Ensayo Expresionismo

UNIVERSIDAD NACIONAL AUTONOMA DE HONDURAS ESCUELA DE ARQUITECTURA TEORIA SUPERIOR

ARQ.: IRIS ARDOVINI

“NEO-EXPRESIONISMO”

INTEGRANTES Sharon Espinoza Ludwig Aguilar Yanis Díaz

Viernes 2 de Mayo del 2008

Tegucigalpa, M. D. C.

20031000156 20041003762 20031001599

INTRODUCCION La revolución industrial había nacido y con sus humos de fábricas, desapego del alma y frialdad productiva, había dejado al ser humano bajo sombras. La producción en serie y la repetición e imitación del arte, el gran goce humano, habían llegado a derramar el vaso. A finales del siglo XIX comenzaba a hervir algo en la sangre humana, surgía un deseo inexplicable de hacer algo, de cambiar las cosas. El ser humano se expresó. Rompiendo todos los cánones impuestos por la rigidez, el orden y “los pies en la tierra”, la mente y alma de los hombres comenzaba a volar. Fue el surgimiento del expresionismo, manifestado en todos los ámbitos artísticos, sin dejar afuera la arquitectura.

El expresionismo se refiere a todo aquel arte con el que se expresan fuertes emociones, sean trágicas o felices, buenas o malas, popularizado a comienzos del siglo XX. Fue un movimiento opuesto y en contradicción a todas las formas artísticas de representar la vida diaria de manera tan fría y distante de las emociones intrínsecas humanas. Si bien existen obras de arte como las de El Greco o Matthias Grünewald que se pueden considerar expresionistas por su alto contenido emotivo, el término se aplica para aquel arte de comienzos del siglo XX. En la arquitectura fue un movimiento que surgió de la mano de las formas de expresionismo de otros artes, como pintura, literatura, escultura y música.

ORIGEN Se considera las obras del pintor Edvard Munch (El Grito, 1893), el escritor Friedrich Nietzsche (El nacimiento de la tragedia, 1872) y del psicoanalista Sigmund Freud, como bases para el surgimiento del movimiento expresionista. Sin embargo, el término fue acuñado por Herwald Walden, en su revista La Tormenta (Der Sturm), en 1912. Edvard Munch, proyectaba obas en las que plasmaba todo su dolor y tragedia mediante colores, rostros vacíos y fuertes pinceladas, generando una sensación de admiración o terror para quienes observaban sus obras. Rompió con la tradición de pintar eventos naturales o cotidianos de la vida como son observados, y los plasmaba con todo la gama de sensaciones que éstos acarreaban. Nietzsche por su lado, plasmaba críticas y generaba preguntas sobre la situación social y humana que vivían los hombres. Por otro lado, Freud difundía sus enseñanzas sobre el psicoanálisis y cómo la forma y el color lograban un efecto en el observador. Fue mediante estos personajes, y otros que daban sus aportes, que el movimiento expresionista llegó a formarse.

EPOCA DE CONSOLIDACION Para finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, una serie de corrientes artísticas comenzaron a surgir, todas con el denominador común de desprenderse de la monotonía de la revolución industrial y la reproducción en serie y fría. Principalmente en Europa del norte y de manera casi simultánea se fueron dando movimientos con diferentes nombres pero mismos fines y aproximaciones. La dificultad de la comunicación y las tensiones entre reinos, imperios y países hizo difícil que el expresionismo se llegase a conformar como un grupo per se. Nunca existió un grupo llamado “expresionistas”, si no que cada uno era por lo general un grupo local de la ciudad o país que podían reunirse con facilidad y compartir sus ideas y manifiestos. Algunos sí lograron atravesar fronteras y crear especies de logias exclusivas, perfectas para intercambio cultural. La mayoría de las corrientes desde las cuales el expresionismo se fue nutriendo surgieron antes o durante la Primera Guerra Mundial, y unas pocas después del conflicto bélico. No se puede hacer a un lado alguna de estas corrientes, excluyéndola del Expresionismo, pues cada una era un enfoque diferente a expresar sensaciones. Cada una, de una u otra manera, dio un aporte invaluable para corrientes venideras, y en especial a estilos arquitectónicos próximos. Entre las corrientes expresionistas que más influenciaron al mundo en esas épocas y que cada una fue aportando, tenemos:

