El Teatro Desde Sus Inicios Hasta La Actualidad

EL TEATRO DESDE SUS INICIOS HASTA LA ACTUALIDAD

Teatro viene del término “Theatron” que quiere decir lugar para contemplar, porque en definitiva ¿qué es el teatro sino una representación de historias frente a un público? En Egipto practicaban su culto a los muertos mediante danzas y canciones, entre estos ritos destacaba “Los Misterios de Osiris” que duraba ocho días .Se da por  entendido los ritos religiosos fueron el origen del teatro.  Aunque más exactamente exactamente el teatro teatro nace en Grecia, Grecia, pero antes antes como como ya lo decíamos existían manifestaciones teatrales en el mundo: los bailes, las danzas, que constituyen las más remotas formas del arte escénico. Estas primeras manifestaciones dramáticas son las prehistóricas danzas mímicas que ejecutaban los magos de las tribus, acompañándose de música y de masas corales en sus conjuros con objeto de ahuyentar los espíritus malignos, y otras pantomimas y mascaradas, así como las danzas córicas en honor de Dionisos, renovación del culto de Príapo, que se celebraba al pie de la Acrópolis de Atenas. Ya en el siglo V, con Atenas en pleno siglo de oro, el teatro dramático cohabita con otro tipo de teatro con unas temáticas que se centraban más el entretenimiento del auditorio, en muchos casos, recurriendo a la ironía, muy propia en el comportamiento de algunos ciudadanos atenienses, recordemos sino la fundamentación de la mayéutica socrática, y que fue evolucionando hasta convertirse en complejas comedias de alto carácter artístico. No hay que olvidar  que uno y otro tipo de teatro, no cejaron en la defensa de la institución ateniense y sus valores democráticos. En el año 472 a .C. el dramaturgo Esquilo representa "Los persas", una obra de carácter trágico-histórico que se ha convertido en la obra trágica más antigua que se conserva y que probablemente fuera financiada por el estadista Pericles. En esta obra, y como apuntábamos antes, el nuevo orden social democrático se ensalza en perjuicio de los insolidarios y particulares privilegios de la aristocracia griega del siglo anterior. Además, como se puede imaginar, Esquilo quiso también recordar a los griegos su superioridad con respecto a los persas y, en concreto, sobre Jerjes, que finalmente fue derrotado por la armada griega en el 480 a .C. en la batalla de Salamina. También en el año 431 a .C (durante la olimpiada número 87) otro gran dramaturgo, Eurípides, representó su tragedia Medea. Según los críticos esta fue la mejor de las obras conocidas de Eurípides. En ella el personaje principal es

Medea, una mujer valiente, sabia, fuerte, hábil y luchadora, que es amada y temida a la vez. Con esta obra, Eurípides, de forma clara, destaca y exalta los valores femeninos y la propia condición de mujer en la Atenas del siglo V. Esta obra, como otras de este autor, tiene un final trágico, que caracteriza a la tragedia griega. No obstante, Eurípides, como otros dramaturgos conocedores de la sociedad en que vivían, no ahorra críticas, en este caso a los sofistas, por utilizar  el saber en beneficio propio y no en el de la comunidad y al mismo tiempo, elogia el carácter democrático y hospitalario del mundo griego en oposición al misticismo dictatorial de otros pueblos. Sófocles, creador de 123 obras, es el escritor de Edipo, obra que pudo ser escrita en el 430 a .C. Esta pieza se engloba dentro del ciclo tebano y toma como argumento principal la vida de el rey de Tebas, Edipo, el cual no pudo escapar a la predicción del oráculo que vaticinó que mataría a su padre Layo, rey de Tebas. Edipo, tras salvar a Tebas venciendo a la Esfinge y ya casado con Yocasta, conoce que ésta es su madre y descubre que fue él quien mato a Layo. Consciente de su crimen se arranca los ojos y se exilia voluntariamente acompañado de su hija Antígona. Otro gran autor de teatro es Aristófanes (alrededor del 444- 385 a .C) famoso por  sus comedias y contemporáneo de Sócrates, al que no tenía en mucha estima a  juzgar por cómo le presenta en su obra Las nubes, donde acusa al filósofo de demagogo y manipulador de los jóvenes de su tiempo; una de las acusaciones que llevó a Sócrates a la muerte. Aristófanes, a pesar de su liberalismo en algunas de sus obras, era un conservador que defendió la tradición mítica y religiosa de Grecia, en contra de los nuevos postulados de filósofos y políticos. También se mostró especialmente crítico con Eurípides al que consideraba un mal para el teatro clásico por la degradación de sus obras. No obstante, su sentido del humor  e ironía, encontró gran éxito entre los atenienses. Una de sus grandes obras fue Lisístrata, representada en el 411 a .C. donde  Aristófanes, plantea una estrategia para la finalización de la guerra entre Atenas y Esparta. Su protagonista, Lisístrata, promueve entre las mujeres de Atenas y Esparta una huelga de sexo, para minar las ansias bélicas de sus maridos y amantes, reflejando un cansancio general de la población ante la guerra y promoviendo la libertad sobre todo de las mujeres. Dada la importancia que adquirió el teatro en la vida pública, principalmente, de  Atenas, su representación requería de una importarte organización y uso de recursos humanos y técnicos.

