous  les  juifs,  ils  vont  être  écartés  de  la  vie  du  cinéma.     On   aperçoit   alors   une   vague   d’immigration   massive.   Les   artistes   opposant   au   régime   vont   être   poursuivis,   les   juifs   pourchassés,   on   estime   que   plus   de   1.000   juifs   et   opposants   du   milieu  du  cinéma  ont  émigrés  vers  Hollywood.  Fritz  Lang,  bien  qu’ayant  reçu  la  proposition   de   Goebbels   de   soutenir   le   régime,   s’en   va   aux   USA   (en   passant   par   la   France.   Sa   femme   cependant  rejoint  le  parti  nazi  et  sera  divorcée  d’office  par  les  nazis.      

 

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Billy  Wilder  «  Ceux  qui  avaient  du  talent  sont  venus  dans  les  années  20,  ils  sont  venus  de  leur   propre  grés.  Nous  autres  sommes  venus    plus  tard,  nous  n’avions  pas  le  choix  »     1500   longs   métrages   sont   réalisés   pendant   le   IIIème   Reich.   La   UFA   continue   sa   politique   expansionniste   et   absorbe   un   grand   nombre   de   firmes   allemandes   mais   également   des   sociétés   étrangères   (polonaises,   tchécoslovaques).   On   a   un   processus   de   concentration   accéléré  de  la  production  mais  aussi  étatisation  des  structures.  La  UFA  et  la  TOBIS  contrôlent   les  ¾  de  la  production  (avec  deux  autres  firmes  beaucoup  moins  importantes).  La  production   va  être  très  concentrée,  les  salles  diffusent  88%  de  films  allemands.     En  1942,  au  milieu  de  la  guerre,  les  4  grandes  firmes  vont  se  rassembler  pour  former  la  UFI   (Universum   Film   Industri).   Les   films   produits   ne   se   confrontent   pas   à   la   production   étrangère.   Goebbels  :   «  Une   chose   est   sûre,   je   ne   serais   pas   tranquille   tant   que   l’industrie   du   cinéma   européenne  ne  nous  appartiendra  pas  ».       Beaucoup   considèrent   les   films   parus   entre   1933   et   1945   comme   inintéressant   cinématographiquement,  causé  par  un  étouffement  progressif  de  la  création  par  la  politique   et  l’idéologie.  C’est  une  production  caractérisée  par  un  grand  gaspillage  (hausse  des  coûts…)     1933  :  «  Le  jeune  Hitlérien  Quex  »  par  Hans  Steinhoff   Un   fils   d’ouvrier   communiste   va   être   gagné   par   l’idéologie   nazie,   et   sacrifie   sa   vie   aux   convictions   nazies.   Le   film   met   en   scène   l’activité   du   parti,   en   opposition   à   l’activité   des   militants   communistes.   Après   ce   film,   l’activité   des   militants   nazis   disparaitra   du   cinéma   («  La  propagande  ne  marche  plu  si  sa  présence  devient  visible  »  Goebbels)     Goebbels   va   privilégier   la   voie   du   divertissement   grand   public,   l’intervention   idéologique   à   travers  des  formes  établies,  des  genres  établis.  On  a  alors  des  films  qui  vont  privilégier  des   aspects  petits  bourgeois,  rassurants,  qui  font  parti  du  régime  nazi.  On  peut  presque  parler   de  cinéma  apolitique   (on   ne  met   pas   en   scène   de   façon   clair   et   direct   ces   thématiques)   mais   elles   sont   présentes   d’une   certaine   façon,   les   films   procèdent   par   insinuation   avec   un   message   caché,   camouflé,   sous   les   dehors   du   divertissement.   (la   figure   d’Hitler   ne   sera   jamais  mise  en  scène  dans  les  films)     Beaucoup   de   mélodrames,   de   comédies,   de   comédies   musicales,   souvent   situées   dans   le   passé,  à  l’étranger  (pour  qu’il  y  ait  des  prises  de  liberté  possibles  avec  les  mœurs).     «  Münchhausen  »  par  Josef  Von  Baky  en  1943.  Célèbre  les  25  ans  de  la  UFA.  Film  fantastique   rempli   de   trucages,   mettant   en   scène   les   péripéties   du   baron   de   Münchhausen.   C’est   l’un   des  plus  gros  budgets  du  cinéma  Allemand.  Le  film  est  en  AGFACOLOR.  Beaucoup  de  films   historiques   sur   les   grands   hommes,   les   personnages   de   l’histoire   allemande,   le   militarisme   prussien,   ainsi   que   des   films   anti   Napoléonien.   («  Le   grand   empereur  »   de   Veit   Harlan  ;   «  Kolberg  »).       Avant  1939,  on  pouvait  avoir  un  certain  antisémitisme  dans  les  films  allemands,  mais  moins   que  dans  les  films  Français  par  exemple.  La  donne  va  être  inversée  plus  tard  dans  les  années  

 

