EDICION SESLI Guitarra Nivel Básico Medio Avanzado.

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EL SECRETO DETRAS DE

LA CUERDA DISEÑO Y EDICION SESLI

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Derivados de los Tonos y Semitonos Ahora que ya dominas los intervalos de tonos y semitonos podemos ir un poco más lejos y aprender las alteraciones posibles que se pueden realizar a los semitonos: los bemoles y los sostenidos. Sostenido (#) El sostenido (#) es un símbolo que hace la nota un semitono más aguda. En la guitarra sería el traste de la derecha, por lo que si estamos en Sol (G), el siguiente traste sería Sol sostenido (G#):

Bemol (♭) El bemol (♭) es símbolo que hace la nota un semitono más grave. En la guitarra sería el traste de la izquierda, por lo que si estamos en Sol (G), el anterior sería Sol bemol (G♭):

Estructura de la Guitarra Bueno, si queremos aprender a tocar la guitarra tenemos que conocer las partes o elementos que constan de ella. Voy a poner las partes de los dos tipos de guitarras, acústica y eléctrica, al primer tipo es la que recomiendo para aprender. La primera es una guitarra clásica y la segunda es una Les Paul. Ya no tarda en cargarse las imágenes...

Cuerdas La guitarra consta de seis cuerdas que toman su nombre según el sonido que producen cuando se tocan al aire (sueltas ) y se enumeran de abajo hacia arriba , tomando como referencia la posición normal en que se toma la guitarra para tocar. La cuerda más delgada es la número 1 y la más gruesa es la 6ta. En las clásicas o flamencas, las tres agudas son de nylon monofilamento y las graves tienen un núcleo multifilamento y un entorchado de cobre (plateado , cobre u otra aleación ). En las eléctricas las cuerdas tienen núcleo de acero , el entorchado es de aleación níquel /hierro , acero niquelado u otro metal o aleación. Clavijero Su función es la de sostener y tensar las cuerdas, para ello consta de un mecanismo compuesto por tornillos sinfín que hacen girar un eje donde van enrolladas las cuerdas (estas son las clavijas), estos ejes poseen un agujero central por el que se introduce la cuerda . Algunos constructores utilizan diseños personales que permiten distinguir sus instrumentos . La parte frontal es de madera laminada. La Cejuela (Superior) Es una pieza de forma alargada que va incrustada en la parte superior del diapasón, entre éste y el clavijero. Normalmente es de hueso o materiales sintéticos duros (tales como el grafito). La cejuela controla la altura de las cuerdas al aire sobre el primer traste y permite la separación de las cuerdas , fijándolas gracias a unas ranuras que lleva en su parte frontal. Mástil - Diapasón El Diapasón es una pieza de ébano alargada de forma aplanada que cubre el Mástil, éste tiene una o dos ranuras en las que encajan en la caja y es de madera dura de arce, por la parte frontal. Esta dividido en espacios delimitados por unas barras de metal incrustadas llamadas Trastes, generalmente a éstos espacios se les llama igual. Cada espacio (o traste) representa una nota musical. Cuerpo El Cuerpo o Caja de Resonancia es la parte principal y fundamental de las guitarras acústicas, está formado por la Tapa Superior o Tapa Armónica , la Tapa Inferior y los Costados . Es el encargado de amplificar los sonidos que se producen al tocar las cuerdas, cuando estas se golpean se produce una vibración que es recogida por el puente y se transmite a la tapa del cuerpo , la vibración que produce esta tapa es recogida y amplificada por el cuerpo de la guitarra, sonido que sale a través de la Boca.

Puente El Puente es una pieza alargada y estrecha situada sobre la Tapa Superior a cierta distancia de la Boca . Es donde se fijan las cuerdas antes de colocarlas y tensarlas en el clavijero . El sistema de colocación es similar al del clavijero . Para graduar la altura de las cuerdas en las acústicas en la parte superior del puente nos encontramos con la Selleta (cejuela inferior ) y en las eléctricas el mismo puente puede graduarlas, existen 2 principales tipos de puentes: el Tune-O-Matic (usado en las Les Paul) y el de las selletas individuales (usado en las Stratocaster - el que se puede controlar la altura de las cuerdas por separado ). Algunas guitarras eléctricas , como las Les Paul , llevan un soporte llamado Cordal que es el que sujeta las cuerdas a la caja de la guitarra. Pastilla Dispositivo con un bobinado (puede ser de bobina única como en la Strato o de dos como la Les Paul) de alambre delgado que transforma el sonido en señales eléctricas. Las pastillas se controlan mediante un Selector (o conmutador) de dos o tres vías, que permite usar una u otra, o dos a la vez . También tienen un control de volumen y otro de tono. Alma del Mástil (Varilla Tensora) Esta las llevan todas las guitarras de cuerdas de acero y se encuentra a lo largo del Mástil, debajo del Diapasón. Esta compensa la curvatura provocada por la tensión de las cuerdas. La varilla se ajusta por medio de una tuerca hexagonal que se encuentra en el extremo más próximo a la caja o del otro extremo del Mástil (en el clavijero - este extremo es ocultado por la Tapa del Alma, que es de madreperla o de algún material sintético). Golpeador Protegen el acabado de la guitarra y esta colocado en la parte media baja de la guitarra (suele ser de concha de tortuga sintética). La Posición de Tocar Antes de tomar la guitarra, necesitamos saber cual es la posición correcta de sentarnos para poder sostenerla y tocarla. Necesitas sentarte en una silla resistente con base plana lo suficientemente alta para que tus piernas queden flexionadas en 90 grados, con tus pies apoyando toda su base en el piso, tus rodillas deben estar separadas a la anchura de tus hombros. Tu espalda debe estar Posición normal Apoya la cintura de la guitarra en tu pierna derecha y coloca tu antebrazo derecho sobre el borde de la caja . El mástil queda cerca del cuerpo y un poco inclinado hacia arriba. No pegues la guitarra a tu estómago . Inclina un poco la parte superior de la guitarra hacia dentro para que no tengas que inclinarte demasiado para ver donde pones los dedos de ambas manos.

