El Diseño Art Déco en La Europa de Entreguerras

República Bolivariana De Venezuela. Ministerio Del Poder Popular Para La Educación. Instituto Universitario Politécnico Santiago Mariño. Sección: “A” Turno: Diurno Semestre: VI.

El Diseño Art déco en la Europa de Entreguerras

Profesor:

Alumno:

Oscar Blanco

Isabella Rivas C.I. 28.561.005 Escuela #48

Caracas, 17 de Mayo del 2021

Índice Introducción........................................................................................................... 3 Arts Nouveau ......................................................................................................... 4 Características del Art Nouveau .......................................................................... 5 Máximos Representantes y Obras Emblemáticas .............................................. 8 Arthur Heygate Mackmurdo. ................................................................................ 8 Víctor Horta.......................................................................................................... 9 Henri de Toulouse-Lautrec ................................................................................ 11 Héctor Guimard ................................................................................................. 13 Antoni Gaudí (1852-1926) ................................................................................. 14 Periodo Histórico Político-Social al Momento de su Aparición. ..................... 15 Aportes al Diseño Industrial ............................................................................... 16 Art Deco y el Periodo Histórico Político-social al Momento de su Aparición.17 Características Compositivas ............................................................................ 21 Máximos Representantes y Obras Emblemáticas ............................................ 23 Jean Dupás:....................................................................................................... 23 Robert Eugène Poughéon ................................................................................. 23 Jean Gabriel Domerge ....................................................................................... 23 Tamara Lempicka .............................................................................................. 24 Aportes al diseño Industrial ............................................................................... 24 Muebles del Art Deco .......................................................................................... 25 Conclusión ........................................................................................................... 28 Bibliografía........................................................................................................... 29

Introducción Después de la primera guerra mundial surgió lo que fue la revolución industrial, que es un hito muy importante que cambió mucho el paradigma de desarrollo en todo el mundo, fue un evento sumamente importante para la humanidad ya que se trasladó más allá del proceso de producción, los productos ya no se fabrican por artesanos si no máquina, que hicieron el proceso de producción mucho más rápido y permitió una producción en masa, poniendo así más productos en el mercado, logró un mayor ingreso real que llevó a estimular la economía y ganancias en bienestar para la población en general. A raíz de esto, surgieron diversos movimientos artísticos, unos de ellos fueron el Arts Nouveau y el Arts Deco, cada movimiento o estilo artístico reflejó el arte con ciertos rasgos similares durante una etapa de tiempo, siendo un fenómeno de expresión artística que manifiesto las características propias de la época. En el siguiente trabajo investigativo se realizara la explicación más detallada para poder entender de qué se trataron ambos movimientos.

Entre 1870 y 1914, Europa conoció un período de paz sin precedentes ya que, durante esos cuarenta y cuatro años no hubo grandes conflictos bélicos internacionales. Fue, además, un período de expansión económica como consecuencia de la Segunda Revolución Industrial. La industrialización favoreció el incremento del empleo y, por lo tanto, del ingreso económico de las familias. Las mejoras en la alimentación, la medicina e higiene provocaron un importante crecimiento de la población y al mismo tiempo un fenómeno de urbanización. Así se conformó una sociedad urbana optimista e industrializada que se veía a sí misma como moderna, cosmopolita y dinámica con una gran confianza en el progreso científico y tecnológico como vehículo para mejorar la vida de las personas. Se suele llamar a este período belle époque por el ambiente de optimismo y confianza en el futuro que caracterizó a la sociedad europea. En este contexto surgieron una serie de movimientos artísticos que denominamos en forma genérica, modernismos entre los que se puede mencionar el Art Nouveau y el Art Deco.

Arts Nouveau Cada movimiento artístico ha tenido una explicación y un por qué referente a su nombre

o

aquellos

términos

que

se

han

elegido

para

designarlo.

En el caso de este estilo artístico, encontramos la particularidad que oficialmente en Francia y en el resto del mundo ha sido conocido como Art Nouveau pero luego el nombre varía dependiendo de la región. Sin embargo, internacionalmente se lo conoce así y esto hace referencia a la idea de que el mismo representó un estilo de arte nuevo, moderno, renovado en comparación a lo

que

se

venía

exponiendo

en

la

época

en

la

que

surgió.

