Grandes Directores Vol. II

Contenidos Artículos Fabián Bielinsky

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Fritz Lang

2

Gaspar Noé

5

George Lucas

6

Georges Méliès

10

Giuseppe Tornatore

14

Guillermo del Toro

16

Gus Van Sant

21

Hayao Miyazaki

24

Hermanos Coen

27

Hermanos Wachowski

39

Ingmar Bergman

41

J. J. Abrams

54

James Cameron

57

James L. Brooks

63

Jean-Luc Godard

66

Jean-Pierre Jeunet

71

John Cassavetes

73

John Ford (director de cine)

77

John Huston

86

John Woo

90

Jon Favreau (director)

92

Kathryn Bigelow

94

Luis Buñuel

96

M. Night Shyamalan

111

Martin Scorsese

114

Mel Gibson

124

Michael Mann

132

Mike Nichols

136

Miloš Forman

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Referencias Fuentes y contribuyentes del artículo

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Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes

143

Licencias de artículos Licencia

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Fabián Bielinsky

Fabián Bielinsky Fabián Bielinsky (Buenos Aires, 3 de febrero de 1959 – São Paulo, 28 de junio de 2006) fue un director de cine nacido en Argentina. Dirigió solo dos películas, Nueve reinas en el año 2000 y El aura en el 2005, que le bastaron para granjearse fama como cineasta preciso, clásico y muy efectivo; rechazó reiteradamente la oferta de hacer una remake de Nueve reinas para el mercado estadounidense. Falleció tempranamente, de un infarto mientras dormía en São Paulo, donde había viajado para realizar un casting para un anuncio.

Comienzos Bielinsky comenzó su actividad en cine hacia 1972, cuando se incorporó al grupo de cine del Colegio Nacional de Buenos Aires; con ellos rodaría su primer cortometraje, una adaptación realizada en Súper 8 del cuento Continuidad de los parques de Julio Cortázar. Acabada su educación secundaria, cursó estudios superiores en el Centro Experimental de Realización Cinematográfica del INCAA. Los concluiría en 1983, presentando como obra de grado otra adaptación, esta vez de La espera, de Jorge Luis Borges. La pulida factura del cortometraje, protagonizado por Héctor Bidonde y Guillermo Battaglia, indujo a su director, el célebre crítico Roland, a proponerle enviar una copia al festival de Cannes. Aunque no llegó a concursar allí, ganaría el primer premio del Festival de Huesca y se exhibiría repetidamente en numerosos festivales.

Publicidad y televisión En los años siguientes no proseguiría su carrera como realizador de ficción; compaginó una nutrida carrera en publicidad con la asistencia de dirección, trabajando junto a Miguel Pérez (La república perdida 2, 1986), Carlos Sorín (La eterna sonrisa de New Jersey, 1989), Marco Bechis (Alambrado, 1991), Eliseo Subiela (No te mueras sin decirme a dónde vas, 1995), Mario Levin (Sotto voce, 1996), Daniel Barone (Cohen vs. Rosi, 1998), y Alejandro Azzano(El secreto de los Andes, 1999). Guionó también La sonámbula, recuerdos del futuro, que dirigiría Fernando Spiner.

Cine En el 1999 finalmente obtuvo financiación para un guion que acariciaba hacía tiempo, al ganar un concurso. La obra, que se estrenaría en agosto del 2000 con el título de Nueve reinas, desarrollaba un eficaz relato policial ambientado en el submundo de los estafadores profesionales, desplegando sucesivas vueltas de tuerca en un estilo reminiscente quizás del de David Mamet, pero muy diferente al del cine argentino precedente o contemporáneo. Los enredos y cruces entre estafadores sedujeron a los jurados de numerosos festivales; la película cosechó premios en Portland, Oslo, Lleida, Lima, Porto, Cognac, Río de Janeiro, Bogotá, Biarritz y los British Independent Film Awards, además de siete Cóndores de Plata de la Asociación Argentina de Críticos Cinematográficos, y tanto Bielinsky como Ricardo Darín, en el papel protagónico, fueron calurosamente aplaudidos por la crítica. Varias productoras de Hollywood, entre ellas Sony, Fox y Universal le ofrecieron rehacerla en inglés, a lo que se negó, aduciendo que no querría que las dos primeras películas que haga fueran la misma; es como no avanzar. Finalmente vendió el guion a Warner Bros., que con producción de Steven Soderbergh la realizó en 2004 como Criminal. Para ese entonces, ya tenía guion para su segundo largometraje, también protagonizado por Darín. El aura se rodó en 2004; el guion, más ajustado que el precedente, desarrollaba los temas clásicos del film noir siguiendo a un taxidermista de memoria espacial, pleno de obsesiones morbosas. Sin el humor y la ironía de Nueve reinas, no contó con el éxito de taquilla de su predecesora, pero fascinó a los críticos; el famoso Jonathan Holland escribió una reseña plena de elogios para Variety, y finalmente obtuvo seis Cóndores de Plata. Los recogió el 26 de junio de 2006, justo antes de viajar a Brasil para rodar un spot publicitario. Falleció de un infarto mientras dormía, a los 47 años de edad.

1

Fabián Bielinsky

2

Bielinsky falleció "de un infarto agudo de miocardio", según informó su amigo Octavio Nadal. Elegido por la familia como vocero para descartar otras versiones que circularon el día de su muerte. Nadal declaró a una radio que Bielisnky falleció de un "infarto agudo de miocardio" en un hotel de la ciudad brasileña de São Paulo, y aclaró que el realizador sufría problemas de hipertensión. Su última película fue El aura protagonizado por Ricardo Darín. En 2011 obtuvo el Premio Konex Post Mortem como uno de los 5 mejores directores de cine de la década en la Argentina.

Enlaces externos • Ficha de Fabián Bielinsky en inglés [1] y en español [2] en Internet Movie Database. • La Nación. 29 de junio de 2006. Falleció Fabián Bielinsky, director de "El aura". [3] • Clarín. 29 de junio de 2006. Murió Fabián Bielinsky, director de "El Aura" y "Nueve Reinas". [4]

Referencias [1] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0081433 [2] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0081433 [3] http:/ / www. lanacion. com. ar/ 819027 [4] http:/ / www. clarin. com/ diario/ 2006/ 06/ 29/ um/ m-01224686. htm

Fritz Lang Fritz Lang Nombre real

Fritz Anton Christian Lang

Nacimiento

Viena,  Imperio austrohúngaro 5 de diciembre de 1890

Fallecimiento Beverly Hills (California),  Estados Unidos 2 de agosto de 1976 (85 años) Ocupación

Director de cine, productor cinematográfico, guionista Familia

Cónyuge

Lisa Rosenthal (?1919-1921) Thea von Harbou (1922-1933) Lily Latté (1971-1976) Ficha

[1]

en IMDb

Friedrich Christian Anton Lang, conocido como Fritz Lang (Viena, 5 de diciembre de 1890 – Los Ángeles, 2 de agosto de 1976) fue un director de cine de origen austríaco que desarrolló su carrera artística en Alemania y en Estados Unidos. Durante su época alemana dirigió clásicos como Metrópolis (1927) y M, el vampiro de Düsseldorf (1931). Desde mediados de los años 1930, trabajó en Hollywood, siendo uno de los principales artífices del género conocido como cine negro. Es también considerado uno de los grandes cineastas de la historia del cine. En sus inicios, contribuyó al movimiento expresionista alemán, con películas como Metrópolis.

Fritz Lang

3

Biografía Era hijo de Anton Lang arquitecto jefe de los trabajos públicos de la ciudad de Viena y de Paula Schlesinger (de ascendencia judía).[2] Su padre era católico, su madre era judía, por lo que siguiendo con la Ley Judía (Torá), Lang sería judío porque su madre lo era, según se deriva del Deuteronomio. Sin embargo, cuando Lang tenía diez años de edad, su madre se convirtió al catolicismo e intentó que el niño se educase en dicha religión. No obstante, Lang siempre manifestó no tener ningún interés en la religión, ni en la cristiana ni en la judía, y no mostró especial interés en sus raíces judías hasta que los nazis llegaron al poder en 1933, lo que condición toda su carrera profesional y su vida en el exilio norteamericano, como se verá. En 1908 empieza sus estudios de arquitectura en la Escuela Técnica de Viena. Finalmente interrumpe sus estudios de arquitectura para matricularse en la Escuela de Artes Gráficas de Viena, pasa luego a la de Núremberg y finalmente en la Escuela de Bellas Artes de Múnich.[2] A partir de 1909[2] o 1910[3] deja los estudios y comienza una época de viajes y bohemia, estableciéndose finalmente en París. Tras el inicio de la primera guerra mundial se traslada desde París a Viena.[4] Se alisto como voluntario en el ejército austrohungaro el 12 de enero de 1915.[5] Herido durante la contienda, en la convalecencia empezó a escribir guiones de cine[6]

Etapa alemana En 1916, comenzó a escribir guiones para los estudios Universum Film AG (UFA) y trabajó como director en Hallblut (1919) y Las arañas (1920), que fueron bien recibidas. A partir de sus propios guiones y los de su esposa Thea von Harbou, rodó Das Wandernde Bild (1920), Las tres luces (1921), Dr. Mabuse, el jugador (1922), Spione (1927) y El testamento del Dr. Mabuse (1932). Son consideradas las mejores de su producción en Alemania las películas Los nibelungos (1924), Metrópolis (1927), La mujer en la Luna (1928) y M, el vampiro de Düsseldorf (1931). Al finalizar El testamento del Dr. Mabuse en 1932, recibió la propuesta de Joseph Goebbels de hacerse cargo de la dirección de los estudios alemanes UFA, pero Lang era contrario a las ideas nazis, así que esa misma noche huyó hacia Francia, dejando casi todo lo que tenía y a su esposa Thea von Harbou, guionista de muchas de sus películas y más cercana a las ideas que dominaban Alemania en aquella época. En París rodó Liliom (1934), pero siguió hacia Hollywood ese mismo año, contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer.

Etapa estadounidense Lang en la filmación de La mujer en la Luna, 1929.

Ya en Estados Unidos sus proyectos fueron rechazados y tardó dos años en hacer Furia (1936). Sus producciones estadounidenses debieron acomodarse a las normas de los diferentes géneros, aunque filmó destacadas películas policíacas: Sólo se vive una vez (1937), La mujer del cuadro (1944), Perversidad (1945), Secreto tras la puerta (1947), Los sobornados (1953), Deseos humanos (1954), Mientras Nueva York duerme (1956), Más allá de la duda (1956), Los contrabandistas de Moonfleet (1955), o Encubridora (1952). A finales de los años cincuenta, en parte por el clima creado por las investigaciones del Comité de Actividades Antinorteamericanas y también por la oferta de un productor, viajó a la República Federal Alemana para rodar El tigre de Esnapur (1958), La tumba india (1959) y Los crímenes del Dr. Mabuse (1960), su última película. Murió en Los Ángeles en 1976.

Fritz Lang

4

Referencias Bibliografía[7] • Bogdanovich, Peter (1972, reeditado en 1984) (en español). Fritz Lang en América [8]. Madrid: Fundamentos. pp. 148. ISBN 84-245-0013-X. • Casas, Quim (1991). Fritz Lang. Madrid: Cátedra. ISBN 84-376-1024-9. • McGilligan, Patrick (1997). Fritz Lang: The Nature of the Beast. New York: St Martins Press. ISBN 0-571-19175-4. • Ott, Frederick W. (1979). The Films of Fritz Lang. New Jersey: Secaucus. ISBN 0-8065-0435-8. • Phillips, Gene D. (1998) (en inglés). Exiles in Hollywood [9]. Lehigh University Press. ISBN 0-934223-49-1. • Töteberg, Michael (2006). Fritz Lang. Madrid: T&B. ISBN 84-96576-16-7.

Notas [1] [2] [3] [4] [5] [6]

http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000485 Casas, Quim (1991). Fritz Lang. Madrid: Cátedra. pp. 18-20. ISBN 84-376-1024-9. (McGilligan, 1997, p. 18-20) (Phillips, 1998, p. 20) (McGilligan, 1997, p. 35) (Phillips, 1998, p. 20)

[7] Documentos, libros, revistas sobre Fritz Lang (http:/ / dialnet. unirioja. es/ servlet/ busquedadoc?db=1& t=Fritz+ Lang& td=todo& x=10& y=10) en Dialnet [8] http:/ / books. google. es/ books?id=APHyiWIXrScC& printsec=frontcover#v=onepage& q& f=false [9] http:/ / books. google. es/ books?id=OaKPjeJ3p3cC& pg=PAfrontpage& hl=#v=onepage& q& f=false

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Fritz Lang. Commons

• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Fritz Lang. Wikiquote • Fritz Lang director (http://www.epdlp.com/director.php?id=870) • Parte 1 (http://www.miradas.net/2006/n46/estudio.html) Parte 2 (http://www.miradas.net/2006/n47/ estudio.html) Parte 3 del estudio sobre el cine de Fritz Lang, en miradas.net (http://www.miradas.net/2006/ n48/estudio.html) • Videoartworld : The Masters Series. (Filmografía selectionada y documentales en línea. Dominio Público.) (http:/ /www.videoartworld.com/beta/artist_810.html) • Películas suyas online (http://www.archive.org/search.php?query=mediatype:movies AND collection:feature_films AND /metadata/subject:"Fritz Lang") (página web en inglés) • Fritz Lang (http://www.filmportal.de/df/77/ Uebersicht,,,,,,,,EFC121B064DE6C3FE03053D50B3736F2,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,,.html) en Filmportal.de (en inglés y alemán) • Los Nibelungos (2ª parte). La venganza de Crimilda, por Enrique Castaños (http://www.enriquecastanos.com/ crimilda.htm)

Gaspar Noé

Gaspar Noé Gaspar Noé (Buenos Aires, Argentina, 27 de diciembre de 1963) es un director de cine argentino. Radicado actualmente en Francia, lugar donde ha realizado la mayoría de sus largometrajes. Personaje que dentro del desarrollo cinematográfico ha ejercido cargos como camarógrafo, montador y productor. Su carrera comienza con el mediometraje Carne en 1991, pero es en el 2002 cuando entra por la puerta grande al mundo del cine con su Gaspar Noé, en la izquierda de la imagen. presentación en el Festival de Cannes con la obra Irreversible, película que inicia con la aparición del protagonista de su primer largometraje, Solo contra todos así como de su cortometraje Carne. Es hijo del pintor argentino Luis Felipe Noé.

Filmografía • • • • • • • •

1991: Carne 1995: Une expérience d'hypnose télévisuelle 1998: Sodomites 1998: Seul Contre Tous 2002: Irreversible 2006: Destricted 2007: 8:H.I.V 2009: Enter the Void

También filmó el videoclip de la canción Protège-moi, de la banda Placebo, que fue censurado por su contenido, y el video de la banda francesa Bone Fiction con el tema Insanely Cheerful.

Galardones En 1991 gana el premio de la juventud en Cannes con Carne, mediometraje que cuenta un poco sobre el peculiar carnicero.

5

George Lucas

6

George Lucas George Lucas

Nombre real

George Walton Lucas, Jr.

Nacimiento

California, Estados Unidos 14 de mayo de 1944 (68 años) Familia

Cónyuge

Marcia Lucas (1969-1983) Premios

Premios Óscar Premio en memoria de Irving Thalberg 1992 Premio a su aporte cinematográfico Ficha

[1]

en IMDb

George Walton Lucas, Jr. (14 de mayo de 1944; Modesto, California, Estados Unidos) es un cineasta estadounidense, creador de la exitosa saga fílmica de Star Wars y posteriormente de Indiana Jones, presidente de Lucasfilm, LucasArts Entertainment Company, y Lucas Digital Ltd, Lucas Licensing, LucasBooks y Lucas Learning Ltd. Considerado dos años consecutivos como el número 4 de los más poderosos de la industria del entretenimiento, justo detrás de los dueños de Time Warner, Turner y Steven Spielberg. Gran amante del cómic (en especial, Flash Gordon) es también coleccionista de los mismos.[2]

Biografía Inicios George Lucas fue criado en un rancho de Modesto, California, lugar de cultivo de nueces. Su padre era dueño de una tienda de venta de escritorios y tenía tres hermanos. Durante su adolescencia estudió en la Downey High School y era un fanático de las carreras de automóviles, incluso tenía planeado convertirse en un piloto de carreras profesional. Sin embargo sufrió un terrible accidente con su coche poco tiempo después de graduarse en la secundaria, estuvo hospitalizado por varios días y estuvo a punto de morir. Este accidente cambió definitivamente su manera de ver la vida. Decidió ir al Modesto Junior College antes de enrolarse en la escuela de cine de la University of Southern California. Como estudiante de cine hizo varios cortometrajes incluyendo: THX-1138: 4EB (Laberinto Electrónico) que ganó el primer premio en el festival nacional de películas de estudiantes 1967-68. También en 1967 Warner Bros. le concedió una beca que le permitió observar el rodaje de Finian´s Rainbow (1968), dirigida por Francis Ford Coppola. Cuando comenzó su aprendizaje en los estudios de Warner Brothers dijo que deseaba trabajar en el departamento de animación. Justamente, cuando él llegó era el último día de dicho departamento, que luego fue

George Lucas cerrado. Con el tiempo Lucas y Coppola se transformaron en buenos amigos y juntos crearon en 1969 una compañía llamada American Zoetrope. El primer proyecto de la compañía fue una versión largometraje de THX-1138: 4EB con el título apenas modificado: el clásico de culto THX 1138. En 1971, Coppola comenzó a dedicarse a la producción de la película El padrino, la cual se estrenó en 1972, mientras Lucas decidía crear su propia compañía, Lucasfilm Ltd.. En 1973 Lucas dirigió American Graffiti, un film sobre autos y jóvenes, a principios de los años 60. La película ganó el Globo de Oro, el New York Film Critics y el premio de la National Society of Film Critics. Obtuvo también cinco nominaciones al Óscar.

Reconocimiento y éxito Durante los años 1973 y 1974 se dedicó exclusivamente a escribir el guion de su siguiente película, una fantasía espacial llamada The Star Wars. Para escribir este guion se inspiró en el cómic Flash Gordon y la película El planeta de los simios. Luego, en 1975 fundó ILM (Industrial Light & Magic) para producir los efectos especiales que necesitaba para la película. Otra compañía llamada Sprocket Systems se dedicaría a editar y mezclar el sonido de Star Wars. Más tarde esta compañía sería rebautizada como Skywalker Sound. No obstante, su proyecto de Star Wars era rechazado una y otra vez por varios estudios, hasta que tuvo una reunión con los ejecutivos de Twentieth Century Fox, quienes decidieron darle una oportunidad. Lucas llegó a un acuerdo con estos directivos para ceder su salario como director de la película a cambio de recibir el 40% de las ganancias de taquilla y todos los derechos del merchandising. Lo que parecía un buen negocio para Fox no fue así ya que Star Wars se transformó en 1977 en un tremendo éxito de taquilla, causando un fenómeno recordado hasta el día de hoy y recibiendo incluso siete nominaciones de la Academia, lo cual era casi impensable hasta ese momento para una película de ciencia ficción. Estuvo tan estresado durante el rodaje de Star Wars que tuvo que ir a un hospital, donde le diagnosticaron hipertensión. Lucas inició la historia de El Imperio Contraataca, episodio V, y Return of the Jedi, episodio VI, de las cuales fue productor ejecutivo dejando las tareas de dirección a Irvin Kershner en El Imperio contraataca y a Richard Marquand en Return of the Jedi. Cuando comenzó la prepoducción de El retorno del Jedi, se le dio el nombre falso de Blue Harvest (Cosecha Azul) para despistar a los fanáticos y a la industria en general, nombre que después seria usado como título del especial de Padre de familia sobre Star Wars. Le pidió a Steven Spielberg que dirigiera El Regreso del Jedi, pero una disputa con el sindicato de directores se lo impidió. También se ofreció a David Lynch la dirección del film. A pesar de su reputación de éxitos de Hollywood, todos los filmes de Star Wars son películas independientes, a excepción de Star Wars: A New Hope. La única manera en que podría conseguir la financiación requerida para hacer la película era solicitarla al estudio. Con el éxito de la película y de su comercialización, Lucas ya no necesitó al estudio. Para los episodios V y VI, pidió préstamos bancarios, que pagó con las ganancias de cada película. Para las «precuelas», no necesitó ningún préstamo, teniendo bastante dinero para financiar cada película con sus propios ahorros personales. En 1980 escribió y produjo En busca del Arca Perdida dirigida por Steven Spielberg obteniendo cinco premios de la academia. Logró lo que para ese entonces era un trato inusual para la película Riders of the Lost Ark. Resulta que Paramount financió el presupuesto entero de 20 millones de dólares. A cambio, Lucas poseería más del 40% de la película y recogería casi la mitad de los beneficios después de que el estudio ganara cierta cantidad de dinero. Esto resultó ser un reparto muy lucrativo para Lucas. El ejecutivo de Paramount Michael Eisner dijo que él sentía que el guion para la película era el mejor que había leído. También fue coproductor y creador de la historia de Indiana Jones y el templo maldito, estrenada en 1984, nominada a dos premios de la Academia y que obtuvo un Óscar por los efectos especiales.

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George Lucas

Retiro Desde 1980 hasta 1985 Lucas gastó su tiempo en la construcción del Skywalker Ranch, para reunir allí los recursos creativos, técnicos y administrativos de la ya importante Lucasfilm. Luego, George Lucas revolucionaría los cines con su sistema THX, que fue desarrollado para mantener los más altos estándares de calidad para la proyección de una película. También se transformó en el presidente de The George Lucas Educational Foundation. Adoptó tres niños: Amanda Lucas (1981), Katie Lucas (1988) y Jett Lucas(1993). Se negó a prestarle un millón de dólares a Francis Ford Coppola para la compra de los Hollywood General Studios. Esto propició su separación hasta que finalmente Lucas le pidió perdón y se reconciliaron. En 1992, George Lucas fue honrado con el premio Irving G. Thalberg por el Consejo Superior de la Academia de Artes y Ciencias del Cine por sus logros durante el curso de su vida. Lucasfilm Games, después renombrada LucasArts, es altamente reconocida dentro de la industria de los videojuegos. Vendió la División de Gráficos por computadora de Lucasfilm a Steve Jobs de Apple Computers. Ahora se la conoce como Pixar.

Últimos años El último proyecto de Lucasfilm fue terminar la nueva trilogía de La guerra de las galaxias. La amenaza fantasma, episodio I de la nueva trilogía, fue escrita, dirigida y producida por George Lucas y salió al público el 19 de mayo de 1999. En mayo del 2002 se estrenó la segunda parte, El ataque de los clones, episodio II, también dirigida y producida por él. El capítulo final de la nueva trilogía de La guerra de las galaxias, La venganza de los Sith, episodio III, que abre las puertas a la trilogía clásica, se estrenó el 19 de mayo de 2005, quedando la saga finalizada. En 2007 se anunció que iba a producir una serie de televisión sobre Star Wars que tendrá lugar entre los episodios II y III. Lucas supuestamente también anunció recientemente que tiene previsto hacer otras dos películas de Star Wars, que tendrá lugar después de Return of the Jedi, pero este rumor fue desmentido en la Celebration 4 de Star Wars en Los Ángeles, California que se celebró el 24 de mayo de 2007. Cuando Steve Sansweet, director de Gestión de George Lucas. Contenidos y Jefe de Relaciones con los fans en Lucasfilm, fue interrogado sobre la propuesta de dos películas después de El retorno del Jedi afirmó que se trataba de un malentendido de lo que dijo Lucas. Según Sansweet, Lucas se refería a los dos proyectos de televisión de Star Wars, actualmente en producción: Star Wars: The Clone Wars, que es un espectáculo de animación CG que debutó en el otoño de 2008, y el segundo, que todavía no tiene título, la serie de televisión de acción en vivo de La guerra de las galaxias, de la cual aún no hay una fecha exacta de comienzo.

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George Lucas

Filmografía Como director • • • • • •

THX-1138 (1971): Director y guionista. American Graffiti (1973): Director, guionista. Star Wars: Episode IV - A New Hope (1977): Director, productor ejecutivo, guionista. Star Wars: Episode I - The Phantom Menace (1999): Director, productor ejecutivo, guionista. Star Wars: Episode II - Attack of the Clones (2002): Director, productor ejecutivo, guionista. Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith (2005): Director, productor ejecutivo y guionista.

Completa • • • • • • •

THX-1138 (1971): Director y guionista. American Graffiti (1973): Director, guionista. Star Wars: Episode IV - A New Hope (1977): Director, guionista, productor ejecutivo. Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back (1980): Productor ejecutivo, guionista. Raiders of the Lost Ark (1981): Productor ejecutivo, guionista. Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi (1983): Productor ejecutivo, guionista. Indiana Jones and the Temple of Doom (1984): Productor ejecutivo y guionista.

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Howard the Duck (1986): Productor ejecutivo. Labyrinth (1986): Productor ejecutivo. The Land Before Time (1987): Productor ejecutivo. Willow (1988): Productor ejecutivo y guionista. Tucker (1988): Productor ejecutivo. Indiana Jones and the Last Crusade (1989): Productor ejecutivo. Jurassic Park (1993): Sus compañías ILM (Industrial Light and Magic) y Skywalker Sound Ltd crearon los efectos visuales y sonoros de la película. The Lost World: Jurassic Park (1997): ILM y Skywalker Sound se encargan de los efectos visuales y sonoros. Star Wars: Episode I - The Phantom Menace (1999): Director, productor ejecutivo, guionista. Jurassic Park III (2001): ILM y Skywalker Sound se encargan de los efectos visuales y sonoros. Star Wars: Episode II - Attack of the Clones (2002): Director, productor ejecutivo, guionista. Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith (2005): Director, productor ejecutivo y guionista. Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008): Productor Ejecutivo y guionista. Star Wars: The Clone Wars (2008): Productor

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Apariciones en sus propios filmes George Lucas en persona hizo una aparición en la última película de Star Wars, Star Wars Episodio III: La Venganza de los Sith, interpretando a un personaje extra llamado Baron Papanoida.

Premios Óscar

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George Lucas

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Año

Categoría

Película

1991 Premio en Memoria de Irving Thalberg

Resultado Ganador

1977 Óscar a la mejor película

La Guerra de las Galaxias Nominado

1977 Óscar al mejor director

La Guerra de las Galaxias Nominado

1977 Óscar al mejor guion original La Guerra de las Galaxias Nominado 1973 Óscar al mejor director

American Graffiti

Nominado

1973 Óscar al mejor guion original American Graffiti

Nominado

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000184 [2] EFE (15/08/2010). El lucrativo arte de los cómics (http:/ / www. laopinioncoruna. es/ portada/ 2010/ 08/ 15/ lucrativo-arte-comics/ 410965. html), "La Opinión A Coruña".

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre George LucasCommons.

• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre George Lucas. Wikiquote • Lucasfilm Ltd. (http://www.lucasfilm.com) • George Lucas en Lucasfilm Ltd (http://www.lucasfilm.com/inside/bio/georgelucas.html) • Ficha de George Lucas en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000184) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0000184) en Internet Movie Database.

Georges Méliès Georges Méliès

Georges Méliès c. 1890

Nombre

Marie-Georges-Jean Méliès

Nacimiento

8 de diciembre de 1861 París, Francia

Fallecimiento 21 de enero de 1938 (76 años) París, Francia Ocupación

Cineasta, ilusionista, fabricante de juguetes

Años activo

1896–1914

Cónyuge

Jeanne d'Alcy(1926-1938)

Georges Méliès

11 Firma

Georges Méliès (8 de diciembre de 1861 – 21 de enero de 1938) fue un ilusionista y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Méliès, un prolífico innovador en el uso de efectos especiales, descubrió accidentalmente la sustitución del stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en utilizar múltiples exposiciones, la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano. Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine». Dos de sus películas más famosas, Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su temprana película Le Manoir du Diable (1896).

Biografía Inicios Nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint-Martin de París. Director de teatro y actor, su padre era un conocido empresario del calzado parisino. Desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo. Durante su estancia en Inglaterra, y debido a que su falta de soltura con el lenguaje le impedía comprender las obras de teatro, entró en contacto con el mundo del ilusionismo al frecuentar la "Egyptian Hall", sala de variedades dirigida por el célebre mago Maskelyne. Más tarde regresa a París, y a pesar de sus intenciones de ingresar en la Escuela de Bellas Artes, es obligado por su familia a participar en el negocio del calzado. Se encargó de la reparación y el perfeccionamiento tecnológico de esta industria, mostrando las habilidades mecánicas que posteriormente le resultarían tan útiles. Cuando su padre se retiró del negocio, Méliès se negó a continuar con el mismo, utilizando su parte del reparto para comprar en 1888 el teatro "Robert Houdin", del que era asiduo visitante.

Teatro Con la incesante capacidad para el trabajo que caracterizó su vida, entre los años 1889 y 1890 combinó sus labores de director del teatro con las de reportero y dibujante en el periódico satírico La Griffe, donde su primo Adolphe ejercía como redactor jefe. Durante los años siguientes se escenifican en el teatro espectáculos de ilusionismo, cuyos decorados, trucos y maquinaria fueron en su mayoría creados por el propio Méliès.

Cine Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación del Cinematógrafo, Méliès queda impresionado y su inagotable mente que, siempre está maquinando ideas, hace que lance una oferta para incluirlo en su función. Ante la negativa, el prestidigitador acaba comprando el aparato de otro inventor, Robert William Paul, y en abril de 1896 ya se halla realizando proyecciones en su teatro. Su deseo por crear sus propias películas le lleva a transformar el artilugio de Paul en una cámara con la que rueda su primer filme Partida de naipes. El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin; eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo.

Georges Méliès Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y desde negro. Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta en escena. En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella. Méliès intentó distribuir comercialmente Viaje a la Luna en Estados Unidos, pero técnicos que trabajaban para Thomas Alva Edison lograron hacer copias de la película y las distribuyeron por toda Norteamérica, y a pesar de que fue un éxito, Méliès nunca recibió dinero por su explotación. Creador de alrededor de quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio, que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.

Retiro De 1915 a 1923, Méliès montará, con la ayuda de su familia, numerosos espectáculos en uno de sus dos estudios cinematográficos transformado en teatro. En 1923, acosado por las deudas, tuvo que vender propiedades y abandonar Montreuil. En 1925 se reencuentra con una de sus principales actrices, Jeanne d'Alcy. Ella regenta un quiosco de juguetes y golosinas en la estación de Montparnasse. Méliès se casó con ella ocupándose juntos de la tienda. Allí será reconocido más tarde por Léon Druhot, director de Ciné-Journal, que lo rescatará del olvido. Desde 1925 su obra será redescubierta por la vanguardia cinematográfica francesa, especialmente por los surrealistas, que reivindicaron su figura hasta el punto de que Méliès fue reconocido con la Legión de Honor en 1931 por toda su trayectoria. En 1932 se encuentra en el Castillo de Orly casa de jubilación de la «Mutua del cine» (institución fundada en 1921 por Léon Brézillon, presidente del sindicato francés de productores cinematográficos) y allí vivirá el resto de sus días con su esposa Jeanne d'Alcy. Falleció en el hospital Léopold Bellan de París y sus restos descansan en el cementerio de Père-Lachaise. Poco antes de la muerte de Méliès, en 1938, Henri Langlois, creador de la Cinemateca francesa recuperó y restauró parte de sus películas. Georges Méliès fue el gran creador del cine de espectáculo y fantasía, dando el paso hacia la creación de un lenguaje de ficción para el cine del que carecía el cinematógrafo tomavistas de los Lumière. Desde 1946 el premio Méliès otorga anualmente el reconocimiento a la mejor película francesa. La película de 2011 La Invención de Hugo Cabret de Martin Scorsese y que se basa en la novela de Brian Selznick "La invención de Hugo Cabret" es un homenaje a este gran ilusionista del cine.

Filmografía Algunas de sus películas son:

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Georges Méliès

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1896 : Escamotage d'une dame au théâtre Robert Houdin (Desaparición de una dama en el teatro Robert Houdin)

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1903 : L'Auberge du Bon Repos (La posada del buen reposo)

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1896 : Le Manoir du diable (La mansión del diablo)

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1903 : La Lanterne magique (La linterna mágica)

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1897 : Faust et Marguerite (Fausto y Margarita)

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1903 : Le Rêve du Maître de Ballet (El sueño del maestro de baile)

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1897 : L'Hallucination de l'alchimiste (La alucinación del alquimista)

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1903 : Faust aux Enfers (Fausto en los infiernos)

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1897 : L'Auberge ensorcelée (La posada embrujada)

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1904 : Les Cartes vivantes (Los naipes vivientes)

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1898 : Un homme de têtes (El hombre de las cabezas)

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1904 : Le Thaumaturge chinois (El mago chino)

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1898 : La Tentation de Saint-Antoine (La tentación de San Antonio)

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1904 : Le Bourreau turc (El verdugo turco)

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1898 : La Damnation de Faust (La condenación de Fausto)

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1904 : Le Juif errant (El judío errante)

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1898 : Guerre de Cuba et l'explosion du Maine à La Havane (Guerra de Cuba y explosión del Maine en la Habana)

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1904 : Le Roi du Maquillage (El rey del maquillaje)

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1899 : Le diable au couvent (El diablo en el convento)

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1904 : Le Voyage à travers l'Impossible (El viaje a través de lo imposible)

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1899 : L’impressionniste fin de siècle (El impresionista de fin de siglo)

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1905 : Le Tripot clandestin (La casa de juego clandestina)

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1899 : Cendrillon (Cenicienta)

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1905 : Les Affiches en goguette (Los carteles juerguistas)

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1899 : L'Affaire Dreyfus (El caso Dreyfus)

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1905 : Le Palais des Mille et Une Nuits (El palacio de las mil y una noches)

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1899 : Cléopâtre (Cleopatra)

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1905 : Le Raid Paris-Monte Carlo en 2 heures (El rally París-Montecarlo)

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1900 : Nouvelles luttes extravagantes (Nuevas luchas extravagantes)

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1905 : Les Chevaliers du chloroforme (Los caballeros del cloroformo)

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1900 : L'homme-orchestre (El hombre orquesta)

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1906 : Les 400 Farces du Diable (Las 400 farsas del diablo)

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1900 : Le Malade hydrophobe (El enfermo de hidrofobia)

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1906 : L'Alchimiste Parafaragamus ou la Cornue infernale (El alquimista Parafaragamus o la retorta infernal)

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1901 : L'Homme à la tête de caoutchouc (El hombre de la cabeza de caucho)

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1907 : L'Éclipse du soleil en pleine lune (El eclipse de sol en plenilunio)

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1901 : Barbe-Bleue (Barba Azul)

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1907 : La Prophétesse de Thèbes (La profetisa de Tebas)

•

1902 : Le Voyage de Gulliver à Lilliput et chez les géants (El viaje de Gulliver a Lilliput y al país de los gigantes)

•

1907 : Vingt mille lieues sous les mers (Veinte mil leguas bajo el mar)

•

1902 : Le Voyage dans la Lune (El viaje a la Luna)

•

1908 : Le Rêve d'un fumeur d'opium (El sueño de un fumador de opio)

•

1903 : Illusions funambulesques (Ilusiones funámbulescas)

•

1908 : Tartarin de Tarascon (Tartarín de Tarascón)

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1903 : Le Puits fantastique (El pozo fantástico)

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1908 : La Fée libellule (El hada libélula)

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1903 : Le Revenant (El espectro)

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1909 : Le Locataire diabolique (El inquilino diabólico)

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1903 : Le Mélomane (El melómano)

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1909 : Le Mousquetaire de la reine (El mosquetero de la reina)

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1903 : Le Chaudron infernal (La caldera infernal)

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1910 : Le Secret du Médecin (El secreto del médico)

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1903 : Le Cake walk infernal (El cakewalk infernal)

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1910 : Les Hallucinations du Baron de Münchausen (Las alucinaciones del barón de Munchausen)

•

1903 : La Flamme merveilleuse (La llama maravillosa)

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1912 : À la conquête du Pôle (A la conquista del Polo)

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1903 : Le Royaume des Fées (El reino de las hadas)

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1912 : Le Chevalier des neiges (El caballero de las nieves)

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1903 : Le Monstre (El monstruo)

•

1912 : Cendrillon ou La pantoufle mystérieuse (Cenicienta o la zapatilla misteriosa)

•

1913 : Le Voyage de la famille Bourrichon (El viaje de la familia Bourrichon)

Georges Méliès

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Lectura adicional • Gubern, Román (1998). «La era de los pioneros» (en Español). Historia del cine (5ª edición). Lumen. pp. 21 a 62. ISBN 84-264-1179-7.

Cultura Popular El video musical Tonight, Tonight de los The Smashing Pumpkins está inspirado por la película de cine mudo Le Voyage dans la Lune

Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Georges Méliès. Commons • Museo Méliès, Colección privada/Melies Museum Private Collection [1]

Referencias [1] http:/ / www. melies. invisiblefx. com

Giuseppe Tornatore Giuseppe Tornatore

Giuseppe Tornatore Nombre real

Giuseppe Tornatore

Nacimiento

Bagheria, Sicilia, Italia 27 de mayo de 1956 (56 años) Premios

Premios Óscar

Mejor película en lengua no inglesa 1989 Cinema Paradiso

Globos de Oro

Mejor película en lengua no inglesa 1989 Cinema Paradiso

Premios BAFTA Mejor película de habla no inglesa 1990 Cinema Paradiso Mejor guion original 1990 Cinema Paradiso Ficha

[1]

en IMDb

Giuseppe Tornatore Giuseppe Tornatore, es un director de cine siciliano, (27 de mayo de 1956)

Biografía Nacido en Bagheria (Palermo) el 27 de mayo de 1956. Se aficionó a la fotografía desde muy niño. Más tarde, después de poner en escena, con tan sólo dieciséis años, unos textos de Pirandello y Eduardo se acercó al cine rodando documentales de gran valor artístico. Su éxito más destacado en su carrera fue la película Cinema Paradiso , su "opera prima" en 35mm con la que ganó un Óscar y un Globo de Oro. En el 2006 se realiza el documental Giuseppe Tornatore – Un Sueño Hecho en la Sicília Estaba en la cresta de la ola, pero Tornatore decepcionó con la película Están todos bien. Le fueron mejor las cosas con la siguiente película: Pura formalidad. En 1998 dirige "La leyenda del pianista del océano", excepcional película que pasó sin mucha repercusión para la crítica. Su película La Sconociuta dio de que hablar a críticos de todo el mundo. En su última película Baaria que inauguró la Mostra de Venecia en 2009, Tornatore evoca una historia fuertemente autobiográfica asentada en su Sicilia natal, llena de preciosismo fotográfico que evoca escenas de naturalismo italiano de tinte político, sin embargo, la crítica cinematográfica internacional la echó nuevamente por tierra. La apatía sobre la cinta se agudizó al conocerse el financiamiento de la misma por la familia de Silvio Berlusconi, propietaria de Medusa Film. Tornatore es, sin embargo, una referencia obligada del cine italiano. En su larga carrera, ha acumulado premios como el del Festival de Salerno, un Óscar y un Globo de Oro.

Filmografía • • • • • • • • • • • •

"El profesor" (1986) Cinema Paradiso (1987) Stanno tutti bene (1990) La domenica specialmente (1991) "Pura formalidad" (Una pura formalità) (1994) L'uomo delle stelle (1995) Lo schermo a tre punte (1995) (documental) Ritratti d'autore: seconda serie (1996) (documental) La leggenda del pianista sull'oceano (1998) Malèna (2000) La sconosciuta (2006) Baaria - La porta del vento (2008)

Bibliography • Sebastiano Gesù e Elena Russo, Le Madonie, cinema ad alte quote, con introduzione di Francesco Novara e presentazione di Pasquale Scimeca, Giuseppe Maimone Editore, Catania 1995 (Nuovo Cinema Paradiso e L'Uomo delle Stelle)

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Giuseppe Tornatore. Commons

• Ficha de Giuseppe Tornatore en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database. • Ficha [3] en italiano.

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Giuseppe Tornatore

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Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0868153 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0868153 [3] http:/ / www. imdb. it/ name/ nm0868153/

Guillermo del Toro Guillermo del Toro

Guillermo del Toro en septiembre de 2011. Nombre real

Guillermo del Toro Gómez

Nacimiento

Guadalajara (Jalisco) 9 de octubre de 1964 (47 años) Premios

Premios Óscar

Mejor guion original Nominado: 2007: El laberinto del fauno

Premios BAFTA

Mejor película de habla no inglesa 2007: El laberinto del fauno Mejor guion original Nominado: 2007: El laberinto del fauno

Festival de Cannes Palma de Oro Nominado: 2007: El laberinto del fauno Premio Mercedes-Benz: 1993: Cronos Premios Ariel

Anexo:Ariel de Oro 1993: Cronos Mejor dirección 1993: Cronos 2007: El laberinto del fauno Mejor ópera prima 1993: Cronos Mejor argumento original 1993: Cronos Mejor guion cinematográfico 1993: Cronos Ficha

[1]

en IMDb

Guillermo del Toro Guillermo del Toro Gómez (n. Guadalajara, Jalisco; 9 de octubre de 1964) es un director y guionista mexicano, galardonado con el Premio Goya y dos veces con el Premio Ariel. Del Toro empezó a filmar en México desde adolescente, cuando estaba en el Instituto de Ciencias, en la ciudad de Guadalajara. Pasó diez años en diseño de maquillaje y formó su propia compañía, Necropia, antes de poder ser el productor ejecutivo de su primer filme a los 21 años. Fue cofundador del Festival de Cine de Guadalajara y creó la compañía de producción Tequila Gang. En 1998 su padre fue secuestrado en México; tras conseguir su liberación mediante el pago de un rescate, Del Toro decidió mudarse al extranjero y actualmente vive en Los Ángeles (Estados Unidos).

Carrera cinematográfica Guillermo del Toro es un cineasta que ha dirigido una amplia variedad de películas, desde adaptaciones de cómics (como Hellboy y Blade II), hasta películas de terror y fantasía histórica, dos de las cuales se sitúan en España en la época de la Guerra Civil Española y el periodo inmediatamente posterior, durante el régimen dictatorial del General Franco. Estas películas, El espinazo del diablo y El laberinto del fauno también comparten aspectos similares: protagonistas (niños pequeños), y temática (como la relación entre terror y fantasía y el vivir bajo el yugo de un régimen fascista o dictatorial). Del Toro se caracteriza por imprimir una estética y ambientación espectaculares a sus películas, creando ambientes tétricos y agobiantes o situaciones mágicas y fantásticas. Su estilo está marcado por su gusto por la biología y por la escuela de arte simbolista, su fascinación por el mundo fantástico desde el punto de vista de los cuentos de hadas y su gusto por los temas oscuros. Sus trabajos incluyen frecuentemente monstruos o seres fantásticos. Del Toro siempre ha afirmado estar enamorado de los monstruos: «mi fascinación hacia ellos es casi antropológica... los estudio, los disecciono en algunas de mis películas: quiero saber cómo funcionan, qué aspecto tienen por dentro y cómo se comportan». También tiene una lista de otras cosas que le fascinan y que se han convertido en piezas habituales de sus películas: «tengo una especie de fetichismo por los insectos, la relojería, la maquinaria y los engranajes, monstruos, lugares oscuros, cosas sin nacer...» Guillermo del Toro es también amigo de dos directores mexicanos aclamados por la crítica: Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu. Los tres influyen a veces en las decisiones de los demás en cuestiones de dirección, han sido entrevistados juntos por Charlie Rose, y Cuarón fue uno de los productores de El laberinto del fauno. Los tres fueron nominados a los Premios Óscar de 2006, celebrados en febrero de 2007: Del Toro fue nominado por El laberinto del fauno (que obtuvo seis nominaciones, incluyendo mejor película de habla no inglesa), Cuarón por escribir y editar Hijos de los hombres e Iñárritu por producir y dirigir Babel. A finales de enero de 2008, se confirmó que dirigiría las películas basadas en la novela El hobbit, del escritor británico J. R. R. Tolkien, a partir de la que se realizarán dos películas, cuyo estreno se prevé para 2012 y 2013. Sin embargo, a pesar de haberse involucrado por más de dos años en el diseño y producción de las adaptaciones al cine de dicha novela,[2] el 31 de mayo de 2010, Del Toro renunció a la dirección de las cintas, a causa del retraso en el comienzo de la filmación, debido primordialmente a problemas financieros que atraviesa la productora Metro Goldwyn Mayer.[3][4]

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Guillermo del Toro

18

Proyectos futuros En junio de 2010 se anunció que Del Toro podría escribir y producir una nueva historia sobre Van Helsing. No se ha confirmado si él va dirigirla.[5] También se difundieron rumores de que Del Toro se involucraría en el esperado reinicio de Godzilla, pero Del Toro lo negó rotundamente. Poco después explicó que su idea original es hacer una película sobre monstruos gigantes de otra dimensión que se desplazan por el Pacífico, cuyo título será Pacific Rim.[6] Asimismo se le ha vinculado con la serie que planea sacar Marvel sobre El increíble Hulk.[cita requerida]

Otras actividades Del Toro como novelista En 2009 Guillermo del Toro debutó como escritor al verse publicada su primera novela: Nocturna, primer volumen de la Trilogía de la Oscuridad (Nocturna, Oscura y Eterna), escrita conjuntamente con Chuck Hogan y que trata de un virus que transforma a las personas en vampiros. En el segundo semestre de 2010 Del Toro y Hogan estrenan mundialmente Oscura, la segunda entrega de la Trilogía.

Videojuegos Guillermo del Toro tenía planeado lanzar un videojuego con la compañía THQ titulado INSANE, un juego de supervivencia como Silent Hill. Se esperaba que el lanzamiento se produjera a mediados de 2013, pero el 6 de agosto de 2012 el proyecto fue cancelado por la misma THQ.

