factores socioculturales

INTRODUCCIÓN En el siglo XVII se dieron profundos cambios en la vida religiosa, política e intelectual de Europa. Los artistas presentaron respuestas creativas a una época de gran optimismo y energía, y, de este modo, sus obras se diferenciaron completamente del frio espíritu intelectualista del renacimiento. Tan ambiciosos como los exploradores, comerciantes y científicos que estaban empezando a transformar el mundo y, los artistas buscaron otra forma de expresión. En la búsqueda de estas formas de expresión fueron apareciendo diversos estilo en el arte y son los que a continuación les explicaremos en el contenido de es te material. Abarcara temas relacionados con el Arte Barroco, Rococó, Neoclásico y Racionalismo; así como su ubicación en el tiempo y espacio, los factores socioculturales correspondientes a cada época, que países fueron los que hicieron las mayores aportaciones referentes a cada periodo citado, subestilos o corrientes de pensamiento filosófico y estético que se desprenden del mismo, características predominantes en cuanto a las 3 artes mayores: técnicas de representación y construcción: ARQUTECTURA, ESCULTURA y PINTURA , y también principales expositores de dichas corrientes y estilos, pintores, filósofos, escultores, arquitectos, y cuáles eran sus definiciones de los valores estéticos y su influencia en la sociedad en cuanto a la manera en que concebían el arte. De esta manera lograremos reforzar nuestros conocimientos acerca de la materia, enriqueciéndonos con cada una de estas corrientes y el importante valor que adquiere a la hora de realizar algún proyecto en nuestra actualidad. ARTE BARROCO ARTE ESTILO BARROCO Las raíces del barroco se localizan en el arte italiano, especialmente en la Roma de finales del siglo XVI. El deseo universalista inspiró a varios artistas en su reacción contra el anticlasicismo manierista y su interés subjetivo por la distorsión, la asimetría, las extrañas yuxtaposiciones y el intenso colorido. La palabra viene del portugués berrueca, que significa perla deforme, y del francés baroque y está utilizada en tono peyorativo. El barroco es visto durante mucho tiempo como una aberración del arte porque traiciona l os principios clásicos de armonía y belleza. Sin embargo, ha contribuido al concepto occidental del arte más aún que el Renacimiento. Factores socioculturales predominantes de la época Desde el siglo XVI el e l conocimiento humano del mundo se amplió constantemente, y muchos descubrimientos científicos influyeron en el arte; las investigaciones que Galileo realizó sobre los planetas  justifican la precisión astronómica que presentan presentan muchas pinturas de la época. Hacia 1530, el astrónomo polaco Copérnico maduró su teoría sobre el movimiento de los planetas alrededor del Sol, y no de la Tierra como hasta entonces se creía; su obra, publicada en 1543, no fue completamente aceptada hasta después de 1600. La demostración de que la Tierra no era el centro del Universo coincide, en el arte, con el triunfo de la pintura de género paisajístico, desprovista de figuras humanas. El activo comercio y colonización de América y otras zonas geográficas por parte de los países europeos fomentó la descripción de numerosos lugares y culturas exóticas, desconocidos hasta ese momento. Durante la época del Barroco Europa está sumida en continuas guerras , de la Reforma y la Contrarreforma, que no terminarán hasta la independencia de Holanda, y el afianzamiento del absolutismo monárquico, sobre todo en el centro del continente. Factores religiosos La religión determinó muchas de las características del arte barroco. La Iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes, y la Contrarreforma, lanzada a combatir la difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de un arte emocional, exaltado, dramático y naturalista, con un claro sentido de

propagación de la fe. La austeridad propugnada por el protestantismo en lugares como Holanda y el norte de Alemania explican la sencillez arquitectónica que caracteriza a esas regiones. Factores políticos Los acontecimientos políticos también tuvieron influencia en el mundo del arte. Las monarquías absolutas de Francia y España promocionaron la creación de obras que, con su grandiosidad y esplendor, reflejaran la majestad de Luis XIV y de la casa de Austria, en especial de Felipe III y Felipe IV. Características del arte Barroco El barroco artístico contrasta abiertamente con el ideal de armonía, proporción y medida que propugnó el Renacimiento. Las principales características del arte barroco son: Dinamismo. El artista barroco desea crear sensación constante de movimiento, energía y la tensión. Frente al predominio de las líneas rectas en el arte renacentista, el Barroco se vale, sobre todo, de la línea curva. Teatralidad. El artista intenta conmocionar emotivamente al espectador y para ello recurre a procedimientos hiperrealistas. Esta intencionalidad se aprecia, por ejemplo, en la representación de Cristo yacente y en toda la imaginería sacra. Decorativismo y suntuosidad. El artista del Barroco atiende por igual a lo esencial y a lo accidental. De ahí  su minuciosidad en la composición de pequeños detalles y su gusto por la ornamentación. Contraste. El artista barroco se manifiesta contrario al equilibrio y a la uniformidad renacentista. Su ideal es acoger en una misma composición visiones distintas, y hasta antagónicas, de un mismo tema. En los cuadros de asunto mitológico, por ejemplo, los dioses aparecen mezclados con personajes del pueblo. Tiende a juegos de luces, sombras y colores y a la representación de los volúmenes desde varios puntos de vista. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental. Fases En el barroco también podemos distinguir tres períodos: temprano o primitivo, de 1580 a 1630, pleno, de 1630 a 1680, y tardío o rococó, de 1680 a 1750. ARQUITECTURA En el barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. La ciudad se vuelve escenográfica. El palacio es el típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas. El hotel es un tipo de vivienda unifamiliar libre y rodeada de jardines, burguesa. El templo es el lugar del sermón y la eucaristía. Se trata de un sitio de representación teatral. Características de la arquitectura El muro es el principal soporte y tiene en carácter dinámico; se ondula y modela permitiendo plantas flexibles: pierden el sentido plano y se curvan dejando de cruzarse en ángulo recto, buscando todo tipo de perspectivas y efectos luminosos. Los vanos que se abren pueden tener formas complejas, ovales, con sobre ventanas, etc. Los soportes, exentos o adosados se emplean mucho pero en general con fines decorativos. Se usan los atlantes, cariátides y ménsulas y aparecen dos soportes nuevos típicamente barrocos y muy dinámicos: la columna salomónica (fuste de las columnas se retuerce) y el estípite (generan por su forma especial sensación de inestabilidad al ser soportes extremadamente estrechos en su parte inferior). Será habitual igualmente el empleo de los órdenes colosales o gigantes, o bien superpuestos, en las fachadas. Los arcos son muy variados: medio punto, elípticos, mixtilíneos, ovales,... Las cubiertas son preferentemente abovedadas, de los tipos ya conocidos y otros nuevos como elipsoides, de planta mixtilínea utilizándose en fin una amplia variedad de cúpulas. También pueden ser falsas llamadas encamonadas. Los elementos decorativos desbordan lo constructivo y son a bundantes. Pueden ser arquitectónicos (columnas, volutas, hornacinas o nichos que se multiplican, frontones o entablamentos que se parten y adquieren formas curvas o mixtilíneas, ventanales con forma ovoide u oculi enmarcados...) escultóricos y pictóricos (bóvedas y techumbres). Esta profusión decorativa enmascara la propia estructura tectónica a través de elementos fingidos, si bien aquella en ocasiones sólo tiene meras funciones escenográficas y no funcionales. Todo ello para sugerir un mundo irracional, arbitrario y caprichoso.

