Fotografía de Producto

Fotografía de Producto Qué es: Para dar a conocer un producto es indispensable una buena foto individual de él, donde se destaquen sus características físicas y proyecte la imagen que usted desea. Se desea que la persona con sólo verlo se sienta atraída por él y tenga la necesidad de poseerlo.

Una foto de producto puede ser una pieza de diseño único recién salida de la línea de producción, artículos que reflejen la capacidad de la empresa para producir piezas de manufactura compleja y con alta calidad. Técnicamente se cuidan las sombras, brillos, reflejos a fin de que no distraigan la atención y centren la misma sobre lo bien que se vé el producto.

Características / Usos y aplicaciones La finalidad de este tipo de fotografía es resaltar al máximo las características estéticas para hacer sentir al espectador la necesidad de tener ese producto.

Se utilizan generalmente para ser parte de algún tipo de publicidad y generalmente se ubican los productos dentro del cuadro de manera que al agregar textos, logos y otros elementos formen una composición balanceada.

La fotografía publicitaria Este ha sido uno de los usos y el género fotográfico más difundido en el siglo XX. La fotografía publicitaria se ha convertido en el recurso de diseño más usado para campañas publicitarias de todo tipo, desde su utilización meramente comercial para la venta de productos o el posicionamiento de marcas, hasta su uso como vehículo de transmisión de ideas y mensajes en la propaganda. Cuenta la historia de la fotografía que allá por 1920 comenzaron a explotarse las potencialidade pot encialidadess comunicativas de la fotografía al servicio de la publicidad y la propaganda, haciendo de las imágenes una fuente de mitos y símbolos de las sociedades modernas.

Su poder está en captar, a través de una imagen bella, cruenta o graciosa, la atención visual del espectador, logrando el efecto de impacto y shock que muy bien describe Roland Barthes en su libro Mitologías. La imagen impresa y estática de la fotografía se ha convertido en un potente condensador de la significación y la edificación de los mitos de la sociedad moderna. No en vano se dice que el posmodernismo es el reino de la imagen y el consumo, en donde la cuidad se transforma en un todo visual de carteles y afiches comerciales que venden los más diversos productos. Y en el trabajo fotográfico para la publicidad asistimos a un doble determinismo: por un lado la fotografía debe comunicar con eficacia el producto, dejando muchas veces pocos márgenes para la creatividad, y por otro, debe tener un fuerte valor de atracción para lograr los objetivos de la estrategia comercial, que son nada menos que el aumento de las ventas del producto comercializado comercializado en la fotografía. Es así como muchas veces el fotógrafo publicitario encuentra encuentra que su mirada puede estar atada at ada a estas necesidades, pero bien vale su talento y originalidad para cumplir con estas exigencias y, a la vez, presentar una fotografía con valor en sí misma.

Otro valor, netamente político que cumple la fotografía publicitaria es el de convertirse en el vehículo o la materialización de ciertas ideas y mensajes hegemónicos, así asistimos al liderazgo y la mitificación de ciertos valores y formas de pensar el mundo. Esta fotografía de una campaña de la marca Benetton es un claro ejemplo de algunas de las reflexiones a las que nos somete la fotografía publicitaria cuando está hecha con una conceptualización conceptualización humana y comprensiva.

Lamentablemente estos ejemplos no se repiten mucho en la historia de la fotografía publicitaria, donde lo que más prima es el poder atractivo e impactante del producto, sin medir el riesgo de estupidización y repetición de esquemas sociales discriminatorios a los que nos someten. ¿Fotografía publicitaria y fotografía de producto?

La fotografía publicitaria se refiere a la producción de imágenes para publicidad de bienes muebles, inmuebles, objetos, servicios, etcétera, y para ello usa fotografías de paisajes, edificios, personas, objetos... La fotografía de producto es un subconjunto de la fotografía publicitaria dado que se especializa en la toma de objetos.

Fotografía publicitaria En la fotografía publicitaria , se utiliza una amplia gama de técnicas especiales con el fin de que las imágenes sean atractivas para el consumidor, y así ser un elemento de mayor influencia sobre el vidente. Generalmente la fotografía publicitaria es presentada en forma que provoque o promueva una decisión. La fotografía sirve como inspiración e influye en las ideas políticas y sociales de la gente. Por ellos alrededor de 1920 se empezó a utilizar como un componente más de la publicidad. La creación publicitaria se vio apoyada por nuevos software y entró con fuerza la post producción, de hecho antiguamente las fotos "publicitarias" eran las llamadas de " arte final", ya que eran realizadas de una vez o retocadas con aerógrafo sobre la emulsión, trabajo de por sí para expertos. La fotografía también sigue las nuevas tendencias que impone la moda y el cine, el uso de lentes o tendencias de "color". Con la llegada de las cámaras digitales, se empieza a perder lo que en esencia es la foto profesional (formato medio, cámara técnica) tomas realizadas con película tradicional (negativo, diapositiva), aunque los grandes fotógrafos siempre usan formatos grandes, por la calidad final y si además son digitalizadas en scaner de alta resolución, los resultados son fabulosos. La fotografía publicitaria difiere del resto de los géneros fotográficos por varios motivos. Su funcionalidad le exige una adaptabilidad a los intereses comerciales que tienen por finalidad el aumento de las ventas o servicios. Si el anunciante consigue aumentar el número de ventas es cuando se valora positivamente la capacidad publicística de la fotografía. La fotografía publicitaria, por otro lado, no está comprometida con la realidad como, por ejemplo, la fotografía de prensa. Es decir, la fotografía publicitaria muchas veces se inspira en la realidad pero lo que nos representa por medio de sus imágenes es una realidad construida. A diferencia de otros tipos de fotografía, donde el fotógrafo tiene que estar alerta para obtener la instantánea, la fotografía publicitaria construye la escena exactamente igual que en el cine de ficción, y el fotógrafo se limita a captar la escena valiéndose de las técnicas de iluminación y fotográficas. En el caso de que el fotógrafo no obtenga la imagen diseñada en el primer disparo tendrá más oportunidades, tantas como hagan falta.

Estudio fotográfico Un estudio fotográfico es un espacio de trabajo así como también una corporación. Como espacio de trabajo, es similar a un estudio artístico, pero en un estudio fotográfico también se da lugar a la toma, desarrollo, impresión y duplicación de fotografías. El entrenamiento fotográfico y la exhibición de fotografías terminadas también pueden llevarse a cabo dentro del estudio. Suele estar compuesto por una habitación oscura, un espacio para el almacenamiento, un estudio propiamente dicho ― donde las fotografías son tomadas ―,

una sala de exhibición y un espacio para actividades relacionadas.