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40,  il  va  y  avoir  une  production  programmée  de  film  ayant  pour  but  de  dénoncer  les  juifs,  qui   vont  soutenir  l’adoption  de  la  solution  finale.  Les  films  justifient  la  politique  du  régime  nazi.   Une   demi   douzaine   de   long   métrage   sera   dédié   à   la   dénonciation   des   juifs.   Des   films   de   fictions  («  Le  juif  Süss  »  de  Veit  Harlan).       «  Le  péril  juif  »,  filmé  dans  le  ghetto  juif,   va   montrer   les   juifs   dans   leur   «  état   naturel  »,  différent  du  juif  à  la  ville  connu   par   les   allemands.   La   misère   physique   infligée   par   les   nazis   est   présentée   comme   «  l’état   naturel   des   juifs  ».   C’est   une   manipulation   totale.   «  Le   führer   donne   une   ville   aux   juifs  »,   documentaire   sur   un   camps   de   concentration   (ironie!).   Trafique   la   réalité,   avec   des   acteurs   qui   sont   engagés,   le   film   montre   une   image   complètement   inventée   des   camps   de   concentration.   Le   spectateur   qui   voit   les   actualités   en   images   croit   les   images,   comme   si   elles   avaient  des  valeurs  de  document.       Leni  Riefenstahl  :     Elle   jouait   dans   les   années   20   dans   des   films   d’alpinisme   dans   les   montagnes   allemandes.   Elle   est   passée   à   la   réalisation  plus  tard,  elle  a  tourné  peu  de  films,  mais  ils  ont  tous  connu  un  grand  succès.  Bien   qu’elle  n’ai  jamais  adhéré  au  parti,  elle  a  «  inventé  »  une  forme  cinématographique  nazie.   «  La  lumière  bleue  »  1932,  film  de  montagne,  d’alpinisme.  Film  ayant  connu  un  grand  succès.   «  La  victoire  de  la  foi  »  1933,  premier  essai  pour  son  film  suivant   «  Le   triomphe   de   la   volonté  »   1935,   film   sur   le   congrès   du   parti   nazi   à   Nuremberg   en   septembre   1934.   Documentaire   brut   commandé   par   Hitler,   c’est   simplement   la   forme   cinématographique  du  congrès.  Il  s’agit  de  prouver  l’unité  de  la  population,  de  la  jeunesse,   sous  la  figure  d’Hitler.  Superproduction  politique  nécessitant  deux  années  de  montage.       «  Les  dieux  du  stade  »,  le  film  officiel  sur  les  jeux  Olympiques  de  Berlin.    Composé  de  2  longs   métrages  :  «  la  fête  des  peuples  »,  «  Jeunesse  olympique,  ou  la  fête  de  la  beauté  ».  Première   couverture   cinématographique   des   jeux   Olympiques,   30   caméras.   Moins   explicitement   propagandiste  mais  inscrit  dans  une  volonté  de  propagande  (grandeur  de  l’Allemagne),  une   valorisation  des  corps  vigoureux.  Le  film  va  proposer  un  factuel  sublimé  par  le  montage,  la   lumière,  la  musique…          

 

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Cinéma  d’après  guerre     Après  la  guerre,  l’Allemagne  est  divisée.  La  UFI  est  démantelée,  les  studios  sont  détruits  :  les   alliés  prennent  le  contrôle  du  cinéma.  Les  exilés  allemands  partis  aux  USA  ont  pris  la   nationalité  américaine,  ceux  qui  essayeront  de  revenir  vont  connaître  un  cuisant  échec.        

Cinéma  français  sous  l’occupation   Cours  n°6    

Contexte  :     De   septembre   1939   à   mai   1940,   on   est   dans   la   «  drôle   de   guerre  »,   le   conflit   n’a   pas   réellement  commencé  en  France.  Le  cinéma  français  continue  alors  de  tourner,  bien  que  des   acteurs   et   techniciens   ont   été   mobilisés   à   la   guerre   (certains   tournages   sont   interrompus).   Il   y   aura   surtout   des   mélodrames,   des   films   policiers…  À   partir   de   l’entrée   en   guerre,   la   censure   militaire   se   met   en   place,   elle   bannit   des   écrans  les   films   jugés   trop   démoralisant   («  La   règle   du   jeu  »,   et   d’autres   films   du   réalisme   poétique).   On   trouve   alors   beaucoup   de   films  héroïques,  de  films  patriotiques…     En   juin   1940,   le   Blitzkrieg   met   la   France   à   genou  :   l’Allemagne   occupe   un   cinquième   du   territoire  jusqu’en  1942  ou  ils  occuperont  aussi  la  zone  libre.     Le  cinéma  va  continuer  de  tourner  sous  l’occupation  :  220  films  seront  réalisés.      

Structures  sous  l’occupation     Le  cinéma  français  va  être  complètement  réorganisé.  Le  régime  de  Vichy  va  s’occuper  de   cette  nouvelle  organisation  dés  octobre  1940,  organisation  qui  perdurera  jusqu’à  l’après   guerre.  Il  y  avait  déjà  des  débats  sur  la  nécessité  d’encadrer  le  cinéma  avant  la  guerre.     En  aout  1940,  une  «  loi-­‐cadre  »  sur  l’industrie  est  utilisée,  prévoyant  que  chaque  secteur  de   l’industrie  doit  être  organisé  en  «  comités  d’organisation  »,  structures  administratives   composées  de  professionnelles.  Toute  la  production  industrielle  va  devoir  créer  ces  comités   et  être  organisé  autour.  Le  cinéma  est  considéré  comme  une  industrie  (comme  le  textile  ou   l’armement),  en  octobre  1940  sera  alors  créé  le  COIC  :  Comité  d’Organisation  de  l’Industrie   Cinématographique.     Le   COIC   contrôle   toutes   les   phases   de   la   production   et   de   la   distribution.   Il   va   devoir   encadrer  le  cinéma  sur  un  plan  législatif  et  règlementaire.  C’est  la  première  que  l’industrie  et   le  commerce  du  film  sont  encadrés  par  le  pouvoir.      

