Francis a. Schaeffer - Arte y Biblia

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ARTE Cubierta:

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BIBLIA

«Grupo de 3 hombresJI, escultura de bronce de

Alberto Giacometti. Cortesía del Instituto de Arte de Chicago. €EI sentimiento de las relaciones espaciales entre los seres humanos:., hecho real por mediq del fenóm eno de las distancias. condujo a Giacometti, entre 1948 y 1950. a realizar figu ras estáticas o en movimiento pero siempre incomunicadas.

En sus obras. la gente pasa sin conocerse, extraños unos para otros, acostumbrado cada uno a su propia soledad, en-

carcelado en su propia situación. Pero todavía más que la colocación de las figuras, determinada aunque no calculada, es su naturaleza lo que les impide encontrarse nunca.JI• -

Raoul-Jean M oulin, Giacometti: Sculptures (New York: Tudor Publishing Company, 19(4).

«Alberto Giacometti (Stampa, 1901 ; Coira , 1966) llegó a la escultura después de cultivar el dibujo y la pintura. Si la pugna entre realidad y surrealismo, formas y espacios, ha fraguado la personalidad del maestro. son las búsquedas de nuevos medios de expresión y calidades las que han sido las sugestiones estimulantes de su arte. que lo llevarán a cristalizar en la verticalidad de sus despojadas, delgadisimas figuras -al límite de todas posibilidades- su íntima y angustiosa soledad. Culmina el mensaje de arte que ha legado Giacometti... donde el espacio no está definido, pero se presiente en las figuras, estructuradas con imprecisos coágulos de materia y de oquedades, que, a pesar de la libertad del espacio, siguen llevando el tormento de su incomunicabilidad.:. - Marianna Minola de Galloti, Alberto Giacometti en Lugano, artículo en cLa Vanguardia:., Barcelona 30-8-73.

LITERATURA EVANGELlCA

Otros títulos del Dr. Francis A. Schacfft!r en castellano

HUYENDO DE LA RAZON 25 ESTUDIOS BIBLlCOS BASICOS LOS CAMINOS DE LA JUVENTUD, HOY (La nueva superesplritualidad) MUERTE EN LA CIUDAD RETORNO A LA LIBERTAD Y LA DIGNIDAD LA IGLESIA AL FINAL DEL SIGLO XX GENESIS EN EL TIEMPO Y EN EL ESPACIO

Publicados por otras editoriales : DIOS ESTA PRESENTE y NO ESTA CALLADO Editado por LOGOI POLUCION y LA MUERTE DEL HOMBRE Editado por lo Coso Bautista de Publicaciones

En preparación: DIOS ESTA AHI

FRANCIS A. SCHAEFFER

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Dos ensayos sobre la perspectiva biblica del arte

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EDICIONES EVANGELICAS EUROPEAS Barcelona, 1974

IN DICE

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EL ARTE EN LA BIBLIA PÓRTI CO •

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1. El Señorío de Cr isto • Il. No te harás lmagen

III. El Templo

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IV. Arte con fines seculares . V. El uso que Jesús hiza del • VI. La poeS1,a • • VII. La mUSlca • •

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VIII. El drama y la danza

IX.

El arte y el cielo.

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arte

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ALGUNAS PERSPECTIVAS SOBRE ARTE PÓRTICO.

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1. La obra de arte como obra de arte. . . 11. Las formas artísticas dan relieve a la cosmovisión del artista . . . . . . . IIl. Lo artístico y lo sagrado. . . . . . IV. Las modernas formas del arte y el men· saje cristiano. . . . . . . . . . .

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1 EL ARTE EN LA BIBLIA

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PORTICO

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¿Qué lugar debe ocupar el arte en la vida cris-

tiana? ¿Hemos de considerar el arte -especialmente las bellas artes como la pintura y la música- simplemente como una manera de introducir la mundanalidad por la puerta trasera? Sabemos que la poesía.

por ejemplo, puede ser usada para alabar a Dios; esto es evidente en los Salmos y acaso también en los himnos, incluso en los modernos. Pero ¿qué diremos cuando se trata del arte escultórico o dramático? ¿Tienen esta clase de artes algún lugar en la vida

cristiana? ¿No debería más bien el creyente concentrar su mirada en (Levítico 26:1).

Este pasaje nos enseña claramente que la Escritura no prohíbe el hacer arte representando cosas o personas, sino más bien la adoración de estas co-

sas o personas. Solamente Dios debe ser adorado. Así, el mandamiento que prohíbe la fabricación de imágenes, esculturas, o cualquier otra representación artística con fines cúlticos, no va dirigido en contra del arte, sino en contra de adorar cualquier cosa que no sea el Creador Y. específicamente, en contra de adorar el arte mismo. Adorar el arte, elevarlo a la categoría de ídolo, es incorrecto, pero

crear arte no lo es .

El arte en el Tabernáculo Uno de los más importantes principios en la inter~ pretación de la Biblia es el reconocimiento de que la Escritura no se contradice. Por ello es tan perentorio observar que en el mismo Monte SinaÍ Dios entregó simultáneamente los Diez Mandamientos y ordenó a Moisés que diseñara un Tabernáculo de tal manera que incluyera en él casi todas las formas del arte representativo que los hombres conocen. ExaminernQS esto con más detalle. Mientras Moisés se encontraba en el Sinaí, Dios le dio instrucciones concretas relativas a la manera como debía ser construido el Tabernáculo. Mandó a Moisés recoger oro y plata, telas costosas, lanas, joyas, etc.:

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«Jehová habló a Moisés, diciendo: .Di a los hijos de Israel que tomen para mí ofrenda; de todo varón que la diere de su voluntad, de corazón, tomarás mi ofrenda . • Esta es la ofrenda que tomaréis de ellos: oro, plata, cobre, púrpura, carmesí, lino fino, pelo de cabras, pieles de carneros teñidas de rojo, pieles de tejones, madera de acacia, aceite para el alumbrado, especias para el aceite de la unción y para el incienso aromático, piedras de ónice y piedras de engaste, para el efod y para el pectoral. »Y harán un santuario para mí, y habitaré en medio de ellos. • »Conforme a todo lo que yo te muestre, el diseño del tabernáculo, y el diseño de todos sus utensilios, así lo haréis» (Exodo 25:1-9). ¿De dónde tenían que sacar el modelo? Dios mismo lo facilitó. Esto se reafirma nuevamente en unos versículos que siguen poco después del texto citado:

.Mira y hazlos conforme al modelo que te ha sido mostrado en el monte» (Exodo 25:40). Fue Dios mismo quien mostró a Moisés el modelo del Tabernáculo. En otras palabras: Dios era el arquitecto, no el hombre. Una y otra vez, a lo largo del relato que nos cuenta cómo fue construido el Tabernáculo, aparece esta frase: «Así lo haréis: conforme al modelo»; «Hazlo conforme al diseño" .», Dios enseñó a Moisés cómo debía construir el Tabernáculo en todos sus detalles. Se trataba de mandamientos también en este caso, mandamientos que venían de Dios, del Señor mismo que promulgó los Diez Mandamientos.

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¿Qué detalles, qué instrucciones dej6 Dios a Moisés? Muchas, desde luego. Pero nosotros vamos a detenernos en las que más directamente se relacionan con las artes en el Tabernáculo, el lugar mismo de adoración. Veamos: 1) Los dos querubines de oro.

En primer lugar, hallamos esta afirmación sobre el papel que el arte va a desempeñar en el Lugar Santísimo:

«Harás también dos querubines de oro; labrados a martillo los harás en los dos extremos del propiciatorio. Harás, pues, un querubín en un extremo, y un querubín en el otro extremo; de una pieza con el propiciatorio harás los querubines en sus dos extremos. Y los querubines extenderán por encima las alas, cubriendo con sus alas el propiciatorio; sus rostros el uno enfrente del otro, mirando al propiciatorio los rostros de los querubines. Y pondrás el propiciatorio encima del arca, y en el arca pondrás el testimonio que yo te daré. »Y de allí me declararé a ti, y hablaré contigo de sobre el propiciatorio, de entre los dos querubines que están sobre el arca del testimonio, todo lo que yo te mandare para · los hijos de Israel» (Exodo 25:18-22) . ¿Qué son los querubines? Por querubines se entiende una parte de las huestes angélicas. ¿ Qué es lo que manda Dios a Moisés en este lugar? Simplemente, que es menester construir una obra de arte que sirva para adorno del Lugar Santísimo. ¿Y qué clase de arte es el que se menciona? Arte representativo. Una representación estatuaria de ángeles que debía ser colocada en aquel sitio sagrado, el más

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sagrado del Santuario israelita: el lugar en donde, sólo una vez al año, un solo hombre el Sumo Sacerdote- podía entrar. Y todo ello como mandamiento expreso de Dios. Fue Dios mismo quien lo ordenó. Alguien dirá: cEien, pero todo esto es muy especial, muy excepCional, ya que se trata de ángeles que hay que hacer. Es un tema religioso, no equivale a la ordinaria representación artística de cosas terrenas.» Es cierto. Pero justo a la salida del Lugar Santísimo topamos con un candelero de oro. 2) El candelero de oro. Tenemos aquí un trabajo artístico que tiene que • ver con cosas terrenas:

.Harás además un candelero de oro puro; labrado a martillo se hará el candelero; su pie, su caña, sus copas, sus manzanas y sus flores serán de lo mismo. Y saldrán seis brazos de sus lados; tres brazos del candelero a un lado, y tres brazos al otro lado. Tres copas en forma de flor de almendro en un brazo, una manzana y una flor; así en los seis brazos que salen del candelero, y en la caña central del candelero cuatro copas en forma de flor de almendro, sus manzanas y sus flores. Habrá una manzana debajo de dos brazos del mismo, otra manzana debajo de otros dos brazos del mismo, y otra manzana debajo de los otros dos brazos del mismo, así para los seis brazos que salen del candelero. Sus manzanas y sus brazos serán de una misma pieza, todo ello una pieza labrada a martillo, de oro puro. Y le harás siete lamparillas, las cuales encenderás para que alumbren hacia adelante. También sus despabiladeras y sus platillos, de oro puro. De un talento de oro

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fino lo harás, con todos estos utensilios. Mira y hazlos conforme al modelo que te ha sido mostrado en el monte. (Exodo 25:31·40). He ahí otra obra de arte: un candelero. ¿Y cómo hay que decorarlo? No con representación de ángeles, sino con representaciones tomadas de la naturaleza: flores, manzanas, cosas de la belleza natural. y habrá que colocarlas en el Santuario, por orden expresa de Dios, en medio mismo del lugar de adoración. 3) Las vestiduras de los sacerdotes. También en el libro de Exodo, más adelante, en· contramos la descripción de los vestidos de los sacerdotes del antiguo pacto:

«... y en sus orlas harás granadas de azul, púrpura y carmesí alrededor, y entre ellas campanillas de oro alrededor. Una campanilla de oro y una granada, otra campanilla de oro y otra granada, en toda la orla del manto alrede· dar. Y estará sobre Aarón cuando ministre; y se oirá su sonido cuando él entre en el santuario delante de Jehová y cuando salga, para que no muera_ Harás además una lámina de oro fino, y grabarás en ella como grabadura de sello: SANTIDAD A JEHOV A. Y la pondrás con un cordón de azul, y estará sobre la mitra; por la parte delantera de la mitra estará ... y bordarás una túnica de lino, y harás una mitra de lino; harás también un cinto de obra de recamador. Y para los hijos de Aarón harás túnicas; también les harás cintos, y les harás tiaras para honra y hermosura. (Exodo 28:33-40). De modo que cuando el Sumo Sacerdote entraba en el Lugar Santísimo tenía que tomar consigo unas