Como entidad corporativa, es un negocio perteneciente y representado por uno o varios fotógrafos, posiblemente acompañados por asistentes y alumnos, quienes crean y venden fotografías propias y a veces de otros fotógrafos. Se considera que el primer estudio se abrió en Nueva York en marzo de 1840 y un año después se abrieron otros en Londres y París, en 1841 se abrieron otros en Lima y Berlín.1 Desde comienzos del siglo XX, las funciones corporativas de un estudio han sido llamadas con creciente frecuencia “agencia fotográfica”, dejando el término de “estudio fotográfico”

para referirse casi exclusivamente al espacio de trabajo. La iluminacion en la fotografia 2. La iluminación en la fotografía es muy importante ya que sin luz no se puede visualizar los objetos y con esto hacer una impresion sobre la pelicula o hacer una imagen digital. 3. De la luz y la altura desde la que incide tiene una importancia decisiva en el aspecto general de la fotografía. Variando la posición de la fuente, pueden resaltarse los detalles principales y ocultarse los que no interesen. De la dirección de la luz tam bién depende la sensación de volumen, la textura y la intensidad de los colores. 4. La luz puede provenir de fuentes naturales o artificiales, y en cada caso posee una serie de características. La luz natural es más difícil de controlar pues cambia constantemente de intensidad,dirección, calidad y color; con la luz artificial todos estos parámetros pueden controlarse, pero resulta más cara e incómoda de usar y, además, limita la extensión de la superficie iluminable. 5. Diferentes tipos de iluminación Iluminación Frontal Es cuando la fuente de luz se halla a espaldas del fotógrafo y de frente al objeto fotografiado. Debido a la relativa cercanía que hay entre la dirección de la incidencia de la luz, y la de la toma de la imagen, se producen gráficas planas con poca textura y escasos espacios sombreados. Iluminación Lateral Es cuando el resplandor baña al sujeto de lado, en torno a los 90 grados con respecto a la línea imaginaria que se forma entre el motivo fotografiado y la cámara. Produce un costado fuertemente iluminado y otro en sombra. 6. Iluminación Semi-Lateral Como su nombre lo indica es cuando la luz le llega al objeto fotografiado en forma diagonal, a medio camino entre la posición frontal y la lateral, es decir, en torno a los 45 grados con relación a la línea recta imaginaria que se forma entre la cámara y el motivo retratado. Por lo general es la posición más recomendada, debido a que sus sombras en posición oblicua destaca tanto la perspectiva como la textura; siendo esa misma ubicación la que tiene la luz principal en todo juego de iluminación clásica. 7. Contraluz Es cuando la luz proviene de atrás del objeto fotografiado y le llega de frente al fotógrafo, incidiendo sobre ambos en forma totalmente contraria a la luz frontal. Puede producir

imágenes muy bellas de siluetas en alto contraste, pero no es adecuada para hacer imágenes convencionales que buscan reproducir de manera objetiva la realidad. 8. Iluminación Semi-Contraluz Como su nombre lo indica es cuando la luz cae sobre el motivo en posición intermedia entre la iluminación lateral y el contraluz, es decir, en torno a los 135 grados con relación a la línea imaginaria que se forma entre la cámara y el objeto fotografiado. Al igual que la iluminación semi-lateral esta luz resalta la textura y la perspectiva, con la diferencia que en este caso las sombras se proyectan hacia los primeros planos de la imagen, y los cielos tienen cierta tendencia a reproducirse parcialmente blancos. 9. Iluminación Cenital Es cuando el resplandor proviene directamente de arriba. Como en el estudio es muy poco utilizada, la encontramos más que todo en exteriores con el sol de mediodía. Produce sombras verticales muy oscuras y zonas iluminadas excesivamente claras, las cuales en particular no son apropiadas para fotografiar el rostro humano. Tal vez es la iluminación más difícil de trabajar con acierto. 10. Iluminación de Contrapicado Es cuando la luz proviene de abajo hacia arriba, en posición parcialmente contraria a la cenital. Los retratos tomados con esta iluminación producen un efecto inquietante al invertir la posición normal de las sombras en el rostro, utilizada principalmente en películas de suspenso y misterio. 11. La Difusión Determina la nitidez del borde de las sombras y, por tanto, la dureza o suavidad de la imagen. La luz dura produce, en general, efectos fuertes y espectaculares, mientras que la suave resta importancia a las sombras y hace que sea el volumen del motivo el que domine sobre las líneas. Ambos tipos de iluminación están determinados por el tamaño y proximidad de la fuente luminosa. 12. La luz dura procede de fuentes pequeñas y alejadas, como el sol y las bombillas o flashes directos. La distancia y el tamaño determinan el grado de dureza. La luz dura es idónea para destacar la textura, la forma y el color; y proporciona el mayor grado de contraste. 13. La luz suave es muy difusa y no proyecta apenas sombras. La fuente luminosa ha de ser muy extensa como un cielo cubierto, o rebotarse sobre una superficie muy grande y próxima, como el techo, pantallas, lienzos, etc. Esta iluminación es la menos es pectacular de todas pero la más agradable y fácil de controlar. El control del contraste, uno de los principales problemas con que se enfrenta el profesional, queda perfectamente resuelto con este tipo de luz.       

Iluminacion Frontal 15. Iluminacion lateral 16. Iluminacion Semi-lateral 17. Iluminacion Contraluz 18. Iluminacion Semi-contraluz 19. Iluminacion Cenital 20. Iluminacion Contrapicado

Iluminación en fotografía La iluminación en fotografía consiste en dirigir y rebotar luz hacia un objeto con la intención de que ésta pueda ser registrada por una película, un sensor electrónico CCD o CMOS. La luz resulta fundamental en la fotografía ya que sin ésta no es posible plasmar una fotografía. Aparte de ser un factor físico imprescindible en el proceso fotográfico, la luz posee una función plástica de expresión y modelado que confiere un significado y un carácter tal, que muchas veces ella sola determina la calidad de una fotografía, aunque esto depende del gusto del fotógrafo y la técnica que él mismo emplee. Luces empleadas en fotografía La luz tiene dirección y calidad, la dirección la determina donde está colocada la luz en referencia con el sujeto, por ejemplo si se encuentra en un ángulo de noventa grados del sujeto es una luz lateral, si se coloca frente al sujeto entonces se conoce como luz frontal, si se encuentra ubicada detrás del sujeto y hacia la cámara es una iluminación a contraluz. La dureza o suavidad de la luz, viene determinada por la relación entre el tamaño de la fuente de luz y el tamaño del sujeto a fotografiar y no es una propiedad inherente a la propia luz. En un día soleado se producen sombras duras, al ser la superficie del sol, pequeña en comparación al sujeto. En cambio un día nublado, produce una iluminación más suave, ya que las nubes, aumentan el tamaño de la fuente de luz. Una iluminación básica consiste en el uso de cuatro luces: principal, relleno, de recorte y de acento. Luz natural y artificial La proveniente de fuentes naturales o artificiales, y en cada caso posee una serie de características. La luz natural es aquella que proviene del mismo sol y es influida en su paso por la atmósfera terrestre, además dependiendo de la hora del día puede dar diferentes matices en intensidad, dirección, dureza y color, lo que significa que una luz apta para determinado trabajo pueda tener una corta duración debido a la rotación de la tierra. Una ventaja de la luz natural es que permite hacer tomas fotográficas en exteriores y puede ser complemento a la luz artificial. La luz artificial es aquella que proviene de lámparas, spots, flashes y otros objetos luminosos controlados por el fotógrafo, teniendo como ventaja el poder manipular la dirección, color e intensidad de éstas. Sin embargo el uso de luz artificial tiene un coste más caro de producción y requiere de conocimientos técnicos para manejarla adecuadamente; dependiendo de la cantidad de luces que se utilicen puede haber un límite de la extensión de la superficie iluminable, por lo que la luz artificial suele ser complemento de la natural y viceversa. El color Viene determinado por la longitud de onda de la luz y por el color intrínseco del objeto. El color es una parte importante del registro fotográfico ya que usualmente le da un sentido dramático a la