 

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Les  principales  mesures  du  COIC  :   -­‐ création  d’une  autorisation  d’exercice  pour  les  entreprises12   -­‐ création  d’une  carte  d’identité  professionnelle13   -­‐ interdiction  du  double  programme14   -­‐ mise  en  place  d’un  système  d’avance  à  la  production15     Le   COIC   sera   aussi   à   l’origine   d’une   école   de   cinéma  :   l’IDEC16  (Institut   des   Hautes   Études   Cinématographiques),  en  1944.       Par  contre  il  y  aura  aussi  :   -­‐ un   antisémitisme   professionnalisé   (par   la   carte   d’identité   professionnelle),   les   juifs   sont  écartés  de  la  profession   -­‐ une  très  forte  censure  par  les  autorités     En  zone  occupée  :   Les  Allemands  vont  mettre  en  place  la  Propaganda  Abteilung,  un  service  officiel  dépendant   de  Goebbels.  Le  but  est  de  «  maintenir  la  paix  civile  ».  Tous  les  films  sont  retirés  puis  passent   devant   une   commission   de   censure.   Ils   censurent   également   la   presse   cinématographique,   surveillent   les   règlements   du   COIC,   gèrent   toutes   les   questions   techniques   et   aussi   de   la   liquidation  des  biens  confisqués.     Beaucoup   de   mesures   antijuives   vont   toucher   la   profession,   ils   en   seront   éliminés.   On   va   jusqu’à  enlever  le  nom  des  collaborateurs  juifs  au  générique  des  films,  supprimer  des  rôles   entiers,  des  séquences  entières.  Certains  juifs  vont  réussir  à  continuer  de  travailler,  sans  être   crédités  cependant.     Une   société   de   production   sera   créée  :   la   Continental   Film,   par   la   UFA   en   1940.   C’est   une   société  française,  de  droits  français,  mais  dont  les  capitaux  sont  allemands.  Cette  société  est   verticalement  intégrée,  comme  les  studios  américains  :   -­‐ la  société  Continental   -­‐ les  studios  de  Billancourt   -­‐ une  société  de  distribution   -­‐ un  réseau  de  salle     La   Continental   va   produire   30   films   sur   les   220   de   la   période.   Cela   va   être   donc   une   entreprise   à   capitaux   allemands   mais   qui   va   devoir   produire   en   France   des   films   français   pour  le  public  français.  Le  but  est  vraiment  de  produire  des  films  à  succès  qui  vont  remplir   les   caisses   du   Reich   et   fournir   les   devises   nécessaires   à   son   économie   de   guerre.   Des   réalisateurs,   techniciens   et   acteurs   français   vont   y   travailler  :   le   public   ignore   totalement   l’origine  de  la  Continental.                                                                                                               12  Pour  éliminer  les  sociétés  frauduleuses,  fictives.     13  Obligatoire  pour  exercer  la  profession.   14  Favorise  la  création  de  courts  métrages.   15  Le  crédit  national  va  pouvoir  avancer  aux  producteurs  jusqu’à  65%  du  devis.  Ils  vont   pouvoir  emprunter  cette  somme  à  un  taux  d’intérêt  très  faible,  favorisant  la  production.   16  Ancêtre  de  la  FEMIS    

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Ceux   qui   travaillaient   pour   la   Continental   étaient   souvent   recrutés   par   la   menace.   Les   réalisateurs  ont  cependant  l’assurance  qu’on  ne  leur  demandera  jamais  de  créer  des  œuvres   de  propagande.       «  Pour  autant  que  d’autres  États  produisent  encore  des  films,  ceux  ci  ne   doivent  avoir  qu’un  caractère  local  et  limité  »    Goebbels      

Production  à  l’époque     220  films  produits  malgré  la  pénurie  de  matériel.  Des  réalisateurs  ne  pouvaient  dépasser  une   prise   par   plan   par   manque   de   pellicule.   Les   salles   de   cinéma   seront   très   remplies,   leur   fréquentation  très  forte.  Les  salles  étaient  dans  l’ensemble  chauffées,  ce  qui  attirait  en  hiver.       Les   français   voyaient   en   grande   majorité   des   films   français.   Les   films   anglais   puis   les   films   américains   ont   été   interdits   par   l’autorité   allemande.17  La   concurrence   de   Hollywood   va   donc  finir  :  les  films  américains  étant  disparus  des  écrans.       Les   spectateurs   ont   le   choix   entre   les   films   allemands,   quelques   films   italiens   et   les   films   français.  Les  français  se  tournent  en  grande  partie  vers  les  films  français.       Aucun   film   ne   traitait   directement   l’actualité,   n’était   marqué   par   l’idéologie   Pétainiste.   Ce   cinéma   était   un   cinéma   d’évasion.   On   s’évade   dans   le   fantastique,   dans   le   féérique  :   on   trouve  une  dizaine  de  films  dans  ce  genre.  («  Les  visiteurs  du  soir  »,  «  L’éternel  retour  »,  «  Le   baron  fantôme  »,  «  La  nuit  fantastique  »…)     On   s’évade   aussi   à   travers   le   policier,   beaucoup   de   livres   de   Simenon   (personnage   de   Maigret)   seront   adaptés   («  L’assassinat   du   père   noël  »,   «  Un   inconnu   dans   la   maison  »)  ;   à   travers   des   reconstitutions   historiques   («  La   symphonie   fantastique  »,   «  Le   capitaine   fracasse  »)  ;  à  travers  des  adaptations  littéraires  (Balzac,  Zola,  Maupassant)18.     Beaucoup   de   réalisateurs   et   de   metteurs   en   scène   des   années   30   vont   arrêter   de   tourner.   Parmi  le  principaux  exilés  :  Duvivier,  René  Claire,  Renoir,  Ophuls,  Jean  Gabin,  Michel  Morgan,   Louis  Jouvet…  D’autres  restent  comme  Sascha  Guitry,  Marcel  Pagnol19,  Abel  Gance20.  Carné   et  Prévert  se  lancent  dans  la  fable  et  l’histoire  pour  échapper  à  la  censure  («  Les  visiteurs  du   soir  »,   légende   médiévale   ambitieuse   tournée   à   Paris   et   dans   le   midi21,   «  Les   enfants   du   paradis  »,  fresque  historique  de  3h  des  années  1830,  dans  le  monde  du  théâtre).                                                                                                                 17  Certains  vont  circuler  en  zone  libre  jusqu’en  1942.   18  Le  coté  culturel  et  littéraire  permet  d’éviter  la  censure.   19  Adhère  au  régime   20  Adhère  au  régime   21  Beaucoup  de  cinéastes  tourneront  à  Nice,  en  zone  libre.    

