El cine de animación

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Animar es dar impresión de vida. Es la técnica que da sensación de movimiento a imágenes, dibujos, figuras, recortes, objetos, personas, imágenes computarizadas o cualquier otra cosa que la creatividad pueda imaginar; utilizando minúsculos cambios de posición. El cine de animación transforma lo estático en algo vivo. Una cámara de cine registra un movimiento en los distintos fotogramas de una película, por la naturaleza de su funcionamiento, lo está descomponiendo en una serie de imágenes inmóviles temporalmente equidistantes, las cuales al ser proyectadas en forma intermitente y en rápida sucesión son apreciadas por nuestro cerebro como una reconstrucción del movimiento original y no como un veloz cambio de distintas imágenes estáticas. Éste el resultado del efecto de persistencia retiniana del ojo humano y permite captar el proceso como un movimiento real. Mientras en el cine de imagen tradicional analiza y descompone un movimiento real en 24 imágenes por segundo, en el cine de animación construye un movimiento inexistente en la realidad desde 24 hasta 8 imágenes por segundo. Entonces podemos decir que la base de la animación se encuentra en el movimiento detenido o en ingleses Stop Motion. Los comienzos de la Animación inician a partir de 1872 con los experimentos de Eadweard Muybridge, fotógrafo e inventor inglés, cuando el ex gobernador del Estado de California, Leland Stanford, para confirmar su teoría en la cual durante el trote largo o el galope, de que había un instante, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el suelo, convoca a Muybridge para demostrar que él tenía razón. Stanford ideó un sencillo experimento: experimento: este consistía en un método que fotografiaba al caballo en las diferentes etapas de su galope y que proporcionaría una vista completa de todo el trayecto recorrido, para lo cual Eadweard Muybridge debía captar con su cámara el movimiento del caballo. Muybridge pidió a los vecinos de la zona que le prestaran muchas sábanas de color blanco y las colgó en torno a la pista a manera de fondo, sobre el que destacara la figura del caballo y fotografió al caballo trotando a unos 35 km/h en el hipódromo de Sacramento pero sin lograr un resultado. Más adelante, en abril de 1873 logra producir mejores negativos, en los que fue posible reconocer la silueta de un caballo. Esta serie de fotografías aclaraba el misterio (le daba la razón a Stanford), pues mostraba las cuatro patas del caballo por encima del suelo, todas en el mismo instante de tiempo. Muybridge no trató de tomar las fotografías con una exposición correcta, pues sabía que la silueta era suficiente para poder definir la cuestión. Sus primeros intentos habían fallado porque el obturador manual era demasiado lento como para lograr un tiempo de exposición tan breve como precisaba. Así pues, inventó un obturador 3|Página

mecánico, consistente en dos pares de hojas de madera que se deslizaban verticalmente por las ranuras de un marco y dejaban al descubierto una abertura de 20 centímetros, por la que pasaba la luz. Con este sistema se lograba un tiempo de exposición record de 1/500 de segundo. El caballo en movimiento, encargó la búsqueda de un estudio fotográfico para poder captar todas las fases sucesivas del movimiento de un caballo. Los experimentos se reanudaron en el reformado rancho de Stanford durante 1878. Aunque con una exposición ligeramente insuficiente la serie resultante de fotografías mostraba claramente todos los movimientos de una yegua de carreras. Muybridge pintó los negativos para que sólo se viera la silueta de la yegua, cuyas patas adoptaban posiciones inconcebibles. El resultado fue una secuencia de 12 fotografías que se realizó aproximadamente en medio segundo. Gracias a este experimento, Muybridge ideó una nueva técnica en la que la pista para el motivo en movimiento tenía una longitud de unos 40 metros. En paralelo a ella había una batería fija con 24 cámaras fotográficas, y en ambos extremos de la pista, colocadas en ángulos de 90º y de 60º, había otras dos baterías de cámaras. En cada instante se disparaban sincrónicamente tres cámaras, una de cada batería. Se impresionaban placas secas a una velocidad de obturación graduable que podía regularse desde varios segundos hasta la altísima velocidad de 1/6000 de segundo, según la velocidad del motivo a fotografiar. En las primeras series los obturadores de las cámaras se disparaban por la rotura de unos hilos atravesados al paso del caballo u otro animal que se rompían al paso de este, cerrando contactos eléctricos que iban activando cada uno de los obturadores. Pero después Muybridge inventó un temporizador a base de un tambor rotatorio que giraba de acuerdo con la velocidad del motivo y que, en los instantes adecuados, enviaba impulsos eléctricos a las cámaras. Para Muybridge animar “Implica tomar un fotograma, modificar la imagen, tomar otro fotograma e ir creando el movimiento allí donde no lo hay.” Con la invención del paso de manivela, es decir, la filmación fotograma a fotograma, que permite en los intervalos de la filmación la alteración de la posición o la desaparición de los objetos situados delante la cámara, Segundo de Chomón 1 estableció los principios fundamentales de la animación. El hotel eléctrico (1908), quizá sea la primera animación de la historia, aunque la historia oficial, dice que este honor corresponde a La casa encantada (The haunted house), del inglés James Stuart Blackton. Años después, Emile Cohl 2, dibujante de comics, aplica los principios de animación al campo gráfico, en su película animada Fantasmagoria, abriendo camino en la fantasía y los mundos oníricos. Establece las bases de lo que con los años se convertiría en la poderosa industria de los dibujos animados. Winsor McCay, también dibujante de comics, dio al dibujo animado la técnica básica con la que se ha mantenido hasta el presente, pues los principios de la animación en papel, en acetato o por

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Segundo de Chomón: Director pionero del cine mudo y técnico de trucajes . Comparado con Méliès por su gran calidad técnica y creatividad, es considerado uno de los grandes hombres del cine. 2 Émile Cohl : dibujante francés, conciderado el padre de los dibujos animados. Cohl hizo " Fantasmagorie ". Primer película completamente animada, compuesta de 700 dibujos, cada uno de los cuales fue doble exposición (dibujos animados "en grupos de dos"), dando l ugar a una duración de casi dos minutos. Filmando líneas negras sobre papel blanco, y luego revertirtiendo el negativo para que se vea como una tiza blanca en una pizarra negro. 4|Página

ordenador, la forma técnicamente más avanzada del género, son exactamente los mismos; sólo cambian las apariencias. Más allá de los materiales puestos delante de la cámara (objetos, monigotes articulados, figuras de barro, siluetas o acetatos) la clave del género iniciado por Chomón, Blackton, Cohl y McCay reside en el mecanismo de control del paso de la manecilla de la cámara mediante el cual se podía trucar el tiempo y el movimiento de les imágenes. En el cine normal el movimiento de les imágenes es prexistente, la película tiene la facultad de registrarlo; cada fotograma es un instante congelado de este movimiento. En cambio, en el cine de animación el movimiento no existe previamente sino que se crea durante la proyección. De aquí la habilidad esencial requerida a un animador: saber imaginar el movimiento. Norman MacLaren lo expresó diciendo que el cine de animación es, sobre todo, "el movimiento dibujado, no unos dibujos que se mueven". Estos precursores del cine de animación son también los precursores de la animación por ordenador, que es la forma contemporánea del género. Los principios son exactamente los mismos; sólo cambian, se podría decir, las apariencias. La llegada de la computadora amplió notablemente la posibilidad de generar y manipular imágenes: podemos capturar movimientos de la realidad para animar personajes imaginarios (Motion capture), generar animaciones por algoritmos (animación 3d), entre muchas otras técnicas y el animador tiene el control total tanto del espacio -el objeto filmado- como del tiempo -el movimiento de las imágenes, pero no debe olvidar que la animación consiste en imaginar una acción y representarla. No sólo que algo adquiera movimiento, sino ser capaces de representar ese movimiento.

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Existen numerosas formas de animación, que dependen de la creatividad de los animadores y de la técnica o de los objetos que se utilicen.

Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por Bray y Hurd en la década de 1910. Usaron láminas transparentes sobre las que animaron a sus personajes sobre el fondo. Más tarde, la técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en computador, pues existen programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios.

Técnica de animación en la que se le da vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a escala, muñecos, sean articulados o de plastilina, mediante fotografía o filmación. Para ello se utiliza la grabación «fotograma a fotograma» o «cuadro a cuadro», cuyo iniciador fue segundo de Chomón con su llamado «paso de manivela» y consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. Se denomina animaciones de stop motion a aquellas que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. En la animación con plastilina o con otros materiales moldeables, las figuras se van transformando o moviéndose en el progreso de la animación paso a paso. Es un proceso muy laboriosos que requiere fidelidad a los tiempos determinados y a la credibilidad de los movimientos, en ocasiones ojos y boca de muñecos, para cuando sea proyectada a veinticuatro imágenes por segundo.

