Ernst Fischer La Necesidad Del Arte

LA NECESIDAD DEL ARTE Capitulo 1 La función del arte “El arte desaparecerá a medida que la vida resulte más equilibrada” entonces, ¿el arte es un sustituto de la vida? El arte nace de la necesidad del hombre por ser algo más que él mismo, algo más que un individuo, por ser un hombre total. El arte cautiva mucho más que la realidad, y no sólo nos cautiva, también no da placer. Bertolt Brecht dice que no solo hay que hacer disfrutar al espectador –el lo dice en su materia, que es el teatro- con la obra, también hay que prepararlo para el placer para la sensación de triunfo del liberador. El arte no debe ser dividido por clases sociales, debe de tener un sentido universalmente humano, la obra de arte no debe hacer que las personas se identifiquen de un modo pasivo, debe llamar a la razón, acción y decisión. El arte está condicionado por el tiempo y representa las ideas y aspiraciones de la humanidad en esa época. En sus inicios el arte era magia, ayudaba a dominar un mundo real inexplicable; actualmente sirve para iluminar a la sociedad opaca, para hacerla conocer y modificar su realidad social. El arte alivia, desvela, ensombrece e ilumina; pero el arte no solo sirve para representar la realidad. Debe incitar al hombre total a identificarse con la ida de otro y a apropiarse de lo que no es pero podría llegar a ser. La función del arte no es la de hacer magia, es mas bien ilustrar y estimular la acción, pero debe de tener un poco de magia, porque si no conserva un poco de su naturaleza original el arte deja de ser arte. Capitulo 2 Los orígenes del arte El arte es una forma de trabajo y el trabajo es una actividad de la humanidad, el proceso de trabajo es común a todas las formas sociales. El hombre creo instrumentos, el hombre si hizo a si mismo a partir de la creación de instrumentos, el hombre surgió cuando comenzó a crear instrumentos, el instrumento fue creado cuando el hombre comenzó a fabricarlos y utilizarlos. La mano fue el órgano principal de la cultura iniciadora de la humanización. Benjamin Franklin definió al hombre como un “animal constructor de instrumentos” Tomás de Aquino dice “la mano liberó a la razón y produjo la conciencia humana” El ser humano en vez de adaptar sus exigencias al instrumento decidió adaptar el instrumento a sus exigencias.

Con la utilización de los instrumentos nada es imposible, solo es cosa de encontrar el instrumento adecuado para hacer lo imposible posible, con este poder ilimitado sobre la naturaleza surge la magia y por lo tanto surge el arte. El medio se pone al servicio del fin. El experimentar con las manos –el “pensar” con las manos- da paso a una reflexión final; el pensamiento no es mas que una forma abreviada de experimentación transferida de las manos al cerebro. Al principio el hombre no realizaba ideas, imitaba objetos, imitaba lo que veía en la naturaleza y en su experiencia le había sido útil, imita los utensilios que la naturaleza previamente le había dado. El hombre necesito mucho tiempo para igualarse con la naturaleza y enfrentarse a ella como creador, no se limito a esperar lo que la naturaleza le diera, la obligo a ser servidora suya. Su creciente humanización lo llevo a crear instrumentos que la naturaleza no le daba. Solo en el trabajo y con el trabajo tienen los seres vivos mucho que comunicarse, el lenguaje apareció junto con los instrumentos. El hombre tuvo que aprender a conocer sus sentidos y a confiar únicamente en lo que sus sentidos le comunicaban. Herder dice que el hombre prehistórico veía al mundo como un todo, tuvo que aprender a separar y seccionar su mundo y a crear un equilibrio entre el mundo y el –su habitante-. El lenguaje no es un medio de expresión, es un medio de comunicación. El tono indicaba la cosa y esta misma indicaba el tono, la palabra se convirtió en un signo, en este signo se incluían muchos conceptos y gradualmente se llego a la abstracción pura. Cuanto más conoció el hombre, cuanta más experiencia tenía mas rico se hizo el lenguaje. Humboldt dice: “el hombre solo es hombre a través del lenguaje pero para inventar el lenguaje había de ser hombre ya” El lenguaje surge de los sonidos reflejos, pero la imitación también fue un elemento esencial en el lenguaje. No existe un estimulo que pueda compararse con la palabra humana; el hombre creó palabras porque era un ser que trabajaba. A medida que sus manos fueron ganando articulaciones la ganaron también los órganos vocales. El hombre prehistórico abstrajo de un instrumento su cualidad, por ejemplo, todas las hachas sirven para lo mismo, lo noto y abstrajo de ellas la cualidad de ser hacha, sin saberlo estaba creando un concepto. La imitación le da al hombre poder sobre los objetos, con la atribución de un nombre al objeto todos los miembros del colectivo pueden reconocerlo y apropiarse de el. La relación sujeto-objeto surgió con el trabajo. El hombre crea una nueva realidad, una supranaturaleza donde el creador es la mente. La magia de crear algo le da una conciencia de impotencia y poder, le hace temer a la naturaleza y a la vez la capacidad de transformarla; esta es la esencia del arte.