Posiciónclásica Apoya la cintura de la guitarra en la pierna izquierda , con el mástil inclinado hacia arriba, de manera que la mano izquierda llegue con facilidad al diapasón. El antebrazo derecho se apoya en el borde de la caja. En esta posición el peso de la guitarra queda bien equilibrado. El pie izquierdo se apoya en un apoyapies para que la pierna quede un poco levantada.

Posición de Pie Cualquier guitarra se puede tocar de pie colgándola con una correa. Es importante que el instrumento cuelgue con el peso hacia el cuerpo y con un buen centro de gravedad , para que las manos y los brazos puedan moverse con libertad . Muchos guitarristas modernos tienden a colgarse la guitarra muy baja por motivos estéticos, pero así resulta más difícil tocar y no es recomendable para principiantes. Para una mayor soltura de la mano izquierda, el mástil debe de quedar inclinado hacia arriba.

La Mano Izquierda El dedo pulgar lo colocas detrás del mástil , dejando a los demás dedos libres para pisar las cuerdas . La presión del pulgar se suma a la fuerza de los dedos . La presión la aflojas después de tocar alguna nota o acorde, dejando a la mano moverse con libertad por el mástil. Procura que el dedo pulgar no se cuelgue del brazo de la guitarra . La palma de la mano no debe tocar el mástil de la guitarra , esto es para dejar más libremente a los demás dedos hacer bien su trabajo ; de ésta manera le das a tus dedos mucha fuerza para presionar las cuerdas.

Es importante que al momento de tocar tengas la posición correcta (la natural ), relajado , sin tensión alguna ; evitando que te estreses y tratando de formar buenos hábitos desde el principio. Nada de poner las piernas detrás de los primeras patas de la silla, ni aplastarse en ella, ¿de acuerdo?, bien. Procura que los dedos que pisan las cuerdas no apaguen el sonido de las cuerdas adyacentes y que estos al pisar las cuerdas lo hagan apretando aproximadamente a poco más de dos tercios de la distancia entre un traste yotro. La Afinación

secuencia de cuerdas

¿Porqué usamos letras para nombrar a las notas y acordes? Por que utilizamos el sistema americano que es el que se usa internacionalmente para nombrar las notas y acordes. Aprendiendo éste sistema podremos leer cualquier música escrita para cualquier instrumento. Además, todas las canciones que podamos hallar en la Web se manejan por éste método. Las notas musicales son 7 : DO - RE - MI - FA - SOL- LA - SI En el sistema americano de notación éstas 7 notas toman el nombre de las 7 primeras letras del alfabeto, pero empezando por la nota LA que es la que sirve de base para la afinación de todos los instrumentos.

Tenemos que memorizar ésta tabla: Tal vez te parezca raro nombrar las notas por nombre de letras pero más adelante te darás cuenta lo útil que es. Si pasas ésta lección sin saber de memoria la letra que representa a cada nota , lo más seguro es que te atores . Si te da un poco de flojera aprenderte esto de memoria, te recomiendo tener ésta tabla a la mano para las siguientes lecciones.

Estructura de la Tablatura Está integrada por 6 líneas que representa las seis cuerdas de la Guitarra. La línea de arriba representa la primera cuerda, o la más delgada de la Guitarra, mientras que la línea de abajo representa la sexta, o la más gruesa de la Guitarra. Una línea vertical indica el principio o final de un compás y la doble línea vertical indica el final de la tablatura. Como se puede ver en el ejemplo:

\ Esta es la cuerda más gruesa Las letras e, B, G, D, A y E indican el nombre de la nota que produce la cuerda tocada al aire , de la más delgada a la más gruesa. La 'e' minúscula es la nota de Mi pero más aguda (dos octavas más). A veces se ven éstas letras en las tablaturas y otras veces no. La razón de que no las lleva es que esta es la afinación estándar y se da por entendido que es de esta forma.

El Primer Acorde

Circulo Armónico

Pentagrama En la imagen siguiente se puede apreciar mejor, como quedarías las notas ordenadas en el pentagrama.

pentagrama De esta manera ordenada la llamaremos “Escala ” en este caso la escala tiene el nombre de “ Escala de do”. También se puede apreciar que hay dos notas que no están dentro del pentagrama, estas son Do y Re, estas se encuentran fuera ya que hay más notas en nuestro instrumento que líneas y espacios en el pentagrama , y para no saturarnos de línea simplemente le ponemos el fragmento de línea para guiarnos. A esto lo llamamos líneas auxiliares (adicional) y espacios auxiliares.

El pentagrama se divide en “compases”, por las barras de compas y una línea doble nos indica el final de la música o del segmento musical.

Valor rítmico de las notas y sus silencios El ritmo se mide con pulsos esto quiere decir que debe de haber una forma escrita de interpretar los pulsos. La forma de interpretarlo son las figuras rítmicas cada una tiene un valor dependiendo del numerador que se menciona en la página 4.

Los silencios se representan con figuras diferentes ya que se colocan en medio del pentagrama y su propósito es el de representar las áreas donde no se toca ninguna nota, por eso es que nos basamos en la figura y no en su posición en el pentagrama a diferencia, de las notas que hacen sonidos. P.D. De vez en cuando es difícil respetarlos , pero el propósito de estos es que no haya sonido donde estos se encuentran.

Abreviaturas Generalmente se acostumbra usar abreviaturas para nombrar los acordes por lo que antes de aprender la posición correspondiente a cada acorde hay que aprender tales abreviaturas para nombrar correctamente a los mismos. Abreviaturas de los Tonos: C= DO D= Re E= Mi F= Fa Otras abreviaturas usuales son: #= Sostenido b= Bemol 7= Séptimo -= Menor

G= Sol A= La B= SI Maj= Mayor Aug= Aumentado Dis= Disminuido Etc.