Los materiales son muy variados al imponerse el gusto por los contrastes, ya sean cromáticos, utilizando ladrillo, piedra, mármoles, bronce, o lumínicos, alternando zonas oscuras con otras fuertemente iluminadas. Igualmente, con objeto de producir una impresión de enriquecimiento y ostentación, se utilizarán mármoles de colores, combinados metales y elementos dorados en un juego de colores y texturas. Italia En Italia, la pintura, escultura y arquitectura barrocas evolucionaron a partir del manierismo. Este cambio fue consecuencia del Concilio de Trento en 1563, que reclamaba un arte capaz de instruir y suscitar la piedad por medio de la austeridad. Hay tres períodos: • 1º- Periodo de transición. 1600-1625. Todavía hay ras gos manieristas. El mejor representante de esta transición es Maderna (1556-1629). • 2º - Alto Barroco o Barroco pleno. 1625-1675. El más importante en esta época es Jean Lorenzo Bernini (1598-1680) y después Francesco Borromini (1599- 1667). • 3º - Barroco tardío y Rococó. 1675-1750. Destaca aquí Guarino Guarini (1624~1683). Elementos sustentantes y cubiertas. Continúan los elementos de la arquitectura renacentista de origen clásico, arcos de medio punto, bóvedas de cañón, columnas y pilastras, frontones... pero ahora se utilizan con mayor libertad. Materiales. Se busca una arquitectura para impresionar, muy lujosa pero de materiales pobres, a fin de conseguir ricos efectos decorativos de forma económica. Ornamentación. Son edificios muy decorados que buscan efectos visuales en las fachadas mediante los  juegos de luces y sombras (consecuencia de la forma en la que incide la luz en los entrantes y salientes de los edificios) que alteran su aspecto según los ángulos de contemplación. Templos. El nuevo modelo de templo a seguir por la Contrarreforma Católica fue impuesto por los jesuitas en la iglesia de Gesú en Roma, modelo a seguir por la Iglesia católica en el XVII y por los Jesuitas durante 4 siglos, obra de Vignola con fachada de Giacomo della Porta, no hay relación entre el interior y el exterior, este templo manierista obedecía a los planteamientos contrarreformistas, los templos necesitaban espacios interiores amplios para albergar grandes masas de fieles, las fachadas debían ser llamativas para invitar al fiel a entrar en el templo. El modelo dispone de una sola nave muy amplia con capillas hornacinas, cabecera absidal y crucero cupulado, su fachada es de tipo clásico, organizada en varios pisos, coronada con frontón y adornada por dos mansardas, pilastras y semicolumnas. ESCULTURA La escultura barroca se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tr atamiento de la ropa.

Características de la escultura • Se impuso el realismo en las representaciones, a las que se dotó de rasgos físicos y movimientos

naturales. Todos los detalles del cuerpo humano se representaron minuciosamente. • Las representaciones mostraban un gran patetismo. Se exaltaron los sentimientos y se dio mucha teatralidad a los gestos. Hubo un gran interés por plasmar la psicología de los personajes.

Las figuras adquirieron gran movilidad, energía y vitalidad. Se hizo muy habitual que éstas se engarzasen unas con otras formando composiciones muy complejas. Se impuso el gusto por lo teatral y las composiciones se pensaban como auténticas escenografías, es decir, como decorado para una representación teatral.

• Se potenciaron los efec tos luminosos. Los pliegues de la ropa y los gestos de las figuras provocaban combinaciones de luces y sombras. • La temática de las esculturas barrocas fue muy variada. En los países católicos eran frecuentes las

representaciones religiosas. En todos los casos se desarrollaban los retratos y las escenas mitológicas.

Italia Las características de la escultura barroca en Italia son: Naturalismo. Se pretende representar las cosas tal como son. Ello aleja al barroco del clasicismoidealismo y nos acerca a al representación de los sentimientos. Dinamismo. Se da mucha importancia al movimiento. Para representar este movimiento se recurre a estructuras diagonales y a líneas curvas sinuosas. Contrastes lumínicos. Importancia de la representación de las calidades de los objetos. Los materiales empleados en la escultura barroca en Italia son preferentemente el bronce y el mármol. En cuanto a los temas tratados, predominan muy especialmente los religiosos, aunque también hay temas mitológicos y retratos. En Italia trabaja Gian Lorenzo Bernini, que es el intérprete de la Contrarreforma católica, de la Iglesia triunfante y su glorificación. Posee fuertes influencias helenísticas. Su escultura se caracteriza por la teatralidad compositiva, que resuelve en escenas. Es un gran arquitecto, por lo que pone la escultura al servicio de la arquitectura. Busca efectos emotivos con el fin de conmover, para lo que emplea el escorzo y las posiciones violentas y desequilibradas. Tiene obras mitológicas como Apolo y Dafne, reli giosas, baldaquino de San Pedro, Transverberación de santa Teresa, Santa María de la Victoria, fuentes, fuente de los Cuatro Ríos o de la Barcaza, y retratos, busto de Luis XIV, y del cardenal Borghese, etc. El Éxtasis de Santa Teresa. En esta famosa obra de Bernini, se recoge el dramático momento en que Santa Teresa pierde su conciencia como consecuencia de éxtasis amoroso (ojos cerrados, boca entreabierta...) producido por la llama divina. La composición se consigue mediante dos diagonales, que forman un aspa, lo que produce sensación de movimiento. También Bernini consigue un acusado efecto de contrastes lumínicos (por ejemplo, gracias a los pliegues de las ropas de Santa Teresa). Bernini también construyó la capilla en la que se encuentra esta escultura. En Italia también trabajan Alessandro Algardi, un gran retratista de reyes, papas, aristócratas y burgueses. Utiliza una estética más clásica. En Nápoles trabaja Giuliano Finelli: estatuas de los condes de Monterrey, en las Angustias de Salamanca. Y en la Toscana Pietro Tacca: estatua ecuestre de Felipe IV en Madrid. España Características. Las esculturas son realizadas para ser objeto de la devoción popular, tanto en los altares como en las procesiones de Semana Santa. El realismo y la intensa preocupación por el detalle, puestos al servicio del fervor religioso contrarreformista, son sus características fundamentales; las figuras generalmente se pintan (policromía) e incluso a veces llegan a emplearse ojos de cristal, vestimentas auténticas y pelo natural.