El arte no tenía que ver con la naturaleza, era un arma mágica que lo ayudaba a dominar a la naturaleza y a desarrollar las relaciones sociales. Al crear el arte el hombre encontró una forma de aumentar su poder y enriquecer su vida. La magia se convirtió el arte y el arte, en todas sus formas, era la actividad social por excelencia, elevaba a los hombres por encima del mundo animal y natural. Las relaciones entre tribus fueron las causantes del comercio, las donaciones y contradonaciones se convirtieron en trueque. Cuando el hombre se fue separando de la naturaleza se rompió el equilibrio del individuo con el mundo exterior. El vínculo que tenía el arte y la magia se fue perdiendo hasta desaparecer casi del todo, cuando la sociedad comenzó a ser mas importante que el individuo el hombre dejo de crecer. La tarea del artista es la de explicar el significado de los acontecimientos a los demás, de hacerles comprender el proceso, la necesidad y las reglas del desarrollo social histórico. En el mundo antiguo la incursión del dinero fue algo perverso y reprobable; la invasión del mundo feudal por el dinero y el comercio deshumanizó las relaciones entre los hombres y debilitó la sociedad. El arte es el camino que sigue el individuo para retornar a la colectividad, el artista solo puede experimentar lo que su época y su sociedad le ofrecen. El arte ayuda al hombre a comprender la realidad y a soportarla, lo ayuda a hacer la sociedad mas humana, el arte es en sí misma una realidad social. En una sociedad decadente el arte debe reflejar decadencia; pero también debe presentar una nueva realidad y debe ayudar a modificar la suya. Capitulo 3 El arte y el capitalismo El arte se convirtió en mercancía y el artista en productor de mercancías, el artista comenzó a ser libre y entonces el arte se convirtió en una actividad medio romántica y medio comercial. El capitalista solo es respetable como la personificación del capital; comparte con el avaro la pasión por la riqueza. El capitalismo favoreció a la producción del arte, impulso la producción de muchas obras expresivas y originales. El romanticismo significa dar una elevada significaron a lo común, darle una apariencia misteriosa y a lo ordinario darle la dignidad de ser desconocido. Shelley dice “la imaginación es el Dios inmortal hecho carne para la redención de la pasión mortal” El romántico tenía en todo el mundo rasgos similares: la inconformidad con la realidad, incomodidad espiritual, inestabilidad y aislamiento.