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vestiduras que llevaban adornos tomados de representaciones naturales, de la belleza de la naturaleza, y dichas representaciones entraban con él en la misma presencia de Dios, sin que ello le molestara al Señor, antes al contrario: él mismo lo había mandado. Ciertamente, en todo ello hemos de ver lo contrario de un mandamiento en contra de las obras de arte. Constituye la antítesis de dicha eventual prohibición. Más bien deducimos que Dios se agrada de estas representaciones artísticas. Pero hemos de observar todavía algo más en estos textos. En la naturaleza, las granadas son de color encarnado, pero las que aqUÍ se citan y ordenan tienen que ser de color azul, púrpura y carmesí. Púrpura y carmesí podrían interpretarse como cambios naturales en el proceso de maduración de la granada. Pero no el color azul. La implicación obvia es que tenemos libertad para hacer algo que puede inspirarse en la naturaleza pero que puede ser distinto de ella, y que a pesar de esta diferencia, cuando la obra de arte ha llegado a su término de realización, no obstante, puede ser llevada hasta la presencia misma de Dios. En otras palabras, el arte no tiene que ser necesariamente «fotográfico» i en el sentido pobre, vulgar, que entendemos lo «fotográfico»! Nada tiene que ver nuestra expresión con la fotografía corno obra de arte también. Lo que queremos decir es que el artista puede dar rienda suelta a su imaginación y fantasía y es aceptable delante de Dios. Resulta tentador leer a veces la Biblia como un «libro santo» que ofreciera los relatos históricos como si se tratara de narraciones que nada tienen que ver con la realidad de este mundo a ras de suelo. P ero debemos comprender que cuando Dios mandó que fueran hechas estas obras de arte, tuvo que haber algún artista para llevarlas a cabo. Y fueron realizadas aquí, en este mundo.

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El fenómeno artístico implica dos cosas: la creación, por un lado, y los detalles técnicos, por el otro. El arte es creador, sí; mas el arte conlleva igual-

mente una técnica del cómo hay que hacer cada trabajo artístico. En Exodo 37:7, el «libro santo. desciende a los pormenores y nos cuenta algo de estos

detalles técnicos: . De hecho, en un sentido muy real podríamos -deberíamos- decir que la vida cristiana tendría que ser nuestra obra de arte maestra. Incluso para el más grande artista, la obra crucial de su existencia es su propia vida. En las páginas que siguen quiero desarrollar una perspectiva cristiana sobre el arte en general. ¿Cómo tenemos, en tanto que dotados de creatividad y de la capacidad de gozar de la belleza, c6mo tenemos que comprenderla y evaluarla? Existen, creo yo, por lo menos once perspectivas distintas desde las que un cristiano puede considerar y emitir juicios de valor sobre el arte. Estas perspectivas no pretenden ser exhaustivas y agotar los varios aspectos que entraña el arte. Lo estético es un campo demasiado rico y complejo para que ello fuera posible. Pero estas once perspectivas cubren una porción significativa de lo que debiera ser una comprensión cristiana de esta área .

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La obra de arte como obra de arte

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La primera perspectiva que hemos de considerar

es la más importante: 1. Una obra de arte tiene valor en sí misma. Para algunos, este principio puede parecer dema-

siado obvio para que sea mencionado, pero para muchos cristianos es inimaginable. Y, con todo, si no comprendemos este punto, habremos perdido toda posibilidad de entender la misma esencia del arte. El arte no es algo que meramente analizamos o valoramos por su contenido intelectual. Es algo para ser disfrutado; para que se halle gozo en su realización o contemplación. La Biblia afirma que la obra de arte llevada a cabo en el templo. y antes en el Tabernáculo, fue realizada con el objeto de aportar belleza. ¿ Cómo debería LID artista empezar su trabajo en tanto que artista? Yo insistiría que comenzara su trabajo como artista disponiéndose, ante todo, a realizar una obra de arte. Lo que esto significa es distinto en la escultura y en la poesía, por ejemplo; se trata de artes diferentes. Pero en ambos casos el

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artista debería disponerse a realizar una obra de arte. En tanto que cristianos sabemos por qué una obra de arte tiene valor. ¿Por qué? En primer lugar, por~ que toda obra de arte representa una labor creadora, y la creatividad encierra valor siempre, puesto que Dios es el Creador. La primera frase que aparece en la Biblia es la declaración de que Dios creó: «En el principio, Dios creó los cielos y la tierra ... » Y así también las primeras palabras del prólogo del Evangelio de Juan: «En el principio era la Palabra, la Palabra era con Dios y la Palabra era Dios ... Todas las cosas fueron hechas por la Palabra; sin la cual nada de lo que es sería» (Juan 1:1-3). Por consiguiente. la primera razón que nos impulsa a afirmar que la creatividad tiene valor estriba en que Dios es Creador. En segundo lugar, una obra de arte tiene valor como creación porque el hombre es hecho a seme~ janza de Dios y, por consiguiente, no sólo puede amar, y sentir, sino que también tiene capacidad para crear. Estando hecho a imagen del Creador, todo ser humano es llamado a alguna clase de creati~ vidad. De hecho, forma parte de la imagen de Dios el que el hombre sea creador. Jamás encontramos, ni hallaremos nunca, a ningún animal - a ningún ser no hombre realizando una obra de arte. Y, por otro lado, tampoco se da ninguna cultura, ' ningún grupo de hombres, en ningún lugar de la tierra, que no haya producido alguna obra de arte. El arte es consustancial con la condición humana. La creatividad constituye un aspecto de la distinción entre lo humano y lo no humano. Todas las personas, en al~ gún grado, son creadoras; potencialmente, la creati· vidad anida en el fondo de su ser y existir como humanos. La creatividad es intrínseca a nuestra condición humana.