fotografía y puede provocar distintas expresiones o estados de ánimo dependiendo de lo que el fotógrafo quiera manifestar por medio de ella. Dirección La dirección de la luz y la altura es el ángulo de direccionamiento de las luces hacia el modelo y tiene una importancia decisiva en el aspecto general de la fotografía. Variando la posición de la fuente, pueden resaltarse los detalles principales y ocultarse los que no interesen. De la dirección de la luz también depende la sensación de volumen, la textura y la intensidad de los colores. Como ejemplo se puede citar que una luz dirigida de manera horizontal puede sugerir tranquilidad o ambiente de atardecer. Aunque las posiciones de la luz respecto al motivo y la cámara pueden ser infinitas, todas ellas pueden incluirse en mayor o menor medida en uno de los siguientes tres tipos: Luz frontal Produce aplanamiento de los objetos, aumenta la cantidad de detalles pero anula la t extura. Los colores se reproducen con gran brillantez. La luz viene desde detrás de la cámara, por lo que incide frontalmente en el sujeto. Ésta constituye la manera más básica e infalible de orientarse a la hora de disparar. También es la mejor forma de captar un bonito cielo azul como fondo. Iluminación lateral Destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y resalta la textura; aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal y además, aumenta el contraste de la imagen. Contraluz Convierte los motivos en siluetas, lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema conocido y lograr su abstracción, además de obtener la supresión de los colores. Difusión Determina la nitidez del borde de las sombras y, por tanto, la dureza o suavidad de la imagen. La luz dura produce, en general, efectos fuertes y espectaculares, mientras que la suave resta importancia a las sombras y hace que sea el volumen del motivo el que domine sobre las líneas. Ambos tipos de iluminación están determinados por el tamaño y proximidad de la fuente luminosa. La luz dura procede de fuentes pequeñas y alejadas, como el sol y las bombillas o flashes directos. La distancia y el tamaño determinan el grado de dureza. La luz dura es idónea para destacar la textura, la forma y el color; y proporciona el mayor grado de contraste.

La iluminación semidifusa procede de fuentes más grandes y próximas al objeto y, aunque produce sombras definidas, ya no tienen los bordes nítidos. Este tipo de luz destaca el volumen y la textura, pero sin sombras negras y vacías y sin el elevado contraste de la luz dura. El color resulta más apagado. La luz suave es muy difusa y no proyecta apenas sombras. La fuente luminosa ha de ser muy extensa, como un cielo cubierto, o rebotar sobre una superficie muy grande y próxima, como el techo, pantallas, lienzos, etc. Esta iluminación es la menos espectacular de todas pero la más agradable y fácil de controlar. El control del contraste, uno de los principales problemas con que se enfrenta el profesional, queda perfectamente resuelto con este tipo de luz. La combinación de longitudes de onda en la luz natural varía con la hora del día debido a la diferente refracción de los rayos en la atmósfera. A mediodía todos los rayos refractan por igual y la luz aparece blanca. Las moléculas del aire dispersan parte de la l uz, sobre todo las radiaciones más cortas y por ello vemos el cielo azul. Al atardecer, el sol debe atravesar un capa más gruesa de aire; El extremo rojo del espectro es el que sufre una mayor refracción, y, por tanto, los atardeceres son rojizos. La intensidad de la luz como factor determinante del color es únicamente una ilusión óptica debida a la peculiar fisiología de nuestra retina. Receptores luminosos en la retina Los receptores luminosos de la retina son de dos tipos: conos y bastones. Los bastones son mucho más numerosos y más sensibles a la luz, aunque sólo son capaces de ver en blanco y negro. Por el contrario, los conos son más escasos y menos sensibles, pero distinguen perfectamente los colores. Este es el motivo por el que la imagen parece que va perdiendo color conforme el nivel de iluminación va descendiendo, pues los conos van dejando de actuar pero continúan los bastones. En días claros y soleados, si se fotografía al mediodía un objeto a la sombra, las fotografías salen ligeramente azuladas, esto es debido a la elevada temperatura de color del cielo azul, hasta 12000 K. Película: día y noche La elección de la película a utilizar, queda a criterio-necesidad de cada uno. Si es necesario utilizar la iluminación natural, es mejor usar película de 400/27 ISO todo el tiempo (a pesar de lo que muchos fotógrafos opinan), ya que el grano que en la actualidad tiene esta película es el mismo que tenía una de 100/21 ISO, allá por los años 80.

Una opción para ciertos tipos de trabajo es utilizar la luz diurna dentro de un estudio, y eso es lo que hacen algunos profesionales. Ventajas: la luz es natural; al contrario de lo que sucede con el flash se puede ver cuáles van a ser los resultados y su coste es nulo. Si se trabaja en exteriores es posible controlar la luz mediante grandes paneles blancos o negros situados alrededor del sujeto. En un interior es mejor elegir una habitación orientada al norte: así nunca entrará el sol directamente y la luz será uniforme y constante a lo largo de todo el día. Para trabajos en color puede resultar un tanto fría y producir una ligera dominante azul. Si pasa esto se soluciona utilizando un filtro cálido ligero (81A u 81B) sobre el objetivo para equilibrarla. La luz de las habitaciones con una orientación diferente sufre variaciones de color, intensidad y contraste a lo largo del día. Cuando el sol entra por una ventana la luz es abundante, contrastada y cálida; sin sol los niveles de iluminación bajan considerablemente, las sombras son más suaves y la temperatura de color más neutra. El tamaño de las ventanas también influye, para obtener una iluminación suave y uniforme es necesario contar, al menos, con una gran entrada de luz. El tamaño de cualquier ventana puede reducirse con cortinas o con hojas de cartulina negra para obtener una luz m ás dura y direccional. La luz que proviene de ventanas pequeñas puede suavizarse con cortinas de redecilla o papel vegetal. La habitación ideal debería contar con una claraboya, que añade luz cenital suave y difusa. Sea cual sea el sujeto que se vaya a fotografiar es necesario utilizar reflectores para sacar el máximo partido a la luz natural. Historia de la fotografía La historia de la fotografía estudia todos los aspectos relacionados con la evolución temporal de las imágenes fotográficas: procedimientos, inventores, fabricantes, autores de las fotografías, visión artística y documental, progreso técnico y evolución estética, aplicaciones, comercialización y consumo de imágenes fotográficas, difusión en otros medios de comunicación, conservación en museos y colecciones. Y su análisis, clasificación e interpretación. Antecedentes La Historia de la fotografía empieza "oficialmente en el año 1839, con la divulgación mundial del primer procedimiento fotográfico: el daguerrotipo.1 Como antecedentes de la fotografía, se encuentran la cámara oscura y las investigaciones sobre las sustancias fotosensibles, especialmente el ennegrecimiento de las sales de plata. Ibn alHaytham (Alhazen) (965 a 1040) llevó varios experimentos sobre la cámara oscura y la cámara estenopeica.2