Mayores

Menores

Séptimos

ACORDES PARA GUITARRA Hay miles de posiciones distintas para acordes. En las páginas siguientes podrás encontrar una guía rápida de las 120 posiciones más sencillas, que te servirán para tocar la inmensa mayoría de las canciones. La notación de acordes que hemos elegido es la siguiente: – Acordes mayores. En mayúscula. Ejemplo: DO=Do mayor. – Acordes mayores sexta. Ejemplo: DO6=Do mayor sexta. – Acordes mayores séptima. Ejemplo: DO7=Do mayor séptima. – Acordes mayores séptima mayor. Ejemplo: DOmaj7=Do mayor séptima mayor. – Acordes mayores novena. Ejemplo: DO9=Do mayor novena. – Acordes aumentados. Ejemplo: DO+=Do aumentado. – Acordes disminuídos. Ejemplo: DOº=Do disminuído. – Acordes menores. En minúscula. Ejemplo: do=Do menor. – Acordes menores sexta. Ejemplo: do6=Do menor sexta. – Acordes menores séptima. Ejemplo: do7=Do menor séptima.

Cómo leer el diagrama de acordes

Cada diagrama de acordes está compuesto por seis lineas verticales (que representan las seis cuerdas de la guitarra), ordenadas (de izquierda a derecha) de la cuerda más grave a la más aguda. Los trastes están numerados (ya que algunos acordes ocupan posiciones bajas en la guitarra). El resto de símbolos que aparecen en el gráfico son los siguientes:

El círculo vacío es la cuerda que corresponde al bajo del acorde.

Nombre del acorde Cejilla (el dedo completo presionando las cuerdas)

Este símbolo indica una cuerda que se debe evitar tocar, ya que la nota que corresponde no pertenece al acorde en cuestión. El símbolo se ha colocado en el lugar de la cuerda que debiera ir un dedo para que perteneciese al acorde.

El círculo negro indica la digitación en cada cuerda del acorde, donde se ha de pulsar.

El cambio de tono de las canciones

Una de las cosas más interesantes, y que te animo a que practiques hasta hacerlo instantáneamente, es el cambio de la tonalidad de una canción. Muchas veces el tono que se ofrece no es el más adecuado para el grupo que va a cantar la canción. Por eso, es importante tener habilidad para cambiar el tono según las necesidades. Hacerlo no es difícil y es una cuestión de práctica. Para realizar los cambios te puedes ayudar con el gráfico adjunto, hasta que vayas teniendo la seguridad para hacerlo de memoria. El gráfico te indica, mediante dos flechas, la dirección que tienes que seguir para aumentar o disminuir el tono de una determinada canción. Las notas están colocadas en celdas, que suponen cada una un semitono de la escala musical. Recuerda que, por ejemplo, LA# es lo mismo que SIbb. Para subir una canción un tono, tendremos que “avanzar”, en el sentido de las agujas del reloj, dos casillas y transformar cada nombre de acorde por el correspondiente, dos casillas más adelante. Así, un acorde de DO se transformará en un acorde de RE, un acorde de mi7 de transformará en un fa#7 y así sucesivamente. Para bajar el tono de una canción el proceso es el mismo, siguiendo el sentido inverso de las agujas de reloj en el gráfico. Por ejemplo, para bajar tono y medio una canción, retrocederíamos tres casillas (tres semitonos); un acorde de DO se transformaría, de esta forma, en un acorde de LA, y un acorde de la se transformaría en un fa#. Las características del acorde (mayor, menor, séptima, etc.) no se ven afectadas a la hora de cambiar una tonalidad: los acordes mayores seguirán siendo mayores, y los acordes de séptima igualmente seguirán siendo un acorde de séptima. Te recomendamos que prepares con antelación los cantos, considerando las tonalidades más adecuadas para cada ocasión. La preparación y el ensayo previos son muy importantes para que la música cumpla su misión de acompañamiento y alabanza sin que haya problemas. Te animo a que practiques los cambios de tono y te acostumbres a hacerlos mentalmente.

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UNA PEQUEÑA ENSEÑANZA DE COMO LEER LAS NOTAS CON ESTE ACROSTICO FACIL Y DINAMICO

El Alfabeto De Guitarra Bien Explicado

Escogido Fui de Dios - Los Voceros de Cristo Escogido fui de Dios en el amado En lugares celestiales su proteccion me dio Antes de la creacion el plan fue hecho Por su santa voluntad Escondido en Cristo estoy nadie me apartara Ni la fuerzas de este mundo no me podran dañar Vivo y ando en esta vida con seguridad Porque me escogio mi Dios Me escogio para alabanza de su gloria Y sentome en las alturas con Cristo mi Señor Grande fue la admiracion al ver su gracia Cuando me escogio mi Dios Escondido en Cristo estoy nadie me apartara Ni la fuerzas de este mundo no me podrán dañar Vivo y ando en esta vida con seguridad Porque me escogio mi Dios Tengo un sello que el espíritu me ha dado Cuando mi confianza puse solo en mi Salvador Sello que el Señor me dio de vida eterna Escogido fui de Dios Escondido en Cristo estoy nadie me apartara Ni la fuerzas de este mundo no me podran dañar Vivo y ando en esta vida con seguridad Porque me escogio mi Dios

UNA FORMA DE COMO SABER RECONOCER LA ESCALAS

2-2-1-2-2-2-1 T-T-t-T-T-T-t

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CLASES DE

GUITARRA Anímate a aprender

guitarra de manera

Estructurada

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Signos y convenciones musicales

A continuación se explican los signos y convenciones musicales utilizados para la interpretación de una obra o ejercicio. Claves Musicales: en sol, fa o do, determinan las notas en que se lee el pentagrama. La guitarra se lee en clave de sol. (Aparecerá un número ocho debajo de la clave, que indica que suena una octava más debajo de lo que se escribe.)

Signaturas de Medida: Indican el tiempo del compás o ritmo. Puede ser binario ( 2/2, 4/4, 2/4), ternario ( ¾) o mixto (6/8).- aparece al comienzo de la obra.

Signos de repetición: Indican formas distintas de repetir mediante símbolos: repetir desde el principio; repetir el acorde anterior; repetir el compás anterior, repetir desde donde aparece el signo.

Notas y silencios de duración: representan la duración de cada sonido independiente. Como unidad de medida se toma un segundo equivalente a un tiempo. Las más utilizadas son la redonda (cuatro tiempos), la blanca (dos tiempos), la negra (un tiempo), la corchea (½ tiempo), la semicorchea (¼ de tiempo), la fusa (1/8) de tiempo y semifusa ( 1/16 de tiempo). Por cada nota existe un equivalente en silencio con su respectivo símbolo.