Fauvismo Del francés fauve “fiera”. Apareció como una reacción al Impresionismo y era un movimiento caracterizado por el uso de colores muy fuertes, tonalidades contrastantes y pinceladas estridentes. Sus ideas y obras eran sujetas a un gran grado de abstracción y tremenda simplificación. Henri Matisse y André Derain fueron sus máximos exponentes. Cubismo Es un estilo en el que el objeto es desmembrado, analizando y ensamblado de manera abstracta. En lugar de mostrar los objetos desde un solo ángulo o modo de ver, los mostraba desde diversos ángulos para mostrar la obra en un contexto mayor. Las superficies se sobreponen para dar sensación de profundidad y los fondos son representados como espacios ambiguos. Sus exponentes fueron Pablo Picasso y Georges Braque. Futurismo De la mano de Filippo Marinetti, Carlo Carrá y Umberto Boccioni, fue difundido principalmente en Italia y Rusia. Afirmaba que el mayor logro del ser humano era la tecnología puesto que había logrado vencer a la naturaleza. Afirmaban que la industria, los automóviles y los aviones eran esos triunfos tecnológicos y sus obras de arte representaban velocidad, movimiento, líneas metálicas, producción en serie y máquinas de todo tipo. Era un estilo cargado con mucha política y en algunos casos hasta fue catalogado de nacionalista y fascista. Der Blaue Reiter (El jinete azul) Fue un grupo de artistas de diferentes naciones que pregonaban el deseo de expresar el espíritu a través del arte. Conectaban el arte visual con la música, utilizaban el color como asociación simbólica y le daban a la pintura el elemento de la espontaneidad. El color azul era muy utilizado, simbolizando el espíritu: “mientras más oscuro el azul, más despierta el deseo humano de lo eterno”, Kandinsky. Entre sus seguidores se encuentran Wassily Kandinsky y Arnold Schoenberg. Die Brücke (El puente) Surgió como protesta contra los academicismos de las épocas Impresionistas y “La Bella Escuela” y entre sus objetivos estaba la consecución de un arte nacional ligado a la propia historia, realizar una crónica de la vida cotidiana y oponerse a la burguesía. Al igual que el fauvismo, utilizaba colores estridentes, pinceladas caóticas. Ernst Kirchner y Erich Heckel, fueron sus exponentes. Abstracto Creado por Wassily Kandinsky, miembro de Der Blaue Reiter, quien decidió experimentar fuera de los cánones de su grupo de colegas. Se regía por la improvisación, aludiendo que únicamente con ella se lograban representar los deseos interiores inmediatos, y existía una fuerte conexión con la música, representando con pinceladas la emotividad y altibajos de las piezas musicales. El color era utilizado sin discriminación, siempre apegado al estado emocional.

Todos estos estilos sufrieron altibajos durante la Primer Guerra Mundial, durante la cual perdieron a muchos miembros de sus grupos, y debido a la falta de apoyo después de la Guerra, por el asunto de la reconstrucción, muchos de estos movimientos terminaron disolviéndose o fusionándose con otros estilos. Sin embargo en algunos casos, aquellos movimientos que lograron prevalecer después del conflicto poseían material suficiente para elevar aún más los deseos fantasiosos y utópicos de nuevas ciudades y nuevas humanidades, ajenas a los conflictos.

EL EXPRESIONISMO EN LA ARQUITECTURA El término describía inicialmente a todas las actividades “avant garde” alemanas, danesas, checas, austriacas y holandesas, entre los años 1910 y 1924 aproximadamente. Hoy en día se considera arquitectura expresionista a toda aquella que posee distorsión, fragmentación y transmisión de fuertes emociones. Se caracterizaba principalmente (semejante al modernismo) por la aplicación, exploración y uso de materiales innovadores, y por las formas más orgánicas que eran posibles gracias a la producción en serie de ladrillos, metal y especialmente vidrio. Fueron numerosos los arquitectos que se unieron a las filas de esta nueva tendencia, atraídos por todo lo que ofrecía. Nombres como Bruno Taut (a quien se le considera el máximo representante), Max Berg, Hans Poelzig, Josef Franke y Erich Mendelsohn, son los más recordados, y hasta arquitectos íconos del racionalismo como Mies van der Rohe y Walter Gropius, formaron parte de sus filas. Debido a que la Gran Guerra acababa de terminar, la situación económica se volvió difícil para estos arquitectos, quienes en el período mencionado lograron concretar muy pocas obras, quedando la mayoría únicamente en planos. Para sustentarse y obtener fondos, muchos de los arquitectos se dedicaron al diseño y construcción de escenarios para obras teatrales, en donde podían dar rienda suelta a su imaginación e innovación.