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Pero hemos de tener cuidado para no caer en un error, invirtiendo las categorías expuestas más arri· bao No toda obra de arte es grande; es decir: no toda creatividad produce grandes obras de arte. No podemos afirmar de cualquier creación que sea arte de calidad. No todo lo que hace el hombre es necesariamente bueno, ni en la vertiente intelectual ni en la moral. Así, mientras que la creatividad es algo bueno en sí mismo, ello no significa que todo lo que surge como producto del acto creador del ser humano sea bueno. Porque si bien es verdad que el hom· bre fue hecho a semejanza de Dios, también lo es que cayó y que, hoy, es un ser caído. Todavía más: dado que el hombre tiene varios dones y talentos pero no los reúne todos, tampoco puede ejercitarse en todos con igual perfección. El Creador ha repartido estos talentos y habilidades entre todos los seres humanos, dando a unos ciertos dotes de creatividad que no ha dado a otros, reservando para éstos dife· rentes ingenios; por consiguiente, no podemos afir· mar que cualquiera puede crear cualquier cosa igual· mente bien. Sin embargo, el punto más importante que quiero destacar aquí radica en el hecho de que la creatividad en tanto que creatividad es una cosa buena. Cuando yo era más joven, pensaba que era equi· vocado hablar de crear - utilizar el vocablo crearreferido a las obras de arte. Opinaba que sólo podia ser empleada esta palabra en relación con las obras de Dios. Más tarde, comprendí que estaba totalmente equivocado; estoy convencido de que es importante comprender que tanto Dios como el hombre son crea· dores. Ambos crean. Ambos hacen algo. La distinción estriba en lo siguiente: Dios, porque es infinito, puede crear de la nada por medio de su palabra. Nosotros, porque somos finitos, tenemos que crear a partir de algo existente, algo que ya haya sido crea·

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do. Sin embargo, la palabra crear también es apropiada para nosotros, dado que sugiere que lo que el hombre hace con lo que ya está ahí es transformarlo para sacar algo nuevo. Algo que no estaba ahí antes, algo que comenzó coma una simple parte de la realidad y que luego, por la acción del hombre sobre

ella, deviene una cosa nueva, transformada por el ser humano y que ahora r efleja esa humanidad en su

misma existencia remodelada y rehecha. Estoy convencido de que una de las razones por las que se gastan millones en la construcción de

museos de arte, no es porque allí va a reunirse un conjunto de cosas «estéticas», no se trata simplemente por estética que se hacen tales desembolsos, sino porque las obras de arte que se coleccionen constituyen una expresión de la humanidad del hombre. Cuando contemplo la plata precolombina, o las máscaras africanas, o los bronces labrados de la antigua China, no sólo las veo como obras de arte, sino que las considero como expresiones de la naturaleza y el carácter de la Humanidad. Corno hombre, en cierta manera, estas obras son expresión de mí mismo. Puedo descnhrir en ellas los logros de la creatividad que es inherente a la naturaleza del hombre. Muchos artistas modernos me parece que han olvidado el valor que el arte encierra en sí mismo. Demasiado del arte moderno es excesivamente iotelectualizante para ser arte grande. Pienso, por ejemplo, en artistas como Jasper Johos. Muchos artistas modernos dan la impresión de no saber distinguir entre lo humano y lo infrahumano. Forma parte del extravío del hombre moderno ---de su condición de ser perdido- el que no discierna ya ningún valor, o muy escaso, en la obra de arte como obra de arte. Me temo que, no obstante, nosotros los evangélicos acabamos de cometer el mismo error. Demasiado a menudo pensamos que una obra de arte tiene valor

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solamente si sirve para ilustrar un folleto. Esto también es ver el arte como mensaje tan sólo para el intelecto. Existen, creo, tres posibilidades básicas sobre la naturaleza de una obra de arte: 1) La primera teoría es relativamente reciente; se trata del arte por amor al arte. Esta noción defiende la idea de que el arte está ahí, y ya tiene valor en sí mismo; está ahí y basta. No se puede hablar acerca de él, no puede ser analizado, no dice nada. Este punto de vista sufre una desorientación tremenda. Digamos únicamente que ningún gran artista ha trabajado al nivel del arte por amor al arte, por el arte mismo solamente. Pensemos, por ejemplo, en el Renacimiento, primero, comenzando por Cimabue (1240-1302) y pasando por Giotto (1267-1337), Masaecio (1401-1428), llegamos hasta Miguel Angel (14751564) y Leonardo da Vinci (1452-1519). Cada uno de estos artistas trabajó a partir de unas perspectivas dadas, a partir de uno o dos puntos de vista y, a veces, hubo confusión entre estos dos horizontes desde los que realizaron sus grandes obras de arte. Su labor fue hecha, o bien a partir de la noción de Cristiandad (noción que a nosotros, desde un punto de vista bíblico, nos parece fue a menudo deficiente), o bien desde la perspectiva del humanismo renacentista. Florencia, por ejemplo, en donde tantas obras de arte excelentes se produjeron, fue asimismo un centro importante para el estudio del neoplatonismo. Algunos de los artistas estudiaron bajo Ficino (14331499), quizás el más convencido de los neoplatónicos y el que más influencia ejerció sobre toda Europa. Es también cierto que los grandes artistas modernos, como Picasso, nunca trabajaron por el arte solamente, por amor al arte en sí mismo. Picasso tenia una filosofía subyacente en toda su obra y que fue mostrando a través de sus pinturas. Es verdad que algunos artistas menores, hoy, trabajan, o intentan

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trabajar, en un medio donde se dice amar el arte por el arte, pero los grandes maestros no forjaron de esta manera sus obras.