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Hay dos grandes grupos de animaciones stop motion: la animación con plastilina o cualquier otro material maleable, llamada en inglés claymation , y las animaciones utilizando objetos rígidos. La animación con plastilina puede hacerse al "estilo libre", cuando las figuras se van transformando en el progreso de la animación. Puede también orientarse a personajes, que mantienen una figura consistente en el transcurso de la película. Cuando lo que se animan son recortes, cartón, papel o fotografías, se llama Animación de recortes ( cut-out  animation). Mediante la técnica de stop motion podremos animar cualquier objeto, incluyendo juguetes, bloques y muñecas. Dicha técnica es también el medio para la producción de  pixilación o  pixilation, animación de la vida humana o animal. Ejemplos de ello son las películas de Mike Jittlov  como asistente en The wizard of speed  and time (1980), el largometraje del mismo nombre (1987-89), el corto francés de 1989 Gisele Kerozene por Eisa Cayo y Jan Kunen, y algunos trabajos del animador escocés Norman McLaren.

El go motion es una variante del "stop motion", por el que aplicando un sistema de control a muñecos se les induce a realizar movimientos mientras se registra la animación fotograma a fotograma. Como resultado se produce un "efecto de blur"  sobre las partes en movimiento que aumenta la sensación de realismo. Una variación del stop motion es la animación gráfica de fotografías (en su totalidad o en partes). Algunos ejemplos son Frank Film y Braverman's Condensed Cream of Beatles (1972). Los orígenes de esta técnica se funden con la propia historia de la cinematografía. Hay que destacar que uno de sus pioneros fue un español, Segundo de Chomón, quien en 1908 dio cuenta de esta técnica en El hotel eléctrico. Hay que destacar también al cineasta ruso Ladislaw Starewicz, quien en el año 1912 realizó la película "La venganza del camarógrafo", donde se narra la historia de una familia de escarabajos que se destruye a causa de la infidelidad entre sus cónyuges. Otro destacado pionero en esta técnica fue Willis O'Brien, quien animó King Kong en 1933. Su alumno Ray Harryhausen hizo un gran número de películas con la misma técnica. El stop motion fue una técnica muy utilizada en la Europa del Este: Jirí Trnka, Hermina Tyrlová, Jan Svankmajer, nombramos éstos, entre muchos otros grandes creadores. 7|Página

En los ochenta, la técnica fue usada por Tim Burton, que creció viendo las películas con los efectos especiales de Ray Harryhausen. Burton utilizó dicha técnica en sus cortos para Disney, de los cuales Vincent es el primero y en 2005 Corpse Bride (en español, La Novia Cadáver ) Vale destacar que también a principios de los noventa Tim Burton participó como productor de The Nightmare Before Christmas, película basada en sus creaciones artísticas, del director Henry Selick, quien a su vez dirigió Coraline, bajo la misma técnica en 2009. El stop motion ha sido usado en los trabajos de Aardman Animations, incluyendo Wallace and  Gromit , su secuela y Chicken Run. Pascual Pérez, Sam Ortí, Yago Álvarez, son algunos de los animadores que han trabajado en producciones de Aardman Animations.

La técnica de «recambio de piezas», «replacement animation» (animación por reemplazamiento, o por sustitución). El sistema de captura es básicamente el mismo que el del stop-motion convencional, pero los muñecos empleados aquí, normalmente tallados en madera, no poseen partes móviles, sino piezas intercambiables. Consiste en crear tantas piezas como movimientos o expresiones vaya a necesitar el personaje. Un ejemplo fácil de comprender es diseñar diferentes cabezas   –con una sonrisa, triste, enfadada…- e ir colocando la cabeza que corresponda en el momento adecuado del plano. Las piezas se elaboran previamente siguiendo la animación esbozada en papel, y luego en vez de mover los miembros de los muñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esa forma un sencillo movimiento podría requerir una gran cantidad de piezas, en torno a las 20.

El termino Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y su socio Dave Bader, se compone de los términos puppet  –marioneta- y cartoons  –dibujos animados-. Ya que se trataba de animar las marionetas siguiendo la técnica clásica de animación de los dibujos, o sea, una figura del personaje diferente para cada fotograma.

Se denomina así al que directamente se dibuja, raya, se pinta o se compone sobre el mismo celuloide.Len Lye, neozelandés, fue un pionero. En ocasiones, como en el caso de Norman Mclaren, dibujaba también la banda sonora.

Se denomina pixilación a una variante del stop-motion, en la que se animan personas u objetos cotidianos. Para ello se fotografía repetidas veces desplazando ligeramente el objeto. En el caso de personas se suprimen secciones de una filmación con el fin de crear una sensación diferente. Norman McLaren fue pionero de esta técnica (utilizada con anterioridad por Emile Cohl), empleada en su corto animado A Chairy Tale, en el que da movimiento una silla o su cortometraje Vecinos, Neighbours (1952), en el que dos personas realizan movimientos muy complicados. Norman McLaren también experimentó con el dibujo directamente sobre el celuloide, tanto de las imágenes como la realización de la misma banda sonora.

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Disney animó a Blancanieves en momentos de cierta complicación, bajada de escaleras, bailes, y a otros personajes sobre la filmación de personas reales. El equivalente en infografía es la técnica llamada motion capture.

Es un proceso de creación de dibujos animados que disminuye la cantidad de cuadros por segundos. En vez de realizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchos de esos cuadros son duplicados, se usa arte abstracto, simbolismo, repetición de fondos y de movimientos para crear el mismo efecto por lo que el dibujo se hace más imperfecto, pero abarata mucho los costes. Un ejemplo característico son los Picapiedra.

Flash es un programa de edición multimedia con varias finalidades crear animaciones, contenido multimedia, juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de hecho muchas productoras están en la actualidad realizando trabajos de animación en 2-D con este sistema para páginas web y sitios web multimedia.

Hace referencia a un tipo de animación que simula las tres dimensiones. se realiza mediante un proceso denominado renderización, que generar una imagen de 2D desde un modelo de 3D. Así  podría decirse que en el proceso de renderización, la computadora «interpreta» la escena en tres dimensiones y la plasma en una imagen bidimensional.

Consiste en trasladar al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real. Una película realizada con esta técnica fue Final Fantasy, en 2002, de Hironobu Sakaguchi que, aunque fracasó comercialmente, quedará como una herramienta con la que investigar en el futuro.

La «Performance Capture» es un avance reciente de las técnicas de captura de imagen por ordenador. Se podría traducir como captura de la interpretación, cuando la «Motion Capture», el sistema anterior, en el que se basa, era la captura de algunos movimientos del cuerpo mediante sensores que son interpretados por un ordenador.

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El modo más simple y sencillo de contar una historia con imágenes en movimiento es por medio del teatro de sombras. Se atribuye a China el origen de este espectáculo que se inició en el siglo II a.C. y llegó a Europa a fines del siglo XVII d.C. La linterna mágica surge en el siglo XVII. Los vendedores que recorrían pueblos de Europa fascinaban al público con proyecciones que realizaban con este aparato sobre telas blancas. Iluminaban con una vela y a través de una lente ampliaban ilustraciones pintadas a mano sobre placas de vidrio. A lo largo del siglo XIX surgieron diferentes inventos que generaban la ilusión de movimiento en imágenes. El más trascendente fue el zoótropo inventado por William Horner (1835), un tambor giratorio con ranuras en cuyo interior se colocan tiras de papel con imágenes que recrean una acción específica. Cada dibujo representa una imagen independiente del movimiento del sujeto. Cuando se hace girar el aparato, vemos las imágenes en rápida sucesión. Basados en el mismo sistema, se conocen el praxinoscopio de Emile Reynaud y el taumátropo (o rotoscopio) de John Ayton Paris. Joseph Plateau prepara el fenaquistiscopio. Para lograr la imagen de movimiento en ilustraciones realizadas sobre un disco, deberemos hacerlo girar frente a un espejo, mientras se mira por una de las ranuras. Plateau descubre que el número de imágenes necesario para lograr una ilusión de movimiento óptima es dieciséis. Justamente ése era el número de fotogramas que utilizaron los primeros cineastas. El concepto de dibujo animado comenzó a tomar forma en 1852 gracias al proyector fenaquistiscópico. Combinando un disco fenaquitoscópico con una linterna, Franz Von Uchatius consiguió proyectar sobre una pantalla la ilusión de movimiento. Entre los años 1892 y 1900, Emile Reynaud proyectó dibujos animados con su teatro óptico, consiguiendopor primera vez, que un grupo de espectadores observara simultáneamente las imágenes. Para lograr esto, Reynaud comenzó a perfeccionar el zoótropo, buscando, mediante la combinación de pequeños espejos situados en el interior del tambor y con la eliminación de las fisuras, hacer más flexible el movimiento aparente de las figuras en cuestión. Posteriormente, 10 | P á g i n a