Signos de alteración de altura: Indican que una nota se modifica en su altura tonal. El sostenido sube medio tono; el doble sostenido sube un tono; el bemol, baja medio tono; el doble bemol; baja un tono y el becuadro cancela o anula los anteriores. Esta alteraciones pueden aparecer de forma permanente en las armaduras tonales de las partituras , u ocasionalmente sobre una nota específica (alteración de paso).

Signos de alteración de duración: Modifican la duración original de una nota. el puntillo, que es un pequeño punto colocado a la derecha de una nota, prolonga la duración de la misma en la mitad, es decir si originalmente dura 2 tiempos, con el puntillo durará tres tiempos. La ligadura une dos notas de distinta o igual duración y el calderón que prolonga un sonido a gusto del intérprete.

Signos de Expresión: indican las dinámicas o formas de interpretar la música. Usan abreviaturas como f (forte), fff (fortísimo), p (piano) pp (pianísimo). Líneas y espacios del pentagrama: De acuerdo con la clave usada, se asignan nombres a las líneas y espacios del pentagrama para indicar alturas definidas. Se utiliza el vocabulario latino de siete nombres para cada nota (D’Arezzo): do, re, mi, fa, sol la si. O su equivalente en letras ( sistema Alemán) a (la), b (si), c (do), d(re), e (mi), f (fa), g (sol), Estas notas se repiten en los distintos rangos grave, medio o agudo del pentagrama, de tal manera que una la misma nota, según su altura, puede tener distintas localizaciones en el pentagrama.

Recuerda que este es un acercamiento a temas con los cuales debes irte relacionado para aprender guitarra. No se necesita que seas un experto en el manejo de la intensidad del sonido para comenzar tu proceso de aprendizaje de la guitarra, sino que serán habilidades que se van desarrollando paso a paso. Lo importante aquí es que tengas una idea general y básica. Ejercicio: Escucha una canción y trata de apreciar el manejo de la intensidad de los instrumentos musicales.

La Duración Esta cualidad nos expresa si un sonido es largo o corto, y se mide en unidades de tiempo. En la gramática musical se representa mediante figuras musicales tales como las siguientes:

Redonda = 4 Tiempos Blanca

Corchea

= 2 Tiempos

= ½ Tiempo

Negra

Semicorchea

= 1 Tiempo

= ¼ Tiempo

Pongamos un ejemplo: En la siguiente gráfica encontramos representado un fragmento rítmico de 4 compases de 4 tiempos cada uno.

Un Dos Tres Cua

Un Dos Tres Cua

En este caso cada compás tiene una duración de 4 Tiempos, que pueden marcarse contando Un, Dos, Tres, Cua. Dentro de cada compás los cuatro tiempos están indicados por las figuras musicales negra, blanca, corchea y redonda .Ejercicio : Alternando los dedos índice y medio de la mano derech a , pulsa cuatro veces cada una de las cuerdas de la guitarra (al aire) marcado un compás de 4 tiempos en cada cuerda : Un Dos , Tres , Cua .Nota : Un compás es cada una de las partes iguales en que se divide una pieza musical.

Distancia entre las notas musicales. Musicalmente hablando hay una distancia entre una y otra nota. Así como hay una distancia entre tu casa y la casa de otra persona, también existen unas distancias entre las notas. Entre la casa de tu vecino y tu casa hay una distancia que se mide en metros; entre las notas musicales, las distancias se miden en tonos. Ahora bien, ¿cuántos tonos hay entre una nota y otra? ¿Cómo lo sabemos? Para esto respondamos primero ¿Cómo sabes cuántos metros hay entre tu casa y la de tu vecino? Primero: Necesitas saber la ubicación de tu casa y la de tu vecino. Si no sabes dónde están ubicadas ambas casas, no vas a poder medir la distancia. Segundo: Necesitas tomar el metro y medir la distancia. En el caso musical también necesitamos saber cómo están ubicadas las notas musicalmente para saber las distancias.

Ubicación de las notas naturales en la escala musical

Como puedes ver en el gráfico anterior entre MI y FA, así como entre SI y DO, hay 1 Semitono (Medio tono), mientras que en todos los demás casos hay una distancia de 1 Tono. Con base a esto, ahora ya puedes medir las distancias entre dos notas. Observa los ejemplos siguientes:

Entre DO y Mi ascendentemente hay 2 Tonos. Entre MI y DO descendentemente hay 2 Tonos. Entre DO y MI descendentemente hay 4 Tonos. Nombre de las notas alteradas ascendentemente.

Se llama Sostenido (#) a la alteración de una nota natural medio tono ascendentemente. Así tenemos: Nombre de la Nota

Representación

DO Sostenido RE Sostenido FA Sostenido SOL Sostenido LA Sostenido

C# D# F# G# A#

Nombre de las notas alteradas descendentemente.

Se llama Bemol (b) a la alteración de una nota natural medio tono descendentemente.

Así tenemos: Nombre de la Nota

Representación

SI Bemol LA Bemol SOL Bemol MI Bemol RE Bemol

Bb Ab Gb Eb Db

Relación de igualdad entre los Sostenidos y Bemoles. Mirando ahora sí el cuadro completo de las notas naturales y alteradas tenemos que hay 7 notas naturales y 5 notas alteradas.

Las notas alteradas reciben el nombre dependiendo del tipo de alteración. Si es ascendente recibe el nombre de Sostenido y si es descendente recibe el nombre de Bemol. Aunque hay 5 sostenidos y 5 bemoles, no significa que hay 10 notas alteradas; ya que por la relación de igualdad entre los sostenidos y bemoles, sólo hay 5 notas alteradas como lo indica el siguiente cuadro. Sostenidos

Igualdad

Bemoles

C# D# F# G# A#

Es igual a Es igual a Es igual a Es igual a Es igual a

Db Eb Gb Ab Bb

Ubicación de las notas en el diapasón de la Guitarra. La ubicación de las notas en el diapasón de la Guitarra es uno de los aspectos musicales bien importantes para comprender lo que harás en tu Guitarra. Para que lo descubras de manera comprensiva, necesitas conocer 4 cosas: Los trastes de la Guitarra Las distancias ascendentes y descendentes entre los trastes de la Guitarra. La Escala Cromática. Notas de las cuerdas al aire en la afinación de la Guitarra.