2) En segundo lugar: el arte es solamente la encarnación de un mensaje, un vehículo para la propagación de un mensaje particular sobre el mundo, sobre los hombres, sobre el arte o sobre cualquier otra cosa. Este punto de vista ha sido sostenido tanto por cristianos como por no creyentes; la única diferencia entre las dos versiones se encuentra en la naturaleza del mensaje que el arte encarna. Pero,

como ya he afirmado antes, este punto de vista reduce el arte a una afirmación intelectual y la obra

de arte en tanto .que obra de arte desaparece. 3) La tercera noción básica de la naturaleza del arte -la que yo creo es correcta, porque he observado que es la que produce arte excelente, grande

en posibilidades- es aquella en que el artista crea una obra que muestra su concepto del mundo. Nadie, por ejemplo, que comprende a Miguel Angel o a Leonardo puede contemplar sus obras sin discernir algo de sus respectivos pWltos de vista sobre el mundo. Sin embargo, estos artistas comenzaron a trabajar

con el intento primordial de realizar obras de arte, y fue entonces, a medida que iban produciendo sus creaciones, que éstas reflejaron sus conceptos sobre

la vida y el mundo. Mas cuando hablo del punto de vista de un artista sobre el mundo y la existencia,

me estoy refiriendo a la totalidad de su obra, ya que resulta imposible reflejar la visión que de la realidad tiene un artista simplemente a través de una sola pintura, o sinfonía u obra de arte individualizada. Pero cuando examinemos la colección de pin-

turas de un artista, o la serie de poemas de algún poeta, o cierto número de novelas de un escritor,

tanto el bosquejo como algunos de los detalles de la

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obra en su conjunto, reflejan invariablemente el concepto que de la vida tiene el autor. ¿ Cómo, pues, debería comenzar un artista su trabajo? Yo insistiría en que empezara disponiéndose simplemente a realizar una obra de arte. Debería decirse a sí mismo: "Voy a crear una obra de arte.» La perspectiva número uno es que la obra de arte debe ser, ante todo, una obra de arte.

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Las formas artísticas dan relieve a la cosmovisión del artista

Veamos la segunda perspectiva: • 2. Las diferentes formas artísticas dan relieve y fortaleza a la cosmovisi6n del artista, independientemente de cuál sea esta cosmovisión o de si es correcta o equivocada. Piense el lector, por ejemplo, en una costilla de buey colgada en la tienda del carnicero. No tiene nada de particular. O. en todo caso, no es precisamente un espectáculo agradable. Mas si uno visita

el Louvre y contempla el cuadro de Rembrandt titulado Costilla de buey colgada en la carniceria, la cosa es distinta. ¡Totalmente distinta! Es sorprendente dicha pintura porque en ella el observador atento encuentra mucho más de lo que indica el título. El arte de Rembrandt nos obliga a considerar la costilla de buey de manera diferente; yo diría, de manera concentrada. Hablo por mí solamente. pero

debo decir que, luego de mirar una y otra vez este cuadro, ya no he sido capaz de contemplar nunca más una costilla de buey en la carnicería con la su-

perficialidad con que lo hacía antes. El cuadro de Rembrandt dice mucho más de lo que meramente anuncian los catálogos: Una costilla de buey.

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Existe un paralelo en literatura. La buena prosa, como arte, tiene algo indefinible que no posee la mala prosa. Más aún, la poesía encierra un encanto especial que ni siquiera la buena prosa puede conseguir. Podríamos sostener largas discusiones sobre lo que es este «algo», este «encanto», que hace mejor Wla cosa que otra; 0, si no mejor. al menos distinto y con diferentes atractivos, pero el hecho está ahí,

es evidente. Incluso en la Biblia, la poesía añade una dimensión que falta en la prosa. De hecho, el impacto de cualquier proposición -verdadera o falsapuede ser aumentado si se expresa en poesía o mediante una prosa bien elaborada; en cambio, no produce ningún efecto si se transmite con meras fórmu-

las o en estilo descuidado. Pasemos ahora a la tercera observación que deseo

hacer: 3. En todas las formas de escritura, tanto en poesía com.o en prosa, se consiguen resultados tremendamente distintos si se da, o no se da, una continuidad con las definiciones normales de las palabras en la sintaxis corriente. Muchos autores modernos hacen un esfuerzo deliberado para que su lenguaje presente, no una continuidad, sino una ruptura con el uso normal del idioroa; para ellos parece no contar el sentido, definido

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por el uso y la gramática, de las palabras y dentro '"" de las normas de la sintaxis. Si no existe continuidad, o afinidad, con la manera en que el lenguaje es nor-

malmente empleado, entonces no hay modo de que el lector, o el público, entienda verdaderamente lo que se trata de decir. Un artista puede, desde luego, usar lenguaje adoro nado con gran riqueza; puede llenar sus escritos de

una gran variedad de figuras de dicción y de hipérboles; puede hasta jugar con las palabras y con la sintaxis. Los grandes artistas de la palabra, los ge-