Cronología 1521 La primera publicación sobre la cámara oscura es la de Cesare Cesariano, un alumno de Leonardo Da Vinci durante el Renacimiento. Por su parte, el científico Georgius Fabricus experimentaba ya con las sales de plata, notando algunas de sus propiedades fotosensibles. 1558, Giovanni Battista della Porta, por sus publicaciones sobre el funcionamiento de la cámara oscura, se hizo popular entre los pintores de la época. Gerolamo Cardano sugiere una importante mejora: un lente en la apertura de la cámara, anteriormente un simple orificio o estenopo. 1600, durante el siglo XVII, la cámara que hasta ese momento era una habitación como tal se transforma en un instrumento portátil de madera. Johann Zahn transformó esa caja en un aparato parecido al usado en los principios de la fotografía. En este siglo los científicos continuaban experimentando con sales de plata, notando cómo se oscurecían con la acción del aire y del Sol, sin saber que era la luz la que les hacía reaccionar, hasta que científicos como el sueco Carl Wilhelm Scheele y el suizo Jean Senebier revelaron que las sales reaccionaban con la acción de la luz. 1685, de acuerdo a tratados publicados por Zahn, la cámara ya estaba lista para la fotografía; pero todavía no se podían fijar las imágenes. 1777, el sueco Carl Wilhelm Scheele publica su tratado sobre las sales de plata y la acción de la luz, en latín y alemán; en 1780 en inglés, y un año más tarde en francés. En el estilo de las pinturas de artistas exitosos de este siglo como Canaletto parece evidente el uso de esta poderosa herramienta, la cámara oscura. Una cámara de este tipo que tiene grabado el nombre de Canaletto, se conserva en Venecia, aunque no está confirmado que efectivamente perteneciera al artista. Artistas que comercializaban con éxito retratos, como el de Maximilien Robespierre, hacían uso de todo tipo de instrumentos para lograr trabajos casi perfectos. La silueta, un invento derivado del teatro de sombras chinas, se empezó a usar en Francia a mediados del siglo XVIII, como método rápido, económico y automático para hacer retratos de la creciente clientela burguesa que no podía pagar los retratos tradicionales pintados, ni las miniaturas que por esa época estaban de moda entre la nobleza. La silueta era un retrato de perfil, que se hacía copiando el perímetro de la sombra de una persona sobre un papel negro, que luego se recortaba con muchísimo cuidado, para montarse finalmente en otro papel blanco. En esa misma línea evolutiva, sobre fines del siglo XVIII aparece el fisionotrazo para hacer perfiles, inventado por Gilles Louis Chretien, el cual despertó en la burguesía francesa el apetito por la iconografía. Ambos inventos -sin tienen relación directa con la evolución técnica del invento fotográfico-, han sido caracterizados por Gisele Freund como "antecedentes ideológicos de la fotografía", en tanto representan los esfuerzos de muchos investigadores y artistas de Europa sobre fines del siglo XVIII y principios del XIX, de dar respuesta a una necesidad social en la burguesía ascendente: tener una forma de representación objetiva, mecánica, económica y rápida.

El retrato de personas fue, desde entonces, el principal motor de las innovaciones técnicas que la fotografía incorporó durante todo el siglo XIX. 1801, pocos años antes de su muerte, el inglés Thomas Wedgwood hizo nuevos descubrimientos para capturar imágenes, sin lograr fijarlas adecuadamente. Inicios Vista desde la ventana en Le Gras. Debido a las 8 horas de exposición, la luz del sol ilumina los edificios de ambos lados. A principios del siglo XIX, en el año 1826, el científico francés Nicéphore Niepce obtuvo unas primeras imágenes fotográficas, inéditas, que no pudo fijar permanentemente. La fotografía más antigua que se conserva es una reproducción de la imagen conocida como Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida en 1826 con la utilización de una cámara oscura y un soporte sensibilizado mediante una emulsión química de sales de plata. Cuando Niepce comenzó sus investigaciones necesitaba ocho horas de exposición, a plena luz del día, para obtener sus imágenes. En 1827, Niepce entra en contacto con Daguerre, quien se interesa por su invento e insiste en un acuerdo de trabajo para que le revele su procedimiento, el cual logra firmar con Niepce poco antes de su muerte en 1833. Desde entonces, Daguerre continúa sus experimentaciones y en 1839 hace público -con apoyo del Estado Francés y gran despliegue mediático-, su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de plata pulida, a la que denominó daguerrotipo. Resolvía algunos problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios de exposición. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes, sin conocerse entre sí. El procedimiento creado por Fox Talbot obtenía negativos sobre un soporte de papel, y a partir de esos negativos reproducía copias positivas, también en papel. El procedimiento negativo-positivo de Talbot se llamó calotipo o talbotipo. Inicialmente el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era muy útil para obtener retratos, y su calidad de imagen era muy superior al calotipo. Estos "retratos al daguerrotipo" empezaron a divulgarse entre la clase burguesa de la Revolución industrial, por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva técnica. Innovaciones técnicas y científicas Para captar las imágenes se empleó la cámara oscura que experimentó constantes mejoras en su diseño y tamaño, así como en las lentes ópticas u objetivos utilizados, debido a las aportaciones de diferentes investigadores. Los procedimientos fotográficos utilizados durante el siglo XIX fueron muy diversos, empezando por el daguerrotipo, y el calotipo. A partir de 1855 triunfó el sistema de los negativos de colodión húmedo, que permitían positivar muchas copias en papel a la albúmina, con g ran nitidez y amplia

gama de tonos. Estas copias a la albúmina fueron el tipo de papel fotográfico más empleado en la segunda mitad del siglo XIX. Todos estos sistemas eran muy artesanales, y requerían destrezas manuales significativas por parte de los fotógrafos, así como conocimientos prácticos de química y física. Después de 1880 se pudieron comprar las nuevas placas secas al gelatino-bromuro, que ya no eran artesanales, sino que eran fabricadas por industrias. Los fotógrafos compraban cajas de placas vírgenes, ya sensibilizadas, listas para cargar en chasis y ser expuestas en la cámara. También eran placas de vidrio; pero pronto empezó a usarse el soporte flexible de película de nitrato. Tampoco deben olvidarse las siguientes aportaciones de George Eastman y la casa Kodak, que permiten concluir el camino hacia la instantánea fotográfica. A partir de 1888, Kodak sacó al mercado una cámara que utilizaba carretes de película enrollable, en lugar de placas planas. El sistema inventado por Kodak se complementaba además con el revelado de las tomas luego de expuestas, y la carga de la película con nueva película. Bajo el concepto "Ud. aprieta el botón, nosotros hacemos el resto", Kodak inauguraba la fotografía de aficionados. En el campo de las investigaciones científicas efectuadas con la utilización de la fotografía pueden resaltarse los estudios sobre locomoción humana y animal de Étienne Jules Marey y Edward Muybridge. Así, muy interesante fue poder averiguar la secuencia de movimientos de las patas de un caballo al galope, que era un tema de amplio debate entre los pintores de la época. fuentes de iluminacion en una fotografia de producto la fotografía de producto, o sea la típica de catálogo, lo habitual, con todas las excepciones que quieras es, una iluminación clásica, que se basaría en tres puntos de luz (después describo características) más la o las luces que se requieran para iluminar el fondo. - La primera luz, la llamada principal (key light), puede ir desde luz dura, es decir, directa, que cree sombras, volumen y textura (de luz de flash o continua, o sea de fuentes más o menos puntuales) a luz suave (difusa, de fuentes con difusor y de superficie de emisión amplia). Los grados de dureza-difusión se controlan con accesorios tipo paraguas, reflectores... Es la responsable de la relación iluminación-exposición. Su posición suele ser a un lado de la cámara. Con unos de 30º a 60º de desvío sobre el eje cámaraobjeto. - La segunda luz, la llamada de relleno (fill light). Suele ser siempre difusa. Su función es controlar la "dureza" de las sombras creadas por la key light. Su posición, es al lado contrario del eje que la key light y cubriendo el objeto. - La tercera luz, es el contraluz (back light). Puede ser luz dura o difusa pero de baja intensidad. Su función es crear un ligero perfilado en el producto, para destacarlo del fondo. Su posición, suele ser muy picada (muy alta y muy inclinada sobre el objeto).

Los fondos se suelen iluminar dependiendo del efecto que se busque... Y del matiral del fondo: no es lo mismo iluminar un objeto situado sobre una base traslúcida (por ejemplo instrumental quirúrgico) que sobre terciopelo negro (por ejemplo en joyería). En cuanto a tipos de fuentes, suelen ser de dos, luces contínuas y de flash... Y los efectos de difusión, reflejos, brillos etc, se consiguen mediante accesorios (pantallas, paraguas, reflectores...) y un poco de bricolage. Historia     

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Diferentes tipos de iluminación.

