Guide Apprenti Pianiste

L’INDISPENSABLE

GUIDE DE

L’APPRENTI PIANISTE

Barbara Roussel

A lire – Important Vous pouvez offrir ce livre à qui vous le souhaitez. Vous êtes autorisé à l’utiliser selon les mêmes conditions commercialement, c'està-dire à l’offrir sur votre blog, sur votre site web, à l’intégrer dans des packages et à l’offrir en bonus avec des produits, mais PAS à le vendre directement, ni à l’intégrer à des offres punies par la loi dans votre pays. Ce livre est sous licence Creative Common 3.0 « Paternité – pas de modification », ce qui signifie que vous êtes libre de le distribuer à qui vous voulez, à condition de ne pas le modifier, et de toujours citer l’auteur Barbara Roussel comme l’auteur de ce livre, et d’inclure un lien vers http://www.piano-attitude.com.

« L’indispensable guide de l’apprenti pianiste » by Barbara Roussel est mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons Attribution - Pas d’Utilisation Commerciale - Pas de Modification 2.0 France. Les autorisations au-delà du champ de cette licence peuvent être accordées à http://www.piano-attitude.com/a-propos/contact/ - .UTXg9YVnZGE.

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Sommaire

Introduction

p. 4

I–

Les clefs de la réussite

p. 5

II -

Comment se positionner devant un piano ?

p. 12

III - Comment positionner la main et les doigts ?

p. 15

IV - Comment aborder une nouvelle partition ?

p. 16

V – Gérer le trac

p. 17

VI – L’instrument

p. 18

VII – Qu’est-ce qu’un opus ?

p. 22

VIII –Tableaux des principaux tempos

p. 24

IX - Lexique des termes italiens en musique

p. 26

X – Danses

p. 36

XI - Paroles de grands interprètes

p. 40

XII – Quelques citations

p. 43

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Introduction Dans n’importe quel apprentissage, le moment le plus important et le plus délicat se situe toujours au début. Bien commencer à apprendre le piano, c’est mettre toutes les chances de votre côté pour réussir à bien en jouer dans l’avenir. Cela vous permettra de pouvoir développer une technique sur le long terme, laquelle sera entièrement au service de votre expressivité artistique. C’est parce que je suis consciente de l’importance de cette première phase de l’apprentissage que j’ai décidé de réaliser ce guide. Je l’ai écrit dans l’espoir que vous puissiez jouer du piano le plus longtemps et le mieux possible. Les conseils que vous y trouverez sont le fruit de mes vingt années d’expérience de pédagogue. J’espère qu’ils vous seront profitables et qu’ils vous permettront de commencer à apprendre le piano dans les meilleures conditions possible. Enfin, n’oubliez-pas que l’on peut apprendre le piano à n’importe quel âge (voir mes vidéos : «Peut-on apprendre le piano à tout âge ?» et l’interview de Bruno qui a commencé à 61 ans).

Barbara Roussel

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I.

Les clefs de la réussite

Un bon professeur L’enseignement d’un art va bien au-delà de la simple transmission de connaissances telle qu’elle pratiquée aujourd’hui dans nos établissements scolaires. De tous temps, l’art s‘est transmis dans une relation de maître à disciple, le maître étant celui qui maîtrise son art. Que transmettait le maître à son disciple ? Des connaissances et un savoir faire, bien sûr, mais aussi une façon de penser et de ressentir la chose artistique, une certaine façon de vivre. C’est ainsi qu’ont appris les plus grands artistes comme Jean-Sébastien Bach, Frédéric Chopin, Louis Armstrong ou Michel-Ange. Léonard de Vinci, en tant que maître, eut de très nombreux disciples. Aujourd’hui, si la notion de maître et de disciple a disparu au profit de celle de professeur et d’élève, le contenu de l’enseignement reste le même, c’est-à-dire l’enseignement du piano en ce qui nous concerne ici. Or, depuis la naissance de l’Internet, on voit se développer de plus en plus de sites proposant des cours de piano en ligne pour débutants utilisant la vidéo ou la webcam comme support. Je tiens à vous mettre en garde contre ce type de proposition. Il faut dire les choses telles qu’elles sont : jamais, en tant que débutant, vous ne pourrez apprendre à jouer du piano en prenant des cours sur Internet car l’apprentissage du piano repose sur la notion de toucher, notion que seul un professeur présent à vos côtés peut apprécier. Au mieux, vous aurez dépensé des dizaines (ou centaines) d’euros pour produire quelques mélodies connues et quelques accords qui vous feront plaisir sur le moment. Mais, au bout de plusieurs mois sans véritable contrôle physique d’un professeur, vous ne pourrez plus évoluer et, si vous décidez enfin de prendre des cours avec un « vrai » professeur, vos défauts seront alors devenus très difficiles à corriger.

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Seuls les sites proposant des vidéos de type « master class » s’adressant à des pianistes confirmés présentent un réel intérêt pédagogique. La toute première étape pour assurer la réussite de votre apprentissage du piano consiste donc à bien choisir votre professeur. Dans Piano-Attitude, j’ai écrit un article qui peut vous aider à faire ce choix : Comment choisir son professeur de piano ?

Le secret : une bonne méthode de travail Que l’on soit débutant ou que l’on veuille se perfectionner, la clef de la réussite passe par l’application d’une bonne méthode de travail. La méthode de travail que je préconise est très simple et se résume en quelques consignes. Si vous l’appliquez rigoureusement à chaque fois que vous jouez, je vous garantis des progrès spectaculaires et très rapides dans votre apprentissage du piano. ü Cette consigne la plus importante est la clé de votre réussite :

travaillez régulièrement, entre 15 et 30 minutes minimum par jour dès vos premiers cours. ü Concentrez-vous sur la posture physique : l’assise, les jambes, le dos, les épaules, les bras, les mains et enfin les doigts. Eliminez toutes les tensions inutiles. Concentrez-vous sur les sensations dans les doigts, le toucher et sur la détente de votre corps. ü Etudiez, analysez et annotez la partition avant de la jouer. Relevez et numérotez les grandes phrases musicales, numérotez les mesures et, si besoin, écrivez les pulsations sous les portées. Repérez les passages qui pourraient vous poser des problèmes afin de les résoudre en premier. ü Travaillez par fragments courts. N’hésitez pas revenir sur chaque passage qui pose problème sans reprendre systématiquement au début du morceau

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ü Commencez par travailler la fin du morceau. ü Soyez capable de commencer à n’importe quel endroit du morceau. ü Une fois que vous savez jouer votre morceau, soyez toujours capable de le jouer très lentement. La lenteur est le microscope du musicien. ü Déchiffrez régulièrement de nouvelles partitions (sans les travailler). Cela vous permettra de développer la réactivité du circuit œil / cerveau / doigts / sensations.