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L’absence  de  ces  cinéastes  laisse  du  champ  à  ceux  qui  attendaient  depuis  quelques  années   de   passer   derrière   la   caméra.   Une   vingtaine   de   réalisateurs   vont   débuter   parmi   lesquels  :   Yves  Allégret,  Jacques  Becker,  Fernandel,  Henri  Georges  Clouzot…     Clouzot  est  à  l’origine  scénariste  (pendant  10ans).  Sous  l’occupation  il  devient  scénariste  en   chef   à   la   Continental   avant   de   devenir   réalisateur.   Il   va   continuer   à   écrire   les   scénarios   de   tous   ses   films.   Ses   films   seront   caractérisés   par   une   grande   noirceur   (misanthropie,   misogynie…)  Il  fait  principalement  deux  films  pour  Continental  :     -­‐ «  L’assassin   habite   au   21  »,  histoire  d’un  tueur  en  série  laissant  une  carte  de  visite.   L’inspecteur  est  interprété  par  Pierre  Fresnay   -­‐ «  Le   corbeau  »,   1943,   dépeint   l’atmosphère   d’une   ville   de   province   en   France   qui   semble  assez  indéterminée.  Dans  ce  bourg,  des  milliers  de  lettres  anonymes  signées   «  Le  corbeau  »  vont  attaquer  la  vie  privée  et  professionnelle  des  notables  de  la  ville   (médecin   accusé   d’être   un   avorteur,   etc).   On   a   alors   une   description   rude   d’une   petite  communauté,  il  n’y  a  presque  aucun  personnage  positif.  Le  film  sera  un  succès,   et   fera   indirectement   allusion   aux   lettres   de   dénonciations   qui   proliféraient   sous   l’occupation.    

Cinéma  français  d’après  guerre     La   France   sera   libérée   progressivement   (libération   de   Paris   en   Aout   1944).   Il   y   a   une   période   d’enthousiasme   mais   aussi   d’incertitude.   Dans   le   cinéma,   c’est   le   début   d’une   période   d’épuration  :  Clouzot  va  être  interdit  de  travail  à  vie22.  Son  film  «  Le  corbeau  »  sera  interdit,   puis  ré-­‐autorisé  dans  un  second  temps  en  1947,  il  pourra  tourner  de  nouveau.       Les  exilés  font  leur  retour  après  la  guerre.  Ils  seront  mal  accueillis  dans  un  premier  temps,   considérés  comme  des  traîtres.       Les   structures   du   cinéma   sont   repensées   pour   la   reconstruction   du   cinéma.   Ce   qui   sortira   des   débats   sera   une   sorte   de   compromis   entre   une   économie   libérale   et   un   dirigisme   étatique  :  une  formule  mixte  qui  va  être  piloté  par  le  CNC,  qui  existe  encore  actuellement.       Les   principales   structures   mises   en   place   par   le   régime   de   Vichy   vont   être   maintenues.   Le   COIC  est  remplacé  par  le  CNC  (Centre  Nation  de  la  Cinématographie)  créé  en  1946,  chargé   de   contrôler   le   financement   des   films,   leurs   recettes,   leur   réglementation.   Le   CNC   va   être   sous  la  tutelle  de  différents  ministères  (à  la  base  un  ministère  qui  évoluera  plus  tard).   -­‐ Ministère  de  l’information   -­‐ Ministère  de  l’industrie  et  du  commerce  (1947)   -­‐ Ministère  de  la  culture  (1959)                                                                                                                   22  On  lui  reproche  ses  activités  à  la  Continental,  et  son  film  «  Le  corbeau  »  considéré  comme   antinational,  antifrançais,  un  film  destiné  à  miner  le  moral  des  français.    

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En   1948   est   votée   la   «  loi   d’aide  ».   C’est   une   taxe   sur   les   billets   de   cinéma   (Taxe   spéciale   additionnelle)  prélevée  sur  tous  les  billets  de  cinéma,  redistribuée  aux  producteurs  français   et  aux  exploitants  de  salles  (transformée  en  1959,  elle  alimente  le  compte  de  soutien).  L’idée   est  de  prélever  de  l’argent  sur  les  recettes  afin  de  soutenir  la  production  nationale,  cela  va   être   une   façon   de   forcer   le   cinéma   à   s’autofinancer.   Cette   mesure   perdure   encore   aujourd’hui.     Les  films  américains  reviennent  sur  le  marché  français.  Les  arrangement  Blum-­‐Byrnes  vont   faire   polémique   (porte   ouverte   au   déferlement   des   productions   américaines).   On   met   en   place   également   des   coproductions   européennes,   initiées   par   la   France   et   l’Italie   en   1949.   Un   film   franco-­‐italien   aura   les   avantages   locaux   des   deux   cotés   (aides   à   la   production…).     Dans   les   années   50   (même   60),   on   aura   énormément   de   coproduction   franco-­‐italiennes,   mais  aussi  avec  l’Espagne,  l’Allemagne,  l’Angleterre.      