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nios de la literatura, suelen hacerlo así; van más allá del mero uso rudimentario de la gramática vigente y de la definición corriente de las palabras. Al obrar de esta manera, añaden profundidad y dimensión a sus escritos. Shakespeare es el gran ejemplo de lo que afirmamos. Entendemos sus dramas porque utiliza una sintaxis normal y sigue las definiciones usuales de las palabras; así, tenemos relatos comprensibles y una continuidad evidente entre la narración y los instrumentos artísticos que usa, lo que, no obstante, le permite igualmente lucirse con sus aportaciones personales y el empleo original que sabe hacer del idioma inglés. Sabemos lo que Shakespeare escribió, entendemos lo que quiso decir, no por las bellísimas y logradas metáforas que empleó o los giros verbales tan originales, sino sobre todo por la continuidad que todos estos instrumentos gramaticales tienen con el relato, con las historias y con los dramas que imaginó, de tal manera que la comunicación que establecen entre el pensamiento del autor y el público es posible gracias al hecho de que Shakespeare se colocó en el nivel de las definiciones normales y de la sintaxis norma1. El producto es una firme coherencia de proposiciones que llegan al lector o al espectador de sus obras. Lo que es verdad de la literatura lo es también de la pintura y la escultura. El vocabulario simbó' lico común que pertenece a todos los hombres (artistas y espectadores) es el mundo que nos rodea, o sea: el mundo de Dios. Este vocabulario simb61ico tomado del entorno es paralelo a la gramática normal y a la sintaxis corriente en el mundo de las artes plásticas o representativas. Cuando, pues, no hay en el artista intención de usar este vocabulario simbólico en absoluto, la comunicación resulta imposible. No hay manera, para nadie, de interpretar lo que el artista dice. No afirmo

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que al trabajar en esta clase de arte el artista sea inmoral o anticristiano; simplemente, que se ha per· dido una dimensión artística muy importante. El arte totalmente abstracto establece una relación indefinida con quien lo contempla. El espectador se halla más o menos alienado del artista. Es lo que sucede con muchos pintores modernos: no consiguen establecer ninguna relación con el público; éste se encuentra totalmente alienado del artista. Se ha levantado un espeso muro entre ambos. El pintor y el espectador están separados el uno del otro en alienación total, una alienación superior que la que Giacometti pudo jamás mostrar en sus alienadas figuras. Cuando Giacometti pinta la terrible alienación del hombre, crea figuras alienadas, pero él en tanto que pintor sigue viviendo en el mundo de Dios y todavía utiliza las formas simbólicas comunes, tomadas del entorno, independientemente de la distorsión que les hace sufrir. Juega con el vocabulario, pero el vocabulario sigue allí y todo el mundo lo comprende. Así, existe comunicación entre Giacometti y el espectador, una comunicación titánica. Yo puedo entender lo que está diciendo y, como resultado, lloro. En contraste con esto, se da una limitación concreta, evidente, cuando pasamos a considerar el arte totalmente abstracto. Es lo que sucede también con la prosa o la poesía que han roto con la sintaxis normal y con la definición corriente de los vocablos. Lo que se plantea en semejante tipo de arte es un dilema, o mejor dicho: un enigma, ante el cual a veces sólo .. sentimos emociones personales, vagas, y no sabemos ir más allá.

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Lo artístico y lo sagrado

Llegamos ahora a mi cuarta consideración: • 4. El que algo sea una obra de arte no lo hace por ello sagrado. En su obra ¿Qué es la Filosofía? Heidegger llega a la conclusión de que existiendo seres pequeños -personas- capaces de verbalizar, podemos abrigar alguna esperanza de que el Ser tenga algún significado. Su clamor, al final del citado libro, es que tenemos que escuchar al poeta. Heidegger no nos aconseja que escuchemos el contenido de 10 que es· cribe el poeta, porque hallaríamos a muchos poetas que dan, cada uno, distintos y opuestos contenidos a su poesía. No importa lo que dicen los poetas; lo importante es que pueden decir algo. Así, la poesía se convierte para Heidegger en una vía de escape, una huida al estrato superior -al piso de arriba (*)-, que ofrece una esperanza irracional, un optimismo infundado. (-) Piso de arriba, o estrato superior: términos usados por el autor en sus libros para designar lo que, en el pensamiento moderno, se refiere a 10 que suponemos significativo, con algún valor o sentido, pero que sin embargo no se halla abierto a la comprobación del mundo de los hechos, el cual constituye el «piso de abajo'tt, o «estrato inferior».

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En tanto que cristianos, debemos discernir que no porque un artista -ni siquiera un gran artista- sea capaz de describir Wla cosmovisión con pinceles o con la pluma, ya por ello tenemos que aceptar automáticamente, su concepto del mundo, su cosmovisión. El arte puede aumentar el impacto producido por una cosmovisión que ha encontrado al artista capaz de potenciarla; pero esto por sí solo no convierte en verdadera dicha perspectiva de la realidad. La verdad de cualquier cosmovisión presentada por un artista debe ser juzgada sobre la base de distintos fundamentos que la simple habilidad, o aun grandeza, artística. Pasemos al quinto punto: 5. ¿Qué clase de juicio aplicaremos, pues, a una obra de arte? ¿Sobre qué presupuestos emitiremos nuestra opinión? Creo que hay cuatro normas básicas:

1) excelencia técnica; 2) validez; 3) contenido intelectual, la cosmovisión que nos transmite, y 4) la integración del contenido con el vehículo, es decir: la armonía entre forma y fondo. Discutiré la excelencia técnica en relación con la pintura, porque es fácil demostrar lo que quiero decir tomando este medio artístico como ejemplo . Consi~ deremos ef empleo del color, la forma, el equilibrio, la textura de la pintura, el trazado de las líneas, la unidad de la tela, etc. En cada uno de estos detalles puede darse una gran variedad de excelencia técnica con grados distintos de realización. Al reconocer la excelencia técnica como un aspecto de la obra de