Filmografía Cine Año

Título

Acreditado como Director Guionista Productor

1986 Doña Herlinda y su hijo

 Yes

1993 La invención de Cronos

 Yes

 Yes

1997 Mimic

 Yes

 Yes

1998 Un embrujo 2001 El espinazo del diablo

 Yes  Yes

 Yes

2002 Asesino en serio Blade II

 Yes  Yes

2004 Crónicas Hellboy

 Yes  Yes

 Yes

2006 Hellboy Animated: Sword of Storms (animación) El laberinto del fauno 2007 Hellboy Animated: Blood and Iron (animación) El orfanato

 Yes

 Yes  Yes

 Yes

 Yes  Yes  Yes

Guillermo del Toro

19 2008 Perseguida

 Yes

Rudo y Cursi

 Yes

Cosas insignificantes

 Yes

Hellboy 2: el ejército dorado

 Yes

 Yes

2009 Splice: experimento mortal

 Yes

2010 Biutiful

 Yes

Los ojos de Julia

 Yes

2011 Kung Fu Panda 2

 Yes

No le temas a la oscuridad

 Yes

El gato con botas

 Yes

2012 Rise of the Guardians

 Yes

El hobbit: un viaje inesperado

 Yes

The Captured Bird (cortometraje)

 Yes

2013 El hobbit: partida y regreso

 Yes

Pacific Rim

 Yes

 Yes

Televisión • La hora marcada (1988-89)

Galardones Premios Goya 2006 Entregados el 28 de enero de 2007. Categoría

 Yes

Persona

Mejor película

Resultado Candidata

Mejor director

Guillermo del Toro

Candidato

Mejor actor

Sergi López

Candidato

Mejor actriz

Maribel Verdú

Candidata

Mejor actriz revelación

Ivana Baquero

Ganadora

Mejor guion original

Guillermo del Toro Ganador

Mejor fotografía

Guillermo Navarro Ganador

Mejor montaje

Bernat Vilaplana

Ganador

Mejor dirección artística

Eugenio Caballero

Candidato

Mejor música original

Javier Navarrete

Candidato

Mejor sonido

Miguel Polo Martín Hernández

Ganadores

Mejor maquillaje y peluquería José Quetglas Blanca Sánchez

Ganadores

Mejores efectos especiales

Ganadores

David Martí Reyes Abades Montse Ribé

Guillermo del Toro

20

Premios BAFTA 2006 Entregados el 11 de febrero de 2007. Categoría

Persona

Resultado

Mejor película de habla no inglesa

Ganadora

Mejor guion original

Guillermo del Toro Candidato

Mejor fotografía

Guillermo Navarro Candidato

Mejor diseño de producción

Eugenio Caballero

Candidato

Mejor diseño de vestuario

Lala Huete Rocío Redondo

Ganadoras

Mejor sonido

Miguel Polo Martín Hernández

Candidatos

Mejor maquillaje y peluquería José Quetglas Blanca Sánchez

Ganadores

Mejores efectos visuales

Candidato

Everett Burrell

Premios Oscar 2006 Entregados el 25 de febrero de 2007 Categoría

Persona

Mejor película extranjera

Resultado Candidata (por México)

Mejor fotografía

Guillermo Navarro Ganador

Mejor guion original

Guillermo del Toro

Candidato

Mejor maquillaje

David Martí Montse Ribé

Ganadores

Mejor banda sonora

Javier Navarrete

Candidato

Mejor dirección artística Eugenio Caballero Pilar Revuelta

Ganadores

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0868219 [2] « A por los dólares de la Tierra Media (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ dolares/ Tierra/ Media/ elpepucul/ 20080212elpepucul_1/ Tes)». El País (12 de febrero de 2008). Consultado el 17 de junio de 2008. [3] « Mexicano Guillermo del Toro renuncia a la dirección de "The Hobbit" (http:/ / www. google. com/ hostednews/ afp/ article/ ALeqM5hcBHMzkfac2fqVPe7FfbFmRAnvxw)». AFP (31 de mayo de 2010). Consultado el 31 de mayo de 2010. [4] « Guillermo Del Toro departs “The Hobbit” (http:/ / www. theonering. net/ torwp/ 2010/ 05/ 30/ 36920-guillermo-del-toro-departs-the-hobbit/ )». TheOneRing.net (31 de mayo de 2010). Consultado el 31 de mayo de 2010. [5] « Guillermo del Toro Writing and Producing New Van Helsing (http:/ / thefilmstage. com/ 2010/ 06/ 10/ guillermo-del-toro-writingproducing-new-van-helsing-film/ )». The Film Stage (10 de junio de 2010). Consultado el 10 de junio de 2010. [6] « Exclusive: Guillermo del Toro on Hellboy 3 & Pacific Rim (http:/ / www. shocktillyoudrop. com/ news/ topnews. php?id=19724)». Consultado el 21 de diciembre de 2011.

Guillermo del Toro

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Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Guillermo del Toro. Commons

• Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Guillermo del Toro. Wikiquote • Guillermo del Toro en Biosstars International (http://www.biosstars-mx.com/g/guillermo_del_toro.html) • Trilogía de La Oscuridad de Guillermo del Toro: Web Oficial (http://www.estirpemaldita.com.ar) • Ficha de Guillermo del Toro en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0868219) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0868219) en Internet Movie Database. • Página oficial del Laberinto del Fauno (http://www.panslabyrinth.com) • Guillermo Del Toro: La experiencia física del horror, por Jaime Perales Contreras en Literal, junio del 2009 (http://www.literalmagazine.com/pdf/L16.pdf).

Gus Van Sant Gus Van Sant

Gus Van Sant en diciembre de 2007 Nacimiento

Louisville, Kentucky 24 de julio de 1952 (60 años) Premios

Festival de Cannes Palma de Oro 2003 Elephant Mejor director 2003 Elephant Ficha

[1]

en IMDb

Gus Van Sant (*Louisville, Kentucky, 24 de julio de 1952) es un director de cine, productor, guionista y escritor estadounidense. Candidato al Premio Oscar como mejor director por El indomable Will Hunting y Milk y ganador de la Palma de Oro en el prestigioso festival de Cannes por Elephant (2003).

Biografía Gus Greene Van Sant Junior nació el 24 de julio de 1952 en Louisville (Kentucky), aunque pasó toda la infancia de un sitio a otro, debido a la profesión de su padre, un viajante de comercio. Desde muy pequeño, Van Sant se interesó por la pintura y también por el cine, ya que rodaba cortos autobiográficos en Súper 8 cuando todavía iba a la escuela. Al parecer, dudaba entre ser cineasta o pintor, y se decantó inicialmente por los lienzos, cuando decidió matricularse en 1970 en la Escuela de Diseño de Rhode Island, donde tuvo como compañero de clase al músico escocés David Byrne, fundador de Talking Heads. Sin embargo, al final cambió de parecer, y decidió que lo suyo era la pantalla grande, tras recibir un curso de introducción impartido por directores de vanguardia, como Jonas Mekas y Andy

Gus Van Sant Warhol. Tras pasar una temporada de aprendizaje en Europa, Van Sant se mudó a Los Ángeles, en 1976, decidido a triunfar en el cine. Empezó como ayudante de producción con Ken Shapiro, pero la experiencia no fue positiva, porque Van Sant aportaba constantes ideas que según sus declaraciones posteriores siempre caían en saco roto. A continuación decidió pasar un tiempo trabajando en una agencia de publicidad, y con el dinero que consiguió ahorrar filmó Mala Noche, su ópera prima, de título original en español y filmado en blanco y negro. El homosexual Van Sant abordaba la temática gay, pues narraba las peripecias de un estadounidense que intenta seducir a un joven mexicano menor de edad. A continuación Van Sant siguió describiendo a personales marginales en Drugstore Cowboy, durísimo retrato del infierno de las drogas, que recrea los dramas personales de cuatro toxicómanos, El film supuso la consagración de Van Sant a nivel internacional, y un espaldarazo para Matt Dillon, que demostró su versatilidad en un momento en que había quedado un poco encasillado como ídolo de adolescentes. Más repercusión incluso tuvo Mi Idaho Privado, drama sobre la amistad y los efectos de la falta de apoyo familiar. "La familia marca nuestra mirada al mundo, por eso creo que todas mis películas hablan de ella", comentó por aquel entonces Van Sant. El film muestra la cruda realidad de dos chaperos que venden su cuerpo en las calles de Portland. El director le sacó provecho al talento de sus dos protagonistas, el malogrado River Phoenix -un homosexual aquejado de narcolepsia en busca de su madre- y un jovencísimo Keanu Reeves -un tipo que se dedica a la prostitución como expresión de su rebeldía contra su padre, alcalde de la ciudad-. El personaje de Reeves se basaba libremente en el protagonista de 'Enrique IV', de Shakespeare. River Phoenix ganó la Copa Volpi al mejor actor en Venecia, unos años antes de fallecer por sobredosis en Sunset Boulevard, como si fuera uno de esos personajes marginales de Van Sant. Éste quedó tan afectado por el fallecimiento que volcó su rabia en la novela Pink. trasvesti Uma Thurman era una mujer que nació con enormes pulgares en Ellas también se deprimen, embarullado drama sobre un peculiar grupo de mujeres vaqueras, tan marginales como los personajes habituales de Van Sant. Pero esta adaptación de una novela de Tom Robbins se queda muy lejos del nivel alcanzado por otras cintas del cineasta, fue vapuleada por la crítica y fracasó en las taquillas. El director recuperó parcialmente la forma con Todo por un sueño, crítica de la moral del triunfo a cualquier precio, en la que Nicole Kidman encarna a una ambiciosa joven dispuesta a todo para convertirse en reportera televisiva. Le acompañaba Matt Dillon, que repetía con Van Sant. El indomable Will Hunting fue el mayor éxito de Gus Van Sant, que por primera vez triunfaba no sólo en los circuitos alternativos. El director decidió apoyar a los jóvenes protagonistas, Matt Damon y Ben Affleck, por entonces completamente desconocidos, que le llevaron un guion que ellos mismos habían escrito porque no les ofrecían papeles, y por el que fueron recompensados con un Oscar al mejor libreto original. Van Sant lograba conjugar comercialidad con sus obsesiones temáticas habituales, pues retrata a otro personaje conflictivo y marginado, Will Hunting, que a pesar de su difícil carácter resulta ser un superdotado. Intenta cambiar su perspectiva de la vida un psiquiatra viudo, interpretado por Robin Williams, que también se hizo con el Oscar, al mejor secundario. El film de Van Sant más denostado por los cinéfilos es Psycho (Psicosis). Cuando le encargaron rodar el remake del clásico de Hitchcock, Van Sant tomó una curiosa decisión. Puesto que el original es una auténtica obra maestra inmejorable, decidió que la mejor opción era copiarlo plano a plano. Aportaba el color, nuevos actores (Anne Heche y Vince Vaughn como protagonistas) y aumenta el dinero que roba la protagonista, por aquello de la inflación. Pero la crítica fue implacable a la hora de denostar una cinta, que lógicamente no aportaba nada a la historia del cine. Es más interesante el siguiente drama del director: Descubriendo a Forrester. Es un film muy en la línea de El indomable Will Hunting, centrado en otro joven de excepcional inteligencia, que en este caso es un chico de color con talento para la escritura. También aquí su vida cambia por completo por su relación con un personaje adulto, un genio de la literatura huraño, que vive completamente aislado, inspirado en la figura de J.D. Salinger, el autor de 'El guardián entre el centeno'. Este personaje estaba interpretado por Sean Connery. En 2003, Van Sant se hizo con la Palma de Oro, el premio al mejor director, y el premio del Sistema Nacional de Educación con Elephant, su regreso al cine independiente de clara vocación vanguardista, con jóvenes actores no

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Gus Van Sant profesionales como protagonistas. Muestra con inusitado realismo la masacre del instituto Columbine, provocada por dos jóvenes armados con fusiles de asalto. La cámara sigue a los asesinos y a varios estudiantes del instituto en los momentos previos a la tragedia. "Tomé el título de una película de 1989 sobre la violencia en Irlanda del Norte. Pensé que hacía referencia a la parábola budista de los ciegos y el elefante", comenta Van Sant. "Hasta que leí en unas notas de su director, Alan Clarke, que el título responde a un dicho popular y hace referencia a cómo la violencia es tan fácil de ignorar como el hecho de tener un elefante en el salón". Igualmente arriesgada que Elephant es Last Days, que narra la tragedia de un cantante de éxito, inspirado en el fallecido Kurt Cobain. Tras un breve fragmento que narra un encuentro homosexual, en el film colectivo Paris, je t'aime, Van Sant retomó el tema de la incomunicación adolescente en Paranoid Park, sobre un adolescente apasionado del monopatín que accidentalmente mata a un guardia de seguridad ferroviario. Pero no se atreve siquiera a contárselo a nadie. "La adolescencia es una etapa formativa, fundamental en nuestro desarrollo. Es entonces cuando nos afirmamos como personas, aprendemos a amar, a reconocernos a nosotros mismos. Es un momento de mi vida que recuerdo con afecto. Y hay una belleza especial en los jóvenes. En ellos trasunta el temor, la desesperanza, etc.", dijo Van Sant cuando se le preguntaba por este tema, recurrente en su filmografía. A continuación, decidió llevar al cine la historia real del primer político declaradamente gay de Estados Unidos. En Mi nombre es Harvey Milk cuenta con un gran reparto encabezado por Sean Penn (ganador del Oscar por este papel), que encarna al político protagonista figura clave de las reivindicaciones homosexuales en Estados Unidos.

Filmografía Largometrajes • • • • • • • • • • • • • • •

Restless (2011) Milk (2008) Paranoid Park (2007) Last Days (2005) Elefante (Elephant) (2003) Gerry (2002) Descubriendo a Forrester (Finding Forrester) (2000) Speedway Junky (Peligroso y Rapido) (1999)(productor) Psycho (1998) (director y productor) El indomable Will Hunting (Good Will Hunting) (1997) Todo por un sueño (To Die For) (1995) Ellas también se deprimen (Even Cowgirls Get the Blues) (1993) Mi Idaho Privado (My Own Private Idaho) (1991) Drugstore Cowboy (1989) Mala Noche (1985)

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Cortometrajes • Chacun Son Cinema -First kiss- (2007) • Paris, je t'aime (2005) • Ballad of the Skeletons (1997)

Otras obras de Gus Van Sant • Pink: A Novel - ISBN 0-385-49353-3

Referencia • Gus Van Sant: An Unauthorized Biography - ISBN 1-56025-337-1

Enlaces externos • Ficha de Gus Van Sant en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database. • Gus Van Sant en Cinearchivo.com (español) [3]

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001814 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001814 [3] http:/ / www. cinearchivo. com/ site/ Fichas/ Ficha/ FichaPerson. asp?IdPerson=16132& IdPelicula=61282

Hayao Miyazaki Hayao Miyazaki

Hayao Miyazaki en 2008 Nombre completo

Hayao Miyazaki (宮 崎 駿?)

Nacimiento

5 de enero de 1941 (71 años) Tokio, Japón

Nacionalidad

Japonesa

Área

Ilustración, Mangaka, Anime Premios

• •

El viaje de Chihiro: Oso de Oro de la Berlinale 2002, Oscar mejor cinta animada 2002 y reconocimiento a su trayectoria en el Festival Internacional de Cine de Venecia. El castillo ambulante nominación al Oscar 2005 como mejor película animada.

Hayao Miyazaki Hayao Miyazaki (宮 崎 駿?) es un director de cine de animación, ilustrador, dibujante de cómics (mangaka) y productor de dibujos animados (anime) japonés, nacido en Tokio el 5 de enero de 1941. Director de populares filmes de animación como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke, Mi vecino Totoro, El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado.

Biografía Desde joven supo que se dedicaría al negocio de su padre. Cursó estudios de ciencias económicas, sin embargo, en la década de los sesenta comenzó a trabajar en Toei con el cargo de intercalador (encargado de dibujos entre movimientos). Con el tiempo se convirtió en secretario en jefe del sindicato, donde conoció a Isao Takahata, gran amigo que luego sería colega en el Studio Ghibli. Miyazaki fue ganando más responsabilidades en sus primeros años de trabajo, lo que le lleva a colaborar con Isao Takahata en los anime Heidi, Marco y Ana de las Tejas Verdes para el estudio Zuiyô Enterprise, que más tarde se convertiría en Nippon Animation, en los setenta. En 1978 dirige su primera serie Conan el niño del futuro y en 1979 su primera película El castillo de Cagliostro, única no considerada del Studio Ghibli. Después de crear la película de Lupin, Miyazaki fue desarrollando un anime en su propio estudio. En 1982 el manga Kaze no Tani no Naushika (Nausicaä del Valle del Viento) apareció por primera vez en la revista Animage como fruto de una de esas ideas. Este trabajo da un fuerte impulso a su carrera, al mostrar un estilo diferente, pasando del cómic infantil al imperante en la época. Anteriormente sólo había publicado un par de mangas, entre ellos Shuna no taby. Mientras Miyazaki se desempeñó de manera independiente, se dedicó a trabajar en un manga, que tuvo muy buena acogida por parte de los lectores y se le ofreció la oportunidad de hacer una versión animada de Nausicaä. Este ofrecimiento le dio por fin la oportunidad de realizar su ansiado proyecto de creación de un estudio. Junto a Takahata en 1985 abre su propio estudio de animación: el Studio Ghibli. Para ver un listado actualizado de los artículos relacionados con este autor consulte Categoría:Hayao Miyazaki.

Obra La mayor parte de su obra ha estado enfocada a los niños, al punto de ser llamado el "Disney japonés". Su obra trata temas de contenido, con mensajes antibélicos, o abordando temas complejos como el hombre y la naturaleza, el individualismo o la responsabilidad, lo que le ha valido el reconocimiento público de Occidente y de los especialistas. Nausicaä del valle del viento es considerada la primera película del Studio Ghibli. Supuso su primer gran éxito en Japón y la creación de dicho estudio. La princesa Mononoke supuso su gran reconocimiento internacional debido a que fue una de las primeras películas del estudio que se lanzaba internacionalmente. Obras anteriores a ésta, como Mi vecino Totoro, Kiki, entregas a domicilio o Porco Rosso tuvieron cierto interés internacional. El viaje de Chihiro recibió el Oso de Oro de la Berlinale 2002, el Oscar a la mejor cinta animada en 2002 y el reconocimiento a su trayectoria en el Festival Internacional de Cine de Venecia. El castillo ambulante fue nominada al Oscar 2005 como mejor película animada. Con Ponyo en el acantilado vuelve a obtener el reconocimiento de la crítica y entra entre las veinte candidatos a los Premios Óscar 2009 en la categoría de Mejor Película de Animación.

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Filmografía • Lupin III: El castillo de Cagliostro - (ル パ ン 三 世 カ リ オ ス ト ロ の 城 Rupan sansei: Kariosutoro no shiro), 1979 • • • •

Nausicaä del Valle del Viento - (風 の 谷 の ナ ウ シ カ Kaze no tani no Naushika), 1984 El castillo en el cielo - (天 空 の 城 ラ ピ ュ タ Tenkū no shiro Rapyuta), 1986 Mi vecino Totoro - (と な り の ト ト ロ Tonari no Tótoro), 1988 Nicky, la aprendiz de bruja - (魔 女 の 宅 急 便 Majo no takkyūbin), 1989 (En América: Kiki: Entregas a domicilio; en Argentina: El delivery de Kiki; en España: Nicky, la aprendiz de bruja)

Porco Rosso - (紅 の 豚 Kurenai no buta), 1992 La princesa Mononoke - (も の の け 姫 Mononoke Hime), 1997 El viaje de Chihiro - (千 と 千 尋 の 神 隠 し Sen to Chihiro no kamikakushi), 2001 El castillo ambulante - (ハ ウ ル の 動 く 城 Hauru no ugoku shiro), 2004 (En América: El increíble castillo vagabundo; en España: El castillo ambulante) • Ponyo en el acantilado - (崖 の 上 の ポ ニ ョ Gake no ue no Ponyo), 2008 (En América: Ponyo y el secreto de la sirenita; en España: Ponyo en el acantilado) • • • •

Como guionista o productor: • Las aventuras de Hols: Príncipe del sol - (太 陽 の 王 子 ホ ル ス の 大 冒 険 Taiyō no Ōji: Horusu no Daibōken), 1968 (productor, director de animación, diseñador gráfico) • El gato con botas - (長 靴 を は い た 猫 Nagagutsu o Haita Neko), 1969 (productor ejecutivo, diseñador gráfico) Panda Kopanda (película) - (パ ン ダ ・ コ パ ン ダ Panda Kopanda), 1972 (guionista) Recuerdos del ayer - (お も ひ で ぽ ろ ぽ ろ Omohide Poro Poro), 1991 (productor) Pompoko - (平 成 狸 合 戦 ぽ ん ぽ こ Heisei Tanuki Gassen Pompoko), 1994 (productor) Susurros del corazón - ((耳 を す ま せ ば Mimi wo sumaseba), 1995 (guionista, productor y productor ejecutivo) • Arrietty y el mundo de los diminutos - (En japonés: カ リ グ ラ シ ノ ア リ エ ト イ Karigurashi no Arrietty), 2010 (guionista) • • • •

• Desde la colina de las amapolas - (コ ク リ コ 坂 か ら Kokuriko-zaka kara), 2011 (guionista)

Ideas políticas Durante su juventud, Hayao Miyazaki fue marxista.[cita requerida] Algunas de sus películas como Porco Rosso, o El castillo en el cielo, donde Miyazaki muestra una imagen idealizada de la clase obrera, reflejan estas ideas políticas. Sin embargo, en la actualidad, él ya no se considera marxista y ha adoptado otras posiciones ideológicas tales como el ecologismo y el pacifismo.[cita requerida]

Enlaces externos • • • • • • •

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Hayao Miyazaki. Wikiquote HayaoMiyazaki.es, web en español dedicada a Miyazaki [1] Información sobre Miyazaki en Nausicaa.net [2] (en inglés) Sitio Oficial del Estudio Ghibli [3] (en japonés) Crítica de El Castillo ambulante [4] en la revista Tren de Sombras [5] Crítica de Conan, el niño del futuro [6] en la revista Mumu Magazine [7] Crítica humorística de Ponyo [8], por el Crítico de la Nostalgia [9] (subtitulada al español)

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Referencias [1] [2] [3] [4] [5] [6] [7] [8] [9]

http:/ / www. hayaomiyazaki. es/ http:/ / www. nausicaa. net/ miyazaki/ miyazaki/ http:/ / www. ghibli. jp/ http:/ / www. trendesombras. com/ num6/ critica_elcastilloambulante. asp http:/ / www. trendesombras. com http:/ / mumumagazine. blogspot. com/ 2009/ 05/ conan-el-nino-del-futuro-capitulo-1. html http:/ / mumumagazine. blogspot. com http:/ / www. youtube. com/ watch?v=CmbP_CyCqsg http:/ / www. thatguywiththeglasses. com/

Hermanos Coen Hermanos Coen

Los hermanos Coen en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2001 Nombre real

Joel David Coen Ethan Jesse Coen

Nacimiento

Minneapolis, Minnesota (ambos) 29 de noviembre de 1954 (57 años) (Joel) 21 de septiembre de 1957 (54 años) (Ethan)

Ocupación

Directores, productores, guionistas, montadores, directores de fotografía Familia

Pareja

Frances McDormand (Joel) Tricia Cooke (Ethan) Premios

Premios Óscar

Mejor película 2007 No Country for Old Men Mejor dirección 2007 No Country for Old Men Mejor guion adaptado 2007 No Country for Old Men Mejor guion original 1996 Fargo

Globos de Oro

Mejor guion 2008 No Country for Old Men

Premios BAFTA

Mejor dirección 1996 Fargo 2007 No Country for Old Men

Hermanos Coen

28 Festival de Cannes Mejor dirección 1991 Barton Fink 1996 Fargo 2001 The Man Who Wasn't There

Joel David Coen (29 de noviembre de 1954) e Ethan Jesse Coen (21 de septiembre de 1957), conocidos profesionalmente como los hermanos Coen, son cineastas estadounidenses de ascendencia judía. Ganadores del premio Óscar en cuatro ocasiones, y autores de comedias (Raising Arizona, El gran salto, O Brother, Where Art Thou?, Burn After Reading), de películas de cine negro (Miller's Crossing, El hombre que nunca estuvo allí, Blood Simple, No Country for Old Men)[1] y también de películas en las que mezclan ambos géneros (Fargo, El gran Lebowski, Barton Fink).[2] Ambos colaboran en la escritura, producción y dirección de sus películas, si bien es frecuente que Joel aparezca como director e Ethan como productor en los títulos de crédito. En la industria cinematográfica, de hecho, se les conoce por el apodo de "el director bicéfalo" (the two-headed director). Usan el seudónimo Roderick Jaynes para algunos de los montajes de sus películas. Muchos actores que han trabajado con ellos cuentan la anécdota de que al estar tan compenetrados, al hacer una pregunta, sobre el guion o sus personajes a cada uno de ellos, reciben exactamente la misma respuesta de cada hermano.[3][4] Los hermanos Coen se han convertido en los mayores exponentes del cine independiente norteamericano. Capaces de hacer películas que entusiasman a los críticos, ofrecen, también, una vertiente de atracción del gran público. Para sus películas cuentan con cierto equipo y actores que los acompañan frecuentemente, entre ellos se incluyen John Turturro, Michael Badalucco, Holly Hunter, Steve Buscemi, Frances McDormand, John Goodman, Jon Polito y George Clooney (cada uno ha aparecido en al menos tres producciones de los Coen).

Antecedentes Primeros años Joel Coen e Ethan Coen crecieron en St. Louis Park, Minnesota, una zona residencial de Minneapolis,[5] en una familia judía.[6] Sus padres, Edward y Rena Coen, ambos judíos, fueron catedráticos, su padre un economista de la Universidad de Minnesota, y su madre una profesora de historia del arte de la Universidad St. Cloud State. De niños, Joel ahorró dinero cortando césped para comprar una cámara Vivitar Super-8. Juntos, los hermanos hicieron películas que veían en TV, junto a un vecino, Mark Zimering ("Zeimers"), como actor. The Naked Prey (1966) de Cornel Wilde, se transformó en una versión hecho por los Coen titulada Zeimers in Zambia, la cual también tenía a Ethan como un nativo.[7] La educación judía de los Coen estuvo pocas veces relacionada con la temática y trama de sus películas, con algunas excepciones, como A Serious Man (2009), traducida al hebreo como "El buen judío". Joel aclara que "con respecto a si nuestras raíces influencian nuestra forma de hacer cine… ¿quién sabe? No pensamos en eso… No hay duda de que nuestra ascendencia judía afecta el cómo vemos las cosas".[6]

Educación Se graduaron en la Secundaria St. Louis Park en 1973 y 1976. Ambos se graduaron también en el Bard College at Simon's Rock en Great Barrington, Massachusetts.[5] Más tarde, Joel pasó cuatro años en un programa de cine universitario en la Universidad de Nueva York, donde realizó una película de 30 minutos llamada Soundings. La película mostraba a una mujer involucrada sexualmente con su novio sordo mientras fantaseaba verbalmente sobre tener sexo con el mejor amigo de su novio, quien escuchaba en la habitación de al lado. Ethan fue a la Princeton University y consiguió un título en filosofía en 1979.[5]

Hermanos Coen A finales de los años 1970, vivieron en una residencia estudiantil de la Universidad de Nueva York notable por albergar gentes del ámbito artístico como Ralph Bakshi, Rick Rubin, el actor Jonathan Schmock, y los cineastas Chris Columbus y Dan Goldman.

Vida personal Joel Coen nació el 29 de noviembre de 1954, está casado con la actriz Frances McDormand desde 1984. Adoptaron un niño originario de Paraguay llamado Pedro McDormand Coen (Frances y todos sus hermanos también son adoptados). McDormand ha trabajado como actriz en seis de las películas de los hermanos Coen, incluyendo un pequeño papel en Miller's Crossing, un rol secundario en Raising Arizona, un papel vocal en Barton Fink, y como protagonista en Blood Simple, The Man Who Wasn't There, Fargo (con la que ganó el premio Óscar) y Burn After Reading. Ethan Coen nació el 21 de septiembre de 1957, está casado con la editora Tricia Cooke. Viven en la ciudad de Nueva York.[8]

Carrera Década de 1980 Después de graduarse en la Universidad de Nueva York, Joel trabajó como asistente de producción en varias películas y videos musicales. Desarrolló su talento para el montaje de películas y conoció a Sam Raimi, quien en ese entonces buscaba un asistente para el montaje de su primera película, The Evil Dead (1981). En 1984, los hermanos escribieron y dirigieron Blood Simple, su primera película juntos. Rodada en Texas, cuenta la historia de un sospechoso dueño de un bar de mala muerte que contrata un detective privado para asesinar a su esposa y su amante. Dentro de esta película hay considerables elementos que señalan una futura dirección: sus propios homenajes a otras películas del género (en este caso cine negro y terror) e inteligentes giros en sus tramas sobre historias simplistas; su misterioso ingenio y retorcido sentido del humor; y su dominio del ambiente. La película fue protagonizada por Frances McDormand, quien seguiría presente en muchos de los proyectos de los hermanos Coen, y que además se casaría con Joel. Una vez lanzada la cinta, recibiría muchos elogios (especialmente entre el público más singular) y premios a la dirección de Joel en el Festival de Sundance y en los Independent Spirit Awards. El próximo proyecto de los hermanos Coen que llegó a la gran pantalla fue Crimewave (1985) dirigido por Sam Raimi. La película fue escrita por los Coen y Sam Raimi, con quien Joel había trabajado en The Evil Dead. La siguiente película escrita y dirigida por los Coen sería Raising Arizona (Arizona Baby en España, Educando Arizona en Latioamérica), lanzada en 1987. Presenta la historia de una pareja inverosímil: un ex convicto llamado H.I. (personificado por Nicolas Cage) y Ed (Holly Hunter), una ex policía, quien espera tener un hijo pero son incapaces de concebir. La fortuna les sonríe cuando un magnate local aparece en televisión con sus recién nacidos quintillizos y diciendo en broma que son más de los él puede controlar. Viendo esto como un "signo" y una oportunidad para corregir el balance natural, H.I. y Ed roban uno de los quintillizos. Raising Arizona resultaría más accesible para el mercado del público masivo, con su inocencia y comicidad, disminuyendo de alguna forma el humor negro.

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Década de 1990 Miller's Crossing fue lanzada en 1990, un homenaje al género gángster. Protagonizada por Albert Finney, Gabriel Byrne y John Turturro quien seguiría como regular de los Coen, la película esta ambientada durante la era de la ley seca en la década del 30, y cuenta la historia de una disputa entre capos de la mafia. Fue elogiada por sus diálogos y las profundas caracterizaciónes. Los toques de humor negro y giros argumentales ya eran algo recurrente en los trabajos de los Coen. La reputación de los hermanos Coen era aparentemente mejorada con cada lanzamiento, pero el mayor salto lo darían con su próxima película, la visualmente contundente Barton Fink de 1991. Barton Fink esta ambientada en 1941 y muestra la historia de un dramaturgo neoyorquino (encarnado por John Turturro en el papel que le da nombre a la película) que se traslada a Los Angeles para escribir una B movie. Se aloja en un inusual hotel para comenzar a escribir pero demasiado pronto un bloqueo de escritor le impide continuar, mientras recibe ayuda de un afable vecino de la habitación contigua (encarnado por John Goodman). Barton Fink resultó un éxito a nivel de la crítica, siendo nominada a los premios Óscar además de ganar tres importantes premios en el Festival de Cannes, incluyendo el Palma de Oro. Fue la primera película de los hermanos Coen en la que trabajó el director de fotografía Roger Deakins, una figura clave para el trabajo de los Coen durante los siguientes años. En 1994, con las reservas más altas que nunca antes, los hermanos Coen esta vez lo intentaron con su primer trabajo de alto presupuesto, El gran salto (coesrita por Sam Raimi). La historia gira en torno un hombre (interpretado por Tim Robbins) que es colocado a la cabeza de una gran corporación con la expectativa de que la arruine, pero en vez de eso, termina inventando el hula hoop transformándose en un éxito. Los críticos fueron, por primera vez, poco entusiastas acerca del trabajo de los Coen, mientras que Roger Deakins fue mundialmente elogiado por sus habilidades como director de fotografía. Muchos críticos vieron la película como algo que no tenía nada nuevo que aportar debido a sus constantes referencias y homenajes a clásicos del cine de las dácadas de 1930 y 1940. Muchos fueron decepcionados por este primer intento multitudinario de los Coen. Lo más significativo fueron los solo tres millones de dólares que se recaudaron, con un presupuesto de realización de 25, resultando un fracaso comercial. Después del fracaso en la taquilla de El gran salto, los Coen volvieron a trabajar con bajo presupuesto, con el thriller/neo-noir Fargo de 1996. Situada en el estado de Minnesota, de donde son originarios los Coen, la película trata sobre Jerry Lundegaard (William H. Macy), un hombre con problemas de dinero que trabaja en la automitriz de su suegro. Jerry esta preocupado por conseguir dinero así que planea el secuestro de su esposa para de esa forma repartirse el dinero del rescate que su adinerado suegro pagaría, con los secuestradores que él contrató. Inevitablemente, su plan falla cuando los torpes secuestradores se desvían del acorado plan no violento, y la policía local Marge Gunderson (Frances McDormand) comienza a investigar el asunto. Con un éxito crítico y comercial, con particulares elogios a los diálogos y actuaciones, la película recibió varios premios, incluyendo un premio BAFTA, un premio a la dirección en el Festival Internacional de Cine de Cannes, y dos Premios Óscar, uno al Mejor guion original y otro a la Mejor actriz para McDormand. La próxima película después del éxito de Fargo, fue El gran Lebowski, lanzada en 1998. Con su historia acerca de "The Dude", un vago ciudadano de Los Angeles (protagonizado Jeff Bridges), usado involuntariamente en un secuestro falso junto a sus amigos y compañeros de bolos (Steve Buscemi y John Goodman), los Coen podrían haber alcanzado un nivel de más accesibilidad que no tenían desde Raising Arizona. A pesar del tibio recibimiento por parte de los críticos en ese momento y solo un éxito comercial moderado, se convertiría en una considerada película de culto.[9]

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Década de 2000 Tras el éxito conseguido con Fargo y El gran Lebowski, el próximo filme de los hermanos Coen, titulado O Brother, Where Art Thou? (2000), significó otro éxito. Basado lejanamente en la Odisea de Homero, la historia transcurre en Mississippi en la década de 1930 y sigue a tres convictos que acaban de escapar de prisión con el objetivo de recuperar el botín de un atraco a un banco que el líder ha enterrado. La película resalta las habilidades cómicas de George Clooney como Ulysses Everett McGill, el líder de la banda (acompañado de Tim Blake Nelson y John Turturro). La música bluegrass, el humor poco convencional y la fotografía, hicieron de esta película un éxito crítico y comercial. El álbum de la banda sonora se convirtió aún más popular y coincidió con el resurgimiento del interés por la música folclórica de Estados Unidos. En 2001, los Coen cambian el ritmo con otro thriller de cine negro, El hombre que nunca estuvo allí. Ambientado a finales de los 40 en California, la película cuenta la historia de un lacónico barbero fumador (interpretado por Billy Bob Thornton), que en un intento para conseguir algo de dinero para invertir en un negocio, decide chantajear al jefe de su esposa, quien además es el amante. Inusual para ser una película contemporanea, fue proyectada en los cines completamente en blanco y negro. Los giros de la trama y el humor negro de la película fueron elementos típicos de las películas de los Coen, pero la construcción del thriller, sus caminos sin salida y el aspecto en blanco y negro, hacen creer que la película estaba más dirigida hacia los puristas que al público casual. Intolerable Cruelty, para muchos la más comercial de los Coen, fue lanzada en 2003 y protaginizada por George Clooney y Catherine Zeta-Jones. La película recibe mucha influencia de las comedias románticas de los años 40, con una historia acerca de Miles Massey, un abogado especializado en divorcios, y una divorciada que buscar conseguir dinero de sus divorcios. Intolerable Cruelty dividió a los críticos, algunos aplaudiendo los elementos de comedia absurda ("screwball") de la película, y otros cuestionando la razón por la que los Coen decidieron crear algo de este género. Comercialmente solo recibió un éxito moderado. En 2004, los Coen lanzan The Ladykillers, una nueva versión del clásico británico El quinteto de la muerte (1955). La historia gira en torno a un profesor (Tom Hanks) que reúne un equipo con el objetivo de robar un casino. Alquilan una habitación en la casa de una anciana, desde donde ejecutaran el atraco. Cuando la mujer descubre el plan, el grupo decide asesinarla para no arruinar el trabajo. Muchas de las críticas indicaron que mientras los Coen han podido homenajear géneros en sus películas con éxito, en esta nueva versión de un clásico no han podido desarrollar su creatividad como para estampar su estilo de trabajo. En noviembre de 2007 fue lanzada No Country for Old Men. Basada en la novela de 2005 escrita por Cormac McCarthy, la película cuenta la historia de Llewelyn (Josh Brolin), un hombre que vive en la frontera entre Texas y México que encuentra dos millones de dólares de dinero proveniente del narcotráfico y decide guardarlos. Como consecuencia de esta acción, será perseguido por quienes buscan el dinero, incluido un siniestro asesino (Javier Bardem), que frustrará a Llewelyn y a un oficial local (Tommy Lee Jones). Es el retorno a las oscuras temáticas que le han dado a los Javier Bardem y los Coen en el Festival de Cannes. Coen algunos de sus más exitosos trabajos, pero también marca un notable cambio, como la falta de actores regulares de sus anteriores películas (con la excepción de Stephen Root), un menor uso de elementos cómicos y un mínimo uso de la música. La película ha recibido aprecio por parte de la critica en todo el mundo, generando un 94% de críticas positivas en Rotten Tomatoes.[10] Se llevó cuatro Premios Óscar, incluyendo Mejor película, Mejor director, Mejor guion adaptado, recibidos por los Coen, y Mejor actor de reparto, recibido por Javier Bardem. Los Coen, como "Roderick Jaynes", fueron nominados al mejor montaje. Es la primera vez desde 1961 que

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Hermanos Coen dos directores reciben el premio a Mejor director al mismo tiempo. En enero de 2008, la obra de Ethan Coen, Almost An Evening, fue presentada "Off-Broadway" en el Atlantic Theater Company y consiguió críticas entusiastas. Las últimas funciones fueron el 10 de febrero de 2008, pero fue rápidamente trasladada a otras teatros para nuevas funciones. Burn After Reading, una comedia de humor negro protagonizada por Brad Pitt y George Clooney fue lanzada en septiembre de 2008. Llegó al número uno en su debut en la taquilla de Norteamérica. En 2009, estrenaron A Serious Man, una comedia de época de bajo presupuesto "discreta pero oscura" ambientada en 1967.[11] La película está en parte basada en El libro de Job y en la propia niñez de los Coen en una familia academica judía en un barrio judío en las afueras de St Louis Park, Minnesota.[11] La cinta fue nominada a mejor película en los Oscar de ese año.

Década de 2010 En 2010 estrenaron True Grit, basada en la novela de Charles Portis. Fue protagonizada por Jeff Bridges (anteriormente en El gran Lebowski) junto a Matt Damon, Josh Brolin y Hailee Steinfeld. True Grit recibió diez nominaciones al Oscar pero no ganó en ninguna de las categorías.

Recursos estilísticos Las películas de los hermanos Coen combinan el humor seco con la ironía fina y visuales escandalosas. Prefieren no poner los créditos de presentación al principio de la película. Los hermanos Coen son algunos de los directores contemporáneos que han mostrado afecto por las comedias de los años 30 y 40 ("Screwball comedies"), y han incorporado algunos de sus elementos introduciendo variantes ingeniosas y sutiles, como en El gran salto y Intolerable Cruelty, y en ocasiones colocando a excéntricos personajes habladores como Steve Buscemi en Miller's Crossing. Su estilo de caracterización crea un mundo en el cual incluso personajes con poca participación, y que hablan poco, parecen tener exagerados rasgos o características. Esto puede estar atribuido a los escenarios de muchas de las películas (por ejemplo los raros y maravillosos personajes de El gran Lebowski no parecen estar por fuera de la realidad de muchas comunidades de Los Angeles).

Diálogos Ganadores del Óscar como mejor guion por Fargo, los hermanos Coen son conocidos por los diálogos de sus películas. Por momentos escasos (El hombre que nunca estuvo allí; Fargo; No Country for Old Men), por momentos inusualmente locuaces (The Big Lebowski, Raising Arizona), sus guiones típicamente presentan una combinación de ingenio, agudeza, lenguaje exagerado y deslumbrante ironía. Además de Fargo, muchos de sus guiones han sido nominados (El hombre que nunca estuvo allí, O Brother).

Cine negro Estilísticamente y argumentalmente, las películas de los Coen muestran una gran influencia del cine de gangsters del cine negro. Los Coen, que raramente admiten alguna de sus influencias, reconocen libremente el impacto que novelistas clásicos del cine negro han tenido en sus trabajos más oscuros. En particular, Miller's Crossing esta basada en novelas de Dashiell Hammett, particularmente en The Glass Key y Cosecha roja; El gran Lebowski en novelas de Raymond Chandler y El hombre que nunca estuvo allí en novelas de James M. Cain. Sus películas también presentan un contraste inhóspito y austero, y temas sobre personas elaborando planes y confabulando, como por ejemplo los secuestros. En los argumentos de sus películas usan la confusión como mecanismo: confusión acerca de quien mató a Rug Daniels y las causas de fricción entre los diferentes bandos mafiosos en Miller's Crossing; confusión de la copia del plano de Norville que luego le causará dolor en El gran salto; El gran Lebowski comienza con una alfombra estropeada como causa de una confusión de identidad. El

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Hermanos Coen hombre que nunca estuvo allí rinde homenaje al cine negro, con un argumento que parece una versión actual y distorsionada de El cartero siempre llama dos veces. La película es en blanco y negro, y ha sido mencionada por varios críticos por su fotografía y sus compasivos personajes, mientras otros críticos hacen mención al filoso cambio en el argumento hacia el final de la película. Los Coen han descrito esos giros como un intento de imitar los inesperados terceros actos de las novelas de Cain.

Descripción de Estados Unidos Los varios aspectos que hacen al caracter de una ciudad, estado o región de Estados Unidos son parte integral en varias películas de los hermanos Coen. Rasing Arizona muestra los distintivos paisajes de Arizona y algunos de los personajes son estereotipos exagerados de los ciudadanos de esa zona. De forma similar, en Fargo, los paisajes y acentos exagerados de los pobladores de Dakota del Norte y Minnesota son parte esencial de la película. El gran Lebowski está situdada en Los Ángeles, "the Dude" y otros de los personajes son emblemas de la ecléctica población de esa ciudad. O Brother! es claramente Sureña, rodada en las zonas rurales de Mississippi, muchos de los personajes hablan con acento sureño, y la banda sonora esta mayoritariamente compuesta de canciones Bluegrass. Barton Fink es en algunos aspectos una satira de Hollywood, como El gran salto lo es de Nueva York. No Country for Old Men es también una descripción del paisaje remoto de Texas y México. Además, los hermanos Coen frecuentemente sitúan sus películas en épocas de crisis: Miller's Crossing durante la ley seca, Barton Fink cerca de los ataques a Pearl Harbor, El gran Lebowski durante la Guerra del Golfo (1991), y O Brother Where Art Thou? durante la Gran depresión. La Segunda Guerra Mundial es mencionada en The Man Who Wasn't There. El gran salto esta ambientada en 1958/59, el periodo del programa Sputnik y la consecuente intensificación de la Guerra Fría.

Dinero El dinero esta involucrado en muchas de las películas de los Coen. En Fargo, el dinero fue la razón para todos los eventos sucedidos durante la película. El gran Lebowski tiene dinero, siendo robado o perdido, lo que es causa de varios problemas y situaciones cómicas de los personajes. O Brother, Where Art Thou? consiste en tres convictos que escapan para tratar de encontrar un tesoro escondido. En El hombre que nunca estuvo allí, el personaje principal chantajea al jefe de su esposa para obtener dinero. El quinteto de la muerte trata sobre un excéntrico profesor sureño y su equipo planeando el robo a un casino. La historia en No Country for Old Men gira en torno a un cazador que se fuga con dos millones de dólares robados y es perseguido por un asesino psicópata que reclama el dinero. En su último trabajo "Quemar después de leer" también el dinero es parte de la trama, ya que dos amigos del trabajo reclaman 50.000 dólares para poder pagar 4 operaciones estéticas a cambio de un CD que pertenece un ex agente de la CIA, en este CD narra la vida del espía durante su actividad.

Violencia La mayoría de las películas de los Coen son bastante violentas. En cada una hay por lo menos una muerte y, en muchos casos, múltiples muertes. En El gran salto, el argumento es desencadenado por el suicidio del presidente de una compañía. Y en El quinteto de la muerte todos los personajes principales mueren en su intento de eliminar a una anciana. En algunas de sus películas más gráficas como Fargo, muchos de los personajes principales mueren o son agredidos, los cuales son mostrados en pantalla, como el cuerpo de uno de los personajes que es introducido en una trituradora. La mayoría de la violencia en sus películas entra en la categoría de humor negro. Un ejemplo notable es No Country for Old Men, en el cual mucha de la violencia es representada con austeridad, severos matices y algunos efectos de comedia negra, para representar de forma efectiva y fiel, la historia original de Cormac McCarthy. Los Coen muchas veces usan la violencia para hacer avanzar la historia; por ejemplo en Fargo, el ataque de Shep Proudfoot a Carl Showalter hace que este último llame de inmediato a Jerry para que le entregue el dinero.

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Hermanos Coen

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Personajes imparables Varias de sus películas cuentan con personajes que personifican el arquetipo de "malvado imparable" ("unstoppable evil"). En muchos casos, indirectamente esos personajes son inhumanos o presentan matices demoníacos. Por ejemplo, el Sheriff Cooley en O Brother, Where Art Thou? encaja en la descripción de demonio dada por uno de los personajes. Él indica su inhumanidad cuando, es aconsejado de que sería ilegal colgar fugitivos perdonados, sarcásticamente opina que "la ley es una institución humana". Otros ejemplos que encajan dentro de este arquetipo son Eddie Dane, el asesino a sueldo en Miller's Crossing, Leonard Smalls en Raising Arizona y Charlie Meadows en Barton Fink. En No Country for Old Men, Anton Chigurh personifica la violencia y la muerte en el mundo al cual el Sheriff Bell intenta dar sentido.

Colaboradores El director de fotografía Barry Sonnenfeld trabajó con los hermanos Coen hasta Miller's Crossing, para luego continuar con su propia carrera como director, algunos de sus trabajos son The Addams Family, Get Shorty u Hombres de negro. Roger A. Deakins ha sido el director de fotografía de los Coen desde la partida de Sonnenfeld. Sin embargo para su próxima película, Burn After Reading, los Coen trabajaran con Emmanuel Lubezki como director de fotografía. El realizador Sam Raimi ha ayudado a los Coen en el guion de El gran salto, y los Coen lo han ayudado a él en el guion de Crimewave, la cual fue dirigida por Raimi. Raimi ha hecho cameos en Muerte entre las flores y El gran salto, conoció a los Coen cuando Joel fue contratado como uno de los editores de The Evil Dead. William Preston Robertson es un viejo amigo de los Coen, los ayudó en el rodaje de Blood Simple y también proporcionó su voz, como también en otras como El gran Lebowski, en la cual además de dar su voz, escribió el The Making of The Big Lebowski junto a Tricia Cooke. Los Coen también cuentan con un número de actores que frecuentemente trabajan en sus producciones, en los que se incluyen Steve Buscemi (6 veces), Frances McDormand (6 veces), Jon Polito (5 veces), John Goodman (4 veces), John Turturro (4 veces), George Clooney (3 veces), Michael Badalucco (3 veces), Holly Hunter (3 veces), Stephen Root (3 veces), Jeff Bridges (2 veces), Josh Brolin (2 veces) y Richard Jenkins (2 veces). La música de todas las realizaciones de los hermanos Coen han sido compuestas por Carter Burwell. Aunque T-Bone Burnett produjo gran parte de la música tradicional en O Brother, Where Art Thou? y El quinteto de la muerte.