Années  50     C’est   une   période   faste,   les   gens   vont   beaucoup   au   cinéma.   De   1947   à   1957,   on   compte   autour  de  400  millions  d’entrées  par  ans.  Elles  chutent  ensuite,  puis  se  stabilisent  vers  1967.   La  concurrence  de  la  télévision  se  fera  sentir  dans  les  années  60.       On  parle  de  «  qualité  française  »,  c’est  une  expression  utilisée  par  un  journaliste  en  1953,  il   disait  que  le  cinéma  français  était  un  cinéma  populaire  de  divertissement  mais  de  qualité  (il   parle  de  qualité  des  sujets  et  de  la  fabrication  des  films,  un  grand  soin  y  étant  apporté).  Ce   cinéma  sera  très  contesté,  méprisé  dans  la  suite  de  l’histoire  du  cinéma  (suite  à  la  nouvelle   vague  venant  en  lutte  contre  ce  cinéma).       On   continue   à   adapter   Balzac,   Stendhal,   Zola,   des   livres   de   Simenon.   C’est   un   cinéma   qui   s’inscrit  dans  la  tradition  romanesque  française.  Un  cinéma  psychologique,  qui  finalement  va   être   assez   frileux  :   il   n’aborde   pas   les   thèmes   de   l’actualité   (par   forme   de   censure,   voir   d’autocensure).   C’est   un   cinéma   loin   de   la   réalité   française.   23 Les   films   sont   tournés   principalement   en   studio   (proéminence   des   décors   construit),   même   si   on   voit   des   excursions  extérieures.       C’est   un   cinéma   très   contrôle   par   les   techniciens,   ils   sont   très   importants   à   l’époque,   ont   beaucoup  de  pouvoir.  La  production  est  sous  le  monopole  de  l’embauche  d’un  syndicat  :  la   CGT.  Pour  avoir  une  carte  de  professionnelle,  il  y  a  un  parcours  très  long  à  respecter.  Il  faut   avoir  fait  :   -­‐ 3  films  comme  stagiaire   -­‐ 3  films  comme  second  assistant   -­‐ 3  films  comme  premier  assistant   Ensuite  seulement,  on  peut  devenir  réalisateur.     On   commence   à   parler   de   profession   à   ce   moment   là.   C’est   un   cinéma   d’artisan   et   non   d’auteur.  La  production  est  entre  les  mains  d’une  génération  en  place  (cinéastes  nés  entre   1900  et  1910).                                                                                                               23  On  ne  traite  pas  l’histoire  récente  et  controversée  de  la  France.    

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Dans  les  années  30,  le  principal  scénariste  était  Prévert.  Dans  les  années  50  il  s’agit  de  Jean   Orange   (scénario)   et   Pierre   Bost     (dialogues).   Ils   travaillaient   ensemble   et   ont   imposé   un   traitement  standardisé  du  scénario.  Ils  écrivent  plus  de  deux  films  par  an.  Ils  ont  écrit  pour   Claude  Autant-­‐Lara,  considéré  comme  un  anarchiste  de  gauche  (a  beaucoup  lutté  contre  la   censure),  rejoindra  plus  tard  les  rangs  du  front  national.       À   coté   de   cette   génération   en   place   (Guitry   et   Pagnol   continuent   à   faire   des   films),   un   cinéaste   se   placera   en   marge  :   Max  Ophuls.   C’est   un   juif   né   en   Allemagne   qui   aura   plusieurs   carrières  :   -­‐ carrière  allemande  jusqu’en  1933   -­‐ carrière  française  dans  les  années  30   -­‐ carrière  aux  USA  pendant  la  guerre   -­‐ revient  en  France  après  la  guerre     Ses  films  sont  caractérisés  par  le  mouvement  (les  plans  fixes  sont  très  rares,  les  mouvements   de  caméras  incessant,  nombreux  escaliers).  Il  a  réalisé  lors  de  sa  carrière  française  :   -­‐ 1950  :   «  La   ronde  »,   d’après   Schnitzler,   film   qui   raconte   la   ronde   des   couples,   commençant  avec  un  couple  d’une  femme  et  un  homme,  puis  avec  la  même  femme   et  un  autre  homme,  puis  avec…  jusqu’à  revenir  au  début.   -­‐ 1952  :  «  Le  plaisir  »,  constitué  de  trois  petits  films  (adaptés  de  Maupassant),  contient   la  réplique  «  pour  moi  l’art  c’est  le  mouvement.     -­‐ 1953  :   «  Madame   de…  »,   histoire   de   l’épouse   d’un   général   endetté   vendant   ses   boucles   d’oreilles,   cadeaux   de   son   mari.   Les   boucles   d’oreilles   passent   de   main   en   main  jusqu’à  leur  revenir.   -­‐ 1955  :  «  Lola   Montès  »   narre   l’histoire   de   la   femme   «  la   plus   monstrueuse   du   monde  »  devenue  phénomène  de  foire.  Elle  est  exhibée,  sa  vie  est  racontée,  mimée   par  la  troupe  du  cirque.  Les  spectateurs  lui  pose  des  questions,  au  fil  des  questions   elle  se  souvient.  Le  film  comporte  7  retours  en  arrière.  La  structure  dramatique  est   assez  complexe.  Le  film  est  sorti  une  première  fois  puis  a  été  remontée  dans  l’ordre   chronologique   par   le   producteur.   Ce   film   dénonce   l’exploitation   commerciale   du   malheur,  du  scandale.  C’est  un  film  technologiquement  innovant  :  le  premier  format   large  en  France  (en  Scope,  en  couleur  et  qui  travaille  sur  la  stéréophonie).     Réalisateurs  marginaux  :  Robert  Bresson,  Jacques  Tati,  Jean  Cocteau.  Intervient  l’idée  que  le   cinéaste   n’est   pas   seulement   un   technicien   mais   un   auteur   de   film,   notamment   avec   Cocteau.       Jacques   Tati   avait   fait   des   courts   métrages,   puis   plusieurs   long   métrages   après   la   guerre.   C’est   au   départ   un   cinéaste   burlesque,   avec   le   personnage   de   Monsieur   Hulot.   C’est   un   cinéaste  à  part  dans  le  cinéma  français,  il  réinvente  le  comique  de  Buster  Keaton  notamment   avec   Mr   Hulot,   personnage   incapable   de   s’intégrer.   Il   met   en   scène   des   films   sur   le   fond   d’une  modernité  médiatique.     Bresson   sera   un   des   réalisateurs   français   à   avoir   une   esthétique   des   plus   singulières.   Il   ne   sera   attaché   à   aucun   mouvement.   Sa   filmographie   est   marqué   par   la   thématique   de   la   rédemption.  ;  ainsi  que  par  une  évolution  vers  le  dépouillement,  l’abstraction.  Ses  films  sous   l’occupation  vont  encore  recourir  à  des  comédiens  professionnels,  des  dialogues  littéraires,  