Entre los trabajos más destacados de escultura barroca española se encuentran los retablos para los altares de las iglesias, algunos de ellos de considerable tamaño y riqueza, realizados por equipos de escultores y arquitectos. La escuela castellana. La figura más destacada es Gregorio Fernández, autor de origen gallego que trabajó en Valladolid, creador de tipos iconográficos de gran éxito: Cristos yacentes, crucificados, piedades, inmaculadas etc. Cristo yacente Retablo Mayor de la Catedral de Plasencia Características: Gran patetismo y excesivo naturalismo que conseguía mediante postizos como lágrimas de cristal, cabellos, heridas y gotas de sangre... Obras: el R etablo Mayor de la Catedral de Plasencia, Bautismo de Cristo. En Madrid los monumentos dedicados a los reyes son obras italianas importadas, es el caso de la ecuestre de Felipe III obra del manierista Juan de Bolonia, y la de Felipe IV de Pietro Tacca donde colaboraron Martínez Montañés y Velázquez, y cuyos cálculos matemáticos fueron realizados por Galileo. La escuela andaluza. Martínez Montañés trabajó en Sevilla y fue apodado “el dios de la madera” por sus contemporáneos,

representa un barroco sereno, de ahí que sus obras muestren serenidad y equilibrio, sus inmaculadas y crucificados están más humanizados que los de G. Fernández, es el caso del Cristo de la Clemencia y el retablo de Santiponce con su San Jerónimo y la Adoración de los Pastores desarrolló un estilo muy personal donde mezcla el equilibrio y el patetismo, es el caso del Cristo de la Agonía. Cristo de la Clemencia

Alonso Cano es el principal representante de la escuela andaluza en Granada, se caracteriza por el clasicismo, gracia y delicadeza, como muestra la Inmaculada facistol de Gra nada. Pedro de Mena fue su discípulo, pero se alejará del maestro para recrear personajes de un hondo misticismo, como la Magdalena Penitente. Inmaculada, Alonso Cano A mediados de siglo se abandonan las formas serenas y equilibradas, por otras de sentido dinámico y sobrio realismo de influencia berninesca, José de Arce, Pedro Roldán, y su hija Luisa llamada “La Roldana”

son sus representantes.

PINTURA El pintor barroco plasma la realidad tal y como la ve, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo. Se acude a los temas religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el bodegón. No se entiende la pintura barroca sin hacer referencia a dos estéticas diferentes:

• El tenebrismo consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. El fondo queda en penumbra, o

desaparece, mientras que la escena queda en primer plano. • El eclecticismo trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma. Se trata de una estética

decorativa efectista y teatral. Italia Técnica. Mantenimiento de la técnica del fresco, también se generaliza el cuadro de altar.. Temática. Predominio de la religiosa, en los países católicos mediante las vidas de Santos, en los protestantes temas bíblicos o evangélicos; Pervive la temática mitológica; El retrato se hace de cuerpo entero y aparece el retrato de grupo; Aparece el bodegón que representa frutas, viandas y objetos inanimados que sirven para decorar estancias burguesas, a veces están dotados de simbología religiosa; Desarrollo del paisaje. Estética. La pintura muestra la expresión de los sentimientos de los personajes que representa; está llena de dinamismo, plasma perfectamente el movimiento, lo que se traduce en composiciones complejas, las composiciones sosegadas en un principio dan paso, con el Barroco decorativo, a otras más dinámicas; pintura totalmente realista que llega a mostrar los aspectos más dolorosos de la vida, este realismo viene impuesto por la Iglesia, para que los santos se conviertan en ejemplos para el pueblo deben parecerse a él; la luz se convierte en un instrumento de principal importancia, esta se concibe como una fusión del negro y el blanco, el claroscuro, esta obsesión por la luz lleva al tenebrismo; predominio del color sobre la línea; representación del espacio mediante la perspectiva aérea, que degrada a los objetos en tamaño y nitidez, sfumatto, en un intento por captar la “atmósfera”.

La muerte de la virgen Caravaggio y el naturalismo. Michelangelo Merisi fue un pintor de vida turbulenta y apasionada, gran maestro del naturalismo barroco, consistente en un realismo exacerbado. Características: Representaba los grandes misterios religiosos con personajes feos y desagradables; Desarrolló el tenebrismo, violentos efectos de luces y sombras, usa un foco luminoso artificial quedando el resto de la composición en penumbra, lo que contribuye a su dramatismo. Obras: La vocación de San Mateo, La negación de San Pedro, La muerte de la Virgen en este último usó como modelo a una joven ahogada en el Tíber. La huida de Egipto Los Carracci y el clasicismo. La escuela romano-boloñesa de la que los Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale) son los máximos representantes del clasicismo del XVII, consistente en el naturalismo idealizado al igual que en el Renacimiento del XVI, aunque prefiera el uso de tipos bellos aunque no necesariamente idealizados. Annibale Carracci fue el más destacado, trabajó en la decoración del Palacio Farnesio en Roma, destaca la representación de Paris y Mercurio. Otras figuras en esta tendencia: El Domenichino y Guido Reni. El Barroco Decorativo. Se supera el naturalismo y el clasici smo y se impone una pintura dinámica y hedonista. Esta tendencia va a iniciar una tradición en la decoración de los techos de las iglesias y palacios de finales del XVII y parte del XVIII, con falsas arquitecturas que permite que floten ingrávidos los seres celestiales con la perspectiva axonométrica. Pietro da Cortona fue el primero, y destacaron Pozzo decorador del Palacio de Liechtenstein y Lucas Jordán. El Salón del Palacio Barberini es obra de Pietro de Cortona en el 1629 y el tema se denomina La gloria de Urbano VIII. Esto sí es una arte barroco, teatral, decorativo y festivo. Emplea los elementos pictóricos con una idea de decoración total hasta encubrir totalmente la forma real del techo. Domina los dos requisitos imprescindibles para este tipo de pintura: los escorzos y los procedimientos ilusionistas en esas arquitecturas ficticias.