Como arte escénico, el teatro necesitaba de gran capital humano para poder  llevarse a cabo: actores, coros, personas encargadas de la coordinación de la producción de las obras, seguridad para evitar altercados, vendedores para ofrecer refrigerios y otros productos a los asistentes, etc. Por esta razón, estos eventos solo se podían llevar a cabo con la financiación del propio gobierno de las ciudades que también solicitaba y gestionaba ayudas a ciudadanos ricos en las polis. En este sentido, Pericles, sobre todo, apoyó incondicionalmente al teatro, y como dijimos antes, también lo aprovechó para su pedagogía política. En cuanto a los artistas y técnicos que participaban directamente en las representaciones, contamos con los actores (hypocrités), que aparecían en escena debidamente ataviados con máscaras o maquillaje de barro y azafrán. El tipo de representaciones en el teatro (rituales) exigían llevar máscaras o maquillaje para poder llevar a cabo la transformación al personaje representado. Más adelante, cuando la temática del teatro se diversificó, también lo hicieron las máscaras. Hay que decir, que se desarrolló un verdadero arte de crear máscaras, llegando a altos niveles artísticos y realismo.  Además de la transformación del aspecto del actor, las máscaras lograban aumentar el volumen de la voz de los actores consiguiendo llegar a todos los actores del anfiteatro. Otro accesorio en el vestuario de los actores eran los contarnos: zapatos de madera que aumentaban la altura de los actores. Los contarnos se solían utilizar  en las tragedias y conseguían que la altura de los actores fuera proporcional al tamaño de sus máscaras y a la envergadura de los papeles representados. Los vestidos y atuendos de los actores eran, básicamente, túnicas cortas o largas de diversos colores que identificaban la importancia del actor y el tipo de obra que representada. Así, los colores oscuros eran utilizados para personajes tristes o agraviados por algún mal; los colores vivos y más alegres para los protagonistas principales y el resto de colores para personajes asociados al pueblo común. Como ocurría con los cortarnos, estos trajes, generalmente, iban rellenos con almohadillas para mantener las proporciones entre la altura de los actores (con zancos) y el a veces, gran tamaño de sus máscaras. Finalmente, otros elementos como los cascos o coronas podían utilizarse en las representaciones.  Además de los actores, como hemos dicho, la representación contaba con un coro (usualmente vestidos de negro) que hacía de intermediario entre la obra y el espectador, de tal forma, que según se iban reproduciendo los acontecimientos, el coro se encargaba de explicar el significado de estos acontecimientos para que el