Eventos importantes Seguida la Primera Guerra Mundial, la arquitectura obtuvo un fuerte impulso para quienes podían crear y concretar obras. La pérdida de la guerra, la revolución contra el Kaiser en Alemania, la aparición de la arquitectura futurista y constructivista en Italia y Rusia -con quienes se compartían algunas ideas, fueron motivación para todos los arquitectos expresionistas para plantear, promover y tratar de convencer a la gente sobre la necesidad de un nuevo enfoque. La literatura resultó ser un fuerte apoyo para la arquitectura del expresionismo. Muchos arquitectos, principalmente Bruno Taut, se inspiraban en textos de Friedrich Nietzsche y Paul Scheerbart, para diseñar y proyectar sus obras. Escritos como “Así habló Zaratustra” representaban libertades afines a los expresionistas: libertad para rechazar el mundo burgués, desprendimiento de la historia y la fuerza del espíritu en el asilamiento individualista. Fue la morada de Zaratustra lo que inspirara a Taut para diseñar su “Arquitectura Alpina”, que nunca llegó a materializarse. Sin embargo, fue el texto de Paul Scheerbart el que mayor influencia tuvo en el movimiento arquitectónico. “Arquitectura de Cristal” relataba y proponía la sustitución del ladrillo, y todos los elementos constructivos de las casas por vidrio. Relataba: “La superficie de la Tierra cambiaría considerablemente si la arquitectura de ladrillo fuese desplazada de todas partes por la arquitectura de cristal. Sería como si la Tierra se enjoyase y vistiese de esmaltes y diamantes”, idea a la que Bruno Taut de inmediato hizo suya, reflejo de ello es el Pabellón de Cristal, de 1914. De igual manera, avances en otros campos, desde la psicología con Sigmund Freud, quien brindó un mayor entendimiento de las emociones del ser humano y de cómo manejarlas y manifestarlas mediante color y forma, hasta la Teoría de la Relatividad de Einstein que sirvió de inspiración para

que Erich Mendelsohn diseñara la Torre Einstein, quizás el ejemplo más representativo que se mantiene aún en pie del expresionismo arquitectónico. Se dieron un sinnúmero de grupos, reuniones, lecturas, discursos y ensayos que unificaban a todos los arquitectos de la época. Quizás el más importante fue la fundación en 1918 de la “Arbeitsrat für Kunst”, el Consejo de Trabajo para el Arte, el cual reunía a teóricos y arquitectos como Walter Gropius, Alfred Behne y Bruno Taut. Muchos de sus ensayos y manifiestos eran expuestos en ferias y reuniones, en donde, especialmente Taut, mostraban sus creaciones utópicas de ciudades y edificios que nunca lograron pasar del papel. Antes de la fundación de la Bauhaus, Bruno Taut había publicado un libro en el cual describía todas las características de esta arquitectura expresionista. Para Taut, la arquitectura debía ser pura luz y cristal. La forma debía representar las emociones y la naturaleza, optando así por una forma orgánica, cristalina, simbólica y mineral, de tal modo que todo el edificio sea una fachada infinita. Mencionaba que ni la industria, ni la técnica, ni la construcción, ni la función (tal como la entendemos hoy en día), era prioridad arquitectónica, si no que debía ser autónoma, un reflejo de la armonía cósmica y una elocuencia de carácter imaginario; la forma era la función. Finalmente, con la fundación de la Bauhaus (cuna de la racionalidad) por un antiguo miembro del movimiento expresionista, Walter Gropius, poco a poco se va demostrando al mundo con hechos más que con dibujos, que la arquitectura fantástica en verdad no solucionaba el problema social de la postguerra. La Nueva Objetividad (Die Neue Sachlichkeit), apareció imponiendo un nuevo orden y raciocinio, la producción en masa con carácter social. Y fue inevitable que muchos arquitectos de la antes soñadora tendencia expresionista terminaran pasándose al nuevo movimiento creado por Gropius, esto fue ayudado por el auge del nacionalsocialismo en Alemania, que tildaba de indigno y degenerado en 1938, y pobligó el exilio de muchos arquitectos y artistas de la época. Muchas obras fueron destruidas por los mismos nazis, y otras por los bombardeos durante la Segunda Guerra Mundial, por lo que la poca arquitectura que existía únicamente llega hasta nuestros días por papeles y escritos, de donde muchas obras ni siquiera pudieron salir.