Filmografía Año

Título original

Título en español

1985 Blood Simple.

Sangre fácil Simplemente sangre

1987 Raising Arizona

Arizona Baby Educando a Arizona

1990 Miller's Crossing

Muerte entre las flores De paseo por la muerte

1991 Barton Fink

Barton Fink

1994 The Hudsucker Proxy

El gran salto El apoderado de Hudsucker

1996 Fargo

Fargo

1998 The Big Lebowski

Identidad peligrosa El gran Lebowski

Notas

Hermanos Coen

35 2000 O Brother, Where Art Thou? O Brother! ¿Dónde estás, hermano? 2001 The Man Who Wasn't There El hombre que nunca estuvo allí El hombre que nunca estuvo 2003 Intolerable Cruelty

Crueldad intolerable El amor cuesta caro

2004 The Ladykillers

El quinteto de la muerte Ladykillers

2007 No Country for Old Men

No es país para viejos Sin lugar para los débiles

2008 Burn After Reading

Quémese después de leerse Quemar después de leer

2009 A Serious Man

Un tipo serio Un hombre serio

2010 True Grit

Valor de ley Temple de acero

2013 Inside Llewyn Davis

Otros trabajos • • • • •

Crimewave (1985) - Escrita por los hermanos Coen y Sam Raimi, y dirigida por Sam Raimi. Gates of Eden (1998) - Una colección de cuentos cortos escritos por Ethan Coen. The Naked Man (1998) - Una película protagonizada por Michael Rapaport y coescrita por Ethan Coen. The Drunken Driver Has the Right of Way (2001) - Una colección de poemas escritos por Ethan Coen. Bad Santa (2003) - Dirigida por Terry Zwigoff y protagonizada por Billy Bob Thornton, fue producida por los hermanos Coen. • Romance & Cigarettes (2005) - Producida por los hermanos Coen, y escrita y dirigida por John Turturro. • Paris, je t'aime (2006) - Segmento: "Tuileries". • Chacun son cinéma (2007) - Segmento: "World Cinema". • Gambit (2012) - Remake guionado por los hermanos Coen. • Suburbicon - Escrita por los hermanos Coen, será dirigida por George Clooney. Los Coen también serán los productores.

Hermanos Coen

Distinciones como directores • En el pasado, Joel e Ethan Coen han tenido que separar los créditos de director y productor debido a las reglas de Directors Guild of America, que no permitían compartir el crédito de director previniendo posibles problemas de derechos y propiedad. La única excepción a esta regla es si los co-directores son un "dúo establecido", como es el caso de Ethan y Joel. • Ahora que son capaces de compartir los créditos de director (como un dúo establecido), los hermanos Coen han pasado a ser el tercer dúo en ser nominado al Óscar como Todas las películas de los hermanos Coen en una estadística (resultados de taquilla, mejor director. Los primeros dos valoración IMDb, críticas positivas en Rotten Tomatoes). pares en lograr esto fueron Robert Wise y Jerome Robbins (quienes ganaron por West Side Story en 1961) y Warren Beatty y Buck Henry (quienes fueron nominados por El cielo puede esperar en 1978). • Con cuatro nominaciones a los premios Óscar por No Country for Old Men (Mejor película, director, guion adaptado y montaje), los hermanos Coen han empatado el record a la mayor cantidad de nominaciones concentradas (contando al dúo como un solo nominado) por una misma película. Orson Welles marcó el record en 1941 con Citizen Kane siendo nominado por Mejor película, director, actor y guion (junto a Herman J. Mankiewicz). Warren Beatty alcanzó el record de Welles cuando fue nominado por Mejor película, director, actor y guion, por Rojos en 1981. Alan Menken también consiguió lo mismo al ser nominado por Mejor banda sonora y tres veces nominado por Mejor canción original, por La bella y la bestia en 1991.

Premios Óscar

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Hermanos Coen

37

Año

Categoría

Película

Resultado

2010 Mejor Película

True Grit

Candidatos

2010 Mejor Director

True Grit

Candidatos

2010 Mejor Guion Adaptado

True Grit

Candidatos

2009 Mejor Película

A Serious Man

Candidatos

2009 Mejor Guion Original

A Serious Man

Candidatos

2007 Mejor Película

No Country for Old Men

Ganadores

2007 Mejor Director

No Country for Old Men

Ganadores

2007 Mejor Guion Adaptado No Country for Old Men

Ganadores

2007 Mejor Montaje

No Country for Old Men

Candidatos

2000 Mejor Guion Adaptado

O Brother, Where Art Thou? Candidatos

1996 Mejor Película

Fargo

Candidatos

1996 Mejor Director

Fargo

Candidatos

1996 Mejor Guion Original

Fargo

Ganadores

1996 Mejor Montaje

Fargo

Candidatos

Globos de Oro Año

Categoría

Película

Resultado

2009 Mejor Película - Comedia o Musical Burn After Reading

Candidatos

2008 Mejor Película - Drama

No Country for Old Men

Candidatos

2008 Mejor Director

No Country for Old Men

Candidatos

2008 Mejor Guion

No Country for Old Men

Ganadores

2002 Mejor Guion

The Man Who Wasn't There Candidatos

1997 Mejor Película - Comedia o Musical Fargo

Candidatos

1997 Mejor Director

Fargo

Candidatos

1997 Mejor Guion

Fargo

Candidatos

Premios BAFTA Año

Categoría

Película

Resultado

2009 Mejor Guion Original

A Serious Man

Candidatos

2008 Mejor Guion Original

Burn After Reading

Candidatos

2007 Mejor Película

No Country for Old Men

Candidatos

2007 Mejor Director

No Country for Old Men Ganadores

2007 Mejor Guion Adaptado No Country for Old Men

Candidatos

2007 Mejor Montaje

No Country for Old Men

Candidatos

2000 Mejor Guion Original

O Brother!

Candidatos

1996 Mejor Película

Fargo

Candidatos

1996 Mejor Director

Fargo

Ganadores

Hermanos Coen

38 1996 Mejor Guion Original

Fargo

Candidatos

1996 Mejor Montaje

Fargo

Candidatos

Festival de Cannes Año

Categoría

1991 Palma de Oro

Película

Resultado

Barton Fink

Ganadores

1991 Mejor dirección Barton Fink

Ganadores

1996 Mejor dirección Fargo

Ganadores

2001 Mejor dirección The Man Who Wasn't There Ganadores

Referencias [1] Garcia, Chris (08-01-2008). « More violence? Less Depp? Wondering what movies will provide in 2008 (http:/ / www. austin360. com/ movies/ content/ movies/ stories/ 2008/ 01/ 0104garcia. html)». Austin American-Statesman. Consultado el 29-03-2008. [2] « More violence? Less Depp? Wondering what movies will provide in 2008 (http:/ / www. austin360. com/ movies/ content/ movies/ stories/ 2008/ 01/ 0104garcia. html)». Austin360.com. [3] Coen brothers prove two heads are better than one (http:/ / afp. google. com/ article/ ALeqM5gscDeHQbyybPqIAvt4N36wVwbkNw) accessed, 25 Feb, 2008 [4] O Coen brothers, where art thou going to put the Oscar? (http:/ / entertainment. timesonline. co. uk/ tol/ arts_and_entertainment/ film/ oscars/ article3423506. ece) accessed, 25 Feb, 2008 [5] « Coen brothers prove two heads are better than one (http:/ / afp. google. com/ article/ ALeqM5gscDeHQbyybPqIAvt4N36wVwbkNw)». Agence France-Presse (24-02-2008). Consultado el 05-10-2008. [6] "Coen Brothers: Boycotting Israel is a mistake" (http:/ / www. haaretz. com/ culture/ coen-brothers-boycotting-israel-is-a-mistake-1. 361926), Haaretz, May 15, 2011 [7] Gods of Film making Joel and Ethan Coen (http:/ / www. ambidextrouspics. com/ html/ joel_and_ethan_coen. html) [8] Ian Nathan (January 2008). The Complete Coens. Empire.  pp. 173. [9] Morgenstern, Joe, "Deconstructing the Dude Why 'The Big Lebowski' is a cult classic -- and a cultural touchstone" Wall Street Journal, October 7, 2006, http:/ / online. wsj. com/ public/ article/ SB116016304572985144-6OGntYnf2B1vqROkjZjSTw4uWZU_20061105. html?mod=tff_main_tff_top [10] « No Country for Old Men (2007) (http:/ / www. rottentomatoes. com/ m/ no_country_for_old_men/ )». Rotten Tomatoes. Consultado el 05-10-2008. [11] Covert, Colin (06-09-2008). « In Twin Cities, Coen brothers shoot from heart (http:/ / www. startribune. com/ entertainment/ movies/ 27957494. html?page=1& c=y)». Star Tribune. Consultado el 05-10-2008.

Enlaces externos • Ficha de Joel Coen en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0001054) y en español (http://www.imdb.es/ name/nm0001054) en Internet Movie Database. • Ficha de Ethan Coen en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0001053) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0001053) en Internet Movie Database. • Los 10 Magníficos - Documental dedicado a los Coen en TCM (http://www.canaltcm.com/peliculas/ los-10-magnificos-1-hermanos-coen/) • Coenesque - Página no oficial de los Coen (http://www.coenbrothers.net/) (en inglés) • You Know, For Kids - Página no oficial de los Coen (http://www.youknow-forkids.com/) (en inglés)

Hermanos Wachowski

Hermanos Wachowski Lana Wachowski, nacido Laurence «Larry» Wachowski, (21 de junio de 1965, Chicago) y Andrew Paul «Andy» Wachowski (29 de diciembre de 1967, Chicago) conocidos como los hermanos Wachowski, son guionistas, productores y directores de cine estadounidenses, realizadores de la trilogía The Matrix.

Biografía Nacidos y educados en Chicago, comienzan con una carpintería Hermanos Wachowski. mientras crean cómics en sus ratos libres. Desde su gran éxito The Matrix son figuras de peso dentro de la industria del cine. Los hermanos afirman decantarse por relatar historias múltiples, eludiendo todo aquello predecible y aburrido. Andy, quien es graduado del Emerson College, contrajo matrimonio con Alisa Blasingame en 1991, y Larry en 1994 con Thea Bloom.

El rumor de Lana Wachowski Poco tiempo después del estreno de Matrix Reloaded, se rumoreó que Larry Wachowski había empezado a hacer pequeñas apariciones públicas vestido de mujer y utilizando el nombre de Lana Wachowski. En su columna, publicada el 30 de mayo de 2003, David Poland decía que «toda la información de la que dispongo apunta a que Larry Wachowski está en proceso de cambio de sexo. Se viste en público como una mujer, está tomando hormonas femeninas y sí, se va a someter a una operación de cambio de sexo». Este rumor se mantuvo gracias a un artículo del San Francisco Chronicle de marzo de 2006. El artículo, que se centraba en las personas transexuales, repetía que Larry Wachowski «ha cambiado de sexo y ahora vive como Lana Wachowski».[1] El rumor también fue exacerbado por la supuesta afición de Larry Wachowski a travestirse, tal y como informaba la revista Rolling Stone. Pese a todo, en una entrevista en 2007 a Joel Silver, productor de numerosas películas de los Wachowski, dijo que todos los rumores referentes al cambio de sexo de Larry eran "del todo falsos", aclarando que "simplemente no concede entrevistas, de modo que la gente se inventa cosas". Afirmaciones similares han sido realizadas por diversos trabajadores de la película Speed Racer, señalando uno de ellos que "en las hojas de rodaje sigue poniendo Larry".[2] La página de información de Larry Wachowski en IMDb redirige al nombre de Lana Wachowski. En los creditos del trailer, así como en los carteles oficiales de Cloud Atlas (2012) aparece como directora bajo el nombre de Lana Wachowski. En el documental Side by side (2012) el es entrevistado y aparece en los creditos como Lana.

Filmografía

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Hermanos Wachowski

40

Año

Película

Acreditados como Directores

1995 Assassins

Guionistas  Yes

No 1996 Bound

Productores

 Yes

No  Yes

No 1999 The Matrix

 Yes

 Yes

 Yes

2003 The Matrix Reloaded

 Yes

 Yes

 Yes

 Yes

 Yes

 Yes

 Yes

 Yes

 Yes

 Yes

The Matrix Revolutions The Animatrix

No 2006 V de Vendetta

No 2007 The Invasion[3]

 Yes

No 2008 Speed Racer

 Yes

No  Yes

2009 Ninja Assassin

 Yes

No 2012 Cloud Atlas

 Yes

 Yes

No  Yes

 Yes

Referencias [1] Veronica Klaus is brassy and confident onstage (http:/ / www. sfgate. com/ cgi-bin/ article. cgi?f=/ c/ a/ 2006/ 03/ 20/ DDGR9HQ5S11. DTL) [2] No Sex Change for 'Matrix' Director Larry Wachowski (http:/ / www. foxnews. com/ story/ 0,2933,295909,00. html) [3] « Hidden 'Invasion' (http:/ / www. ew. com/ ew/ article/ 0,,20050837,00. html)», Entertainment Weekly, 10-08-2007.

Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Hermanos Wachowski. Commons • Ficha de Lana Wachowski en inglés (http://www.imdb.com/name/nm905154) y en español (http://www. imdb.es/name/nm905154) en Internet Movie Database. • Ficha de Andy Wachowski en inglés (http://www.imdb.com/name/nm905152) y en español (http://www. imdb.es/name/nm905152) en Internet Movie Database.

Hermanos Wachowski

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• Los significados de Matrix (http://integrativo.net/blog/2007/04/07/los-significados-de-matrix-i/) Entrevista realizada por Ken Wilber a Larry Wachowski sobre los significados de The Matrix.

Ingmar Bergman Ingmar Bergman

Ingman Bergman, durante la producción de Smultronstället (Cuando huye el día/Fresas salvajes), 1957 Nombre real

Ernst Ingmar Bergman

Nacimiento

Uppsala, Suecia 14 de julio de 1918

Fallecimiento

Fårö, Gotland, Suecia 30 de julio de 2007 (89 años) Familia

Cónyuge

Else Fisher (1943–1945) Ellen Lundström (1945-1950) Gun Grut (1951–1959) Käbi Laretei (1959–1969) Ingrid von Rosen (1971–1995) Premios

Premios Óscar

Mejor Película de habla no inglesa 1960 El manantial de la doncella 1961 Como en un espejo 1983 Fanny y Alexander Premio en Memoria de Irving Thalberg (1971)

Globos de Oro

Mejor película en lengua no inglesa 1960 Fresas salvajes 1961 El manantial de la doncella 1975 Secretos de un matrimonio 1977 Cara a cara 1979 Sonata de otoño 1982 Fanny y Alexander

Festival de Cannes Premio Especial del Jurado por El séptimo sello (1957) Palma de las Palmas (1997) Premio del Jurado Ecuménico (1998) Premios César

Mejor película extranjera 1984 Fanny y Alexander

Otros premios

León de Oro por toda su carrera del Festival Internacional de Cine de Venecia (1971) Oso de Oro por Fresas salvajes (1958)

Ingmar Bergman (Uppsala, Suecia; 14 de julio de 1918 - Fårö; 30 de julio de 2007) fue un guionista y director de teatro y cine sueco. Considerado uno de los directores de cine clave de la segunda mitad del siglo XX, para muchos, el más importante de la cinematografía mundial.

Ingmar Bergman

Biografía Segundo hijo de un pastor luterano, Erik, y de Karin Åkerblom nació en Uppsala. El mundo metafísico de la religión influyó tanto en su niñez como en su adolescencia. Su educación estuvo basada en los conceptos luteranos de pecado, confesión, castigo, perdón y redención. «Casi toda nuestra educación estuvo basada en conceptos como pecado, confesión, castigo, perdón y misericordia, factores concretos en las relaciones entre padres e hijos, y con Dios», escribe en sus memorias. «Los castigos eran algo completamente natural, algo que jamás se cuestionaba. A veces eran rápidos y sencillos como bofetadas y azotes en el culo, pero también podían adoptar formas muy sofisticadas, perfeccionadas a lo largo de generaciones».[1]Muchas de sus obras están inspiradas en esos temores y relaciones. El ritual del castigo y otras anécdotas de su infancia aparecen escenificadas en una de sus mejores películas, Fanny y Alexander, donde Alexander es un niño de 10 años que es trasunto del pequeño Bergman. Progresivamente el joven Bergman buscó la forma de encauzar sus propios sentimientos y creencias independizándose cada vez más de los valores paternos a fin de buscar su propia identidad espiritual, pero, a lo largo de su vida, Bergman siempre mantuvo un canal abierto con su infancia, y en ella había penetrado con fuerza el cine con el regalo de un cinematógrafo elemental, que le condujo a todo tipo de ensoñaciones y conocimientos técnicos. [2]

A partir de los trece años estudió bachillerato en una escuela privada de Estocolmo; después se licenció en Letras e Historia del Arte en la Universidad. Afortunadamente encontró en el teatro, y luego en el cine, los dos medios más apropiados para expresar su complejo mundo interior y su potencial creativo ajeno a la religión. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial, ya distanciado de su familia, inició su carrera como ayudante de dirección en el Teatro de la Ópera Real de Estocolmo. No obstante, las imágenes y valores de su niñez, que lo seguirían por el resto de su vida, y la proximidad con el quehacer de su padre, lo habían sumergido en las cuestiones metafísicas: la muerte, la autonomía, el dolor y el amor. El director falleció el 30 de julio de 2007 a los 89 años en la isla de Fårö, a la que se había retirado, el mismo día que falleció el director italiano Michelangelo Antonioni.

Cinematografía La carrera cinematográfica de Bergman comienza en 1941 trabajando como guionista. Su primer guión lo concibió en el año 1944 a partir de un cuento suyo, Tortura (Hets), que sería finalmente un film dirigido por Alf Sjöberg. Pero a la par que guionista ejerció como script; y en su segunda autobiografía, Imágenes, Bergman señala que él hizo el rodaje final de exteriores (fue su inicio como director profesional), y que su historia obsesiva y violenta fue retocada por Sjöbert, siendo éste el que dio una tensión interior especial al personaje.[3]La película estuvo producida con Victor Sjöström, con los que Bergman tuvo cercano contacto con dos grandes directores. Sjöström le apoyará profundamente.[4] El éxito internacional de Tortura le permitió a Bergman iniciarse como director, un año después, con Crisis. Durante los siguientes diez años escribió y dirigió más de una docena de películas, que incluyen Llueve sobre nuestro amor (Det regnar på vår kärlek), Prisión (Fängelse) en 1949, Noche de circo (Gycklarnas afton) y Un verano con Mónica (Sommaren med Monika), ambas de 1953. La actriz de la última, Harriet Anderson uno de los "raros ejemplares respladecientes de la jungla cinematográfica".[5] El éxito internacional le llega con Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende)(1955), donde "hay una porción de nostalgia, una relación padre-hija reflejo de mi vida, la gran confusión y la tristeza", además del complicado amor; [6]; con ella gana el premio "Best poetic humor" y es nominado para la Palma de Oro en el Festival Cannes de 1956. Fue seguida por los rodajes de El séptimo sello (Det sjunde inseglet) y Fresas salvajes (Smultronstället), estrenadas con diez meses de diferencia en Suecia, una de la otra, en 1957. El séptimo sello —para muchos, su primera obra maestra, aunque Bergman, que la apreciaba, no la considerase impecable—[7] ganó el Premio Especial del Jurado y

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Ingmar Bergman fue nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Y ''Fresas salvajes ganó numerosos premios, como el Globo de Oro, el Oso de Oro en el Festival de Berlín y estuvo nominada al Oscar al mejor guion. Es el comienzo de la mejor etapa del director, que enlazó numerosas obras maestras. A continuación rueda dos películas: En el umbral de la vida (Nära livet) (1958), que recibe numerosos premios -es de las primeras obras de cámara del director (con pocos personajes y desarrollada prácticamente en un solo escenario)- y en 1959 El rostro (Ansiktet) —única incursión del director en el cine de misterio mezclado con humor negro— con la que gana el premio BAFTA. El rostro, a pesar de no ser un gran éxito de crítica y público, es uno de los títulos más reivindicados de su filmografía, por el Bergman maduro o por Woody Allen. En 1960 rueda otra de sus obras más famosas, El manantial de la doncella (Jungfrukällan), una hermosa y cruda fábula medieval basada en una vieja historia Sueca, por la que recibe el Oscar a la Mejor Película Extranjera, el Globo de Oro y un premio especial en el Festival de Cannes. Bergman se encuentra en plena cima y, justo en esta época comienza a pasar largos periodos de tiempo en la isla de Fårö, en Suecia, donde rodará muchos de sus films claves. Tras filmar un divertimento El ojo del diablo (Djävulens öga) —una interesante comedia olvidada con el paso de los años—, Bergman dirige tres de las películas muy importantes de su filmografía, que exploran la soledad, la incomunicación o la ausencia de Dios. Este tríptico (como lo denominaron los críticos) estaba formado por Como en un espejo (Såsom i en spegel) 1961, Los comulgantes (Nattvardsgästerna) 1962 y El silencio (Tystnaden) 1963, pero fue desmentido inicialmente por el director como tal, argumentando que no había planeado sus rodajes como una trilogía y que no veía similudes entre los tres films, aunque terminaría aceptando el término de trilogía para esos trabajos (sin incluir realmente la primera). Como en un espejo ganó nuevamente el Oscar a la Mejor Película Extranjera, además de estar nominanda a numerosos premios, abordaba con un cuarteto de personaje un caso de locura histérico-religiosa, como escribió el autor.[8] Por su parte, El silencio se convirtió en una de las películas más aplaudidas del director, aunque fue prohibida en numerosos países por sus escenas de sexo y su contenido argumental deseperado, que anticipaba en su realización parte del estilo formal de obras posteriores de Bergman. En este periodo de creatividad desenfrenada y gran éxito de público y crítica, Bergman rodó en 1964 una comedia menor parodiando el cine de Fellini: ¡Esas mujeres! (För att inte tala om alla dessa kvinnor). En 1966 dirige Persona, una película que el propio Bergman consideraría de las más importantesde su carrera, y que condensa de forma magistral todo el trabajo que venía haciendo el director desde comienzos de los 60. A pesar de su aire de cine experimental de arte y ensayo, y de que la película a penas ganó premios, muchos la considerían desde su estreno la obra cumbre de su carrera. Durante el rodaje nos alcanzó la pasión a Liv y a mí; una grandiosa equivocación que nos llevó a construir la casa de Fårö", entre 1966 y 1967; ella se quedó allí unos años.[9] En 1967, un inspirado Bergman rueda una de sus obras más crípticas La hora del lobo (Vargtimmen, 1967), tan adorada como críticada por su complejo contenido; y luego se despide del blanco y negro con la cruda película bélica: La vergüenza (Skammen, 1968) y el film para la televisión sueca El rito (Riten). En el origen de La vergüenza hay una horror personal: vio un reportaje sobre Vietnam, antes de la gran escalada, basado en los sufrimientos de civiles; los personajes principales son dos músicos, y él pierde el equilibrio en una invasión bélica.[10] Por otro lado hizo una obra capital, acaso la mejor, Pasión (A passion, 1969), análisis del lado más amargo del amor y de las relaciones de pareja, con los actores de La vergüenza; es la primera obra en color del director y el fin de una etapa ascendente cargada de experimentación y creatividad. A partir de aquí Bergman se dedicará a ahondar con desasosiego y crudeza en los temas que venía tratando. En 1971 se estrena La carcoma (Beröringen 1971), primera película rodada integramente en inglés y producto puramente pensado para el mercado hollywoodiense, del que el propio director renegaría años después y que supuso uno de sus mayores fracasos de crítica. Fracaso que se subsanaría con el estreno de Gritos y susurros (Viskningar och rop, 'Susurros y gritos', 1972) un año después. Obra preciosista y atormentada, de intachable fotografía y escaso diálogo, que se encumbraría entre las más aplaudidas del director, con tres nominaciones a los Oscar y premios en Cannes, y que suponía un regreso más oscuro y onírico a temas tratados en películas anteriores como El silencio

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Ingmar Bergman (Tystnaden). En estas fechas Bergman trabaja para la televisión Sueca. Dos de los más memorables son Secretos de un matrimonio (Scener ur ett äktenskap) y La flauta mágica (Trollflöjten, 1975).[11] La excelente Secretos de un matrimonio tendría su estreno cinematográfico en versión acortada y sería recordada como uno de los mejores ahondamientos en las relaciones de pareja llevados a la pantalla. La flauta mágica, en sueco, dio una síntesis teatral sencilla y sabia de Mozart. En 1976 Bergman dirige Cara a cara (Ansikte mot ansikte), una película de una crudeza y sumamente onírica, y que ahonda aún más brutalmente en la psique de una protagonista perturbada. Fue nominado al Oscar al mejor director y ganó un Globo de Oro. En 1976 fue acusado brutalmente por evasión de impuestos, y el director tuvo que ser internado en un psiquiátrico; luego se vio que era un problema de su contable y todo se resolvió pagando la diferencia. [12] El escándalo fue internacional, y tuvo muchos apoyos. Pero Bergman decide abandonar Suecia y se ubica en Alemania para rodar El huevo de la serpiente (Ormens ägg/Das Schlangenei) 1977 -curioso análisis del nazismo-, Sonata de otoño (Höstsonaten) 1978, y De la vida de las marionetas (Aus dem Leben der Marionetten) 1980, que es un film severo sobre el asesinato de una prostituta por un desiquilibrado, está muy bien construido, y él lo apreciaba mucho. De estos trabajos destaca para muchos Sonata de otoño con nominaciones a los Oscar y los Cesar y Ganadora del Globo de Oro a la mejor película Extranjera, y alabada por muchos como otra de sus cimas artísticas. Contó con la presencia de Ingrid Bergman y retomaba la temática de las relaciones familiares deterioradas como ya lo había hecho en El Silencio (1963) o en Gritos y susurros (1972). En 1982 Bergman estrena su última película para cine Fanny y Alexander (Fanny och Alexander, 1982) que ganaría el Oscar, el Globo de Oro y el César a la mejor película extranjera, además de otras nominaciones. Esta película supondría la despedida del director del celuloide y sería considerada por muchos el broche de oro a una carrera llena de obras maestras. A partir de entonces Bergman se dedicará a su amado teatro (del que no se había desprendido nunca) y a rodar películas para televisión: tiene especial interés Saraband (2003), la última rodada por el director y en la que retoma los personajes de su obra Secretos de un matrimonio, para situarlos en la ancianidad. La concibe como un homenaje a Inglid, recién desaparecida.

Sus principales actores y actrices Bergman trabajó en numerosas películas con una serie de mismos actores; destacan entre los que le acompañaron a lo largo de toda su carrera: - Gunnar Björnstrand: actor carismático, sobrio y galán debutó con el director en Llueve sobre nuestro amor en 1946, haciendo un papel totalmente secundario. Continuaría en Música en la oscuridad]] (1948), Tres mujeres (Secretos de mujeres) (1952) y Noche de circo(1953); hasta que en 1954 se enfrentaría a uno de sus primeros papeles como protagonista en Una lección de amor. En Sueños (1955) y Sonrisas de una noche de verano (1955) seguía mostrando sus dotes de galán, pero es en 1957 con El séptimo sello donde su rol de escudero del protagonista (al más puro estilo Sancho Panza) le hace brillar. Seguiría trabajando con Bergman en muchos de sus títulos más importantes: Fresas salvajes (1957), El rostro (1958), El ojo del diablo (1960), Como en un espejo (1961) o Los comulgantes (1962), una de sus mejores interpretaciones donde encarna a un pastor que ha perdido la fe. A partir de 1966 tendría pequeñas apariciones en los films de Bergman, aunque de gran importancia argumental: Persona (1966), La vergüenza (1968), El rito (1969), Cara a cara al desnudo (1976), Sonata de otoño (1978) y Fanny y Alexander (1982). - Ingrid Thulin: guapísima y polifacética actriz sueca que debutó con Bergman en Fresas salvajes (1957). Continuó con roles variopintos y de mucha personalidad en En el umbral de la vida (1958), El rostro (1959), Los comulgantes

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Ingmar Bergman (1962) y El silencio(1963) donde sus interpretaciones son soberbias. Tras unos años de gloria internacional en producciones hollywoodieses, regresó con Bergman en 1967 en La hora del lobo, a las que seguirían El rito (1969) y Gritos y Susurros (1972), donde hace uno de los mejores papeles de su carrera. En 1984 rodó para la televisión sueca su última película con Bergman Tras el ensayo (1984). - Max Von Sydow: el actor escandinavo de roles torturados fue uno de los favoritos de Bergman a lo largo de su carrera. Con aires melancólicos y profundos debutó como protagonista en El séptimo sello (1957) y continuaría en casi todas las producciones del director en esa época: Fresas salvajes (1957), En el umbral de la vida (1958), El rostro(1958), El manantial de la doncella (1960), Como en un espejo (1961), Los comulgantes (1962), La hora del lobo (1967), La vergüenza (1968), La pasión (1969) y La carcoma (1971), última colaboración con Bergman. Después, Von Sydow triunfaría en Hollywood tras interpretar al Padre Merrin en El Exorcista(1973) y continuaría una carrera de éxito. - Bibi Andersson: de cara angelical, es una de las actrices suecas más llamativas de su época. Debutó en un papel secundario con Bergman en Sonrisas de una noche de verano (1955) a la que siguieron durante un tiempo papeles alegres o aniñados en El séptimo sello (1957), Fresas Salvajes (1957), En el umbral de la vida (1958), El rostro (1958), El ojo del diablo (1960) o Esas mujeres (1964). En Persona (1966), cambió radicalmente de rol mostrando una madurez interpretativa espectacular y dominando con su pulso toda la película, en uno de los mejores monologos de la historia del cine. Aún rodaría tres películas más con Bergman: Una pasión (1969), La carcoma (1971) y Secretos de un matrimonio (1973). - Liv Ullmann: de origen noruego, grandísima actriz y gran amor de Bergman, debutó con el director en Persona (1966), a la que seguirían casi todas las producciones del director entre 1966 y 1978: La hora del lobo (1967), La vergüenza (1968), Una pasión (1969), Gritos y susurros (1972), Secretos de un matrimonio (1973), Cara a cara al desnudo (1976), El huevo de la serpiente (1977) y Sonata de otoño (1978). Conseguiría el éxito internacional y el reconocimiento como actriz dramática, y desarrollaría una amplia carrera como actriz y directora cinematográfica. Aún rodaría una película más con Bergman, la última del director, Saraband (2003). - Harriet Andersson: otro de los gandes amores de Bergman, debutó con el director en la polémica Un verano con Mónica, a la que seguirían las siguientes producciones Noche de circo (1953), [[Una lección de amor] (1954), [Sueños] (1955) y [Sonrisas de una Noche de Verano] (1955). Tras el éxito internacional de Bergman, regresaría con el director en Como en un espejo (1961) -donde está soberbia-, Esas mujeres (1964) y Gritos y susurros (1972), su mejor interpretación. Aún rodaría una película más para Bergman para la televisión sueca: Los elegidos (1986). - Erland Josephson: aunque hace su debut con Bergman en 1958 con dos películas seguidas: [En el umbral de la vida] (1958) y El rostro (Ansiktet) (1958), no vuelve a trabajar con el director hasta La hora del lobo (1967), a la que seguirían un amplio número de producciones: La pasión de Anna (1969), Gritos y susurros (1972), Secretos de un matrimonio (1973), Cara a cara al desnudo (1976), Sonata de otoño (1978) y Fanny y Alexander. Le tomó el testigo de la dirección del Dramaten de Estocolmo. Regresaría con Bergman para su última película Saraband (2003). Otras actrices valiosas que trabaron con Bergman en varias producciones son Eva Dahlbeck que trabajó en seis de los primeros films de Bergman -Tres mujeres (1952), Una lección de amor (1954), Sueños (1955), [[Sonrisas de una noche de verano] (1955), En el umbral de la vida (1958) y Esas mujeres (1964)—; y la bella Gunnel Lindblom, que trabajó en El séptimo sello (1957), El manantial de la doncella (1960), Los comulgantes (1962), El silencio (1963) -acaso su mejor interpretación- y Escenas de un Matrimonio (1973).

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Temas y estilo Dos dramaturgos, Henrik Ibsen y, sobre todo, August Strindberg , le influyeron e introdujeron en un mundo donde se manifestaban los grandes temas que tanto lo atraían, cargados de una atmósfera dramática, agobiante y aun desesperanzada, lo que deja una profunda huella en el espíritu del joven Bergman y una marcada influencia en su obra artística. Su narrativa visual suele ser deliberadamente lenta, con un montaje y una secuencia de planos mesurados, esto con el fin de lograr un suficiente tiempo de reflexión entre los espectadores, aun cuando ya estén «capturados» en la diégesis; sin embargo tal lentitud está, como en Andrei Tarkovsky, lejos de la monotonía merced a la carga del mensaje o a la excelente marcación actoral; otra característica de su estética fílmica es la limpieza de las imágenes. Es recurrente el hecho de que en la mayor parte de la filmografía del realizador sueco, sus personajes son atravesados por los mismos caminos en que se internan. Se trata de trayectorias que los reconducen hacia sí mismos, hacia su propia alma, hacia su propia conciencia. Son recorridos íntimos, enigmáticos, que muchas veces se apoderan del espectador transportándolo a una experiencia estrictamente personal e inquietante, en la medida en que sus personajes realizan aquella trayectoria sobrecargada por un denso dramatismo, aquél que implica desnudar el alma humana en forma genérica. Aquella trayectoria termina en algunos casos en la locura o en la muerte, en otros en un estado de gracia, un momento metafísico que permite a sus personajes comprender más de su realidad, una revelación que los iluminará y modificará el curso de sus vidas. En algunos casos les servirá para exorcizar, conjurar y dominar los fantasmas que perturban el alma del personaje. Los personajes de Bergman arrastran un pesado lastre en sus mentes, en sus sentimientos. En general son adultos, salvo el caso del niño de El silencio (muy revelador, aunque sea Esther la que tiene el 'alumbramiento', el personaje que interpreta Ingrid Thulin). La inquietud que sienten esos personajes es más o menos latente, pero progresivamente irá revelándose ante el espectador produciendo un efecto de iluminación y a veces sólo devastador. La transmisión de esos estados de conflicto interno de sus personajes, originan historias angustiosas y lacerantes, como pocos directores de cine han podido comunicar a su público, y éste es el mayor logro del director sueco. Los especialistas Jordi Puigomenech y Charles Moeller clasifican las más de cuarenta obras de Bergman, como director y guionista, en cinco etapas: 1) obras de juventud o impresionistas, 1945-1948; 2) De peso psicológico, 1948-1955; 3) De contenido simbólico, 1956-1963; 4) De expresión crítica, 1964-1980; 5) De reconstrucción genealógica, 1981-2007

Filmografía Director de cine y guionista • 1944: Tortura (Hets, tormento): Ayudante de dirección de Alf Sjöberg, una de sus influencias confesas. Dirige las últimas escenas de este pequeño clásico interpretado por Mai Zetterling. • 1945: Crisis (Kris): Fue su debut oficial. Drama materno-filial de interés que puede decepcionar a un seguidor acérrimo del realizador, porque no trasciende la linealidad de la historia que cuenta. • 1946: Llueve sobre nuestro amor (Det regnar på vår kärlek) • 1947: • Mujer sin rostro (Kvinna utan ansikte) • Barco a la India (Skepp till India Land) • 1948: • Música en la oscuridad o Música en la noche (Musik i mörker) • Ciudad portuaria (Hamnstad) • Eva (Eva)

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Ingmar Bergman • 1949: • Prisión (Fängelse): Su primer drama con personajes torturados emocionalmente que es conocido fuera de su país, desarrollada en un hospital psiquiátrico y que tiene algún punto en contacto con la magistral Como un espejo. • La sed (Sed) (Törst) • 1950: • Hacia la felicidad (Till glädje) • Cuando la ciudad duerme (Medan staden sover, 'Mientras la ciudad duerme') • Esto no puede ocurrir aquí (Sånt händer inte här, 'Una cosa tal no ocurre aquí') • Divorcio (Frånskild) • 1951: Juegos de verano (Sommarlek), film donde se empieza a poner de manifiesto el futuro sello del director, y en el que van apareciendo algunos de sus actores fetiche como Maj-Britt Nilsson. Frescura para el cine de su tiempo, armonía estilística en sus planos, buenos actores y alguna de las bases de la temática obsesiva del autor. • 1952: Tres mujeres (Secretos de mujeres) (Kvinnors väntan, 'La espera de las mujeres') • 1953: • Un verano con Mónica (Sommaren med Monika, 'El verano con Monika'). Según la leyenda, este film supone su descubrimiento por parte de la crítica francesa, y lo cierto es que resulta esencial en su filmografía. Con una escena polémica para su tiempo y un retrato humano de gran calidez, fue el primer papel importante de Harriet Andersson, su pareja y una de las actrices de siempre del maestro sueco. • Noche de circo (Gycklarnas afton) • 1954: Una lección de amor (En lektion i kärlek), sobre un texto trágico-cómico. • 1955: • Sueños (Kvinnodröm, 'Sueño de mujer') • Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende), insólita en la carrera del director por ser una comedia y desarrollarse en ambientes de lujo, y entre focos teatrales; está narrada en un tono clásico y poco intimista pero sí diseccionador de los modos sociales y costumbres que recrea. Tiene un estilo costumbrista europeo, con segunda mitad llena de planos que recuerdan al teatro filmado, pero sin que se note, multitud de diálogos, ironía no contenida y calidad artística sobrada y algún detalle reconocible del autor. • 1956: • El séptimo sello (Det sjunde inseglet), obra maestra absoluta según la crítica y el público casi desd su estreno,e éxito internacional destacado. Supone la aparición e interpretación de sus queridos Max von Sydow y Bibi Andersson. Aparecen la muerte y la desolación del ser humano frente a frente, la vida como una especie de partida de ajedrez sin reglas aparentes pero sí presentes, la Edad Media y la existencia de Dios, etc. • La última pareja que corre (Sista paret ut, 'La última pareja, afuera') • 1957: • Fresas salvajes (Smultronstället, 'Puesto de frutillas salvajes'), con una escena que ha pasado a la historia del cine, memorables interpretaciones, flashbacks no exentos de fascinación y la presencia de Ingrid Thulin y del director de cine sueco Victor Sjöström (El viento) como actor protagonista. Bergman se interna tempranamente en la meditación sobre la madurez, el sentido de la experiencia y de la vida, la filosofía de la vejez, el tiempo como (propia) incomunicación con uno mismo, y por supuesto las relaciones paterno-filiales. • En el umbral de la vida (Nära livet, 'La vida cercana'), no tan recordada por el público en general como El séptimo sello o Fresas salvajes, pero sí por cinéfilos de todo el mundo, la cinta logró el premio de interpretación femenina en el Festival de cine de Cannes. • 1958: El rostro (Ansiktet), incomprendida en su día, es uno de los mejores títulos del realizador. Visualmente espléndida y con encomiables actuaciones del reparto actoral, influyó en cierto modo en el estilo de las producciones de terror británicas de la Hammer rodadas en la década de 1960. Vampirismo, soledad,

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Ingmar Bergman incomunicación, medievo y burguesía elevados a la máxima potencia dramática, se conjugan en una obra de cierta estructura teatral y momentos casi genuinos en cuanto a atmósferas del cine de suspense o fantasmagórica tipo Sheridan Le Fanu. • 1959: El manantial de la doncella (Jungfrukällan), Óscar al mejor film de habla no inglesa, y uno de los poemas visuales más bellos jamás rodados por Bergman, recrea una famosa leyenda nórdica envolviendo la historia en una atmósfera de cuento. • 1960: El ojo del diablo (Djävulens öga): Poco valorada pero nada desdeñable comedia, con una destacada composición de Jarl Kulle. • 1961: • Como en un espejo (Såsom i en spegel, 'Detrás de un vidrio oscuro'). Citada por André Techiné en su film Los juncos salvajes (1994), retrata dolorosamente el estado mental perturbador y fascinante de Harriet Andersson, en una de sus mejores interpretaciones. Reflexión sobre la verdadera incomunicación, la fragilidad del ser humano y la incertidumbre, constituyó el inicio de la discutible trilogía sobre la existencia de Dios y la incomunicación entre éste y el ser humano que completan Los comulgantes (1962) y El silencio(1963). • El jardín de las delicias (Lustgården, 'El jardín de los deseos') • 1962: Los comulgantes (Nattvardsgästerna, Luz de Invierno) Están sus actores característicos de la etapa de madurez de Bergman, y el drama finaliza con una pérdida de fe muy significativa. • 1963: El silencio (Tystnaden). Cierra su trilogía e introduce algunos elementos simbólicos clave en la filmografía posterior del director, por lo que podemos decir que clausura un ciclo de su cine abriendo otro. Fue una de sus obras más aplaudidas y más crípticas, con la magnífica pareja (Ingrid Thulin y Gunnel Lindblom). • 1964: ¡Esas mujeres! (För att inte tala om alla dessa kvinnor, 'Mejor ni hablemos de todas esas mujeres') • 1966: Persona. Supuso el inicio de su colaboración con Liv Ullmann, y la ruptura del sueco con el clasicismo cinematográfico (si es que en su estilo hasta ese momento había sitio para tal cosa). Innovadora y experimental, la crítica se rindió con esta historia de superación de la joven protagonista. • 1967: Daniel, episodio de Stimulantia • 1968: • La hora del lobo (Vargtimmen), drama con resonancias del cine de terror, muy críptica pero conseguida, aunque a ratos desconcertante, parece que crítica y público estuvieron muy divididos en su momento: obra maestra u obra menor, según gustos. Liv Ullmann, Max von Sydow y Erland Josephson encarnan las obsesiones de su autor en una cinta cuanto menos interesante. • La vergüenza (Skammen), muy poco recordada cinta de verdadero alcance. Primera vez que Bergman requiere un análisis de la pareja en un contexto ambiental y anímico hostil, que en algún momento aparece referenciada implícitamente en un film con el sello del director aunque no rodado por él titulada Las mejores intenciones de 1992 y dirigida por Bille August), el drama alcanza cotas de virtuosismo técnico nada insólitas en el propio Bergman. Fue su último film en blanco y negro (si se exceptúa el telefilm estrenado en cine, "El rito"), y explora las relaciones humanas en mayor profundidad y con más versatilidad que en la más famosa -y también televisiva- Secretos de un matrimonio (1974). • 1969: • El rito (Riten), telefilm dramático con Ingrid Thulin que adapta una obra teatral que el mismo Bergman desarrolla en los escenarios, precisa y de corta duración. • Fårödokument 1969 ('Documento sobre Fårö') • Una pasión (En passion, La pasión de Anna), primer film en color del realizador sueco y uno de sus mejores trabajos, únanimemente elevada a la categoría de obra maestra (para algunos, una de las veinte mejores películas de la historia). Drama en su isla de innegable belleza, contrastan parajes desoladores con una villa adinerada; utiliza el color como elemento expresivo y simbólico para contar una historia de amor entre un hombre encerrado y humilde y una joven delicada procedente de buena familia. Sobresaliente atmósfera, uno de los estudios sobre la naturaleza del ser humano más contundentes jamás rodados, e interpretaciones

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Ingmar Bergman excepcionales de Max von Sydow, Liv Ullmann, Erland Josephson y Bibi Andersson. En algunas secuencias, el film adelanta el aliento de Gritos y susurros (1972) y la opresividad, luego totalmente onírica y fantasmal, de Cara a cara (1976). • La Reserva (Reservatet) • 1971: La carcoma (Beröringen 'El contacto'), única experiencia hollywoodiense del autor, previsible tras los varios Óscar otorgados a sus películas y su prestigio por parte de la crítica, para un film si no el peor de toda su carrera, sí uno de los más flojos e inconexos, nuevamente centrado en las vicisitues emocionales de una pareja, Elliott Gould y Bibi Andersson. • 1972: Gritos y susurros (Viskningar och rop, 'Susurros y gritos'). Su estreno constituyó uno de sus mayores éxitos de crítica y público en España, y es el film de madurez más celebrado de su director en dicho país junto a Sonata de otoño (1978) y Fanny y Alexander (1982). Feroz diatriba sobre la muerte y la incomunicación, sobre el valor de la vida y las convenciones sociales siempre castradoras, es uno de esos films difíciles de olvidar. • 1974:

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• Secretos de un matrimonio (Escenas de la vida conyugal) (Scener ur ett äktenskap), miniserie de televisión de ocho capítulos que en España se ha visto generalmente en su versión reducida y en los cines, satisface a los seguidores de Bergman y a los no tanto por su temática y estilo, aunque no consigue resultados tan rotundos como otras obras de este mismo período. Liv y Erland, de nuevo juntos, retomaron sus personajes en 2006 en la revisión-continuación (también televisiva) estrenada en cine tras su paso por Cannes: Saraband. • Misantropen 1975: La flauta mágica (Trollflöjten), recientemente versionada por Kenneth Branagh. La ópera de Wolfgang Amadeus Mozart se convierte aquí en una brillante fábula moral, en lengua sueca, con ecos de la dramaturgia escénica que el director ejercía en el Teatro de Estocolmo, perfectamente entremezclados al lenguaje fílmico. Soberbio espectáculo rodado para la TV, de poco gancho de cara a la taquilla, pero de indiscutible fuerza. 1976: Cara a cara (Ansikte mot ansikte). Una de las obras más personales de Ingmar Bergman, con Liv Ullmann y Erland Josephson repitiendo papeles de protagonista. Los miedos íntimos, la angustia, la soledad y el vacío existencial de una doctora, incapaz de reaccionar ante su fracaso sentimental, unido a los recuerdos de la niñez, episodios traumáticos y oscuros teñidos de muerte, la entrevisión de un destino amargo como hilo conductor de toda la trama, apariciones fantasmales, psicóticas, conflictos de Edipo asociados al padre real y al interpuesto, depresión severa y un profundo sentimiento de melancolía conforman a este film en particular una fascinación fuera de toda duda. 1977: El huevo de la serpiente (Ormens ägg/Das Schlangenei), famosa en su momento, prestigiada por la crítica y todavía realmente demoledora, cuenta los años clave del nazismo en un fresco histórico que enlaza con las obsesiones más intimas del autor. La cinta es protagonizada por David Carradine. 1978: Sonata de otoño (Höstsonaten), única ocasión en que dos de los mayores mitos del cine sueco compartieron cartel: Ingmar e Ingrid Bergman. Esta película ha alcanzado el rango de mítica, se ha versionado-homenajeado-copiado libremente en multitud de ocasiones, sin hacerle sombra. Tanto Ingrid Bergman como Liv Ullmann como Lena Nyman brillan como personajes envueltos en una trama principal tan sencilla como asfixiante: la posesividad familiar. Pocos duelos interpretativos femeninos resuenan en la memoria como el de Ingrid y Liv, y pocas películas han conseguido poseer tal conjunto de matices que se va ampliando conforme pasa el tiempo. Con premio o sin él, este título corona la filmografía de su director. 1979: Mi isla, Farö (Farö-dokument)

• 1980: De la vida de las marionetas (Aus dem Leben der Marionetten). Luces y sombras de un personaje masculino, un joven hijo de un industrial, de carácter marcadamente autobiográfico -de nuevo-, connotaciones homosexuales del personaje protagonista y acidez en la trama. No aparecen sus actores predilectos, pero el potencial dramático de la historia está explotado a la perfección, el guion es excelente, visualmente resulta rica y elaborada, adelanta en varios sentidos a Fanny y Alexander (1982) sin quedar excesivamente por debajo, es una obra pletórica de la madurez intelectual y cinematográfica del director, etc, pero como suele suceder con obras de

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Ingmar Bergman este tipo (A Fellini le ocurrió con sus películas de madurez desde Ensayo de orquesta) nunca figura en la lista de los críticos sobre sus mejores películas. • 1982: Fanny y Alexander (Fanny och Alexander). Cine y miniserie de la televisión sueca, es el adiós oficial de su director a la gran pantalla, es autobiografía y ficción, la infancia y la inocencia perdida por la fuerza, los usos sociales, la vanidad, el amor, la amistad y la familia, el mundo adinerado y del teatro, etc., que se dan cita en la película más popular de Bergman para espectadores de todas las generaciones, y casi su mejor película. Sus 285 minutos en versión íntegra proporcionan al espectador un placer incomparable, intelectual y sentimental que supone cerrar todo un ciclo en cuanto a la manera de narrar, temática y estilos, finalizando todo con una búsqueda de la esencia, de lo aprendido y de las bases de un cine que será siempre eterno. • 1984: • El Rostro de Karin (Karins Ansikte) , cortometraje • Después del ensayo (Efter repetitionen), telefilm con Erland Josephson. Intimismo y rasgos biográficos. • 1985: Los dos bienaventurados (Det tva saliga) • 1986: • Documento Fanny y Alexander (Dokument Fanny och Alexander), cortometraje • De Två saliga • 1992: La marquesa de Sade (Markisinnan de Sade) • • • •

1993: Backanterna Adaptación de Las Bacantes de Eurípides rodada para la TV sueca. 1995: Sista skriket ('El último grito') 1997: En presencia de un payaso (Larmar och gör sig till, 'Lágrimas y actuaciones') 2000: Creadores de imágenes (Bildmakarna) Victor Sjöström, gran director de cine sueco de la época del mudo, presenta a Selma Lagerlöf, premio Nobel de literatura, los copiones de su película. El director está adaptando uno de los libros de la novelista, que fue la primera mujer en obtener el galardón. Teatro filmado, basada en una pieza de Per Olov Enquist, que es también guionista, el film vuelve a los temas clásicos bergmanianos: las conflictivas relaciones humanas, la relevancia y el sentido del arte, la incomunicación, el mundo de las apariencias. Un guion impecable, actuaciones inolvidables en la que descuella la interpretación sin mácula de Elin Klinga, esta película es una de las grandes piezas del maestro sueco. • 2003: Saraband. La última película del cineasta sueco. Liv Ullmann y Erland Josephson encabezan reparto en una producción rodada en video de alta definición, lanzada en Cannes para el mercado internacional de cine, que recupera los personajes de Escenas de un matrimonio. Estructura teatral, monólogos o escenas dialogadas entre los personajes dos a dos, conforman una obra con miras al pasado pero que aportan nuevas vías de expresión a su manera de narrar, lo que evidencia su lucidez.