público comprendiera mejor el desarrollo de la acción. El coro solía vestir de negro y se ubicaba junto a la orquestra.  Además de los participantes activos de las representaciones, no podemos olvidar  a sus receptores: el público. En los anfiteatros más grandes, se podían haber llegado a albegar a unos 13.000 o 14.000 espectadores, cifra realista en comparación con los 30.000 que aseguraba Platón que habrían llegado a asistir a una obra. Con la intención de que todos los ciudadanos libres de Atenas pudieran asistir al teatro, Pericles creó un fondo público para hacerse cargo del pago de las entradas de la clase baja. Aun así, los espectadores con menos recursos podían quedar  marginados a la hora de asistir a las celebraciones. El foro del anfiteatro se aseguraba que las clases más altas tuvieran siempre su hueco, además de los extranjeros notables que asistían a Atenas cautivados por fiestas Leneas o Dionisas. La distribución de las localidades estaba determinada por el estatus social, existiendo asientos exclusivos para magistrados, sacerdotes y otros ciudadanos que financiaban las representaciones (proedría) o por alguna razón (héroes de guerra) tenían un protagonismo especial en la ciudad. Finalmente, el foro podría completarse y dejar a muchos ciudadanos atenienses con pocos recursos fuera de la representación. En cuando al acceso de las mujeres al recinto, no se tiene información fidedigna de sí acudían con regularidad o si realmente acudían. Platón, en un pasaje de "Las Leyes" alude al hecho de que las mujeres más cultivadas preferían la tragedia, lo que induce a pensar que pudieran asistir acompañando a sus maridos. En relación a los esclavos, hay más incertidumbre sobre asistencia, aunque pudieran hacerlo con sus dueños. Si los contenidos de las representaciones teatrales estaban fundamentados en la propia historia de Grecia y en las aspiraciones políticas de sus gobernantes, la fama del teatro griego tenía como grandes impulsoras a sus grandes festividades: las Leneas y las Dionisias. En las grandes festividades griegas, que duraban alrededor de 7 días, se comenzaba siempre con una procesión y traslado del Dios Dioniso por jóvenes de distintas tribus a la Acrópolis. A partir de ese día daban comienzo las representaciones que un día antes se habían planificado, adjudicando a cada autor el número de piezas que iba a representar y la fecha. Durante el mes de Gamelón o mes de las bodas (marzo para nosotros), se celebraban las Leneas Dionisias, que se representaban en un edificio llamado

Leneo, emplazado en la ciudad de Atenas. Estas fiestas eran anteriores a las Grandes Dionisias y en ellas representaba Aristófanes. También, fuera de Atenas y otras grandes ciudades-estado, en el mes de Posidonio, más o menos diciembre para nosotros, se representaban las Dionisias Rurales. A diferencia de las Leneas atenienses, en las Dionisias rurales, la procesión tenía como protagonista a un falo, buscando la fertilidad para las cosechas. Sin embargo, las grandes fiestas del mundo griego eran las Grandes Dionisias atenienses. Todo comenzaba con una larga procesión que traía a Atenas una imagen del Dios Dioniso desde Eléuteras, en Beocia. Llegado el mes de marzo, comenzaba la fiesta religiosa, terminando con el Dios Dioniso en la Acrópolis. Para estas fiestas se guardaban las mejores obras. Normalmente, participaban 5 autores y entre todos llegaban a representar hasta 17 obras, excepto en época de guerra, que se reducía el número de autores y de obras representadas. Los certámenes tenías carácter de concurso, contando con la mayoría de los autores clásicos del teatro griego como ganadores en estos certámenes. En el teatro griego como principal exponente se manejaban dos tipos de obras las tragedias u obras dramáticas con finales inesperados y las comedias satíricas que criticaba con humor las formas de gobierna y como se manejaba la sociedad.  A finales del siglo VI a. C. comienzan a desarrollarse en el mundo griego diversas formas de poesía dramática. Las formas dramáticas son: Tragedia, Comedias Drama satírico. La poesía dramática surgió cuando comenzó la decadencia de la poesía lírica, un género propio de la aristocracia, cuyos poemas se recitaban o se cantaban en pequeños círculos. Frente a esto, la poesía dramática se representaba ante todo el pueblo. Es, portante, un género popular enmarcado dentro de la polis. El fin de la polis supuso también la desaparición de este género. Hubo representaciones teatrales en todas las ciudades griegas, tuvo especial importancia el teatro en la Magna Grecia y Sicilia. Sin embargo, el caso mejor  conocido es el de Atenas. Las representaciones teatrales de Atenas se hacían dos veces al año, en la fiestas Leneas (en el mes del Gamelión- febrero-, época en la que solían celebrarse las bodas) y en las Grandes Dionisiacas (marzo). Tales representaciones comenzaron durante la tiranía de Pisístrato. Conocemos el nombre del primer  poeta trágico que representó sus obras en Atenas: Tespis.