Développer sa formation et sa culture musicale Ne perdez jamais une occasion d’apprendre quelque chose de nouveau en musique. Le fait d’enrichir vos connaissances vous occasionnera bien des surprises agréables, notamment en découvrant de nouvelles possibilités de vous exprimer artistiquement. Avant d’être le chanteur à succès que l’on connaît, Benjamin Biolay a étudié le trombone au conservatoire et obtenu plusieurs prix. A ses débuts, Serge Gainsbourg a été peintre, il a étudié le piano classique puis a été pianiste de bar. Grâce à ses connaissances, il a pu adapter des mélodies de Brahms ou de Grieg pour la chanson qui sont ensuite devenues des « tubes ». En fréquentant des musiciens de jazz, Igor Stravinsky ou Maurice Ravel ont pu renouveler leur langage musical. Les Beatles ont fait évoluer leur musique en prenant des cours de musique traditionnelle en Inde. Laurent Voulzy écoute beaucoup de musiques du moyen-âge… Déjà à la fin du moyen-âge, parlant de peinture, Albert Dürer (1471-1528) disait que l’art était soumis aux lois de la beauté, alors que la foule a l’habitude d’aborder l’art du point de vue de son goût personnel (ça me plaît ou ça ne me plaît pas). Un être cultivé, un connaisseur dira : « cela ne me plaît pas, mais c’est vraiment bien fait ». L’ignorant, lui, dira : ça ne me plaît pas » ou « je ne comprends rien, donc c’est nul ».

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Le solfège Concrètement, plus vous travaillerez le solfège, par exemple, et plus vous saurez vous débrouiller seul pour apprendre des nouveaux morceaux. Il existe bien des façons pour apprendre le solfège. Au conservatoire ou en école de musique, on trouve un enseignement exigeant de qualité basé sur le chant, mais nécessitant un investissement conséquent sur le long terme, entre une heure et deux heures par semaine pendant plusieurs années. En cours privé, si vous avez la chance d’avoir un bon professeur de piano, celui-ci devrait être capable de vous enseigner tout ce qui vous est nécessaire de connaître en solfège pour progresser à l’instrument. Sur internet, vous trouverez un certain nombre de sites consacrés à l’enseignement du solfège. Mais, comme toujours sur ce média, la méfiance est de rigueur car on y trouve de tout, du pire à l’excellence. Pour Piano-attitude, j’ai mis en place un programme d’enseignement du solfège en vidéo. Vous y verrez mes premiers cours que j’ai réalisés avec un souci de grande qualité. La médiathèque de la Cité de la Musique propose un petit répertoire de logiciels et méthodes interactives pour apprendre le solfège.

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L’histoire de la musique Accroître vos connaissances en histoire de la musique vous permettra de développer votre créativité et de mieux comprendre ce que vous jouez au piano. Quand je parle d’histoire de la musique, c’est vraiment au sens large : musique classique bien-sûr, mais aussi le jazz, le rock, la variété, les musiques du monde, etc. Jouer un menuet, par exemple, en sachant que c’était une danse très en vogue au XVIIe et XVIIIe siècles et celle préférée de Louis XIV vous permettra de l’interpréter de façon juste. De même, jouer un boogie-woogie en sachant que ce style de jazz est basé sur le rythme du train que prenaient au vol les noirs américains pour trouver du travail au début du XXe siècle vous conduira à le jouer au plus près de l’esprit voulu. Essayez de connaître les grandes caractéristiques de la musique baroque, classique et romantique. Ecoutez des œuvres des principaux compositeurs de chaque période. Idem pour le jazz. Apprenez à identifier le new-Orleans, le swing ou le be-bop.

Willie Smith « The Lion » (photo William Gottlieb)

Pour cela, je vous invite à lire des ouvrages spécialisés comme des encyclopédies musicales, des histoires de la musique, des biographies ou des revues. Encore une fois, consultez les médiathèques, les librairies et Internet. Pour vous guider, voici quelques références de livres : • Guide illustré de la musique – 2 tomes, de Ulrich Michels (Fayard)

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• Encyclopédie de la musique, ouvrage collectif (Le livre de Poche - La Pochothèque) • La musique de piano - Dictionnaire des compositeurs et des œuvres - 2 tomes, de Guy Sacre (R. Laffont) • Histoire du Jazz et de la Musique Afro-Américaine, de Lucien Malson (Seuil) Et aussi sur Internet : • http://www.musiclassics.fr/compositeurs-musique-classique/ • http://www.musicologie.org/sites/sites.html

Connaître et écouter les grands pianistes Les grands maîtres ont toujours quelque chose à nous apprendre. Ecouter plusieurs versions d’une même œuvre par de grands interprètes permet, une fois encore, d’affiner ses propres préférences. De plus, grâce à la vidéo, vous pouvez étudier la posture ou les façons de faire parfois surprenantes de pianistes de premier plan. Voir jouer le génial Glenn Gould est une expérience marquante tant sa posture est hors norme en regard de la beauté de sa musique. Pour commencer vos découvertes, voici une liste de quelques grands pianistes interprètes qu’il est bon de connaître :

• Martha Argerich

• Ievgueni Kissin

• Claudio Arrau

• Lang Lang

• Paul Badura-Skoda

• Radu Lupu

• Alfred Brendel

• Arturo Benedetti Michelangelo

• Glenn Gould

• Sviatoslav Richter

• Hélène Grimaud

• Arthur Rubinstein

• Clara Haskil

• Krystian Zimerman

• Vladimir Horowitz

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Ecouter beaucoup de musique Pour émettre une opinion sur quelque chose, il suffit généralement que l’on connaisse l’existence de ce quelque chose. Mais, pour apprécier quelque chose, l’aimer ou non, cela demande une connaissance plus approfondie. Vous ne saurez jamais vraiment si le mode de vie australien, son climat et sa société vous plaisent tant que vous ne serez pas allé dans ce pays. En musique, c’est la même chose. Il faut partir à l’aventure, à la découverte de ce que l’on ne connaît pas ou peu. Plus vous écouterez de musiques différentes, plus vous affinerez vos goûts et votre expertise artistique. C’est bien sûr le rôle du professeur de faire découvrir un répertoire aussi large que possible à ses élèves, mais le professeur ne peut pas tout. C’est à vous de faire cette démarche.