creó el denominado teatro praxinoscópico, todavía al servicio de un solo espectador. Situaba la acción del personaje en el centro de una escenografía. A través de una complicada e ingeniosa combinación de espejos, el espectador, observando por una abertura situada sobre la cobertera abierta del “pequeño teatro”, podía ver en miniatura un escenario sobre el cual se movían étereas

figuras luminosas. Obsesionado porque su invento pudiera ser admirado por varios espectadores en simultáneo, Reynaud combinó su praxinoscopio con una linterna mágica provista de dos lentes separadas para la proyección: a través de la primera lente fijaba sobre una pantalla la escenografía dibujada; mediante la segunda lente proyectaba el movimiento de las figuras. Los avances ya estaban en la antesala de lo que habría de denominarse teatro óptico. Para alcanzar esa meta, se preocupó por dibujar sus figuras sobre cintas de celuloide transparentes, en las cuales había practicado perforaciones laterales, y luego las proyectaba junto con la escenografía; esta última mediante una linterna mágica desde la parte opuesta de la pantalla transparente. Reynaud fue el primero en conseguir abandonar la vía del mero movimiento de las figuras dibujadas para insertarlas en una estructura visual con un argumento escueto. Músicas que él mismo componía y algunos efectos sonoros acompañaban, sincrónicamente, las proyecciones de su teatro óptico. En 1877, el ingeniero mecánico J. D. Isaacs y el fotógrafo Eadweard Muybridge dieron un paso importante en el análisis fotográfico: montaron en serie unas cámaras oscuras comandadas mecánicamente para registrar veinticuatro imágenes del galope de un caballo.

“Muybridge pudo realizar un análisis visual del movimiento del caballo en una secuen cia de

imágenes instantáneas relacionadas inequívocamente. Esta es la esencia del funcionamiento de una cámara de cine: cuando registra un movimiento en distintos fotogramas de una película, en realidad lo descompone en una serie de fases i nmóviles temporalmente equidistantes.”7

El inconveniente para este fotógrafo era que las imágenes resultaban discontinuas. Entonces, montó sus placas sobre una cinta y con una fuente de luz pudo proyectar, en 1881, sus sombras sobre una pantalla. El desafío ante tantos avances tecnológicos radicaba, en ese momento, en el perfeccionamiento en términos mecánicos (relativos al registro y la proyección regulares de las imágenes) y químicos 11 | P á g i n a

(fotografía instantánea de esas imágenes). En 1889, Etienne Marey y Louis Le Prince realizaron grandes progresos en términos mecánicos, mientras George Eastman y Thomas Edison dieron un verdadero salto en lo químico, gracias a la nitrocelulosa, con la cual fabricaron una película fotográfica muy sensible, elástica y transparente a la luz. Esta película (a la cual llamaron  film) podía cerrarse en rollos al interior de la cámara oscura, con lo cual hacía posible una toma larga de instantáneas. En los últimos años del siglo XIX, muchos son los que buscan soluciones a los inconvenientes mecánicos y ópticos: Edison, Le Prince, Friese-Greene, Demeny, Latham, Le Roy, Jenkins, Armat, Skladanowsky y, por supuesto, Auguste y Louis Lumière. También, en esa época, se construyen recintos para realizar espectáculos totalmente novedosos. El mérito de los hermanos Lumière está en haber diseñado un aparato muy simple, capaz de registrar y proyectar los filmes con un máximo desconocido de perfección, gracias a un sistema óptico-mecánico con movimiento intermitente. Este aparato, fácilmente regulable, comprendía una cámara con un pequeño mecanismo para el arrastre del film, y un proyector. La exposición de las imágenes estaba reducida al ritmo de 16 cuadros (o fotogramas) por segundo, límite teórico ideal adoptado hasta el final de la era del cine mudo. Más tarde, con el cine sonoro, cambiará a 24 cuadros por segundo. En 1828, Joseph Plateau (Belgica, 1801-1883) estableció que una impresión luminosa recibida sobre la retina persiste 1 de segundo después de la desaparición de la imagen; concluye que imágenes que se suceden a más de 10 por segundo dan la ilusión del movimiento (el descubrimiento del principio de persistencia de las impresiones retinianas se remonta al siglo II.). Dos personas, no se sabe quien lo hizo antes que el otro, inventaron las primeras ruedas de este tipo en 1832. Simon Ritter von Stamfer, de Viena, en Austria, que le llamó Stroboscopio, y el mismo Joseph Plateau, que le llamó Phenakistoscopio. Estos fueron los primeros instrumentos capaces de crear la impresión de una imagen que se movía realmente. Mientras tanto, nació la fotografía, sin la cual no existiría el cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a sustituir a los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas. A medida que la velocidad de las emulsiones fotográficas aumentó, fue posible fotografiar un movimiento real en vez de poses fijas de ese movimiento. En 1877, el francés Émile Reynaud, logró mayor flexibilidad en el movimiento aparente de las figuras con el Praxinoscopio, un tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en la pared interior del tambor que al girar parecían cobrar vida. Lo aplicó al «teatro praxinoscópico» en el a través de una combinación de espejos se movían tenues figuras luminosas. Permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público, y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892, tres años antes de la primera sesión pública de cine,hasta finales del siglo XIX. Las representaciones se hacían en el Museo Grévin de París con películas que duraban unos 10 min. y en las que empleaba ya las bases de la moderna animación, dibujando los personajes sobre papeles transparentes para evitar la repetición de fondos.

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James Stuart Blackton

El año oficial del nacimiento del cine es el 1895, pero el nacimiento del cine de animación se produjo unos diez años más tarde, en 1905. Fue ese año cuando Segundo de Chomón realizó El hotel eléctrico, 1905, quizá la primera animación de la historia, aunque la historia oficial, escrita sobre todo por anglosajones y franceses, dice que este honor corresponde a La casa encantada, The haunted house, 1907, del inglés afincado en los Estados Unidos James Stuart Blackton. En 1907, Chomón realizó para los hermanos Pathé, Los Ki ri ki, uno de los primeros films coloreados con un sistema ideado por el propio Chomón. Lo cierto es que el honor del primer film de animación se lo disputan los cineastas Stuart Blackton (EEUU), Segundo de Chomón, español, y Emile Cohl, francés. James Stuart Blackton (1875-1941), ilustrador y

Segundo de Chomón

periodista, rodó en 1900 The enchanted drawing, una de las primeras producciones de animación, muy imitada por sus contemporáneos, en la que realizabadibujos de rostros rápidamente en una pizarra, donde los personajes cambiaban de expresión por medio de trucos de sustitución. En 1906 realizó Humorous Phases of Funny Faces, por algunos considerado el primer dibujo animado de la historia, puesto que los movimientos de los personajes se consiguen por la sucesión rápida de los fotogramas. En un cortometraje Haunted Hotel, 1907, puede verse una mesa bien servida en la que los cubiertos se mueven solos, en donde se utilizó la técnica del stop motion e se introdujo la animación de objetos en tres dimensiones. A ese film le siguió otro, The Magic Fountain Pen,1909, en el que una pluma animada con vida propia traza dibujos sobre un folio blanco. Blackton tenía grandes contactos con con Albert E. Smith, Edison y los fundadores de la Vitagraph. Segundo de Chomón (1871-1929). El gran invento

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de Chomón fue el mecanismo de control del paso de la manivela de la cámara mediante el cual se podía trucar el tiempo y el movimiento de les imágenes.Fue el punto de partida de todo el cine de animación y en el que se sustenta hasta la actualidad. A partir de este descubrimiento (stopmotion), desarrolló un aparato la «cámara 16», que filmaba imagen por imagen con la que realizó sus más arriesgados proyectos. Hizo El hotel eléctrico, producida en 1908 por la Pathé, tal vez inspirada en El hotel embrujado (1906) de Stuart Blackton. Entre lo más significativo de la obra de Chomón en cuanto a la animación está La poule aux oeufs d'or (1905), basado en la fábula de La Fontaine, en los que figura un cuadro de gallinas que se convierten en bailarinas gracias al paso de manivela, un huevo transfigurado en murciélago y otro que alberga la cabeza de un demonio. En La maison hantee (1906) narra una pesadilla mediante transparencias y sombras chinescas, en Le Theatre du Bob(1906) utiliza muñecos articulados que luchas a esgrima, boxean, y hacen gimnasia. En muchos otros film Chomón utilizó su creatividad para trucar utilizando sus sistemas de paso de manivela, coloreado y otros.