España Características. El siglo XVII constituye el Siglo de Oro de la pintura española, la temática fue esencialmente religiosa porque era la Iglesia la única que financiaba las obras. José de Ribera es el principal representante de pintura barroca de la Escuela Valenciana. Aunque inició su obra en Valencia, será en Italia donde terminará su formación y se verá afectado por la corriente tenebrista de Caravaggio, estilo que irá abandonando en los últimos años de su vida. Algunas obras fundamentales de José de Ribera son el Martirio de San Bartolomé, Martirio de San Felipe, San Andrés, Santísima Trinidad y San Jerónimo penitente. Martirio de San Bartolomé Zurbarán, sin ser un virtuoso de en las composiciones donde acusa problemas para representar la perspectiva, es un pintor minucioso que representa magistralmente los volúmenes. Apegado a tenebrismo son famosas sus pinturas de temas religiosos. Fray Pedro Machado, Tentación de San Jerónimo, San Hugo en el refectorio, son algunas de las obras más conocidas y tienen como protagonistas temas religiosos y conventuales, al ser éstos -conventos y monasterios- sus principales clientes. Murillo pinta temas religiosos y escenas con niños y aunque su primera etapa es tenebrista, lo hace de manera dulce y cercana a la cotidianidad, lo que hace de sus obras, pinturas muy agradables de contemplar. Un claro ejemplo lo tenemos en su más importante pintura, Sagrada Familia del Pajarito. Aunque es un cuadro tenebrista, no hay dramatismo en él por la cotidianidad de la escena y la amabilidad con que trata a los personajes, eliminando todo rastro de grandilocuencia o exageración. Caso contrario es el de Valdés Leal, conocido especialmente por sus "Alegorías de la muerte". Alonso Cano fue arquitecto, escultor y pintor, aunque fue en el campo de la pintura donde fue más prolífico. Alonso Cano trató en sus obras conjugar un clasicista anhelo de la belleza con e l realismo propio de la pintura barroca de su tiempo. Dejamos a Diego Velázquez para el final, por ser el pintor más importante y genial, no sólo del arte barroco español, sino una de las grandes figuras de la pintura de todos los tiempos. Aunque inició su obra, como otros pintores de la época, en estilo tenebrista, lo fue abandonando hasta alcanzar un tipo de pintura colorista y luminosa. Intervino exitosamente en todos los géneros, desde los habituales temas religiosos hasta bodegones y pasajes, pasando por una prolífica colección de cuados mitológicos, retratos, escenas históricas, etc. Al ser un genio de la pintura, no es fácil concretar lo que hace a Velázquez diferente a otros maestros de la pintura del barroco. Sin embargo, podemos citar su maestría para representar con gran realismo los objetos y las personas. Por otro lado Velázquez dominó la perspectiva aérea con la que crea un realista sentido de profundidad, al conjugar la perspectiva con los efectos de la luz. También es destacable, en algunos cuadros más que en otros, una pincelada suelta que contrasta con la preferencia de otros artistas por el pincelado minucioso. Flandes En Flandes predominan los ideales de la Contrarreforma. La figura más importante fue Rubens uno de los artistas más prolíficos de la historia. Características: dominio del color por influencia de la Escuela de Venecia que dota a las obras de una gran sensualidad con muchas formas curvas; obras llenas de dinamismo; composiciones complejas aunque no desordenadas. Obras: cultivó todos los temas, como retratista plasmó la psicología de muchos personajes como el de su mujer Helena Fourment con sus hijos, y extraordinarios temas mitológicos como El rapto de las hijas de Leucipo.

Holanda Nada del barroco holandés se debe a la Contrarreforma. La figura más sobresaliente es Rembrandt uno de los grandes genios de la pintura, su vida está dividida en dos etapas separadas por el fallecimiento de su esposa Saskia la primera amable y colorista, la segunda dramática pero grandiosa.

ARTE ROCOCO

ARTE ESTILO ROCOCO Factores socioculturales predominantes de la época El período barroco se disuelve, en lugar de lo exuberante y grandioso, viene lo gracioso y menudo; en lugar de la decoración grandilocuente e impresionante, viene el ornamento fino, delicado; en l ugar del oro suntuoso, la plata menos efectista; en lugar de la expansión ostentosa y exterior viene una intimidad egocéntrica; en lugar del ideal heroico viene algo más alegre e infantil; en vez de la gran pasión viene el amor erótico como pasatiempo juguetón; en lugar de la obesidad musculosa y rubenesca vienen rasgos de lo enfermizo, afeminado y agotado. Características Los temas preferidos para la representación en pintura son: fiestas galantes y campestres, damas, rigodones, minués y aventuras amorosas y cortesanas. Por todo esto, se recuperan personajes mitológicos como Venus y Amor que se entremezclan en las escenas representadas dotando a las composiciones de un tono de sensualidad, alegría y frescura. Es usual el referirse al estilo Rococó como estilo galante. El nombre proviene del verbo galer, que en francés significa ser valiente y hábil en el trato con las mujeres. El galante es aquel que sabe tratar y complacer a una mujer. La figura de la mujer es un foco inspirador de la pintura. La mujer es un figura bella y sensual, cada vez más culta. Ella sedu ce y participa en aventuras prohibidas. El escenario en que se ubica la trama pictórica ayuda a que la sociedad se identifique con personajes de historias pastoriles e idílicas. Por todas estas características, el Rococó se considera un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia, ajena a los problemas sociales y sólo concentrados en su descanso y deleite. ARQUITECTURA Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor y la a legría de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en adoptar como elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas, conchas, etc. En vez de grandes palacios, se construyen en Francia pequeñas casas de recreo y pabellones íntimos a todo lujo. En Bavaria, Austria y Bohemia, la frivolidad del Rococó profano invade también el interior de la iglesia: en general, la fantasía creadora se concentra en los interiores con papeles murales caprichosos, ornamentos en estuco, pequeñas subdivisiones, espejos de toda clase, muebles y porcelanas.