Rien ne remplace le contact avec la musique vivante ! C’est en allant écouter les musiciens en « live » que vous ressentirez le mieux les émotions qui circulent. Par ailleurs, vous apprendrez beaucoup en observant les artistes jouer devant vous. Alors, sortez de chez vous et allez explorer les salles de concert, les clubs de jazz, les concerts en plein air, etc. Profitez de vos vacances pour découvrir un festival ou un concert dans tel lieu magique. A terme, de nouveaux territoires musicaux s’offriront à vous et votre façon de jouer s’en trouvera influencée. N’hésitez pas à utiliser tous les médias pour découvrir de la musique. Inscrivez-vous dans une médiathèque pour emprunter des CD, écouter des radios de qualité, surfez sur Internet…

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II. Comment se positionner devant un piano ? Sur quoi s’asseoir ? Avant toute chose, choisissez un siège confortable et facile à utiliser pour vous assoir à votre piano, car vous allez devoir apprendre petit à petit à faire corps avec lui, à devenir son prolongement. Bannissez les chaises avec des annuaires ou des coussins posés dessus ou les tabourets ronds et bancals... et préférez la banquette rectangulaire que l’on peut très facilement monter ou descendre selon les besoins. Pourquoi une banquette rectangulaire plutôt qu’un tabouret ? Faites l'essai... vous sentirez parfaitement qu’assis sur une banquette, vous pourrez facilement faire de grands déplacements sur le clavier, que ce soit vers les graves ou les aigus. Si vous faites vraiment les mêmes gestes sur un tabouret rond, vous tombez, tout simplement !

Comment s’asseoir ? Vous devez vous asseoir devant la note « do » du milieu du piano, ce sera votre repère au début puis, très vite, vous trouverez vos marques spontanément. En vous installant au milieu de votre banquette, vous devez vous sentir parfaitement à l'aise : ü Vos pieds doivent être solidement ancrés au sol (si cela n'est pas possible pour un jeune enfant, je vous conseille vivement de lui mettre un petit tabouret sous les pieds afin de les stabiliser). ü Le buste doit être droit et surtout détendu. Les épaules doivent être basses et les avant-bras, bras, poignets et mains à la même hauteur que le clavier. En

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aucun cas vous ne devez jouer avec les mains en dessous du clavier ou très au dessus du clavier. C'est bien en posant vos mains sur le clavier que pourrez vérifier que vous êtes à la bonne hauteur ou non. ü Ces membres supérieurs doivent être le prolongement, l'expansion du clavier. Vous voilà bien assis, devant le « do » du milieu, à bonne hauteur, les pieds bien ancrés et le corps le plus détendu possible !

A quelle distance du piano ? Reste un point très important : très souvent les débutants pianistes ont une fâcheuse tendance à s’asseoir trop près du clavier avec un "postérieur" placé entièrement sur le tabouret... Ce sont là des réflexes tout à fait normaux. Quand on apprend quelque chose de nouveau, une certaine insécurité s'installe naturellement : « Vais-je y arriver ? Suis-je fait pour la musique ? N'ai-je pas l'air ridicule ? » etc. Alors, pour se sécuriser, on se rapproche du clavier, c'est un peu moins impressionnant. On place la banquette trop près du piano et on s’y "avachit"... Et c'est ainsi que l'on perd toute possibilité d'aisance, d'envergure, de fluidité dans les déplacements. Nous avons besoin d'espace pour jouer, pour exprimer nos émotions musicales à travers le mouvement. Plus vous prendrez du recul (sans occasionner de gêne bien sûr), plus vos bras, vos mains auront de l'espace pour bouger de haut en bas ou inversement et dans toutes les directions. Il est donc important selon moi de ne pas placer sa banquette trop près du piano et de s'y asseoir sur le bord. Vous sentirez davantage votre appui sur les jambes et pieds au sol ainsi que vos mains sur le clavier.

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Cette position facilite un bon ancrage.

NON !

OUI !

Plus vous vous concentrerez sur vos sensations corporelles, plus vous pourrez sentir vos épaules se tendre ou se détendre, vos poignets se crisper ou se décrisper, vos doigts s'ancrer solidement dans le clavier ou filer de façon incontrôlée sur le clavier. Il est utile de bien sentir cette dualité afin que vous puissiez toujours jouer sans tension corporelle superflue, ce qui ne veut pas dire être mou! Vous concentrer sur vos sensations corporelles vous conduira petit à petit à les maîtriser pour vous en servir correctement.

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III. Comment positionner la main et les doigts ? Placez vos mains sur vos genoux, gardez cette position comme-ci vous veniez de faire un moulage... et déplacez-les sur le clavier, c'est ainsi que vos mains doivent être positionnées.

Reste à découvrir, apprendre le contrôle de chaque doigt. Il est important que chaque doigt soit rond et solide. Vos doigts ne doivent pas enfoncer les touches en étant plats ou tordus dans tous les sens ou à l'extrême en jouant sur l'ongle. Vous devez sentir les touches du piano en jouant sur le petit bout de chair à l'extrémité de vos doigts, j'appelle cela "le gras" du doigt. Chaque doigt a une particularité sonore sur le clavier, c'est pourquoi il est important d'apprendre à les contrôler, à développer une agilité particulière.

Numérotation des doigts du pianiste

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En effet vous ne vous servez pas de vos doigts dans la vie quotidienne autant ou de la même manière que vous le feriez devant un piano et vous allez découvrir de nouvelles sensations corporelles et des réflexes aussi, parfois incontrôlables... par exemple, pendant que vous jouez avec le pouce, vous découvrez avec horreur que votre cinquième doigt se dresse sans que vous puissiez le maîtriser ! Rassurez-vous, il existe des milliers d'exercices pour remédier à chaque difficulté.

IV. Comment aborder une nouvelle partition ? Les indications contenues dans la partition sont une mine d’information. Du titre à la moindre indication du compositeur, il doit être entièrement compris et le compositeur situé dans son contexte historique et musical. La culture musicale est une aide précieuse, il faut comprendre pour apprendre.

Voici ce que vous devez repérer sur une nouvelle partition.

Ø la forme : quelle est la structure du morceau ? Y a-t-il plusieurs fois le même thème ? Peut-on repérer des grandes parties ? Ø le style : est-ce du jazz, du classique ou de la variété ? Si c’est de la musique classique, est-ce du baroque, du romantique, du contemporain… ? Ø le compositeur : de quelle époque est-il ? Est-il relié à un grand courant musical ? Avez-vous déjà entendu certaines de ses œuvres ? Ø Le titre : quelle information m’apporte-t-il pour interpréter l’œuvre ? Ø Tous les signes et autres indications sur la partition : la tonalité et le nombre d’altérations à la clef (l’armure), les nuances d’intensité, les liaisons, les reprises, etc.