Premios Óscar

50

Ingmar Bergman

51

Año

Categoría

1983 Óscar al mejor director

Película

Resultado

Fanny y Alexander

Nominado

1983 Óscar a la mejor película de habla no inglesa Fanny y Alexander

Ganador

1983 Óscar al mejor guion original

Fanny y Alexander

Nominado

1976 Óscar al mejor director

Cara a cara al desnudo

Nominado

1973 Óscar al mejor director

Gritos y susurros

Nominado

1973 Óscar a la mejor película de habla no inglesa

Gritos y susurros

Nominado

1973 Óscar al mejor guion original

Gritos y susurros

Nominado

1970 Premio en Memoria de Irving Thalberg

Ganador

1961 Óscar a la mejor película de habla no inglesa Como en un espejo

Ganador

1961 Óscar al mejor guion original

Nominado

Como en un espejo

1960 Óscar a la mejor película de habla no inglesa El manantial de la doncella Ganador 1958 Óscar al mejor guion original

Fresas salvajes

Nominado

Director de teatro (selección) Dirigió teatro desde su juventud, y trabajó en el gran teatro sueco, el Dramaten de Estocolmo, durante decenios. Pero no sólo como dramaturgo; en los años sesenta, pasó al despacho del Dramaten y marcó una época: reorganizó el trabaj interno, abrió los ensayos al público, animó las giras a provincia y el teatro infantil, aumentó los salarios de los actores, rebajó los precios de las entradas, atrayendo a los jóvenes, y utilizó su prestigio para, con apoyo del Parlamento, lograr que la cultura sueca repercutiese en el mundo[13] Toda la creación de Bergman no puede entenderse sin su constante y paralela dedicación al teatro, de la que destacan: • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

1939: Strindberg (El viaje de Pedro el Afortunado, El pelícano); Paar Lagervist (El hombre que pudo revivir) 1940: Shakespeare (Macbeth) 1942: Ingmar Bergman (La muerte de Kaspar) 1944: Hjälmar Bergman (La casa de juego, Llega el sr. Schleman) 1946: Camus (Calígula) 1947: Ingmar Bergman (Para darme miedo) 1948: J. Anouilh (Baile de los ladrones) 1949: T. Williams (Un tranvía llamado deseo) 1950: B. Brecht (La ópera de tres centavos); Valle-Inclán (Divinas palabras) 1953: Ingmar Bergman (Asesinato en Barjärna) 1953: L. Pirandello (Seis personajes e busca de autor); Kafka (El castillo) 1954: Strindberg (Sonata de espectros) 1955: Molière (Don Juan) 1956: T. Williams (La gata) 1957: Ibsen (Peer Gynt); Hjälmar Bergman (La saga); Molière (El misántropo) 1958: Goethe (Fausto) 1939: Strindberg (Tormenta) 1961: Auden y Stravinsky (The Rake's Progress) 1962: Chejov (Las tres hermanas) 1963: Albee (Quién teme a Virginia Woolf); Strindberg (El sueño) 1964: Ibsen (Hedda Gabler)

Ingmar Bergman • • • • • • • • • • • •

1965: Molière (Don Juan) 1966: Molière (Escuela de mujeres); Weiss (La indagación) 1969: Büchner (Woyzeck) 1970: Strindberg (El sueño); Ibsen (Hedda Gabler) 1972: Ibsen (El pato salvaje) 1974: Strindberg (El camino de Damasco) 1976: Strindberg (Danza de la muerte) 1977: Strindberg (El sueño) 1980: Gombrowicz (Yvonne) 1981: Ibsen (Casa de muñecas) 1983: Molière (Don Juan) 1985: Strindberg (La señorita Julia)

La señorita Julia (1986) y Casa de muñecas (1990) fueron representadas en Madrid (otras piezas en Barcelona), bajo su dirección. En ocasiones, Ingmar Bergman ha dirigido algunas piezas teatrales para televisión: Llega el señor Sleeman (Herr Sleeman kommer) (1957), La veneciana (Venetianskan) (1958), ambas de Hjalmar Bergman; Rabia (Rabies) (1958) de Olle Hedberg, Tormenta (1960) y Un sueño (Ett Drömspel) (1963) de August Strindberg, y también La Escuela de las mujeres (1983) de Molière. Añadimos que, en 1951, Ingmar Bergman hizo nueve cortos publicitarios del jabón Bris para AB Sunlight. La actriz sueca Bibi Andersson intervino en uno de ellos.

Miscelánea No tiene ningún vínculo familiar con la actriz Ingrid Bergman, confusión producida porque Ingmar Bergman se casó con una actriz que también se llamaba Ingrid, Ingrid von Rosen.

Referencias [1] Bergman,La linterna mágica, Tusquets, 1988, p. 16 [2] Bergman,La linterna mágica, Tusquets, 1988, pp. 22-25 [3] Bergman,Imágenes, Tusquets, 1992, pp. 107-108, que se retiene en Tortura [4] Bergman,La linterna mágica, Tusquets, 1988, p. 79 [5] Bergman,Imágenes, Tusquets, 1992, p. 253 [6] Bergman,Imágenes, Tusquets, 1992, p. 296 [7] Bergman,Imágenes, Tusquets, 1992, p. 204 [8] Bergman,Imágenes, Tusquets, 1992, p. 216-221 [9] Bergman,La linterna mágica, Tusquets, 1988, p. 222 [10] S. Björman y otros, Conversaciones con I. Bergman, Anagrama, 1975, pp. 224-225 [11] The Magic Flute (1975 film) (en inglés) [12] Bergman,La linterna mágica, Tusquets, 1988, cap. 2 [13] F. Uriz, "Cuando Bergman dirigió el Dramaten", pp. 31-33 y "El Dramaten. Casi dos siglos", Cuaderno El Público, 12, Madrid, marzo 1986, pp. 67-71

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Ingmar Bergman

Bibliografía • Bergman, Ingmar (1988). Linterna mágica. Barcelona: Tusquets. 978-84-7223-895-4. • Bergman, Ingmar (1990). Imágenes. Barcelona: Tusquets. 978-84-7223-470-3. • Bergman, Las mejores intenciones, Barcelona: Tusquets, 1992, novela autobiográfica filmada por Bille August. • Bergman, Conversaciones íntimas, Barcelona: Tusquets, 1998, novela. • Company Ramón, Juan Miguel (1990). Ingmar Bergman, buscador de perlas. Madrid: Ediciones Cátedra. 978-84-37609-26-3. • Teruel, Pedro Jesús, y Cano, Ángel Pablo (2008). Ingmar Bergman, buscador de perlas. Cine y filosofía en la obra de un maestro del siglo XX.. Murcia: Morphos Ediciones. 978-84-61231-51-5.

Enlaces externos • Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Ingmar Bergman. Wikiquote • Apuntes sobre el cine de Bergman (Tren de sombras) (http://www.trendesombras.com/num0/bergman01.asp) • Saraband vs. Secretos de un matrimonio (Tren de sombras) (http://www.trendesombras.com/num2/ saraband01.asp) • Sobre Sarabande: Bergman o cuando el paso del tiempo no ayuda a la reconciliación (Kane 3) (http://www. kane3.es/cine/sobre-sarabande-bergman-o-cuando-el-paso-del-tiempo-no-ayuda-a-la-reconciliacion.php) • Max von Sydow: "No conozco a nadie que sepa tanto sobre el ser humano como Bergman” (Kane 3) (http:// www.kane3.es/cine/max-von-sydow-no-conozco-a-nadie-que-sepa-tanto-sobre-el-ser-humano-como-bergman. php) • Ingmar Bergman: "En menos de un segundo, puedo volver a mi infancia” (KINDSEIN) (http://kindsein.com/es/ 23/1/538/) • Ingmar Bergman: Summing Up a Life in Film (The New York Times) (http://www.nytimes.com/1983/06/06/ magazine/26kaku.html) • Ficha de Ingmar Bergman en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000005) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000005) en Internet Movie Database. •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Ingmar BergmanCommons.

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J. J. Abrams

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J. J. Abrams J. J. Abrams

J. J. Abrams hablando en una convención de cómics en San Francisco (febrero de 2006). Nombre real

Jeffrey Jacob Abrams

Nacimiento

Nueva York, Nueva York (Estados Unidos) 27 de junio de 1966 (46 años)

Ocupación

Actor, compositor, director, escritor y productor Familia

Pareja

Katie McGrath Premios

Premios Emmy

Mejor director de serie dramática 2005 Lost Mejor serie dramática 2005 Lost Ficha

[1]

en IMDb

Jeffrey Jacob Abrams (27 de junio de 1966, Nueva York), más conocido como J.J. Abrams, un escritor, productor, actor, director y compositor de cine y televisión judío estadounidense.

Biografía Este neoyorkino criado en Los Ángeles (California) y que estudió en el Sarah Lawrence College (Bronxville) es conocido por ser el creador de series como Alias, Lost, Fringe o Felicity.

Filmografía Creador • • • • • • •

2011: Super 8 2011: Alcatraz (serie de televisión) 2010: Undercovers (serie de televisión) 2008-presente: Fringe (serie de televisión). 2004-2010: Lost (Perdidos, Desaparecidos) (serie de televisión). 2001-2006: Alias (serie de televisión). 1998-2002: Felicity (serie de televisión).

J. J. Abrams

Productor • • • • • • • • • • • • • • • •

2012: Revolution (Serie de televisión).[2] 2011: Person of Interest (serie de televisión). 2010: Undercovers (serie de televisión) 2009: Star Trek XI (Star Trek XI). 2008: Fringe (serie de televisión). 2008: Anatomy of Hope (serie de televisión). 2008: Cloverfield (Cloverfield: Monstruo, Monstruoso). 2006-2007: What About Brian (serie de televisión). 2006-2008: Six Degrees (Seis grados de separación) (serie de televisión). 2004-2010: Lost (Perdidos, Desaparecidos) (serie de televisión). 2001-2006: Alias (serie de televisión). 2001: Joy Ride (Frecuencia mortal, Nunca juegues con extraños). 1999: The Suburbans (Los suburbanos). 1998-2002: Felicity (serie de televisión). 1996: The Pallbearer (El funebrero, Mi desconocido amigo). 1992: Eternamente joven (Forever Young).

• 1991: Regarding Henry (A propósito de Henry, Una segunda oportunidad).

Guionista • • • • • • • • • • • • •

2011: Misión: Imposible - Protocolo Fantasma 2011: Super 8 2008: Fringe (serie de televisión). 2006: Mission: Impossible III (Misión: Imposible III). 2004; 2006: Lost (Perdidos, Desaparecidos) (serie de televisión). 2001-2006: Alias (serie de televisión). 2001: Joy Ride (Frecuencia mortal, Nunca juegues con extraños). 1998-2002: Felicity (serie de televisión). 1998: Armageddon (Armagedón). 1997: Gone Fishin' (Dos chiflados en remojo). 1992: Eternamente joven (Forever Young). 1991: Regarding Henry (A propósito de Henry, Una segunda oportunidad). 1990: Taking Care of Business (Millonario al instante).

Compositor • • • • • •

2009: "El padrino", "tema principal" 2008: "Fringe", "tema principal". 2006: Mission: Impossible III (Misión: Imposible III), "Song 5000" y "Groksploitation". 2004: Lost, "tema principal" 2001: Alias, "tema principal". 1998: Felicity, "tema principal".

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J. J. Abrams

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Director • • • • • • • • •

2013: Stark Trek XII 2011: Super 8 2010: Undercovers (serie de televisión) 2009: Star Trek XI. 2008: Anatomy of Hope (serie de televisión). 2006: Mission: Impossible III 2004: Lost (Perdidos, Desaparecidos). 2001-2005: Alias (serie de televisión). 1999: Felicity (serie de televisión).

Actor • • • •

1999: The Suburbans (Los suburbanos). 1996: Diabolique (Diabólicas). 1993: Six Degrees of Separation (Seis grados de separación). 1991: Regarding Henry (A propósito de Henry, Una segunda oportunidad).

Premios Premios BAFTA Año

Categoría

Trabajo Resultado

2007 Mejor serie internacional Lost

Candidato

Categoría

Trabajo Resultado

Premios Emmy Año

2005 Mejor dirección de serie dramática Lost

Ganador

2005 Mejor serie dramática

Lost

Ganador

2005 Mejor guion de serie dramática

Lost

Candidato

2002 Mejor guion de serie dramática

Alias

Candidato

Premios Razzie Año Categoría

Trabajo

Resultado

1999 Peor guion Armageddon Candidato

Premios WGA

J. J. Abrams

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Año

Categoría

Trabajo Resultado

2007 Serie dramática Lost

Candidato

2006 Serie dramática Lost

Ganador

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0009190 [2] « "Zero Hour" y "Revolution" buscarán convertirse en el nuevo "Lost" (http:/ / noticias. lainformacion. com/ arte-cultura-y-espectaculos/ zero-hour-y-revolution-buscaran-convertirse-en-el-nuevo-lost_V8W7bZI3XGOmJ2hYs4d8T4/ )» (en castellano). lainformacion.com (19 de Mayo de 2012).

Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre J. J. Abrams. Commons • J.J. Abrams en allalias.com (http://www.allalias.com/jj/jjbio.php)

James Cameron James Cameron

James Cameron en una conferencia del TED en 2010. Nacimiento

Kapuskasing, Ontario, Canadá 16 de agosto de 1954 (58 años)

Ocupación

Director, Escritor, guionista, productor Características físicas

Estatura

1,88 m Familia

Pareja

Sharon Williams (1978–1984) Gale Anne Hurd (1985–1989) Kathryn Bigelow (1989–1991) Linda Hamilton (1997–1999) Suzy Amis (2000–presente) Premios

Premios Óscar Mejor película 1997 Titanic Mejor director 1997 Titanic Mejor montaje 1997 Titanic

James Cameron

58 Globos de Oro Mejor película - Drama 1998 Titanic 2010 Avatar Mejor director 1998 Titanic 2010 Avatar Ficha

[1]

en IMDb

James Francis Cameron (Kapuskasing, Ontario, Canadá; 16 de agosto de 1954) es un director, guionista y productor de cine canadiense, conocido por películas como The Terminator, Titanic y Avatar, siendo éstas dos últimas las que encabezan la lista de películas con más recaudación en taquilla en la historia. Ha sido ganador de tres premios Óscar, seis premios BAFTA, y cinco Globo de Oro.

Biografía Hijo del ingeniero eléctrico Philip Cameron y la enfermera Shirley Cameron, joven solitario, desde pequeño mostro su interes por la ciencia; explorando cosas nuevas y fantaseando con crear algo también nuevo. Su vocación definitiva la encontró con la edad de 15 años, visualizando la película 2001 A Space Odyssey de Stanley Kubrick por la que quedó hipnotizado y fascinado por sus efectos visuales, al mismo tiempo que se volvía loco por aprender la habilidad de crear toda esa magia visual para mostrarla al público. Empezó su vocación con una cámara de 16 mm inventando aventuras espaciales y en un principio creando sobre todo sus propias efectos visuales, pronto ampliaría su habilidad para la dirección de películas, pero con conocimientos mínimos. Con la suerte de su mudanza a Ontario Orange Country por una oportunidad profesional de su padre en 1971, James Cameron tuvo más posibilidad de dedicarse a su actual pasión por el cine por su mayor cercania a Hollywood, pero desilusionado por limitaciones economicas decidió intentar matricularse en Física y Literatura Inglesa. En 1978 empezando su relación con Susan Williams trabajó de mecánico y camionero entre otros, sin olvidar su sueño de convertirse en director de cine. Su luz renació al año siguiente, cuando se estrenaba el film La Guerra de las Galaxias que fue cuando decidió perseguir definitivamente su sueño con más fuerza. Ayudado por su amigo William Wisher y con su empeño en aprender todo lo posible sobre cine explorando en bibliotecas, creó algunos proyectos,contratado por la empresa busca talentos New World Pictures comenzó como creador de efectos especiales que con sus ganas de participar no tardaría en hacerse destacable. Pero su oportunidad de dirección llegaría de la mano del productor italiano Ovidio G. Assonitis.

Películas como director James Cameron destaca como uno de los creadores cinematográficos que más y mejor ha aportado a la ciencia ficción. De sus ocho películas (hasta la fecha), seis de ellas pertenecen a este género. Ya desde sus inicios, Cameron mostró predilección por relatos futuristas. No en vano, dirigió el cortometraje Xenogenesis, muy influenciado por 2001: Odisea en el espacio y por Star Wars, un trabajo cuyo mayor mérito consiste en anticipar modelos e ideas que cuajarán en obras futuras.

Piraña 2: los vampiros del mar Trabajando como supervisor de efectos especiales para Roger Corman, los productores se mostraron impresionados cuando de un brazo falso, los gusanos que en él se encontraban, ya muertos, comenzaron a moverse como si devorasen un brazo auténtico. La razón era que Cameron electrificó el brazo de manera muy ingeniosa. Esto le valió para ser contratado como director para Piraña 2, pero la experiencia sería desastrosa, pues Cameron sería despedido cuando llevaba tres semanas de rodaje. Aun así, pueden percibirse en la película algunos motivos propios de Cameron, como el pecio bajo el mar.

James Cameron

The Terminator Cameron pronto ganó fama como un guionista hábil. Tal fue así que le contrataron para escribir el guion de dos secuelas, mientras él se dedicaba a escribir la que esperaba fuera su primera película como director, respectivamente: Rambo: First Blood Part II, Aliens y The Terminator. Cameron se encontraba en un hotel de Roma, por motivo del rodaje de un anuncio comercial, pero una noche sufrió fiebres y mareos. Cuenta cómo en mitad de la noche se despertó, febril, y dibujó algo que hoy en día es un icono del cine: un Terminator surgiendo de una bola de fuego.Sabía que después de la primera película nadie le contrataría y que debía escribir un argumento propio para poder ejercer como director. Este fue el germen de su primera película, y una de las más importantes que ha dirigido. En su argumento, ordenadores de última generación tomaban conciencia de sí mismos y decidían el exterminio de la humanidad. Sin embargo, la resistencia humana lograría vencer a las máquinas. No obstante, la inteligencia artificial intentaría cambiar las cosas enviando a un Terminator, una máquina con apariencia humana, hacia el pasado, para asesinar a la madre del futuro líder humano. La película conoció un fabuloso éxito comercial, y entusiasmó a la crítica. Con ella Cameron borraba la experiencia de su primera fallida película y se mostraba como un director ambicioso y brillante, capaz de sacar adelante un proyecto muy barato que se convertiría en un clásico imperecedero.

Aliens Antes de estrenar su anterior película, Cameron ya había firmado para hacer esta, segunda parte del famoso filme Alien, de Ridley Scott, que siete años antes había fascinado a medio mundo. Lejos de conformarse con filmar una copia, Cameron continuó indagando y perfeccionando su estilo, construyendo además un coherente mundo de ciencia ficción que englobaba y perfeccionaba el que se había insinuado en la primera película. Y conoció un nuevo éxito de público que le afianzó para dirigir su complejo tercer largometraje.

The Abyss Cameron ya había escrito un tratamiento de esta historia cuando se encontraba en la adolescencia, obsesionado por las profundidades marinas, y ansioso por construir un relato en torno a sus fantasías respecto a ellas. El proyecto fue el más caro de la historia hasta la fecha, y Cameron exigió un sobreesfuerzo casi inhumano a su equipo para lograr terminarla. Tanto es así que su actor principal, Ed Harris, a día de hoy todavía no se habla con él. No conoció un éxito tan grandioso como las dos anteriores, pero sigue siendo un proyecto único por sus características submarinas.

Terminator 2 Se sabía que algún día llegaría la segunda parte de la famosa película, y Cameron no pudo por menos que aceptar hacerla cuando Mario Kassar lo anunció sorpresivamente en el Festival de Cannes. Trabajando a contrarreloj, el cineasta consiguió cuajar una de sus obras más completas y mejor cohesionadas, ampliando un universo que enriqueció aún más. La película muestra unos efectos especiales sorprendentes para la época (1991).

True Lies Cambiando completamente de registro, Cameron se entregó a una comedia, remake de una cinta francesa. Una vez más, superó el presupuesto de su anterior filme para erigirse como película más cara de la historia, y por tercera vez contó con Arnold Schwarzenegger interpretando una parodia de otros agentes secretos.

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James Cameron

Titanic En 1997 Cameron estrena la película más famosa y la segunda más taquillera basada en el hundimiento del transatlántico Titanic, argumento por el que trata sobre la vivencia de dos jovenes; Jack y Rose cuyo destino se vería mermado por el hundimiento del mismo. Rompe récords de taquilla a nivel mundial, ganando once Premios Óscar, incluyendo mejor película y mejor director. Hace un cameo como al hombre que le revisan su barba al principio de la película, cuando el Titanic va a zarpar. Respecto a su opinión: "La historia no podría haber sido escrita mejor... La yuxtaposición de los ricos y los pobres, los roles del género que duran hasta la muerte (las mujeres primero), el estoicismo y la nobleza de una época pasada, la magnificencia del gran barco igualado en escala por la locura de los hombres que con empeño lo condujeron a la oscuridad. Y encima de todo la lección de que la vida es incierta, el futuro es desconocido... lo impensable es posible"

Avatar En junio de 2005, Cameron anunció que trabajaba en un proyecto inicialmente titulado "Proyecto 880" (ahora se sabe que es Avatar) en paralelo con otro proyecto, Battle Angel. [21] Ambas películas iban a ser rodadas en 3D. En diciembre, Cameron dijo que quería filmar primero Battle Angel, seguido por Avatar. Sin embargo, en febrero de 2006, cambió los objetivos para sus dos nuevos proyectos en cine y decidió iniciar con Avatar. Mencionó que si tienen éxito, iniciaría sendas trilogías. Avatar, con un presupuesto estimado de doscientos setenta millones de dólares, ha recaudo más de dos mil setecientos millones de dólares, y a su vez estableció un nuevo récord, al ser la primera película en llegar a esa cantidad con la rápidez de diecisiete días desde su estreno. Se presentó en algunos países el 17 de diciembre de 2009 y en todo el mundo el 18 de ese mismo mes. La cinta está compuesta, en gran parte de su metraje, con imágenes de animación generadas con la técnica de la pixilación por computadora. Después de su reconocimiento de tres Premios Óscar indirectamente dirigidos a la parte más artistica visualmente, en verano del año 2010 decide reestrenar el film, pero en esta ocasión con escenas inéditas. Posteriormente en una entrevista de Los Angeles Times con la razón de su estreno en formato DVD y Blu-Ray confirma una secuela para Avatar, decidido después de recapacitar su dirección artistica, en 2012 hace público el estreno de la 2ª y 3ª parte en un tiempo de seis años, cuya 2ª parte se ambientaría en los océanos de Pandora, hogar de los ficticios na´vi.

Documentales Los primero proyectos de Cameron en esta década, en cine, han incluido los documentales submarinos Bismarck (Expedition: Bismarck, 2002) y el de Ghosts of the Abyss, y un documental sobre la fauna marina de las grandes profundades Aliens of the Deep. También fue productor en la nueva versión de Solaris. Cameron es el principal impulsor del 3D en salas comerciales. En una entrevista en 2003 sobre su documental Ghosts of the Abyss, mencionó que "voy a hacer todo lo posible en 3D a partir de ahora". Planea crear un proyecto de 3 D sobre el primer viaje a Marte. ( "He estado muy interesado en el movimiento de los seres humanos a Marte-la 'Mars Underground'-y he hecho una cantidad tremenda de investigación personal para una novela, una miniserie y una película 3-D.") [18 ] Es en el equipo de la ciencia para el 2009 Mars Science Laboratory [19]. Cameron anunció el 26 de febrero de 2007, que, junto con su director, Simcha Jacobovici, han documentado el descubrimiento de la tumba de Talpiot, que se supone que es la tumba de Jesús. Descubierta en 1980 por obreros de la construcción de Israel, los nombres de la tumba tienen correlación con los nombres de Jesús y varias personas estrechamente asociadas con él. Cameron afirma además que las pruebas de ADN, las evidencias arqueológicas, y estudios bíblicos para respaldar su reclamo. [20] El documental, llamado La tumba perdida de Jesús, fue transmitido por Discovery Channel el 4 de marzo de 2007.

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James Cameron El 26 de marzo del 2012, desciende a una profundidad de casi 11 kms en el mar, justo en la Fosa de las Marianas, donde llego a las 2 horas y 36 minutos dentro del submarino Deepsea Challenger, en un proyecto personal y en la colaboración con la NASA y el National Geographic, donde ha rodado varias películas en 2D y 3D para unos documentales.[2]

Fama Vanity Fair publico la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingresos a lo largo de 2010. Cameron fue clasificado no. 1 en la lista, ganó un estimado $257 millones por sus películas.[3]

Filmografía Películas destacadas • • • •

1997... Rescate en Nueva York (efectos visuales) (1981) Piraña II: los vampiros del mar (director) (1981) La galaxia del terror (diseño de producción) (1981) The Terminator (director, guion) (1984)

• • • • • • • • • • •

Rambo: Acorralado parte II (guion) (1985) Aliens, el regreso (Aliens) (director, guion) (1986) El secreto del abismo (The Abyss) (director, guion) (1989). Terminator 2: el juicio final (director, guion, productor) (1991) True Lies (director, guion, montaje, productor) (1994) Días extraños (Strange days) (guion, montaje, productor) (1995) Titanic (director, guion, montaje, productor) (1997) Solaris (productor) (2002) Entourage (actor, Serie TV) (2006) Avatar (director, guion, productor junto a Marcos D. Molto) (2009) Battle Angel (director, guion) (2013)

Documentales • • • • • •

Ghosts of the Abyss (Misterios del Titanic) (director y productor) (2001). James Cameron's Expedition : Bismarck (co-director y productor) (2002). Aliens of the Deep (director, productor ejecutivo y narrador) (2005). El Éxodo descodificado (productor ejecutivo y narrador) (2006). La tumba perdida de Jesús (Productor) (2007) El Santuario (2011)

61

James Cameron

62

Series como creador/director • Dark angel (2000-2002)

Videoclips • Heart-Shaped Glasses (When the Heart Guides the Hand) - Marilyn Manson (Director) (2007).

Premios Premios Óscar Año

Categoría

Película Resultado

2009 Mejor película Avatar

Candidato

2009 Mejor director Avatar

Candidato

2009 Mejor montaje Avatar

Candidato

1997 Mejor película Titanic

Ganador

1997 Mejor director Titanic

Ganador

1997 Mejor montaje Titanic

Ganador

Premios BAFTA Año

Categoría

Película Resultado

2009 Mejor película Avatar

Candidato

2009 Mejor director Avatar

Candidato

2009 Mejor montaje Avatar

Candidato

1997 Mejor película Titanic

Ganador

1997 Mejor director Titanic

Ganador

1997 Mejor montaje Titanic

Ganador

Premios Globo de Oro Año

Categoría

Película Resultado

2010 Mejor película dramática Avatar

Ganador

2010 Mejor director

Avatar

Ganador

1997 Mejor película dramática Titanic

Ganador

1997 Mejor director

Titanic

Ganador

1997 Mejor guion

Titanic

Candidato

James Cameron

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Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000116 [2] « James Cameron 'toca fondo' en las profundidades del Pacífico (http:/ / www. elmundo. es/ elmundo/ 2012/ 03/ 25/ ciencia/ 1332708721. html)». El Mundo. [3] Newcomb, Peter. « Hollywood’s Top 40 (http:/ / www. vanityfair. com/ hollywood/ features/ 2011/ 03/ hollywood-top-earners-201103?currentPage=3)», Vanity Fair, marzo de 2011. Consultado el 3/3/12.

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre James CameronCommons.

• Ficha de James Cameron en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000116) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000116) en Internet Movie Database. •

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre James Cameron. Wikiquote

James L. Brooks James L. Brooks

James L. Brooks Nombre real

James L. Brooks

Nacimiento

North Bergen, Nueva Jersey 9 de mayo, 1940 Familia

Cónyuge

Marianne Catherine Morrissey (1964–?) Holly Beth Holmberg (1978–) Premios

Premios Óscar

Mejor película 1983 Terms of Endearment Mejor director 1983 Terms of Endearment Mejor guion adaptado 1983 Terms of Endearment

Globos de Oro

Mejor guion 1984 Terms of Endearment

[http://Gracie Films

[1]

Página web oficial] Ficha

[2]

en IMDb

James L. Brooks (n. el 9 de mayo de 1940 en Nueva Jersey, Estados Unidos) es un productor, guionista y director de cine estadounidense, principalmente reconocido por su trabajo en la serie animada Los Simpson.

James L. Brooks Comenzó a trabajar en televisión, junto al productor de documentales David L. Wolper, como aprendiz en el noticiero de la CBS. En 1969 realizó la serie televisiva Room 222. Asociado con el escritor Allan Burns, produjo, entre 1970 y 1977, el exitoso Mary Tyler Moore Show, un programa que ganó numerosos premios. En TV, fue responsable de comedias como Cheers y Taxi. También fue el productor y guionista de Tres no hacen pareja (Starting over, 1979) y trabajó ocasionalmente de actor en films como Albert Brooks's Real Life (1979). En 1983 dirigió un éxito al gusto de la Academia de Hollywood y se llevó varios premios con La fuerza del cariño (Terms of Endearment). En 1987 dirigió Al filo de la noticia (Broadcast News), después de lo cual se dedicó a producir comedias como Quisiera ser grande (Big, 1988), Say Anything (1989), y Jerry Maguire (ídem, 1996), ambas de Cameron Crowe.

Filmografía • • • • • •

My Three Sons (1960) The Andy Griffith Show (1960) My Mother The Car (1965) (escritor) Mary Tyler Moore Show (1970) (productor) Rhoda (1974) (productor) Thursday's Game (1974)

• • • • • • • • • • • • • • • •

Taxi (1978) (productor) La fuerza del cariño (1983) (director) The Tracey Ullman Show (1987) (productor) Broadcast News (1987) (director) Big (1988) (productor) Say Anything... (1989) (productor) Los Simpson (1989-presente) (productor) I'll Do Anything (1994) (director) The Critic (1994) (productor) Bottle Rocket (1996) (productor) Jerry Maguire (1996) (productor) Mejor... imposible (1997) (director) Riding in Cars with Boys (2001) (productor) Spanglish (2004) (guionista, productor y director) Los Simpson: la película (2007) (productor y guionista) How Do You Know (2010) (productor y guionista)

Premios Oscar

64

James L. Brooks

65

Año

Categoría

Película

Resultado

1997 Mejor Película

Mejor... imposible

Candidato

1997 Mejor Guion Original

Mejor... imposible

Candidato

1996 Mejor Película

Jerry Maguire

Candidato

1987 Mejor Película

Al filo de la noticia

Candidato

1987 Mejor Guion Original

Al filo de la noticia

Candidato

1983 Mejor Película

La fuerza del cariño Ganador

1983 Mejor Director

La fuerza del cariño Ganador

1983 Mejor Guion Adaptado La fuerza del cariño Ganador

Globo de Oro Año

Categoría

Película

1998 Globo de Oro a la mejor película - Comedia o musical Mejor... imposible

Ganador

1997 Mejor Director

Mejor... imposible

Candidato

1987 Mejor Guion

Mejor... imposible

Candidato

1987 Mejor Director

Al filo de la noticia

Candidato

1987 Mejor Guion

Al filo de la noticia

Candidato

1983 Mejor Director

La fuerza del cariño Candidato

1983 Mejor Guion

La fuerza del cariño Ganador

Enlaces externos • Ficha de James L. Brooks en inglés [3] y en español [4] en Internet Movie Database. • Sitio web de Gracie Films [1] (en inglés) • James L. Brooks [5] en Thesimpsons.com (en inglés)

Referencias [1] [2] [3] [4] [5]

Resultado

http:/ / www. graciefilms. com/ http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000985 http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0000985 http:/ / www. imdb. es/ title/ tt0000985 http:/ / www. thesimpsons. com/ bios/ bios_creators_brooks. htm

Jean-Luc Godard

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Jean-Luc Godard Jean-Luc Godard

Nacimiento

París  Francia 3 de diciembre de 1930 (81 años) Premios

Premios Óscar Óscar honorífico (2010) Ficha

[1]

en IMDb

Jean-Luc Godard (París; 3 de diciembre de 1930) es un director de cine franco-suizo. Cultiva un cine creador, vanguardista, pero accesible en su conjunto. Es experimental respecto al montaje considerado clásico.Es uno de los miembros más influyentes de la nouvelle vague, a la vez caracterizado por su acidez crítica y por la poesía de sus imágenes.

Primeros años Hijo de un médico y de una hija de banqueros suizos, vivió sus primeros años en este país, para trasladarse a París durante su adolescencia, donde va a estudiar etnología en la Sorbona. En esta época comienza a descubrir su gran pasión por el cine, frecuenta de continuo la Cinemateca Francesa y los cineclub parisinos. En 1950 empezó a trabajar como crítico cinematográfico en varias revistas, entre ellas Cahiers du Cinéma, en las que utilizaba el seudónimo de Hans Lucas. En esta publicación coincidiría con la plana mayor de la nouvelle vague, es decir, con François Truffaut, Éric Rohmer, Claude Chabrol y Jacques Rivette. Al morir su madre en 1954, se trasladó de nuevo a Suiza donde trabajó como albañil, hecho que sirvió como argumento a su primer documental, Operation Béton. Al regresar a París, mientras seguía trabajando en Cahiers du Cinéma, rodó los cortometrajes Une femme coquette (1955) y Tous les garçons s'apellent Patrick (1957).

La época dorada de la Nouvelle vague En el verano de 1959 comenzó el rodaje de su primer largometraje, À bout de souffle sobre un guion de Truffaut y con la colaboración de Claude Chabrol. La película, protagonizada por Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg supuso una revolución en la manera de filmar al utilizar técnicas hasta entonces poco ortodoxas, como rodar cámara en mano, utilizar el documental o saltar de un plano a otro. A pesar de no lograr ningún premio en el Festival de Cannes, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín, así como el Premio Jean Vigo. En 1960 dirigió su segundo largo, El soldadito, que estuvo prohibido en Francia durante tres años. Este film estuvo protagonizado por Anna Karina, actriz con quien se casó un año más tarde y que protagonizaría varios de sus proyectos posteriores. Durante los siguientes años, Godard colaboró con otros integrantes de la Nouvelle vague como actor, co-director o productor, a la vez que dirigió películas enormemente influyentes que fueron aclamadas por la crítica cinematográfica como Banda aparte o Pierrot el loco. Algunos de los premios que cosechó en esta época fueron el premio especial del jurado y el de la crítica de la Mostra de Venecia por Vivir su vida, su segundo Oso de Oro por

Jean-Luc Godard Alphaville, y un nuevo premio especial del jurado en la Mostra por La China. A partir de Made in USA el cine de Godard, ya antes caracterizado por el radicalismo formal, incorporó un progresivo radicalismo político que cristalizó en dos largometrajes, La China y Weekend, preludio de su incorporación al movimiento maoísta.

Etapa política Tras el estreno de Weekend en 1967, y después de divorciarse de Anna Karina y casarse con la entonces estudiante anarquista Anne Wiazemsky, Godard decidió poner su cine al servicio del movimiento revolucionario que eclosionaba con el Mayo francés y, adherido a la ideología maoísta, abandonó sus métodos de trabajo anteriores. En mayo de 1968 el Festival de Cannes fue suspendido por la interrupción de las proyecciones que hicieron Godard, Truffaut, Polanski y otros cineastas, en apoyo y solidaridad al movimiento estudiantil y obrero del Mayo francés. En ese año también dirigió One plus One, más tarde titulado Sympathy for the Devil, un documental que no sólo muestra cómo los Rolling Stones van dando forma a esta canción paso a paso, sino que también es un relato simultáneo de 2 ó 3 discursos políticos y estéticos revolucionarios. Con el fin de diluir la propia autoría en un colectivo cinematográfico miliante, creó el Grupo Dziga-Vertov, como homenaje al cineasta soviético Dziga Vertov junto al estudiante de Filosofía Jean-Pierre Gorin, la actriz Juliet Berto y la propia Wiazemsky, entre otros, y muchos de sus filmes, que comenzaría a rodar en 16 mm, se nutrirían de influencias del cine de propaganda soviético. En sus propias palabras, eran "películas revolucionarias para audiencias revolucionarias" y se caracterizaron por una gran desconfianza en las imágenes "bellas", en beneficio de un sonido por veces hipertrofiado, y por un discurso netamente marxista, abandonando las historias de ficción para mostrar ensayos fílmicos de gran radicalidad.

Las décadas de 1970 y 1980 Sin disolver el Grupo Dziga Vertov, y todavía comprometido con la militancia revolucionaria, Godard probó a dirigir filmes de ficción convencional que ejemplificasen las teorías maoístas dirigiéndose a un público más amplio. Como primera pieza de este proyecto, y codirigiendo con Jean-Pierre Gorin, estrenó en 1972 el largometraje Todo va bien, protagonizado por Yves Montand y Jane Fonda. Sin embargo, y a pesar de tanto Godard como Gorin habían planeado fundar la productora Todo Va Bastante Bien con la cual dirigir nuevos proyectos de corte marxista, unos meses después hicieron una severa autocrítica de los presupuestos teóricos bajo los que se había rodado Todo va bien en el documental Carta a Jane, tras el cual el Grupo Dziga Vertov se disolvió definitivamente. Godard, ya separado de Anne Wiazemsky, rechazó toda su etapa maoísta en el documental Aquí y en otro lugar, estrenado en 1976 y codirigido con Anne-Marie Mieville. En la década de 1980 volvería al cine convencional de 35 mm y rodaría películas polémicas como Yo te saludo, María, en paralelo con Anne-Marie Mieville. A finales de la década comenzó a trabajar en una serie documental titulada Histoire(s) du cinéma, en la que daría su particular visión sobre la historia del cine y que Canal Plus francés emitió en el año 2000. Es una obra conceptual, llena de imágenes superpuestas y textos, de polémicas y de poesía. Después de Nuestra música (2004), y con seis años de espera Jean-Luc Godard ha lanzado su nueva película: Film socialisme. En mayo de 2012 la productora Wild Bunch anunció que el nuevo film de Godard será en 3D y llevará por título Adieu au Language.

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Jean-Luc Godard

Premios • 1995 - Premio Theodor W. Adorno (Theodor W. Adorno Preis) de la ciudad de Fráncfort del Meno (Alemania) • 2010 - La Academia de Hollywood le concedió el Óscar honorífico.

Filmografía • • • • • • • • • • •

Adieu au Language (2013) Film socialisme (2010) Une catastrophe (2008, corto) Vrai faux passeport (2006, corto) Moments choisis des histoire(s) du cinéma (2004, doc.) Nuestra Música, Notre musique (2004) Ten Minutes Older: The Cello (2002) (segmento de "Dans le noir du temps") Liberté et patrie (2002) (V) Elogio del amor, Éloge de l'amour (2001) De l'Origine du XXIème siècle (2000, corto, doc.) Histoire(s) du cinéma: La monnaie de l'absolu (1998) (V)

• • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Histoire(s) du cinéma: Le contrôle de l'univers (1998) (V) Histoire(s) du cinéma: Les signes parmi nous (1998) (V) Histoire(s) du cinéma: Une vague nouvelle (1998) (V) The Old Place (1998) Histoire(s) du cinéma: Fatale beauté (1997) (V) Histoire(s) du cinéma: Seul le cinéma (1997) (V) For Ever Mozart (1996) JLG/JLG - autoportrait de décembre (1995) Deux fois cinquante ans de cinema français (1995) Hélas pour moi (1993) (no acreditado) Les Enfants jouent à la Russie (1993) Allemagne 90 neuf zéro (1991) Contre l'oubli (1991) (segmento de "Pour Thomas Wainggai, Indonésie") Nueva ola, Nouvelle vague (1990) Comment vont les enfants (1990) (segmento de "L'enfance de l'art") Histoire(s) du cinéma: Toutes les histoires (1989) (V) Histoire(s) du cinéma: Une histoire seule (1989) (V) Le Rapport Darty (1989) "Les Français vus par" (1988) (mini) TV Series (segmento de "Le dernier mot") On s'est tous défilé (1988) Puissance de la parole (1988) Soigne ta droite (1987) (como Monsieur Godard) Aria (1987) (segmento de "Armide") El rey Lear King Lear (1987) Grandeur et décadence (1986) (TV) Meetin' WA (1986) Soft and Hard (1986) Détective (1985)

• Yo te saludo, María 'Je vous salue, Marie' (1985) • "Série noire" (1984) TV Series

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Jean-Luc Godard • • • • • • • • • • • • • • • • •

Carmen, pasión y muerte (1983) Pasión (1982) Carta a Freddy Buache, Lettre à Freddy Buache (1981) Que se salve quien pueda (la vida), Sauve qui peut (la vie) (1980) Guion de 'Sauve qui peut la vie' (1979) Comment ça va? (1978) "France/tour/detour/deux/enfants" (1977) (mini serie) (TV) Ici et ailleurs (1976) "Six fois deux/Sur et sous la communication" (1976) (mini serie) (TV) Numéro deux (1975) Letter to Jane (1972) Todo va bien, Tout va bien (1972) One P.M. (1972) Lotte in Italia (1971) Le Vent d'est (1970) British Sounds (1970) Pravda (1970)

• • • • • • • • • • • • • • • • • •

Vladimir et Rosa (1970) Le Gai savoir (1969) Amor y rabia, Amore e rabbia (1969) (segmento de "L'Amore") Sympathy for the Devil (1968) Cinétracts (1968) Un film comme les autres (1968) Week End (1967) Loin du Vietnam (1967) (segmento de "Caméra-oeil") La China, La Chinoise (1967) Le Plus vieux métier du monde (1967) (segmento de "Anticipation, ou l'amour en l'an 2000") 2 o 3 cosas que sé sobre ella 2 ou 3 choses que je sais d'elle (1967) Made in USA (1966) Masculino, Femenino, Masculin, féminin: 15 faits précis (1966) Pierrot el loco, Pierrot le fou (1965) París visto por..., Paris vu par... (1965) (segmento de "Montparnasse-Levallois") Lemmy contra Alphaville Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution (1965) Une femme mariée: Suite de fragments d'un film tourné en 1964 (1964) Las estafas más famosas del mundo, Les Plus belles escroqueries du monde (1964) (segmento de "Le Grand escroc") Banda aparte, Bande à part (1964) Reportage sur Orly (1964) El desprecio, Le Mépris (1963) Los carabineros, Les Carabiniers (1963) Ro.Go.Pa.G. (1963) (segmento de "Il Nuovo mondo") El pequeño soldado, Le Petit soldat (1963) Vivir su vida, Vivre sa vie: Film en douze tableaux (1962) Los siete pecados capitales, Les Sept péchés capitaux (1962) (segmento de "La Paresse") Una mujer es una mujer, Une femme est une femme (1961)

• • • • • • • • •

• Une histoire d'eau (1961) • Charlotte et son Jules (1960)

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Jean-Luc Godard • • • •

Al final de la escapada o Sin aliento, À bout de souffle (1960) Charlotte y Véronique, Charlotte et Véronique, ou Tous les garçons s'appellent Patrick (1959) Une femme coquette (1955) Opération béton (1954)

Bibliografía • Godard, J.L., Jean-Luc Godard: pensar entre imágenes: conversaciones, entrevistas, presentaciones y otros fragmentos, Intermedio, 2010, ISBN 978-84-614-1547-2. • Godard, J.L., Archélogie du cinéma, Farrago, 2000, diálogo con Y. Ishaghpour, ISBN 2-84490-049-6 • Godard, J.L., Introducción a una verdadera historia del cine, Alphaville, 1980, ISBN 84-85865-00-6 • Godard, J.L., Jean-Luc Godard por Jean-Luc Godard, Barral, 1971, ISBN 84-211-0213-3 • Godard, J.L., Cinco guiones, Alianza, 1973, ISBN 84-206-1459-9 • Gubern, R., Godard polémico, Tusquets, 1969

Enlaces externos • (en francés) (en inglés) Filmografía detallada de Jean-Luc Godard [2] en unifrance.org • Jean Luc Godard en Biosstars International [3] • • • •

• • • • • •

Ficha de Jean-Luc Godard en inglés [4] y en español [1] en Internet Movie Database. Crítica de Elogio del amor [5] en www.trendesombras.com [5] Reseña de Nuestra Música [6] en www.trendesombras.com [5] Histoire(s) du cinéma, una "partitura" de Céline Scemama [7]: 1a Toutes les histoires [8], 1b Une histoire seule [9], 2a Seul le cinéma [10], 2b Fatale beauté [11], 3a La monnaie de l'absolu [12], 3b Une vague nouvelle [13], 4a Le contrôle de l'univers [14], 4b Les signes parmi nous [15] Histoire(se) du Cinéma [16] en el Festival Punto de Vista. [17] [18] [19] [20] [21]

Noticias • Godard filmará su nueva película en 3D [22] en Marienbad

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000419 [2] http:/ / es. unifrance. org/ anuario/ particulares/ 15597/ jean-luc-godard [3] http:/ / www. biosstars-mx. com/ j/ jean_luc_godard. html [4] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000419 [5] http:/ / www. trendesombras. com/ num0/ critica_elogio. asp [6] http:/ / www. trendesombras. com/ num3/ esp_zinemaldia2004. asp#musica [7] http:/ / cri-image. univ-paris1. fr/ celine/ celine. html [8] http:/ / cri-image. univ-paris1. fr/ celine/ celinegodard. html [9] http:/ / cri-image. univ-paris1. fr/ celine/ 1b. html [10] http:/ / cri-image. univ-paris1. fr/ celine/ 2a. html [11] http:/ / cri-image. univ-paris1. fr/ celine/ 2b. html [12] http:/ / cri-image. univ-paris1. fr/ celine/ 3a. html [13] http:/ / cri-image. univ-paris1. fr/ celine/ 3b. html [14] http:/ / cri-image. univ-paris1. fr/ celine/ 4a. html

70

Jean-Luc Godard [15] [16] [17] [18] [19] [20] [21] [22]

71

http:/ / cri-image. univ-paris1. fr/ celine/ 4b. html http:/ / www. cfnavarra. es/ puntodevista/ pdv_web/ secciones/ avance07/ 07_ficha_docsFormaPiensa_esp. asp?film=74& i=1& s=31 http:/ / ar. geocities. com/ marginalia2000/ numero2/ godard. htm http:/ / www. popthing. com/ zona_cine/ directores_de_la_nouvelle_vague_jean_luc_godard. php http:/ / www. mgar. net/ cine/ dir/ godard. htm http:/ / www. epdlp. com/ director. php?id=785| http:/ / www. pagina12. com. ar/ diario/ suplementos/ radar/ 9-757-2003-05-25. html http:/ / www. marienbad. com. ar/ noticia/ godard-filmara-su-nueva-pelicula-en-3d

Jean-Pierre Jeunet Jean-Pierre Jeunet

Nombre real

Jean-Pierre Jeunet

Nacimiento

Roanne, Loire,  Francia 3 de septiembre de 1953 (58 años) Premios

Premios BAFTA Mejor guion original 2002 Amélie Premios César

Mejor cortometraje de animación 1981 Le Manège Mejor cortometraje de ficción 1991 Foutaises Mejor guion original o adaptación 1992 Delicatessen Mejor ópera prima 1992 Delicatessen Mejor director 2002 Amélie Mejor película 2002 Amélie Ficha

[1]

en IMDb

Jean-Pierre Jeunet es un guionista y director de cine francés (1953 - ).