La porcelana europea, aparece como una de las muchas cosas chinas que entonces están en boga (como ser floreros chinos, objetos en laca china, estampas chinas, motivos chinos en el papel mural, pagoda s y puentes de bambú en el jardín, etc.). Como material, la porcelana es un reflejo de la época, pues igual a ella es delicada, brillante y frágil. En una verdadera manía, toda clase de objetos se fabrican en porcelana: lámparas colgantes, flores artificiales, chimeneas, relojes, revestimientos, y hasta monumentos. Alemania En Alemania, el Rococó renueva el barroco bajo el impulso de los príncipes, especialmente en Prusia con Federico II, y alcanza formas exuberantes, tanto en las iglesias de peregrinación como en los palacios. Por ejemplo, Die Wies (Wies Kirche), una obra de Zimmermann en Bavaria. Ahí son particularmente notables el uso de las arcadas para asegurar la transición hacia la bóveda pintada y los efectos de luz. En Prusia, Matthaus Daniel Poppelmann (1662-1736), construye en Dresden el pabellón de fiestas del Zwinger, cuidando que armonice con el paisaje. Las escaleras con curvas en todos los sentidos dan alegría tanto al edificio como a los jardines mientras las grutas y fuentes albergan todos tipos de personajes mitológicos. Von Knobeldorff (1699-1754) edifica Sans Soucis, otro pabellón de recreo, cuyo nombre es la síntesis del Rococó. Sans soucis es la expresión francesa: sin preocupación. El castillo del Belvédère, en Viena, es otra muestra de éste estilo. ESPAÑA El rococó en España se inicia durante el reinado de Felipe V (1700-1746), favorecido por el estilo churrigueresco, que había llevado al barroco al recargamiento ornamental. Su influjo fue limitado, ya que fueron muy pocos los contactos que España mantuvo con el rococó europeo y especialmente con Francia y Alemania. El ejemplo más temprano de arquitectura rococó es la portada de la catedral de Valencia, realizada por el alemán Conrad Rudolf. Dividida en tres cuerpos y coronada con un frontón curvo, alterna el ritmo cóncavo en sus calles laterales con el ritmo convexo en la central. La fachada del palacio del marqués de Dos Aguas, diseñada por Hipólito Rovira se compone de dos partes bien diferenciadas y separadas por el escudo del marqués. En la parte inferior, se describe la alegoría de los dos ríos valencianos, el Turia y el Júcar, y en la superior, aparece una hornacina que alberga una escultura de la Virgen con el Niño. Una movida decoración de inspiración vegetal recorre toda la fachada. La catedral de Cádiz, proyectada en 1722 por Vicente Acero es la obra más representativa del rococó español. Acero sigue los esquemas renacentistas de la catedral de Granada de Diego de Siloé, por eso su interior se estructura en tres naves. La cabecera cuenta con una girola en torno a la capilla mayor, que es de planta circular y que se cubre con una cúpula sobre tambor. La fachada, flanqueada por dos torres de planta octogonal, se organiza en tres calles. La central, que se remata con un frontón triangular, es convexa y las laterales son cóncavas. Otro ejemplo, es la fachada de la catedral de Murcia, de Jaime Bort. Junto a estos, hay que destacar el empleo del estilo rococó en los proyectos decorativos de los interiores de los palacios de la Familia Real, como en el Salón Gasparini del Palacio Real de Madrid. ESCULTURA Alemania acogió el rococó con tal entusiasmo que le fue difícil desprenderse de él. Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea Schluter, autor de la efigie ecuestre del elector Federico Guillermo, en la cual puede observarse como el movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco afectaba solamente a

la concepción del conjunto, en el siglo XVIII fue utilizada como un detalle para dar vida a cada pormenor de los cuerpos. La escultura rococó es una curiosa mezcla de realismo y de idealización. Entre los escultores destaca Jean Antoine Houdon (1741-1828) por su realismo aunque a veces permanece idealista: así, representa a Napoleón en griego. Sus bustos son típicos de la época, como este retrato de mujer (Frick colletion,N.Y). Además, incluyen personajes célebres, entre ellos, Voltaire y Rousseau, lo que hace de ellos testigos de la época. España Respecto a la escultura, el estilo provoca en España la aparición de ciertos rasgos que se incorporan al vocabulario básico del Barroco, pero que no llegan a modificarlo. Entre ellos, una mayor dulzura e intimismo en la interpretación de los temas y un mayor aprecio por lo pintoresco y por los detalles más triviales. PINTURA Características Frivolidad: como tema predilecto, las fiestas galantes. ("Fetes Galantes"), el desnudo hermoso y el amor liviano. Refinamiento: como técnica favorita, el pastel, suave y aterciopelado y de tonos tenues que se repiten también en los vestidos. Recién se emplea el blanco como color propio (paralelamente a la costumbre del rococó de empolvarse la cara y la peluca, los caballeros y las damas). Francia En Francia el más famosos de los exponentes de este estilo pictórico fue Antonio Watteau (1684-1721), quien se encarga de retratar a la sociedad con suaves colores pero recargadas decoraciones. Sin embargo, en sus pinturas se ve una cierta melancolía en la composición, sumado a un desengaño palpable que se aprecia al ver a los personajes de espaldas al espectador. Una obra que refleja su estilo es el payaso Gilles, de la Comedia Italiana, que denota la tristeza en su rostro. Francisco Boucher (1703-1770) fue el pintor oficial de la corte francesa en el siglo XVIII y se dedicó a pintar obras con motivos mitológicos, envueltos en colores fríos, como azules, rosados y verdes transparentes. Favorito de Madame Pompadour. Frívolo, superficial con paisajes escenográficos. El tocado de Venus, Museo Metropolitano, Nueva York. Su más cercano colaborador fue Juan Honorato Fragonard (1732-1806), que si bien siguió sus pasos en cuanto a galantería, fue mucho más rápido y eficiente que su maestro. Una de sus principales obras fue La lectora. Corresponde al último período, pincelada fina y atrevida. Antoine Watteau (1721-1864). El artista más representativo del rococó. Pobre, enfermo, humilde, torpe y feo, pero realizó su sueño y ensueño en la pintura de las "fiestas galantes". El embarco a Citera, Louvre. Jean Baptiste Chardin (1699-1779). No es rococó en su manera, sino que sigue las corrientes que se afirman en la realidad. Su tema: naturalezas muertas ("bodegones"), realistas, pero compuestas en forma geométrica. Louvre, París.

Inglaterra

Durante esta época los ingleses prohibían terminantemente la representación del desnudo, por lo que la mayoría de las pinturas son retratos. Joshua Reynolds (1723-1792) llegó a presidir la Real Academia de Bellas Artes y sus obras se caracterizaron por ser muy estáticas, pero plagadas de colores refinados mezclados con la atmósfera. Otro retratista importante inglés fue Thomas Gainsborough (1727-17889), quien se cargó bastante a la decoración, lo que se puede apreciar en su obra El niño azul. Finalmente, el Rococó inglés culmina con William Turner, uno de los precursores del impresionismo, estilo que comenzó en 1874. Italia Giambattista Tiepolo (1696-1770). Nace en Venecia, ciudad que le influirá a lo largo de toda su obra pictórica. Allí se forma con Veronés. Tiépolo es el mayor y más importante fresquista de la italia del siglo XVIII. Pinta frescos y óleos sobre techos y paredes de palacios e iglesias. Los temas representados suelen ser mitológicos o bíblicos dependiendo del lugar a que estén destinados. Aunque su actividad en los frescos sea la más sobresaliente en su carrera, también pintó lienzos. Sus obras se dominan por la composición movida, heredada del Barroco, la elegancia, los colores pastel y una luminosidad sólo comparable al brillo del vidrio, por eso recuerda tanto a Veronés. Francesco Solimena (1657-1747). Fue el mayor representante de la escuela napolitana de la primera mitad del siglo XVIII. Tuvo una carrera muy productiva, son numerosísimos los frescos que realizó para diferentes iglesias de Nápoles. Le llegaban encargos de todos los puntos de Europa, ya que fue uno de los pintores más reconocidos. Creó una verdadera estela pictórica que muchos continuaron. España En cuanto a la pintura, son escasos los artistas españoles cuyo estilo puede calificarse como propiamente rococó. Destacan Luis Meléndez y Luis Paret. Luis Paret y Alcázar (1746-1799) pintó escenas galantes y cuadros costumbristas de carácter amable, con tonalidades brillantes de gran efecto decorativo que lo convierten en el representante más importante de la pintura rococó en española. Entre sus pinturas destacan El baile de las máscaras, Las Parejas Reales o Fiesta en el Jardín Botánico. Para Carlos III también realizó una serie de vistas de puertos y marinas del Cantábrico.