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V. Gérer le trac Le trac est une sensation quasiment inévitable qui survient à toute personne devant s’exprimer devant un public. Les musiciens, les danseurs, les comédiens mais aussi les politiciens et les conférenciers sont principalement concernés par ce phénomène. Le trac est la prise de conscience que l’on s’apprête à vivre un moment hors du commun, un rendez-vous d’amour, un examen ou un désir de donner le meilleur de soimême. Mais je le considère avant tout comme étant un stress lié à la peur du jugement d’autrui. Le trac doit donc être considéré comme un événement positif permettant de se dépasser et de donner ce que l’on a de mieux en soi. Malheureusement, chez certaines personnes, il se transforme en angoisse. Il n’agit plus alors en tant que stimulant et, dans ce cas, il paralyse le corps et bloque toute forme d’expression. Il faut donc apprendre à maîtriser le trac. A tout problème, il y a une solution. Encore faut-il vouloir la trouver…

« Le trac est fondamentalement le même chez un champion et chez un débutant. La différence vient que le premier a appris à mieux le maîtriser que le second. » John McEnroe (champion de tennis)

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VI. L’instrument Piano acoustique ou numérique ? Sonorité et toucher, voilà les deux caractéristiques indissociables qui composent ce merveilleux instrument que l’on appelle un piano. La sonorité est due aux cordes tendues au-dessus d’une table d’harmonie en bois et à la caisse de résonnance (le meuble). Quant au toucher, il est le résultat de l’action des marteaux sur les cordes grâce à un mécanisme reliant les touches aux marteaux. Résumé ainsi à ses principales caractéristiques, le piano paraît être d’une grande simplicité. Pourtant, à ce jour, aucun piano numérique ne peut restituer la même sonorité ni le même toucher qu’un piano dit « acoustique ». Pour le dire autrement, le piano acoustique et le piano numérique sont deux instruments complètement différents.

Mon conseil : toujours préférer le piano acoustique au piano numérique, surtout si vous êtes débutant. En effet, commencer l’apprentissage du piano sur un instrument qui n’est pas un piano est, en quelque une sorte, une aberration. Le débutant travaillant sur un piano numérique ne pourra pas développer convenablement son toucher et son oreille pianistique. A terme, il pourra devenir un bon musicien jouant du clavier, mais il ne deviendra pas un pianiste. Si, toutefois pour des raisons matérielles (problèmes de voisinage, d’insonorisation ou d’accessibilité des locaux), vous deviez absolument acheter un clavier numérique, orientez-vous vers des modèles de qualité en matière de toucher et de sonorité. Ne choisissez jamais les bas de gamme, car vous ne trouverez pas de clavier de qualité en-dessous de 1200 €. Notez qu’à ce prix, vous pouvez acquérir un « vrai » piano d’occasion, voire un piano d’étude neuf !

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Quelques bons modèles de claviers numériques : ü CASIO CELVIANO AP-450 (± 1200 €) ü KAWAI ES-7 (±1600 €) ü BLÜTHNER E-KLAVIER (± 2500 €) ü ROLAND LX 15 (± 6000 €)

Une solution : la location Vous n'êtes pas sûr de votre vocation de pianiste ou de celle de vos enfants et vous hésitez à investir dès le début dans l’achat d’un piano. La solution peut être la loca-

tion d’un piano neuf. Un certain nombre de magasins spécialisés proposent un dispositif appelé "Location avec Option d'Achat" (LOA). Pour une mensualité d'environ 45 €, vous disposez d'un piano neuf que vous pouvez acheter selon des délais prévus par contrat avec le commerçant (bien souvent au bout d'un an de location), les sommes versées étant alors déduites du montant total.

Acheter un piano Si vous souhaitez acheter un piano et être guidé dans cet achat, je invite à lire l’article très complet que j’ai écris à ce propos dans Piano-Attitude : Conseils pour acheter un piano.

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L’entretien du piano L’emplacement Voici une règle d’acoustique à connaître : plus les matériaux composant le local sont durs, plus ils sont réverbérants. Par conséquent, si le sol de votre local est en béton ou recouvert de carrelage et les murs en béton, en brique ou en pierre, il faut habiller la pièce avec des tapis, des rideaux et des meubles pour réduire la réverbération. A contrario, avec un sol en parquet, quelques meubles suffiront à garantir une acoustique agréable. Ne plaquez pas votre piano droit contre le mur. La table d’harmonie se trouvant à l’arrière du piano, décollez le piano de 15 à 20 cm du mur afin de ne pas emprisonner la sonorité. Le piano n’aime pas les fortes variations de température et d’hygrométrie. Placez-le de façon à ce que les rayons du soleil ne viennent jamais toucher directement le piano. Eloignez-le également des sources de chaleur (radiateur, poêle…). Mettez votre piano dans une pièce ni trop sèche, ni trop humide. Une atmosphère trop sèche provoquera un jeu excessif dans la mécanique et, beaucoup plus grave, des fentes dans la table d’harmonie. Un taux d’humidité trop élevé fera gonfler les pièces de bois, entraînant le blocage des marteaux. Il aura aussi pour conséquence de faire s’oxyder les parties métalliques, notamment les cordes. Pour quelques euros, vous pouvez acheter un hygromètre pour surveiller le taux d’humidité de la pièce qui doit se situer entre 50 et 60 % d’humidité.

L’entretien Le piano nécessite peu d’entretien. Pour un usage normal, il faut le faire accorder une fois par an. Le tassement et l’usure des feutres nécessitent un réglage tous les dix ans environ. Protégez votre piano de la poussière en fermant les couvercles.

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Les pédales Le pédalier d'un piano est généralement composé de deux ou trois pédales. ü A droite, la pédale forte sert à prolonger le son et à augmenter la résonance en relevant l'intégralité des étouffoirs, laissant les cordes vibrer librement. ü A gauche, la pédale una corda ou douce. Sur un piano à queue, elle est appelée una corda (une corde) et permet de déplacer le clavier et les marteaux de manière à ce qu'il n'y ait plus que deux des trois cordes attribuées à chaque note qui soient frappées. Le timbre de l'instrument subit alors des changements. Sur certains dispositifs, les trois cordes sont frappées avec la partie moins tassée des marteaux. Sur un piano droit, elle est appelée pédale douce. Elle rapproche les marteaux des cordes, ce qui diminue la vitesse de frappe et allège le toucher. Dans les deux cas, le volume sonore est diminué. ü La pédale du milieu n’est bien souvent présente que sur les pianos à queue de concert. Elle est appelée pédale tonale ou de soutien ou encore pédale sostenuto. Elle permet de tenir une ou plusieurs notes déjà jouées et en train de résonner au moment où cette pédale est enfoncée. Le répertoire pianistique n'en fait qu'un usage limité. Sur certains pianos droits d’étude, la pédale du milieu est une sourdine, appelée parfois pédale d'appartement. Elle sert à réduire le volume sonore grâce à un feutre s'intercalant entre les marteaux et les cordes. Cette sourdine ne joue aucun rôle dans l'interprétation mais sert uniquement à diminuer le son afin de ne pas déranger l'entourage du pianiste.