Características principales  Distorsión de la forma para un efecto emocional No importaba tanto si lograba cumplir la función, simplemente debía deleitar. Utilizaba para ello espacios innecesarios, muchos reflejos y cierto tipo de ornamentación. Abundantes trabajos en papel y maquetas, con descubrimientos y representaciones de conceptos, más importante que el producto pragmático terminado Lastimosamente, debido a la dificultad económica de postguerra y el poco desarrollo tecnológico, muchas ideas no podían desarrollarse al grado que los arquitectos deseaban. 

 Soluciones híbridas, imposibles de reducirlas a un concepto único Obtenían y se basaban en numerosas ideas, no un solo estático concepto o punto de partida.  Subordinación del realismo a lo simbólico La expresión y la sensación espiritual eran la clave y el impulso de todas las obras.

 Gran esfuerzo por alcanzar lo novedoso, visionario y original Nuevos materiales, nuevos diseños e ideas nunca antes probadas.  Temas naturales más minerales que florales Basándose en el cristal como material perfecto, y alejado al ornamento floral del Art Nouveau.  Concepción de la arquitectura como una obra de arte Es primero para ser admirado y luego para ser utilizado como edificio.  Utiliza el trabajo manual potencialmente creativo Evitando de esta manera la rigidez del encofrado, y la poca variedad de tecnologías.  Intenta dejar en libertad la forma de todo el edificio, no sólo partes No sólo dándole función formal a la fachada o a lo más visible, si no hacer todo visible.  Materiales expresivos y que unifiquen el edificio Vidrio, hierro y concreto que puedan ser moldeados y reflejen la luz, que se convierte en material.

Materiales  Ladrillo Utilizado de manera que genere sensaciones mediante colores o su colocación.  Hierro La ductilidad y resistencia lo hacen perfecto para permitir formas atrevidas.  Concreto Puesto que utilizándolo como recubrimiento puede dar la apariencia de un único elemento.  Vidrio La mayor perfección en materiales, debido a que deja entrar la luz y la vuelve un material más en la obras.

Formas  Curvas Dándole esa movilidad y flexibilidad, propia de los elementos naturales.  Domos Perfectos para construirlos de vidrio aprovechando así la máximo cantidad de luz.  Líneas rectas Siempre y cuando reflejen movimiento.

Exponentes y sus obras Dentro del movimiento expresionista existieron muchísimos arquitectos que podrían considerarse más bien eclécticos, pues poseían su estilo (o ya seguían alguno) y construían una obra expresionista para nunca más volverlo a hacer. Pero hubo un grupo de arquitectos que se mantuvieron fieles al estilo, inclusive con la prohibición del nazismo. Bruno Taut Quizás el máximo representante del estilo, e irónicamente el que menos obras llevó a cabo. Esto se debió a que sus conceptos, ideas y proyecciones, resultaron demasiado utópicas para la época. Proyectó un sin número de bosquejos e ideas, pero pocos salieron del papel. Su Pabellón de Cristal para le Werkbund, en Colonia de 1914, es su obra construida más significativa. Consistía en una forma similar a un huevo, recubierto de vidrio de diferentes colores. Este era un claro reflejo de la influencia que la obra “Arquitectura de Cristal” de Scheebart, tuvo sobre Taut. También diseñó “Die StadtKrone” (La Corona de la Ciudad), en 1919, en la que proyectaba una ciudad completamente hecha de vidrio, con forma de corona y en cuyo centro se erigía una inmensa catedral también de cristal. Josef Franke Compartía muchas ideas con Taut, pero su material favorito fue el ladrillo. Su gran logro fue unificar y ‘monolitizar’ el ladrillo, creando la sensación que sus obras eran de un solo material, no compuestos por miles de bloques individuales. Su obra más memorable es la Iglesia de Heilige Kreuze, de 1929, que aún se mantiene en pie. Erich Mendelsohn Fue el autor de la obra más representativa del expresionismo arquitectónico, la Torre Einstein. Mantuvo relaciones con miembros de Die Brücke y Der Blaue Reiter, pero fue reclutado para luchar en el frente ruso durante la Primera Guerra Mundial. Un amigo suyo le encomendó el diseño de un observatorio que confirmara experimentalmente la Teoría de la Relatividad de Einstein. Mendelsohn comenzó los bosquejos y las ideas aún en la guerra, y para cuando terminó el conflicto inició la construcción. Mendelsohn emplea todos los ideales expresionistas: utiliza el concreto como material innovador para darle esa apariencia de movimiento y sinuosidad, inspirado en la Teoría de la Relatividad. Diseñó la torre con la concepción de que debía representar un único elemento en movimiento y transformación, y no partes individuales. Coincidentemente, “ein Stein” en alemán significa ‘una piedra’. Aunque muchas generaciones posteriores, y hasta el mismo Einstein en su visita a la torre, proclaman que es orgánico, no cabe duda que Mendelsohn dejó una clara representación de expresionismo.