 

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des  éclairages  esthétisants.  Mais  il  va  peu  à  peu  se  dégager  de  tout  ça.  Dans  «  Les  anges  du   pêché  »,  les  dialogues  sont  de  Giraudoux.  «  Les  dames  du  bois  de  Boulogne  »  est  adapté  de   Diderot,   avec   des   dialogues   de   Cocteau.   «  Journal   d’un   curé   de   campagne  »  :   contient   des   comédiens   professionnel   et   quelques   acteurs   amateurs.   Il   commence   à   refuser   toute   psychologie   théâtrale   ou   romanesque,   il   va   travailler   avec   des   comédiens   qui   seront   juste   des   «  modèles  ».   On   aperçoit   un   dépouillement   progressif   du   jeu   des   acteurs.   À   partir   de   «  Un  condamnée  à  mort  s’est  échappé  »  il  condamne  toute  musique  de  film,  il  ne  travaille   plus  avec  des  musiciens.      

Hollywood  années  40-­‐50   La  seconde  guerre  mondiale   À  la  fin  des  années  30,  il  y  a  une  forte  montée  des  tensions.  Instinctivement  les  USA  auraient   une  certaine  solidarité  avec  les  démocraties.  Dans  l’ensemble  du  pays  à  la  fin  des  années  30,   il   y   a   une   très   grande   méfiance   à   l’égard   d’une   intervention   des   USA   sur   le   continent   européen.  À  la  veille  de  la  guerre,  la  majorité  de  l’opinion  américaine  est  isolationniste.       Cela  va  changer  un  peu  à  partir  de  la  bataille  d’Angleterre  (grosses  opérations  aériennes  de   la   Luftwaffe   sur   l’Angleterre).   Roosevelt   va   essayer   d’amener   le   pays   à   une   intervention   directe  dans  le  conflit.  L’opinion  devient  de  plus  en  plus  anti-­‐isolationniste.  Les  évènements   de  Pearl  Harbour  en  1941  va  clore  le  débat  :  les  USA  partent  en  guerre.       Dans   cette   période,   les   patrons   des   studios   sont   par   tradition   assez   conservateurs   et   intéressés   par   le   gain   économique  :   il   s’agit   avant   tout   de   pas   se   fermer   les   marchés   espagnoles   et   allemands.   Dans   un   premier   temps,   les   films   américains   ne   mettent   pas   réellement  en  cause  le  nazisme,  l’ensemble  de  la  production  est  frileuse  vis  à  vis  du  Nazisme   (mise   à   part   de   remarquables   exceptions).   Certains   chefs   de   studios   vont   s’engager   contre   Hitler  (comme  Jack  Warner  qui  va  fermer  son  bureau  en  Allemagne).  Il  y  a  un  grand  flux  de   migration  européen  (fuite  du  nazisme)  se  retrouvant  à  Hollywood  :  ils  vont  former  en  1936   la  «  Hollywood  Anti  Nazi  League  ».  Des  films  seront  explicitement  anti  nazi,  mais  seulement   à  partir  de  l’engagement  réel  des  USA  dans  la  guerre  que  cette  production  sera  massive.   Question  de  la  propagande   Le  cinéma  de  propagande  utilise  différents  modes,  dont  trois  privilégiés  :   -­‐ Le  documentaire   -­‐ Le  symbole,  l’allégorie   -­‐ La  satire     Le   documentaire   permet   de   laisser   parler   les   faits,   il   suffit   de   les   montrer.   À   Hollywood   il   y   a   une   certaine   méfiance   vis   à   vis   du   documentaire,   souvent   assimilé   à   l’ennui.   Le   documentaire   intégral   n’est   pas   beaucoup   utilisé   à   Hollywood,   on   se   sert   d’une   forme   hybride   ou   on   va   intégrer   des   procédés   documentaires   dans   un   récit   traditionnel.   Ces   procédés   documentaires   vont   donner   à   ce   récit   traditionnel   un   caractère   de   vécu   authentique.          