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VII. Qu’est-ce qu’un Opus ? Opus est un mot latin signifiant ouvrage ou œuvre. Le numéro d’opus en musique permet de classer les œuvres d’un compositeur selon leurs dates de publication. Les indications « Op.15 », « Op. n°15 » ou « Opus 15 », par exemple, indiquent que l’œuvre est la 15e à avoir été publiée (et non la 15e œuvre composée). Certaines compositions n’ont jamais été publiées. Elles sont alors répertoriées avec un numéro de « Werk ohne Opuszahl » (en allemand : « œuvre sans numéro d'opus »), sous la forme : WoO. Certains compositeurs ont leurs œuvres classées selon un catalogue établi par un musicologue. C’est le cas des compositeurs suivants :

Johann Sebastian BACH Le Bach-Werke-Verzeichnis (en allemand Catalogue des œuvres de Bach), désigné couramment par le sigle BWV, est le catalogue thématique des œuvres de Johann Sebastian Bach établi dans les années 1950 par Wolfgang Schmieder. Exemple : « Passacaille et fugue en do mineur BWV 582 »

Joseph HAYDN Les œuvres de Joseph Haydn ont été classées chronologiquement par le musicologue Néerlandais Anthony van Hoboken dans les années 1960 et 1970. Le numéro d’une œuvre est précédé de l’abréviation « Hob » ou « H ». Anthony van Hoboken a eu l’idée de regrouper les compositions par catégories (quatuors à cordes, symphonies, etc.) et de numéroter ces catégories. Ainsi, par exemple, les sonates pour piano sont dans la catégorie XVI. Exemple : « Sonate pour piano n°62 Hob.XVI.52 en mib bémol majeur ».

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Wolfgang Amadeus MOZART Le catalogue chronologique des œuvres de W. A. Mozart a été établi en 1862 par Ludwig von Köchel. Le numéro de l’œuvre est précédé de son initiale K, du nom de famille du musicologue (on prononce « Köchel »). Exemple : « Sonate pour piano n° 2 en fa mineur, K. 280 » (prononcer « Köchel 280 »)

Franz Schubert Le catalogue de référence employé est celui qu'a dressé le musicologue Otto Erich Deutsch au milieu du vingtième siècle. Établi dans l'ordre chronologique (à quelques exceptions près), ce catalogue associe chaque œuvre de Schubert à un numéro précédé de la lettre D (on prononce « Deutsch»). Exemple : « Six moments musicaux, D.780 » (prononcer « Deutsch 780 »)

Domenico Scarlatti Les 555 sonates de D. Scarlatti sont identifiées par le numéro des recensements effectués par 3 musicologues : Giorgio Pestelli sous la lettre P , Alessandro Longo sous la lettre L et Ralph Kirkpatrick sous le sigle Kk. ou K.. Exemples : « Sonate en si mineur L. 33 », « Sonate en ré mineur K.1 »

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VIII. Tableau des principaux tempos Terme italien

Signification

Métronome

Largo

Large (lent)

40 à 60

Grave

Lent et solennel

± 40

Lento

Lent

52 à 68

Adagio

À l'aise (un peu moins lent que lento)

60 à 80

Andantino

entre adagio et andante

± 64 à 72

Andante moderato

entre andante et andantino

Andante

Modéré (allant)

76 à 100

Moderato

Modéré

88 à 112

Allegretto

Assez vite

100 à 128

Allegro moderato

Modérément vif

112 à 124

Allegro

Gai, vif, allègre

112 à 160

Vivace

Vif

± 140

Agitato

Agité

± 140

Presto

Rapide

140 à 200

Prestissimo

Très rapide

Plus vite que 188

Changements de tempo Terme italien

Signification Accélérer

animato

animé

accelerando

en accélérant

doppio

Double (doubler le tempo)

più mosso

plus agité

Più moto

plus de mouvement

stretto

serré

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Ralentir allargando

en élargissant

rallentando

en ralentissant

ritardando

en retardant

ritenuto

retenu

Retour à la vitesse de départ tempo primo

premier tempo

a tempo

au tempo

istesso tempo

le même tempo

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IX. Lexique des termes italiens en musique En musique, la majorité des termes utilisés sont italiens. L’explication vient du fait qu’au XIVe siècle, pendant le Renaissance et la période baroque, les arts Italiens rayonnaient sur toute l’Europe. Les musiciens se déplaçaient en Italie pour apprendre tandis que les musiciens italiens s’installaient un peu partout sur le continent. C’est durant cette période que la langue italienne est restée attachée à la musique. Voici un petit lexique où chaque terme est précisément défini puis interprété.

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Terme Italien

Traduction

En pratique

A cappella

à la chapelle

chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio

selon son caprice

librement

A piacere

à plaisir

A tempo

au temps

Accelerando

en accélérant

Accentuato

accentué

Acciaccatura

petite empreinte, bosbrève appoggiature selure

Acceso

enflammé

Accompagnato

accompagner

Acuto

fort

Ad libitum (latin)

librement

à volonté (abréviation: ad.lib)

Adagietto

assez lent

un peu moins lent que adagio

Adagio

lent

à l'aise, moins lent que lento

Affabile

aimable

Affettuoso

affectueux

Affrettando

accélération

en pressant et agité

Affannato

haletant

inquiet, angoissé

Agitato

agité

retour au tempo

l'accompagnement suit le soliste

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26

Terme Italien

Traduction

En pratique

A cappella

à la chapelle

chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio

selon son caprice

librement

A piacere

à plaisir

A tempo

au temps

Alcuni

quelques uns (unes)

Alla breve

à la brève

Alla marcia

comme une marche

Alla polacca

comme une polonaise

Alla tedesca

à l'allemande

Alla turca

à la turque

Allargando

en élargissant

Allegretto

assez vite

un peu moins vif que allegro

Allegro

vif,gai, allègre

assez vite

Al segno

au signe

retour au signe (de renvoi)

Altissimo

très haut

très haut

Amabile

aimable

Amoroso

amoureux

Andante

allant

modéré

Andantino

-

un peu moins lent que andante

Animato

animé

Appassionato

passionné

Appogiato

appuyé

Appoggiatura

appoggiature

Ardito

hardi

Aria

air

chant accompagné par instruments (à l'opéra)

Arietta

petit air

aria courte

Arioso

bien aéré

intermédiaire entre aria et récitatif

Arpeggio

arpège

jouer un accord note après note

retour au tempo

battre la mesure le plus souvent à la blanche, parfois à la ronde

petite note avant la note principale.

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27

!