ARTE NEOCLÁSICO

ARTE ESTILO NEOCLÁSICO Características Surge, a mediados del siglo XVIII pero se mantiene, junto con otras tendencias, a lo largo el siglo XIX. Los centros principales serán Roma y París. Reacción clasicista frente al Barroco favorecida por la Ilustración. Es un intento de someter la creación artística a reglas racionales y de elaborar modelos de validez universal: por ello, carece de fuerza creadora y resulta un arte de escasa originalidad. Su aceptación popular fue mínima.

Algunos factores contribuyen a su desarrollo:

• Las publicaciones de los tratadistas preconizando la i griega como punto de partida, de toda belleza,

defendiendo un retorno a las fuentes de la Antigüedad. Hay que destacar la obra de Winckelmann, “Historia del arte de la Antigüedad”. • Las excavaciones de Herculano (1719) y Pompeya (1748). • Las expediciones arqueológicas inglesas a Grecia. • La creación de las Reales Academias que dirigen la estética de su tiempo de acuerdo con una normativa

clásica. • Se refiere especialmente a la arquitectura aunque sin olvidar totalmente la escultura y la pintura.

ARQUITECTURA

Características Reacción contra los efectos decorativos del Barroco y del Rococó. Se inspira en los monumentos clásicos, pero no es una copia de los mismos sino que los recrea. Es una arquitectura erudita y racional. Representa un concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en las formas geométricas claras, en la medida clásica. Frente al subjetivismo barroco se opone la objetividad de la belleza basada en la racionalidad. Gusto por la sencillez y severidad: predomina lo arquitectónico sobre lo decorativo. Para Winckelmann la belleza de los edificios radica en su monumentalidad, simetría, proporciones sujetas a las leyes de la medida y de las matemáticas.

Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: las columnas, los órdenes especialmente el dórico y el jónico, los frontones, las bóvedas y cúpulas, etc. Los temas decorativos también son tomados de la antigüedad: guirnaldas, rosetas, ovas, meandros. El edificio clásico más empleado como modelo por el arte neoclásico es el templo griego, especialmente el pórtico y el frontón, que se emplean incluso como modelo á e las construcciones civiles. A pesar de sus preferencias por los modelos griegos rompen con el “antropocentrismo" de estos y tienden a la

monumentalidad romana. Las construcciones son, principalmente, de carácter civil: museos, academias, bibliotecas. El urbanismo busca los trazados geométricos, de damero o, estrellados, con amplias, avenidas y plazas. En la ciudad zonas verdes. Dentro de la arquitectura neoclásica se pueden estudiar dos tipos: Una arquitectura que sigue siendo básicamente barroca en cuanto a la exaltación del poder, pero que simplifica sus elementos. Es llamado el "barroco vitrubiano" y es la más extendida por Europa e incluso por Estados Unidos. La "arquitectura de la razón", preocupada por la adecuación entre funcionalidad y forma. Se huye de todo tipo de decoración. Se planean obras de tipo práctico o industrial en relación con los cambios

económicos y sociales: bolsas de comercio, bibliotecas, teatros, cementerios, hospitales. Es considerada como la más propiamente neoclásica.

Francia Abandona la decoración de interiores de la época de Luis XV y Luis XVI tendiendo hacia formas más puras. Cobra especial importancia en el Imperio de Napoleón: desarrollo del urbanismo y de los monumentos conmemorativos. París. (1806-1836).

Inglaterra Influencia de la tradición griega y de la arquitectura renacentista palladiana: algunos autores piensan que el neoclasicismo inglés es una continuación del renacimiento debido al escaso desarrollo del barroco en este país. Juntamente con el Neoclasicismo se advierte un fortalecimiento del gótico tardío, estilo nunca abandonado totalmente en Inglaterra. España Hay varios factores que favorecen el desarrollo de la arquitectura neoclásica: la Academia de Bellas Artes de San Fernando, fundada en 1752 por Fernando VI, reaccionó contra el Barroco adoptando como modelo artístico el ideal grecorromano. La llegada al poder de los Borbones que se rodean de artistas italianos y franceses muy imbuidos del espíritu neoclásico. El impulso dado a la arquitectura y al urbanismo por Carlos III (1759-1788). Rasgo distintivo de la arquitectura española del Neoclasicismo es la abundante construcción de edificios religiosos, consecuencia del poder de la Iglesia en España. Desarrollo del urbanismo: en Madrid se planea el Salón del Prado decorado con fuentes como la de Neptuno, Apolo y Cibeles, se construyen nuevas puertas monumento les como la de Alcalá, Toledo, se remodelan ciudades ya existentes y se construyen ciudades de nueva planta como La Carolina y El Ferrol Nuevo que imponen el trazado regular. FRANCISCO SABATINI (1722-1797). Aunque su formación es barroca, es considerado como el iniciador de la transición al Neoclasicismo. ESCULTURA Características. Predomina la racionalidad de la expresión serena y sosegada sobre la irracionalidad de lo impetuoso. Imita el estilo de los grandes escultores de la Antigüedad, principalmente de los griegos. Se toman como modelos los temas clásicos porque quieren razonar intelectualmente sobre la belleza. Frente al realismo y expresionismo de la escultura barroca se oponen la serenidad y belleza de la escultura clásica: hay una reacción contra los efectos pictóricos, la teatralidad y el movimiento desbordado del Barroco.

Los artistas neoclásicos procuran plasmar formas correctas, ideales; existe una tendencia a destacar la forma para valorar el contorno y la belleza formal de las figuras y objetos; se evitan los fuertes contrastes de claroscuro; se dota a la representación de un modelado suave y de un acabado pulido y homogéneo. En general, interesó más la belleza puramente formal que la fuerza espiritual de la obra. Por eso caen en la frialdad y en la excesiva uniformidad. Materiales preferidos: mármol blanco y bronce. Principales manifestaciones: grupos escultóricos, ornamentación de edificios públicos, monumentos conmemorativos, monumentos funerarios, retratos, etc.