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Anti  Nazisme   En  1939  sort  «  Les  Aveux  d’un  espion  nazi  »  de  Anatole  Litvak  (Warner).  Le  film  s’inspire  de   faits   divers   authentique   et   montre   une   infiltration   par   les   nazis,   dénonce   l’espionnage   des   USA  par  l’Allemagne,  les  plans  de  sabotage…  L’idée  du  film  est  de  pousser  les  USA  à  se  doter   d’un  service  de  contre  espionnage.       L’allégorie   est   beaucoup   utilisée,   on   a   recours   aux   procédés   narratifs   hollywoodien   traditionnels  auxquels  on  ajoute  plusieurs  niveaux  de  lecture.  Les  films  situés  dans  le  passé   peuvent   se   lire   comme   des   leçons   pour   le   présent.   Par   exemple,   «  L’aigle   des   mers  »   de   Michael   Curtis   (1940,   Warner).   Une   figure   est   assimilée   à   Hitler,   l’Espagne   à   l’Allemagne   nazie,  les  bateaux  espagnols  à  la  Luftwaffe…  Il  y  a  un  certain  nombre  de  signes  qui  orientent   le  spectateur  vers  le  déchiffrement  de  l’allégorie.       Le  film  satirique  sur  le  nazisme  le  plus  célèbre  est  «  Le  Dictateur  »  de  Chaplin  (United  Artist).   Les  Cibles  sont  très  facilement  reconnaissables  :  le  dictateur  Hynkel  et  son  acolyte  Garbich,   son   allié   Benito   Napaloni…   C’est   le   premier   film   à   clairement   dénoncer   l’antisémitisme   d’Hitler.       Après   Pearl   Harbour,   le   cinéma   s’engage   massivement   dans   le   conflit  :   400   films   ayant   un   propos   patriotique   seront   produits   entre   1942   et   1944  :   on   est   dans   une   période   d’union   sacrée   entre   Hollywood   et   Washington.   Un   bureau   est   créé   il   assure   la   liaison   entre   Washington  et  Hollywood,  agence  gouvernementale  créée  par  Roosevelt  pour  s’occuper  de   la  presse  et  des  médias  liés  au  cinéma.     À  partir  de  1942  les  producteurs  doivent  soumettre  leur  scénario  à  cet  organisme.  Beaucoup   de   personnes   vont   partir   sous   les   drapeaux  :   140   acteurs   et   32   réalisateurs.   Les   acteurs   vont   s’investir   beaucoup,   apparaissant   en   uniforme   dans   les   magazines,   affirmant   leur   soutien   aux  troupes.  Le  cinéma  a  aussi  pour  mission  de  remonter  le  moral  des  américain.     Des  films  anti   nazis  vont  appaitre.  Cela  devient  presque  un  genre,  tout  le  monde  fit  des  films   anti  nazis.  Meme  les  films  d’animation  participent  à  l’effort  de  guerre.  «  Correspondant  173   de   Hitchcok   et   «  La   5ème   colonne  »,   «  Lifeboat  »   sont   des   films   anti   nazis.   Jean   Renoir   va   réaliser   «  Vivre   libre  (This   land   is   mine)»   (film   sur   la   résistance   dans   une   petite   ville   française).  L’un  des  plus  farouchement  anti  nazi  va  être  Fritz  Lang  :  il  va  réaliser  4  films  anti   nazi.  «  Chasse  à  l’homme  »,  «  Espion  sur  la  tamise  »,  «  Cap  et  poignard  »  et  «  Les  bourreaux   meurent   aussi  »   1943.   «  Les   bourreaux   meurent   aussi  »   se   passe   en   Tchékoslovaquie,   ou   il   y   a  le  Reichprotector  qui  sera  tué  par  la  résistance  Tchèque.  Fritz  Lang  avec  la  collaboraiton  de   Brecht   va   faire   un   film   sur   cette   histoire,   et   sur   la   résistance   Tchèque.   Pour   faciliter   l’identification,   les   Tchèques   sont   joués   par   des   américains   et   les   allemands   par   des   allemands.  Le  film  «  Hitler’s  Madman  »  de  Douglas  Sirk  traite  du  même  sujet.     Le  personnage  de  Hitler  devient  récurrent,  le  film  anti  nazi  devient  un  genre.              

 

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Lubitsch  sort  en  1942  «  To  Be  Or  Not  To  Be  »,  son  propre  film  anti  nazi.     «  Casablanca  »  de  Michael  Curtis  (1943)  contenant  énormément  d’immigrés  européens.  Un   homme  brisé  par  l’amour  devient  cynique,  individualiste.  Il  ouvre  un  bar  à  Casablanca  et  va   progressivement  s’acheminer  vers  la  résistance  grâce  à  l’amour  retrouvé.  C’est  un  film  assez   unique,  à  la  fois  sur  la  guerre,  mélodramatique,  noir…     On   voit   l’apparition   de   films   anti   japonais   qui   obtiennent   un   certain   succès.   «  Behind   the   rising   sun  »   de   Edward   Dmytryk,   histoire   d’un   japonais   rentrant   au   Japon   après   avoir   été   éduqué  et  américanisé  aux  USA  :  son  père  veut  lui  imposer  un  travail,  une  épouse…       Une   série   sera   produite   par   le   ministère   de   la   guerre  :  «  Pourquoi   nous   combattons  »   supervisée   par   Frank   Capra  :   films   d’informations,   d’orientation,   films   en   plusieurs   épisode   de   45minutes   environ   et   ont   pour   but   de   décrire   aux   militaires   avant   tout   la   nature   du   conflit,   qui   sont   les   ennemis,   «  pouruoi   nous   combattons  ».   (Bataille   de   Russie,   bataille   de   chine…).       Il   faut   emporter   l’adhésion   de   tous,   il   faut   que   tout   le   monde   participe   à   l’engagement   collectif.  Il  faut  dans  ces  films  montrer  la  cohésion  entre  les  différetens  communautés.  Des   documentaires   destinés   au   grand   public   apparaissent   également.   Le   monde   du   cinéma   s’implique   réellement   dans   ces   projets,   des   réalisateurs   majeurs   réalisent   ces   films   (John   Ford,  Capra…  )     URSS   Il  y  avait  quelques  films  anti  soviétique,  notamment  par  Lubitsch.  Puis  des  films   prosoviétiques  apparaissent,  justifiant  l’alliance  américano-­‐russe.  Un  épisode  de  «  Poruquoi   nous  combattons  »  sera  sur  la  bataille  de  Russie.  Un  film  de  Michael  Curtis,  «  Mission  à   Moscou  »  sera  inspiré  d’un  mémoire  d’un  ambassadeur  américain  :  représentation  candide   du  système  soviétique,  ton  solennel,  ressemblance  entre  les  deux  peuples…     Ces  films  seront  ensuites  considérés  comme  subversifs  par  la  comission  Mc  Carthy.    

La  chasse  aux  sorcières     Ces  films  prosoviétiques  poseront  de  graves  problèmes  à  leurs  réalisateurs.  L’opinion  sera   obsédée  par  l’idée  de  la  5ème  colonne,  qu’il  y  a  un  état  dans  l’état  qui  va  renverser  l’état.   Dans  cette  période,  il  y  aura  la  chasse  aux  sorcières,  aux  communistes.  C’est  une  sorte  de   revanche  de  la  droite  américaine,  populiste,  isolationniste.  Elle  va  viser  les  communistes,  et   plus  généralement  tous  les  gens  de  gauche.       Il  y  aura  un  certain  nombre  d’enquêtes  dans  différents  milieux,  dans  les  activités  considérés   comme  antiaméricaines.  La  chambre  des  représentants  va  autoriser  le  fonctionnement   d’une  commission  spéciale  :  HUAC  :  «House  Committee  on  Un-­‐American  Activities  ».  Il  va  y   avoir  des  auditions,  des  commissions  :  tout  reposait  sur  l’idée  de  l’abjuration,  il  fallait  se   confesser  qu’on  avait  été  communiste,  et  pour  se  dédouaner  il  fallait  dénoncer  d’autres   personnes,  livrer  des  noms.        