Terme Italien

Traduction

En pratique

A cappella

à la chapelle

chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio

selon son caprice

librement

A piacere

à plaisir

A tempo

au temps

retour au tempo

Assai

beaucoup, très

ex: assai presto = "très" vite

Attacca

attaque

signifie que deux mouvements s'enchaînent sans solution de continuité

Aumentando

en augmentant

en augmentant progressivement le son

Ballabile

dansable

à jouer pour bien entendre le rythme de danse

Barbaro

barbare

Basso continuo

basse continue (ou basse chiffrée)

accompagnement où les accords sont indiqués par des chiffres

Basso ostinato

basse obstinée

la basse répète sans arrêt quelques mesures, pendant que les solistes interprètent librement mélodies ou variations

Battaglia

bataille

musique qui évoque une bataille

Bel canto

Beau chant

style d'opéra en Italie aux XVIIIe et XIXe siècles

Bergamasca

bergamasque, comme danse pastorale à Bergame

Brillante

brillant

Bruscamente

brusquement

Burlando

enjoué

Cadenza

cadence

passage soliste avant la fin d'un mouvement

Calando

diminution

en ralentissant et en diminuant progressivement le son

Caldamente

chaleureux

jouer chaleureusement

Cantabile

chantant

comme si on chantait

Canzone

chanson

pièce instrumentale

Capriccioso

capricieux

Coda

queue

Partie ajoutée à la fin d'un morceau

Coloratura

coloration

vaste ornement d'une partie de chant

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28

Terme Italien

Traduction

En pratique

A cappella

à la chapelle

chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio

selon son caprice

librement

A piacere

à plaisir

A tempo

au temps

retour au tempo

Comodo

à l'aise

tempo modéré

Con affetto

tendrement

Con allegrezza

avec allégresse

Con anima

avec âme

Con amore

avec amour

Con bravura

avec bravoure

Con brio

avec brillance

Con calore

avec chaleur

Con delicatezza

avec délicatesse

Con dolore

avec douleur

Con espressione

avec expression

Con forza

avec force

Con fuoco

avec feu

Con grazia

avec grâce

Con moto

avec mouvement

Con spirito

avec esprit

Con tenerezza

avec tendresse

Concertino

petite discussion

petit concerto

Concerto grosso

grande discussion

forme baroque du concert

Concerto

discussion

œuvre pour instrument solo et orchestre

Continuo

continuer

basse continue : accompagnement à la basse de la mélodie

Crescendo

devenir plus fort

en augmentant progressivement le son

Da capo

A la tête

reprendre au début (abr. DC)

Dal segno

au signe

recommencer à partir du signe

jouer avec un sentiment amoureux

vite, fort avec esprit

vite et ardent

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29

Terme Italien

Traduction

En pratique

A cappella

à la chapelle

chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio

selon son caprice

librement

A piacere

à plaisir

A tempo

au temps

Deciso

décidé

Decrescendo

devenir moins fort

Delicato

délicat

Diminuendo

en diminuant

Disperato

désespéré

Dolce

doux

Dolcissimo

trøs doux

Doloroso

douloureusement

retour au tempo

en diminuant progressivement le son

en diminuant progressivement le son

Doppio (movimento) deux fois plus vite

!

Drammatico

dramatique

Energico

énergique

Expressivo

expressif

Forte

fort

Forte piano

fort suivi de doux

Forte subito

soudainement fort

Fortissimo

très fort

jouer très fort (symbolisé par ff sur la partition)

Fortississimo

Extrêmement fort

(symbolisé par fff sur la partition, parfois ffff)

Fuocoso

enflammé

avec flamme

Furioso

furieux

Garbato

gentil

Giocoso

joyeux

Glissando

glisser

Grazioso

gracieux

Imperioso

impérieux

jouer fort (symbolisé par f sur la partition)

avec grâce

glisser d'une note à une autre

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30

Terme Italien

Traduction

En pratique

A cappella

à la chapelle

chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio

selon son caprice

librement

A piacere

à plaisir

A tempo

au temps

retour au tempo

Intermezzo

intermède

passage intermédiaire

Istesso tempo

le même mouvement

Lagrimoso

émouvant

Largamente

largement

Larghetto

assez large

un peu moins lent que largo

Largo

large

lent, ample, grave

Legatissimo

le plus lié possible

Legato

lié

Leggiero

léger

Lento

lent

lentement

Lusingando

en flattant

avec une expression caressante

Ma non tanto

mais pas beaucoup

Ma non troppo

mais pas trop

Maestoso

majestueux

Malinconico

mélancolique

Marcato

Marqué

Meno

moins

Meno vivo

moins vif

Mesto

triste

Mezza voce

à mi-voix

Mezzo forte

modérément fort

Mezzo piano

modérément doux

Moderato

modéré

Molto

beaucoup

très

Morendo

en mourant

diminuer le son et ralentir beaucoup

Ex. allegro ma non troppo = vite mais pas trop.

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31

!

Terme Italien

Traduction

En pratique

A cappella

à la chapelle

chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio

selon son caprice

librement

A piacere

à plaisir

A tempo

au temps

Nobile

noble

Opera buffa

opéra comique

Opera

œuvre

un drame chanté et avec instruments

Ostinato

Obstiné

répétition insistante d'un petit groupe de note

Pacato

apaisé

Patetico

pathétique

Perdendosi

en laissant perdre le son

Pesante

lourd

Piagendo

plaintif

Pianissimo

très doucement

(symbolisé par pp sur la partition)

Pianissimo quanto possible

le plus doucement possible

(symbolisé par ppp sur la partition, parfois pppp)

Piano

doucement

(symbolisé par p sur la partition)

Piano subito

soudainement doux

Picchiettato

moucheté

Piu

plus

Piu mosso

plus animé

Piu moto

plus animé

Poco

peu

Poco a poco

peu à peu

Pomposo

solennel

Portamento

glissé d'une note à l'autre

Prestissimo

extrêmement rapide

Presto

rapide

retour au tempo

lourdement

piqué et léger

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32

Terme Italien

Traduction

En pratique

A cappella

à la chapelle

chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio

selon son caprice

librement

A piacere

à plaisir

A tempo

au temps

retour au tempo

Prima donna

première dame

la plus importante voix féminine dans l'opéra

Quasi

comme

Quieto

calme, tranquille

Rallentando

en ralentissant

Religioso

religieux

Rinforzando

en renforçant soudainement le son

Risoluto

résolu

Ritardando

en retardant

ralentir, mais plus que Ritenuto

Ritenente

en retenant

cf. Ritenuto

Ritenuto

en retenant

ralentir, mais moins que Ritardando

Rubato

en volant (en dérobant)

accélérer ou ralentir certaines notes de la mélodie pour abandonner la rigueur de la mesure.

Rustico

champêtre

Scherzando

en plaisantant

Scherzo

en plaisantant

Semplice

simplement

Sempre

toujours

Sentito

expressif

Senza tempo

sans tempo

Sfogato

léger, aisé

Sforzando

en renforçant soudainement le son

Slargando

en élargissant

Smorzando

en atténuant

en ralentissant et en diminuant progressivement le son

Sonata

sonner

une composition en forme de sonate

comme un scherzo

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33

!