Los trastes de la Guitarra

Ascendente

(Empezando desde la cabeza de la guitarra)

Ejemplo: Tu fin no es ser un experto en partitura o tablatura (a menos que conviertas ese medio en un fin). Tu fin es aprender guitarra. Sin embargo, una manera de lograr enseñar y de aprender es mediante la comprensión de las partituras y las tablaturas. Pero esto es sólo un medio pedagógico, también es importante contar con videos, audios, etc. En otras palabras, entre más recursivos MEJOR!

Consejos: Recuerda que todo sistema puede tener sus fallas. Así que tu objetivo de Aprender Guitarra, no lo apoyes al 100% en el curso que adquieras por más bueno que este sea. Puedes tener un buen curso, pero si no te dedicas y comprometes de seguro que no vas a aprender guitarra. En la red hay mucha información gratuita y dispersa sobre guitarra, y esto dependiendo del tipo de información que adquieras puede ser bueno; sin embargo, lo mejor es que sigas el paso a paso secuencial y pedagógico de un programa o curso de guitarra. Entrega tu 100% al logro de tu sueño de aprender guitarra. Así que alcanza objetivos, pero cada vez que alcances un objetivo siempre habrá algo nuevo por lograr y avanzar.

Aprende a cantar 1. Cómo funciona la voz La voz es el instrumento musical más antiguo que existe. Desde que el hombre es hombre, éste dispone de su voz para articular palabras y para cantarlas. El estudio de la voz es delicado y sutil, porque no es un instrumento que se pueda ver físicamente. Solo se tiene y se siente. La voz es un instrumento integrado dentro del organismo humano. El instrumentista es a la vez su propio instrumento. Se podría considerar a la voz como una síntesis de instrumento de viento y de instrumento de cuerda al mismo tiempo. El cantante genera, mediante su respiración, una columna de aire. Esta columna pasa por la laringe, poniendo en vibración a las cuerdas vocales. Los músculos de las cuerdas se tensan más o menos para producir la altura de sonido deseada. Este sonido es articulado por los labios, los dientes, la lengua, la mandíbula y el paladar para pronunciar palabras inteligibles. Finalmente , el sonido ha de ser amplificado y enriquecido , para poder ser oído simultáneamente por un gran número de personas. El propio cuerpo del cantante, con su masa, huecos y cavidades, desempeñará las funciones de caja de resonancia. Para resumir, se pueden distinguir cuatro elementos que forman la voz: 1º- El aparato respiratorio. 2º- El generador de vibraciones. 3º- El aparato articulador. 4º- Los resonadores

2. Clasificación de la voz Del mismo modo que no hay dos personas iguales en todo el mundo , se puede decir también que no hay dos voces idénticas en extensión , potencia y color . Cada voz está íntimamente relacionada con las características concretas de cada persona. Por otro lado, la voz es un instrumento en constante cambio, como el organismo en el que está integrada. Las características de una voz van cambiando debido a diversos factores, en especial el proceso de madurez fisiológica del organismo y la educación vocal que la persona pueda ir recibiendo. Se suele utilizar universalmente la siguiente clasificación de las voces, desde la más grave a la más aguda: Para los hombres, Bajo-Barítono-Tenor; y para las mujeres, Contralto- MezzosopranoSoprano. Los niños poseen una altura de voz similar a la de las mujeres. Pero su voz es delicada , no está desarrollada ni tiene la riqueza tímbrica de la voz de las mujeres. Por eso se la denomina voz blanca. Contrariamente a lo que se suele pensar, se debe tomar más en cuenta, para clasificar una voz, el factor tímbrico que su extensión. El timbre de una voz es su color característico, y viene determinado en cada caso por razones físico-acústicas concretas. Ocurre a veces que una voz posee el timbre característico de una determinada categoría, pero al mismo tiempo se mueve por un registro propio de otra.

La clasificación de las voces es, por lo tanto, un tema más delicado de lo que pueda parecer. No debes afirmar categóricamente qué tipo de voz tienes, hasta que la hayas trabajado y conozcas cómo puede evolucionar.

3. La voz hablada Una voz hablada bien utilizada es capaz de expresar y transmitir una infinidad de emociones, sensaciones y matices diferentes. Esto hace el mensaje más atractivo e impactante para la gente que lo escucha. Los principios fundamentales de emisión de la voz hablada son similares a los de la voz cantada. Los parámetros con los que juegan cada una también lo son. La voz hablada, al igual que la voz cantada, puede ser más o menos aguda, pausada o potente. Puede resonar más en el pecho o en la cabeza. Un buen orador juega con el volumen y la modulación de su voz con la misma inteligencia y premeditación con que lo hace un cantante. La voz hablada se mueve dentro de un ámbito de notas más reducido que la voz cantada. Además, mezcla todo tipo de frecuencias vibratorias, y esto hace imposible reconocer un sonido concreto. Sin embargo, si se quiere ser realmente expresivo, la voz hablada debe ser también modulante. La tristeza debe sonar muy diferente que la alegría, la esperanza, el sufrimiento o la sorpresa. Asimismo, la adquisición de unos buenos principios de emisión de voz evitará o disminuirá la fatiga de ésta. Una buena articulación de las palabras hará necesaria menos potencia vocal para decir algo. Una buena técnica respiratoria y un buen uso de los resonadores permitirán a las cuerdas vocales descansar más. Todos los principios y ejercicios que se proponen en este curso serán de gran utilidad para desarrollar una voz hablada rica en recursos declamatorios y expresivos.