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arte, nos hallamos en condiciones de admitir que, si bien no estamos de acuerdo con talo cual cosmovisión del artista, sin embargo sabemos ver en su obra logros técnicos evidentes. A pesar de nuestro desacuerdo sobre su concepto del mundo O del hombre, admitimos que es un gran artista. Pero no haremos justicia al artista como hombre si desestimamos su labor artística solamente porque no estamos de acuerdo con él en la filosofía de la vida. Ciertos colegios cristianos, ciertos padres creyentes y algunos pastores también han incurrido, alguna vez, en el error de desaconsejar la carrera artística a algún cristiano porque han juzgado el arte prevaleciente, no como obra de arte, sino solamente por la cosmovisión del artista. Las escuelas cristianas, los padres cristianos y los pastores cristianos no acertaron a distinguir entre la excelencia técnica y el contenido. Grandes obras de arte han sido rechazadas por los creyentes, haciendo de ellas objeto de burla o escarnio. Si la técnica de un artista es de calidad, debemos ijlabarle por ello, incluso si diferimos en lo que concierne a nuestras respectivas cosmovisiones. El hombre debe ser tratado siempre como hombre, honestamente; y deben serie admitidos todos sus logros. La excelencia, allí donde se encuentre, tiene que ser reconocida. Es un criterio importante, en el momento de enjuiciar una obra de arte. La validez es el segundo criterio. Por validez entiendo la actitud del artista que es honesto consigo mismo y con su filosofía de la vida y sus tesis artísticas, a diferencia del que hace arte sólo por dinero o por buscar el aplauso. Si un artista hace obra de arte únicamente para satisfacer a un patrón -tanto si este patrón es el noble antiguo, o la moderna galería de arte a la que busca tener acceso, o el mundo de los críticos del momento- ello restará validez a su realización artística. Las modernas formas de

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.el patróII» son más destructivas que las del antiguo mecenas.

Para hacer inteligible todo esto a nuestros lectores evangélicos, pondré un ejemplo tomado de nuestros círculos. Veamos qué sucede con las formas de predicación. Hay muchos pastores cuya predicación es deficiente en lo que atañe a validez. Unos predi~ can para agradar a su congregación, bien sea porque

les gusta el halago o bien porque se trata de quienes les sostienen materialmente. Otros buscan la con-

formidad con el mundo. Es fácil jugar con el público, con la asamblea, y arreglar lo que uno dice, o la manera como lo dice, de tal modo que produzca la clase de efecto deseado, que será, en último término, de provecho para el predicador. Cuando considera todo esto y lo relaciona con el Evangelio, la deshonestidad se hace obvia. Estos predicadores deberían

repasar el modelo de Jerernlas. Podemos pensar en los modernos autores teatrales, cuyo futuro se halla en manos de los críticos del momento. En drama, música, arte y cinema, tenemos toda una serie de críticos -bien sea en Nueva

York, en Londres y en cualquier ciudad importanteeque se encargan o de hacer o de destruir al artista según su antojo. Cuán fácil resulta jugar con la critica y desestimar la seriedad del propio arte como expresión de 10 que el artista mismo pudiera comunicar. El tercer criterio para analizar una obra de arte es el contenido, lo que refleja la cosmovisión del

artista. Por lo que se refiere al cristiano, la filosofía de la vida que se muestra en las obras de arte debe ser, en último término, juzgada por la Escritura. La cosmovisión del artista no se halla libre del

juicio de Dios y de su Palabra. En esto, el artista es como el científico. El científico puede vestir con cuello blanco y ser tenido por una «autoridad» en

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la sociedad, pero alli donde sus afirmaciones contradicen lo que Dios ha declarado en la Escritura, también él, el científico, cae bajo la última y suprema autoridad de la Palabra de Dios. Un artista puede adquirir mucha fama y hasta puede cubrirse de cierta aureola de santón, pero alli donde su obra demuestra su concepto del mundo y de la vida, alli debe ser juzgado por su relación con la cosmovisi6n bíblica. Pienso que podemos ver, ahora, cómo resulta factible hacer tales juicios sobre la obra de arte. Si, como cristianos, nos paramos delante de una tela y reconocemos que en la misma se ha expresado un gran artista por su excelencia técnica y su validez, hemos de confesarlo: se trata de uoa buena obra de arte y de un gran artista como autor. Entonces, podremos pasar a decir que, no obstante, consideramos equivocada su cosmovisión. Hemos emitido nuestra opinión sobre la obra de arte por su excelencia técnica y por su auténtica validez como a tal. Por lo que atañe a su filosofía de la vida, hemos de juzgarla como juzgaríamos la de cualquier otro hombre, filósofo, albañil, campesino, administrador, etc. Seamos más específicos. La noción conocida como «vida de Bohemia», que Jean-Jacques Rousseau promulgó y que tanta aceptación tiene en la sociedad moderna, no tiene cabida en el pensamiento cristiano. Rousseau buscaba una clase de libertad autónoma que justificara la actitud de W1 grupo de «superhombres» cuyas existencias pudieran desenvolverse por encima de las normas de la razón y de la sociedad. Durante mucho tiempo, la libertad, o vida bohemia, era considerada como el ideal del artista, y en las últimas décadas ha pasado a ser la norma para mucha gente que nada tiene que ver con el arte. Desde un punto de vista cristiano, sin embargo, esta clase de vida no está permitida. La Palabra de Dios

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obliga tanto al gran hombre como al pequeño, al científico y al hombre vulgar, al r ey y al artista. Algunos artistas ni siquiera saben que están ofreciendo una cosmovisión desde sus obras. Sin embargo, así és aunque ello ocurra inconscientemente. Incluso aquellas realizaciones que se produjeron bajo el principio del arte por amor al arte, independientemente de toda otra consideración, incluso estas obras implican una cosmovisión. Porque hasta la filosofía de la vida que afirma no haber significado para la existencia comunica un mensaje. En cual-

quier caso, tanto si el artista es consciente de la cosmovisión como si no lo es, en la medida en que

ésta se exprese en sus obras cae bajo el juicio de la Palabra de Dios.