Fin de una era y resurgimiento Con la aparición del Modernismo como movimiento imperante y líder, el expresionismo se fue desvaneciendo en las páginas de la historia. Por más de 40 años, el mundo estuvo regido por un movimiento ajeno a la ornamentación y a la expresión impulsiva. Sin embargo, la tecnología avanzaba, los tiempos cambiaban, y la monotonía se hacía cada vez más aburrida y obsoleta. Para finales de la década de los 70’s un grupo de artistas, pintores en primer lugar, comenzaron a revelarse en contra de la frialdad de los movimientos imperantes, proponiendo un estallido de expresión y sensibilidad. Pocos años después, los arquitectos se unirían a sus filas.

PINTURAS

EXPRESIONISMO – El Grito, Edvard Munch, 1893

CUBISMO – El guitarrista, Pablo Picasso, 1910

DER BLAUE REITER / ABSTRACTO – Composición VII, Wassily Kandinsky, 1913

FAUVISMO – Suburbio de Collure, André Derain, 1905

FUTURISMO – Funerales del anarquista Galli, Carlo Carrá, 1911

DIE BRÜCKE – Calle de Berlín, Ernst Kirchner, 1913

ARQUITECTURA

Pabellón de Cristal - Bruno Taut, 1914

Dibujos varios, Bruno Taut

Torre Einstein – Erich Mendelsohn, 1921

Josef Franke - Iglesia Heilige Kreuze, 1929

RESURGIMIENTO DEL EXPRESIONISMO Neo-expresionismo Después de tantos años dominados por la razón y la funcionalidad, dejando obras que resultaban frías y sin emoción para el hombre, se dio un nuevo nacimiento del expresionismo como modo de transmitir y plasmar emociones y sensaciones. En directa oposición al minimalismo, tanto arquitectónico como pictórico, aparece el Expresionismo Abstracto, que pregona que el movimiento y la intuición son la única manera para canalizar todas las emociones y sentimientos, en un estado de “cuasi-trance” se logran las manifestaciones más interiores y personales. Como promotores de este movimiento están Jackson Pollock y Georg Baselitz.

Al igual que a inicios del siglo XX, en el que la pintura fue un detonante para desarrollar la arquitectura, a mediados de los años 70’s la pintura también influenció para el desarrollo de nuevos horizontes y deseos, pero no con el énfasis que el expresionismo de antaño quería recrear partiendo directamente de las pinturas. Surge pues, a finales de los 70’s, coincidiendo con el neoexpresionismo pictórico, una tendencia en la arquitectura de crear obras más fluidos, con movimiento, flexibilidad y evocación de sentimientos.

Expresionismo en la arquitectura contemporánea Una seria de corrientes y estilos arquitectónicos surgen rechazando el ya desprestigiado movimiento modernista. Movimientos como el High-Tech, Orgánico (sinuoso) y el Deconstructivismo, hacen su presentación y comienzan a proponer nuevas ideas y ángulos de visualización. Son movimientos que poseen una ideología muy particular y propia, con un juego de reglas y teorías únicas, pero sin despegarse de un factor muy importante propio del expresionismo: representar y expresar sentimientos y sensaciones en la obra ya sea en pensamiento, concepto o ideal. Así pues, tenemos numerosas analogías de objetos orgánicos, utilización de vidrio, elementos del cuerpo humano, obras monolíticas, que diferentes movimientos utilizan y quizás, en muchas ocasiones, sin saber que están haciendo un homenaje a todos aquellos pioneros de los sentimientos plasmados en la arquitectura. Esto nos presenta entonces un nuevo término o palabra para describir a este revivir del expresionismo: el NeoExpresionismo arquitectónico. Con numerosos representantes de todos los estilos antes mencionados y otros que siempre siguen la tendencia de expresar sus ideas dejándolos plasmados en sus obras, es de hacer notar a un arquitecto que utiliza un estilo muy particular y llamativo. El arquitecto español, Santiago Calatrava hace uso de formas de la naturaleza, del cuerpo humano y de eventos cotidianos como ideas rectoras para el desarrollo de sus obras. Lo que realmente impresiona de él, es el hecho de volver realidad el tan deseado y codiciado movimiento y dinamismo que los expresionistas pioneros querían reflejar y plasmar. Con la utilización de tecnología avanzada, es capaz de concretar cualquier deseo expresionista.