La historia del teatro en occidente tiene sus raíces en Atenas, entre los siglos VI y V A. C. Allí, en un pequeño hoyo de forma cóncava -que los protegió de los fríos vientos del Monte Parnaso y del calor del sol matinal- los atenienses celebraban los ritos en honor Dionisio; estas primitivas ceremonias rituales irían luego evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los grandes logros culturales de los griegos. Lo cierto es que este nuevo arte estuvo tan estrechamente asociado a la civilización griega que cada una de las ciudades y colonias más importantes contó con un teatro, cuya calidad edilicia era una señal de la impoTeatro Romano El teatro griego o más exactamente el teatro clásico se trataba de esto .Pero siguió la evolución del mismo y en el teatro de la edad media; La Iglesia Bizantina aniquiló cualquier representación por considerarla una ofensa a Dios y su corte de intelectuales elaboró una nueva cultura en la que el teatro no tenía cabida. El teatro es un don, un don que da a la gente libertad, una libertad que no se puede conceder al que no quieres que piense. Bizancio todavía permanecerá en pie hasta el siglo X, al contrario que su hermana de occidente, hecho que da comienzo a la Edad Media.

Pero con el paso del tiempo el telón se volvió a abrir. Tirando de las cuerdas para correrlo estaba la Iglesia, su enemiga desde hace tanto tiempo. La distorsión romana fue ignorada y la tradición griega tomada como base, los monasterios restauraron la gran tragedia griega, pero con temática cristiana. El pueblo era analfabeto y las historias de la Biblia debían ser difundidas, para eso el teatro era el mejor medio. Quizás puedan considerarse las primeras representaciones teatrales a los Tropos, una tanda de preguntas y respuestas entre el sacerdote y los fieles durante las fiestas especiales. La falta de espacio en las Iglesias obligó a trasladar las representaciones, cada vez más numerosas, primero a los pórticos y después a la plaza de la iglesia. La puesta en escena era cada vez más elaborada pero un tanto rara; el área de la escena, bastante levantada, estaba separada del público por una barrera. El decorado presentaba todos los lugares donde la acción debía irse desarrollando, uno tras otro. Estos lugares recibían el nombre de Sede o Mansión y poseían cada uno su propio telón. Unas telas de fondo cerraban el horizonte del teatro. La representación de un misterio requería la colaboración de toda la ciudad, al igual que las fiestas Dionisiacas griegas.

 A pesar de que la Iglesia revive al teatro, lo hace con condiciones. Lo cómico está prohibido en las obras, la risa no se acepta dentro del templo. Como siempre el poder se representa con Tragedia frente a las preferencias cómicas del pueblo. Hay que esperar hasta que se produzca la separación ente el poder y la Iglesia para que la comedia cobre auge. Se pide a los sacerdotes que escriban solo para las misas. Aparece el teatro de calle con un humor muy absurdo y ridículo, y nace la fiesta carnavalesca, todo sin texto e improvisado. En España el teatro medieval nos llega por las fronteras francesas con los trovadores. Nuestro teatro siempre se ha caracterizado porque contiene danzas, tono jocoso y temas erótico festivos, herencia de la convivencia entre judíos, cristianos y árabes. La figura de Alfonso X, el Sabio, es fundamental para el desarrollo de la cultura española, no solo por la creación de la Escuela de Traductores si no porque es el primero en proponer una separación entre lo popular y la Iglesia. La festividad del Corpus tiene gran importancia en la historia de nuestro arte dramático, durante ella se celebran procesiones casi escenificadas que recuerdan bastante al Ditirambo Griego. Se crean tres tipos de teatro; eclesiástico, de la corte y de la calle. Los autores no cobran, son propiedad de sus “mecenas” y la figura del actor no existe como tal, pues solo lo hacían para sobrevivir o divertirse. El Auto de los Reyes Magos es el primer drama litúrgico en lengua castellana, escrito a finales del siglo XII. No aparecerá ningún otro hasta casi 250 años después debido a la Reconquista, que promueve canciones épicas como “propaganda política”, y la pervivencia del rito romano mas aficionado a elementos literarios musicales. Suprimidas las representaciones en los templos el teatro sale a la calle. Se realizaba en escenarios rudimentarios, entarimados portátiles y carretas. La escenografía solía reducirse a unos lienzos pintados que servían de fondo. Paulatinamente se fueron perfeccionando los artificios y juegos llegando a introducir en la escena terremotos, fuentes de agua e incluso incendios. Durante este periodo las religiones predominantes eran el cristianismo y el Islam. Egipto decide ocupar Jerusalén y para ello pide ayuda a los demás pueblos, dando lugar a las cruzadas. La cultura oriental, hasta entonces desconocida,