Tenemos que añadir algo a este tercer criterio. Debiéramos darnos cuenta de que si en una gran obra de arte aparece alguna inmoralidad, o algún ataque a la verdad, lo inmoral y lo engañoso serán más destructivos y devastadores que si fueran expresados a través de arte mediocre o afirmaciones prosaicas. Mucho del arte más crudo, esos productos comunes de las comunidades «hippies» y de la contracultura, viene empapado de mensajes destruc· tivos, pero el arte en que se hallan envueltos es tan pobre que no alcanza mucho impacto. Carece de fuerza. Cuanto mayor sea la excelencia de la expresión artística mayor y más importante serán las consecuencias para la sociedad; mayor también el juicio que la Palabra de Dios pasará sobre esta obra de arte. • La reacci6n más corriente entre muchos actualmente es, sin embargo, la opuesta. Por regla general, se siente la impresión de que cuanto mayor es la calidad artística de una obra, menos críticos debiéramos ser de su filosofía de la vida. Pero nosotros

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debemos asumir una actitud que es justamente la contraria. Un ejemplo del efecto devastador de lo que puede conseguir el arte bien realizado con los no cristianos lo tenemos en el Zen. Esta filosofia neobudista sostiene que el mundo es nada, el hombre es nada, cualquier cosa que podáis mostrarme es nada. Pero la poesía Zen lo afirma tan bellamente, que consigue un impacto más eficaz que el de la prensa «under· ground» de la contracultura. Esta clase de prensa también afirma en titulares de dos o tres frases, y en palabras de dos o tres letras, que el hombre no es nada, que el mundo no es nada, que nada es nada. Mas si acertaran a expresarlo con algo de belleza, . creenamos que, a pesar de todo, hay algo, algo hermoso. Es lo que hace la filosofía Zen, que se pre· senta como arte de calidad y da el mensaje en un reCipiente bello. Mas el resultado es que la herida que nos infringe este neobudismo es más mortal, precisamente por el atractivo de sus formas artísticas. Al llegar aquí nos formulamos una pregunta: ¿Es posible para una persona no cristiana -un escritor, un pintor- escribir, o pintar, de acuerdo con la cosmovisión bíblica, aun a sabiendas de que dicha persona no es cristiana? Para encontrar la respuesta adecuada hemos de saber distinguir entre los dos significados de la palabra cristiano. El significado primero, y esencial, es que cristiano es el hombre que ha aceptado a Cristo como su Salvador y que ha pasado de muerte a vida, del reino de las tinieblas al reino de Dios, por el nuevo nacimiento. Pero si un número de personas son realmente cristianas, presentan un consenso que, sociológicamente y con el tiempo, ejerce una influencia casi imperceptible: crean un ambiente, una atmósfera, un entorno. A veces, los no cristianos pintan y escriben dentro de

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este consenso y se sirven del fondo del mismo y de sus puntos de referencia, aunque dichos artistas, en tanto que individuos, no son cristianos. Hay, pues, cuatro clases de personas en el mundo del arte. El primer grupo lo constituyen los nacidos de nuevo, estos artistas cristianos que escriben o pintan, o realizan cualquier obra de arte, dentro de la total cosmovisión bíblica. En segundo lugar, tenemos al no creyente que expresa su propia filosofía de la vida no cristiana. El tercero es el artista que, personalmente, no se ha adherido al Evangelio pero que, sin embargo, ejecuta sus obras de arte sobre la base del consenso cristiano por el que ha sido influido. Tomemos como ejemplos, aunque dentro de otras áreas, a Benjamín Franklin o Thomas Jeffer· son, quienes, por todo lo que sabemos de ellos y según sus propias palabras, no eran cristianos. Sin embargo, produjeron algo que tenía en su base cierta referencia cristiana dado que lo realizaron den· tro del contexto y del consenso cristianos; se deja· ron guiar por los principios del Lex Rex de Samuel Rutherford. Así, dentro del marco creyente, Jefferson y Franklin, sin ser creyentes, fueron capaces de escribir que los hombres, todos los hombres, tienen ciertos derechos inalienables, un concepto deri· vado de la cosmovisión cristiana. La cuarta persona es aquella que ha nacido de nuevo pero que no tiene ideas claras sobre la cos· movisión bíblica y así produce obras de arte que implican un concepto del universo y de la vida no cristianos. Lamentable, pero posible. Así como es factible que"un no creyente sea inconsistente y des· criba el mundo de Dios a pesar de su filosofía personal, así también es posible que un cristiano -sea in· consistente y transmita en sus obras una cosmovisión no bíblica. Este es el caso más triste. Un cuarto criterio para juzgar una obra de arte

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entraña la cuestión de ver cuán hábil ha sido el artista para acoplar el vehículo -la forma- al mensaje el fondo---. Todas las grandes realizaciones muestran una estrecha correlación entre el estilo y el contenido. El más grande arte producido por el hombre armoniza la estructura usada con el mensaje • • que se qwere comumcar. Un ejemplo reciente nos lo ofrece T. S. Elliot en The Waste Land. Cuando Elliot publicó este poema en 1922, se convirtió en el héroe de los poetas modernos, porque por primera vez se había atrevido a construir la forma de su poesía de acuerdo con la naturaleza del mundo tal como él lo veía en aquel entonces, es decir: roto, dividido, absurdo. ¿En qué consistia la forma? Una colección de fragmentos dispersos de lenguaje y de imágenes, con alusiones sacadas aparentemente por azar de toda clase de fuentes literarias, de toda suerte de filosofías y de escritos religiosos, tanto de los antiguos como de los modernos. Los poetas modernos se sintieron satisfechos, porque habían encontrado una forma poética que encajaba, y se adaptaba, a la cosmovisi6n del hombre contemporáneo. Esta revolución, en el ámbito de la pintura, fue llevada a cabo por Picasso con su cuadro Demoi· selles d'Avignon (1907), un cuadro que toma su nombre (