ARQUITECTURA NEO-EXPRESIONISTA

Centro contemporáneo de Artes, Zaha Hadid

Centro de Artes Orientales, Paul Andreu

Isla de Cristal, Norman Foster

Terminal TWA, Eero Saarinen

St. Mary Axe, Norman Foster

SANTIAGO CALATRAVA Y EL NEOEXPRESIONISMO Santiago Calatrava nació en 1951 en la pedanía de Benimàmet de Valencia. Desde los ocho años estudió en la Escuela de Bellas Artes donde empezó formalmente su preparación como dibujante y pintor. A los 13 años su familia le envió a París a través de un programa de intercambio estudiantil. De regreso a Valencia, terminó sus estudios escolares y se matriculó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia, donde se graduó como arquitecto y donde realizó un curso de postgraduado en urbanismo. A continuación, Calatrava, que se interesaba por las grandes obras de los maestros clásicos y que deseaba ampliar su formación, se trasladó en 1975 a Zúrich, donde estudió durante cuatro años ingeniería civil en el Instituto Federal de Tecnología, en el cual se graduó con un doctorado en 1979. Se ubica a Santiago Calatrava dentro del Neoexpresionismo, debido a las características que este movimiento presenta dentro de las cuales tenemos: . Agresividad . Imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano y la naturaleza . Obras de gran tamaño . Abstracción Características que se ven claramente representadas en sus obras añadiendo, el carácter estructural y el movimiento como parte esencial del desarrollo de su obra en general. DESARROLLO ESTÉTICO Y PLÁSTICO En este punto de análisis veremos las característica formales y plásticas de la obra del artista en general, dentro de la cual se presentan los principales paradigmas de su producción, entre los que están el equilibrio, el movimiento, la flexibilidad, la suspensión, el cuerpo humano y el biomorfismo, que, como otros motivos de igual importancia, los cuales están presentes en mayor o menor grado en toda su obra. En la obra de Calatrava, haciendo alusión al movimiento en el cual a sido presentado “Neoexpresionismo”, se presentan en la mayoría de su obra las llamadas, analogías formales, intentando hacer de su obra, un objeto plástico fácilmente reconocible; en relación a lo anteriormente mencionado, se muestra claramente dentro de la analogía del ojo humano, la idea de un ojo fundido con el todo, establecido como canon del sentir universal del trabajo del artista, se refleja de diversas maneras. El artista menciona en relación a esto “La representación sintética del ojo, cuyo iris está encarnado en una esfera, tiene aspecto de pájaro: unas alas se recortan con las líneas de nuestro aparato ocular. La mirada de ese ojo volátil, aéreo o "mental", susceptible de quedar en suspensión”. Que es una de las claves de la obra de Calatrava. Otro ejemplo relacionado a esta analogía empleada por Calatrava, se encuentra dentro de la obra Planetarium ubicado en la ciudad de las Artes y de las Ciencias. Donde se abstrae en su totalidad la imagen del ojo humano, dando esta como resultado el concepto volumétrico e incluyendo a su vez aspectos relacionados con el fin de la obra misma “Ojo-vista-observatorio”. Este es solo un ejemplo de cómo el arquitecto logra crear, por medio de esta formas fácilmente reconocibles, un dialogo entre la obra y el espectador, que no intenta llegar a hacer de este un conocedor de la estética arquitectónica sino, que tenga una experiencia plástica espacial.