Es bastante obvio mencionar lo importante que el la luz en la fotografía, ya que sin ella seria imposible visualizar los objetos y con esto hacer una impresión sobre la película. Raramente se fotografían objetos con luz propia, lo más normal es captar la luz que reflejan. La luz puede provenir de fuentes naturales o artificiales, y en cada caso posee una serie de características. La luz natural es más difícil de controlar pues cambia constantemente de intensidad, dirección, calidad y color; con la luz artificial todos estos parámetros pueden controlarse, pero resulta más cara e incómoda de usar y, además, limita la extensión de la superficie iluminable. Aparte de ser un factor físico imprescindible en el proceso fotográfico, la luz posee una función plástica de expresión y modelado que confiere un significado y un carácter tal, que muchas veces ella sola determina la calidad de una fotografía. Los principales factores que determinan la iluminación son: Origen: natural o artificial. Numero de las fuentes luminosas. Dirección o posición de la fuente respecto a la cámara y el motivo Difusión o forma de emanar y llegar al objeto: directa, difusa, etc. Color

El origen. Determina muchas veces el resto de los factores. Se entiende por luz natural la proporcionada por el sol aunque está oculto por las nubes o tras el horizonte. La luna y las estrellas son también iluminación natural, aunque por su poca intensidad raramente se utilizan. La luz artificial puede ser a su vez continua (bombillas) o discontinua (flash).

El numero. De las fuentes influye sobre el contraste y el modelado de la imagen. En general se recomienda utilizar el menor número posible de fuentes y emplear siempre una como luz principal. Con luz natural puede usarse, como luz secundaria o de relleno, una pantalla reflectante o un destello de flash. El Color Viene determinado por la longitud de onda de la luz y por el color intrínseco del objeto, con la única excepción de las sustancias fluorescentes. La Dirección De la luz y la altura desde la que incide tiene una importancia decisiva en el aspecto general de la fotografía. Variando la posición de la fuente, pueden resaltarse los detalles principales y ocultarse los que no interesen. De la dirección de la luz también depende la sensación de volumen, la textura y la intensidad de los colores. Psicológicamente también pueden sugerirse tranquilidad o ambientes de atardecer si utilizamos la luz horizontalmente. Aunque las posiciones de la luz respecto al motivo y la cámara, pueden ser infinitas, todas ellas pueden incluirse en mayor o menor parte en unos de los tres tipos siguientes: La luz frontal produce aplanamiento de los objetos, aumenta la cantidad de detalles pero anula la textura. Los colores se reproducen con gran brillantez. La iluminación lateral destaca el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales y resalta la textura; aunque da menor información sobre los detalles que la luz frontal y, además, aumenta el contraste de la imagen. El contraluz convierte los motivos en siluetas lo cual puede resultar conveniente para simplificar un tema conocido y lograr su abstracción, a ello hay que añadir, además, la supresión que se consigue de los colores. La Difusión Determina la nitidez del borde de las sombras y, por tanto, la dureza o suavidad de la imagen. La luz dura produce, en general, efectos fuertes y espectaculares, mientras que la suave resta importancia a las sombras y hace que sea el volumen del motivo el que domine sobre las líneas. Ambos tipos de iluminación están determinados por el tamaño y proximidad de la fuente luminosa. La luz dura procede de fuentes pequeñas y alejadas, como el sol y las bombillas o flashes directos. La distancia y el tamaño determinan el grado de dureza. La luz dura es idónea para

destacar la textura, la forma y el color; y proporciona el mayor grado de contraste. La iluminación semidifusa procede de fuentes más grandes y próximas al objeto y, aunque produce sombras definidas, ya no tienen los bordes nítidos. La luz semidifusa destaca el volumen y la textura, pero sin sombras negras y vacías y sin el elevado contraste de la luz dura. El color resulta más apagado. La luz suave es muy difusa y no proyecta apenas sombras. La fuente luminosa ha de ser muy extensa como un cielo cubierto, o rebotarse sobre una superficie muy grande y próxima, como el techo, pantallas, lienzos, etc. Esta iluminación es la menos espectacular de todas pero la más agradable y fácil de controlar. El control del contraste, uno de los principales problemas con que se enfrenta el profesional, queda perfectamente resuelto con este tipo de luz. Naturaleza De La Fotografia Publicitaria — Presentation Transcript  

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1. FOTOGRAFIA PUBLICITARIA No se puede hablar de fotografía publicitaria sin antes haber comprendido los lineamientos del mercadeo. La investigación de m ercado forma parte de un plan mercadológico que nos ayuda a descubrir un nicho o espacio de mercado donde colocar un nuevo producto que satisfaga las necesidades de los consumidores Además nos arrojara la información necesaria para trabajar en la fotografía publicitaria de acuerdo con lo anterior la investigación de mercado nos ayuda a descubrir: -El tipo de público al cual nos dirigiremos. -El producto que la fotografía publicitaria PROMOVERA Publicidad – Mercadeo - RRPP 2. Introducción a la fotografía publicitaria La fotografía sirve como inspiración e influye en las ideas políticas y sociales de las personas. Por ello alrededor de 1920 se empezó a utilizar como un componente más de la publicidad. En la fotografía publicitaria , se utiliza una amplia gama de técnicas especiales con el fin de que las imágenes sean atractivas para el consumidor, y así ser un elemento de mayor influencia sobre el vidente. Generalmente la fotografía publicitaria es presentada en forma que provoque o promueva una decisión. 3. L a comercialización de los productos ha hecho de la fotografía publicitaria la actividad más importante del trabajo fotográfico por su volumen, técnica y creatividad . Las estrategias comerciales difieren entre sí pero todas ellas necesitan una imagen para que tal estrategia resulte eficaz y atractiva La fotografía publicitaria difiere del resto de los géneros fotográficos por varios motivos. 1- Su funcionalidad le exige una adaptabilidad a los intereses comerciales 2- La fotografía publicitaria, por otro lado, no está comprometida con la realidad 3- la fotografía publicitaria construye la escena exactamente igual que en el cine de ficción 4. Esta forma de construir las imágenes , por parte de la fotografía publicitaria, le dota de un estatuto tolerante y abierto que acepta todo tipo de recursos con tal de que la imagen sea la idónea para el éxito de la campaña publicitaria. La originalidad supone la aportación de una imagen totalmente nueva , aún a pesar del riesgo de pasar totalmente desapercibida, la fotografía publicitaria debe de tener presente dos supuestos conjuntamente: 1- la limitación creativa que supone la funcionalidad de la publicidad 2también esta la exigencia de originalidad para que esa funcionalidad se pueda imponer.