Terme Italien

Traduction

En pratique

A cappella

à la chapelle

chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio

selon son caprice

librement

A piacere

à plaisir

A tempo

au temps

Sostenuto

soutenu

Sotto

sous, dessous

Sotto voce

murmuré

Spianato

apaisé

Staccato

détaché

Staccatissimo

notes très brèves

Stretto

serré

Stringendo

en serrant

Tempo

mouvement

Tempo

temps

Tempo frettoloso

mouvement animé

Tempo giusto

mouvement exact

Tempo ordinario

mouvement normal

Tempo primo

au premier mouvement

Tenando

en tenant

Teneramente

tendrement

Toccata

touchée

Tranquillo

tranquille

Tremendo

terrible

Tristamente

tristement

Tutta forza

à toute force

le plus fort possible

Tutti

tous

tous les instruments de l'orchestre

Un poco forte

un peu fort

Un poco piano

un peu doux

retour au tempo

presser

allure de l'exécution d'une œuvre musicale

en soutenant

pièce instrumentale assez virtuose (clavier)

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Terme Italien

Traduction

En pratique

A cappella

à la chapelle

chant sans accompagnement d'instruments

A capriccio

selon son caprice

librement

A piacere

à plaisir

A tempo

au temps

retour au tempo

Una corda

une corde

pédale de sourdine sur le piano

Vezzoso

gracieux

Vigoroso

vigoureusement

Vivace

vif

Vivacissimo

extrêmement vif

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35

X. Danses Danses baroques Danse

Origine

Epoque

Mesure

Tempo

Caractère

Allemagne

XVIe - XVIIe

4/4 (parfois

Allant (q± 80)

Noble, fier, sans lenteur

Vif, joyeux

Populaire, rustique

Allemande

Bourrée

2/2 ou 2/4)

France (Au- XVIIe - XVIIIe 2/2 ou 2/4 vergne)

Accentuation des 1er temps Espagne

XVIIe - XVIIIe 3/4

Lent à très modéré

Majestueux, solennel, austère

Chaconne conne et la passacaille.

Courante française

Courante italienne

Sur une basse obstinée. Peu de différence entre la cha-

Italie

XVIIe

3/2 ou 6/4

Modéré (h± 90)

Italie

XVIIe

3/4 ou 3/8

Vif (q ± 160) Léger, alerte

Enjoué et majestueux

Comme la courante française, mais en plus rapide. Italie

XVIIe - XVIIIe 6/4 ou 6/8

Modéré à rapide

Noble mais gai, un peu pesant

Forlane A la fin du XVIIe siècle, la for-

lane devint une danse de cour. Italie

XVIe - XVIIe

France

XVIIe - XVIIIe 2/2 ou 2/4

3/4, 3/2 ou 3/8

Vif

Gaillarde

Gavotte

Lent à modé- Gracieux, tendre ré

Gavots : sobriquet désignant les habitants de Gap

Gigue

Angleterre ou Irlande

3/8, 6/8, 9/8, XVIIe - XVIIIe 12/8 ou C (triolets)

Rapide ou très rapide Modéré à très vif

de l’anglais « jig » : cuisse, jambe; gigot, gigoter

!

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Loure (la)

France XVIIe - XVIIIe 6/4 (Normandie)

XVIIe - XVIIIe 3/4

qqq ou h q ou qh

(avec

férée de Louis XIV France

Musette

Modéré

ry)

XVIIe - XVIIIe 2/3 ou 3/4

ry et dffg Espagne

Passacaille

Majestueux, grave, pesant

Ancien nom de la cornemuse : 1er temps accentué. Détacher les q France

Menuet

Lent

Simple, gracieux et élégant

Se pense à 2 temps sur 2 mesures. Danse préModéré

Simple et rustique

2 voix sur une note pédale à la basse imitant la musette (cornemuse française)

XVIIe - XVIIIe 3/4

#4 qq. e\ qh \

Presque lent Grave à modéré

Sur une basse obstinée. Peu de différence entre la chaconne et

la passacaille. France

XVIe - XVIIe

3/8

Vif et gai

Proche du menuet, mais plus rustique et plus vif.

Italie

XVe - XVIIIe

4/4 ou 4/2

Lent

Grave et digne

Passepied

Pavane

Polonaise

Rigaudon

Sarabande

Sicilienne

$4 qq\ q. eqq\ qq Pologne

XVIe - XVIIIe 3/4

Lent à modéré Mélancolique et majestueux

France (Provence)

XVIIe - XVIIIe 2/2 ou 2/4

Vif ou assez vif

C q\ qqqq\ rrryqq\ Lent ou modéré (q ± 80)

Espagne

XVIIe - XVIIIe 3/2 ou 3/4

#2 h h.

q\ h h

Italie

XVIIe - XVIIIe 6/8 ou 12/8 Modéré à rapide

Grave, noble, majestueux, fier

Caractère pastoral très dansant.

^8 r.gyq e\ France (Provence)

Tambourin

Gai, léger

2/4 ou 4/2

dffg dffg et ryry

Très vif

Populaire et très dansant

1er temps accentué sur une basse obstinée (imitation de l’ins-

trument)

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La suite de danses baroques Schéma habituel d’une suite baroque au XVIIe :

Suite française

Suite allemande ou Partita Prélude (ou sinfonie, fanataisie, ouverture, préambule, toccata)

Allemande

Allemande

Courante

Courante

Sarabande

Sarabande (ou aria, air)

Danses libres ou « galanteries » : Danses libres ou « galanteries » : 1 ou 2 menuets, air, gavotte, bourrée, loure ou 1 ou 2 menuets, rondeau, burlesca, passepied polonaise ou gavotte Gigue

!

Gigue

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38

Danses diverses Danse

Origine Epoque Mesure

Tempo

Caractère

Vif

Sautillant

Rapide

Marche rythmée

Italie (Bergame) Bergamasque Danse apparue dès le XVIe siècle

Cake-walk (« marche du gâteau »)

Habanera

Etats-Unis (Virginie)

Fin XIXe

2/4 ou 4/4

Le nom évoque le gâteau récompensant les meilleurs danseurs chez les esclaves du sud des Etats-Unis. Cuba, vers 1830

Fin XIXe

2/4

modéré

Fier et élégant

(Bizet : Carmen)

Ländler

Allemagne, Autriche, XVIIIe - XIXe Suisse

3/4

Assez lent

Populaire, campagnard (au XIXe)

3/4

modéré

Régulier et élégant

Similaire à la valse Pologne

Mazurka 2e temps accentué, 1 mes. sur 2

Polka

Bohême (République Tchèque)

XIXe

Italie (Naples)

2/4

3/4 ou 6/8

vif

Joyeux et populaire

Rapide

joyeux

Saltarelle 1er temps marqué. En italien : saltare

(sauter). Italie

XVIIe - XXe

6/8

Vif

Tarentelle

Fiévreux et endiablé Utilisée comme thérapie contre la

morsure de l’araignée, la tarentule.