Dentro del desarrollo artístico-plástico de Calatrava se encuentra la escultura, de la cual surgen las ideas generatrices de las características formales de su obra arquitectónica. Un rasgo común a todas estas esculturas en equilibrio es que funcionan como analogías anatómicas, bien por tener como referente la complexión de la columna vertebral, en las superposiciones de cubos múltiples en suspensión, o bien por remitir a la sujeción del peso craneal, como ocurre en las esculturas que soportan un único hexaedro en equilibrio; reflejando claramente, estas analogías, una razón plástica de producción arquitectónica, que busca forma y movimiento. Partiendo de la escultura haremos referencia ahora a los puentes ya que por muchos, estos son considerados esculturas en sí. El desarrollo formal que plantea calatrava de esta obra ingenieril, viene a innovar el concepto de puente como tal, convirtiendo a este no solamente en un puente en sí, sino además, en una obra de producción artística. Hoy en día hemos de redescubrir el potencial estético que encierran los puentes, el puente es más eficaz porque es accesible para todos. Incluso una persona iletrada puede disfrutar de un puente. Un único gesto transforma la naturaleza y crea orden, “más eficaz imposible”. A su ves, siguiendo con el desarrollo estético, podemos observar que no solo influyen aspectos meramente formales como ser las analogías humanas y naturales, sino que también salta a la vista el desarrollo matemático-estructural de su obra en general, en la base del proceso creativo no sólo se encuentran estas formas soñadas, poéticamente imaginadas e inspiradas por formas de la naturaleza sino que en este proceso creativo interviene el problema de cómo representar el movimiento de estructuras complejas y por otro de cómo representar superficies curvadas con formas intrincadas. En la obra de S. Calatrava las ideas matemáticas no sólo aparecen en los cálculos necesarios para la ejecución de los proyectos. Estas ideas están en la base de su proceso creativo en el que ha tenido gran influencia sus estudios académicos, en la que discute los principios geométricos que se aplican a la construcción de estructuras plegables. Retomando el desarrollo plástico vemos que Santiago Calatrava presenta su obra “ArtísticaArquitectónica-Ingenieril” como un ente transformador del entorno, a lo que el menciona: “Uno llega a la conclusión de que un modo de dignificar el tedio, la decadencia, la ordinariez de la periferia de nuestras ciudades, construidas hace 30 o 40 años, es introducir edificios de calidad, que recalifican el sitio, le dan identidad y hacen soñar a la gente que vive en sitios mejores” Convirtiéndose esto en la misión social que debería cumplir toda obra arquitectónica y justificando, de cierta manera, el elevado costo de producción de una obra arquitectónica de tales características, a lo que el arquitecto llama, el valor agregado de la obra. CONCLUSION La producción de la obra de Santiago Calatrava, ha ido más allá de las meras solucione formalesfuncionales, ya que ha cambiado la manera de ver la arquitectura como un cuerpo estático, haciendo de esta, formas en movimiento, que no solo vienen a dar una gran riqueza plástica al mundo de la arquitectura, sino que viene a convertir la arquitectura en formas cambiantes, no solo de la obra en si , ya que además es planeada para trasformar el espacio que le rodea; cumpliendo así la misión social de la arquitectura… “dar calidad de vida”.

OBRAS DE SANTIAGO CALATRAVA

CONCLUSIONES •

Surge, tanto por 1era vez como en la época contemporánea, como una reacción a la monotonía y depresión de estilos y vida previa, y propone una renovación de ensueño y fantasía alejando la mente del ser humano de lo que día a día le acongoja y entristece, a través del uso y la explotación al límite de la mente creativa del arquitecto.

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Teóricamente, el expresionismo surgió y terminó a comienzos del siglo XX, sin embargo en la práctica continuó hasta nuestros días, como se puede apreciar en diferentes obras de diferentes arquitectos.

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Gracias a los avances de la tecnología se puede lograr dar vida a obras que originalmente, en los años post-bélicos, simplemente no poseían recursos económicos ni materiales, restringiendo enormemente la expansión del movimiento.

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Quizás el concepto e ideal utópico de los expresionistas de antaño haya quedado atrás, pero no sería errado decir que cualquiera que plasme esa creatividad, imaginación, visión y deseo en sus obras, es un claro discípulo de este movimiento, aquél que en una época quiso engalanar el mundo.

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El arquitecto Santiago Calatrava es el máximo exponente hoy en día de un movimiento expresionista porque en primer lugar, encarna el ideal del arquitecto, ingeniero y artista, en una sola persona. En segundo lugar, asistido por la tecnología del momento y su visión abierta del funcionamiento y desarrollo de la arquitectura logra congelar y representar ese movimiento, generar esa sensación de fantasía, y crear esa nueva faceta en la ciudad, que los pioneros expresionistas tanto querían lograr.

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