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5. Uno de los recursos más importantes de la fotografía publicitaria es la estética para la búsqueda de la originalidad. Este género fotográfico sufre las consecuencias del consumismo que propaga y está sometida a una renovación constante para mantenerse la estética tiene valores positivos porque lo bello atrae mucho más la atención que lo feo, lo que ha provocado un culto a la belleza por parte del discurso publicitario. Llegados a este punto, se puede decir que la fotografía publicitaria entra en clara competencia con la fotografía artística en cuanto a los valores estéticos. 6. La fotografía publicitaria está formada por dos tipos de mensajes : 1- El mensaje denotativo es un mensaje tímido pero veraz, afirmando la existencia del producto que se anuncia. 2- En su habilidad seductora, la publicidad crea una apariencia que encubre un inventario de connotaciones, para emitir un mensaje que implica indirectamente más a las emociones que a la racionalidad. 7. Denotativo: Representado a través de una imagen con un mensaje sencillo y entendible. Connotativo: Representado a través de imágenes con un mensaje mas codificado que encubre la idea. La fotografía publicitaria está formada por dos tipos de mensajes : 8. Entonces, El Denotativo es un mensaje tímido pero verdadero, que nos dice que el producto existe, y por lo general las fotografías que tienen este tipo de mensajes, hay pocas. El Connotativo nos muestra mas emociones que racionalidad. Esto facilita muchísimo el trabajo publicitario además de la creatividad, se trata de obtener que se visualice una cualidad o característica del producto. Y también incluye diversos elementos como los que hemos aprendido en la semiótica. Entre ellas tenemos: LA METAFORA: Nos sirve para comparar a dos productos entre sus características 9. b) LA SINECDOQUE: (extiende, restringe o altera la significación de la imagen Nos ayuda a mantener una idea clara de lo que es el producto LA HIPERBOLE: Es la exageración de los signos o viceversa La importancia de la misma es bastante clara, la fotografía publicitaria, no necesita de idiomas, ni de otros medios para dar a conocer un producto. Es uno de los métodos mas efectivos y también un poco difíciles utilizados para pautar marcas, pero si hablamos de obtener éxitos en nuestra campaña, este es un método globalizado. 10. Recomendaciones del Marketing para la creación de la fotografía publicitaría. 1- Tomar en cuenta el publico meta . (Edad, status social, gustos y aficiones.) 2- Tener en cuenta los canales en los cuales se ira a promocionar . (Revistas, periódicos, Internet etc.) 3- Relación Marca - Contexto Asociar los elementos que identifican a la marca con una imagen que transmita sus características principales. La clave de la fotografía publicitaria es explotar la ventaja competitiva de un producto es decir aquello que lo diferencia de los demás, a partir de esta idea central se crea el concepto de la fotografía publicitaria. Elemento importante para la fotografía publicitaria: La creatividad . 11. CARACTERISTICAS DE LA FOTOGRAFIA PUBLICITARIA Impacto visual : Se refiere a que una imagen ha de tener la capacidad de atraer la atención del publico al cual esta dirigida. Concepto creativo : Se refiere a la capacidad de transmitir la idea principal que el anunciante desea . Capacidad de transmitir el concepto del producto Promover la acción de compra: Es decir que no solo tenga la capacidad de atraer la atención si no de provocar o estimular la compra. Quiet revolution generación energía y arte

Introducción

La palabra fotografía es de origen griego. Proviene de  photos, que significa luz y graphis que significa dibujo, escritura. En otras palabras, sería "dibujar o escribir con la luz". Según la Enciclopedia Encarta 2004, la fotografía se define como "procedimiento por el que se consiguen imágenes permanentes sobre superficies sensibilizadas por medio de la acción fotoquímica de la luz o de otras formas de energía radiante." En cambio, el término cámara deriva de la palabra latina camera que significa habitación o cámara. De acuerdo con el Diccionario de la Real Academia Española, la cámara fotográfica es un "aparato que sirve para hacer fotografías, y que consta de un medio óptico, el objetivo, y de un medio mecánico, el obturador." La fotografía y la cámara están unidas por un vínculo muy fuerte. Pero se diferencian entre sí porque la primera es arte y la segunda es el aparato que la reproduce. Por otra parte, hay que saber mirar para lograr buenas fotografías, algo que parece difícil en fotografía, y al mismo tiempo indispensable. Para ello el requisito fundamental en este arte es aprender a mirar. Esto dependerá de la aceptación o rechazo del público en general. Por eso, se toma en cuenta normas básicas que sirven como guía, no obstante el fotógrafo puede tomarlas como referencia y cambiarlas a su manera, de manera que su creatividad no se limite. Obviamente la luz que desempeña un papel fundamental en fotografía. Sin embargo, hay distintas técnicas que se pueden llevar a cabo para lograr una mejor iluminación. A continuación, señalaremos diversos tópicos relacionado con el arte de la fotografía como su historia, cómo se ha desarrollado, sus características, las características de la fotografía en blanco y negro, las partes y funciones de la cámara fotográfica, los diferentes tipos de cámara, la forma de cómo evolucionado dicho artefacto, las técnicas de iluminación, la composición fotográfica y la relación que existe entre Publicidad y Fotografía. Historia de la fotografía

Tenemos como antecedente de la fotografía a Ibn al-Haitham -de origen árabe-, quien observó los eclipses solares y lunares. Éste hacía pasar los rayos expuestos por el astro rey e irradiados por el satélite natural mediante un pequeño agujero, los cuales se reflejaban en la pared opuesta de una habitación sombría, denominada Cámara Oscura. A mediados de 1820, en Francia, el litógrafo Joseph Nicéphore Niépce llevó a cabo los primeros experimentos relacionados con la obtención de fotografías cuando exponía a la luz solar una placa impregnada de betún de Judea, soluble por acción de la luz. En 1839, su paisano Jacques Daguerre se basó en el descubrimiento de Niépce, -con quien se asoció en 1829- y lanzó un método práctico: el daguerrotipo, en el cual utilizó placas de cobre embarradas con yoduro de plata y las exhibió en cámaras de madera. Luego, se percató que podía conseguir imágenes más perfectas al aplicar el yoduro de plata sobre papel y después sobre placas de vidrio. Desafortunadamente, las fotografías tenían que ser

preparadas y reveladas inmediatamente después de la exposición, de modo que el fotógrafo de campaña debía llevar una tienda y una gran cantidad de productos químicos. Un científico británico de la Universidad de Cambridge llamado William Henry Fox Talbot hizo en 1840 experimentos similares a los de Daguerre, a través de transformaciones químicas de productos sensibles. Estos tuvieron como consecuencia unos negativos de los que podían sacarse copias. Sus "calotipos" sobre papel eran más fáciles de reproducir, pero gozaban de menor definición que los daguerrotipos. El invento de Daguerre fue divulgado por todo el planeta. Sus tiempos de exposición era muy largos, al principio. Más adelante se fueron reduciendo considerablemente y el perfeccionamiento progresivo de la técnica provocó la aparición de una industria fotográfica. Por otro lado, los escoceses David Octavius Hill y Robert Adamson realizaron sus retratos de estilo pictórico basándose en el experimento de Talbot, ya que la fotografía, en sus orígenes, tomó como modelo a la pintura y adoptó muchos de sus recursos. En 1851, el británico Frederick Scott Archer permitió otra evolución en la fotografía al aplicar una mezcla de nitrocelulosa con alcohol y éter conocida como colodión, la cual permitía llevar a cabo negativos en cristal. Este sistema unía las ventajas del daguerrotipo y del calotipo. No obstante, el fotógrafo debía sensibilizar la placa inmediatamente antes de la exposición y aprovechar la emulsión mientras estuviese húmeda. Años más tarde, el retrato fotográfico cada vez se volvía más popular gracias a su verosimilitud y economía, dejando de lado al retrato pictórico. En 1854, el francés AndréAdolphe-Eugéne Disdéri publicó el retrato más famoso  – denominado "tarjeta de visita"- al utilizar negativos múltiples en una única placa de vidrio, de la que se obtenían pequeñas reproducciones. Expertos en fotografía como el francés Gaspard-Félix Tournachon (conocido como  Nadar ), y la inglesa Julia Margaret Cameron llevaron el retrato a un alto grado de precisión al rechazar el tradicional retoque y buscar un estilo propiamente fotográfico, con una preocupación especial por captar la psicología del personaje. Asimismo, Nadar elaboró las primeras fotografías aéreas desde un globo y el británico Roger Fenton fue el pionero de los reportajes de guerra gracias a una serie acerca del conflicto de Crimea, en 1855. Las fotografías sólo podían hacerse en blanco y negro, pero en 1861 se conocían los principios fundamentales de la fotografía en color. En 1887, otro británico, Eadweard Muybridge, tomó fotografías de las sucesivas fases del movimiento de una figura. Los artistas plásticos fueron influenciados por este experimento, sobre todo en los que pintaban carreras de caballos. En 1888, el americano George Eastman (fundador de Kodak) lanzó un nuevo método consistente en aplicar la capa sensible sobre una cinta flexible de celuloide, de manera que los negativos podían almacenarse en rollos. Como resultado, el fotógrafo dejaba el