Jean-Pierre Jeunet

Biografía Nacido el 3 de septiembre de 1953 en la ciudad de Roanne,Loira en la región de Ródano-Alpes. Empezó en el arte de la dirección a los 17 años, cuando se compró su primera cámara. Creó varios cortos mientras estudiaba animación en los Cinémation Studios. Se hizo amigo de Marc Caro, diseñador y artista de cómics el cual se convertiría en su colaborador y co-director por largo tiempo. Jeunet y Caro dirigirían varias películas de animación premiadas. Su primer filme con personas reales fue The Bunker of the Last Gunshots (1981), un corto sobre soldados en un mundo futurista. Jeunet también ha dirigido varios anuncios publicitarios y vídeos musicales, como Zoolook de Jean Michel Jarre (otra vez con Marc Caro). La mayoría de sus primeras películas, se enmarcan en el género de la distopía retro-futurista, culminando en el film La ciudad de los niños perdidos de 1995. Su película más popular es Amélie, que obtuvo cinco nominaciones a los Premios Oscar y otros diferentes premios cinematográficos. Su último largometraje, Micmacs à tire-larigot, protagonizado por Danny Boon, una comedia que aborda el tráfico de armas, fue estrenada en España en junio de 2011.

Filmografía 1. Micmacs (2009) Micmacs à tire-larigot. (DG) 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8.

Largo domingo de noviazgo (2004) Un long dimanche de fiançailles. (DG) Amélie (2001) Le fabuleux destin d’Amélie Poulain. (DG) Alien resurrección (1997) Alien: Resurrection. (D) La ciudad de los niños perdidos (1995) La Cité des enfants perdus. (DG) Delicatessen (1991) Delicatessen. (DG) Fountaises (1989).(DG) The Bunker of the Last Gunshots (1981) Le bunker de la dernière rafale.(DG)

• (D) Director • (G) Guionista

Colaboradores Jeunet se suele rodear del mismo equipo en sus películas, y varios actores son usuales en sus películas. Su reparto habitual es el siguiente: • • • • • • • • •

Dominique Pinon ha aparecido en los seis filmes de larga duración de Jeunet. Rufus y Ticky Holgado han aparecido en todas sus películas excepto en Alien resurrección Jean-Claude Dreyfus ha aparecido en todas sus películas excepto en Alien resurrección y Amélie Ron Perlman aparece en La Cité des enfants perdus y Alien resurrección Audrey Tautou aparece en Amélie y Largo domingo de noviazgo. Darius Khondji fue el Director de fotografía en Delicatessen, La Cité des enfants perdus y Alien resurrección. Bruno Delbonnel fue el director de fotografía en Amélie y Largo domingo de noviazgo. Hervé Schneid ha sido montador en todos sus filmes Aline Bonetto fue la escenógrafa en Amélie, Delicatessen y Largo domingo de noviazgo.

72

Jean-Pierre Jeunet

73

Enlaces externos • Página oficial [2] (en francés)

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000466 [2] http:/ / www. jpjeunet-siteofficiel. com/ html/ accueil. html

John Cassavetes John Cassavetes

John Cassavetes en el trailer de Edge of the City (1957) Nombre real

John Nicholas Cassavetes

Nacimiento

Nueva York, Estados Unidos 9 de diciembre de 1929

Fallecimiento Los Ángeles, California, Estados Unidos (59 años) 3 de febrero de 1989 Ocupación

Actor / Director / Productor / Guionista / Montador Familia

Pareja

Gena Rowlands (1954-1989)

Hijo/s

Nick Cassavetes (1959), Alexandra Cassavetes (1965), Zoe Rowlands Cassavetes (1970). Ficha

[1]

en IMDb

John Nicholas Cassavetes (n. Nueva York; 9 de diciembre de 1929 – f. Los Ángeles; 3 de febrero de 1989) fue un actor, guionista y director estadounidense. Se le considera un pionero del cine independiente de su país.

Biografía John Cassavetes nació en Nueva York de padres inmigrantes griegos; su padre, Nicholas, llegó en 1908 y se casó en 1926, con una griega quince años más joven. Eran muy humildes, pero el padre se dedicó a ayudar a los inmigrantes de su país. John creció en Long Island, y estudió en el instituto en Nueva Jersey antes de ingresar a la Academia de Artes Dramáticas (American Academy of Dramatic Arts), que eligió antes de hacer cualquier otro trabajo. Tras su graduación en 1950, actuó en el teatro, en papeles secundarios en películas y en varias series de televisión.

John Cassavetes

Primeras películas En 1954, Cassavetes se casó con la actriz Gena Rowlands, nacida en 1930, con la que trabajaría toda su vida, a poco de conocerla. Como señala su gran biógrafo, R. Carney, eran dos personas de carácter y de orígenes sociales muy diferentes (ella procedía de familia adinerada); ambos eran conflictivos y de valía; parte de sus vidas se reflejará en los filmes de John. Hacia 1956, comenzó a enseñar el "método" en talleres en Nueva York. Un ejercicio de improvisación le dio la idea para lanzarse a su primer largometraje, Shadows (1959). Cassavetes obtuvo los fondos de su familia y de sus amigos, así como del programa de radio Night People. Cassavetes fue incapaz de conseguir que ninguna distribuidora norteamericana lanzase Shadows, así que probó fortuna en Europa, donde consiguió el premio de la crítica en el Festival de Venecia. Los distribuidores europeos llevaron posteriormente la película a los Estados Unidos como si se tratara de una importación. A pesar de que su distribución en los Estados Unidos no fue muy amplia, consiguió llamar la atención de los estudios de Hollywood. Cassavetes dirigió dos largometrajes en Hollywood a comienzos de los años '60: Too Late Blues y A Child is Waiting. Su siguiente película como director (la segunda de forma independiente a los estudios) fue Faces (1968), protagonizada por su mujer y por John Marley, Seymour Cassel y Val Avery. La película muestra la desintegración de un matrimonio moderno, y fue candidata a tres Premios Oscar en las categorías de mejor guion original, mejor actor de reparto y mejor actriz de reparto. Maridos (1970) está protagonizada por el propio Cassavetes, Peter Falk y Ben Gazzara. Interpretan a un trio de hombres casados viajando por Nueva York y Londres tras el funeral de uno de sus mejores amigos. Minnie and Moskowitz, película que trata de una pareja formada por dos amantes muy diferentes, es interpretada por Rowlands y Seymour Cassel.

La etapa dorada En los años '70, realiza las que serían consideradas sus tres mejores películas: Una mujer bajo la influencia (1974), por la que Cassavetes fue candidato al Oscar a la mejor dirección y su mujer fue candidata al Oscar a la mejor actriz; The Killing of a Chinese Bookie (1976) y Noche de estreno (1977). Todas ellas fueron producidas independientemente. En The Killing of a Chinese Bookie Ben Gazzara interpreta a Cosmo Vitelli, un propietario de un pequeño club de strip-tease que es presionado por unos gangsters a cometer un asesinato para poder pagar sus deudas. En Noche de estreno, Rowlands interpreta a una estrella cinematográfica, venida a menos con los años, que trabaja en el teatro y sufre una crisis personal. Según Laurence Gavron, Cassavettes trabajó en el guion durante años, refinándolo y alterándolo. La producción costó más de 1,5 millones de dólares, y se necesitó más de un año para terminarla. La primera versión duraba 5 horas, y finalmente tan sólo una copia de la versión final fue distribuida en los Estados Unidos.

Carrera como actor Cassavetes también desarrolló su carrera como actor, participando en películas como Doce del patíbulo (1967), por la que fue candidato al Premio de la Academia al mejor actor de reparto, y La semilla del diablo (también intitulada, en otros países hispanohablantes, como El bebé de Rosemary) (1968), de Roman Polanski. Otras películas destacadas en su carrera interpretativa fueron The Killers (1964), de Don Siegel, y The Fury (1978). En la siguiente década hizo tres películas destacadas: Gloria (1980), Love Streams (1984) y, la que sería su última película, Big Trouble (1986). Cassavetes murió de cirrosis hepática en 1989, a los 59 años. Sus restos se encuentran en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California.

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John Cassavetes Su hijo Nick Cassavetes continuó sus pasos como actor (Face/Off) y (The Astronaut's Wife) y como director (John Q) y (The Notebook) donde dirige a su madre, Gena Rowlands.

Improvisación Suele malinterpretarse el papel de la improvisación en las películas de Cassavetes. Sus filmes –con excepción de la primera versión de Shadows – tenían un sólido guion. Sin embargo Cassavetes permitía a sus actores llevar sus propias interpretaciones de los personajes a la escena. La escena en general estaba escrita, pero la actuación obviamente no. Cassavetes también era receptivo a la hora de tomar una nueva dirección, si el actor así se lo sugería.

Filmografía selecta Como director • • • •

Sombras (1959) Too Late Blues (1961) Ángeles sin paraíso (1963) Faces (1968)

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Maridos (1970) Así habla el amor (1971) Una mujer bajo la influencia (1974) El asesinato de un corredor de apuestas chino (1976) Opening Night (1977) Gloria (1980) Love Streams (1984) Big Trouble (1986)

Como actor • • • • • • • • • • •

Edge of the City (1957) Saddle the Wind (1958) The Killers (1964) Doce del patíbulo (1967) La semilla del diablo (1968) Maridos (1970) Two-Minute Warning (1976) Mikey and Nicky (1976) The Fury (1978) Whose Life Is It Anyway? (1981) Tempest (1982)

Premios Oscar

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John Cassavetes

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Año

Categoría

Película

Resultado

1974 Mejor Director

Una mujer bajo la influencia Nominado

1968 Mejor Guion Original

Faces

Nominado

1967 Mejor Actor de Reparto Doce del patíbulo

Nominado

Año

Resultado

Globos de Oro Categoría

Película

1974 Mejor Director

Una mujer bajo la influencia Nominado

1974 Mejor Guion

Una mujer bajo la influencia Nominado

1970 Mejor Guion

Husbands

1967 Mejor Actor de Reparto Doce del patíbulo

Nominado Nominado

Fuentes • Ray Carney (ed.), Cassavetes por Cassavetes, Anagrama, 2004 (or. 2001)

Enlaces externos • Ficha de John Cassavetes en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database. • Shadows, cine con causa [3] crítica cinematográfica de la película Shadows (1959)

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001023 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001023 [3] http:/ / palabrisea. blogspot. com/ 2010/ 02/ shadows-cine-con-causa. html

John Ford (director de cine)

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John Ford (director de cine) John Ford

Nombre real

Sean Aloysius O'Fearna

Nacimiento

Cape Elizabeth, Maine, EE. UU. 1 de febrero de 1894

Fallecimiento

Palm Desert, California, EE. UU. 31 de agosto de 1973, 79 años Familia

Cónyuge

Mary Ford (1920–1973) Premios

Premios Óscar Mejor director 1935 The Informer 1940 The Grapes of Wrath 1941 How Green Was My Valley 1952 The Quiet Man Ficha

[1]

en IMDb

John Ford (1 de febrero de 1894 - 31 de agosto de 1973) fue un actor, director y productor cinematográfico estadounidense, cuatro veces ganador del Premio de la Academia. Con una carrera profesional de más de 50 años, en la que participó en casi todas las facetas del arte cinematográfico antes de dedicarse a la dirección, Ford dirigió más de 140 películas, muchas de ellas de cine mudo, y está ampliamente considerado como uno de los cineastas más importantes e influyentes de su generación, siendo muy respetado por otros colegas de su profesión como Ingmar Bergman y Orson Welles quienes lo consideraban como uno de los grandes directores de cine de todos los tiempos.

Biografía Nacido como John Martin "Jack" Feeney (a pesar de que a menudo dijera que su verdadero nombre Sean Aloysius, con el apellido O'Feeny u O'Fearna; el equivalente gaélico de Feeney) en Cape Elizabeth, Maine, fue el decimotercer hijo de unos inmigrantes irlandeses (John Augustine Feeney y Barbara "Abbey" Curran). Tras su intento por ingresar en la Marina, se traslada en 1913 a Hollywood para trabajar con su hermano Francis Ford, director, guionista y actor en la Universal Studios. Diez años después, adoptó el seudónimo de Jack Ford que pronto cambiaría por John Ford. Actor y ayudante de dirección en las películas de su hermano, a partir de 1917 empieza a dirigir sus propios filmes para la Universal, eran western interpretados por el mítico Harry Carey uno de los primeros héroes de oeste americano. Hizo gran número de películas mudas, muchas de ellas de baja calidad, que no han llegado a nuestros

John Ford (director de cine) días. En 1924, hace su primera gran película, además de su primer éxito importante: El caballo de hierro. Pero fue con el sonoro cuando John Ford se destapó por completo. Ya en 1935 ganó su primer premio Óscar con El Delator. En toda su carrera obtuvo otros tres más: en 1940, por The Grapes of Wrath (Las viñas de la ira, Viñas de ira o Las uvas de la ira); 1941, por Qué verde era mi valle (arrebatándoselo a Orson Welles y su Ciudadano Kane); y en 1952, por El hombre tranquilo. En 1939, explotó de verdad su talento. Dirigió La diligencia, con la que el western adquirió la categoría de género mayor. A partir de ahí, las películas que hizo le convirtieron en una leyenda. Además, fue su primera colaboración importante con John Wayne, su actor fetiche que le acompañaría durante toda su carrera. Muchas veces se ha dicho que el personaje de Wayne era el álter ego de Ford: mejor sería decir que era el prototipo de vaquero que el director irlandés se imaginaba. Otros actores con los que trabajó fueron: Maureen O'Hara, mujer de gran belleza con carácter fuerte para oponerse a los hombres; James Stewart, Victor McLaglen; Ward Bond, su actor de reparto por excelencia, o Henry Fonda. Se supo rodear de un equipo de grandes especialistas. Entre los guionistas cabe citar a Dudley Nichols (La Diligencia) o Frank S. Nugent (The quiet man, The Searchers); en la fotografía trabajó con grandes maestros como: Winton C. Hoch (El hombre tranquilo), Gregg Toland (The Grapes of Wrath (Las viñas de la ira, Viñas de ira o Las uvas de la ira)) o Gabriel Figueroa (El fugitivo). Durante la II Guerra Mundial hizo su servicio en la Marina, rodando varios documentales. Logró el grado de contralmirante. De vuelta, y a partir de 1947, fue productor de la mayoría de sus películas. A John Ford se le ha acusado de republicano recalcitrante y de racista. Nada más lejano a la realidad, él fue uno de los primeros directores en dar dignidad a los indios y en su faceta política, aunque le gustaba demostrar cierta ambivalencia, se declaraba demócrata liberal y, sobre todo, soy un rebelde. John Ford es, después de D. W. Griffith, la imagen del cine americano. Cuando se atrevía a demostrar sus sentimientos, sus películas derrochan una lírica insuperable. Películas de tono épico, sabía conjugar perfectamente el drama con cinceladas de verdadera hilaridad. Fue un maestro del tiempo, un gran director de actores a los que sacaba, a veces cruelmente, sus mejores interpretaciones. Es uno de los directores más reconocidos, como ejemplos decir que el Ford de Francis Ford Coppola es en su honor y que Orson Welles cuando le preguntaron por sus tres directores favoritos respondió: John Ford, John Ford y John Ford. Ha dirigido más de 60 películas y es de destacar el magnífico tándem que formaba con el actor John Wayne, al que dirigió en 20 largometrajes. Murió el 31 de agosto de 1973 en Palm Desert a la edad de 79 años. Se dice, según testigos, que sus últimas palabras fueron: "¿Alguien tiene un cigarro?".

Renombre y fama John Ford está considerado uno de los realizadores más importantes del periodo clásico de Hollywood (entre finales de los años 20 y 60 del siglo XX). De todos los grandes cineastas americanos ha sido uno de los que más influencia ha tenido en el cine posterior. Poco tiempo después de llegar a Hollywood logró el aplauso y admiración de los productores. Fue uno de los miembros más activos del Sindicato de Cineastas Americanos. Aunque es popular sobre todo por sus western en su filmografía se encuentran todo tipo de personajes: gente normal, granjeros, emigrantes, obreros, militares oscuros, indios... esta cantidad de personajes pintorescos permiten a Ford hablar con realismo y humor de la gran diversidad del género humano. En todos ellos se muestra (de manera más o menos clara) el carácter católico y patriota del director. De la misma manera está considerado un cineasta de grandes escenarios y paisajes grandiosos.

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John Ford (director de cine)

Entre Portland e Irlanda John Martin Feeney nació en una familia de inmigrantes irlandeses. Su padre era original de Spiddal en el condado de Galway y su madre, de las Islas de Aran. John es el más joven de una familia de 11 niños (de los que tres nacieron muertos y otros dos murieron muy niños). Tiempo más tarde su padre inmigró a Estados Unidos, en 1872, y en 1878 ó 1880 se nacionalizó americano instalándose en Portland. Allí abrió en 1897 un speakeasy donde se reunía la comunidad irlandesa de la villa. Por diversos problemas, hasta la edad de 12 años, John Ford tuvo la vida partida entre Portland e Irlanda. En 1909 su hermano Frank T. Feeney viaja a California con Gastón Méliès. Él se convertirá en Francis Ford: actor y realizador de seriales para los estudios Universal Pictures. John, durante sus años de estudiante se mostró un apasionado de la historia además de ser un excelente jugador de fútbol. Ganó algo de dinero trabajando como portero del Teatro Jeffersons (en Portland) y así pudo ver a los grandes actores del momento como Ethel Barrymore o los espectáculos del salvaje oeste.

Sus comienzos en Universal Pictures En 1914 John Martin llegó a la universidad y brilló por su absentismo escolar. Cuando ese mismo año su hermano Francis regresó a casa y habló de Hollywood, John decidió ir con él. Allí descubrió los entresijos del cine gracias a las películas que su hermano protagonizaba y realizaba para los estudios Universal. Él adoptó la misma posición y adoptó el nombre de Jack Ford. En 1915 interpretó dos pequeños papeles en las películas que su hermano hizo como asistente-realizador. Interpretó más tarde a uno de los fundadores del Ku Klux Klan en El nacimiento de una nación de D. W. Griffith. A partir de 1916 estuvo contratado por los estudios Universal como asistente-realizador. Él ayudó a otros directores contratado por Allan Dawn y empezó a dirigir escenas de figurantes. La primera película que dirigió íntegramente es El tornado que se estrenó el 3 de marzo de 1917. Esto significó su primer contrato con Universal por 125 dólares a la semana. Así realizó otros dos western protagonizados por Harry Carey. Ellos trabajaron juntos en 25 películas tras conocerse en 1919. En esta fecha él ganaba ya 300 dólares a la semana, y había alcanzado la fama de un gran director de Hollywood. John conoció a Mary McBryde Smith en 1920. La muchacha de origen irlandes, descendiente de Thomas More sería su esposa poco tiempo más tarde. Ella estaba divorciada por lo que no pudieron casarse por la iglesia. Tuvieron dos hijos: Patrick Michael (1921) y Barbara (1922). Ambos se dedicaron al mundo del cine cuando fueron mayores: Patrick como productor-realizador de películas de Série Z y Barbara como montadora. La mayor parte de las películas realizadas por Universal hoy están desaparecidas. Solo quedan tres El rancho diablo de 1917, su primer largometraje; Bucking Broadway del mismo año y recientemente recuperada; y Hell Bent de 1919. Tdas ellas están protagonizadas por Harry Carey que recogen la esencia de las películas del oeste de Ford: sus grandes escenarios y los complejos personajes femeninos iguales a los de los hombres.

En la Fox Las películas realizadas por Ford desde su inicio hasta 1920 están producidas por Universal. Es en este año cuando estrena su primera película para la Fox. Cameo Kirby, de 1923, es la primera película en cuyos créditos aparece el nombre de John Ford (decidió sustituir su primer nombre artístico, Jack Ford, por el de John). En 1921 emprende un largo viaje a Europa. Regresa a Irlanda, donde uno de sus sobrinos forma parte del IRA. Así es como es presentado al independentista irlandés Michael Collins. Comienza a ganar 600 dólares a la semana y en 1924 la Fox le confía la realización de una película faraónica titulada Caballo de hierro. En 1927 se traslada a Alemania para el rodaje de Four sons, donde descubre el cine expresionista. Es la película más taquillera del director. En 1927 es elegido director de la Motion Pictures Directors Association.

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Su debut en cine sonoro La primera película hablada de Ford es Napoleon's barber (hoy desaparecida). Ford demuestra su valía entonces en las escenas de acción dado que para las escenas dialogadas se empleó a actores de teatro que no terminaban de dar el aire que se pretendía a la película. En 1928 firma un contrato con la Fox de dos años con un sueldo increíble: ganaría 2500 dólares a la semana durante el primer año y 2750 e el segundo. Tragedia Submarina (Men without Women) de 1930 es la primera colaboración de Ford con el guionista Dudley Nichols. Ford diría de su compañero en Présence du cinema, marzo de 1965: >. En 1931 la Fox, tras haber perdido a William Fox pone fin a su contrato, pero puede seguir trabajando con otras compañías. Sufre su primera desintoxicación alcohólica en un viaje a Honolulu. En ese mismo año dirige Arrowsmith con el productor Samuel Goldwyn lo que le reporta una primera nominación a los premios Óscar, a pesar de que le costó adaptarse a las nuevas condiciones de trabajo de su nuevo productor. Su película siguiente Air mail de 1932, es producida por Universal. Además rueda su primera película para la Metro-Goldwyn-Mayer: el melodrama Flesh. Recobra a Dudley Nichols para La patrulla perdida que mete en escena en 1934 la RKO con Victor McLaglen, a quien ofrecería un nuevo gran papel en Hangman's house. Ford detestará siempre su siguiente película El mundo en marcha ambientada en los finales del siglo XIX y principios del XX a pesar de que tiene varias escenas de guerra muy realistas. Más éxito tuvo Judge Priest con Dudley Nichols en el guion y el actor Will Rogers que había dirigido el año antes en Doctor Bull y que nuevamente dirigiría en 1935 en la película Steamboat round the bend, justo antes de que éste muriera en un trágico accidente de avión. Esta película es una de las preferidas del director. Se hizo un remake en 1952 titulado El Sol brilla para todo el Mundo. En 1934, Ford empieza a participar económicamente en sus películas. Se compró un yate al que bautizó como "L'Araner" en homenaje a Irlanda que tendría hasta 1970. Rodaría dos películas más y empezaría a tener problemas por la presión de Hollywood. Continuó su amistad con John Wayne, que trabajó con él como figurante en sus primeras películas, en El delator. En 1935 funda con King Vidor, Lewis Milestone, William A. Wellman, Frank Borzage y Gregory La Cava la Asociación de Directores, reemplazando así la Asociación de Directores de Películas. El delator, realizada muy rápido para la RKO le permitió abordar el tema de la Irlanda británica. No son un misterio su simpatía hacia el IRA. En esta película se descubre al Ford de los decorados interiores, está lejos de sus grandes producciones y decorados clásicos del oeste. Con este trabajo, inspirado en el cine expresionista recibe su primer Óscar al mejor director que iría a parar a la Asociación de directores fundada anteriormente. 20th Century Pictures en 1935 absorbe a la Fox, y pasa a denominarse desde entonces 20th Century Fox, de Darryl F. Zanuck. Realiza junto a su nuevo productor, un gran admirador de Abraham Lincoln, Prisionero del odio. Los problemas entre Ford y Zanuck comienzan por el enfrentamiento a causa del acento sureño de Warner Baxter. Ford está a punto de dejar la 20th Century Fox pero finalmente accede a los deseos de Zanuck. Desde entonces mantienen una estrecha amistad y admiración. Dirige a Katharine Hepburn en María Estuardo (Mary of Scotland) para la RKO en 1936. Dirigió también en 1937 Huracán sobre la Isla producida por Samuel Goldwyn. En 1937 se alista en el Comité cinematográfico de Ayuda a la República Española para ayudar a los republicanos combatientes en la Guerra Civil Española (1936-1939). Se encarga personalmente de enviar una ambulancia con las Brigadas Internacionales. Es un luchador muy activo también en la lucha contra el nazismo. En 1938 defiende el bloqueo a la Alemania nazi y es nombrado miembro de la Liga Hollywoodiense Anti-Nazi. La firma del pacto germano-soviético le valió la crítica de los comunistas que le acusaron de "propaganda de guerra".

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El periodo clásico De La diligencia a El fugitivo Con La diligencia, Ford regresa al western. En esta película cuenta con John Wayne que recibe la oportunidad de su vida y se convertirá en una gran estrella. Los exteriores se rodaron en Monument Valley. La película optó a ocho Óscar, de los que consiguió el de actor secundario con Thomas Mitchell y el de banda sonora, y John Ford recibió el Premio de la Crítica Cinematográfica Neoyorquina. La diligencia se considera la mejor película del Oeste de todos los tiempos. Después y junto a Zanuck retomó su pasión por Lincoln y rodaron juntos El joven Lincoln con Henry Fonda, que será el protagonista de sus dos películas siguientes: The Grapes of Wrath (Las viñas de la ira, Viñas de ira o Las uvas de la ira) (colaboración número doce con el guionista Nunnally Johnson) y Corazones indomables. En 1940 gana de nuevo el Óscar al mejor director. Su talento por fin es reconocido por los profesionales y la crítica. Vuelve a trabajar con John Wayne en The Long Voyage Home. La última película de Ford antes de la guerra (Qué verde era mi valle) es todo un éxito de público y crítica. Recibe cinco Óscar, entre ellos el de mejor película y mejor dirección (arrebatándoselo a Citizen Kane de Orson Welles). En 1939 Ford tiene la intuición de que América no tardaría en entrar en la Segunda Guerra Mundial. Se pone a la cabeza de un grupo de cineastas que piden a Franklin Roosevelt el boicot a la Alemania nazi y funda un grupo de gente de Hollywood al servicio de la Armada Americana llamado Naval Field Photographic Unit. Tras el ataque japonés a Pearl Harbor el 7 de diciembre de 1941 se fundan otros dos grupos similares. Durante la guerra Ford y su equipo recorren los teatros informando de operaciones militares. A principios de 1.942 van al frente del Pacífico. Realizan para la Marina los documentales: 7 de diciembre sobre el ataque de Pearl Harbor, y La batalla de Midway; las imágenes del ataque japonés a la isla fueron rodados por Ford. Las dos le reportaron un Óscar al mejor documental. Realizó también una pequeña película para las familias de las víctimas de Midway llamada Escuadrón Torpedo. En 1942 se traslada al norte de África para cubrir el desembarco. Durante 1943 cubre múltiples operaciones exteriores y las victorias de los aliados en Victoria en Burma. Cubre también en 1944 el desembarco de Normandía. Sigue también al ejército durante la preparación del Proceso de Nuremberg. De febrero a junio de 1945 rueda They were expendable para la Metro-Goldwyn-Mayer con John Wayne, Robert Montgomery y Donna Reed. Ésta es curiosamente la única película de Ford sobre la Segunda Guerra Mundial, en la que tan activamente participó. El dinero recaudado por esta película fue destinado para los veteranos de la Field Photo Unit y la Field Photo Farm. Después de la guerra vuelve a Hollywood y vuelve a rodar en Monumental Valley: Pasión de los fuertes. En El fugitivo (1947) trabaja de nuevo con Henry Fonda, a quien permitía interpretar con total libertad.

El hombre tranquilo La dirigió en 1952, de nuevo en compañía de su actor predilecto, John Wayne. La película trata sobre un boxeador norteamericano, Sean Thorton (interpretado por el nombrado Wayne), que regresa a su Irlanda natal para recuperar su granja y escapar de su pasado. Allí se enamora de una alegre chica, aunque para conseguirla deberá luchar contra las costumbres locales, incluidos el pago de una dote y la oposición del temperamental hermano de su prometida. La película obtuvo siete nominaciones a los Óscar, incluyendo mejor película, y fue galardonada por dos. Una de las estatuillas fue dirigida a manos de Ford, y la otra a los directores de fotografía Winton C. Hoch y Archie Stout.

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Filmografía Actor • His Lordship (His Lordship) (1936) • Everybody Does It (Everybody Does It) (1949) Director • • • • • • • • • •

Cheyenne's Pal (El misterio de Martín / El amigo Cayena) (1917) Bajo sentencia de muerte (A Marked Man) (1917) The Scrapper (The Scrapper) (1917) The Secret Man (El reo 1432 Hombre entre hombres) (1917) The Soul Herder (La ley del más fuerte El bravo Cayena) (1917) A prueba de balas (Straight Shooting) (1917) El tornado (The Tornado) (1917) Trail of Hate (Trail of Hate) (1917) Delirium (película) (Delirium) (1918) Hell Bent (El cowboy vengador El barranco del diablo) (1918)

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La gota de sangre (The Scarlet Drop) (1918) Thieves' Gold (La nueva senda) (1918) Three Mounted Men (Los tres cowboys Lealtad) (1918) Wild Women (Las dos mujeres / Wild Women) (1918) A Woman's Fool (Marino de agua dulce La envenenada) (1918) Ace of the Saddle (Un hombre de paz El jinete de hierro) (1919) Bare Fists (El hombre inerme Deuda pagada) (1919) A Fight for Love (Cuando el culpable confesó El contrabandista) (1919) The Fighting Brothers (The Fighting Brothers) (1919) A Gun Fightin' Gentleman (El caballero cowboy / El hombre de las pistolas de oro) (1919) The Gun Packers (The Gun Packers) (1919) The Last Outlaw (The Last Outlaw) (1919) Marked Men (El vagabundo La fuerza de las circunstancias) (1919) The Outcasts of Poker Flat (Los parias de la sierra) (1919) Rider of the Law (El brazo de la ley) (1919) El jinete vengador (Riders of Vengeance) (1919) Esposa por correo Hombres sin armas (Roped) (1919) The Girl in Number 29 (La doncella del 29 La joven del cuarto 29 ) (1920) Hitchin' Posts (El caballero tahur Ligaduras de oro) (1920) Just Pals (Camaradas / Buenos amigos) (1920) The Prince of Avenue A (El Príncipe de la Avenida A) (1920) Acción enérgica (Action) (1921) The Big Punch (Amor filial / Manos de hierro) (1921) Desperate Trains (Huellas imborrables / Caminos de desesperación) (1921) The Freeze-Out (La deuda satisfecha) (1921) Vamos (Yupie Films & El artista) (1921) Jackie (Jacqueline Juanita) (1921) Sure Fire (Fuego Certero) (1921)

• The Wallop (El azote del amor El golpe) (1921) • Little Miss Smiles (La cascabelera La señorita sonrisas) (1922)

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John Ford (director de cine) • • • • • • • • • • • • • • • • •

Silver Wings (El hijo consentido) (1922) El herrero de la aldea (The Village Blacksmith) (1922) Sota, caballo y rey (Cameo Kirby) (1923) The Face on the Bar-Room Floor (El relato del borracho) (1923) La jornada de la muerte (North of Hudson Bay) (1923) Venciendo abismos (Three Jumps Ahead) (1923) Hearts of Oak (Corazones de roble) (1924) Hoodman Blind (El pecador errante) (1924) El caballo de hierro (The Iron Horse) (1924) Corazón intrépido (The Fighting Heart) (1925) Kentucky Pride (Sangre pura de carrera Sangre de pista) (1925) Lightnin' (El remolón Don Pancho) (1925) Con gracia a porfía (Thank You) (1925) El águila azul (The Blue Eagle) (1926) The Shamrock Handicap (Hojas de trébol La hoja de trébol) (1926) Tres hombres malos (Three Bad Men) (1926) Upstream (Contra la corriente Ser o no ser) (1927)

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Cuatro hijos (Four Sons) (1928) La casa del verdugo Legado trágico (Hangman's House) (1928) Mother Machree (El sacrificio de una madre ¡Madre mía!) (1928) El barbero de Napoleón (Napoleon's Barber) (1928) Riley the Cop (El policía sin esposas Policías sin esposas) (1928) Black Watch (Shari, la hechicera oriental Shari, la hechicera) (1929) Salute (La audacia triunfa El triunfo de la audacia) (1929) Strong Boy (¡Viva la ambición! Viva la ambición ) (1929) El intrépido (Born Reckless) (1930) Tragedia submarina (Men Without Women) (1930) Río arriba (Up the River) (1930) Arrowsmith (Médico y amante El doctor Arrowsmith) (1931) Mar de fondo (The Seas Beneath) (1931) La huerfanita (The Brat) (1931) Hombres sin miedo (Air Mail) (1932) Carne (Flesh) (1932) Doctor Bull (El doctor Bull) (1933) Pilgrimage (Peregrinación Peregrinos) (1933) Judge Priest (Judge Priest) (1934) La patrulla perdida (The Lost Patrol) (1934) Paz en la tierra (The World Moves On) (1934) El delator (The Informer) (1935) Steamboat Round the Bend (Steamboat Round the Bend) (1935) El enemigo público N° 1 Pasaporte a la fama (The Whole Town's Talking) (1935) María Estuardo (Mary of Scotland) (1936) Prisionero del odio (The prisoner of Shark Island) (1936) El arado y las estrellas La Osa Mayor y las estrellas (The Plough and the Stars) (1936) El huracán Huracán sobre la isla (The hurricane) (1937)

• El ídolo del regimiento La mascota del regimiento (Wee Willie Winkie) (1937) • Four Men and a Prayer (Cuatro hombres y una plegaria) (1938)

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John Ford (director de cine) • • • • • • • • • • • • • • • • •

Submarine Patrol (Patrulla Submarina) (1938) The Adventures of Marco Polo (Las aventuras de Marco Polo (Película de 1938) (1938) Al redoblar de tambores Corazones indomables (Drums Along the Mohawk) (1939) La diligencia (Stagecoach) (1939) El joven Lincoln (Young Mr. Lincoln) (1939) The Grapes of Wrath (Las viñas de la ira, Viñas de ira o Las uvas de la ira) (1940) The Long Voyage Home (Hombres del mar / Hombres intrépidos) (1940) How Green Was My Valley (Qué verde era mi valle) (1941) Sex Hygiene (Sex Hygiene) (1941) El camino del tabaco La ruta del tabaco (Tobacco road) (1941) The Battle of Midway (The Battle of Midway) (1942) We Sail at Midnight (1943) El siete de diciembre (December 7th) (1943) My darling Clementine (La pasión de los fuertes / Pasión de los fuertes) (1945) They Were Expendable (Fuimos los sacrificados / No eran imprescindibles) (1945) El fugitivo (The Fugitive) (1947) 3 Godfathers (Tres hijos del Diablo / Tres padrinos) (1948)

• • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Pinky (Lo que la carne hereda) (1949) - (Sólo una escena) Fort Apache (Sangre de héroes / Fuerte Apache) (1948) She Wore a Yellow Ribbon (La legión invencible) (1949) Río Grande (Río Grande) (1950) Caravana de valientes Caravana de paz (Wagon Master) (1950) El imposible superhéroe Bill, qué grande eres (When Willie Comes Marching Home) (1950) This Is Korea (This Is Korea) (1951) The Quiet Man (El hombre quieto / Un hombre quieto / El hombre tranquilo) (1952) The Raiders (The Raiders) (1952) El precio de la gloria (What Price Glory?) (1952) Mogambo (1953) Resplandece el sol El Sol Siempre Brilla en Kentucky (The Sun shines bright) (1953) The long gray line (Cuna de Héroes) (1955) Mister Roberts (Escala en Hawái) (1955) Rookie of the Year (Rookie of the Year) (1955) The Searchers (Centauros del desierto/ Más corazón que odio) (1956) La salida de la Luna (The Rising of the Moon) (1957) The Wings of Eagles (Bajo el sol / Escrito bajo el sol o Alas de águila) (1957) Gideon's Day/Gideon of Scotland Yard (Un crimen por hora) (1958) The Last Hurrah (El último hurra / El último viva) (1958) The horse soldiers (Misión de audaces/ Marcha de Valientes) (1959) Korea (Korea) (1959) Sergeant Rutledge (El Capitán Búfalo / El sargento negro /Sargento Rutledge) (1960) Two Rode Together (Dos cabalgan juntos/Misión de dos valientes) (1961) How the west was won (La conquista del Oeste) (1962) The Man Who Shot Liberty Valance (El hombre que mató a Liberty Valance / Un tiro en la noche) (1962) Donovan's Reef (Aventurero del Pacífico / La taberna del irlandés) (1963)

• Cheyenne Autumn (El ocaso de los Cheyennes / El gran combate / El otoño de los Cheyennes / Último combate) (1964) • Young Cassidy (El soñador rebelde / Soñador rebelde) (1965)

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John Ford (director de cine)

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• 7 women (Siete mujeres) (1966) • Chesty: A Tribute to a Legend (Chesty: A Tribute to a Legend) (1970) Guionista • Tres hombres malos (Three Bad Men) (1926) • Tragedia submarina (Men Without Women) (1930) • Caravana de paz (Wagon Master) (1950)

Premios Óscar Año

Categoría

Persona

Resultado

1935 Óscar a la mejor dirección El delator

Ganador

1939 Óscar a la mejor dirección

Nominado

La diligencia

1940 Óscar a la mejor dirección The Grapes of Wrath (Las viñas de la ira, Viñas de ira o Las uvas de la ira) Ganador 1941 Óscar a la mejor dirección Qué verde era mi valle

Ganador

1952 Óscar a la mejor dirección El hombre tranquilo

Ganador

Enlaces externos • Wikiquote alberga frases célebres de o sobre John Ford (director de cine). Wikiquote • Ficha de John Ford en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database. • Filmografía completa con títulos traducidos en la Argentina [3]

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000406 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000406 [3] http:/ / www. hollywoodclasico. com/ index. php?id=16& pag=2

John Huston

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John Huston John Huston Nacimiento

Nevada, Missouri, EE.UU. 5 de agosto de 1906

Fallecimiento

Middletown, Rhode Island, EE.UU. 28 de agosto de 1987 (81 años)

Ocupación

Actor, guionista y director de cine. Familia

Hijo/s

Anjelica Premios

Premios Óscar

Mejor director 1948 El tesoro de Sierra Madre Mejor guion adaptado 1948 El tesoro de Sierra Madre

Globos de Oro

Mejor director 1949 El tesoro de Sierra Madre 1986 Prizzi's Honor Mejor actor de reparto 1964 The Cardinal

Premios BAFTA BAFTA Honorífico 1980 Premio a la Trayectoria Profesional

John Huston (5 de agosto de 1906, Nevada, Misuri - 28 de agosto de 1987, Middletown, Rhode Island) fue un director, guionista y actor de cine estadounidense naturalizado irlandés que realizó numerosos clásicos del cine de Estados Unidos.

John Huston

87

Biografía Fue un personaje inquieto, ya que también fue boxeador, periodista, novelista, militar, criador de caballos, cazador, coleccionista de arte... De hecho, en su adolescencia llegó a ser un campeón de boxeo y ejerció como agregado militar estadounidense en el ejército mexicano. Contrajo su primer matrimonio a la temprana edad de 20 años. Vivió como pintor callejero en París durante una temporada, trabajó como actor y fue redactor en una revista neoyorquina. Comenzó en el cine como extra en alguna película, como El testaferro, Santos del infierno o The Storm. Gracias a su padre, que era actor, fue guionista de varias películas de William Wyler (La casa de la discordia o Jezabel) y trabajó en una cantidad impresionante de guiones durante los años 1930 y principios de los años 1940 (El sargento York, El doble crimen de la calle Morgue, El último refugio, entre otras). Su primera película como director, de la que también fue guionista, El halcón maltés, sigue siendo considerada una obra maestra de la historia del cine, con Humphrey Bogart en el papel protagonista. Sus siguientes películas importantes también estuvieron protagonizadas por Bogart: El tesoro de Sierra Madre y Cayo Largo.

Estatua de John Huston, Puerto Vallarta, México.

La reina de África, otra de sus obras maestras, rodada en 1951, demostró a su equipo hasta dónde estaba dispuesto a llegar para rodar una película, rodando en el Congo, con mosquitos, calor y todo tipo de enfermedades. Errol Flynn y Trevor Howard también sufrieron grandes penalidades durante el rodaje de Las raíces del cielo en el Chad. Sin embargo, su carrera tuvo cierta irregularidad, al aceptar dirigir películas como La Biblia, producida por Dino de Laurentiis; Annie; Evasión o victoria, o Casino Royale, película de James Bond que contó con cinco directores distintos. A pesar de eso, siguió haciendo grandes películas posteriormente, como Reflejos en un ojo dorado o Bajo el volcán. Tuvo ocasión de dirigir a su propio padre, el oscarizado actor Walter Huston, en al menos cinco largometrajes, y también dirigió a su hija, Anjelica Huston, en El honor de los Prizzi y en Dublineses, entre otras. Falleció en Middletown (Rhode Island) de un enfisema. Se puede afirmar que Huston es uno de los grandes directores de la historia reciente del cine. John Huston tiene su estrella en Paseo de la Fama de Hollywood, en el 1765 de Hollywood Boulevard.

Filmografía como director • • • • • • •

El halcón maltés (The Maltese Falcon, 1941). A través del Pacífico (Across the Pacific, 1942). Como ella sola (In This Our Life, 1942). Report from the Aleutians (1943) The Battle of San Pietro (1944). Let there be light (1946). Cayo Largo (Key Largo) (1948).

• El tesoro de Sierra Madre (The Treasure of the Sierra Madre, 1948). • Éramos desconocidos (We Were Strangers, 1949).

John Huston • • • • • • • • • • • • • • • • •

La jungla de asfalto (The Asphalt Jungle, 1950). La reina africana / La reina de África (The African Queen, 1951). Medalla roja al valor (The Red Badge of Courage, 1951). Moulin Rouge (1952). La burla del diablo (Beat the Devil, 1954). Moby Dick (1956). Sólo Dios lo sabe (Heaven Knows, Mr. Allison, 1957). El bárbaro y la geisha (The Barbarian and the Geisha, 1958). Las raíces del cielo (The Roots of Heaven, 1958). Los que no perdonan (The Unforgiven, 1960). Vidas rebeldes (The Misfits, 1961). Freud, pasión secreta (Freud, 1962). El último de la lista (The List of Adrian Messenger, 1963). La noche de la iguana (The Night of the Iguana, 1964). La Biblia (The Bible: In the Beginning, 1966). Casino Royale (1967). Reflejos de un ojo dorado (Reflections in a Golden Eye, 1967).

• • • • • • • • • • • • • • •

La horca puede esperar (Sinful Davey, 1968). Paseo por el amor y la muerte (A Walk with Love and Death, 1969). La carta del Kremlin (The Kremlin Letter, 1970). El juez de la horca (The Life and Times of Judge Roy Bean, 1972). Fat City, ciudad dorada (Fat City, 1972). El hombre de Mackintosh (The Mackintosh Man, 1973). El hombre que sería rey / El hombre que pudo reinar (The Man Who Would Be King, 1975). Sangre sabia (Wise Blood, 1979). Phobia (1980). Let There Be Light (1981). Escape a la victoria / Evasión o victoria (Escape to Victory) (1981). Annie (1982). Bajo el volcán (Under the Volcano) (1984). El honor de los Prizzi (Prizzi's Honor) (1985). Los Muertos / Dublineses (The Dead) (1987).

Bibliografía • Huston, John: An Open Book. The Autobiography, Da Capo Press, 1980. ISBN 0-306-80573-1. Traducción: Memorias, Espasa, 1998. • Gabriel Insausti (2005). Tras las huellas de Huston: la jungla del asfalto. EIUNSA. ISBN 9788484691273.

Premios Óscar

88

John Huston

89

Año

Categoría

Película

Resultado

1985 Mejor director

El honor de los Prizzi

Nominado

1975 Mejor guion adaptado

El hombre que pudo reinar Nominado

1963 Mejor actor de reparto

El cardenal

Nominado

1957 Mejor guion adaptado

Sólo Dios lo sabe

Nominado

1952 Mejor película

Moulin Rouge

Nominado

1952 Mejor director

Moulin Rouge

Nominado

1951 Mejor director

La reina de África

Nominado

1951 Mejor guion adaptado

La reina de África

Nominado

1950 Mejor director

La jungla de asfalto

Nominado

1950 Mejor guion adaptado

La jungla de asfalto

Nominado

1948 Mejor director

El tesoro de Sierra Madre Ganador

1948 Mejor guion adaptado El tesoro de Sierra Madre Ganador 1941 Mejor película

El halcón maltés

Nominado

1940 Mejor guion original

Dr. Ehrlich's Magic Bullet Nominado

Globo de Oro Año

Categoría

Película

Resultado

1985 Mejor director

El honor de los Prizzi

Ganador

1974 Mejor actor de reparto

Chinatown

Nominado

1963 Mejor actor de reparto El cardenal 1948 Mejor director

Ganador

El tesoro de Sierra Madre Ganador

Premios BAFTA Año

Categoría

1980 BAFTA Honorífico

Película

Resultado Ganador

1974 Mejor actor de reparto Chinatown Nominado

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre John Huston. Commons

• Ficha de John Huston en inglés [1] y en español [2] en Internet Movie Database.

John Huston

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Referencias [1] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001379 [2] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001379

John Woo John Woo

John Woo en el Festival de Cine de Cannes de 2005 Nombre real

吳 宇 森 (John Woo)

Nacimiento

Cantón, China 1 de mayo de 1946 (65 años) Familia

Cónyuge

Annie Woo Ngau Chun-lung Ficha

[1]

en IMDb

John Woo Yu-Sen (en chino: Wú Yǔsēn), director de cine chino-estadounidense.