Emile Cohl

George Méliès

Cecil Hopworth

Emile Cohl. Fue dibujante de cómics. Desde 1908

realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, viendo los trabajos de Chomón, Méliès y Blackton, sobre todo La casa encantada de este último, e imaginó nuevas posibilidades para aquel tipo de cine. Con la misma técnica del registro fotograma a fotograma, realizó Fantasmagorie (La pesadilla de Fantoche), film que tiene el valor de abrir la animación al campo del grafismo y que se considera la primera película de dibujos animados y el primer personaje al cual se le consagraría más de un filme. Entre 1908 y 1921, Cohl realizó 250 animados, todos inspirados por la filosofía del grupo de Los Incoherentes, quienes estaban convencidos de que la locura, las alucinaciones, los sueños y las pesadillas eran la mayor fuente de inspiración estética. Combinó personajes de carne y hueso con 14 | P á g i n a

Charles Bowers, y los dibujos de Harry Fisher

animados en Clair de lune espagnol, realizó en Estados Unidos la serie de los Snookums, y de regreso a Francia, en 1918, Los pies niquelados. También hizo Los alegres microbios (1910-1911), La lámpara que humea, filmes de trucos a partir de conferirle falsa movilidad a los objetos, Las cerillas animadas, y una versión de Fausto con muñecos. (1874-1944), utilizaba el stop motion para hacer que bustos y estatuas aparezcan riéndose y hasta fumando, en The Sculptor’s Nightmare. Pero su popularidad se debe a dos grandes cualidades: sus continuos experimentos durante las filmaciones o toma de fotografías que marcaron el camino de futuros directores y directores de arte y su asociación con Griffith. A Bitzer, considerado el primer director de fotografía de la historia del cine, se deben numerosos inventos técnicos y procedimientos de filmación que hicieron avanzar el lenguaje cinematográfico. Billy

Wladislaw Starewicz

Bitzer,

Pat Sullivan y Otto Messmer

George Méliès (1861-1938). Utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de

animación. Fue un famoso Mago a fines del XIX y llevó a la pantalla alguno de los trucos que le hicieron popular en los escenarios. Algunas de sus películas de este periodo ofrecen trucajes conseguidos al rodar ciertas escenas fotograma a fotograma. Cecil Hopworth (1874-1953), en el RU. dirigió The Electricity Cure, primera de una serie cuyos

títulos son suficientemente expresivos: The Electrical Goose (1905), The Electric Hotel (1906), The Electric Belt(1907), Liquid Electricity (1907), The Electric Servant (1909) y The Electric Vitaliser (1910), plagados de efectos de animación. Pionero indiscutible de los dibujos animados fue Winsor McCay que era caricaturista y autor de cómics en el New York Herald y que se sintió atraído por el espectáculo cinematográfico, por lo que comenzó a experimentar con los dibujos animados. Realizó todos los dibujos del film Little Nemo (1911), que el llevaron cuatro años. inspirado en su historieta Little Nemo in Slumberland. Hizo también Gertie the dinosaur (1914), que realizó él mismo cartón por cartón, y que contenía diez mil cuadros. El filme consolidó su técnica de animar los movimientos intermedios entre dos posiciones extremas. Jersey Skeeters(1916), El hundimiento del Lusitania (1918) y The dream of a rarebit friend (1921), títulos esenciales en la historia de estas técnicas. 15 | P á g i n a

John Randolph Bray (1879-1978) fue el primero en darse cuenta de las posibilidades industriales

del dibujo animado. En 1903 creó la serie Little Johnny and His Teddy Bears. Fundó unos estudios y produjo varias películas, entre las que destaca Colonel Heeza liar's african hunt (1914). Fue quien desarrolló la técnica de acetato trasparentes superpuestas (Cel-Systems), que fue una revolución en la realización de dibujos animados y que se ha mantenido hasta la era de la informática. El cel systems es atribuido a Bray y también a Earl Hurd. Ambos se unieron y formaron la Bray-Hurd Process Company. En 1919 dirigió el primer animado bicromático The Debut of Thomas Cat, pero el procedimiento se juzgó demasiado caro para uso comercial. El personaje de Krazy Kat, un divertido felino creado en 1910 por George Herriman para una de las principales cabeceras de Hearst, el New York Journal, pasó a formar parte del mundo del cine en 1916, en que se realizaron varios cortos, de unos tres minutos de duración, acerca del personaje. Poco después, influidos por el éxito de este felino, un ejecutivo de la compañía Paramount Pictures, John King, contrató a dos dibujantes de cómics, Pat Sullivan y Otto Messmer para que realizaran una película protagonizada por un personaje inventado por Sullivan, el gato Félix. Su primera película fue Feline Follies (1918). Dignos de reseñar son Arnaldo Ginna, 1890-1982, pintor, escultor y director de cine italiano, que creó la técnica de pintar directamente sobre celuloide, que luego adoptarán Len Lye y Norman McLaren. Opinaba que el color y las formas podían mostrarse igual que los motivos musicales de una pieza. Wladislaw Starewicz, en La venganza del camarógrafo (1912), una obra maestra del stop motion con figuras en tercera dimensión, en este caso escarabajos disecados. Wladislaw Starewicz, llamado en Francia Ladislas Starewitch, realizó en Francia en 1927 La cigale et la fourmi y La reine des papillons. El canadiense Raoul Barre fundó su propio estudio y desarrolló una técnica de animación basada en el rasgado y recortado para lograr diversos niveles en la imagen. Charles Bowers, llevó a la pantalla las historietas creadas por Harry Fisher para diversos periódicos, en Mutt and Jeff (en español Benitín y Eneas), que se mantuvo como figura protagónica del dibujo animado hasta bien avanzados los años veinte. La serie incluyó unos 500 animados, y finalizó en 1928. En España, tras los experimentos de Segundo de Chomón, la primera película íntegramente animada española, fue El Toro Fenómeno, de diez minutos de duración, realizada en 1919 por Fernando Marco, cinta que podría haber sido la primera de una prometedora serie que nunca se produjo dadas las dificultades de explotación con las que tuvo que enfrentarse su autor.

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“El apóstol” es el primer largo animado de la historia del cine mundial y fue realizado en nuestro

país. Estrenado en 1917, es una sátira que mostraba al entonces presidente Hipólito Yrigoyen subiendo al cielo a pedirle consejos a Jehová para gobernar. Su autor fue Quirino Cristiani, un italiano que vivía en nuestro país desde los tres años. En 1914 Cristiani trabajaba como caricaturista del diario Última hora. Gracias a este empleo conoció al cinematografista y productor Federico Valle, quien le encargó “caricaturas animadas” para su noticiero semanal 3

“Actualidades” . Para poder cristalizar el ambicioso proyecto “El apóstol”, Cristiani y Valle convocaron a Guillermo

Franchini, dueño de las con fiterías Richmond de Florida y del “Select Suipacha” en la oscura e intransitada calle Lavalle. Franchini les posibilitaba la segura exhibición del film, teniendo en cuenta que el guión era una aguda crítica al gobierno y la animación era desconocida para el público. Cristiani contó con la colaboración de varios dibujantes importantes de la época: Manuel Costa, Carlos Espejo y Vicente Cáceres. Diógenes “El Mono” Taborda, caricaturis ta del diario Crítica, estuvo a cargo del diseño de personajes. Valle contrató al arquitecto Andrés Ducaud para reproducir en una maqueta de siete metros de ancho la ciudad de Buenos Aires desde el puerto, con la presencia de sus edificios más destacados: la Aduana vieja, el palacio de Obras Sanitarias, el teatro Colón, el Congreso, el Consejo Deliberante, entre otros. Sobre el final del largometraje, Yrigoyen lanza rayos sobre la ciudad para destruirla. El efecto resultó tan impactante que el público, luego de ver la película, se acercaba a los edificios para ver si seguían en pie. “El apóstol” fue pionera en la realización de rotoscopía. Esta técnica consiste en filmar actores y luego realizar dibujos sobre esa referencia. Mediante la rotoscopía los animadores pudieron lograr que Yrigoyen bailara un tango, dibujando sobre la filmación de una pareja real de bailarines. Se realizaron 58.000 dibujos en 1.700 metros de película. La duración total fue de 70 minutos. El siguiente proyecto de la Cinematografía Valle fue la realización de un largometraje de animación con muñecos: “Una noche de gala en el Colón” (también conocida como “La Carmen criolla”). Para ese film, Ducaud preparó una reproducción a escala del Colón y las cabezas de los

personajes fueron hechas en plastilina por escultores que siguieron el diseño de caracterizaciones de Diógenes Taborda.4 Incendios en la Cinematografía Valle impiden que hoy podamos apreciar, y disfrutar, estas obras pioneras de animación. 3