Novalis dice: “el espíritu del comercio es el espíritu del mundo, es el espíritu esplendoroso, puro y simple. Lo pone todo en movimiento, todo lo conecta… Es el espíritu de cultura, de perfección de la humanidad” y después dice “debemos romantizar el mundo… Si no conseguimos vernos en un mundo de leyenda es por la debilidad de nuestros órganos físicos y de nuestras percepciones”, si establecemos una armonía entre nuestra inteligencia y nuestro mundo, seremos iguales a Dios. El juicio universal, el comienzo de una nueva era culta, poética. El romanticismo en su búsqueda por la colectividad descubre el folklore y proclamó el evangelio del pueblo como una entidad orgánicamente desarrollada, homogénea, su concepto de pueblo rebasó la división de clases y les dio un alma popular. El arte popular es anónimo, expresa un sentimiento compartido por muchos, refleja las ideas de una comunidad. El arte era entonces una expresión de una colectividad homogénea. Cuando un mundo esta dividido y existe una lucha contra la clase la clase dominante existe un pueblo. El estado no es competente en cuestiones artísticas. Entre 1872 y 1914 el arte burgués tuvo su otoño dorado, se enriquecieron los medios de expresión que tenía el artista. Comenzó a ser el arte por el placer de producir arte y llegaron corrientes y pensamientos similares, el artista no quiere obras impecables, quiere obras sinceras. El impresionista quería eso, no quería registrar el mundo tal y como era, quería registrar la impresión que el mundo le daba a través de la mancha, el color y la luz. Los naturalistas dicen que vivimos en una época en donde la verdad de convierte en la expresión popular de belleza, los burgueses convierten en los mismo contra los que pelearon. La fuerza y debilidad del naturalismo se encuentra en la objetividad con la que veían las condiciones sociales y en su negativa de verlas como algo que se puede cambiar. Se convirtió en simbolismo y misticismo por causas sociales, pero también por influencia de su método particular. Jean-Jacques Rousseau dice que “el pueblo no puede estar representado por diputados, la soberanía no puede representarse… Se es una cosa u otra, no existe un punto intermedio” Marx dice que con el trabajo el hombre adquiere una doble esencia y se contempla a si mismo en un mundo hecho por el. El artesano puede identificarse en su trabajo, se ve a si mismo en el, lo ve como una extensión de su persona, con la producción industrial esto no es posible porque el asalariado no se identifica con lo que produce. En un mundo regido por la producción de mercancías, el producto controla al productor y los objetos son más poderosos que los hombres. “La cinta continua de la vida se lleva, nadie sabe a dónde. Somos más objetos que criaturas vivas” (Franz Kafka)

El ser humano se ha ido borrando con sus propios conocimientos y creaciones, cada día es más difícil comprender las relaciones y condiciones sociales que nos rodean. Para el burócrata el hombre no es mas que un archivo, un numero, no esta dotado de conciencia si no de acciones. Esta necesidad del hombre por ser más que un hombre y llegar a una totalidad hace que surjan corrientes de pensamiento como el nihilismo; en la que el hombre es lanzado a este mundo violenta y precipitadamente, no tenemos opción y estamos cada vez más cerca de la catástrofe. El nihilismo no es la causa, es la lógica de la decadencia. El arte humanista enaltecía esto, al humano y sus relaciones humanas, con la aparición del arte no humanista, el artista no hace nada mas que aislarse de su cultura y de la sociedad de su época. El hombre se ha vuelto un objeto y ha tomado características propias del objeto. Rimbaud decía “mi superioridad consiste en que no tengo corazón” para él “es falso decir: yo pienso. Se debería decir: me piensan.” El hombre se trata a si mismo como un objeto, no cree en su conciencia cree en las asociaciones de lo inconciente. Para el capitalismo el hombre no es nada y el éxito lo es todo. La fragmentación hace sentir a los humanos inútiles, el trabajo fragmentado no es nada mas que una pequeña parte de un gran proceso, la sociedad esta fragmentada porque el ser humano solo es una parte pequeña de una gran maquina que no puede comprender. Baudelaire dice: “la imaginación descompone tola la creación y con los materiales amontonados y dispuestos de acuerdo con reglas cuyo origen sólo se puede encontrar en las profundidades del alma, crea un mundo nuevo” Se recurre a la mixtificación es decir velar la realidad con el misterio, a disfrazarla; Broch dice que toda la literatura tiende hacia el mito. Las cosas son lo que son, no serán siempre lo que son es decir que el ser es cambiante, lo que hace es movimiento pero el ser es estático. Los que optan por ser y no hacer lo hacen –inconcientemente- por temor a una revuelta social. Quieren separar el hombre de la sociedad y reducirlo a una criatura individual, inerte ante la fuerza del destino; esto seria convertirnos en un ser que nunca ha existido. El hombre que no pertenece a una sociedad pierde identidad, la realidad se hace irreal y el hombre inhumano. De la rebelión romántica del yo, surge el realismo crítico, con otros métodos con más frialdad, objetividad, más distante. A medida que la ciencia se desarrolla aumenta su perfección pero no ocurre lo mismo con el arte, ni siquiera con la obra del mismo artista. En el realismo socialista el arte de identifica con los objetivos de la clase obrera. La diferencia entre realismo social y critico son los métodos que siguen pero su actitud fundamental es la misma. Independiente de lo que pensemos el arte debe poder tomar cosas de los egipcios, del arte de oriente, de Monet, Moore, de Brecht, el arte