Biografía John Woo nació el 1 de mayo de 1946 en Cantón, China. A la edad de 5 años su familia tuvo que huir a Hong Kong debido a la persecución religiosa que se produjo en China en aquellos años. Allí su vida sería difícil, teniendo que vivir en los suburbios debido a que su padre no podía trabajar por una enfermedad. En 1953 incluso perdieron su casa en un incendio, y solo gracias a la caridad pudieron subsistir. Además durante esa época la violencia y el crimen despuntaban en los barrios bajos, y todo eso marcó su infancia de una manera determinante. Para huir de su triste vida Woo se refugiaba en el cine local. Viendo musicales como “El Mago de Oz” -que aun es de sus favoritos- el joven descubrió que la vida no solo eran dificultades y violencia, sino que también podía ser hermosa y especial. En 1969, a la edad de 23 años, consiguió un trabajo como supervisor de guiones en los estudios Cathay. Dos años más tarde empezó a trabajar como asistente de director para los Saw Brothers, donde el famoso Chang Cheh lo tomó como su protegido. En 1974 dirigió su primera cinta destacable, “The Young Dragons”, una película de kung fu, coreografiada por Jackie Chan, con trepidantes escenas de acción y juegos de cámaras. Algunos años más tarde encontraría el éxito con la comedia “Money Crazy” (1977), junto al cómico Ricky Hui. Durante la primera mitad de los 80 John Woo sufrió varios fracasos en taquilla y se autoexilió a Taiwán, parecía el fin de su carrera, pero un buen día el director/productor Tsui Hark le proporcionaría los medios para realizar un esperado proyecto llamado “A Better Tomorrow” (1986), que contaría la historia de 2 hermanos, uno policía y otro criminal, en un ambiente de thriller violento. Esta cinta revolucionaria el concepto de acción que hasta ese momento se tenía en Hong Kong, dándole una gran carga dramática, tremendas batallas a cámara lenta y un estilo especial. Las gafas de sol, la forma

John Woo de rodar los tiroteos… todo esto sería inspiración para cineastas de acción de todo el mundo. Había nacido el estilo denominado Heroic Bloodshed, violentos thrillers de policías y gansters, llenos por otra parte de honor y amistad, con situaciones dramáticas que pondrán a prueba a los protagonistas. También otro nombre despunto en estas cintas y ese no era otro que Chow Yun Fat, actor “fetiche” de John Woo. La que quizás sea la cinta más famosa del género es “The Killer” (1989), sin olvidar otras producciones como “Bullet in the Head” (1990) o “Once a Thief” (1991). John Woo terminaría un ciclo en su carrera al mudarse a Estados Unidos en 1993, pero la “despedida” de Hong Kong la hizo a lo grande con la tremenda “Hard Boiled” (1992), cuya escena final de tiroteos en un hospital dura más de 30 minutos ininterrumpidos. En 1993 Woo aterriza en EE.UU., una nueva tierra y una nueva cultura. Su primer trabajo, y su primera decepción, fue “Hard Target”, junto a Jean Claude Van Damme. Si en Hong Kong había tenido libertad artística y creativa, en EE.UU. se le obligaba a cumplir un estricto plan de rodaje, teniéndose que preocupar por ínfimos detalles que hasta ese momento no había dado importancia. Además la película fue tremendamente mutilada por parte del estudio en el montaje para “adecuarla al gusto americano”. Pasarían 3 años antes de la segunda tentativa de Woo. Esta se produjo junto a John Travolta y Christian Slater en la cinta “Broken Arrow” (1996), una película con un buen presupuesto. Woo volvió a encontrar dificultades debido a la diferencias de estilo entre él y la productora, cosa que privó al film del “estilo Woo” que hubiera sido deseable. Después de sus amargas experiencias rechazó el guion de “Face off” varias veces hasta que se reescribiera a su gusto. Con la Paramount ofreciéndole más libertad este aceptó y Woo desarrolló la historia a su manera y produjo un film, estrenado en 1997, que gustó a crítica y público y fue un éxito en taquilla, para muchos su mejor cinta americana, y que abrió el camino a otros directores asiáticos en Hollywood. En estos años John Woo nos ha dejado películas como “Mission: Impossible II” (2000), “Windtalkers” (2002) o “Paycheck” (2003). Mientras que MI:II fue todo un éxito, sus otras películas han sido pobres en taquilla y no muy bien recibidas por la crítica. Entre sus últimos proyectos se encuentran el videojuego “Stranglehold” en el que el realizó el guion y la historia, y la posible adaptación de varias novelas de suspense francesas junto a Alain Dellon. Además John Woo volverá a Hong Kong, junto a Chow Yun Fat, para grabar su proyecto más esperado, “The Battle of Red Cliff”, basada en un épico relato procedente de “Romance of the Three Kingdoms” de Luó Guànzhōng.

Filmografía destacada • • • • • • • • • • • • • •

Fist to Fist (1973) A better tomorrow (Un Mañana Mejor) (1986) Honor, plomo y sangre (1987) The killer (El Asesino) (1989) Bullet in the head (Una Bala en la Cabeza) (1990) Hard Boiled (película) (1992) Hard Target (Blanco Humano) (1993) Código Flecha Rota (Broken Arrow) (1996) Cara a cara (Face off) (1997) Misión Imposible II (2000) Windtalkers (2002) Paycheck (2003) El acantilado rojo (Chi bi - Red Cliff) (2008)[2] Tres Reinos (2008)

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John Woo

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Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000247 [2] Chi bi en IMDb (http:/ / www. imdb. com/ title/ tt0425637/ )

Enlaces externos •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre John Woo. Commons

• Ficha de John Woo en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000247) y en español (http://www.imdb.es/ name/nm0000247) en Internet Movie Database.

Jon Favreau (director) Jon Favreau

Jon Favreau Nombre real Jonathan Kolia Favreau Nacimiento

Queens, Nueva York, EE. UU. 19 de octubre de 1966 (45 años) Ficha

[1]

en IMDb

Jon Favreau (19 de octubre de 1966) es un director, actor, escritor y productor de cine estadounidense. Nació en Queens, Nueva York Después de establecerse como un actor y escritor de considerable renombre. Favreau debutó como director de cine con la película "Made", cuyo guion escribió y además coprotagonizó junto con Vince Vaughn, "Puffy" para Artisan Entertainment. Su éxito más reciente lo obtuvo como director y productor ejecutivo de la taquillera "Iron Man", que recaudó más de 570 millones de dólares en todo el mundo, ha continuado retándose a si mismo con varios eclécticos proyectos. La película más reciente de Favreau, Iron Man 2 (2010) de Paramount Pictures, una aventura de ciencia ficción protagonizada por Robert Downey Jr, Don Cheadle, Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Mickey Rourke y Samuel L. Jackson. Vanity Fair publicó la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingresos a lo largo de 2010. Favreau fue clasificado nº 19 en la lista, estimando que ganó $24 millones por sus películas.[2] Niños con su esposa Joya: • Max Favreau (n. 25 de julio de 2001) • Madeleine Favreau (n. de abril de 2003) • Brighton Rosa Favreau (n. 30 de agosto de 2006)

Jon Favreau (director)

Filmografía • Cowboys & Aliens (2011), Director • Iron Man 2 (2010), Director, productor, actor. • Todo incluido (2010), actor, guionista. • G-Force (película), Licencia para espiar (2009), voz. • Como en casa en ningún sitio (2008), actor. • Iron Man (2008), director. • Colegas en el bosque (2006), voz. • Separados (2006), actor. • Zathura, una Aventura Espacial (2006), director. • Wimbledon-El amor está en juego (2005), actor. • Deep Impact - actor. • Daredevil (2003), actor. • Equipo a la fuerza (2000), actor. • Rocky Marciano (1999), actor. • Very bad things (1998), actor. • Swingers (1996), actor . • The Reemplacements También aparece en la famosa serie de televisión de los 90, Friends, en la tercera temporada (1996-1997) como Pete Becker, un hombre rico gracias a la creación de un programa de ordenador y novio de Monica Geller (Courteney Cox) Participo durante varios capítulos, aproximadamente 9 . Otro cameo que realiza Favreau en televisión es en la serie Los Soprano, en el que se interpreta a si mismo.

Enlaces externos • Ficha de Jon Favreau en inglés [3] y en español [1] en Internet Movie Database. • Jon Favreau fansite [4] •

Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Jon Favreau. Commons

Notas y referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0269463 [2] Newcomb, Peter. « Hollywood’s Top 40 (http:/ / www. vanityfair. com/ hollywood/ features/ 2011/ 03/ hollywood-top-earners-201103?currentPage=2)», Vanity Fair, marzo de 2011. Consultado el 3/3/12. [3] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0269463 [4] http:/ / www. jon-favreau. net

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Kathryn Bigelow

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Kathryn Bigelow Kathryn Bigelow

Kathryn Bigelow en el Festival internacional de cine de Seattle, en 2009. Nombre real

Kathryn Ann Bigelow

Nacimiento

San Carlos, California 27 de noviembre de 1951 (60 años)

Ocupación

directora de cine Familia

Pareja

James Cameron (1989-1991) Premios

Premios Óscar

Mejor director 2009 The Hurt Locker Mejor película 2009 The Hurt Locker

Premios BAFTA

Mejor director 2009 The Hurt Locker Mejor película 2009 The Hurt Locker Ficha

[1]

en IMDb

Kathryn Bigelow (San Carlos, California, 27 de noviembre de 1951) es una directora de cine, guionista y productora estadounidense. Especialmente conocida por películas como Near Dark, Point Break y, la ganadora de seis Oscar, The Hurt Locker. Es la primera mujer en la historia que ha ganado el Óscar al mejor director y el premio al mejor director ("Directors Guild of America Award for Outstanding Directing–Feature Film") del Sindicato de directores de Estados Unidos; ambos por The Hurt Locker.

Obra como cineasta Nace en San Carlos, California, hija de un directivo de una empresa de pinturas y una bibliotecaria. Estudia en la Universidad de Columbia, comienza su carrera artística como pintora y algunas de sus obras se exponen en el Whitney Museum de Nueva York. Es miembro del grupo radical Art and Language y edita la revista teórica Semiotext. Es asimismo oficial de policía antes de dedicarse al cine. Kathryn Bigelow está considerada como una directora atípica, pues sus temas de interés pertenecen al cine de acción, bien sea bélico, futurista, thriller e, incluso, de terror. Sus películas no siempre han tenido el beneplácito de la crítica. Bigelow obtuvo reconocimiento en 1987 con el filme de terror Near Dark (Los Viajeros de la Noche). Después, en 1991 dirige Point Break (Le llaman Bodhi) protagonizada por Keanu Reeves y Patrick Swayze, con la que tiene éxito tanto de crítica como de público.

Kathryn Bigelow

95

Entre 1995 y 2002, Kathryn Bigelow realiza tres películas: Días extraños, El peso del agua y K-19 , en donde dirige a algunas de los actores más importantes de Hollywood, como Harrison Ford, Sean Penn, Juliette Lewis, Liam Neeson y Ralph Fiennes. Estuvo casada con James Cameron desde 1989 hasta 1991, y con él formó pareja artística en varias películas. Ganó el premio Óscar a la mejor directora en 2010 por The Hurt Locker, siendo la primera mujer que gana en este género. La película también se llevó el Óscar como mejor película.

Filmografía • • • • • • • •

1983 The Loveless, con Willem Dafoe 1987 Near dark (Los Viajeros de la Noche) 1990 Acero azul, con Jamie Lee Curtis 1991 Point Break (Le llaman Bodhi), con Keanu Reeves y Patrick Swayze 1995 Días extraños, con Ralph Fiennes, Angela Bassett y Juliette Lewis 2000 El peso del agua, con Sean Penn, Elizabeth Hurley y Sarah Polley 2002 K-19, con Harrison Ford y Liam Neeson 2009 The Hurt Locker

Escribió los guiones de The Loveless, Near dark y Acero Azul. Además, ha producido sus dos últimas películas K-19 y The Hurt Locker.

Premios Premios Óscar: Año

Categoría

Película

Resultado

2009 Mejor película The Hurt Locker Ganadora 2009 Mejor director The Hurt Locker Ganadora

Premios BAFTA: Año

Categoría

Película

Resultado

2009 Mejor película The Hurt Locker Ganadora 2009 Mejor director The Hurt Locker Ganadora

Premios Globo de Oro: Año

Categoría

Película

Resultado

2009 Mejor película dramática The Hurt Locker Nominada 2009 Mejor director

The Hurt Locker Nominada

Gremio de directores de América: Año

Categoría

Película

Resultado

2009 Mejor director The Hurt Locker Ganadora

Kathryn Bigelow

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Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Kathryn BigelowCommons. • Ficha de Kathryn Bigelow en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database.

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000941 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000941

Luis Buñuel Luis Buñuel

Luis Buñuel Nombre real

Luis Buñuel Portolés

Nacimiento

Calanda, Teruel, Aragón, 22 de febrero de 1900

Fallecimiento

Ciudad de México, 29 de julio de 1983

 España

 México

Familia Cónyuge

Jeanne Rucar

Hijo/s

Juan Luis Buñuel, Rafael Buñuel Premios

Premios Óscar

Óscar a la mejor película de habla no inglesa Ganador: 1973 Le charme discret de la bourgeoisie Nominado: 1971 Tristana Mejor guion original Nominado: 1973 Le charme discret de la bourgeoisie Mejor guion adaptado Nominado: 1978 Ese oscuro objeto del deseo

Luis Buñuel

97 Premios BAFTA

Mejor guion original 1974 Le charme discret de la bourgeoisie Mejor director Nominado: 1974 Le charme discret de la bourgeoisie Mejor música Nominado: 1974 Le charme discret de la bourgeoisie

Festival de Cannes Mejor director 1951 Los olvidados Palma de Oro 1961 Viridiana Nominado: 1962 El ángel exterminador 1960 La joven Premios César

Mejor director Nominado: 1977 Ese oscuro objeto del deseo Mejor guion o adaptación Nominado: 1977 Ese oscuro objeto del deseo

Premios Ariel

Ariel de Oro 1978 - Por trayectoria Mejor película 1956 Robinson Crusoe 1951 Los olvidados Nominado: 1956 Ensayo de un crimen 1953 Subida al cielo Mejor dirección 1956 Robinson Crusoe 1951 Los olvidados Nominado: 1956 Ensayo de un crimen 1953 Subida al cielo Mejor guion adaptado 1956 Robinson Crusoe 1951 Los olvidados Nominado: 1956 Ensayo de un crimen Mejor argumento original 1951 Los olvidados

Otros premios

Concha de Oro Honorífica Festival de Cine de San Sebastián 1981 - Por toda su trayectoria León de Oro por toda su carrera del Festival Internacional de Cine de Venecia (1982) Ficha

[1]

en IMDb

Luis Buñuel Portolés (Calanda, Teruel, Aragón, España; 22 de febrero de 1900 - Ciudad de México, México; 29 de julio de 1983) fue un director de cine español naturalizado mexicano.[2] La gran mayoría de su obra fue realizada en México y Francia, y es considerado uno de los más importantes y originales directores de la historia del cine.[3]

Luis Buñuel

Biografía Sus primeros años Luis Buñuel nació en Calanda el 22 de febrero de 1900. Su padre, Leonardo Buñuel González, originario del mismo pueblo, donde tenía un negocio de ferretería, había conseguido una pequeña fortuna en Cuba y tras la guerra de independencia liquidó sus negocios y volvió a su pueblo natal, donde se casó con María Portolés Cerezuela, mucho más joven que él, con la que tuvo siete hijos: Luis (1900), María (1901), Alicia (1902), Concepción (1904), Leonardo (1907), Margarita (1912) y Alfonso (1915). A los cuatro meses del nacimiento de su primogénito, la familia se trasladó a vivir a Zaragoza y a partir de entonces pasó a repartir sus vacaciones entre Calanda (donde regresaban en Semana Santa) y San Sebastián. Así pues, Luis pasó toda su infancia y adolescencia en Zaragoza, donde cursó la educación primaria y secundaria, primero en Corazonistas (con mayoría de franceses) y luego durante siete años en el colegio jesuita de El Salvador, en la plaza de Aragón, a media pensión (con una gorra como uniforme). En 1908 asistió por primera vez al cine Farrucini (una barraca con una lona como cubierta) para ver una película coloreada a mano de dibujos animados. En esa época el cine era considerado todavía una atracción de feria y aún tardó unos años en haber salas estables. Luis vio durante su infancia muchas películas (su prima tenía acceso desde la cocina de su casa a la pantalla de uno de los primeros cines de Zaragoza). Cuando tenía trece años, a la vuelta de uno de los habituales viajes a París de sus padres, éstos le regalaron un teatro con personajes de cartón; con este teatro comenzó a ofrecer representaciones a los jóvenes de su pueblo. A partir de 1913, paralelamente a sus estudios, comenzó a estudiar violín y a tocar en el coro de la Virgen del Carmen de Zaragoza. Ese mismo año salió por primera vez de Aragón y viajó a Vega de Pas (Cantabria). En 1915 fue expulsado por los jesuitas del colegio a causa de una borrachera y se matriculó en el Instituto de Enseñanza Media de Zaragoza (más tarde llamado Goya) como alumno libre. En esa época leyó El origen de las especies, de Darwin. A los 17 años, terminado el bachillerato, partió a Madrid para cursar estudios universitarios. En la capital se alojó en la recién creada Residencia de Estudiantes, fundada por la Institución Libre de Enseñanza, donde permaneció siete años. Su propósito era estudiar, inducido por su padre, Ingeniería Agrónoma. En esta época se interesó por el naturismo y llevó una alimentación y vestimenta espartanas, gustando de lavarse con agua helada. Tomó parte de las actividades del cine-club de la Residencia y trabó amistad con, entre otros, Salvador Dalí, Federico García Lorca, Rafael Alberti, Pepín Bello y Juan Ramón Jiménez. También participó en las tertulias ultraístas y, todos los sábados desde 1918 hasta 1924, en las del Café Pombo, dirigidas por Ramón Gómez de la Serna. En 1920 inició, con el doctor Ignacio Bolívar, estudios de entomología, que abandonó para matricularse en Filosofía y Letras, rama de Historia, ya que se había informado de que varios países ofrecían trabajo como lector de español a licenciados en Filosofía y Letras, lo que suponía una oportunidad de cumplir su deseo de salir de España. Con sus compañeros de la Residencia hizo sus primeros ensayos de puesta en escena, con versiones delirantes del Don Juan Tenorio en las que actuaban Lorca, Dalí y otros compañeros.

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99 En 1921, año del Desastre de Annual, conoció en la Residencia al hermano de Abd el Krim, dirigente de la resistencia contra la dominación colonial española y francesa en el norte de Marruecos. Visitó por primera vez Toledo, ciudad que causó una profunda impresión en Buñuel y sus amigos. También tuvo conocimiento en estos años de las tendencias internacionales más importantes del pensamiento y del arte, y mostró interés por el Dadaísmo y la obra de Louis Aragon y André Bretón. Y, por supuesto, siguió asistiendo con regularidad al cine.

En 1923 murió su padre en Zaragoza, inició el servicio militar y publicó su primer artículo, al que siguieron cuentos y poemas en revistas de vanguardia e incluso preparó un libro que los recopilaba bajo el título Un perro andaluz. Muchas de las imágenes de sus escritos de estos años, previos al surrealismo francés, pasaron a su cine. El día de San José de ese mismo año de 1923 André Breton. fundó la paródica Orden de Toledo y se nombró a sí mismo condestable. Para ser caballero había que emborracharse y estar toda la noche sin dormir. A ella pertenecieron, entre otros, Dalí, Pepín Bello, Alberti... En 1924, año en que Dalí le realiza su primer retrato, se licenció en Historia y renunció al doctorado, decidido a marcharse a París, la que por entonces era capital cultural de occidente.

París y primeras películas En enero de 1925, después de asistir a la conferencia que da Louis Aragon en la Residencia de Estudiantes, Buñuel abandonó Madrid rumbo a París. En la capital francesa asistió a las tertulias de los inmigrantes españoles y se acerca cada vez más al grupo surrealista. Su afición por el cine se intensificó y veía habitualmente tres películas al día, una por la mañana (generalmente proyecciones privadas, gracias a un pase de prensa), otra por la tarde en un cine de barrio y otra por la noche. También comenzó a colaborar como crítico en varias publicaciones de cine y arte, como Cahiers d'Art, Alfar, L'Amic de les Arts, Helix, Horizonte y La Gaceta Literaria. En ellas dejó constancia de sus concepciones cinematográficas, algo en lo que no se prodigó en lo sucesivo. El pianista Ricardo Viñes le propuso la dirección escénica de El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla, que, estrenada en Ámsterdam el 26 de abril de 1926 y representada también al día siguiente, supuso un importante éxito. Esta experiencia le llevó a escribir una pieza de teatro de cámara de vanguardia titulada Hamlet en 1927, que fue estrenada en el Café Sélect de París. Su conversión total al cine se produjo tras ver la película Las tres luces (Der müde Tod), de Fritz Lang. Varias semanas después se presentó en un rodaje al conocido director de cine francés Jean Epstein y se ofreció a trabajar en cualquier labor a cambio de aprender todo lo que pudiera acerca del cine, y Epstein acabó permitiéndole desempeñar el cargo de ayudante de dirección en el rodaje de sus películas mudas Mauprat y La caída de la casa Usher (La chute de la maison Usher), de 1928. También en estos años colaboró como actor en pequeños papeles, como el de contrabandista en la película Carmen, de los estudios Albatros, con Raquel Meller, y en La Sirène des Tropiques con Joséphine Baker. Todo este bagaje le familiarizó con el oficio cinematográfico y le permitió conocer a buenos profesionales y actores que después habrían de colaborar con él en Un perro andaluz y La edad de oro, sus dos primeras películas. Como crítico, elogió el cine de Buster Keaton y atacó, por considerarla pretenciosa, la vanguardia cinematográfica francesa, en cuyas filas militaba el propio Jean Epstein. Es conocida su ruptura con éste al negarse el aragonés a trabajar en el nuevo proyecto del más reputado de los directores vanguardistas franceses, Abel Gance. Cada vez más interesado por el grupo surrealista de Breton, comenzó a trasladar a sus compañeros de la Residencia de Estudiantes las novedades de esta tendencia, escribiendo poemas de un surrealismo ortodoxo e instando a Dalí a

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que se trasladase con él a París para conocer el nuevo movimiento. En 1927 escribió Polismos y viajó a la Residencia de Estudiantes para dirigir un ciclo de cine. En 1928 preparó un guion cinematográfico sobre Francisco de Goya con motivo del centenario de su fallecimiento, patrocinado por una comisión zaragozana. El proyecto no llegó a buen término por falta de presupuesto, como tampoco otro basado en un guion de Ramón Gómez de la Serna que iba a titularse El mundo por diez céntimos, en el que el hilo conductor iban a ser los sucesivos cambios de dueño de una moneda. Este mismo año se adhirió al grupo surrealista de París. En colaboración con Ramón Gómez de la Serna terminó el guion de Caprichos, que nunca se llega a rodar. En enero de 1929, Buñuel y Dalí, en estrecha colaboración, ultimaron el guion de un film cuyo proyecto se titularía sucesivamente El marista en la ballesta, Es peligroso asomarse al interior y, por fin, Un perro andaluz. La película se comenzó a rodar el 2 de abril con un presupuesto de 25.000 pesetas aportadas por la madre de Buñuel. Se estrenó el 6 de julio en el Studio des Ursulines, un cine-club parisino, en el que alcanzó un clamoroso éxito entre la intelectualidad francesa, y permaneció en exhibición nueve meses consecutivos en el Studio 28. A partir de la proyección de Un perro andaluz, Buñuel fue admitido de lleno en el grupo surrealista, que se reunía diariamente en el Café Cyrano para leer artículos, discutir sobre política y escribir cartas y manifiestos. Allí, Buñuel forjó amistad con Max Ernst, André Bretón, Paul Éluard, Tristan Tzara, Yves Tanguy, Magritte y Louis Aragon, entre otros.

Salvador Dalí (1939).

A fines de 1929 se volvió a reunir con Dalí para escribir el guion de lo que sería más tarde La edad de oro, pero la colaboración ya no resultó tan fructífera, pues entre los dos se interpone el gran amor de Dalí, Gala Eluard. Buñuel comenzó el rodaje de la película en abril de 1930, cuando el pintor se encontraba disfrutando de unas vacaciones con Gala en Torremolinos. Cuando descubrió que Buñuel ya había acabado la película con el sustancioso mecenazgo de los Vizcondes de Noailles, que deseaban producir una de las primeras películas sonoras del cine francés, Dalí se sintió marginado del proyecto y traicionado por su amigo, lo que originó un distanciamiento entre ellos que se fue incrementando en el futuro. A pesar de aquello, felicitó a Buñuel por el largometraje, asegurando que le había parecido "una película americana". El estreno tuvo lugar el 28 de noviembre de 1930. Cinco días más tarde grupos de extrema derecha atacaron el cine donde se proyectaba y las autoridades francesas prohibieron la película y requisaron todas las copias existentes, comenzando una larga censura que duraría medio siglo, pues no sería distribuida hasta 1980 en Nueva York y un año después en París.

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En 1930 Buñuel viajó a Hollywood, contratado por la Metro Goldwyn Mayer, como «observador», con el fin de que se familiarizara con el sistema de producción estadounidense. Allí conoció a Charles Chaplin y Serguéi Eisenstein. En 1931 llegó a España, en vísperas de la proclamación de la Segunda República. La edad de oro se proyectó en Madrid y Barcelona. En 1932 asistió a la primera reunión de la Asociación de Escritores Revolucionarios (AERA), se separó del grupo surrealista y se afilió al Partido Comunista francés. Contratado por la Paramount, regresó a España y trabajó como responsable de sincronización. En 1933, financiado por su amigo Ramón Acín, filmó Las Hurdes, tierra sin pan, un documental sobre esa comarca extremeña. La derecha y la Foto de rodaje de La edad de oro. Buñuel aparece sentado en el centro. Falange Española comenzaban a rebelarse en España y la película fue censurada por la joven y débil Segunda República Española por considerarla denigrante para España. Ese mismo año firmó un manifiesto contra Hitler con Federico García Lorca, Rafael Alberti, Sender, Ugarte y Vallejo. En 1934 visitó en París a Dalí, ya casado con Gala. Dalí se mostró indiferente con Buñuel, con lo que se incrementó su distanciamiento. El 23 de junio se casó con Jeanne Rucar, a la que había conocido en casa de su amigo Joaquín Peinado en 1925 cuando estudiaba anatomía en París, y que había sido medalla de bronce de gimnasia artística en las Olimpiadas de París de 1924. La boda se celebró en la alcaldía del distrito XX de la capital francesa, sin invitar a la familia, con tres testigos improvisados (uno de ellos, un transeúnte desconocido) y, después de comer, Buñuel volvió a Madrid, ya que había aceptado trabajar para la Warner Brothers como director de doblaje. La pareja tendría dos hijos, Jean Louis, nacido en París, y Rafael, que lo haría en Nueva York. En 1935, con ayuda de algún dinero familiar, fundó, junto a Ricardo Urgoiti, la productora Filmófono, que competía con la Cifesa de los hermanos Casanova, principal productora española de los años treinta. Filmófono produjo películas como Don Quintín el amargao, donde debutó en el cine la gran bailaora Carmen Amaya, La hija de Juan Simón, ¿Quién me quiere a mí? o ¡Centinela alerta!, y la única condición de Buñuel para producirlas era, curiosamente, no aparecer en la ficha técnica, pues a sus ojos no eran más que "melodramas baratos". Todos estos largometrajes fueron rentables y supusieron la consolidación de la industria cinematográfica española de los años treinta. Sin embargo, la Guerra Civil abortó este proyecto.

La Guerra Civil - Estados Unidos El golpe de estado franquista sorprendió a Buñuel en Madrid. Así como Dalí se alineó con Franco y simpatizó con el bando nacionalista, Buñuel siempre permaneció fiel a la Segunda República. No obstante, no dejó por ello de ayudar a amigos suyos del bando franquista cuando estuvieron en peligro de muerte; así, logró que liberasen a José Luis Sáenz de Heredia (primo hermano de José Antonio Primo de Rivera, fundador de Falange), que simpatizaba con Franco, pues habían trabajado juntos en Filmófono. El 18 de agosto de 1936 es asesinado Lorca. En septiembre de 1936 salió de Madrid en un tren abarrotado hacia Ginebra, vía Barcelona. Allí lo había citado para una entrevista Álvarez del Vayo, ministro de Asuntos Exteriores de la República, quien lo mandó a París como hombre de confianza de Luis Araquistáin, embajador en Francia, para realizar diferentes misiones, principalmente de inteligencia. Supervisó y escribió junto a Pierre Unik el documental España leal en armas. Realizó su bautismo aéreo en varios viajes relámpago a España, en misiones de guerra. Durante 1937 se encargó de supervisar para el Gobierno republicano el pabellón español de la Exposición Internacional de París. Dalí le pintó su segundo y último retrato: El sueño. El 16 de septiembre de 1938, ayudado en

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Luis Buñuel los gastos de viaje por sus amigos Charles Noailles y Rafael Sánchez Ventura, viajó a Hollywood de nuevo, esta vez encargado por el Gobierno republicano de la supervisión, como consejero técnico e histórico, de dos películas acerca de la Guerra Civil que se iban a rodar en Estados Unidos. Terminada la Guerra, en 1941, cuando comenzaba el rodaje de Cargo of Innocents, la asociación general de productores estadounidenses prohibió toda película en contra de Franco, lo que significó el fin del proyecto en el que estaba implicado Buñuel. Sin trabajo y con poco dinero, y ya con su mujer e hijos reunidos con él, aceptó el encargo que le ofrece el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, como productor asociado para el área documental y supervisor y jefe de montaje de documentales para la Coordinación de Asuntos Interamericanos, que dirigía Nelson Rockefeller. Su misión era seleccionar películas de propaganda antinazi; tenía despacho propio y personal a su cargo. Su primer trabajo para el MoMA consistió en la reedición de El triunfo de la voluntad, de Leni Riefenstal, con el fin de hacerla más breve y accesible a miembros del Gobierno de Estados Unidos para que viesen el potencial del cine como instrumento propagandístico. Pero fue despedido en 1943 a raíz de la publicación del libro La vida secreta de Salvador Dalí, donde el pintor tachaba a Buñuel de ateo y hombre de izquierdas. Un periodista del Motion Pictures Herald atacó a Buñuel en un artículo donde advertía acerca de lo peligroso que resultaba la presencia de este español en un museo tan prestigioso. Buñuel se reunió con Dalí en Nueva York para pedirle explicaciones y esa entrevista significó la ruptura de sus relaciones. Volvió a Hollywood y se puso a trabajar para la Warner Brothers como jefe de doblaje de versiones españolas para América Latina. Acabada la colaboración con la Warner en 1946, se quedó en Los Ángeles en busca de un trabajo relacionado con el cine y en espera de que le concedieran la nacionalidad estadounidense, que había solicitado.

Etapa mexicana Cuando Luis Buñuel aún estaba viviendo del dinero que había ahorrado el año anterior, la casualidad quiso que en una cena en casa del cineasta francés René Clair se encontrara con Denise Tual, la viuda del actor ruso Pierre Batcheff (protagonista de Un perro andaluz, quien se había suicidado en 1932). La mujer, que se había vuelto a casar, con el productor francés Ronald Tual, le ofreció trabajar en el nuevo proyecto que tenía intención de realizar: La casa de Bernarda Alba, que dirigiría Buñuel. Tual, que había llegado a Los Ángeles con el interés de conocer mejor la industria estadounidense del cine, tenía intención de realizar la película entre París y México, para lo cual aprovechó su regreso a París para hacer escala en México y concretar algunos asuntos con el productor francés de origen ruso Oscar Dacingers, exiliado en ese país. Una vez allí se enteraron de que los derechos de la obra habían sido vendidos a otra productora que había pujado más alto. Truncado el proyecto, Luis Buñuel tuvo la suerte de que Dacingers le ofreciera otro trabajo: dirigir Gran Casino, una película comercial con el conocido cantante mexicano Jorge Negrete y la primera figura argentina Libertad Lamarque. Buñuel aceptó y, una vez arreglados todos los papeles de residencia e instalado con su esposa y sus hijos, ingresó en la industria mexicana del cine. Esta primera película de su nueva etapa constituyó un rotundo fracaso[4] y durante los tres siguientes años se vio obligado a mantenerse del dinero que le enviaba su madre todos los meses. En 1949, a punto de abandonar el cine, Dacingers le pidió que se hiciera cargo de la dirección de El gran calavera, ya que Fernando Soler no podía ser a la vez director y protagonista. El éxito de esta película y la concesión de la nacionalidad mexicana animaron a Buñuel a plantear a Dacingers un nuevo proyecto más acorde con sus deseos como cineasta, proponiéndole, bajo el título ¡Mi huerfanito, jefe!, un argumento sobre las aventuras de un joven vendedor de lotería. A esta oferta siguió una mejor respuesta por parte de Dacingers, la realización de una historia sobre los niños pobres mexicanos. Así, en 1950 Buñuel realizó Los olvidados, película con fuertes vínculos con Las Hurdes, tierra sin pan, y que en un primer momento no gustó a los mexicanos ultranacionalistas (Jorge Negrete el primero), ya que retrataba la realidad de pobreza y miseria suburbana que la cultura dominante no quería reconocer. No obstante, el premio al mejor director que le otorgó el Festival de Cannes de 1951 supuso el reconocimiento internacional de la película, y el redescubrimiento de Luis Buñuel, y la rehabilitación del cineasta por parte de la sociedad mexicana. Actualmente,

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Luis Buñuel Los olvidados es una de las tres únicas películas reconocidas por la Unesco como Memoria del Mundo. En 1951 filmó Susana y Él, película que constituyó un fracaso comercial pero que sería revalorada en los años venideros. En 1952 salió de Ciudad de México para filmar Subida al cielo, cinta simple donde un sueño del protagonista da el toque surrealista de Buñuel y que le valió ir nuevamente a Cannes. Ese mismo año filmó Robinson Crusoe, primera película que se rodó en Eastmancolor (todos los días se enviaban las copias a California para comprobar los resultados), y, junto con La joven, que dirigió en 1960, una de las dos únicas películas que rodó en inglés y con coproducción estadounidense. En 1953 dirigió La ilusión viaja en tranvía, una de las películas consideradas "menores" pero que por su frescura y sencillez, y respaldada por escritores como José Revueltas y Juan de la Cabada, sobrevive al paso de los años. En 1954 dirigió El río y la muerte y es elegido miembro del jurado del Festival Internacional de Cine de Cannes. En 1955, año en que filmó Así es la aurora en Francia (lo que le brinda la oportunidad de visitar a su madre en Pau), fiel a sus ideas, firmó un manifiesto en contra de la bomba atómica estadounidense, lo que, unido a su apoyo a la revista antifascista España Libre (posicionada en contra de EE. UU.), supuso su inclusión en la lista negra estadounidense hasta 1975. A partir de ese momento, cada vez que pasaban por EE. UU., tanto él como su familia eran interrogados. No obstante, Buñuel dijo que EE. UU. era la tierra más hermosa que había conocido. Cuando alguien le preguntaba si era comunista siempre contestaba que era un español republicano. Tras Ensayo de un crimen (1955), en 1956 realizó La muerte en ese jardín, con guion de Luis Alcoriza y Raymond Queneau, que adaptaba la novela homónima de Lacour. The National Film Theatre of London realizó una retrospectiva de su obra. Nazarín (1958), Palma de Oro del Festival de Cannes de 1959, es la primera de las tres películas que realizaría con el actor Paco Rabal. Ese mismo año rodó Los ambiciosos, cine de compromiso político y social. En 1960 dirigió por última vez una obra teatral, Don Juan Tenorio, en México, y realizó y estrenó en EE. UU. La joven. Después regresó a España para dirigir Viridiana, coproducción hispano-mexicana con guion escrito junto a Julio Alejandro. La película fue producida por Gustavo Alatriste (por parte mexicana) y por Pere Portabella y Ricardo Muñoz Suay, por parte de las productoras españolas UNINCI (Unión Industrial Cinematográfica) y Films 59. Estuvo protagonizada por Silvia Pinal, Francisco Rabal y Fernando Rey. Viridiana fue presentada a concurso en el festival de Cannes de 1961 como representante oficial de España y obtuvo la Palma de Oro, que recogió el entonces Director General de Cinematografía, José Muñoz Fontán. Sin embargo, después de que el periódico vaticano L'Osservatore Romano condenara la cinta, a la que tachaba de blasfema y sacrílega, la censura española prohibió la cinta y Muñoz Fontán fue obligado a dimitir. Viridiana no se pudo proyectar oficialmente en España hasta 1977. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes, otorgado por el Gobierno de México en 1977.[5] En 1962 rodó El ángel exterminador, una de sus películas más importantes y personales, en la que aludía a varias bromas privadas de su época de la Residencia de Estudiantes y del periodo surrealista transcurrido en Francia.

Etapa francesa Ya en su etapa mexicana, Buñuel había rodado varias películas de producción francesa tras las elogiosas críticas europeas de Ensayo de un crimen, Así es la aurora o La muerte en el jardín, pero su verdadera reentrada en la cinematografía francesa se produjo en 1963 con Diario de una camarera (Le Journal d'une Femme de Chambre), adaptación de la novela de Octave Mirbeau. Comienza así su cooperación con el productor Serge Silberman y el guionista Jean Claude Carrière. En 1964 filmó su última película mexicana, Simón del desierto, que no acabó como estaba proyectada por falta de presupuesto. Aun así, obtuvo el León de Plata de la Mostra de Venecia al año 1965, año en que, junto a Carrère, preparó las adaptaciones de El monje y Là-bas. En 1966 Dalí le telegrafió desde Figueras ofreciéndole preparar la segunda parte de Un perro andaluz. Ese mismo año se estrenó Belle de jour, que obtuvo en 1967 el León de Oro en la Mostra de Venecia. Esta película obtuvo en Francia un extraordinario éxito de público y a partir de entonces los estrenos de Buñuel se convirtieron en

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Luis Buñuel acontecimientos culturales, lo que motivó que Silberman le concediera completa libertad creativa y los recursos suficientes para la producción de sus filmes, lo que caracterizó la etapa final de su obra. En 1969 la Mostra le otorgó el gran premio de homenaje por el conjunto de su obra. En 1970 volvió a España para rodar, esta vez en régimen de coproducción, Tristana, protagonizada por Catherine Deneuve, que ya había desempeñado el papel principal en Belle de jour. En 1972 se convirtió en el primer director español en conseguir el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, por El discreto encanto de la burguesía (Le Charme Discret de la Bourgeoisie), película que se iba a rodar en España, lo cual resultó imposible debido a la censura. Esta película, junto con La Vía Láctea (La Voie Lactée, 1968) y El fantasma de la libertad (Le Fantôme de la Liberté, 1974), conforman una especie de trilogía que ataca los cimientos del cine de narrativa convencional y el concepto causa-consecuencia, abogando por la exposición del azar como motor de la conducta y del mundo. Ese mismo año de 1972 visitó Los Ángeles, donde vivía su hijo Rafael, y George Cukor ofreció en su casa una cena en honor de Buñuel a la que asistieron, además de su hijo Rafael y Carrière, importantes cineastas como Alfred Hitchcock, Billy Wilder, G. Stevens, William Wyler, R. Mulligan, Robert Wise o Rouben Mamoulian. En 1977 Buñuel puso el colofón a su obra con Ese oscuro objeto del deseo (Cet Obscur Objet du Désir), que recibió el premio especial del Festival de Cine de San Sebastián. En la película, que revisa temas tratados anteriormente en Viridiana o Tristana, Carole Bouquet y Ángela Molina interpretan al alimón el personaje femenino que da réplica a Fernando Rey. En 1980 realizó su último viaje a España y fue operado de próstata. En 1981, 50 años después de haber sido prohibida, se reestrenó en París La edad de oro, fue hospitalizado por problemas de la vesícula, Agustín Sánchez Vidal publicó su obra literaria, el Centro Georges Pompidou de París organizó un homenaje en su honor y Un perro andaluz se proyectó en una pantalla colocada en el techo de este centro cultural. En 1982 publicó sus memorias, escritas en colaboración con Carrière y tituladas Mi último suspiro.

Muerte Luis Buñuel falleció en Ciudad de México el día 29 de julio de 1983 de madrugada, a causa de una insuficiencia cardíaca, hepática y renal provocada por un cáncer. Sus últimas palabras fueron para su mujer Jeanne: "Ahora sí que muero". Ese mismo año había sido nombrado doctor honoris causa por la Universidad de Zaragoza. Se mantuvo fiel a su ideología hasta el final: no hubo ninguna ceremonia de despedida, siendo en 1997, cuando finalmente fueron esparcidas sus cenizas en el monte Tolocha, situado en su pueblo natal, Calanda.[6]

Su pensamiento A los catorce años empezaron sus dudas sobre la religión, principalmente acerca de la resurrección de la carne, el juicio final, el infierno y el diablo. Según él mismo dijo, era "ateo, gracias a Dios". Amante del tabaco, del alcohol (para él, un bar era un lugar de meditación y recogimiento) y de los burdeles (aunque decía que una vez casado jamás fue infiel), quiso librarse de las normas y principios de la sociedad que en herencia le había dejado todo un sistema de prohibiciones y represiones. Le gustaba la puntualidad, el buen vestir, irse pronto a la cama y madrugar, y llegó a tener una gran colección de armas. Su primera pistola la tuvo a escondidas a los catorce años, aunque bastante antes ya jugaba con la de su padre.

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Durante toda su vida, Buñuel fue un rebelde; hasta el último momento estuvo luchando contra sí mismo. Su interior le dictaba unas normas sobre la muerte, la fe, el sexo... que su conciencia no podía aceptar. Esta dualidad le marcó desde su más tierna infancia. Buñuel rompió barreras luchando a favor de la libertad. Ya con pocos años conoció la muerte de cerca, cuando un campesino de su pueblo fue asesinado por otro de un navajazo. Él se las arregló para colarse en la autopsia. Previamente, había visto cómo las aves rapaces devoraban un burro muerto y, así, cuando tuvo la ocasión, compró un burro muerto para poder ver repetida la escena: era como si disfrutase viendo cómo los buitres le arrancaban los ojos y se comían al burro, desgarrando sus carnes. Le gustaba reflejar la visión pesimista y cruel de la vida. Así lo hizo en Las Hurdes, tierra sin pan, en Los olvidados... Sin embargo, él era pacífico y siempre estuvo obsesionado con su propia muerte. Su hermana Conchita solía recordar que de pequeña había acompañado a su hermano Luis a visitar cementerios y éste se tendía en las mesas de las autopsias. A Luis le gustaba asistir a los entierros de su pueblo. Así, el entierro que tiene lugar en Abismos de pasión era un reflejo de los recuerdos de su juventud, según confesó él mismo. La visión de Buñuel chocaba con la realidad. Tenía muy presente la posibilidad de la destrucción de la Tierra, pensaba en las guerras, la Cabeza de Luis Buñuel, obra del escultor Iñaki, en bomba atómica. Afirmaba que ni la libertad ni la justicia existían. El el Centro Buñuel Calanda. fantasma de la libertad refleja su pensamiento. Era tierno, piadoso, de vida ordenada. Tuvo una vida desahogada y una infancia feliz, pero su conciencia le llevaba a pensar en lo que él llamaba la Edad Media (los principios del siglo XX y sus miserias), es decir, las injusticias, que reflejó en Abismos de pasión, Nazarín, Él, La muerte en el jardín, La joven... Vivió los años de represión sexual, quiso realizar una película pornográfica, pero desistió. Asistió a orgías y burdeles, pero no consumó, siempre fiel a su mujer. El tema del sexo fue tratado en muchas de sus películas: La joven, Ese oscuro objeto del deseo... pero en casa fue un puritano, que no permitía decir tacos. La actriz mexicana Lilia Prado mencionó a la revista SOMOS que "durante el rodaje de Abismos de pasión (1953), en un corte para almorzar entré al comedor en traje de baño con una bata transparente. Furioso (Buñuel). se vino hacia mí, se enojó mucho conmigo. Era como mojigato, odiaba decir o escuchar una mala palabra y la gente piensa lo contrario. Incluso estaba en contra del libertinaje. «Usted es una chica bien -me dijo-; no tiene por qué entrar al comedor así». Era ingenuo, limpio, tímido y sanote; representaba una contradicción por su cine surrealista y como ser humano; un hombre muy limpio, muy ingenuo, mucho muy ingenuo; un hombre muy humano, tirano en su casa como dicen sus hijos y su mujer, pero un gran hombre", aseguraba la heroína de Subida al cielo y La ilusión viaja en tranvía. Fue profundamente celoso, no permitía ni una mirada hacia su mujer. Nunca le gustó el orden establecido. Ya de pequeño fue rebelde, se resistió a llevar el uniforme al colegio; pero, a la vez, y como se ha dicho, llevó una vida muy ordenada. No le gustaba la religión ni el ejército; pero siempre habló bien de su estancia con los jesuitas y del servicio militar. Era, en cierto modo, un anarquista, pero en su casa se respiraba disciplina, no permitía a las mujeres asistir a las reuniones de hombres. El libro de memorias de Jeanne Rucar se llama Memorias de una mujer sin piano porque Buñuel, sin preguntar a nadie, regaló el piano de su mujer a un amigo que le trajo tres botellas de vino.

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Luis Buñuel No fue nacionalista, pero añoraba España y la tierra de su infancia. Se nacionalizó mexicano por pragmatismo; ya había estado a punto de nacionalizarse estadounidense unos años antes. No le gustaba viajar, pero disfrutaba al visitar los sitios que le traían buenos recuerdos. No deseaba ir por Hispanoamérica y se quedó a vivir en México. Una señora que fue vecina suya en la Colonia del Valle de la ciudad de México comentó que Buñuel nunca olvidó sus raíces: en Semana Santa lo veía solo por el jardín de su casa haciendo redobles con un tambor y dando vueltas y vueltas. Luis Buñuel vino de una familia burguesa y muy religiosa, estudió y vivió la disciplina de la religión, pero se podría argumentar que parte de su trabajo tiene como meta, entre otros objetivos, cambiar la sociedad en la que vivimos, que se basa en la religión, la familia y el orden establecido, y que impone una moral y un comportamiento social de la que ni siquiera la burguesía que sustenta el poder es libre. Quiso que todas sus obras fueran quemadas y así tener descanso y dignidad desde la nada. Si siempre le había obsesionado la muerte, en los últimos cinco años de su vida, sordo, con poca vista, con alguna operación que otra, dejó de ver cine, televisión y apenas cogía un libro, con excepción de La vejez de Simone de Beauvoir, que leía y releía. Pensaba en su muerte y en el fin del mundo, bromeaba con los demás acerca de su vejez. Con ayuda de su amigo Jean-Claude Carrière, que durante más de 18 años recopiló material de entrevistas y conversaciones en los descansos de las filmaciones, escribió Mon dernier soupir ('Mi último suspiro'). Ya el título refleja la obsesión que tenía en los últimos momentos de su vida; no quería darles importancia, pero pensaba en ellos. Como era ateo, pensaba en reunir el día de su muerte a todos sus amigos ateos y confesarse. Para él, ser bromista era una forma de demostrar que estaba en contra del orden. Este libro de memorias inspiraría la película documental dirigida por Javier Espada y Gaizka Urresti titulada El último guion, que protagonizan Jean-Claude Carrière y Juan Luis Buñuel, recorriendo los lugares en los que transcurrió la vida de Buñuel: Calanda, Zaragoza, Madrid, Toledo, París, New York, Los Ángeles y México.