Recuerda Cristiani: “Un buen día Federico Valle me dice: `Sus dibujos son muy comentados. Pero como el cine es movimiento, tiene que darle movimiento a sus dibujos...´ Lo estudié mucho y le aseguro que me quitó horas de sueño. Pero al final lo conseguí. Recorté la figura del entonces presidente Yrigoyen y filmé fotograma por fotograma mientras iba moviendo la figura. Cuando Valle lo ve, dice: ´Sí, es algo movido, pero en realidad parece que estuviese patinando.´ ¡La Madonna Santa! Era fácil decirlo pero difícil hacerlo... Bueno, entonces decidí cortar la figura en sus trozos anatómicos y las cosí con hilo. Lo filmé cuadro por cuadro moviendo las partes y así fue como Yrigoyen comenzó a moverse.” Reportaje publicado en la Revista Fierro , 1984. 4

La animación de muñecos se realizó cuadro por cuadro, en algunas partes aparecían más de 100 muñecos en escena. Existe sólo un antecedente en la utilización de esta técnica de animación: un cortometraje sobre muñecos originales del artista Horacio Butler, de la misma Cinematografía Valle.

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Cuando Walt Disney visitó la Argentina por el estreno de “Fantasía” en 1942, se sor prendió con la

nueva obra de Cristiani “Peludópolis” al descubrir que fue realizada sin contar con personal a cargo: “Cuando Disney vio un fragmento en la salita de pro yección, me preguntó en cuánto tiempo y con qué personal  –con qué equipo – había hecho esa película. ´¿Qué equipo ni qué personal?´, le contesté. ´Yo hice todo, no sólo la creación de los personajes sino también los dibujos. La única ayuda que tuve fueron dos señoritas que recortaban los cartones. Después armé todo y lo filmé.´ ´No puede ser´, me dijo, ´no es posible, nosotros para hacer una película necesitamos por lo menos veinte dibujantes´. Y allí mismo me ofreció trabajo... Yo le dije que no podía... Entonces, le comenté que conocía a un buen dibujante que podía ir en mi lugar y así fue que lo llamé por teléfono a M olina Campos, que era amigo mío...”5 Ese mismo año, Florencio Molina Campos (1891-1959), artista plástico recordado por las célebres series de pinturas de almanaque para Alpargatas, es convocado como asesor de Disney para los filmes de animación “El gaucho reidor”, “Goofy se hace gaucho” y “Saludos amigos”.

En esa misma época, Dante Quinterno se contactó con los Estudios Disney. Su propósito era dar vida animada a su personaje estrella: el indio Patoruzú. Así surgió el primer film animado en colores de nuestro país, “Upa en apuros”, realizado por un equipo de más de 70 personas.6 Si bien Disney marcaba la tendencia mundial en animación, a partir de 1948 las nuevas técnicas fueron adoptadas especialmente por animadores independientes. No sólo se usaban elementos figurativos. En sintonía con el arte mundial, las formas geométricas intervinieron en las obras de animación incorporando también nuevos procesos de experimentación. Se utilizaron pintura directa sobre la película, raspado de material velado, geometrías sincronizadas con la música, entre otras técnicas. La influencia de Norman McLaren fue fundamental. En la década del 60, Luis Brass  –oriundo de Santa Fe – desarrolló una obra personal a partir del legado de McLaren. Tomaba película velada, la coloreaba, pegaba hilos y recortes de otros objetos sobre el film, y no se detenía hasta apreciar un valor plástico en lo que producía. Desgraciadamente, no existen copias de las obras realizadas en ese período. Un dibujante logró organizar un estudio de animación capaz de hacer redituable el campo de la animación en la Argentina: fue el español Manuel García Ferré. Su personaje Anteojito fue originalmente ideado para una publicidad de lanas. Desde 1967 realizó más de cuarenta capítulos de media hora en televisión para el primer superhéroe argentino: Hijitus. En la zona de Congreso montó su estudio de animación con los últimos adelantos tecnológicos y rodeado de un equipo de 120 personas dirigió: “Mil intentos y un inventos”(1972); “Las aventuras de Hijitus” (19 73); “Petete y Trapito” (1975); “Ico, el caballito valiente” (producida en 1981, pero se estrenó recién en 1987 porque fue censurada por la dictadura militar); “Manuelita” (1999) y “Corazón, las alegrías de Pantriste” (2000). La obra de García Ferré es co herente en la temática  –ligada

esencialmente a un público infantil – y en los criterios estéticos de realización. Por supuesto, ésta es una breve reseña de algunos hitos en la historia de la animación en la Argentina. Una historia rica que desde sus inicios dejó su huella en el mundo.

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Reportaje publicado en el diario Clarín , 1984.

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Los principales animadores fueron Tulio Lobato y Oscar Blotta; entre los intermediadores se encontraban Víctor A. Iturralde Rúa, Alberto del Castillo, José Gallo, R. Bonetto, J. Romeu, E. Ferro, y L. Destuet. Los fondos fueron dibujados por el plástico Gustavo Goldschmidt, y Melle Weersma condujo una orquesta de 50 músicos para la banda sonora.

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El dibujo animado fue siempre a la par con las técnicas de animación, ya en 1914 el pintor franco-rusofinlandés Leopold Survage, compañero de alojamiento y correrías de Modigliani, convenció a la compañía Gaumont, para que el financiara una serie de películas de dibujo abstracto, semejante al dibujo animado. El alemán Hans Richter, tal vez influido por el anterior, realizaba cortometrajes experimentales abstractos, como Rhythmus 21 (1921). La animación norteamericana se concentró en Nueva York hasta finales de los años veinte y principio de los treinta. La Guerra Mundial abatió las escuelas de animación y preparó el predominio norteamericano, una situación que se confirmó luego de la II Guerra Mundial. Lotte Reiniger, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del teatro de sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como Las aventuras del príncipe Ahmed (1926), el primer largometraje de dibujos animados que se conserva. (El primer largometraje de animación fue mudo y argentino, El Apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la fabricación de peines. En Suecia, en 1916, se realizó la serie Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl. El británico Anson Dyer, realizó John Bull’s Animated Sketchbook (1920), Three Little Pigs (1922) y Little Red Riding Hood (1923). Windsor McCay, en 1918, realizó el que es considerado el primer documental animado, The Sinking of the Lusitania, con 25 000 cuadros, en un estilo muy realista, en el que debió poner documentación e imaginación para relatar un hecho en el que no había imágenes fotográficas. En las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie diagonale (1921-24),

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Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl.