4. Consejos de estudio y cuidados de la voz Ten siempre presente lo importante que es estudiar productivamente. Un estudio eficiente hace el aprendizaje rápido y gozoso. Siempre que hagas los ejercicios que se te proponen, o que estés cantando una canción, plantéate unos altos objetivos técnicos y musicales. Analiza los errores que cometes y que te apartan de esos objetivos. Acostúmbrate a grabarte en casete y a usar un espejo de pared cuando estudies. Esto te ayudará a detectar errores y problemas. Precisa cuál ha sido el error, y aporta una explicación lógica y una solución eficaz para resolverlo. ¡Recuerda que, con paciencia y constancia en el estudio, se llega a cualquier parte! Lleva una vida sana. Duerme y come bien. Haz alguna actividad física. Si fumas o bebes alcohol, hazlo con moderación. Bebe abundante agua, preferiblemente a temperatura ambiente. Si hay mucha sequedad , usa un humidificador. Ten cuidado de no hablar demasiado alto en un local donde haya mucho ruido o la música suene muy fuerte. Forzar la voz o gritar para que os entiendan en estos ambientes es nefasto para la voz. Nunca trates de cantar cuando estés enfermo y te duela la garganta al tragar. Es preferible estudiar durante periodos cortos de tiempo varias veces al día, que estudiar mucho tiempo seguido sin la debida regularidad y concentración.

Debes comenzar a cantar cada día haciendo ejercicios previos de calentamiento, tanto físico como vocal. No fuerces nunca las cuerdas vocales , ni al hablar ni al cantar , especialmente en el registro agudo. Busca siempre una sensación natural, armoniosa y placentera en tu voz.

5. El cuerpo y la respiración La relajación corporal es necesaria para tener una buena voz y poder manejarla con libertad y soltura. Siempre que haya tensión en alguna zona de tu cuerpo, mueve la articulación correspondiente. El movimiento suave atenúa las tensiones. Antes de empezar a calentar tu voz, conviene practicar algunos ejercicios físicos suaves que tonificarán tus músculos y relajarán tu cuerpo. La mayoría han de hacerse necesariamente de pie. La respiración es el motor de la voz. Un cantante debe disponer de una gran capacidad pulmonar y de un control absoluto del flujo de aire que llega a las cuerdas vocales. Esto lo conseguirá mediante la respiración diafragmática. Al inspirar aire, el diafragma se tensa hacia abajo. Los pulmones se llenan y la tripa sale hacia fuera. Se sienten empujes en varias direcciones distintas: hacia abajo, a los lados, de frente y hacia atrás. Al espirar, todo vuelve a su posición inicial. Ejercicios: - Jadea mediante golpes cortos y rápidos de la zona abdominal. Ve disminuyendo la velocidad de los jadeos, y aumentando la profundidad de las inhalaciones. La tripa entra y sale en cada ciclo respiratorio. - Pon tu mano derecha sobre tu hombro izquierdo, y tu mano izquierda sobre tu hombro derecho. Empuja con el diafragma hacia abajo al inhalar. No levantes los codos ni los hombros. Inspiración: 4 segundos Retención : 4 segundos

Espiración

:4

segundos Descanso. 4 segundos Aumenta también la duración de los periodos a 6 y 8 segundos. - Inspira empujando con tu diafragma hacia abajo. Retén el aire, y toma un poco más. Retenlo, y toma todavía un poco más. - Llena totalmente de aire tus pulmones. Retenlo. Mediante un empujón rápido hacia arriba del diafragma, expulsa el aire. Da un segundo empujón para expulsar todo el aire. - Llena de aire los pulmones lo más que puedas. Empieza a contar a media voz la serie ascendente de números. Utiliza una única toma de aire. Repite el ejercicio, intentando superar la marca de números a la que puedes llegar

6. El apoyo El apoyo es una fuerza que se debe empezar a producir voluntariamente con el diafragma justo antes de empezar a cantar . Cuando el apoyo está activo , se sienten en la zona abdominal varios empujes : Hacia abajo (el ano), hacia delante (la tripa), hacia los lados y hacia atrás . Este apoyo nos va a permitir racionar, de manera regular y prolongada, el aire que sale de los pulmones y llega hasta las cuerdas vocales. Ejercicios: - Llena tus pulmones de aire. Retenlo unos instantes. Expúlsalo, emitiendo entrecortadamente las sílabas HO, HO, HO, HO. Imita a Santa Claus, cuando se ríe intensamente. Siente la conexión entre el apoyo y la emisión de sonido: A cada HO le corresponde un golpe seco y rápido del diafragma hacia arriba. - Algo te asusta de repente. Entonces, emites ¡ooooh!, mientras inhalas aire rápidamente. Al hacerlo, el diafragma se tensa hacia abajo. El vientre se expande hacia fuera. Siente los empujes mencionados anteriormente. - Toma aire, como con gesto de susto o de sorpresa. Retenlo un instante. Suéltalo poco a poco, empujando con el diafragma hacia arriba mientras pronuncias SSSSS. Acaba con una T explosiva. Espiración: 4 segundos. Más adelante, podrás ampliarla hasta 6, 8, 10, 12, 14, 16 segundos, y ¡hasta donde puedas llegar! Puedas probar también a emitir el sonido ShShShShSh y FFFFF durante la espiración.

7. La resonancia Como el sonido producido por las cuerdas vocales es, de por sí, pequeño y pobre , el cantante deberá mandarlo a los diferentes huesos y cavidades que hay en su cuerpo . Éstos actuarán a modo de caja de resonancia, ampliando y enriqueciendo el sonido. Ejercicios: - Pon la yema de tus dedos sobre la parte anterior de tu cuello. Traga saliva, y siente cómo tu laringe sube. En esta posición, la epiglotis impide que el sonido de tus cuerdas vocales salga libremente. Después de la deglución, la laringe vuelve a bajar a su posición inicial. El acto de tragar es contradictorio con una buena producción vocal. Al cantar, tu laringe tendrá que estar siempre en posición baja. - Toca los dientes incisivos superiores con la punta de tu lengua. Lleva ésta hacia atrás hasta que sientas el velo del paladar. El cantante debe construir el tubo de resonancia ideal para su instrumento. La idea de bostezo le será de gran ayuda para este fin. Cuando bostezamos, el velo del paladar está elevado, la mandíbula está bien abierta, la lengua y la laringe están en posición baja. Todo ello es necesario para obtener una buena emisión de voz. - Llena tus pulmones de aire y espira lenta y controladamente, mientras pronuncias MMMMM con diferentes alturas de sonido. Experimenta con diferentes posiciones de tu laringe, mandíbula, lengua y paladar blando para obtener un resultado sonoro óptimo. Haz el mayor hueco que puedas dentro de tu boca, sin llegar a separar los labios. Pensar que tienes dentro de tu boca una patata muy caliente te ayudará a encontrarlo. - Toma aire con la sensación de susto ya vista, pero sin excesiva brusquedad. Retenlo un instante y espira, mientras pronuncias MA una vez y cuentas interiormente hasta 8. Varía la altura del sonido. Haz también el ejercicio pronunciando ME, MI, MO y MU.