no se trata de limitar un estilo, si no de soldar los mas diversos elementos y crear una unidad en una realidad. Capitulo 4 El contenido y la forma Filósofos y artistas han considerado a la forma como elemento esencial, superior y espiritual en el arte dejando a un lado el contenido. Las matemáticas son la mas perfecta de las ciencias y la música la mas perfecta expresión del arte; esto a se debe a que en ambas la forma se ha convertido en el contenido. Todos los seres somos imperfectos y el ser imperfectos debe ser un incentivo para buscar la perfección. La forma se identifica con la esencia de las cosas y la materia para a ser inesencial, ¿que es lo que queremos decir con la forma, es verdad que toda materia tiene a una forma definitiva? Por ejemplo; un cristal es el resultado de una serie continua de modificaciones de las condiciones materiales, su estructura simétrica corresponde a su estructura molecular; no es que el cristal se someta a las leyes físicas, en su naturaleza se encuentra ser simétrico, no es que tienda a la forma es que está en su naturaleza, la naturaleza no se somete a las leyes de los vectores matemáticos sino al revés: los vectores matemáticos se someten a las leyes de la naturaleza. Los ornamentos son pues; la encarnación artística de la matemática. Pero como lo egipcios hicieron ornamentos sin saber nada de las leyes de simetría en la naturaleza, lo que los hizo introducir vectores en el arte ornamental fue seguramente el placer que el orden proporciona a los hombres. La naturaleza entonces tiende a un equilibrio y a la conservación de la energía; entonces lo que llamamos simetría es la expresión de un estado energético más o menos estable. La forma es la manifestación del estado de equilibrio alcanzado en un momento dado; la es forma es conservadora y el contenido es revolucionario. La característica de asimilar, de absorber el mundo exterior es una característica de los seres vivos, también posee la capacidad de adaptarse y de mutar. Solo los organismos capaces de existir; es decir los que se adaptan y resisten al mismo tiempo, solo ellos pueden sobrevivir. En los seres vivos la forma también puede cambiar, tenemos que darle un contenido nuevo y conforme la forma se vaya adaptando al contenido ésta cambiara. El contenido de la sociedad es la producción y la reproducción de la vida, es la adaptación deliberada del mundo exterior por las necesidades materiales y espirituales crecientes del homo sapiens. El contenido fundamental de la sociedad se modifica y desarrolla sin cesar. Las formas de la sociedad manifiestan una tendencia a la estabilidad; tienden a transmitirse como herencia, de una generación a otra; las clases dominantes tienden a ser tradicionales, mientras

que las clases oprimidas ven a la tradición como un obstáculo para el progreso. El problema de la forma y el contenido no se limita a las artes, el que crea que la forma es más importante que el contenido reacciona como la clase dominante cuando su posición se ve amenazada. El contenido no es únicamente lo que se presenta, también es el como se presenta y en que contexto, con que grado de conciencia social e individual. La clase dominante siempre cree que ve las cosas desde un punto de vista objetivo; por ejemplo en el arte egipcio se muestran pinturas en las que muestran respeto al trabajo, pero no muestran al verdadero trabajador, muestran una armonía preestablecida por una sociedad estructurada en rangos y castas. Una de las mayores aportaciones de los egipcios fue plantear el tema de los oprimidos, el que trabaja de sol a sol y no solo desde el punto de vista de la clase dominante. La forma en la que se represento el trabajo en el arte fue cambiando; con los clásicos no fue tomado en cuenta, en el medievo la clase trabajadora exigió ser escuchada y Brueghel fue el primer artista que tomaba a la vida como la medida de todas las cosas y se dedico a estudiar las necesidades, debilidades, pasiones, sentimientos que rigen al género humano. Al pintar así se convirtió en el portavoz de la burguesía ascendente. Millet pinto la tristeza, desesperación del campesino y lo hizo no visto desde fuera, lo hizo como un campesino más. El muralista Diego Rivera era un realista socialista, la humillación del obrero y el campesino con sus espaldas dobladas y cabezas inclinadas eran los temas de sus murales. El contenido siempre es más importante que el tema, la forma en la que maneja el contenido un artista expresa las tendencias sociales de su época. El contenido que tiene un cuadro es valido solo en la época en la que fue hecho; al ver un cuadro inmediatamente te atribuimos un significado que no es porque nos ubicamos en momentos históricos diferentes. El arte también cambia conforme cambia la sociedad, los nuevos contenidos sociales dan nuevos contenidos al arte y estos a su vez dan nuevas formas al arte. Los nuevos contenidos del arte a su vez pueden ocupar formas antiguas para expresarse. La función de artista consistía no es exaltar a la naturaleza sino la esencia sobrenatural del orden social. Un estilo es una ley a la que se someten libremente artistas de temperamentos, convicciones e ideas diferentes. El estilo no es el producto de cambios sociales y de realizaciones individuales, sino un poder autónomo que lo rige todo. Si esta idea fuera correcta cada época histórica tendría un estilo uniforme. Para ver el arte debemos estudiar las condiciones sociales en las que fue realizado, debemos estudiar el pensamiento, los conflictos sociales y las ideas que surgen a partir de estas para ver el arte en el contexto real y no es uno imaginario.