Lotte Reiniger

Seitarou Kitayama

deVicking Eggeling, mediante recortes en estaño creaba relaciones rítmicas entre formas y líneas geométricas simples mediante la proporción, las relaciones numéricas y la intensidad lumínica, a partir de las cuales surgía algo así como una música lumínica para los ojos. Es de destacar igualmente Emak Bakin (1926), de Man Ray, dadaísta y más tarde uno de los fundadores del surrealismo. Ambos abrieron un camino que, con el tiempo, seguirían otros cineastas. En Japón, a partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la historieta o de las artes plásticas, surgió un interesante movimiento de animación que se inició con algunos experimentos en el año de 1914, pero fue en 1917 Oten Shimokawa, quién realizó el primer corto animado de 5 minutos titulado Imokawa Mukuzou (El Portero). También e 1917, Junichi Kouchi realizó un corto tituladoHanahekonai Meitou no Kani (El sable nuevo y flamante), y Seitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen (La guerra de monos y cangrejos). Kitayama, trabajó en animación hasta que en 1918 logró el primer éxito mundial de la animación japonesa con Momotarou (El Chico Durazno). Noburu Ofuji, en 1927, realizóKujira, La ballena en papel semitransparente, cuyo resultado recuerda las siluetas de Lotte Reiniger. En 1952 rodó remake de La ballena. Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del pulpo, 1927, donde recreó un mundo de animales antropomórficos. En 1931 Kenzo Masaoka realizó sonora, Chikara to onna no yo no naka, El mundo del poder y de las mujeres, primer animado sonoro japonés, en el que utilizó parcialmente celuloide, muy caro en Japón en aquellos momentos. En 1935, Mitsuyo Seo, uno de los grandes pioneros en animación del país, que había sido dibujante para Kenzo Masaoka, realizó varias películas propagandísticas en torno al conflicto chino-japonés Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir del cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disney y Ub Iwerks (quien diseño a 20 | P á g i n a

Betty Boop

Mickey), comprendieron la importancia de los dibujos animados en el cine y, a pesar de su dificultad y los riesgos económicos, apostaron por esa vía cinematográfica. El éxito de Mickey Mouse, protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva a investigar y a superar las miles de dificultades, aplicar sonido y efectos de todo tipo, combinar personajes animados y actores reales, que consiguen con la serie de cortometrajes que inicia Alice in Wonderland (1923), y que que perfeccionaron con el tiempo, sobre todo al inventar la cámara multiplano, desarrolada por Iwerks, que siempre estuvo más preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, fundamental para obtener una profundidad de campo, que sirvió para aumentar el realismo de la producción de dibujos animados en el futuro. Fue Blancanieves y los siete enanitos (1937), una de las primeras películas de dibujos animados de metraje largo, la que hizo conocer en el mundo entero la posibilidad del dibujo animado como cine que podía competir con cualquier otra película. En los mismos tiempos, los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en las pantallas con Disney, con personajes tan populares del comic norteamericano como Betty Boop y Popeye. En 1916 comenzaron la serie Out of the Inkwell (Fuera del tintero), protagonizada por el payaso Koko, que se hizo hasta 1930. En largometraje hicieron Los viajes de Gulliver, Gulliver's Travels (1939), en el que utilizaron elrotoscopio, un aparato inventado por ellos en 1915, con el que mejoraban los movimientos de los dibujos animados y que fue utilizado posteriormente por muchos animadores. El rotoscopio permite diseñar imágenes a partir de referencias filmadas en vivo y reimprimir la película y, por tanto, que aparezcan   juntos personas y objetos reales con dibujos animados. Disney lo utilizó en Blancanieves y los siete enanitos y puede ser considerado un precursor de la técnica de captura de movimiento digital. Los Fleischer realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity (1923) y Darwin’s Theory of  21 | P á g i n a

Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor

El pájaro loco

 Alexandre Alexeieff y la animación con alfileres

Evolution (1925), películas didácticas. En 1924, los hermanos Fleischer le dieron forma a The Song CarTunes, donde se animaban canciones de moda, con el texto subtitulado y una bolita que permitía seguir la letra por donde iba el cantante. En 1930 presentaron el personaje de Betty Boop en Dizzy Dishes,creado por Grim Natwick, el mismo que animó a la Blancanieves de Disney. En 1937 realizaron Popeye The Sailor meets Simbad the Sailor, rodada en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres dimensiones sobre los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En 1939 realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr. Bug goes to Town (1941). A principios de los cuarenta hicieron la serie de Superman, en la que introdujeron abstracciones y una serie de elementos realistas.

Iván Ivanov-Vanó

Berthold Bartosch, L'Idée

Paul Terry, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su serie más famosa:Aesop’s Film Fables. y sobre todo a partir de

los años veinte, en la Paramount: Ugly Ducking (1925),Dinner’s Time (1928), el primer dibujo animado sonoro, Queen Bee (1929), The Bull Fight (1935), The Mouse of Tomorrow (1942). Produjo cerca de 1.300 dibujos animados hasta 1955, entre ellos los Terrytoons. Walter Lantz, autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los Estudios Bray y posteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados, primero para el cine y más adelante destinados a la televisión. Uno de los personajes más conocidos de Walter Lantz es el Pájaro Loco. En 1924 produjo la serie de Dinky Doodles. Más tarde con la Universal, convirtió en héroe al conejo Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sido creado por Disney pero perdió los derechos sobre su comercialización. En 1925, Willis O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla, con la técnica del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas importantes, la más famosa de ellas el 22 | P á g i n a

Oskar Fischinger

Puppetoons

gorila a animado de King Kong que, aunque aparentaba en la gran pantalla una altura de quince metros, era en realidad un muñeco articulado de alrededor de 45 centímetros de envergadura. King Kong, 1933, fue dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. El neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935), una técnica retomó Norman McLaren, otro influyente autor de cortometrajes experimentales. Por su parte, el ruso Alexander Ptushko empleó personas y marionetas flexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936)

Len Lye. Free Radicals Lye

Bobe Cannon,, Robin Hoodlum Ub Iwerks, separado de Disney, abrió su propio estudio en 1930, adaptó el cuento The Brave Tin Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor Cartoons. Más tarde pasó a la Warner (hasta1940). Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933), Don Quixote (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp(1934), Humpty Dumpty (1935), The Three Bears (1935), Ali Baba (1936), The Frog Pond (1938) y otros. Las Silly Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes, fueron imitadas en varias ocasiones. En 1930 nacieron los Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in the Bathtub.Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de Disney y, dirigidos por Leon Schlesinger crearon los Looney Tunes. En 1934, se hizo la primera Merry Melody en colores de la Warner, pues los Looney Tunes fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta, los ejecutivos de la Warner decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitaban espacio de almacenaje. I Haven´t Got a Hat, primer éxito de Porky Pig, dentro de las Looney Tunes, firmado por Fritz Freleng. En 1931, se crearon las Merrie Melodies, cuyo primer film fue Lady Play Your Mandolin. En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto eminentemente político, radical y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no puede ser destruido, a pesar de persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo. Utiliza técnicamente el principio de la animación por sustracción de fotogramas, que también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación con recortes o papel recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos colaboradores 23 | P á g i n a

de Lotte Reiniger en su etapa alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto L'Idée, pues los nazis destruyeron toda su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial. Oskar Fischinger, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU, realizó en 1930 dos primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), con una técnica que denominó animación absoluta, donde combina la geometría con la música. Hizo películas en colores Muratti Marches on y Composition in Blue, en 1936. Colaboró en la realización de Fantasía, de Disney, cuyo segmento no fue incluido en el montaje final y, a finales de los años cuarenta, realizó las famosas Motion Painting I y II, imágenes geométricas para animar música clásica. En Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a Claire Parker, en 1932, Une nuit sur le Mont Chavre, inspirado en música de Mussorgski. Se animaban una serie de alfileres, fotografiados cuadro a cuadro. Los alfileres, sobre tela, con la luz alumbrando en unos perfectos 45 grados, las sombras de los alfileres creaban sombra o luz, negro o blanco. Si los alfileres se sacaban, generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si los alfileres se metían, la pantalla quedaba blanca. En Rusia, en 1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética. El mercado lo valorizó de tal manera que se le empezó a conocer como «el Disney de Rusia». La mayoría de sus temas se basan en cuentos tradicionales rusos, tomando referencias de la poesía local, los bordados, las tallas y la arquitectura. Los trabajos más conocidos en Occidente de los primeros años son El zar Durandai (1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Los tres mosqueteros (1938). Iván Ivanov-Vanó siguió como director de prestigio hasta los años 50 del siglo XX. Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo Gulliver, que combina figuras reales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En 1939, realizó el filme de marionetas La llave dorada. En 1935, Len Lye, neozelandés, admirador de Oskar Fischinger, realizó Color Box, una de las primeras obras maestras de la animación, Pintaba directamente sobre el celuloide, sin necesidad de cámara, sincronizados con una canción popular de Don Baretto. Una mesa de expertos de animación en el festival de Annecy de 2005 lo consideró como una de las diez obras más importantes de la historia de la animación. Su técnica la heredaría Norman McLaren. Más tarde realizó con el mismo sistemaKaleidoscopio (1936), Rainbow Dance (1937) y Trade Tatoo (1938). En Free Radicals Lye (1958), utilizó película negra sobre la que rascaría dibujos sobre la emulsión. En 1936, Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky. Más tarde hizo también el personaje de Duffy Duck y las Gold Diggers, 1937. Robert Clampett continuó con el personaje de Porky, y creó al canario Tweety, Piolín en español. Chuck Jones debutó con The Night Watchman, 1938, muy influido por Disney. Poco después creó el personaje de Sniffles, un ratoncito parlanchín. En 1940 definió el personaje de Bugs Bunny, junto a Chuck Jones, Bob Clampett, Fritz Freleng y Frank Tashlin. En contraposición a los estilos Disney, Tex Avery realizó Red Hot Riding Hood, que comienza como una versión común de Caperucita roja hasta que los personajes se rebelan ante los papeles que deben interpretar, como una revisión del cuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes de la película y el final, fueran censuradas. Realizó más tarde King Size Canary (1947) y Bad Luck Blackie(1949). En España se produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturista Ricardo García López, conocido como K-Hito, entre los cuales destaca Francisca, la mujer fatal de 1933, y 24 | P á g i n a