Europa ANTONIO CANOVA (1757-1822). Propugnó la vuelta a los cánones clásicos. Combina la sensibilidad veneciana con el idealismo neoclásico resultando un arte suave y delicado. Se inspiró en las copias romanas de las obras griegas. No conoció los originales griegos hasta el final de su vida. ALBERTO THORWALDSEN (1770-1844). Danés, r esidió y se formó en Roma. Se interesó por las obras griegas de las que conoce los originales: en su obra se advierten las influencias de Policleto, Fidias y Praxíteles. Estilo grandioso y monumental para representar lo heroico. Figuras frías y académicas debido a la excesiva corrección formal. Ej.: Jasón y el vellocino de oro. Amor y Psiquis. Ganimedes y el águila.

España Lento y tardío arraigo de las formas neoclásicas. Mármol y bronce desplazan a la madera policromada. Temas preferentemente profanos: monumentos conmemorativos y retratos; los temas religiosos pierden mucha importancia. JOSÉ ALVAREZ CUBERO (1768-1827). Influenciado por Canova. Ej.: Defensa de Zaragoza. Madrid. (1825). Apolino. Amor dormido. DAMIAN CAMPENY (1771-1855). Influenciado por Canova aunque algunas obras tienen ya un aire romántico. Ej.: Lucrecia muerta. (1804). ANTONIO SOLA (1787-1861). Ej.: Monumento a Daoiz y Velarde. Madrid. (1830). Estatua de Cervantes. Madrid. (1835). PONCIANO PONZANO y JOSÉ PIQUER. Marcan la transición entre neoclasicismo y romanticismo. Ej.: Frontón de las cortes. Madrid. (P. Ponzano).

PINTURA Características: Triunfa a finales del siglo XVIII favorecido por los principios éticos propugnados por los enciclopedistas que atacaban el carácter artificioso de muchas de las obras del Rococó.

Al no contar con restos pictóricos de la antigüedad grecorromana, el Neoclasicismo se inspira en la escultura, en especial en los relieves, lo que dotará de un marcado carácter escultórico a las representaciones pictóricas neoclásicas. Predomina el dibujo academicista sobre el color. Luz clara y difusa. La base de la belleza es la armonía de las proporciones y de las líneas. Los principales temas serán: retratos, mitológicos, cuadros de historia. Francia

JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825). Representante de la pintura neoclásica francesa. Es tilo frío, severo, equilibrado, opuesto al espíritu rococó. Cuida mucho el dibujo: da primacía a la forma sobre el color y la luz. Las figuras aparecen con contornos bien delimitados, como esculturas. Composiciones simétricas de escasa profundidad y con figuras ordenadas en filas paralelas. Busca los temas heroicos y el desnudo como exponentes de la belleza y de la perfección, tanto si representa temas de la antigüedad como temas de su época. Vinculado a la Revolución Francesa será, posteriormente, nombrado pintor oficial de Napoleón Bonaparte: todo esto será reflejado por él en sus cuadros. Ej.: El juramento de los Horacios (1784). Rapto de las Sabinas (1789). Muerte de Marat. (1793). Coronación de Napoleón (1805-1807).

JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES (1760-1867). Discípulo de Luis DAVID, sin embargo pra ctica un estilo más poético, prerromántico prácticamente. Su pintura pierde el contenido político que tenía la de su maestro. Destaca el tratamiento del desnudo femenino y los temas de carácter oriental. Mal aceptado en Francia, trabajó casi exclusivamente en Roma. Preocupación psicológica en sus retratos. Ej.: Apoteosis de Homero. El baño turco. La fuente (1864).

GIRODET, GROS, GERARD. Todos ellos son discípulos de DAVID. Presentan ya una concepción prerromántica en el tratamiento de los temas.

Inglaterra Escaso arraigo de lo clasicista. Algunos pintores tratan temas fantásticos y alegóricos como FÜSSLI (17411825) y BLAKE (1757-1828). Los temas más utilizados siguen siendo los paisajes. Paisajistas como CONSTABLE y TURNER enlazarán con el paisaje romántico.

España Importante papel de la Academia de Bellas Artes de San Fernando creada e n 1752 por Fernando VI. Predomina la pintura profana, costumbrista y adquiere un gran desarrollo el fresco. Pintores extranjeros:

ANTON RAFAEL MENGS (1728-1779). Alemán, viene a España llamado por Carlos III permaneciendo hasta 17ó8; regresa en 1771 hasta dos años antes de su muerte. Iniciador, impulsor y difusor del Neoclasicismo en España. Practicó el retrato y la pintura al fresco con temas alegóricos, religiosos y mitológicos. Como retratista aún participa del refinamiento rococó aunque con la frialdad propia del Neoclasicismo. Dibujo seguro y meticuloso. ARTE RACIONALISMO

ARTE ESTILO RACIONALISMO Mientras la arquitectura académica (Neoclasicismo, neogótico, etc.) se recrea en los estilos anteriores, la arquitectura del maquinismo aplica como materiales básicos el hierro y el vidrio y consigue las má ximas realizaciones en el dominio de la nave industrial y el monumento arquitectónico (sala de maquinas de la Exposición Universal de Paris de 1889, y torre Eiffel, levantada en el mismo recinto). Hacia 1890 el modernismo efectuó el primer intento de ruptura con los estilos del pasado. Pero al fundar la renovación en el ornamento y, conforme a los principios del m ovimiento “Arts and Crafts”, en franca oposición con la

industrialización, pronto produjo cansancio y su éxito duro breve tiempo. El nuevo estilo fue el que, aprovechando los hallazgos estructurales de la arquitectura del maquinismo, se enfrento con el problema de desarrollar una nueva belleza de la forma que se adaptase a las condiciones materiales y constructivas. Este estilo, que suele denominarse con el nombre de racionalismo, alcanzo su madurez en los años anteriores a la guerra mundial. Características del racionalismo. Como características mas generales de la arquitectura racionalista cabe citar: - La adopción de estructuras de acero o de hormigón y paredes ligeras, muchas veces simples superficies de cristal. - La ausencia de ornamentación. - Una estrecha relación entre forma y función. - El empleo de las naves técnicas. - La intención social. ARQUITECTURA El racionalismo es la arquitectura de nuestro tiempo. La vivienda que utilizamos en las ciudades, los conceptos urbanísticos, el mundo artificial que nos r odea cotidianamente es de concepción racionalista. La arquitectura racionalista se caracteriza por la desornamentación decorativa, la sinceridad de los materiales, y los volúmenes de geometría perfecta, cubos y prismas cuadrangulares. El racionalismo no pretende limitarse a construir edificios; es toda una nueva concepción de la ciudad como centro urbano, mercado y lugar de habitación. El racionalismo nace con la influencia decisiva de la Bauhaus y el arte abstracto de Kandinsky, Malévich, Mondrian y Klee. La figura más representativa del movimiento moderno es Le Corbusier. Para él cada casa es una máquina para vivir. El edificio debe identificarse con su entorno y tener un espacio verde a su alrededor, para integrar la naturaleza con la vivienda. Auguste Perret es el primero en utilizar el hormigón armado como elemento arquitectónico dejándolo a la vista: Notre-Dame de Le Raincy. Walter Gropius fue el fundador de la Bauhaus y uno de sus miembros más destacados. En 1911 construye la fábrica Fagus, que es toda una revolución en la concepción de los grandes espacios. Utiliza