laboratorio en casa, y el equipo resultó más sencillo. Gracias a este sistema, las cámaras se perfeccionaron y la fotografía se volvió más popular todavía. A principios del siglo XX, fotógrafos como el estadounidense Alfred Stieglitz y el luxemburgués Edward Steichen animaron la aparición de publicaciones y la organización de exposiciones fotográficas, en estrecha relación con las tendencias artísticas contemporáneas. Y en 1907, Auguste y Louis Lumière establecieron unas placas de cristal para obtener fotografías en colores. Dichas placas fueron bautizadas como  Autochromes  Lumière. La fotografía artística siguió explorando la vida cotidiana, sus personajes y sus paisajes, sin adornos ni retoques, como las del alemán August Sander, el francés Henri Cartier-Bresson, los estadounidenses Paul Strand, Ansel Adams y Walker Evans. Strand y Adams se dedicaron al paisaje, mientras que Evans se dedicó al periodismo gráfico sobre la época de la depresión económica, tras la crisis de 1929. La verdadera fotografía en color surgió en 1935, cuando Kodak y Agfa empezaron a vender sus películas con emulsión de tres capas. Con el paso del tiempo, se fueron reconociendo la fotografía como arte. Hasta los propios creadores plásticos se sintieron atraídos por los experimentos fotográficos. De estos casos, se pueden mencionar el del constructivista húngaro László Moholy-Nagy y sus imágenes de luz, el estadounidense Man Ray y el surrealismo, y los alemanes John Heartfield y Hannah Höch quienes denunciaron la situación político-social a través del fotomontaje. La fotografía se extendió rápidamente a todos las áreas de la creatividad humana y se transformó en un lenguaje de primera magnitud en una cultura primordialmente visual, como es la contemporánea. Características de la fotografía

La fotografía es el antecedente del cine, así que posee sus propias características :  

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Es estática. Al igual que el cine, se puede dar en diferentes colores y tonalidades como blanco y negro, color y sepia. Cuando son cámaras con rollo, posee un negativo que debe ser revelado con productos químicos para que pueda ser positivo. La luz es un elemento muy importante en la fotografía, pues no serviría de nada fotografiar un objeto a oscuras. Se han creado miles de tendencias en este campo: publicitaria, artística, personal, documental, etc.

Técnicas de iluminación

Existen diversos factores importantes que se deben tomar en cuenta en la iluminación fotográfica: Origen: 

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Luz natural: Es la que aporta el sol, la luna y las estrellas. Estas dos últimas, a diferencia del

astro rey, se caracterizan su poca intensidad, y por eso raramente se utilizan. En cambio, el sol posee una luz más intensa. No obstante, la luz natural es más difícil de controlar porque cambia constantemente de intensidad, dirección, calidad y color. Luz artificial: Este tipo de luz se puede controlar, pero es más costosa e incómoda de usar, aparte de limitar la extensión de la superficie que se va a alumbrar. De ahí su complejidad. Puede ser continua (bombillo) o discontinua (flash).

Influye sobre el contraste y el modelado de la imagen. Para este caso, es recomendable usar el menor número posible de fuentes y emplear siempre una como luz principal. Con luz natural puede aprovecharse, como luz secundaria o de relleno, una pantalla reflectante o un destello de flash. Número de fuentes luminosas:

La longitud de onda de la luz y el color que posee el objeto lo determinan, excepto las sustancias fluorescentes. Color:

Es preciso tomar en cuenta la luz y la altura, pues influyen enormemente en la fotografía. Los detalles principales dependerán de la posición de la fuente, incluso se pueden ocultar aquellos que no tienen importancia para el fotógrafo. Además, la sensación de volumen, la textura y la intensidad de los colores tendrán mucho que ver con la dirección de la luz. Y si se manipula la luz de manera horizontal, pueden significar tranquilidad o ambientes de atardecer. La dirección de la luz se pueden usar de varias maneras, aunque las tres primeras son las más estudiadas y utilizadas por los expertos: Dirección o posición de la fuente respecto a la cámara y el motivo:

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Frontal: La iluminación es directa y da al frente. Con ella, hacen que los objetos sean

planos, los colores son más brillantes. e incrementa la cantidad de detalles. No obstante, posee una desventaja: Anula la textura. Lateral: Cuando la iluminación está de lado. Este tipo de dirección acentúa el volumen y la profundidad de los objetos tridimensionales. Al mismo tiempo, realza la textura e intensifica el contraste de la imagen. A pesar de dichos atributos, da menor "información" sobre los detalles, como lo hace la luz frontal. El contraluz: Cuando damos la espalda a la luz. Cuando se quiere simplificar un tema conocido, éste hace que los motivos se transformen en siluetas y se logra su contemplación. Sin embargo, anula los colores.  Alta: A diferencia de la luz frontal y para evitar confusiones, se aplica desde un punto alto y a una determinada altura, por ejemplo: una persona está de pie y la lámpara está a la altura de su rostro. Cenital: Ocurre cuando se alumbra desde arriba.

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Contrapicado: Cuando se ilumina desde abajo hacia arriba, es decir de manera diagonal. Es

utilizado mucho en fotografías de temas relacionados con el terror. Verbigracia de ello es cuando una persona ilumina su rostro con una linterna y lo apunta desde el mentón. Contrapicado lateral: A diferencia de la luz anterior, se ilumina de un lado, sea el izquierdo o el derecho.

Hace que el borde de las sombras sean nítidas y podemos verificar la dureza o suavidad de la imagen. Se nombrarán a continuación los tipos de iluminación, los cuales están determinados por el tamaño y proximidad de la fuente luminosa: Difusión o forma de emanar y llegar al objeto:

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La luz dura: Proviene de fuentes pequeñas y alejadas, como por ejemplo como el sol y los

bombillos. El grado de dureza está establecido por la distancia y el tamaño. Asimismo, si se quiere destacar la textura, la forma y el color, este tipo de luz es ideal porque ofrece el mayor grado de contraste. También es importante destacar que produce efectos fuertes y espectaculares La iluminación semidifusa: Proviene de fuentes más grandes y cercanas al objeto. No obstante forma sombras definidas sin bordes nítidos. Aunque subraya el volumen y la textura, no se producen sombras negras y vacías y ni el gran contraste de la luz dura. Los colores son parecen apagados, en otras palabras, sin brillo. La luz suave: Es sumamente difusa y apenas genera sombras. La fuente luminosa debe ser muy extensa o, más bien proyectarse sobre una superficie muy grande y próxima (techo, pantallas, lienzos, etc.). A pesar de ser la más agradable y fácil de controlar, es la menos impresionante. Este tipo de luz resuelve los problemas de contraste. Las sombras son menos importantes y le da dominancia al volumen del motivo.