Libros favoritos A pesar de haber escrito algunas obras literarias, Buñuel se consideraba "ágrafo", lo que no le impidió ser un lector incansable a lo largo de toda su vida. Algunos de sus libros favoritos, según él mismo afirmó en varias ocasiones, eran: • • • • • • • • • • •

La leyenda áurea, de Jacobo de Vorágine. El Monje, de Matthew Lewis. Peter Ibbetson, de George du Maurier. Manuscrito encontrado en Zaragoza, de Jan Potocki. Historia de los heterodoxos españoles, de Marcelino Menéndez Pelayo. Cumbres Borrascosas, de Emily Brontë. El Lazarillo de Tormes (anónimo español). Gil Blas de Santillana, de Alain-René Lesage.[7] Don Juan Tenorio, de José Zorrilla.[8] La vejez, de Simone de Beauvoir. Toda la obra del Marqués de Sade y de Benito Pérez Galdós.

Algunos de estos libros fueron adaptados al cine por Buñuel y otros le sirvieron como documentación o inspiración para sus películas.

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Luis Buñuel

Luis Buñuel y la importancia del cóctel en el proceso creativo En su obra autobiográfica Mi último suspiro Buñuel destaca la importancia que el cóctel tuvo en su proceso creativo. Con todo, hay que indicar que no se trata ni de una apología del alcohol, ni de una forma de camuflar hábitos etílicos, ya que el director no tenía ningún tipo de dependencia. Sin embargo, conviene indicar este aspecto en la vida y obra del artista porque refleja una forma de entender la vida y un apego a hábitos propios de las grandes urbes contemporáneas, algo que, sin duda, resulta importante en su trabajo. El cóctel favorito de Luis Buñuel era del Dry Martini e incluso creó un cóctel de cosecha propia que llamó el Buñueloni.[9]

Filmografía Como director Entre 1929 y 1977 dirigió un total de 32 películas.[10] Además, en 1930 rodó Menjant garotes ("Comiendo erizos"), una película muda de únicamente cuatro minutos, con la familia Dalí como protagonista. • Un perro andaluz (Un chien andalou, 1929).[11] • La edad de oro (L'âge d'or, 1930).[12] • Las Hurdes, tierra sin pan (Las Hurdes, 1933). • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

Gran Casino (En el viejo Tampico, 1947). El gran Calavera (1949). Los olvidados (1950). Susana (Demonio y carne, 1951). La hija del engaño (1951). Una mujer sin amor (Cuando los hijos nos juzgan, 1952). Subida al cielo (1952). El bruto (1953). Él (1953). La ilusión viaja en tranvía (1954). Abismos de pasión (1954). Robinson Crusoe (realizada en 1952 y registrada en 1954). Ensayo de un crimen (La vida criminal de Archibaldo de la Cruz, 1955). El río y la muerte (1954-1955). Así es la aurora (Cela s'appelle l'aurore, 1956). La muerte en el jardín (La muerte en este jardín, La mort en ce jardin, 1956). Nazarín (1958-1959). Los ambiciosos (La fiebre sube a El Pao, La fièvre monte a El Pao, 1959). La joven (The Young One, 1960). Viridiana (1961). El ángel exterminador (1962). Diario de una camarera (Le journal d'une femme de chambre, 1964). Simón del desierto (1964-1965). Belle de jour (Bella de día, 1966-1967). La Vía Láctea (La Voie Lactée, 1969). Tristana (1970). El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie, 1972). El fantasma de la libertad (Le fantôme de la liberté, 1974).

• Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir, 1977).

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Luis Buñuel Aparte de las películas que realizó como director o actor, o en las que colaboró de una u otra forma, también hubo una serie de proyectos que no pudo realizar.[13]

Como asistente de dirección • Mauprat (Jean Epstein, 1926). • La sirène des tropiques (Mario Nalpas y Henri Étiévant, 1927). • La chute de la maison Usher (Jean Epstein, 1928).

Como productor o supervisor • • • • • •

Un perro andaluz (1929). Don Quintín el Amargao (Luis Marquina, 1935). La hija de Juan Simón (José Luis Sáenz de Heredia, 1935). Quién me quiere a mí (José Luis Sáenz de Heredia, 1936). Centinela alerta (Jean Grémillon, 1936). España leal en armas (Jean-Paul Le Chanois, 1937). Documental propagandístico también conocido como España 1936 o Madrid 1936.

Como guionista en películas no realizadas por él • Si usted no puede, yo sí (Julián Soler, 1950). Guion de Janet Alcoriza basado en un argumento de L. Buñuel y Luis Alcoriza. • El monje (Le moine) (Ado Kyrou, 1965). Guion de L. Buñuel y Jean-Claude Carrière. • La novia de medianoche (Antonio F. Simón, 1997). Guion de L. Buñuel y José Rubia Barcia adaptado por Lino Braxe.

Como actor • • • • • • • • • • •

Mauprat (Jean Epstein, 1926). Carmen (Jacques Feyder, 1926). Albatros (1927). Un perro andaluz (1929). La fruta amarga (Arthur Gregor, 1931). La hija de Juan Simón (José Luis Sáenz de Heredia, 1935). Llanto por un bandido (Carlos Saura, 1964).[14] En este pueblo no hay ladrones (Alberto Isaac, 1964). Belle de jour (1967) La chute d'un corps (Michel Polac, 1973). El fantasma de la libertad (1974).

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Luis Buñuel

Obra literaria Luis Buñuel había realizado varias intentonas en diversos campos antes de dedicarse al mundo del cine. Durante su estancia en la Residencia de Estudiantes de Madrid escribió algunos poemas y prosas poéticas, en su mayor parte surrealistas. • • • • • • • • • • • • •

Una traición incalificable Instrumentación Suburbios Tragedias inadvertidas como temas de un teatro novísimo Por qué nunca uso reloj El ciego de las tortugas Teorema Lucille y sus tres peces Ramuneta en la playa Caballería rusticana Una historia decente La agradable consigna de Santa Huesca Una jirafa

• Sobre el amor

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000320 [2] Buñuel, Luis y Carrière, Jean-Claude: Mon dernier soupir, París, Éditions Robert Laffont, 1982. Edición española: Mi último suspiro, Barcelona, Random House Mondadori, 1982. ISBN 84-9759-504-1 [3] Los más grandes directores y sus mejores películas, en www.filmsite.org (http:/ / www. filmsite. org/ directors. html) [4] Sánchez Vidal, A.: Luis Buñuel, Cátedra, Madrid, 2004 (4ª ed.), pág. 47. ISBN 84-376-2151-8. [5] Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. « Premio Nacional de Ciencias y Artes (http:/ / www. ecultura. gob. mx/ artistas_y_grupos_artisticos/ pnca/ indiceac/ pnca_anoycampo. pdf)». Secretaría de Educación Pública. Consultado el 1 de diciembre de 2009. [6] http:/ / www. elmundo. es/ elmundo/ 2012/ 06/ 18/ cultura/ 1340001475. html Buñuel, polvo de Calanda (El Mundo, 18 de junio de 2012) [7] Sánchez Vidal, Agustín: Buñuel, Lorca, Dalí. El enigma sin fin, Planeta, Barcelona, 1988 (segunda edición), pág. 214. ISBN 84-320-5867-X [8] Sánchez Vidal, Agustín: Buñuel, Lorca, Dalí. El enigma sin fin, Planeta, Barcelona, 1988 (segunda edición), pág. 87. [9] Buñuel, Luis (1982). Mi último suspiro.  pp. 49-56. [10] Las contradicciones de don Luis. (http:/ / seronoser. free. fr/ donluis/ ) Filmografía completa comentada de Luis Buñuel. [11] Un perro andaluz (1929) en formato Flash (http:/ / elperroandaluzfilm. blogspot. com/ ) [12] La edad de oro (1930) en formato Flash (http:/ / video. google. es/ videoplay?docid=7633509394552540790& q=l'age+ d'or) [13] Buñuel nonato. (http:/ / seronoser. free. fr/ bunuel/ ) Las películas que Luis Buñuel no llegó a realizar. [14] Buñuel en 'Llanto por un bandido' (http:/ / es. youtube. com/ watch?v=JP9_bJp2O1g)

Bibliografía utilizada como fuente • Aub, Max: Conversaciones con Buñuel. Seguidas de 45 entrevistas con familiares, amigos y colaboradores del cineasta aragonés, Aguilar, 1985. ISBN 84-03-09195-8. • Buñuel, Luis y Carrière, Jean-Claude: Mon dernier soupir, París, Éditions Robert Laffont, 1982. Edición española titulada Mi último suspiro, Barcelona, Random House Mondadori, colección Debolsillo, 1982. Traducido por Ana María Fuente. ISBN 84-9759-504-1. • Buñuel, Luis, Escritos de Luis Buñuel, ed. Manuel López Villegas, Madrid, Páginas de espuma, 2000. ISBN 84-931243-0-3. • Buñuel, Luis: Obra literaria, ed. lit. Agustín Sánchez Vidal, Zaragoza, Ediciones de Heraldo de Aragón, 1982. • Camacho, E.; Pérez Bazo, J.; Rodríguez Blanco, M., y otros: Buñuel, 100 años, Nueva York, Instituto Cervantes y The Museum of Modern Art, 2001. ISBN 0-8109-6219-5.

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Luis Buñuel • Enciso, Froylan; "En defensa del poeta Buñuel", en Andar fronteras. El servicio diplomático de Octavio Paz en Francia (1946-1951), México, Siglo XXI, 2008, pp. 130-134 y 353-357. ISBN 978-607-3-00025-3. • Krohn, B. y Duncan, P. (ed.): Luis Buñuel. The Complete Films, Colonia, Taschen, 2005. ISBN 3-8228-3375-4. • Pérez Turrent, T. y De la Colina, J.: Luis Buñuel: prohibido asomarse al exterior, México, Joaquín Mortiz/Planeta, 1986. ISBN 968-27-0215-1. Edición española titulada Buñuel por Buñuel, Madrid, Plot Ediciones, 1993. ISBN 84-86702-20-8. • Rubia Barcia, José: Con Luis Buñuel en Hollywood y después, Sada (La Coruña), Ediciós do Castro, 1992. ISBN 84-7492-582-7. • Rucar, Jeanne y Marín del Campo, Marisol: Memorias de una mujer sin piano, Madrid, Alianza, 1991. ISBN 84-206-9619-6. • Sánchez Vidal, A.: Luis Buñuel, Madrid, Cátedra, 2004 (4ª ed.) ISBN 84-376-2151-8. • Sánchez Vidal, A.: Buñuel, Lorca, Dalí. El enigma sin fin, Planeta, Barcelona, 1988 (2ª ed,) ISBN 84-320-5867-X. • Zúñiga, J.F.: "Adiós a Lilia Prado", en El Universal, 24 de mayo de 2006, México. • Varios: "Lilia Prado, imagen del erotismo y la sensualidad" en Somos, Editorial Televisa S.A. de C.V., México.

Enlaces externos Wikinoticias •

Artículos en Wikinoticias: Homenaje a Luis Buñuel en Valladolid

•

Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Luis Buñuel. Wikiquote

• Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Luis Buñuel. Commons • Videoartworld : The Masters Series (Películas y documentales en línea. Vídeo de Buñuel en versión original. Dominio Público.) (http://www.videoartworld.com/beta/artist_232.html) • Buñuel, 100 años en Centro Virtual Cervantes (http://cvc.cervantes.es/actcult/bunuel/indice.htm) • Página oficial del centenario del nacimiento de Luis Buñuel (http://www.luisbunuel.org/inicio/bunuel1.html) • Página de Luis Buñuel del Gobierno de Aragón (http://bunuel.aragob.es/) • Página web del centenario del nacimiento del director (en inglés) (http://www.luisbunuel.com) • Biografía y filmografía del cineasta (http://www.biosstars-mx.com/l/luis_bunuel.html) • «Palacio de hielo», poema de Luis Buñuel (http://cinema16.mty.itesm.mx/folder_bunuel/poema_de_bunuel/ poema.htm) • Centro Buñuel Calanda. (http://www.cbcvirtual.com) • «Pesimismo» (http://www.filmotecazaragoza.com/bulletins/seasons/9) y otros textos de Buñuel, en la Filmoteca de Zaragoza. • Luis Buñuel en El Poder de la Palabra (http://www.epdlp.com/director.php?id=727) • Cortometraje completo "Un Perro Andaluz" (http://cortometrajes.org/corto/un-perro-andaluz-cortometraje/) • Ficha de Luis Buñuel en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000320) y en español (http://www.imdb. es/name/nm0000320) en Internet Movie Database. • Filmografía de Luis Buñuel en YouTube (http://www.youtube.com/watch?v=9XDc6OLjt60& feature=channel) • Elena Cervera y Javier Espada, Buñuel. Entre dos mundos (http://www.seacex.es/Spanish/Resources/ Publications/Paginas/electronic_publications.aspx?type=1&elem=86890), Madrid, Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), 2008. ISBN 978-84-96933-25-5

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M. Night Shyamalan M. Night Shyamalan

Nombre real Manoj Nelliyattu Shyamalan Nacimiento

Mahé, Puducherry, India 6 de agosto de 1970 (42 años) Familia

Cónyuge

Bhavna Vaswani (1993-) Ficha

[1]

en IMDb

Manoj Nelliyattu Shyamalan (n. Pondicherry, India, 6 de agosto de 1970), conocido como M. Night Shyamalan, es un director de cine y guionista indio nominado al premio Óscar.

Biografía Inicios Creció en Penn Valley, Pennsylvania, un suburbio de Filadelfia (Estados Unidos). A los ocho años le regalaron una cámara Super-8, y a partir de este hecho surgió su pasión por hacer cine imitando a su héroe de aquel entonces, Steven Spielberg. A los 17 años había realizado 45 películas caseras. Estudió en la Escuela Tisch de las Artes (TSOA) de la Universidad de Nueva York, y fue en esta época cuando cambió su segundo nombre, Nelliyattu, por el de Night. Praying with Anger fue su primer largometraje, y está basado en parte en su primera visita a la India desde que su familia emigró a EE. UU. Es admirador y fanático de Julio César.

Carrera Las características principales del cine de Shyamalan son argumentos con giros inesperados, un tratamiento realista del terror y el suspenso y la aparición breve de Shyamalan en cada uno de sus filmes. Hasta ahora, incluyendo El incidente, todas sus películas —exceptuando Praying with anger (1992)—, han sido rodadas en Filadelfia o en algún lugar del estado de Pennsylvania. El despegue comercial y crítico de Shyamalan se debió a The Sixth Sense (con Bruce Willis), película que dirigió y produjo. Fue un gran éxito internacional y en EE. UU., y fue la segunda película que más recaudación obtuvo en 1999. Consiguió seis nominaciones a los Óscar, entre ellas al mejor director y al mejor guion. Tras este éxito y el éxito económico de El protegido (también protagonizada por Willis) le ofrecieron escribir la cuarta parte de la serie cinematográfica Indiana Jones —se sabe de su admiración por Spielberg, su director favorito,

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y Hitchcock— y dirigir la tercera película de Harry Potter, y rechazó ambas ofertas. Más tarde comenzó a producir la película que lo convirtió en el guionista mejor pagado de Hollywood cuando la Disney le dio cinco millones de dólares por Signs (Señales, 2002). Gracias a esta película, ha vuelto a recrearse en las mieles del éxito. En sus dos siguientes películas, The village (El bosque o La aldea, 2004) y La joven del agua (2006), la crítica se ha dividido: unos que apoyan incondicionalmente su cine, diciendo que estas películas superan a las anteriores, y el resto que dicen que ha iniciado un declive del que esperan que remonte. Acompañado en sus películas con el aclamado compositor James Newton Howard, nominado a los Óscar por su trabajo para The village, en 2004 han acabado siendo inseparables, logrando experiencias únicas en la sala de cine, aportándole a sus películas lo que requieren y creando fascinantes atmósferas. Una de sus características es aparentar ser películas de suspenso, cuando son mucho más que eso. Denominado por los críticos como «el director cebolla», por las capas con las que cuentan sus películas. The Sixth Sense es una historia de redención —quiere salvar al niño que le recuerda a otro que en su momento no pudo salvar—; Señales sobre las dudas de fe; El bosque o La aldea como una historia de amor en condiciones adversas y, sobre todo, como una demostración de la cohesión de un grupo humano debido a una amenaza externa; La joven del agua encierra el mensaje de que todos tenemos un papel que cumplir en la tierra y de que nuestras acciones siempre tienen repercusiones en el futuro... y de ahí radica el éxito de su cine; es mucho más de lo que aparenta, y logra captar a más público: los que quieren pasar un buen rato y los que quieren ver más cine. En junio de 2008 se estrenó El incidente. Se concibió inicialmente como The Green Effect, pero fue rechazado categóricamente por varios estudios, hasta que la Fox le echó un vistazo y se hizo con los derechos para producirla siempre que Shyamalan reescribiese el guion de cabo a rabo. Fue la primera película del director que recibió la clasificación «No recomendada para menores de 18 años» en EE. UU. En 2010 ha estrenado su última película, con un presupuesto desorbitado, basada en la serie animada Avatar: la leyenda de Aang, The Last Airbender, estrenada en España con el nombre Airbender, el último guerrero y en Latinoamérica como El último maestro del aire, de Nickelodeon Movies. El reparto de la película se fijó en 2008 con actores amateurs: Nicola Peltz (Katara), Jackson Rathbone (Sokka), uno de los protagonistas de Twilight (Crepúsculo) y Noah Ringer (Aang). En enero de 2009 se agregó al reparto Dev Patel, protagonista de la película multipremiada con los Óscar Slumdog Millionaire, reemplazando a Jesse McCartney para interpretar a Zuko. Actualmente está dirigiendo una película cuyo nombre es After Earth y la primera película de Shyamalan en coescribir el guion. la película será producida por Will Smith.

Cameos Shyamalan ha tenido roles secundarios en distintas películas dirigidas por él: • En The Sixth Sense es el médico que atiende al niño, que sospecha de posibles malos tratos por parte de su madre. • En El protegido aparece como un simple asistente en el estadio donde trabaja el personaje de Bruce Willis, quien lo cachea creyendo que el protagonista trafica con drogas. • En Señales escoge un personaje más importante, al menos en el aspecto dramático, ya que es quien por accidente mata a la mujer del personaje de Mel Gibson.

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• En El bosque o La aldea es también un personaje en cierto modo importante: es el guarda del lugar donde están las medicinas que necesita Ivy Walker. • En La joven del agua o La dama en el agua sale caracterizado como un escritor novel que se encuentra escribiendo un libro que será muy influyente para el futuro; en esta película es en la que su aparición es más que

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un pequeño cameo, ya que su personaje tiene bastantes apariciones a lo largo del filme. • En El incidente o El fin de los tiempos es Joey, el compañero de trabajo que constantemente llama a Alma Moore. Solo se oye un «hola» de la voz de Joey. También puede vérselo sentado en uno de los asientos laterales del tren, y se asoma cuando el vehículo se detiene. Este tipo de participaciones es común en la filmografía del maestro del suspense Alfred Hitchcock en las cuales durante las tres décadas dirigió películas en Hollywood a razón de una por año, reservándose en todas ellas una breve aparición (cameo), siempre sin diálogo.

Filmografía • • • • • • • •

2010 - Devil (película) 2010 - The Last Airbender 2008 - El Fin de los Tiempos (Latinoamérica), El Incidente (España) (The Happening) 2006 - La joven del agua (Lady in the Water) 2004 - El bosque (The Village) 2002 - Señales (Signs) 2000 - El protegido (Unbreakable) 1999 - El Sexto Sentido (The Sixth Sense)

• 1999 - Stuart Little (Guion) • 1998 - Wide awake • 1992 - Praying with Anger

Premios Óscar Año

Categoría

1999 Óscar al mejor director

Película

Resultado

The Sixth Sense Nominado

1999 Óscar al mejor guion original The Sixth Sense Nominado

Actores The Sixth Sense El protegido Señales The Village Lady in the Water The Happening Frank Collison

Done

Bryce Dallas Howard

Done

Cherry Jones

Done

Done

Joaquin Phoenix

Done

Done

Bruce Willis

Done

Done

Done Done

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Enlaces externos • M.Night Shyamalan [2] • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre M. Night ShyamalanCommons. • Ficha de M. Night Shyamalan en inglés [3] y en español [1] en Internet Movie Database. • [4]

Referencias [1] [2] [3] [4]

http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0796117 http:/ / www. mnight. com http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0796117 http:/ / www. thenightchronicles. com/ devil/

Martin Scorsese Martin Scorsese

Martin Scorsese en Nueva York en 2007. Nombre real

Martin Charles Scorsese

Nacimiento

Nueva York, Estados Unidos 17 de noviembre de 1942 (69 años)

Ocupación

Director, productor, actor y guionista

Año de debut

1963 Familia

Pareja

Laraine Marie Brennan (1965-1971) Julia Cameron (1976-1977) Isabella Rossellini (1979-1982) Barbara De Fina (1985-1991) Helen Morris (1999-presente) Premios

Premios Óscar

Mejor director 2006 The Departed

Globos de Oro

Mejor director 2003 Gangs of New York 2007 The Departed 2012 Hugo Premio Cecil B. DeMille 2010 Premio a la Trayectoria Profesional

Martin Scorsese

115 Premios BAFTA

Mejor director 1990 Goodfellas Mejor guion adaptado 1990 Goodfellas BAFTA Academy Fellowship Award (2012)

Festival de Cannes Palma de Oro 1976 Taxi Driver Mejor director 1985 After Hours Premios César

César Honorífico 2000 Premio a la Trayectoria Profesional

Otros premios

Premio FIAF 2001 Ficha

[1]

en IMDb

Martin Charles Scorsese[2] (Queens, Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista, actor y productor estadounidense de cine, ganador de un Óscar, tres Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de Honor francesa en 1987. Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,[3] el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.[4] Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed, la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, que son buenos amigos suyos. A su vez, el 17 de enero del año 2010 se le otorgó el galardón honorífico "Cecil B. DeMille" en los premios Globos de Oro por su "sobresaliente contribución al campo del entretenimiento."[5] Scorsese es Presidente de The Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a la preservación del material fílmico en deterioro.

Biografía Inicialmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas, que reflejan una crianza católica. Se sintió atraído por el cine a una edad muy temprana con películas como Raices profundas, La ventana indiscreta, o La heredera, y admite estar obsesionado con las películas, obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño que enfermaba a menudo, pasaba mucho tiempo de convalecencia en casa, observando desde su ventana lo que ocurría en la calle. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo que contribuyó a su determinación en ser cineasta.

Martin Scorsese

Finales de los 1960 y años 1970 Martin Scorsese pertenecía a una familia de la clase trabajadora; su padre era planchador de pantalones. Sus padres fueron el tema de su documental Italianamerican, y realizaron numerosas apariciones en las películas de su hijo como actores secundarios. Durante varios años, su madre trabajó como la proveedora oficial de comida en todas las producciones de Scorsese, mientras su padre trabajaba en el departamento de vestuario. En la película Goodfellas (Buenos muchachos o Uno de los nuestros), Scorsese dijo que nadie planchaba cuellos como su padre lo hacía. Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. De 1967 data su cortometraje The Big Shave. Ese mismo año realizó su primer largometraje, Who's That Knocking at My Door? (¿Quién llama a mi puerta?) con su compañero de estudios Harvey Keitel, y a partir de entonces formó parte de la "banda" de cineastas de la década de 1970: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas y Steven Spielberg. De Palma fue quien le presentó a Robert De Niro, lo cual dio pie a una estrecha amistad que los llevó a compartir muchos proyectos. En este periodo, Scorsese también trabajó como editor de la película Woodstock y realizó el documental Street Scenes (1970). En 1972, Scorsese dirigió Boxcar Bertha por encargo del productor de películas de serie B Roger Corman, quien había ayudado a muchos directores a comenzar sus carreras, entre los que destacan Francis Ford Coppola, James Cameron y John Sayles. Con Boxcar Bertha, Scorsese aprendió a hacer filmes rápidamente y de forma económica, lo cual le preparó para su primera película con Robert De Niro (aunque éste aún encarnaba a un personaje secundario y el protagonista seguía siendo Keitel), Mean Streets (Malas calles). Hasta esta película Scorsese no se sentía satisfecho con su trabajo, pero aquí fraguó finalmente un estilo personal e intransferible. La película no resultó un éxito de taquilla, pero llamó poderosamente la atención de la crítica, y Scorsese y De Niro comenzaron a sonar con gran fuerza en los circuitos de Nueva York. Entonces, la actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en la película Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí), de 1974. Burstyn ganó un Óscar a la mejor actriz por esta película. Scorsese demostraba con este drama realista, que podía moverse en muchos registros sin ningún problema. A continuación, Scorsese exploraría sus raíces étnicas en el documental Italianamerican, sobre sus padres Charles y Catherine Scorsese. Dos años después, en 1976, Scorsese asombró al mundo con Taxi Driver. Sobre un libreto de Paul Schrader, uno de los guionistas más brillantes de las últimas décadas del siglo XX en EE. UU., quien se inspiró en varias noches noctámbulas que vivió tras su divorcio, Scorsese se vio catapultado al estrellato con esta perturbadora historia, que protagonizó magistralmente un Robert De Niro en plenas facultades tras su gran éxito con El Padrino, parte II. La película se alzaría con la Palma de Oro del Festival de Cannes y generaría un creciente prestigio que se mantiene hasta el día de hoy. Todavía hay un papel de reparto para Harvey Keitel y supuso el descubrimiento de una joven Jodie Foster, quien tendría una de las cuatro nominaciones al Óscar como mejor actriz de reparto. Su enorme fama le dio coraje para afrontar un atípico musical, su primera película de alto presupuesto: New York, New York. La pareja protagonista estuvo formada nuevamente por De Niro, en su tercera colaboración con el director, y una incombustible Liza Minnelli. Ambos daban cuerpo a un dúo -él saxofonista, ella cantante- que a lo largo de varias décadas mantuvieron una relación amorosa mientras trabajaban juntos en varios espectáculos musicales. Contó con un gran trabajo de decorados a cargo de Boris Leven, Harry Kemm y Robert De Vestel, pero no fue suficiente para atraer al público a las salas y amortizar el alto coste del filme. Este tributo musical a la ciudad natal de Scorsese fue un rotundo fracaso de taquilla, pero su canción principal, New York, New York alcanzó la categoría de clásico en la versión cantada por Frank Sinatra. Para entonces, Scorsese ya había desarrollado una grave adicción a la cocaína. Entre su adicción y la depresión provocada por el último filme, Scorsese aún encontró la creatividad suficiente para hacer The Last Waltz (El último vals, 1978), un documental bellamente fotografiado sobre un concierto de The Band. Ese mismo año, apareció otro

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Martin Scorsese documental dirigido por Scorsese, titulado American Boy.

Años 1980 Convencido de que estaba haciendo su última película, Scorsese invirtió todas sus energías en Raging Bull (Toro salvaje), sobre la vida y la carrera pugilística del violento y perturbado Jake LaMotta, de nuevo sobre guion de Paul Schrader, que adaptaba libremente las memorias del deportista. Scorsese decidió rodar en blanco y negro, en parte para atenuar el rechazo a la enorme violencia del filme y en parte para hacerlo más realista, pero también perdió así gran potencial comercial. Robert De Niro interpretó con gran talento a LaMotta (ganaría su segundo Óscar por este papel), y Joe Pesci a su hermano. Además, esta película supone el comienzo de la colaboración con la montadora Thelma Schoonmaker, viuda de Michael Powell, a la que conoció trabajando en los documentales Street Scenes y Woodstock, y que desde entonces ha sido fiel colaboradora en todos sus proyectos y que le ayudaría a cristalizar sus ideas sobre montaje. La película no alcanzó ningún éxito de público, pero afianzó nuevamente a Scorsese en el podio de los realizadores más poderosos del panorama norteamericano, a la vez que de los más arriesgados, en pleno momento de crisis, con los estudios radicalizando sus ideas y con los autores en estado de sospecha tras los fracasos de directores como Michael Cimino y Francis Ford Coppola. Recuperado por tanto de sus adicciones, Scorsese empezó la nueva década con una película votada la mejor de la década de 1980, por la revista británica Sight and Sound. Por entonces Scorsese ya le daba vueltas a dos proyectos que tardarían en ver la luz: The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, 1988) adaptación del libro de Nikos Kazantzakis, La última tentación (1951), y Gangs of New York. Originalmente, la primera iba a ser producida bajo el sello Paramount en 1983 con Aidan Quinn en el papel de Jesús y Sting en el de Poncio Pilatos. Sin embargo, Paramount se retiró días antes de comenzar la filmación, argumentando presiones de grupos religiosos, por lo que el proyecto tuvo que esperar casi cinco años. La segunda sería una colosal producción para la que el director no tuvo inversión hasta veinte años después. Tres años después de su drama sobre el boxeo, Scorsese estrenaría una de sus películas menos conocidas y más reivindicables, la comedia negra King of Comedy (El rey de la comedia), de nuevo interpretada por De Niro, que daba vida a un fanático de un cómico encarnado por Jerry Lewis. Nuevo fracaso de taquilla. En 1985 regresa a Nueva York para rodar un filme más acorde a lo que generalmente se espera de él, un retrato de los bajos fondos neoyorquinos. After Hours representa, en cierta medida, un retorno a ambientes en los que él se maneja a la perfección, aunque esta ocasión se trata de un relato con tintes kafkianos, en el que un pseudo yuppie vive una delirante pesadilla dentro de los límites más perturbadores de Soho. La película obtendría un más que digno resultado en taquilla y le reportaría a Scorsese el premio al mejor director en el Festival de Cannes. En 1986, dirigió The Color of Money (El color del dinero), protagonizada por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. El filme es una secuela de The Hustler (El buscavidas, de Robert Rossen), en la que Paul Newman ya interpretó al jugador de billar Eddie Felson. En esta ocasión se trata de un homenaje, y a la vez, segunda parte hacia aquel mítico filme, pero en color y proponiendo una aventura plenamente scorsesiana, con un ya maduro Felson redimiéndose de su pasado. Segundo Óscar para Newman, éste como Mejor actor después de que el año anterior ganara uno como homenaje a toda su carrera. Finalmente Scorsese pudo filmar The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo) en 1988, con un presupuesto modesto pues Scorsese sabía que el filme no iba a arrasar en las taquillas. Sin embargo, no anticipó el furor y la controversia que iban a desatarse cuando el filme fue estrenado al año siguiente. Las protestas en todo el mundo llegaron a la quema de varias salas, y a su prohibición durante más de quince años en algunos países. Por este filme, Scorsese recibió su siguiente nominación al Óscar al mejor director, que tampoco ganó. Sin embargo, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película otorgó credibilidad y prestigio al filme. En 1989 se reunió con sus amigos Francis Ford Coppola y Woody Allen para rodar el filme colectivo Historias de Nueva York, para el que cada uno de ellos dirigiría un mediometraje. El primero de ellos es precisamente el de Scorsese, y quizá el mejor: Life Lessons, sobre las relaciones amorosas de un pintor deprimido (interpretado por Nick

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Martin Scorsese Nolte), quien intenta inspirarse gracias a la presencia de Rosanna Arquette.

Años 1990 Lo primero que se vio en 1990 dirigido por él fue el alabado corto documental Made in Milan, en torno a la figura de Giorgio Armani. Pero ese año Scorsese dirigiría su primera película sobre la mafia desde Mean Streets. Con Goodfellas Scorsese regresa al aprendizaje acumulado en Little Italy, para contarnos la historia verídica del ex gángster Henry Hill, interpretado por el entonces emergente Ray Liotta. En tono elegíaco, crispado y cínico, narra tres décadas en la vida de un trío de gangsters (Liotta, un recuperado Joe Pesci y De Niro) que trabajan para una familia siciliana asentada sobre todo en los alrededores del aeropuerto de Nueva Jersey. Considerada por muchos analistas como una de las películas más importantes sobre la mafia que se han hecho, Goodfellas propone una irónica versión del sueño americano, pervirtiéndolo a través de los ojos de Hill. La película obtuvo un sinfín de alabanzas, y era la favorita para los premios Óscar, largamente codiciados por Scorsese dada su cinefilia, pero perdió en favor del inferior Dances with Wolves de Kevin Costner (Bailando con lobos), aunque Pesci se alzó con la estatuilla a mejor actor en papel de reparto. Scorsese prosiguió su carrera haciendo un remake de una película clásica que protagonizó Robert Mitchum en 1962: Cape Fear, (El cabo del terror, El cabo del miedo), contó con De Niro como Max Caddy, Nick Nolte como Sam Bowden, Jessica Lange como su mujer y una debutante Juliette Lewis como la hija de ellos. Resultó el mayor éxito económico de su director hasta la fecha, aunque teniendo en cuenta que iba en principio a ser dirigida por Steven Spielberg mientras él haría La lista de Schindler (luego se intercambiaron proyectos), y teniendo en cuenta que Spielberg ganaría el Óscar por ésta, supuso una nueva decepción más respecto al Óscar. En 1993 Scorsese regresaría a un cine mucho más personal y arriesgado, con la adaptación de Edith Warthon, en uno de sus textos más célebres: The Age of Innocence (La edad de la inocencia). Con Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer y Winona Ryder, muchos se sorprendieron de ver a Scorsese en un proyecto a lo Visconti, no sabiendo quizá lo mucho que admira él al director italiano. La película goza de una gran consideración crítica, y se mantiene hoy como un discurso más de su director dentro de la ciudad de Nueva York. En 1995 rodó una nueva historia de gangsters, con un dúo conocido (De Niro y Pesci), y la sorprendente aportación de una fenomenal Sharon Stone, Casino, sobre los casinos controlados por la mafia en los años 70 y 80 en la ciudad de Las Vegas. Tres horas de melodrama en la línea de sus aportaciones al género y con un tono melancólico desconocido hasta el momento. 1997 sería el año de otro proyecto no muy bien recibido por sus admiradores, que siempre esperan películas de la mafia: Kundun, sobre la vida y exilio del decimocuarto Dalái Lama, una película que algunos sectores críticos intentan reivindicar. En 1999 estrenó Bringing Out the Dead, que viene a ser como la otra cara de la moneda de la pesadilla urbana de Taxi Driver, con un paramédico (Nicolas Cage) noctámbulo incapaz de olvidar que una noche no pudo salvar a una drogadicta e intenta redimirse. La película fue acogida con frialdad.

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Década de 2000 En 2002, Scorsese por fin dirigió uno de sus más ansiados proyectos, Gangs of New York, la cual fue su empresa más arriesgada hasta el momento, con presupuesto superior a los cien millones de dólares, el más alto en la carrera de Scorsese. La reacción de la crítica hacia la película fue moderadamente positiva, y a pesar de su alto coste consiguió recuperar gastos e incluso produjo beneficios, por lo que la aventura se saldó con éxito. Además, recibió diez nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor película, Mejor director, y Mejor actor (para Daniel Day-Lewis). Scorsese perdió nuevamente, esta vez frente a Roman Polanski y su El Pianista y frente a Chicago. Significó el comienzo de su alianza con Leonardo DiCaprio.

Scorsese junto a Leonardo DiCaprio y Cameron Diaz.

El siguiente filme de Scorsese fue The Aviator (El aviador), película biográfica del excéntrico multimillonario y pionero de la aviación Howard Hughes. El filme fue lanzado a finales de 2004, con polarización de la crítica. Ganó tres Globos de Oro, incluyendo el de Mejor película dramática. En la entrega de los premios Óscar, El aviador fue la película con más nominaciones (once, incluyendo Mejor película, Mejor director y Mejor actor para Leonardo DiCaprio). Esta vez, Scorsese también salió con las manos vacías, al ver a Clint Eastwood llevarse el Óscar al mejor director y a la Mejor película con Million Dollar Baby. El 5 de enero de 2005, Scorsese recibió el reconocimiento de la Légion d'honneur de parte del gobierno de Francia, por sus contribuciones al cine. Después de presentar su documental sobre Bob Dylan en 2005, No Direction Home, sorprendió a todos en 2006 con su galardonada The Departed, remake de la aclamada película china Infernal Affairs. En esta cinta policíaca se reunió nuevamente con Leonardo DiCaprio y, por primera vez, con Jack Nicholson. El 25 de febrero de 2007, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood le entregaba el Óscar al mejor director (y otros 3 Óscar, entre ellos el de Mejor película) con lo que finalmente Scorsese se hacía con la estatuilla a la que había estado nominado 8 veces y nunca había ganado, ni como director ni como guionista. A finales de 2007 rueda un spot publicitario para la firma de cava Freixenet: The Key to Reserva, traducido al español como La clave Reserva, en el que Scorsese ha realizado un cuidado homenaje a Alfred Hitchcock, especialmente a su película El hombre que sabía demasiado. En la 67 ceremonia de los Globos de oro se le otorgó el premio Cecil B. DeMille por su gran carrera en la industria cinematográfica. En 2008 realiza el documental Shine a Light, sobre el grupo de rock Rolling Stones. Ese mismo año se anuncia su participación como productor de la serie Boardwalk Empire, ambientada en la época de la Ley seca. Cuenta con Steve Buscemi, Kelly Macdonald, Michael Pitt, Michael Shannon y Stephen Graham como actores, y además el mismo Scorsese dirigió el capítulo piloto.[6][7] En el año 2010, Scorsese vuelve a trabajar por cuarta vez con Leonardo DiCaprio, en el thriller psicilógico Shutter Island, una adaptación de la novela de Dennis Lehane ambientada en los años 50, en la que un oficial de policía (DiCaprio) y su ayudante (Mark Ruffalo) deben investigar la confusa desaparición de un interno en un hospital psiquiátrico. Después dirigió Hugo Cabret, que fue estrenada en el año 2011 en 3D y en formato de cine convencional, y contó con la actuación de Asa Butterfield, Chloë Moretz y Ben Kingsley. Esta película recibió cinco premios de la academia.

Martin Scorsese Vanity Fair publico la lista de los Top 40 celebridades de Hollywood con más ingreso a lo largo de 2010. Scorsese fue clasificado no. 32 en la lista, ganó un estimado $17 millones por sus películas. Acaba de ganar su tercer Globo de Oro al Mejor Director, por Hugo[8]

Vida privada Se ha casado cinco veces. Su primera mujer fue Laraine Marie Brennan, y tuvieron una hija, Catherine. Se casó por segunda vez, con la escritora Julia Cameron en 1976, pero el matrimonio solo duró un año. Tuvieron a Domenica Cameron-Scorsese Se casó por tercera vez con Isabella Rossellini en 1979 y se divorciaron cuatro años más tarde (1983). Dos años más tarde, (1985), se casó con la productora Barbara De Fina. Su divorcio se realizó en 1991. Actualmente, lleva desde el año 1999 casado con Helen Morris. Ambos tienen una hija, Francesca.

Filmografía Director • 2013: The Wolf of Wall Street • 2011: George Harrison: Living in the Material World (documental). • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

2011: Hugo 2010: Boardwalk Empire (capítulo piloto) 2010: Shutter Island (La Isla Siniestra) 2008: Shine a Light (documental). 2007: The Key to Reserva (La clave Reserva). 2006: The Departed (Infiltrados) 2005: No Direction Home: Bob Dylan (documental). 2004: The Aviator (El aviador). 2004: Lady by the Sea: The Statue of Liberty (documental). 2003: The Blues: "Feel Like Going Home" (serie de televisión). 2002: Gangs of New York (Pandillas de Nueva York). 2001: The Concert for New York City: "The Neighborhood" (musical). 1999: Bringing Out the Dead (Al límite, Vidas al límite). 1999: Il mio viaggio in Italia (Mi viaje a Italia). 1997: Kundun. 1995: Casino (Casino, de Scorsese). 1995: A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano) (documental). 1993: The Age of Innocence (La edad de la inocencia). 1991: Cape Fear (Cabo de miedo, El cabo del miedo). 1990: Goodfellas (Buenos muchachos, Uno de los nuestros). 1989: New York Stories: "Life Lessons" (Historias de Nueva York: "Apuntes Del Natural", Lecciones de Vida). 1988: The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo). 1987: "Bad" (vídeo musical, Michael Jackson). 1986: The Color of Money (El color del dinero). 1986: Amazing Stories: "Mirror, Mirror" (Cuentos asombrosos: "Mirror, Mirror) (Serie de televisión). 1985: After Hours (Después de hora, Jo, ¡qué noche!, Después de las horas). 1983: The King of Comedy (El rey de la comedia).

• 1980: Raging Bull (Toro salvaje). • 1978: The Last Waltz (El último vals, El último rock).

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Martin Scorsese • • • • • • • • • • • • •

1978: American Boy: A Profile of: Steven Prince. 1977: New York, New York (película). 1976: Taxi Driver. 1974: Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí). 1974: Italianamerican (documental). 1973: Mean Streets (Malas calles, Calles peligrosas). 1972: Boxcar Bertha (El tren de Bertha, Bertha: ladrona y fugitiva). 1970: Street Scenes (documental). 1967: Who's that knocking at my door? (¿Quién llama a mi puerta?, ¿Quién toca a mi puerta?). 1967: The Big Shave (La gran afeitada) (cortometraje). 1964: It's Not Just You, Murray! (cortometraje). 1963: What's a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This? (cortometraje). 1959: Vesuvius VI (cortometraje).

Actor • 2011: Hugo (La Invención de Hugo). • 2004: The Aviator (El aviador). • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • • •

2004: Shark Tale (El espanta tiburones, El espantatiburones) (voz) (Sykes, pez globo). 2002: Gangs of New York (Pandillas de Nueva York). 1999: Bringing Out the Dead (Al límite, Vidas al límite) (voz). 1995: Search and Destroy (Busca y destruye, Buscar y destruir). 1994: Quiz Show (Quiz Show: El dilema), Martin Rittenhome. 1993: The Age of Innocence (La edad de la inocencia). 1991: Guilty by Suspicion (Caza de brujas), Joe Lesser. 1990: The Grifters (Los timadores, Los tramposos). 1990: Dreams (Los sueños de Akira Kurosawa), Vincent Van Gogh. 1989: New York Stories: "Life Lessons" (Historias de Nueva York: "Apuntes Del Natural", Lecciones de Vida). 1986: The Color of Money (El color del dinero) (voz). 1986: Round Midnight (Alrededor de la medianoche), Goodley. 1985: After Hours (Después de hora, Jo, ¡qué noche!, Después de las horas). 1983: Anna Pavlova, Gatti-Cassaza. 1983: The King of Comedy (El rey de la comedia). 1980: Raging Bull (Toro salvaje). 1980: Il Pap'occhio. 1976: Cannonball!. 1976: Taxi Driver. 1973: Mean Streets (Malas calles, Calles peligrosas), Jimmy Shorts. 1972: Boxcar Bertha (El tren de Bertha). 1967: Who's that knocking at my door? (¿Quién llama a mi puerta?, ¿Quién toca a mi puerta?).

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Martin Scorsese

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Productor • • • •

2000: You Can Count on Me 2004: Nyfes 2009: The Young Victoria 2010: Boardwalk Empire

Premios Premios Oscar Año

Categoría

Película

Resultado

2012 Mejor Película

Hugo

Nominado

2012 Mejor Director

Hugo

Nominado

2006 Mejor Director

The Departed

Ganador

2004 Mejor Director

El aviador

Nominado

2002 Mejor Director

Gangs of New York

Nominado

1993 Mejor Guion Adaptado La edad de la inocencia

Nominado

1990 Mejor Director

Goodfellas

Nominado

1990 Mejor Guion Adaptado Goodfellas

Nominado

1988 Mejor Director

La última tentación de Cristo Nominado

1980 Mejor Director

Toro salvaje

Nominado

Premios Globo de Oro Año

Categoría

2012 Mejor director

Película Hugo

Resultado Ganador

2010 Premio Cecil B. DeMille

Ganador

2006 Mejor director The Departed

Ganador

2004 Mejor director

Nominado

El aviador

2002 Mejor director Gangs of New York

Ganador

1995 Mejor director

Casino

Nominado

1993 Mejor director

La edad de la inocencia Nominado

1990 Mejor director

Goodfellas

Nominado

1990 Mejor guion

Goodfellas

Nominado

1980 Mejor director

Toro salvaje

Nominado

Martin Scorsese

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Premios BAFTA Año

Categoría

Película

2011 BAFTA Honorífico

Resultado Ganador

2006 Mejor director

The Departed

Nominado

2004 Mejor director

El aviador

Nominado

2002 Mejor director

Gangs of New York Nominado

1990 Mejor guion adaptado Goodfellas

Ganador

1990 Mejor director

Ganador

Goodfellas

1976 Mejor director Taxi Driver Nominado

Premios Emmy Año

Categoría

Película

Resultado

2011 Mejor director - Serie Dramática Boardwalk Empire Ganador

Bibliografía • Bibliografía (a través de UC Berkeley) [9]

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000217 [2] http:/ / www. city-data. com/ elec2/ 06/ elec-NEW-YORK-NY-06-part9. html: New York Political Contributions by Individuals lists "MARTIN C SCORSESE (SELF-EMPLOYED/FILM DIRECTOR), (Zip code: 10021) $1000 to DEMOCRATIC SENATORIAL CAMPAIGN COMMITTEE on 06/26/06" [3] La afiliación religiosa del Director Martin Scorsese (http:/ / www. adherents. com/ people/ ps/ Martin_Scorsese. html) Pagína web creada el 27 de mayo de 2005. Modificada por última vez el 5 de septiembre de 2005. [4] Yahoo! Movies (http:/ / movies. yahoo. com/ movie/ contributor/ 1800014966) [5] « HFPA - News (http:/ / www. goldenglobes. org/ news/ id/ 146)». [6] « HBO signs writer to Scorsese's Boardwalk Empire - TV Squad (http:/ / www. tvsquad. com/ 2008/ 06/ 04/ hbo-signs-writer-to-scorseses-boardwalk-empire/ )». [7] (http:/ / www. adicto. tv/ boardwalk-empire-¿scorsese) [8] Newcomb, Peter. « Hollywood’s Top 40 (http:/ / www. vanityfair. com/ hollywood/ features/ 2011/ 03/ hollywood-top-earners-201103?currentPage=1)», Vanity Fair, marzo de 2011. Consultado el 3/3/12. [9] http:/ / www. lib. berkeley. edu/ MRC/ martinscorsese. html

Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Martin ScorseseCommons. • Ficha de Martin Scorsese en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000217) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000217) en Internet Movie Database. • Martin Scorsese (http://arteycultura.tv/?p=1677) Vídeo de vida y obra. • Scorsese and His Films (http://www.scorsesefilms.com/) (en inglés) • Martin-Scorsese.net (http://www.martin-scorsese.net/) (en inglés) • Entrevistas para la BBC (http://www.bbc.co.uk/bbcfour/audiointerviews/profilepages/scorsesem1.shtml) • Senses of Cinema: Great Directors Critical Database (http://www.sensesofcinema.com/2002/great-directors/ scorsese/)

Martin Scorsese

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• Los 10 Magníficos: monográfico sobre Martin Scorsese (http://www.canaltcm.com/los10magnificos/ver/ los10magnificos-scorsese) en TCM. • Dossier: La Representación del Miedo en Scorsese (http://www.escribiendocine.com/articulos/ scorsese-y-los-miedos)

Mel Gibson Mel Gibson

Mel Gibson en el Festival de Cannes 2011. Nombre real

Mel Columcille Gerard Gibson

Nacimiento

Peekskill, Nueva York, Estados Unidos 3 de enero de 1956 (56 años) Características físicas

Estatura

1,75 cm Familia

Cónyuge

Robyn Moore Premios

Premios Óscar Mejor director 1995 Braveheart Mejor película 1995 Braveheart Globos de Oro Mejor director 1996 Braveheart Ficha

[1]

en IMDb

Mel Columcille Gerard Gibson AO (Peekskill, Nueva York, 3 de enero de 1956) es un actor, director y productor de cine australiano-estadounidense. Tras lograr la fama con las series de películas Mad Max y Arma Letal, Gibson se embarcó en dirigir y actuar en la película ganadora de cinco Premios de la Academia Braveheart, incluyendo mejor película y mejor dirección. La dirección de Gibson en esta película le convirtió en el sexto actor-director ganador del Óscar como Mejor Director.[2] En Firma de Mel Gibson. 2004, dirigió y produjo La Pasión de Cristo, película que logró recaudar más de 600 millones de dólares,[3] y que relataba las últimas horas de la vida de Jesucristo.