El arte consiste en dar forma y solo la forma convierte un producto en obra de arte. La forma de esta no es accidental, arbitraria o inesencial. La forma es experiencia social solidificada y hasta cierto punto la forma también se determina por las facilidades y limitantes de los materiales. Al final lo que llamamos estilo no es nada más que la utilización de formas aceptadas y convencionales. Para el hombre primitivo todo lo que tiene la misma forma tiene el mismo significado. Por ejemplo el hombre primitivo relacionaba la mujer que sangraba y el animal que sangraba, son similares para el. Cuando se olvida el significado original la gente se aferra a las formas antiguas con un respeto sagrado. Se requiere de un nuevo contenido para desplazar y modificar las cosas antiguas y hacer nacer cosas nuevas. En la época clásica la poesía era una especie de almacén donde se confeccionaba el lenguaje, se hacían trajes a la medida del sentimiento. Bürger exigía que se explorase la imaginación y la sensibilidad del pueblo para que la varita mágica de la epopeya natural introdujese en todas partes el tumulto y la confusión; es decir que había que hacer pensar al pueblo. Los románticos buscaron la unión del hombre con la naturaleza en un nuevo sentimiento que involucraba al lenguaje. La poesía lírica se convirtió en una síntesis de nostalgia por los orígenes. No fue sino hasta el siglo XX que surgió un método lírico opuesto al romanticismo. La aspiración a la nada, el gusto por la muerte característico del romántico se transforma en Baudelaire en una aspiración a algo nuevo, no en la búsqueda de paz eterna sino a la inquietud sin fin. Su balanceo entre la pasión y el tedio, entre la aventura y la decadencia, refleja la contradicción básica de la época burguesa: “una revolución continua en la producción, una incesante conmoción de todas las condiciones sociales, una inquietud y un movimiento constantes distinguen la época burguesa de todas las anteriores. Todas las creencias estancadas durante siglos, quedan rotas; las nuevas envejecen antes de haberse podido osificar. Todo lo privilegiado y permanente se esfuma; todo lo sagrado es profano…” (Manifiesto comunista) Por otro lado; el contenido de la música se comunica de tantas maneras y la línea divisoria entre el contenido y la forma es tan fluida que este dominio siempre ha ofrecido una fuerte resistencia a la interpretación sociológica. Pero la música es mas que una serie de sonidos con un orden especifico, un arte abstracto y formal, la música es mas que eso, no es objetiva; Hegel dice que la música solo llega a ser arte cuando lo espiritualmente importante se expresa correctamente, la naturaleza de la música consiste en poner alma, tiene un elemento elevador que es creado por y para la música, el contenido de la música es la experiencia que el compositor quiere comunicar y esta determinado

por su experiencia personal y el periodo histórico en el que se encuentre. La música –a diferencia de otras artes- no se va a particularidades, su grandeza se encuentra en la generalidad. Es decir, no expresa tal o cual dolor, tal o cual alegría; expresa el dolor, la alegría; no se ocupa de la forma desnuda del alma interior, sino de la vida interior más profunda llena de un contenido preciso. La música representa la esencia de las cosas, lo que hacen otras artes es solo una sombra de la esencia. Fue un medio para excitar a los sentidos, para embrujar o incitar a la acción; sirvió para poner a los seres humanos en un estado distinto y no para reflejar los fenómenos del mundo exterior. La música es el arte mas apto para nublar la inteligencia, para crear una conciencia extática e incluso para aceptar voluntariamente la muerte. La Iglesia Católica hizo uso de la música, creo música en las que los creyentes se encontraban en un estado de humillación total, dejaban a un lado el individualismo para crear