Según vas progresando, ve alargando la duración de la emisión de sonido hasta 10, 12, 14, 16 segundos, y hasta donde puedas llegar.

8. Vocales y consonantes Las vocales constituyen el fundamento del sonido al resonar durante toda su duración . Las únicas consonantes que pueden hacerlo también son las consonantes sonoras. Cuando se articula una consonante, se corta ligeramente la columna de aire que trae el sonido producido por las cuerdas vocales . Para obtener una buena resonancia, conviene unificar lo más posible la posición de la mandíbula, los labios y la lengua para las diferentes vocales. Vocales-Ejercicio: - Canta la serie de vocales U-O-A-E-I (en este orden específico y en su inversión I-E-A- O-U) sobre notas largas. Suaviza la transición entre vocales. No muevas tanto los labios como cuando hablamos habitualmente. No tires mucho de la comisura de los labios hacia atrás para encontrar la "I". La "I" tiene que tener también espacio interior en la boca. Escúchate con atención y busca una gran resonancia para todas las vocales. Consonantes-Ejercicio: - Métete un lápiz o bolígrafo atravesado entre tus dientes superiores e inferiores. Comienza a pronunciar así, con la mayor claridad que puedas (¡que no será mucha!), el texto que quieres estudiar. Es importante tener en cuenta que un cantante divide las palabras en sílabas de forma diferente a como nos enseña la gramática. Tomemos un ejemplo cualquiera. Cuando decimos: "Happy Birthday", la gramática dividiría la palabra Birthday del siguiente modo: Birth-day. Pero un cantante uniría la rth a la segunda sílaba, es decir: Bi-rthday. Esto se debe a lo anteriormente señalado: sólo las vocales tienen capacidad de resonar y proyectar un sonido pleno hasta el público. Por lo tanto, las consonantes que están al final de una sílaba, se pronuncian sólo al final de ésta. Tan al final se pronuncian, que se las considera como unidas a la consonante inicial de la siguiente sílaba o la siguiente palabra. Es importante que tengas esto presente siempre que tengas que cantar un texto, pues tu voz resonará más y tu pronunciación será más inteligible.

9. Unificación de registros y expansión de la técnica La voz humana consta, según la altura de frecuencia por la que se mueva, de dos o tres timbres distintos. El paso de uno a otro suele ser perceptible e incluso brusco, cuando la voz no está educada. El cantante deberá pues tratar de suavizar este paso para unificar y equilibrar el color de su voz. Ejercicios: - Imagina que estás disfrutando del olor de un plato exquisito . Recorre todo tu registro sonoro pronunciando con gusto MMMM, y deslizándote desde la zona aguda hasta la grave. Haz el ejercicio en sentido inverso también. Haz el mismo ejercicio, pero haciendo vibrar esta vez los labios entre sí, debido al paso del aire. Debes lograr, con el tiempo, que el paso de un registro a otro de tu voz sea suave e imperceptible al oyente.

El paso de una nota a otra muy distante en altura, no debe ser traumático. Para suavizar el salto, controla bien el apoyo del diafragma y la altura del paladar blando. Haz todo con naturalidad, y recuerda: ¡no subas nunca la laringe, especialmente en los saltos ascendentes! - Se consigue crecer o disminuir el volumen de la voz dosificando, mediante el diafragma, el flujo de aire que pasa a través de las cuerdas vocales. Canta notas largas y, durante su duración, haz crescendos seguidos de diminuendos y al revés.

10. El Vibrato El vibrato es una ligera oscilación de la frecuencia de un sonido. Cuando se usa bien, aporta calidez y proyección a la voz. Para estudiar el vibrato, asegúrate primero que has asimilado los conceptos y ejercicios vistos hasta ahora, en especial los de Respiración y los de Apoyo. Ejercicios: - Pronuncia la sílaba KO varias veces sobre un mismo sonido. A cada KO, le debe corresponder un golpe de diafragma hacia arriba. Variante: Lo mismo, pero con O,O,O,O. Variante: Vas a cantar también O,O,O,O, pero ahora no llegas a cortar totalmente la columna de aire entre cada O. Los empujes del diafragma son más sutiles y el efecto sonoro es más parecido al vibrato . - Canta cualquier nota con vibrato. Siente los pequeños impulsos de dos en dos. Ve aumentando muy progresivamente la velocidad de éstos. Llegado el momento, sentirás la necesidad de agrupar tus impulsos de tres en tres. Sigue aumentando la velocidad, hasta organizarlos de cuatro en cuatro. El agrupar los impulsos debe llegar a ser poco a poco una sensación interior tuya solamente. El oyente no deberá percibirlo cuando cantes con vibrato durante una actuación.

11. Cómo controlar los nervios No existe un remedio eficaz y garantizado para toda situación de nervios y miedo escénico, ya que este tema tiene complejas implicaciones psicológicas. Sin embargo, he aquí a continuación una serie de recomendaciones que te permitirán controlar los nervios relativamente bien, e incluso usarlos para beneficio de tu interpretación. Siempre que vayas a actuar delante de un público, has de llevar tu papel perfectamente aprendido. Lo maravilloso de la música es su poder de comunicación. Lo importante de tu actuación no debes ser tú, sino el mensaje que transmites a tu público. Tú debes servir a la música, y no al contrario. Tus posibles errores humanos no podrán apartarte de tu noble cometido. Disfruta con lo que estás haciendo. Muévete sin complejos para desbloquear las posibles tensiones de tus articulaciones. No salgas al escenario para actuar en frío. Calienta suavemente tu voz antes. Debes asimismo estar familiarizado con las condiciones acústicas de la sala donde vas a actuar.