los deJoaquín Xauradó, dibujante que hizo famoso su perrito y que realizó dos interesantes películas: Un drama en la costa y El Rata primero, que hizo en colaboración con K-Hito. En 1943, los hermanos Whitney, John y James, llamaron a su cine, cine puro, vinculado a las vanguardias cinematográficas y más cercano a la fotografía y al movimiento que la llamado cine de animación. Realizaron el film Five Abstract Film Exercises. En 1941 habían realizado Variations, a partir de los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los Whitney consiguieron los primeros gráficos analógicos por ordenador. George Pal, húngaro, fue el precursor de las películas realizadas por Steven Spielberg y George Lucas. En 1940 inició la serie de los Puppetoons, contratado por la Paramount, que revolucionó la animación tridimensional por el empleo de la técnica del recambio de piezas (ver arriba). En 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados de la Disney constituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a realizar cosas diferentes. Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr Magoo, creado por Peter Burns, fue una de las estrellas de la UPA.

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Tras la segunda Guerra Mundial se dio el gran desarrollo del cine de animación, que consolidó totalmente con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros. Estados Unidos

Wal Disney. Finalizada la guerra mundial Disney se dedicó a todo tipo de cine. Aparte de los dibujos animados que siguió creando, realizó documentales y películas de aventuras con actores reales. En momentos de dificultades Disney decidió economizar e iniciar la producción de dos películas mucho menos ambiciosas. La primera de ellas, The Reluctant Dragon (1941), combinaba la acción real con tres cortos de dibujos animados. La segunda fue Dumbo (1941). Con los materiales recopilados durante una gira por América del Sur, Disney hizo dos largometrajes: Saludos, amigos (1943) y Los tres caballeros (1945), Canción del Sur (1946), en la que se mezclaban los personajes de carne y hueso con los dibujos animados. La Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas(1951), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955), que fue el primer Disney en cinemascope marcaron nuevos tiempos para Disney. En la primera intentó recrear antiguos esplendores. Las restantes están llenas de momentos inolvidables. La bella durmiente (1959) marcó el final de otra era de los estudios Disney, pues fue la última película dibujada totalmente a mano, un proceso enormemente costoso que se vio sustituido en 101 dálmatas (1961) por otro más barato, aunque menos creativo, el llamado Xeroxed. Posteriormente la compañía abordó la producción de películas de muy diverso contenido. Merlín el encantador (1963), Mary Poppins (1964), en el que se intercalaban y convivían personales reales con los animados y El libro de la selva (1967), con las que el estudio conoció triunfos como los de épocas pasadas.

Pinocho

Blancanieves

Peter Pan

United Productions of America (UPA). Walt Disney 26 | P á g i n a

Fantasía

La dama y el vagabundo

El libro de la selva

Unicorn in the Garden

1001 Arabian Knights

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soportó en 1941 una huelga de animadores que supuso la huida de varios de sus mejores dibujantes, entre ellos Stephen Bosustow, uno de los creadores de la UPA, que funcionó desde 1943, y John Hubley, en desacuerdo con el estilo ultrarealista de Disney. Influenciado por la obra de Chuck Jones, comenzaron a promover la idea de que la animación debía seguir con mayor libertad en la búsquedas de nuevas formas de expresión artística. Bosustow prefiere un tipo de dibujo esquemático, muy caricaturesco, expresivo y muy alejado de los parámetros realistas tan apreciados por Disney y quienes le siguen siendo fieles. Durante la II Guerra Mundial, la UPA hizo cortometrajes de propaganda pero, acabada la guerra, su futuro era incierto. Ya no había demanda de propaganda, y algunos de sus socios abandonaron la compañía. La Columbia Pictures contrató a la UPA como estudio de animación y se comenzaron a realizar cartoons para el público general. Su personaje de lanzamiento fue Mr. Magoo, un anciano al que su miopía le hace pasar por las peripecias más complicadas. Los miembros de la UPA deseaban diferenciarse del resto de los estudios, sobre todo de Disney, la Warner y MGM, por lo que en 1951 hicieron más libre y personal su estilo gráfico, buscando relatos más modernos y menos convencionales. Comenzaron con Gerald McBoing-Boing, de Robert Cannon, en 1953 realizaron Unicorn in the Garden, de Bill Hurtz, nominado al Oscar, y al año siguiente es premiado When Magoo Flew. En el mismo año hicieron The Tell-Tale Heart, una adaptación de Edgar Allan Poe que utilizaba técnicas y estilos nuevos de dibujo para profundizar en los estados psicológicos de los personajes. La UPA fue vendiendo paulatinamente sus estudios a la TV, hasta 1959 en que Paul Terry vendió los Terrytoons a la CBS. El primer y último largometraje fue 1001 Arabian Knights, que cerró ese año las puertas. Chuck Jones y Friz Freleng fueron animadores, caricaturistas, guionistas, productores y directores, y sus trabajos más importantes los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Chuck Jones obtuvo un Oscar por su cortometraje The Dot and the Line, El punto y la

línea (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica. Fue uno de los primeros en incorporar la técnica de animación limitada, rompiendo así con la influencia de una animación más detallada y trabajada por parte del estudio de Disney, adoptando un estilo que sería posteriormente conocido como «estilo UPA», que abarataba los costes aunque hacía mucho más imperfecto el dibujo. Sus creaciones más populares son Pepé Le Pew y El Coyote y el Correcaminos (Road Runner). En 1953, utilizó la técnica de las 3-D en Lumber Jack Rabbit, el único cortometraje animado de Warner Bros que ha incorporado dicho efecto. Es considerado por muchos como un maestro en la caracterización y la coordinación de las imágenes. Friz Freleng introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes, Speedy Gonzales y La pantera rosa. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Fue encargado de crear la secuencia al comienzo de la películaLa pantera rosa. El personaje se volvió tan popular que en 1964, con un cortometraje para United Artists, obtuvo un premio Oscar. En 1957, Chuck Jones y Fritz Freleng realizaron What´s Opera Doc?, de la que algunos historiadores afirman que es una obra maestra. Es un resumen de seis minutos de El anillo de los nibelungos en uncartoon que parodia la Fantasía de Disney. En 1963, Fritz Freleng dio vida a La pantera rosa para los créditos de un filme de Blake Edwards; luego se convertiría en una serie de animados que estaría en pleno auge diez años después.

Correcaminos

Mr. Magoo

Tex Avery, en 1948, en la MGM, trabajando junto a Hanna y Barbera, creó personajes tan famosos de los años cuarenta y cincuenta como Chilly-Willy The Penguin y Droopy The Dog. Cuando cerró Cierra el departamento de animación de la MGM, William Hanna y Joseph Barbera fundaron la Hanna-Barbera Productions, que trabajó con muchísimo éxito para la TV. En 1955 fueron nominados al Oscar por los cortos Good Will to Men(1955) y One Droopy Knight (1957). En 1959 crearon la serie de los Huckleberry Hound, con la que

Piolin

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ocupan los principales espacios televisivos al poco tiempo, viéndose en todo el mundo. Influenciados por la UPA, siguieron la técnica de animación limitada, de figuras un tanto envaradas y fondos muy sencillos. Realizaron más de 100 películas, y sus personajes, The Flintstones, Yogi Bear, Huckleberry Hound, Pixie y Dixie, Top Cat, y muchos otros, se hicieron famosos en todo el mundo. Charles M. Schulz. En 1950 nace la serie de los Peanuts, que logró veinte años de éxito mundial para el animador , quien en 1969 comenzó la secuela Charlie Brown y sus amigos. Bill Meléndez continuó la serie en TV y realizó varias secuelas para cine: Charlie Brown Christmas (1965), Charlie Brown Thanksgiving (1973), entre otras. El gato silvestre James Whitney, en 1955, siguiendo los pasos de su hermano John, realizó Yantra. El término yantra proviene del sánscrito, del prefijo yan, que significa concebir y por antonomasia, concepción mental. En un complicado sistema de formas ópticas se planteaba evocar el ascenso espiritual. Además de Yantra, otras obras como; Catalog(1961) de John Whitney o Lapis (1963-66) de James Whitney, son pioneras en la aplicación del ordenador elaborando las imágenes fotograma a fotograma.