Mel Gibson

Infancia y juventud Mel Gibson es hijo de Hutton Gibson y de Anne Reilly Gibson. Su abuela materna fue una cantante de ópera australiana, Eva Mylott. Fue el sexto de once hijos, uno de sus hermanos menores, Donald, es también actor, su carrera actoral toma rumbo gracias a Edmanuel Lucena de Venezuela quien envió una carta sugiriendo el guion de la obra mencionada posteriormente. Su nombre Mel proviene del fundador de la diócesis de Ardagh, un santo irlandés del siglo V, mientras que su nombre Columcille, también ha sido vinculado a un santo irlandés.[4] Columcille es el nombre de la parroquia en el Condado de Longford donde nació y se crio Anne Reilly. Mel Gibson, nació y vivió sus primeros años en Estados Unidos, cuando el padre de Mel trabajaba para la compañía de ferrocarriles New York Central, tuvo una lesión por la que demandó a la empresa, en febrero de 1968 el jurado le concedió indemnizaciones por $145.000.[5] Luego la familia Gibson se fue a vivir a Australia debido a las protestas de Hutton Gibson contra la Guerra de Vietnam a la cual los hermanos mayores de Mel arriesgaban ser reclutados. También se debió a que Hutton pensaba que los cambios en los Estados Unidos se estaban volviendo inmorales.

Familia El 7 de junio de 1980 Gibson contrajo matrimonio con Robyn Moore, una enfermera a quien conoció a través de un servicio de citas. La pareja tiene siete hijos. Una hija y seis hijos: Hannah (1980), los gemelos Edward y Christian (1982), Willie (1985), Louis (1988), Milo (1990) y Tommy (1999). En 2009 Robyn pidió el divorcio alegando diferencias irreconciliables. Aunque Gibson es católico y Robyn es anglicana, él nunca ha desaprobado sus creencias, diciendo que “el verdadero amor no conoce barreras”. Él también la ha llamado su “Roca de Gibraltar, sólo que más hermosa”. Luego de su divorcio de Robyn, Mel se relacionó con la cantante y pianista rusa Oksana Grigorieva, con quien tuvo una hija. Se separaron por la supuesta violencia doméstica ejercida por Mel. Salieron a la luz escandalosas grabaciones telefónicas en las cuales Gibson agrede verbalmente a Oksana y acepta haberla golpeado mientras ella cargaba con la bebé en sus brazos.

Honores El 25 de julio de 1997, Gibson fue nombrado Oficial de la Orden de Australia honorario (AO), como reconocimiento por su "servicio a la industria australiana de cine". El premio fue honorario porque puede ser sustancial sólo para los ciudadanos australianos.[6][7] En 1985, Gibson fue nombrado "El Hombre Vivo Más Sexy (The Sexiest Man Alive)" por la revista People, siendo la primera persona en ser nombrada como tal.[8] En 1995 Gibson declinó de forma secreta el nombramiento para la Orden de las Artes y Letras que concede el gobierno francés, como protesta a la reanudación de pruebas nucleares de Francia en el Pacífico suroeste.[9] En 2004 la revista Time eligió a Mel Gibson y a Michael Moore como "Hombre del Año" (Men of the Year), pero Gibson rechazó ir a la sesión fotográfica y conceder una entrevista, por lo que en la portada terminó apareciendo George W. Bush.[10]

Caridad Aunque los Gibson han evitado dar publicidad respecto a sus obras de caridad, se cree que donan grandes cantidades de dinero a obras de caridad.[11] Una conocida obra de caridad es “Healing The Children”. De acuerdo con Cris Embleton, uno de los fundadores, los Gibson han dado millones para proveer medicinas con el objeto de ayudar a los niños necesitados en el mundo entero.[12] [13] Mientras filmaba la película Apocalypto en las junglas de México, en Veracruz, Gibson donó dinero para construir casas para los pobres en la región.[14]

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Mel Gibson

Religión Tomando en cuenta muchas de sus posturas, Gibson puede ser considerado un católico romano tradicionalista. En 2004, condenó publicamente la financiación estatal de las investigaciones sobre células madre, lo que incluía clonar un embrión humano. En marzo de 2005 emitió una declaración en contra de la eutanasia respecto al caso de Terri Schiavo, y se refirió a su muerte como un "asesinato por sanción estatal" durante el programa radial de Sean Hannity.[15] Gibson ha expresado la creencia de que Dios le está indicando su camino, particularmente respecto a la película La Pasión de Cristo. En 2003 contó al The New Yorker: "Hay señales. Señales de gracia, así se llaman. Es tan clara como una luz de un semáforo. ¡Bing! Quiero decir, simplemente te agarra y sabes que tienes que escuchar y seguirlo."[16] Durante una proyección de la película ante el clero, dijo que el Espíritu Santo estaba haciendo la película mediante él. "Yo simplemente dirigía el tráfico".[16]

Política Si bien él nunca se ha identificado como un Republicano conservador, así ha sido catalogado por el periódico The Washington Times y por el WorldNetDaily, que incluso llegó a publicar que un grupo de republicanos querían presentarlo como candidato presidencial para las elecciones primarias del partido.[17] Gibson mostró y expresó su admiración por el director Michael Moore por su documental Fahrenheit 9/11.[18] La productora de Gibson, Icon Productions, había acordado originalmente apoyar la película de Moore, pero vendió sus derechos abruptamente a Miramax Films. Moore señaló su creencia de que "altos Republicanos" intimidaron a Mel Gibson para que así lo hiciera.[19] En una entrevista para la revista Playboy de julio de 1995, Gibson dijo que el Presidente Bill Clinton era un "oportunista de bajo nivel" porque alguien le "señalaba lo que tenía que hacer". Señaló su creencia de que Clinton y otros políticos habían ganado becas Rhodes, lo cual formaba parte de un engaño para convertir a los estudiosos de Rhodes en políticos para crear un "nuevo orden mundial". Dijo que esto era una forma de marxismo.[20][21] En 2006 Gibson declaró a la revista inglesa Empire que el miedo del que habla en su película Apocalypto le "recordaba un poco al presidente Bush y sus muchachos."[22] Ha criticado a la Guerra en Irak en varias entrevistas.[23]

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Polémicas Homofobia En 21 de enero [de 1992] por la cadena ABC-TV Good Morning America Gibson se negó a pedir disculpas a los hombres homosexuales, que ridiculizó a finales del año pasado en una entrevista con la revista dominical del diario de España, El País. En la entrevista, publicada el 01 de diciembre de 1991, a Gibson se le preguntó directamente su opinión sobre los homosexuales. Él respondió: «Que les den por el culo». Riéndose, se levanta, pone el trasero en pompa y se lo señala. «Esto es solo para hacer caca». El entrevistador recuerda que Gibson había expresado temor de que la gente pudiera pensar que es gay porque es actor. Respondiendo: «¿Quién va a pensar que con esta pinta soy gay? Yo no me presto a ese tipo de confusiones. ¿Hablo como un homosexual? ¿Hablo como ellos? ¿Me muevo como ellos?».[24]

Antisemitismo

"Mugshot" de Gibson tomado el 28 de Julio de 2006. El incidente en el que fue acusado de antisemita.

Ha sido tachado de antisemita, debido a unas polémicas declaraciones en las que afirmó que los judíos tenían la culpa "de todas las guerras del mundo".[25]Dichas declaraciones las hizo en estado ebrio. Por este motivo Winona Ryder lo tachó de antisemita. Además, según la actriz, éste se habría mofado también de las víctimas del Holocausto.[26]

Abuso del alcohol Gibson declaró que comenzó a beber alcohol a la edad de trece años. En una entrevista en 2002, hablando sobre su tiempo en el National Institute of Dramatic Art, Gibson dijo: "He tenido altos muy buenos, pero algunos bajos muy bajos. Me enteré hace poco que soy maníaco-depresivo." En 1984, después de un accidente automovilístico en Toronto bajo la influencia del alcohol, a Gibson se le prohibió conducir en Ontario durante tres meses. Se retiró a su granja en Australia durante más de un año para recuperarse, pero siguió luchando con la bebida. A pesar de este problema, Gibson se ganó una reputación en Hollywood por su profesionalismo y puntualidad, de manera que el director Richard Donner dijo haberse sorprendido cuando Gibson le confesó que bebía hasta cinco pintas de cerveza durante el desayuno. A principios de la década del 2000, Gibson dijo que la desesperación que sentía después de los treinta años de edad, lo llevó a contemplar el suicidio, pero se apoyó en la Pasión de Cristo para sanar sus heridas. Tomó un tiempo libre de la actuación en 1991 y buscó ayuda profesional. Ese año, los abogados de Gibson no lograron evitar que el Sunday Mirror publicara que Gibson asistió a reuniones de Alcohólicos Anónimos. En 1992, Gibson prestó apoyo financiero al Centro de Recuperación de Hollywood, diciendo: "El alcoholismo es algo que corre en mi familia. Es algo que está cerca de mí. La gente se recupera de ello, es un milagro." El 28 de julio de 2006, Gibson fue arrestado por conducir bajo la influencia del alcohol. Conducía a exceso de velocidad y en su vehículo habían envases abiertos de alcohol, lo cual es ilegal en la mayor parte de los Estados Unidos. Según un artículo de 2011 en la revista Vanity Fair, Gibson dijo al oficial que lo arrestó "Mi vida ha

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terminado. Estoy jodido. Robyn me va a dejar". De acuerdo con el informe del arresto, Gibson luego estalló en un arranque de ira contra el agente que lo detuvo. Gibson luego dijo "Judíos de mierda ... Los judíos son los responsables de todas las guerras en el mundo". Después de que el informe del arresto se filtró en TMZ.com, Gibson emitió dos disculpas a través de su publicista, y en una entrevista televisiva con Diane Sawyer, confirmó que si había dicho lo que se le imputó esa noche. Más delante se disculpó por su "despreciable" conducta, diciendo que los comentarios fueron "en un momento de locura" y pidió reunirse con los líderes judíos para que le ayudaran a "discernir el camino apropiado para su curación". Después del arresto de Gibson, su publicista dijo que había entrado en un programa de recuperación del alcoholismo. El 17 de agosto de 2006, Gibson no refutó el delito de conducir ebrio y fue condenado a tres años de libertad condicional. Se le ordenó asistir a reuniones de autoayuda cinco veces por semana durante cuatro meses y medio y tres veces a la semana durante el resto del primer año de su libertad condicional. También se le ordenó asistir a un programa de delincuentes primerizos, fue multado con 1.300 dólares, y su licencia fue restringida durante 90 días. En una audiencia en mayo de 2007, Gibson fue elogiado por su cumplimiento con los términos de su libertad condicional y su amplia participación en un programa de auto-ayuda.

Otros datos Es fanático de Los Tres Chiflados. Tiene el riñón en herradura (dos riñones fusionados en uno solo). Sufre de tabaquismo. Mide aproximadamente 1.70 metros de estatura. Fue el primer actor australiano que recibió 1.000.000 dólares por un papel en una película. En 1995 fue considerado para el papel de James Bond en GoldenEye. Fue considerado para el papel de Batman / Bruce Wayne en Batman (1989). Fue considerado para el papel de Wolverine en X-Men del 2000. Rechazó el papel de Eliot Ness en The Untouchables (1987) y el de Harvey Dent/Dos Caras en Batman Forever (1995). En 2006, rechazó el papel del sargento John McLoughlin en World Trade Center (película), y el director Martin Scorsese le envió el guión de The Departed, ofreciendo el papel de Ellerby, Gibson no pudo aceptar los papeles ya que estaba empezando la producción de Apocalypto, Nicolas Cage y Alec Baldwin los interpretaron respectivamente. Sus cintas favoritas son Horizontes de grandeza (1958), Double Indemnity (1944) y Espartaco (película) (1960). Es suegro del guitarrista Kenny Wayne Shepherd. Sufre de trastorno bipolar. Tiene la ciudadanía irlandesa, americana y australiana.[27]

Filmografía Como actor Año

Película

1977 Summer City

Rol Scallop

Director Christopher Fraser

1977 Nunca te prometí un jardín de rosas Jugador de Béisbol

Anthony Page

1979 Mad Max

'Mad' Max Rockatansky

George Miller

1979 Tim

Tim Melville

Michael Pate

1980 Ataque Fuerza Z

Captain P.G. (Paul) Kelly

Tim Burstall

1981 Gallipoli

Frank Dunne

Peter Weir

1981 Mad Max 2

'Mad' Max Rockatansky/The Road Warrior

George Miller

1982 El año que vivimos peligrosamente Guy Hamilton

Peter Weir

1984 Mrs. Soffel

Ed Biddle

Gilliang Armstrong

1984 Motín a bordo

Fletcher Christian Master's Mate

Roger Donaldson

1984 Cuando el río crece

Tom Garvey

Mark Rydell

Mel Gibson

129 1985 Mad Max Beyond Thunderdome

'Mad' Max Rockatansky

George Miller, George Ogilvie

1987 Arma letal

Sergeant Martin Riggs

Richard Donner

1988 Conexión Tequila

Dale 'Mac' McKussic

Robert Towne

1988 Arma letal 2

Sergeant Martin Riggs

Richard Donner

1990 Bird on a Wire

Rick Jarmin

John Badham

1990 Air America

Gene Ryack

Roger Spottiswoode

1990 Hamlet

Hamlet

Franco Zeffirelli

1992 Arma letal 3

Sergeant Martin Riggs

Richard Donner

1992 Eternamente joven

Capt. Daniel McCormick

Steve Miner

1993 El hombre sin rostro

Justin McLeod

Mel Gibson

1994 Maverick

Bret Maverick

Richard Donner

1995 Pocahontas

John Smith

Mike Gabriel y Eric Goldberg

1995 Braveheart

William Wallace

Mel Gibson

1996 Rescate

Tom Mullen

Ron Howard

1997 Conspiración

Jerry Fletcher

Richard Donner

1998 Arma letal 4

Sergeant Martin Riggs

Richard Donner

1999 Payback

Porter

Brian Helgeland

2000 The Million Dollar Hotel

Detective Skinner

Wim Wenders

2000 Chicken Run

Rocky

Peter Lord, Nick Park

2000 El patriota

Benjamin Martin

Roland Emmerich

2000 En qué piensan las mujeres

Nick Marshall

Nancy Meyers

2002 Señales

Rev. Graham Hess

M. Night Shyamalan

2002 Cuando éramos soldados

Lt. Col. Hal Moore

Randall Wallace

2003 El detective cantante

Dr. Gibbon

Keith Gordon

2004 Paparazzi

Anger Management Therapy Patient (cameo) Paul Abascal

2010 Edge of Darkness

Thomas Craven

Martin Campbell

2010 The Beaver

Walter Black

Jodie Foster

2011 Get The Gringo

Adrian Grunberg

Obras como director y productor El hombre sin rostro (1993) Es la historia de un hombre solitario, un profesor, MCLeod, pero que esconde un alma honesta y virtuosa, cuyo rostro está desfigurado por un accidente años atrás. El acepta ser tutor de un niño llamado Nordstart con conflictos familiares. El niño y el tutor logran formar una autentica amistad; sin embargo, la madre del niño sospecha que el tutor y el accidente que lo dejó sin rostro fue por causa de haber mantenido aparentemente relaciones homosexuales con un alumno que resultó muerto en el accidente. Ella prohíbe a su hijo que visite a quien le ha dado amistad, protección, enseñanza y apoyo debido a su aparente pasado....

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Braveheart (1995) Corazon Valiente. Está basada en la legendaria historia de Sir William Wallace (Mel Gibson), montañés de Escocia que lleva a su clan a luchar contra la tiranía de Eduardo I. Tras el brutal asesinato de su esposa a manos de ocupantes ingleses, Wallace busca venganza, y hambrientos y en inferioridad numérica, Wallace lidera a los patriotas escoceses y organiza un ejército de guerreros sedientos de libertad logrando recuperar el espíritu que haría a Escocia libre para siempre. Protagonizada por él mismo y por Catherine McCormack, fue galardonada con cinco premios de la Academia.[28] La Pasión de Cristo (2004) Recrea los agónicos y redentores eventos que tuvieron lugar durante las últimas doce horas en la vida de Jesús de Nazaret desde el momento en que acude al Huerto de los Olivos (Getsemaní) con los apóstoles a orar tras la Última Cena. Desde el estreno la película levantó una gran polémica, y más entre la comunidad judía (quienes además la declararon antisemita), motivada principalmente por las violentas escenas que se dan a lo largo del film. Mel Gibson ya había avisado su intención de rodar la película más realista de la historia sobre la figura de Jesucristo. Complete Salvages (2005) Fue una serie cómica ambientada en Massachusett de la cual Gibson tuvo la idea de hacer y dirigir algunos capítulos. La serie trata de un padre soltero Nick Savage (Keith Carradine), quien es bombero y tiene cinco hijos. Jack Savage (Shaun Sipos) el lindo y el que liga. Chris Savage (Eric Von Detten) el deportista. Sam Savage (Andrew Eiden) el inteligente y estudioso. Kyle Salvage (Evan Ellingson) el creído y T.J Salvage (Jason Dolley) el benjamín de la pandilla, un adicto a la venta por Internet con solo 13 años. Nick encuentra más paz en su trabajo que en su casa aunque sea bombero, ya que sus hijos son los que siempre se meten en líos. Apocalypto (2006) En los tiempos del imperio maya, la idílica existencia de algunos miembros de la civilización maya es brutalmente interrumpida por el ataque de una fuerza invasora. Un hombre emprende un arriesgado viaje a un mundo regido por el miedo y la opresión en el que le espera un incierto final. Debido a un giro del destino y espoleado por el amor a su esposa y su familia, emprenderá el regreso a su hogar, en un desesperado esfuerzo por preservar su forma de vida. Cabe recalcar que esta obra ocasionó su primera riña con su afamado némesis, Juan Mora Catlett, debido a que el mexicano alega que hubo plagio a su película "Retorno a Aztlán" de 1991.[29]

Premios Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

1995 Mejor película Braveheart Ganador 1995 Mejor director Braveheart Ganador

Premios Globo de Oro

Mel Gibson

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Año

Categoría

Película

Resultado

2001 Mejor actor - Comedia o Musical What Women Want Candidato 1997 Mejor actor - Drama

Rescate

Candidato

1996 Mejor director

Braveheart

Ganador

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000154 [2] 1995 Academy Awards (http:/ / www. filmsite. org/ aa95. html) [3] Box Office Mojo.com (http:/ / boxofficemojo. com/ movies/ ?id=passionofthechrist. htm) Total recaudado en Estados Unidos: 370 782 930 dólares. En el extranjero: 241 116 490 dólares. 39,4% [4] Michael Dwyer, The Irish Times critico de cine, entrevistado en la primera emisión del programa This week de la Radio RTÉ, el 6 de agosto de 2006. [5] Mel Gibson: Living Dangerously, Wensley Clarkson, Thunder's Mouth Press, New York, 1993, page 30. [6] Search Australian Honours - Simple Search (http:/ / www. itsanhonour. gov. au/ honours/ honour_roll/ search. cfm?aus_award_id=869892& search_type=simple& showInd=true) [7] Order of Australia Association (http:/ / www. theorderofaustralia. asn. au/ ) [8] Think You Know Sexy? (http:/ / www. people. com/ people/ quiz/ answer/ 0,,1113192_1113194_,00. html) [9] "It was a definite decision to make a protest against the nuclear tests," said Gibson, who is mad at French President Jacques Chirac for deciding to detonate some bombs in the Pacific. “The Hollywood Reporter” October 30, 1995, by Stephen Galloway [10] Michael Moore Defends Cruise, Slags Gibson (http:/ / www. riskybusinessblog. com/ 2006/ 09/ michael_moore_d. html) 16 de septiembre de 2006 [11] El poder detrás de la Pasión (http:/ / www. freerepublic. com/ focus/ f-bloggers/ 1316471/ posts) [12] El Actor y Director Mel Gibson dona $10 Millones de Dólares (http:/ / www. newsroom. ucla. edu/ page. asp?RelNum=5562& menu=fullsearchresults) [13] Los 14 millones en donaciones de Mel (http:/ / www. smh. com. au/ articles/ 2004/ 10/ 13/ 1097607264626. html?from=storyrhs) [14] Mel Gibson ayuda a México (http:/ / jam. canoe. ca/ Movies/ 2006/ 07/ 14/ 1685322-ap. html) [15] It's Modern Crucifixion (http:/ / www. worldnetdaily. com/ news/ article. asp?ARTICLE_ID=43576) [16] Gibson's way with words (http:/ / www. usatoday. com/ life/ people/ 2006-07-31-gibson-remarks_x. htm); USA Today 1 de agosto de 2006; accessed August 3. 2006. [17] Mel Gibson Pushed for President (Mel Gibson propuesto para la Presidencia) (http:/ / www. worldnetdaily. com/ news/ article. asp?ARTICLE_ID=43659) [18] Moore, Gibson: I Love His Work (Me encanta su trabajo) (http:/ / www. foxnews. com/ story/ 0,2933,143924,00. html) [19] Not so hot: Fahrenheit 9/11 is more smoke than fire (http:/ / www. bostonphoenix. com/ boston/ movies/ documents/ 03931494. asp) [20] Grobel, Lawrence, "Interview: Mel Gibson". Playboy. July 1995. Vol. 42, No. 7, Pg. 51. Retrieved May 17 2006. [21] Wright, Tony. " Dream candidate (http:/ / bulletin. ninemsn. com. au/ bulletin/ EdDesk. nsf/ 0/ f77194e3cefc348dca256dbc0080d411?OpenDocument)" Ninemsn's The Bulletin. October 15, 2003. Retrieved May 17, 2006. [22] Gibson Inspired by 'Fear Mongering' Bush (http:/ / www. pr-inside. com/ gibson-inspired-by-fear-mongering-bush-r4937. htm) [23] Mel Gibson joins stars to question Iraq war - SpecialsWarOnIraq - www.smh.com.au (http:/ / www. smh. com. au/ articles/ 2004/ 03/ 18/ 1079199319258. html) [24] Wockner, Rex. "Mel Gibson, Circa 1992, "Refuses to Apologize to Gays"." (http:/ / www. sfbaytimes. com/ index. php?sec=article& article_id=5399) [25] http:/ / terranoticias. terra. es/ sociedad/ articulo/ mel_gibson_polemica_borrachera_antisemita_1019334. htm [26] http:/ / www. publico. es/ televisionygente/ 352210/ wynona-ryder-mel-gibson-es-antisemita-y-homofobo [27] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000154/ bio#trivia [28] Óscar 1995 (http:/ / awardsdatabase. oscars. org/ ampas_awards/ DisplayMain. jsp?curTime=1202336921014) [29] http:/ / www. cronica. com. mx/ nota. php?id_nota=279751

Mel Gibson

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Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Mel GibsonCommons. • La Pasión de Cristo (http://www.trendesombras.com/num1/critica_pasion.asp) en la revista Tren de sombras (http://www.trendesombras.com) • Sitio web oficial de La Pasión de Cristo en español (http://www.lapasiondecristo.aurum.es/splash.html) • Sitio web sobre la Pasión de Gibson (http://www.la-pasion.com/) • Aci Prensa (http://www.aciprensa.com/reportajes/passion4.htm) Varios artículos sobre La Pasión de Cristo • Corazones (http://www.corazones.org/jesus/pasion_mel_gibson.htm) Enlaces y varios ensayos sobre La Pasión de Cristo

Michael Mann Michael Mann

Michael Mann, Cinémathèque française en 2009 Nombre real

Michael Mann

Nacimiento

(Chicago, Illinois) 5 de febrero de 1943 (69 años) Premios

Globos de Oro

Mejor película - Drama 2005 El aviador

Premios BAFTA Mejor película 2004 El Aviador Ficha

[1]

en IMDb

Michael Kenneth Mann (Chicago, Illinois, 5 de febrero de 1943) es un director, guionista y productor cinematográfico estadounidense conocido especialmente por su serie (creador, director, productor, guionista...) para televisión Corrupción en Miami. También es conocido por películas como Enemigos públicos (2009), Heat (1995), El dilema (The insider) (1999), El último mohicano (1992).[2]

Michael Mann

Biografía Su padre, Jack, era un inmigrante ruso veterano de la Segunda Guerra Mundial, y su madre, Esther, era hija de una familia originaria de Chicago; ambos regentaban una tienda de ultramarinos. Mann estuvo muy unido a su padre y a su abuelo paterno, Sam Mann. Se crio en el barrio de Humboldt Park, y siendo adolescente, se introdujo en el emergente ambiente musical del blues de Chicago. Estudió literatura inglesa en la Universidad de Wisconsin-Madison, en la que fue un miembro activo de la fraternidad Pi Lambda Phi, y desarrolló gran devoción por la Historia, la Filosofía y la Arquitectura. Fue en esta época cuando vio la película Dr. Strangelove, de Stanley Kubrick, y se enamoró del cine. De hecho consideró esta película como una verdadera revelación, según relató en el periódico Weekly de Los Ángeles. Más tarde estudió cinematografía en la London's International Film School, para iniciar su carrera en televisión en la década de 1970 como guionista en las series Starsky y Hutch, Police Story o Bronk, y dirigió episodios del mismo género en teleseries como La mujer policía, con Angie Dickinson, o Vegas. Tras casarse con la pintora Summer Mann en 1974 y dirigir el telefilme Hombre libre (1979), con Peter Strauss, y tras haber realizado anuncios publicitarios y documentales, ganó en 1971, con su cortometraje “Jaunpuri”, el premio del Jurado del Festival de Cannes. Su primera película para cine fue Ladrón, protagonizada por James Caan y realizada en 1981. Posteriormente realizaría el film de terror ambientado en la Segunda Guerra Mundial El torreón (1983). Su siguiente éxito profesional vendría de la mano de la archiconocida serie Miami Vice (Corrupción en Miami), de la cual es creador y productor, y que adaptaría en 2006 en su versión cinematográfica. Posteriormente, en 1986, llevaría al cine la primera adaptación del famoso personaje Hannibal Lecter con Manhunter. Su ascenso y consagración ante la industria cinematográfica, la crítica y el público, se produjo tras realizar El último mohicano, en 1992, y se confirmó con Heat en 1995. Desde entonces ha sido considerado uno de los mejores directores del presente cine estadounidense tanto a nivel narrativo como visual, especializado en thrillers, aunque también ha hecho incursiones en el cine histórico y el cine de denuncia con títulos como El dilema, en que denuncia las manipulaciones de la industria tabaquera. Sus últimos proyectos son Empire (2011) con Will Smith, un drama sobre los medios de comunicación; The few (2010) con Tom Cruise, ambientada en la II Guerra Mundial; y Frankie machine (2010), un thriller con Robert De Niro.

Características de su cine Mann posee un estilo muy propio. En la mayoría de sus películas los protagonistas son hombres solitarios, tenaces y con valores morales definidos, aunque muchas veces no convencionales o criminales. El director suele cuidar especialmente las atmósferas y las grandes ciudades suelen ser casi un personaje más en sus películas; en ese marco consigue transmitir un grado de intimismo a primera vista imposible; los guiones están muy cuidados. Usa mucho los colores para narrar sus películas, al igual que música alejada de las tradicionales bandas sonoras y cercana al pop/rock ambiental. También conviene destacar que como director ha dirigido multitud de actores premiados y nominados a los Premios Óscar. Utiliza cámaras digitales de alta definición lo que le otorga a sus films un realismo inusual. Cabe destacar la escena de Heat en la que los atracadores de un banco se enfrentan a la policía mientras intentan escapar. Algunos críticos especializados como Mike Clark del USA Today la consideran: «(...) la mejor escena de acción del cine de los últimos años (años 90)».[3]

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Michael Mann

Crítica Clasificaciones Michael Mann, hasta la fecha, es calificado en Metacritic con 67 puntos basados en las críticas especializadas de sus películas, obteniendo la mayor puntuación por El dilema (84) y la peor por Hancock (49) de la que fue productor.[4] Sus películas mejor valoradas en Rotten Tomatoes son El último mohicano, El dilema, Ladrón (1981) y Manhunter; con una puntuación entre el 97% y el 94%.[5] Sus 10 mejores valoraciones de usuarios de IMDb son episodios de la exitosa serie Corrupción en Miami (de 8,43 a 9,15 sobre 10), y sus mejores películas en la lista son Heat (8,3 - #17) y El dilema (8,0 - #45).[6]

Filmografía como director • • • • •

2009: Public Enemies (Enemigos públicos). 2008: The Few. 2008: Damage Control. 2007: Arms and the Man. 2006: Miami Vice.

• • • • • • • • • • • • • • •

2004: Collateral. 2001: Ali. 1999: The Insider (El dilema). 1995: Heat. 1992: El último mohicano. Crime Story (serie de televisión) 1986: Manhunter. 1984-1989: Miami Vice (TV). 1983: The Keep (El torreón). 1981: Thief. 1979: The Jericho Mile (TV). 1978: Vega$ (serie de televisión). Police Woman (serie de televisión). 1972: 17 Days Down the Line (cortometraje). 1971: Jaunpuri (cortometraje).

Premios Michael Mann ha ganado un total de 16 premios, entre los que destacan los numerosos conseguidos por El dilema, nominada a 7 Óscars entre otras 34 y ganadora de 24 premios como los Satellite, NBR o el galardón a la labor humanitaria Humanitas Prize, entre otros. Es de destacar también el BAFTA (y Globo de Oro en el conjunto del filme) por su trabajo de producción en el El aviador. Ha obtenido además 19 nominaciones en otros certámenes y categorías habiendo sido nominado en 4 ocasiones para los Óscars, 3 de recepción propia en la citada El dilema.[7] Asimismo, ha ganado premios en otros festivales internacionales como el de La Mostra (Collateral),[8][7] el de Cannes, Director del año en el Hollywood Film Festival (2004), a la inspiración (Inspiration Award) y 2 nominaciones a los Empire Awards por El dilema y Collateral. 2 Emmys para series de televisión y un DGA por la serie Hombre libre (1979).[7]

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Michael Mann

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Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

2005 Mejor película

El aviador Nominado

2000 Mejor película

El dilema

Nominado

2000 Mejor director

El dilema

Nominado

2000 Mejor guion adaptado El dilema

Nominado

Año

Resultado

Premios Globo de Oro Categoría

Película

2005 Mejor película - Drama El aviador Ganador 1999 Mejor director

El Dilema Nominado

1999 Mejor guion adaptado

El Dilema Nominado

Premios BAFTA Año

Categoría

Película

2005 Mejor película

Resultado

El aviador Ganador

2004 Premio a la dirección David Lean Collateral Nominado

Festival Internacional de Cine de Venecia Año

Categoría

Película

Resultado

2004 Future Film Festival Digital Award Collateral Ganador

Festival de Cannes Año

Categoría

Película Resultado

1981 Palma de Oro Ladrón

Nominado

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0000520 [2] IMDb. « Michael Mann (I) - IMDb (http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000520)». Consultado el 6 de enero de 2012. [3] Martin Robles. « Heat (1995) de Michael Mann (http:/ / www. alohacriticon. com/ elcriticon/ article2039. html)». «El Criticón» (Aloha Criticón). Consultado el 6 de enero de 2012. [4] CBS Interactive Inc.. « Michael Mann Profile at Metacritic.com (http:/ / www. metacritic. com/ person/ michael-mann)». Consultado el 6 de enero de 2012. [5] Flixster, Inc.. « Michael Mann - Rotten Tomatoes (http:/ / www. rottentomatoes. com/ celebrity/ michael_mann/ )». Consultado el 6 de enero de 2012. [6] IMDb. « Michael Mann (I) - Filmography by rating (http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000520/ filmorate)». Consultado el 6 de enero de 2012. [7] IMDb. « Michael Mann (I) - Awards (http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0000520/ awards)». Consultado el 6 de enero de 2012. [8] Associazione Amici del Future Film Festival (5 de septiembre de 2008). « PREMIO FUTURE FILM FESTIVAL DIGITAL AWARD - 65. MOSTRA INTERNAZIONALE D’ARTE CINEMATOGRAFICA (http:/ / www. futurefilmfestival. org/ intl/ 2008/ 09/ 05/

Michael Mann

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premio-future-film-festival-digital-award-65-mostra-internazionale-darte-cinematografica/ )». Consultado el 6 de enero de 2012.

Enlaces externos • Ficha de Michael Mann en inglés (http://www.imdb.com/name/nm0000520) y en español (http://www. imdb.es/name/nm0000520) en Internet Movie Database. • Michael Mann, en decine21 (http://www.decine21.com/Perfiles/Michael-Mann.asp?Id=2890) • Trailer y Sinopsis Oficial Enemigos Públicos (http://www.uip.com.ar/)

Mike Nichols Mike Nichols

Nombre real

Michael Igor Peschkowsky

Nacimiento

Berlín, Alemania 6 de noviembre de 1931 (80 años) Premios

Premios Óscar

Mejor director 1967 The Graduate

Globos de Oro

Mejor director 1968 The Graduate

Premios BAFTA Mejor director 1967 The Graduate

Mike Nichols (Michael Igor Peschkowsky) 6 de noviembre de 1931, Berlín es un director de cine estadounidense de origen alemán. En la segunda mitad de la década de los cincuenta fundó junto con Elaine May, Alan Arkin y Barbara Harris la compañía The Compass, llamada después Second City. En 1960, sus dúos con Elaine May se hacen famosos en los cabarets de Nueva York. Director de escena en Broadway (Barefoot in the Park, The Knack, Luv, The Odd Couple, etc.), se trasladó a Hollywood, donde lleva al cine la obra de Edward Albee, ¿Quién teme a Virgina Woolf? (Who's Afraid of Virginia Woolf?, 1966) con la pareja Richard Burton y Elizabeth Taylor. Después realiza El Graduado (The Graduate, 1967), película por la que le conceden un Óscar; Trampa 22 (1970) sobre la novela (más bien fábula) antimilitarista de Joseph Heller, y Conocimiento carnal. Tras los fracasos de El día del delfín (The Day of the Dolphin, 1973) y de Dos pillos y una herencia (The Fortune, 1975), se reorienta hacia la producción para televisión (Family) o el teatro (Annie). Con la llegada de los años ochenta, regresa al cine con desigual éxito: Silkwood (id., 1983), Se acabó el pastel (Hearfburn, 1986), Desventuras de un recluta inocente (1988), Working Girl (Armas de mujer) (1988), A propósito de Henry (1991), Lobo (1994), The birdcage (1996), Amar la vida (Wit) (2001); Closer (2004); Charlie Wilson's

Mike Nichols

137

War (La guerra de Charlie Wilson) (2007).

Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

1993 Mejor Película

Lo que queda del día

Candidato

1988 Mejor Director

Armas de mujer

Candidato

1983 Mejor Director

Silkwood

Candidato

1967 Mejor Director El Graduado 1966 Mejor Director

Ganador

¿Quién teme a Virginia Woolf? Candidato

Miloš Forman Miloš Forman

Nombre real

Jan Tomáš Forman

Nacimiento

Čáslav, Checoslovaquia (actual República checa) 18 de febrero de 1932 (80 años)

Ocupación

Director de cine, actor y guionista

Año de debut

1953 Familia

Cónyuge

Jana Brejchová (1958–1962) (divorciado) Vera Kresadlova-Formanova (1964–1999) (divorciado) Martina Zborilova-Forman (1999–presente)

Hijo/s

Matej Petr Andrew James Premios

Premios Óscar

Mejor director 1975 One Flew Over the Cuckoo's Nest 1984 Amadeus

Miloš Forman

138 Globos de Oro

Mejor director 1976 One Flew Over the Cuckoo's Nest 1985 Amadeus 1997 The People vs. Larry Flynt

Premios BAFTA Mejor director 1975 One Flew Over the Cuckoo's Nest Ficha

[1]

en IMDb

Jan Tomáš Forman, más conocido como Miloš Forman (n. Čáslav, Checoslovaquia; 18 de febrero de 1932), es un director de cine, actor y guionista checoslovaco. Dos de sus películas, Amadeus y One Flew Over the Cuckoo's Nest, recibieron varios premios Óscar, incluyendo el de mejor director en ambas. Otras de sus obras también fueron reconocidas con premios internacionales de cine.

Biografía Nació el 18 de febrero de 1932 en Čáslav, Checoslovaquia. Hijo de padres protestantes, se quedó huérfano a temprana edad después de que su madre muriera en el campo de concentración de Auschwitz y su padre en Buchenwald, donde fue arrestado por distribuir libros prohibidos por el nazismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, Milos vivió con parientes y luego descubrió que su padre biológico era un arquitecto judío. Después de la guerra, Miloš acudió a la escuela pública Krále Jiřího en la ciudad de Podebrady, donde sus compañeros de estudios fueron Václav Havel y los hermanos Mašín. Posteriormente, estudió dirección cinematográfica en la Escuela de Cine de Praga siendo uno de sus maestros Otakar Vávra.

Carrera Dirigió varias comedias checas en Checoslovaquia. Sin embargo, en 1968 cuando la URSS y sus aliados del Pacto de Varsovia invadieron el país para poner fin a lo que se llamó la Primavera de Praga, se encontraba en París negociando la producción de su primera película americana. El estudio checo para el que trabajaba le despidió, alegando que estaba fuera del país ilegalmente. Así las cosas, se trasladó a Nueva York, donde se convirtió en profesor de cine en la Universidad de Columbia y codirector (junto a Frantisek Franek) de la división de cine de Columbia. Uno de sus protegidos fue el futuro director James Mangold. A pesar de las dificultades iniciales empezó a dirigir en su nuevo país y alcanzó notable éxito en 1975 con la adaptación de la novela de Ken Kesey One Flew Over the Cuckoo's Nest, que ganó 5 Premios de la academia, incluyendo el de mejor dirección. En 1977, se convirtió en ciudadano de los Estados Unidos. Otro éxito notable fue la película Amadeus, que ganó 8 Premios de la academia. En 1997 recibió el Globo de Cristal por su destacada contribución artística al mundo del cine en el Festival de Karlovy Vary.

Filmografía

Miloš Forman

139

Año

Película

1963 Audition 1964 Pedro el negro 1965 Los amores de una rubia 1967 The Firemen's Ball 1971 Taking off 1971 I Miss Sonia Henie 1973 Visions of Eight 1975 Alguien voló sobre el nido del cuco 1979 Hair 1981 Ragtime 1984 Amadeus 1989 Valmont 1996 El escándalo de Larry Flynt 1999 Man on the Moon 2006 Los fantasmas de Goya 2009 Un paseo bien pagado

Premios Premios Óscar Año

Categoría

Película

Resultado

1965 Mejor película de habla no inglesa Los amores de una rubia

Candidato

1968 Mejor película de habla no inglesa ¡Al fuego, bomberos!

Candidato

1975 Mejor director

Alguien voló sobre el nido del cuco Ganador

1984 Mejor director

Amadeus

Ganador

1996 Mejor director

El escándalo de Larry Flint

Candidato

Premios Globo de Oro Año

Categoría

Película

Resultado

1975 Mejor director Alguien voló sobre el nido del cuco Ganador 1981 Mejor director Ragtime

Candidato

1984 Mejor director Amadeus

Ganador

1996 Mejor director El escándalo de Larry Flint

Ganador

Miloš Forman

Enlaces externos • Ficha de Miloš Forman en inglés [2] y en español [1] en Internet Movie Database. • Miloš Forman, BBC News of March 2001 [3]

Referencias [1] http:/ / www. imdb. es/ name/ nm0001232 [2] http:/ / www. imdb. com/ name/ nm0001232 [3] http:/ / news. bbc. co. uk/ 1/ hi/ entertainment/ film/ 1235862. stm

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Fuentes y contribuyentes del artículo

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anónimas Gaspar Noé  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=57148199  Contribuyentes: Airunp, Boja, Gaudio, Lin linao, Marcelo, Neon rada, Nubecosmica, PlanZeta, Pruxo, Rastrojo, Tatufan, Tostadora, Uptonpark, 24 ediciones anónimas George Lucas  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=59163461  Contribuyentes: .Sergio, 333, 4lex, A ver, Akos, Alexan, Alexisb, Alvarodie, AstroNomo, Axxgreazz, Banfield, Carcomio, Carlos Quesada, Cembo123, Charly Ramone, CommonsDelinker, Copperchair, Cordwainer, Davidmartindel, Davinci78, Desdeluego, Desmond, DioniWan, Dodo, Dreitmen, Duuk-Tsarith, Emilio Kopaitic, Furado, Georgelucas182005, German1221, Hectorcot, Icvav, Jkbw, Jorge Luis González, JoseFMartindelPozo, Laura Fiorucci, Laurycharlot, LeCire, Líder Vladimir, Maldoror, Mansoncc, Manu Lop, Manuel.Frutos, Marb, Martin Xicarts, Matdrodes, Maurilio0419, MiTH, Mpeinadopa, Napoleón333, Oblongo, OmegaSephirot, Oromeropaz, Oscarrpaz, Otravolta, Paintman, Palica, Patxi Aguado, Periku, Petronas, Petruss, Piolinfax, Poc-oban, ProtoplasmaKid, Renly, Ricardo.garciadeleon, Richy, Risuramope, RoyFocker, Ruben86, Sachador, Sahaquiel9102, Salmimar, Tanooo, Tomatejc, VanKleinen, Veon, Will vm, Yrithinnd, Zanimum, 200 ediciones anónimas Georges Méliès  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=59142755  Contribuyentes: .Sergio, 3republica, Alonso de Mendoza, Antur, Ascánder, Bluesea, Bolollo, Carlopez077, Comunanark, Cordwainer, Dabit100, Danisk, Diegusjaimes, Eamezaga, Edmenb, Elultimolicantropo, Escarlati, Ezarate, Folio, Foster, Gmagno, Harpagornis, Historiasvivas, Icvav, J.M.Domingo, Juanpgarcia, Kved, Luisfacelli, Marb, Mario García Ruiz, Martínhache, Merengusta, Oblongo, Pablo323, Paintman, Pepejuanchodelrancho, Pepepitos, Ramjar, Rastrojo, Sdalva, Snatcho, Tatvs, Tecsie, Toolserver, Triebjlr, Vanbasten 23, Yorktemplar, 67 ediciones anónimas Giuseppe Tornatore  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=59047715  Contribuyentes: A ver, Abbone, 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http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=57583846  Contribuyentes: 00matt00, ARHEKI, Axxgreazz, Christian Aguilera, Cuborubix, Dani7, Danielo3379, Diogeneselcinico42, Dodo, Ecelan, Fanshone, Gusib, Iturri, Jism78, Keniavarona, Kiekvogel, Lenzy, Luis1970, Magnakai, Marb, Mellotron74, NatyinCaelo, Osado, Oscarrpaz5, Otravolta, Packo pasko, Raystorm, SAN LONCHI, Saloca, Stinkbreath1, Vrysxy, Zaqarbal, Zutopia, 28 ediciones anónimas Hayao Miyazaki  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=59039969  Contribuyentes: A ver, ANONIMO02, AgnusLegis, Airunp, Aleposta, Alfon linds, Amedda, Angel-Heüer, Aparejador, Aridnere, Blitz Lutte, Blitz Lutte 2, Cadogri, CommonsDelinker, Cordwainer, Corvocativo, Cratón, Dhidalgo, Diego Godoy, Dodo, Drayy, EdBever, Elias Enoc, Equir, Fixertool, Folken de Fanel, Folkvanger, Foundling, Francis94, Gallowolf, Ganon, Gaudio, Goodwin8x8, Grizzly Sigma, Hanskarlperez, Humberto, Ilario, Isegar, Jarisleif, Jecanre, Junta, KErosEnE, LeonardoRob0t, Luis1970, Macarrones, Mafores, Magnakai, Manu Lop, ManuelGR, Manwë, Masklin, Micomico, MorfeoW, Moriel, Nami, Nanu, Netito777, Numbo3, Petronas, Pilaf, Piolinfax, Pruxo, Recicler, Roche, Rodoriigo NigraAnimo, Rsg, Rupert de hentzau, Sabbut, Sanbec, Snakefang, Superzerocool, Tostadora, Txentxubros, Valenciapadron, Vanbasten 23, Walter closser, Wikiplayer, Xabier, XalD, Yosoyelconejo, 137 ediciones anónimas Hermanos Coen  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=57509974  Contribuyentes: A ver, ARHEKI, Adriana espanol, Aguador, Airunp, AldanaN, Aloneibar, Alqadim, Asagarth, Baiji, BetoCG, Conjugación Imperfecta, Cordwainer, Dirtbag163, Ericabiz, Funkhauser, Gaudio, Ggenellina, Halcón, HardBlade, IWillGon, Javier Álvarez, Jj2button, Jmarguelles, Jorgebarrios, Kirak, LordT, Luis1970, Machete kills, Magnakai, Marb, Martin Xicarts, Martínhache, Mpeinadopa, Napoleón333, Nelson Granados, Oromeropaz, Oscarrpaz5, Primitivojumento, Pólux, Sabbut, Satowa, SethAllen623, SistemaIbérico, Solitarius2, Sra pbl, Stinkbreath1, Taichi, Tomatejc, VanKleinen, Varano, Wikioa, Xavigivax, Zaqarbal, 126 ediciones anónimas Hermanos Wachowski  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=59047525  Contribuyentes: ALVHEIM, Adriana espanol, AlbertoDV, Aloneibar, BetoCG, Cordwainer, Djfarlo2002, Dodo, Emj, Erikgd, Gabriel Vidal, Inuyasha1111, Kved, Marb, Marmantilla, Martínhache, Matdrodes, Mr.Ajedrez, Napoleón333, Paintman, Rasec 1991, Raystorm, Renly, Ricky77, Rolf obermaier, Svoice, Tequendamia, Tirithel, Xabier, Xavigivax, 54 ediciones anónimas Ingmar Bergman  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=58920109  Contribuyentes: .José, A ver, ALVHEIM, Aloneibar, Amadís, Andreasmperu, AstroNomo, Bienchido, Bloomy, Carlosrueda, Carmelo Pugliarello, Ceancata, Chispis, Claudio Elias, Cookie, Cordwainer, Dancer In The Dark, David822, Davidmartindel, Dhidalgo, Diamondland, Dodo, Donner, Ejmeza, Eli22, Enrikec, Fernando Estel, Fernando H, Francopetrosino, Furti, Gaudio, Guille14, Hampcky, Hari Seldon, Héctor Guido Calvo, Iancurtis86, Irenea, Jsmuns, Justicia, Kane3, Kotor83, Ladyatmosphere, Landmarke, Lnegro, Luis1970, Magnakai, Marb, Martínhache, Matdrodes, Moriel, NaSz, Nordisk varg, Oblongo, Oromeropaz, Osado, Oscar ., Pacoperez6, Pedro Felipe, Petronas, Platonides, Porao, Purodha, Riviera, Robespierre, Rojoeterno, Rosarino, Rsg, Rumpelstiltskin, Rupert de hentzau, Sauron, Solecollons, Stagiraswarrior, Suckfromthecan, Tamorlan, Technopat, Urdangaray, Valatej, VanKleinen, Vandid, Wilfreddehelm, Xabier, Zemanser, Zorosandro, 96 ediciones anónimas J. 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