Composición fotográfica

es la manera en la que se organizan los objetos vistos dentro del encuadre, dentro de lo que realmente queda en cuadro. Es decir, ordenan las figuras dentro del espacio visual disponible y dándole un sentido de unidad, de modo que resulte armoniosa y artísticamente equilibrada. La composición fotográfica

Los elementos que hay que percatarnos para formar el cuadro son la perspectiva, el horizonte, la diagonal, la línea "S", la imagen horizontal, la imagen vertical, el centro de interés, el fondo, el contraste, el equilibrio y el ritmo. Si le queremos dar un nuevo nivel de significado al encuadre, podemos variar la posición de la cámara para seguir el desarrollo de la acción, en otras palabras la capacidad de movimiento del encuadre. También es importante destacar los diversos aspectos en cada escena. En este proceso participa del montaje y se produce el "montaje dentro del plano". Sin embargo, dentro de la composición, de todos los elementos citados con anterioridad hay dos que influyen en la composición que describiremos enseguida: a.

b. El equilibrio: Mientras más equilibrada sea la situación de los elementos que la componen, más agradable resulta la fotografía. Su "peso visual" se debe a cómo se distribuyen las figuras. Los elementos de mayor masa visual se podrían colocar más al centro, y los más ligeros hacia los márgenes. La noción de "peso visual" se toma en un sentido de mancha o masa. También se toma en el volumen y el peso que instintivamente se relaciona con cada elemento. Además, el equilibrio se asocia a las composiciones verticales, a la intensidad y al contraste de los colores. Una imagen mal equilibrada es rechazada inconscientemente por cualquier observador y su mensaje no podrá ser captado. c. El ritmo: Se define como el resultado de la repetición de líneas, formas, volúmenes, tonos y colores. Cuando se repite un motivo, la armonía de una escena aumenta. El ritmo permite unir los diferentes elementos de la escena para otorgarles unidad y fluidez. Las composiciones con ritmo excesivamente rígido (olas, cartones de huevos, campos de dunas, terrenos de cultivo, etc.), es aconsejable romperlas con algún pequeño objeto que no tenga nada que ver, pero que disminuya su rigidez y proporcione un centro de interés.

Enumeraremos las reglas básicas de composición que pueden servir como norte: 1. 2. Elegir bien el encuadre y el punto de vista: Para ellos se escoge el objeto que queremos fotografiar y buscar el punto de vista en el que sobresalga más. De esta manera dejaremos de lado aquellos elementos que nos desconcentren en pleno proceso. 3. La regla de los tercios: De manera imaginaria y tanto horizontal y verticalmente, fraccionamos la pantalla en tercios. El objeto debe estar en uno de los puntos de intersección de la cuadrícula imaginaria y no en el centro de la imagen. 4. Las líneas dominantes: Deben centrar la atención, no desviarla. Una de las normas más famosas de la composición es repetir las líneas y objetos, sobretodo si el motivo es una estructura. Las líneas pueden ser horizontales, verticales, curvas o cruzadas. Las diagonales y líneas en "S" se emplean para imprimir un cierto movimiento a las fotografías.

El fotógrafo puede hacer su composición de mil maneras, pero hay normas que si se llevan a cabo notaremos cómo la imagen obtenida produce sensaciones de mayor intensidad. En otras palabras, estas son algunas de las formas de composición más comunes: 

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Composición simétrica: Generalmente, muchos de los temas que se fotografían como

personas, animales u objetos tienen uno o varios planos de simetría, incluso la línea del horizonte pueden actuar de cierta manera. Si los motivos ubicados a ambos lados del eje simétrico tienen el mismo "peso visual", la imagen puede ser agradable. Este tipo de composición es sencilla, solemne y formal. Sin embargo, resulta fría y sumamente mecánica. Composición asimétrica: Las variantes que este tipo son infinitas. Es conocida con el nombre de las formas de letras o figuras que toman. Las más empleadas son la triangular y las realizadas en forma de "S", "L", o "C". Composición con líneas: Las líneas pueden estar presentes en la imagen o existir tácitamente al unir sus elementos constituyentes. Aquí las líneas pueden actuar de distintas maneras como haciendo ingresar nuestra visión en la fotografía, guiando nuestra

mirada por la imagen hasta el centro de interés, o haciendo salir nuestra mirada de la foto lo más levemente posible.

Fotografía y publicidad

La fotografía es muy usada en publicidad, sobretodo cuando se toman fotos para vallas, anuncios, ilustraciones en libros y otras publicaciones. Se ha recurrido a ella para inspirar e influir opiniones políticas o sociales. Además, desde la década de 1920 se ha usado mucho con la intención de impulsar y dirigir el consumo, y como un elemento más de la publicidad. Los aficionados utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas para que sus imágenes sean atractivas. Y en mucho de los casos, hacen retoques en ellas para que se aproxime a la perfección que los medios y la publicidad han establecido en cuanto a la belleza humana. Esta clase de imágenes ha tenido un fuerte impacto dentro de la cultura porque ha representado también un gran impulso en la industria gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran calidad. Los que más se destacaron en esta área son: Irving Penn y Cecil Beaton, fotógrafos de la alta sociedad; Richard Avedon, quien se hizo popular como fotógrafo de moda, y Helmut Newton, polémico fotógrafo de moda y retratista cuyos trabajos poseen habitualmente un gran contenido erótico Bibliografía  Introducción a la fotografía.

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Septiembre 2] AKVIS [Página web en línea]. Disponible: http://akvis.com/es/articles/art-andphotography/photographic-composition.php [Consulta: 2006, Septiembre 2] Diccionario de la Real Academia Española [Página web en línea]. Disponible: http://www.rae.es/  [Consulta: 2006, Septiembre 3] Enciclopedia Encarta (Versión 2004) Fotografía (Multimedia en C.D.) (2003). Disponible: Microsoft Corporation. Enciclopedia Hispánica Platinum (Versión 2003) Fotografía (Multimedia en C.D.) (2003). Disponible: Editorial Barsa Planeta, Inc. Fotonostra [Página web en línea]. Disponible: http://www.fotonostra.com/fotografia/composicion.htm [Consulta: 2006, Septiembre 2] Fotopaisajes [Página web en línea]. Disponible: http://es.geocities.com/fotomanual/tipos_de_peliculas/  [Consulta: 2006, Agosto 31] GARCÍA PLANCHART, L. (2006, enero) Cine, fotografía y video. Clase dictada a los alumnos de 7º semestre de Publicidad de la Universidad Alejandro de Humboldt

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Elementos que componen un estudio fotográfico. 

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Iluminación controlada, equipo preciso, tiempo, conocimientos, creatividad, Producto. Cajas de luz (para una luz suave o difusa), concentrador de luz (para dirigir la luz), lámparas de destello (flashes), ciclorama (fondo), gelatinas (cambian de color la luz), un acrílico grande (sirve de fondo en las fotos de producto principalmente), tela amplia de terciopelo negra (para fondo), tripiés, regulador, banderas (para que obstruya el paso de la luz directa a la cámara y sólo la dirija al modelo), vestidor, cámara... (no me acuerdo de más). Los elementos necesarios básicos para un estudio fotográfico son, el plato o fondo, las luces y la cámara,después puedes tener opcionales, un exposimetro para medir la luz, accesorios para suvizar las luces, un trípode para motar la cámara, y otro por cada luz, muchos fondos intercambiables, filtros para efectos en las luces y en los lentes para conseguir efectos especiales, y mesas, sillas, y utileria de acuerdo al tema que fotografíes.

Por esto es necesario que se aplique la fotografía de producto con el fin de tener material de calidad para uso de publicidad y así llegar a los futuros consumidores.