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La  chasse  aux  sorcières  va  toucher  beaucoup  de  milieux  différents  :  la  médecine,  l’armée,  le   monde  scientifique,  l’enseignement  universitaire.  Mais  le  terrain  privilégié  de  la  commission   sera  le  monde  du  spectacle,  avec  avant  tout  le  monde  du  cinéma  (dans  une  moindre  mesure   la  radio,  le  théâtre  et  la  télévision).  En  s’attaquant  à  des  vedettes,  cela  faisait  de  la  pub  pour   les  anti  communistes.       La  commission  va  convoquer  des  témoins  à  Washington.  Deux  types  de  témoins  :   -­‐ témoins  amicaux,  coopératifs   -­‐ témoins  inamicaux,  hostiles     Les  témoins  amicaux  comportent  les  producteurs  (Walt  Disney,  Jack  Warner…),  des  acteurs   (Gary   Cooper),   des   scénaristes,   des   réalisateurs.   Les   11   témoins   hostiles   sont  presque   tous   des  scénaristes,  parmi  eux  :  Dalton  Trumbo.  La  commission  leur  pose  deux  questions  :   -­‐ Etes  vous  membre  du  syndicat  des  scénaristes  ?   -­‐ Êtes  vous  ou  avez  vous  été  membre  du  PC  ?     10   personnes   vont   refuser   de   répondre,   de   dire   si   ils   sont   ou   ont   été   membre   du   PC,   en   invoquant   le   1er   amendement   de   la   constitution   américaine,   garantissant   la   liberté   de   penser.         Les  dix  de  Hollywood  sont  accusés  d’offense  au  congré  :  ils  obtiennent  1  an  de  prison  plus   une  amende.  Il  sera  pour  eux  impossible  de  retrouver  du  travail,  ils  vont  travailler  en  sous   main,  sous  des  pseudonymes...  La  plupart  de  leur  carrières  vont  être  brisées.       Les   producteurs   vont   instaurer   dans   leurs   studios   le   «  serment   de   loyaté  ».   3   personnes   seulement  vont  s‘opposer  à  la  liste  noire.  Ils  décident  de  licensier  sur  le  champs  tous  ceux   qui  ne  sont  pas  prêt  à  déclarer  sous  serment  qu’ils  ne  sont  aps  communistes.  Les  employés   vont   devoir   signer   des   serments.   Des   bureaux   vont   être   spécialisés   dans   la   disculpation.   Certaines   ligues   vont   appeler   au   boycott   des   films   réalisés   par   des   personnes   «  compromises  ».     35  films  anticommunistes  entre  1948  et  1955  vont  être  réalisés.     «  Le   rideau   de   fer  »,   «  La   menace   rouge  »,   «  J’ai   épousé   un   communiste  »,  «  I   was   a   communist  for  the  FBI  »…     En   1951/52,   il   y   a   une   seconde   commission   pendant   la   guerre   de   Corée.   Mc   Carthy,   champion   de   l’anticommunisme,   encourage   à   la   délation.   48   témoins   vont   refuser   de   répondre,   ils   vont   invoquer   le   5ème   amendement.   «  Nul   de   pourra   être   contraint   de   témoigner   contre   lui   même  ».   32   témoins   vont   donner   des   noms,   êtres   des   délateurs  :   le   scénaristes  Martin  Berckley  va  livrer  120  personnes.  Il  y  aura  beaucoup  d’arrangements,  de   règlements   de   comptes.   À   ce   moment   la,   les   rapports   sociaux   à   Hollywood   vont   être   ravagés,   ruinés.   C’est   une   préiode   qui   marque   tr  ès   profondément   le   milieu   du   cinéma   Hollywoodien,  tout  le  modne  se  méfie  de  tout  le  monde.     La   liste   noire   est   évaluée   à   214   artistes   en   tout,   donc   106   scénaristes,   36   acteurs,   11   réalisateurs  et  4  producteurs.    

 

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En   1952,   Charlie   Chaplin   se   réfugiera   en   Europe,   victime   d’une   campagne   de   presse.   Son   nom  sera  enlevé  du  «  Walk  of  fame  »  de  Hollywood.  John  Garfield  va  se  scuicider.     En   1953/55,   il   y   aura   deux   autres   commissions   à   NY   et   Los   Angeles   avec   deux   nouveaux   délateurs.  Mais  les  temps  ont  un  peu  changés,  les  résistances  sont  plus  fortes.     Fin   1954,   Mc   Carthy   sera   désavoué   par   le   Sénat,   un   vote   de   censure   après   qu’il   ait   accusé   toute  l’armée  américaine  d’être  communiste.  Il  meurt  en  1957.       L’idée   du   péril   communiste   apparaît   comme   une   quesiton   de   politique   extérieur,   et   pas   comme  question  politique  intérieur  après  la  guerre  de  Corée.       L’époque  des  commissions  va  se  terminer  et  peu  à  peu  les  blacklistés  vont  réappaitre  au   générique   des   films.   En   1958,   Kurt   Douglas   va   demander   à   Dalton   Trumbo   d’écrire   le   scénario  de  Spartacus.  Son  nom  ne  sera  d’abord  pas  évoqué  les  acteurs  vont  dévoiler  à  la   presse  le  nom  de  trumbo  par  la  suite.       Des  anciens  blacklisté  obtiennent  des  oscars,  notamment  du  coté  des  scénarios.      

 

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