un colectivo sumiso; los obligaban a aceptar el pecado universal y a desear la redención. Impuso al oyente a una reacción definida que no toleraba ninguna subjetividad. Posteriormente la música se determino por su capacidad de expresar una nueva actitud, un nuevo sentido de la vida, una nueva inteligencia, un espíritu colectivo: la actitud, el sentido de la vida, la inteligencia y el espíritu colectivo de la clase obrera; la forma sigue siendo el contenido y el contenido sigue siendo la forma. Capitulo 5 La pérdida y el descubrimiento de la realidad El mundo capitalista, industrializado y mercantilizado, se ha convertido en un mundo exterior de conexiones y relaciones materiales impenetrables. La encarnación de un universo ilusorio de todo-el-mundo y de nadie. El resultado de una multitud de puntos de vista es la repulsiva uniformidad de las mentes. Nos aferramos al más pequeño detalle, al detalle visible, audible, indiscutiblemente real. Kafka elaboro un método narrativo que consistía en unir los detalles ínfimos hasta sugerir los contornos de la realidad. Esto le permitió darle valor al detalle verdadero. Grillet dice que el mundo no tiene sentido pero no por eso deja de tenerlo simplemente esta ahí, nos rodea y a pesar de que lo dotamos se significado, alma y finalidad las cosas solo están ahí. Las personas no somos más que objetos entre objetos. Hegel dice que el ser en sí no es todavía real; solo es real cuando llegamos a comprenderlo. La realidad es inesperada y chocante, Salinger descubre esta realidad por jóvenes asqueados del mundo que los rodea como si hubieran sido lanzados sin opción a un mundo carente de sentido donde deben buscar el significado de la vida.

Kafka describía el sueño siniestro de la transformación de todos los seres vivos en objetos, Eisenstein representaba la victoria del hombre esclavizado por la maquina sobre esta misma maquina. Antes el arte y la literatura eran un privilegio de una minoría muy reducida, una de las funciones del arte es la de crear una demanda de la población –cosa que no ha sido lograda aun-. Breton decía que una obra de arte solo tiene valor si en ella vibra el futuro. El mundo capitalista descubrió grandes posibilidades para producir estupefacientes artísticos, el consumidor no es más que un troglodita que tiene que satisfacer sus instintos bárbaros. Estamos en una época en la que tanto escritores como artistas buscamos medios de reproducir una nueva realidad, el gusto del pueblo no ha sido creado y la facultad de apreciación de la calidad aun esta en proceso. El arte capitalista esta repleto de mercancías destinadas a promover la estupidez, la crueldad y el crimen. El arte socialista es diferente, la obra de arte es considerada un acto de gran alcance que surge de la realidad y que actúa sobre ella. La función del arte no es la de ser comprendida y aprobada en su momento, su importancia es la de abrir puertas cerradas, mostrar una nueva realidad. Kraus dice “el fin del mundo moderno ocurrirá cuando las máquinas serán perfectas y, al mismo tiempo, el hombre será incapaz de funcionar” medida que las maquinas sean mas perfectas, resultará evidente que lo que hace la grandeza del hombre es la imperfección, esta imperfección creadora es lo que diferenciara al hombre de la maquina. La misión del arte es crear una vida más plena, rica y fuerte es decir que su misión consiste en ayudarnos a ser hombres. El hombre debe enfrentar se a la contradicción de ser un yo para ser parte de un todo y una vez que exista en ese todo, llegar a transcenderse a si mismo y unirse a una totalidad misteriosa llamada Dios. La función permanente del artes es la de reflejar la experiencia de cada individuo y crear una realidad que pueda ser dominada, transformada, una realidad con la que se pueda jugar. El arte es un sustitutivo de la vida y éste no desaparecerá mientras no desaparezca la humanidad.