El remedio más eficaz contra los nervios está dentro de ti. Siempre que sientas que los nervios empiezan a controlarte peligrosamente, fija tu atención mental en tus sensaciones corporales y en tu respiración. Inspira aire lentamente, contando hasta seis segundos. Retén el aire dos más. Espira seguidamente de manera regular durante seis segundos, y descansa otros dos más. Repite el ciclo hasta que sientas que te vas calmando.

12. Cómo estudiar una canción Estudia la música y la letra de una canción por separado al comienzo, para simplificar la labor . Más adelante, los relacionarás entre sí, para poder así sentir esa obra como un todo orgánico. Un análisis correcto de la música es aquel que, como una cámara de cine, va acercándose desde lo general a lo particular y pequeño. Analiza la estructura de la canción, las melodías y sus características, y finalmente los motivos e incluso las notas sueltas. Fíjate también en la instrumentación y en pequeños detalles de relevancia que ese arreglo pueda tener. Lo primero a tener en cuenta cuando estudies la letra de la canción es que se entiendan todas las palabras con absoluta claridad. Como ejercicio de dicción, pronuncia el texto sin separar los labios entre sí. Debes también comprender y sentir el contenido del texto, para así poderlo expresar de una manera personal y convincente artísticamente. Estudia a continuación la melodía con su texto. Utiliza primero las vocales de éste solamente, prescindiendo de las consonantes. Intenta trasladar esta facilidad y naturalidad con que cantas, cuando añadas las consonantes más adelante. Recuerda ante todo que tu voz y tu técnica vocal no son un fin en sí mismas. Deben estar siempre al servicio de tu interpretación. Grábate regularmente tanto en cassette como en video. Así podrás analizar y estudiar en detalle tu interpretación musical y teatral. No caigas nunca en la rutina cuando cantes algo . No cantes la misma frase dos veces igual . Explora nuevos caminos constantemente y descubre el maravilloso mundo de lo imprevisible . El público sabrá agradecértelo.

Cómo aprender a cantar Parte 1 de 3: Empezando

1 Comienza con ejercicios de respiración. Los ejercicios de respiración te permitirán controlar mejor la nota y la duración de tu canto. No es de extrañarse: los cantantes que pueden respirar profundamente y consistentemente obtienen un mejor rendimiento de su voz.. • Practica la apertura de la abertura de tu garganta. Relaja y abre la mandíbula como un pez lo haría fuera del agua. Empieza flexionando tus músculos faciales un poco en el medio. • Prueba los siguientes ejercicios de respiración antes de calentar: • Empieza al inhalar un par de respiraciones profundas de aire. Imagina que el aire es realmente pesado a medida que lo vas respirando. • Deja descender el aire por debajo del ombligo, en el diafragma. Exhala y repite varias veces. • Consigue una almohada ligera, de plumas, y práctica mantenerla en el aire, como si estuvieras haciendo malabares con una pluma con tu corriente de aire. Gradualmente vuela la pluma realmente alto y trata de mantenerla ahí. • No permitas que tu pecho se colapse mientras mantienes la pluma en el aire. Trata de mantener el flujo de aire que viene de tu diafragma.

2

A continuación, empieza a calentar. Tus cuerdas vocales son un músculo, tal como tus bíceps, y necesitan estirarse antes de hacer cualquier levantamiento pesado. Puedes calentar de muchas maneras. • Practica tus escalas mayores, empezando con el Do central, bajando en semitonos antes de subir. No te exijas antes de que realmente estés cantando y trata de avanzar lentamente. A medida que continúas calentando, mejorarás al articular todas las notas en las escalas. • Las notas que alcanzarás empiezan como Do-Re-Mi-Fa-Sol-Fa-Mi-Re-Do y avanza, ya sea para arriba o para abajo, en un semitono por cada escala nueva.

3

Encuentra tu rango. Tu rango es la medida de notas que puedes cantar entre tus notas más bajas y más altas. Prueba cualquier número de escalas de música clásica (puedes encontrarlas fácilmente con una búsqueda simple en internet) y ve cuales notas en la parte inferior y en la parte superior son imposibles para que las cantes claramente.

4

Intenta cantar una canción que te guste con una grabadora de voz cercana.Asegúrate de que la música esté tranquila y tu voz sea lo que realmente graba la grabadora. Cuando termines de cantar, revisa si estás cantando en tono. También revisa para ver si estás: • Articulando palabras claramente, especialmente las vocales. Al principio, artícula las palabras en exceso, realmente practica en conseguirlas correctamente. • Respirar correctamente. Las partes vocales difíciles requieren que estires tu voz por un período de tiempo más largo. Necesitarás ser un respirador fuerte para hacer esto.

5

Toma mucha agua. Bebe agua tibia para mejores resultados, ya que esto afloja tus cuerdas vocales. Dale a tu cuerpo tiempo para absorber el agua. Evita los productos lácteos o bebidas espesas, como los batidos, inmediatamente antes de cantar.

6

Practica diariamente. Cada día, practica tus ejercicios de respiración, rutina de calentamiento y canto grabado. Escucha las partes en las que no llegas con tu voz y sigue avanzando. Puede tomar varias semanas de práctica para conseguir dominar una sola canción. Cosas que necesitarás • Compra una grabadora con micrófono integrado, o encuentra una en la que se pueda conectar un micrófono. Una máquina de karaoke funciona perfecto. o También puedes utilizar la función de grabar de tu reproductor de mp3, si la calidad es buena, para revisar tu uso de un micrófono. • Un reproductor de CD portátil o mp3 es necesaria para reproducir al cantante de tu elección y las canciones que deseas aprender. • Hojas con las letras de la canción que estarás practicando. • Un atril (o ayudante dispuesto) para la hoja lírica. • Agua.

ESTE LIBRO SE TERMINO DE IMPRIMI EN CONJUNTO A MAESTROS DE LA MUSICA ANONIMOS Y FIELES A SUS PRACTICAS. (HONDURAS/TEGUCIGALPA) 2002-2022 CON UNA CANTIDAD INDEFINIDA DE EJEMPLARES EDICIONES SESLI, ES UNA ABREVIATURA DE NUESTRO RESPETADO MOISES ELIAS.

SESLI

EDITADO POR: FUNDACION ONLY POWER BOOK TEEFONO: 504 CODE AREA NETWORK 9995-9615 CORREO DE TITULARES POR ENCARGO ([email protected])