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XI. Paroles de grands interprètes Vladimir Horowitz (1903-1989) « Tout interprète devrait avoir une âme de compositeur. Les grands pianistes ont toujours composé. C’est indispensable pour comprendre la musique, en saisir l’insaisissable ! Je ne parle même pas de l’improvisation. Je peux passer des heures à improviser. Il en sort des choses plus ou moins bonnes selon les cas. Mais encore une fois, ne jouons pas les intellectuels ! La musique est une question d’agencement harmonieux entre la tête, le cœur et la technique. Il ne faut sous aucun prétexte que l’un des trois l’emporte sur les autres. De Mozart à Beethoven en passant par Chopin, tous ont dit qu’il fallait faire chanter son instrument, fût-il à percussion. Tout le talent est là, il ne faut pas jouer mécaniquement. » Extraits de : Propos de musiciens, par Helen Epstein, trad. Martine Thomas, Alinéa, 1987

Philippe Giusiano (né en 1973) Le travail de la polyphonie Question : Est- il vrai que Pierre Barbizet, votre dernier professeur de piano, avait une approche toute particulière pour faire travailler les fugues de Bach ? Réponse : Oui, c’est exact. Il nous faisait interpréter la partition à la voix. Pour une fugue à quatre voix par exemple, il y avait quatre groupes. C’était intéressant et très intelligent car il y a l’aspect polyphonique qui ressort davantage. Peu de temps avant les examens et avant même d’aborder le travail pianistique, il nous réunissait tous pour essayer de chanter. Extraits d’un entretien avec F. Michel dans resmucica.com du 19/12/2009 

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Aldo Ciccolini (né en 1925) Un regard décapant et sans illusion sur la culture actuelle… « Peut-être y a-t-il encore des artistes... mais il n’y a plus d’art. C’est vrai, je suis excessivement pessimiste sur l’avenir de la musique. l’art est attaqué depuis bien trop longtemps [...]. Quant à la musique ellemême, elle a été beaucoup marginalisée. Je crois même qu’elle est devenue quelque chose de gênant dans notre société. La musique porte en elle des valeurs profondes qui nous font tendre vers la beauté, rechercher une certaine vérité (pour peu qu’il y en ait une !). Mais aujourd’hui, les intérêts sont tout autres. On s’intéresse surtout à l’exploit, à l’habileté physique, au pouvoir, à l’argent, transformant tout en compétition. Dans ce contexte, les artistes n’ont pas d’autre choix pour s’en sortir que de chercher à être médiatisés et tout ce qui est talent ne semble plus avoir beaucoup de poids. Alors, on entend jouer tout le monde plus ou moins de la même façon. [...] Nous n’allons d’ailleurs plus au concert, nous allons au musée. Comme nous irions voir un tableau au Louvre, nous allons écouter un morceau de musique du passé. L’époque de Pelléas et Mélisande de Debussy, qui soulevait des scandales et faisait bouger la musique est bel et bien révolue. Non, je le répète, je ne suis pas optimiste du tout. De là à penser que l’art et la culture disparaissent un jour complètement, il n’y a qu’un pas qui sera, à mon avis, franchi... du moins en Occident *. Ce qui sonnera le glas du monde occidental car celui-ci ne tient que par sa culture. Une civilisation sans culture est une civilisation sans avenir. » •

Dans un entretien accordé à La Lettre du musicien en 2007, Aldo Ciccolini précisait son propos. Selon lui, on peut espérer que le flambeau de la culture occidentale, et notamment de la musique, soit en train d’être repris par les pays d’Extrême-Orient.

Extraits de : « Je suis un lirico spinto », entretiens avec Pascal Le Corre, Van de Velde, 2007

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Charles Rosen (né en 1927) Apprendre à s’écouter Jouer d’un instrument est un plaisir physique. On ne devient pas pianiste à moins de ressentir un plaisir intense à faire bouger ses doigts, et surtout les mettre en contact avec les touches. Mais les sons, on les entend intérieurement. On les imagine. C’est l’une des grandes difficultés dans l’enseignement du piano : l’élève doit apprendre à s’écouter. On n’a pas besoin de s’écouter pour jouer du piano ! Le violoniste ne peut s’en dispenser : il doit savoir s’il joue la bonne note… Pour le pianiste, s’écouter peut être une contrainte, car le plaisir musculaire de jouer est satisfaisant en soi. Extraits de : « Plaisir de penser », conversation avec Catherine Temerson. Georg Eshel,1993

Krystian Zimerman (né en 1956) Il faut jouer comme si la vie en dépendait. « Au fond, tout le monde est romantique. On se trompe en disant que les artistes n'ont pas d'émotions quand ils jouent de la musique, c'est tout le contraire. Je cherche des oeuvres pour lesquelles je puisse imaginer, visualiser cette émotion, pour y plonger, une émotion pour laquelle je sois capable de mourir. Autrement, la vie n'a pas de sens. » Extraits d’un entretien publié dans L’Express le 8/12/2012

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XII. Quelques citations à méditer « Être soi-même dans un monde qui essaye en permanence de vous transformer est la plus belle des réussites. » Ralph Waldo Emerson, écrivain « Ce qu’on ne peut dire et ce qu’on ne peut taire, la musique l’exprime. » Victor Hugo, poète, écrivain « Tout le monde sait jouer, mais rare sont ceux qui savent interpréter.» Heinrich Neuhaus, pianiste et immense pédagogue « Ce n’est pas un métier d’être pianiste et musicien. C’est une philosophie, une conception de la vie qui ne peut se fonder simplement sur de bonnes intentions ou un talent naturel. Avant toute chose, il doit y avoir un esprit de sacrifice. » Arturo Benedetti Michelangeli, pianiste L'erreur propre aux artistes est de croire qu'ils trouveront mieux en méditant qu'en essayant... Ce qu'on voulait faire, c'est en le faisant qu'on le découvre. Emile-Auguste Chartier, dit Alain, philosophe (« Avec Balzac », 1937) « Un piano doit être un ami, c'est-à-dire un confident qui essuie nos rages. » Félix Leclerc, auteur-compositeur-interprète « Le plus nécessaire et le plus difficile dans la musique c'est le tempo. » Wolfgang Amadeus Mozart « La volonté permet de grimper sur les cimes ; sans volonté, on reste au pied de la montagne. » Proverbe chinois

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