El punto y la línea

En 1961, Jordan Belson, representante de la Visual music, establece la animación vanguardista a partir de la manipulación de luces y la toma continua. Realiza Allures (1961), Samadhi (1967), Light (1973), Fou ntain of Dreams(1984) y Epilogue (2005) que representan abstracciones orgánicas en perpetuo movimiento, entre otras, muy en la línea de Lye, McLaren y los hermanos Whitney. Canadá

La pantera rosa El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno de los principales animadores experimentales y 29 | P á g i n a

abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips. Francia

Huckleberry Hound

Charlie Brown Christmas

En 1947, el cortometraje Petit Soldat, de Paul Grimault, consagra internacionalmente a la animación francesa, al alcanzar el premio máximo en Venecia, compartido con un corto de Disney. En 1949 se produjo mucho para la TV, sobre todo Jean Image, ilustrador de cuentos infantiles, que hizo varios largometrajes: Jeannot l’intrepide(1949), Las fabulosas aventuras del barón Fantástico (1979), Aladino y la lámpara maravillosa (1985), y famosas series como Joë chez les abeilles (1960). El más interesante largometraje animado lo produjo en 1950 Paul Grimault, La pastora y el deshollinador, que transformó y amplió en 1979 en Le roi et l’oiseau. En 1963 el ruso Alexandre Alexeieff hace en Francia Le nez, inspirada en Gogol. En 1964, el polaco Walerian Borowczyk realiza en Francia Les Jeux de anges. Checoslovaquia

Yantra En los países del bloque soviético, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo. Jiri Trnka, (ver recuadro) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo, sobre todo en la animación con marionetas. Consagró, con más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, lo que se denominó «estilo checo» de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por la cantidad y calidad de sus films y su gran influencia en una infinidad de animadores posteriores fue denominado el Walt Disney de la Europa del Este. En 1950, Bretislav Pojar hizoLa cabaña de mazapán, y en

Allures

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Samadhi

1953, Un vaso de más, animación de títeres contra el abuso del alcohol. Karel Zeman, realizó Inspiración (1947), El rey Lavra (1951), El tesoro de la isla de los pájaros (1953), Viaje a la prehistoria (1955), etc. y en 1958, combinando actores reales y animaciones, hizo La invención diabólica, inspirada en Julio Verne. En 1959, Baron Munchausen, imitaba el estilo de los grabados de Doré, en 1977, Historia de una locura y Aprendiz de brujo, en 1977. Un animador de marionetas, Jan Svankmajer hizo La última broma (1964) , Jardín (1968) Dimensiones del diálogo (1982) y Diario de Leonardo (1988).

Petit Soldat

Rusia

Les Jeux de anges

The Battle of Kerzhenets

Surogat

Iván Ivanov-Vanó, llamado el Walt Disney soviético, hizo en 1946, tras tres años de trabajo, el primer largometraje animado soviético, El caballito jorobadito una de las obras maestras de la animación. Los negativos del filme se extraviaron y, en 1975, Ivanov-Vanó realizó una nueva versión. Adaptó algunos cuentos rusos: Snegurochka (1952), La liebre valiente (1955), La aventura de Burattino (1959) y muchos otros. En más de 50 años de dirección de cine animado, realizó interesantes películas como The Snow Maiden, 1953, basada en la obra de Ostrovsky, y Once Upon a Time (1963), The seasons, 1964, basada en la música de Tchaikovsky, es una interpretación imaginativa y colorista de los paisajes de Rusia. Pero la más poderosa y mejor diseñada de sus películas es The Battle of  Kerzhenets (Secha pri Kerzhentse), 1971, basada en la leyenda de la ciudad invisible de Kitezh de RimskyKorsakov. La película es una fusión de los antiguos iconos rusos, transparentes, brillantes y de elegante diseño, y el ritmo de la música, haciendo un excelente uso del tiempo y el espacio y los aspectos dinámicos. Lev Atamanov realizó La bella y la bestia (1952) y La reina de las nieves (1957), en una línea que pudiera llamarse neoclásica y que influiría notablemente a Miyasaki. Yugoslavia

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Jan Lenica y Walerian Borowczyk

Daniel Szczechura

La escuela de Zagreb. «La característica esencial de la Escuela de Zagreb es que no intentamos imitar a los demás. Nuestro poder está en nuestra imaginación y en la habilidad de expresarla dibujando» (Dusan Vukotic).En 1956, con El robot juguetón, de Dusan Vukotic, se inicia la producción del Estudio de Zagreb, en Yugoslavia, que a la vuelta de unos años ganaría prestigio mundial por su prioridad a los principios de la plástica contemporánea y su estrategia de animación reducida. En 1961 realizó Surogat, que logró el Óscar al Mejor Cortometraje de Animación en 1961, primer no estadounidense en conseguirlo. En la Escuela de Zagreb donde también estuvieron Vlado Kristl, Aleksandar Marks, Nikola Kostelac y Boris Kolar. Polonia

Antes de Jan Lenica y de Walerian Borowczyk el cine de animación era un género poco valioso en Polonia considerado únicamente como diversión para niños y desprovisto de aspiraciones artísticas, ideológicas y filosóficas. En 1957, ambos dieron consistencia, contenido y arte al cine de animación en Érase una vez., mediante una novedosa técnica de collage y de empleo de sonido de modo asincrónico y con fines satíricos. Combinan el dibujo y el collage (cut-out stopmotion) con imágenes reales, introducen el humor negro, gags surrealistas y una técnica nueva basada en la repartición del guión en escenas. En 1958 realizaron la obra surrealista La casa(1958), en el que utilizan una gran variedad de estilos, materiales y técnicas, collages, deformación de movimientos y animación de objetos. Laberinto y Los rinocerontes son dos de las películas de Jan Lenica, que trabajó durante tres años para realizar Adán II. Borowczyk aportó el pertubador Theatre de M. Mme Kabal (1967) sobre la deshumanización del mundo moderno. Ambos salieron del país, uno, Lenica, para afincarse en Alemania y el otro, Borowczyk, en Francia. Witold Giersz es una de las grandes figuras del cine animado polaco, sobre todo de miniaturas e incluso de pintura al óleo, con El secreto del viejo castillo (1956); Epigrama de neón (1959); El

Nino Pagot

Astro Boy

La familia Telerín

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pequeño oeste (1960); La espera (1962), premiado en Cannes, Moscú y Edimburgo. Daniel Szczechura es la revelación desde el estudio Se-Ma-For y con el taller de la Academia de Bellas Artes de Varsovia. Dirigió Conflicto (1961), Primero, segundo y tercero (1964), En la calle (1966) Castillo en el bosque (1971), Arena (1973), El problema (1977), Fatamorgana I y II (1981-1983), Historia de una mala época (1997). Italia

La calabaza Ruperta Francesco Guido, de seudónimo Giba, creó el primer corto de animación italiano de la post guerra (L’ultimo sciuscia). Después, alternaría su trabajo como animador con la labor de historietista: Menenio e i petrolieri (1961), Le Papillon (1962), Il racconto della giungla (1973), Il nano e la strega (1974), Scandalosa Gilda (1984), Kim (1994), etc. 1960. Se estrena I paladini di Francia, de Giulio Gianini y Emanuele Luzzati, los principales animadores de títeres y marionetas en Italia. Ambos directores serían nominados al Oscar por La gazza ladra (1964) y Pulcinella (1973). En 1949, en el Festival de Venecia se presentaron los dos primeros largometrajes italianos de animación: I fratelli Dinamite (de Nino Pagot) y La rosa di Bagdad, de Antón Domeneghini.

El estilo checo Japón

En 1947, Kon Ichikawa realizó la adaptación de la pieza de teatro kabuki Una muchacha en el templo de Dojo, con títeres. En 1959, Osamu Tezuka trabajó en el largometraje Diario del oeste, modernizó el manga y consiguió convertirlo en un fenómeno de masas, fue el pionero de la animación televisiva, para la cual realizó la primera serie de dibujos animados vista en Japón. 33 | P á g i n a