empieza a expandirse. Con todo esto se forma la República Latina de Bizancio, toda la riqueza que habían adquirido en la separación del imperio se amplio, sin embargo los tesoros que habían salido de Europa vuelven con lo que comienza el Renacimiento. En España se considera “La Celestina” como metáfora del antes y después… el antes de “La Oscuridad” y el después de “¨La Luz” . La commedia dell'arte es uno de los géneros más populares del Renacimiento. Surge en el siglo XVI y alcanza su máximo esplendor en el XVIII. Son representaciones basadas en un guión, llamado canovacci, pero que gozan de cierto margen de improvisación. Presentan una serie de personajes arquetípicos, la mayoría de los cuales llevan una máscara que facilita que el público los identifique rápidamente. Practican este género compañías ambulantes de actores profesionales que suelen poseer una gran habilidad interpretativa. En esta época se produce también otro tipo de teatro: los autos sacramentales. Son espectáculos de gran suntuosidad que se realizan principalmente en la corte, pero que también se pueden representar en las calles de la ciudad. Durante el Renacimiento se conservan casi todas las formas teatrales existentes en la Edad Media. El Concilio de Trento prohíbe las representaciones dramáticas dentro de los templos, lo que asesta un duro golpe al teatro religioso catalán. El siglo XVII, conocido como el Siglo de Oro, es una época de esplendor para el teatro español. Se retoma el estudio de los clásicos, como Plauto o Terencio, y el teatro se profesionaliza de la mano de compañías de cómicos ambulantes. Estas carecen de un espacio estable para representar sus funciones y van de ciudad en ciudad interpretando comedias, pasos y piezas dramáticas muy breves.En el Renacimiento encontramos tres tipos de prácticas escénicas: la cortesana, la populista y la erudita En el siglo XX, el teatro evoluciona al ritmo de las transformaciones sociales: en  Alemania, autores como Brecht y Piscator buscan provocar la reflexión, mientras que en Francia Jean Vilar y en Italia Giorgio Strehler crean un teatro dirigido al público obrero y pequeñoburgués. Por otra parte, el francés Antonin Artaud, el polaco Jerzy Grotowski y los americanos Julian Beck y Judith Malina intentan reencontrar la esencia ritual del teatro. En Europa surge el modernismo, que adopta formas diferentes en los distintos países. La premisa principal de este movimiento es la defensa de un arte total y el fomento del progreso mediante la cultura. En Cataluña, adquiere unos rasgos

diferenciados que se traducen en una voluntad de modernizar el país, de dejar de verlo como algo regional y de ponerlo al mismo nivel que las naciones más avanzadas de Europa. El modernismo coincide, además, con una etapa de importantes reivindicaciones sociales y de lucha de la clase obrera. La aparición del teatro moderno, pues, se caracterizó por su absoluta libertad de planteamiento mediante el diálogo con formas tradicionales y las nuevas posibilidades técnicas darían lugar a una singular transformación del arte teatral. En el campo del diseño arquitectónico y escenográfico las mayores innovaciones se debieron al desarrollo de nueva maquinaria y al auge adquirido por el arte de la iluminación, circunstancias que permitieron la creación de escenarios dotados de mayor plasticidad (circulares, móviles, transformables, etc.) y liberaron al teatro de la apariencia pictórica proporcionada por la estructura clásica del arco del proscenio también hoy seguimos haciendo teatro al aire libre como en el teatro griego, hay obras de teatro musicales donde se canta y se baila. Es decir en este nuevo teatro la forma de expresarte es libre se puede seguir  alguna corriente como la de Constantin Stanislavsky que prohíbe darle al publico la espalda, así como también taparte la cara cuando en una escena se tiene que llorar. En este tipo de teatro actual o moderno no es necesario tener un coro o hacer rituales simplemente es natural y en escena esta lo que pasa en la vida real ha revolucionado totalmente a lo que antes era. Si se parece en algo al teatro griego en que lo más importante es exaltar las diferentes culturas, en enseñar moralidad y en proporcionar a la ciudadanía su sentido de identidad es decir que el público se identifique. En conclusión, podemos encontrar que el teatro evoluciona con la idea de representar las situaciones cotidianas que se viven en cada una de las épocas de la historia y que se viven con gran dolor e ironía en nuestro diario vivir. El teatro representa las ideas subjetivas de cada autor en una situación real o imaginaria que se presenta en cierta individualidad del ser con la propuesta de una época viva y experimental.

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