grandes superficies acristaladas y suprime los soportes de ángulo, utilizando el muro cortina: fábrica modelo,edificio de la Pan Americana (Pan-Am) en Nueva York. Ludwig Mies van der Rohe es un auténtico maestro en la creación de espacios abiertos con sólo uno o dos muros. En 1929 construye el pabellón alemán de la Exposición Internacional de Barcelona, una auténtica joya del racionalismo más austero. Frank Lloyd Wright se caracteriza por la integración orgánica del edificio y la naturaleza, por sus formas y por los materiales. Museo Guggenheim, Casa Kaufmann. Le Corbusier publica Arquitectura de la época maquinista, en donde resume su ideología arquitectónica: construcción sobre pilotes para permitir un jardín en el suelo, aprovechamiento de las terrazas como espacio verde, plano libre, ventana continua en horizontal, fachada cortina e independiente, etc. Lleva a la práctica la construcción por módulos, unidades de habitación: bloque de apartamentos de Marsella en 1947. Inventa el dúplex. Obras suyas son: Villa Savoye en Poissy, la casa Citroën, Tribunal Supremo de Chandigarh. Alvar Aalto es el representante más destacado de la arquitectura orgánica. Sanatorio de Paimio, en el que los bloques están separados funcionalmente y unidos por pasadizos. En España el racionalismo entra por medio del grupo GATEPAC que introducen los ideales del CIAM. García Mercadal: rincón de Goya en Zaragoza, cine Fígaro en Madrid. Durante el franquismo destacaron Francisco Javier Sáenz de Oiza, Oriol Bohigas, Ricardo Bofill y José Rafael Moneo. En el Tercer Mundo hay que señalar las construcciones de Ciudad de México, Félix Candela: Palacio de los Deportes de Ciudad de México. La creación de Brasilia, y la labor de la reconstrucción de Japón.

LA ESCULTURA Innovaciones conceptuales, en materiales y técnicas Las innovaciones son el hueco y el movimiento mecánico; la inventiva que estos suponen se une al empleo de nuevos materiales, alambre y chapa de hierro fundido, recortada y soldada a la autógena. * El hueco consiste en introducir el vacío en la masa de la estatua, invirtiendo así el concepto tradicional de la escultura que se definía históricamente como un cuerpo sólido sin ningún tipo de perforación. Dice Gargallo que el hueco es como el silencio en la música. El precursor de esta tendencia es el ucraniano A. Archipenko (Kiev, 1887 - Nª York, 1964) que llega a Paris en 1908, para entrar en contacto poco después con los cubistas; como consecuencia de ello, en un primer momento moldeó formas geométricas con un solo material, pero en 1912 introduce la combinación de distintos materiales como la madera, el metal y el vidrio, conformando collages similares a los de los pintores. Paralelamente, fue el primero en comprender el valor expresivo de hueco, como pone de manifiesto en Mujer andando (1912), obra en bronce consistente en varios huecos contoneados por perfiles sólidos; esta obra descarnada, de cabeza calada y gran hueco en el tronco, inauguran una nueva época. El juego cubista de expresar formas abultadas a partir de huecos es seguido por dos artistas españoles influidos por Picasso: Julio González (1876-1942) procedía de una familia de metalúrgicos lo que contribuye a entender que fuera pionero en la escultura de éste material, soldada con oxiacetileno. Su aspiración era dibujar con hierro en el espacio, creando obras abstractas, afiladas, abruptas, abiertas y geométricas (intercambió con Picasso técnica por ideas artísticas) como La mujer ante el espejo. De principios de la Guerra Civil es La Monserrat, en la que protesta por la opresión fascista. Se puede afirmar que toda la escultura en acero hunde sus raíces en este escultor. Por su parte, Pablo Gargallo (1881-1934), que permaneció fiel a la figuración, utiliza en primer lugar las chapas de hierro configuradas geométricamente y, posteriormente, aprovecha la fuerza de los espacios vacíos y de las aristas que los contonean; El gran profeta (1933) es su obra más conocida,

encuadrada dentro del Expresionismo por su enorme potencia sugeridora, que es una invitación al espectador por medio de volúmenes y luces para que colabore en el entendimiento de la obra. Sus esculturas enseñan los músculos en los huecos, los rasgos del rostro en las aristas y el volumen por medio de láminas curvas. En la imagen Kiki de Montparnasse. * El cinetismo o movimiento mecánico consigue s u dinamismo accionando manualmente el objeto, impulsándolo c on un motor o desplazándolo un agente natural como el viento. El encargado de “poner en movimiento” este movimiento artístico fue un ingeniero mecánico irresistiblemente atraído por el arte,

Alexander Calder (1898-1976), quien al principio se dedicó a fabricar esculturas de alambre. A partir de 1930 se deja ganar por la abstracción, primero como pintor, luego como escultor. Sin embargo, su gran fuente de inspiración fue el taller de Mondrian en Paris en el que se encontraban, clavados con chinchetas, rectángulos coloreados de cartón situados entre dos ventanas por las que entraba abundante luz; Calder sugirió al pintor lo divertido que sería los rectángulos oscilasen. Este es el origen de los “mobiles”, estructuras de formas orgánicas abstractas: discos, pét alos y palmas confeccionados con materiales ligeros y unidos por alambres que se cuelgan del techo, donde, a la más mínima brisa, las piezas giran, planean, varían el ritmo y hasta emiten sonidos. El autor los definió como dibujos en cuatro dimensiones y tras la II Guerra recibió innumerables encargos a pesar de lo abstracto. El móvil aéreo más importante se encuentra en el aeropuerto Kennedy de Nueva York, de larguísimas hojas metálicas rojas unas y negras otras.

LA PINTURA. El racionalismo esta estrechamente ligado con las artes plásticas, especialmente la pintura. Todos los movimientos que desde principios de siglo se irán sucediendo en la pintura, dejaran su influencia en el trabajo de los arquitectos que, en muchos casos, seguirán los principios de aquella. Influyen sobre todo los movimientos siguientes: - El cubismo, que trata de representar los objetos en todos sus aspectos desde todos los puntos de vista posibles y reducidos a sus componentes geométricos mas simples. - El Expresionismo, que busca una fuerte valoración de la forma y el color, tendente a la consecución de un naturalismo de fuerza vital. - El Neoplasticismo, que reduce la pintura a su más elemental expresión: rectángulos de colores primarios puros conjugados (rojo, azul y amarillo). Principales figuras de esta tendencia Piet Moudrian y Theo Van Doesburg.