Cuando hablamos del origen de este estilo, debemos situarnos especialmente en la Europa de fines del siglo XIX y principios del XX, más específicamente entre 1890 y 1910. Art Nouveau tomó su nombre de la Maison de l’Art Nouveau (Casa del Arte Nuevo), una galería de arte abierta en 1895 por el marchante de arte franco-

alemán Siegfried Bing que presentó el nuevo estilo. En Francia, el Art Nouveau también fue llamado a veces por el término británico «Estilo moderno» debido a sus raíces en el movimiento Arts and Crafts, Style moderne, o Style 1900. También a veces se lo llamó Style Jules Verne, Le Style Métro (después de Hector Entradas de metro de hierro y vidrio de Guimard), Art Belle Époque y Art fin de siècle.

Características del Art Nouveau El arte académico del siglo XIX estaba dominado por el historicismo, particularmente

en

arquitectura

(neoclásico,

neorrománico,

neogótico,

neobizantino, etc.). El art nouveau reaccionó contra eso y propuso un estilo moderno y propio para la época. Procuraba liberarse de la imitación y apostaba por un estilo urbano que se irradiara en todas las artes. De este modo, acompañó los intereses y gustos de la burguesía. De allí surgió un deseo profundo de originalidad

y

libertad

que

definió

las

características

del

Las principales características del Art Nouveau son las siguientes:

movimiento.

 Es un estilo anticlásico, de ruptura con los estilos anteriores. Cuestionó los historicismos, es decir, la repetición de fórmulas legitimadas por las academias, porque consideraba que representaban la imposición de la autoridad del Estado. Reemplazó las estructuras establecidas por formas libres, dinámicas y naturales.  Es un estilo ornamental cuyas manifestaciones más frecuentes se pueden ver en la arquitectura, las artes decorativas (muebles, vajillas, elementos decorativos, textiles, encuadernación), la gráfica y la joyería. Es decir, en las formas artísticas vinculadas a la vida cotidiana de las personas.  Proponía la intervención artística en el urbanismo para invadir las ciudades de formas orgánicas, relacionadas con la vida natural y, así, transformarlas en un espacio agradable, elegante, moderno y alegre.  Planteaba la desaparición de jerarquía entre las artes mayores (pintura, escultura, arquitectura) y las artes menores (joyería, decoración, industria gráfica, etc.). Pretendía que el lenguaje modernista abarcara todos los espacios, desde el diseño de las ciudades hasta los elementos mínimos de la vida diaria.  Las formas típicas del Art Nouveau fueron las líneas onduladas, orgánicas y fluidas. Algunas de sus inspiraciones fueron:  Las formas de la naturaleza estilizadas e idealizadas para obtener unas líneas decorativistas y elegantes. En ese sentido, una influencia importante en la estética del movimiento fueron los estudios de la naturaleza asociados a los nuevos adelantos tecnológicos, como las fotografías botánicas de Karl Blossfeldt.  Elementos orientales, especialmente chinos y japoneses, cuyos modelos y formas fueron reinterpretados libremente.  La estética Art Nouveau se caracterizó por la asimetría, irregularidad y fluidez de las líneas.  Se usaron materiales maleables, coloridos y con transparencia como el vidrio, los esmaltes, las maderas y los metales.

 Se integraron la estructura y la ornamentación de los objetos, adaptando la forma a la función. En este sentido, fue el antecedente necesario de otros movimientos como el Art déco y la Bauhaus.  Buscó la integración entre arte e industria, para producir masivamente productos con un diseño estético acorde a los parámetros del estilo.

Máximos Representantes y Obras Emblemáticas La lista de artistas y obras del Art Nouveau es larga, siendo muchos los arquitectos, pintores, ilustradores, acuarelistas, joyeros y vidrieros que formaron parte de este movimiento. Entre los artistas del Art Nouveau más representativos nos encontramos con Arthur Heygate Mackmurdo. (Nacido el 12 de diciembre de 1851, fallecido el 15 de marzo de 1942) fue un arquitecto y diseñador industrial inglés que influyó notablemente en el movimiento de Arts and Crafts a través del Century Guild of Artists (Gremio de Artistas Century) el cual fundó en compañía de Selwyn Image en 1882. Mackmurdo comenzó su aprendizaje con el arquitecto de estilo arquitectónico neogótico James Brooks en 1868. En 1873 visitó la Escuela de Dibujo de John Ruskin, y acompañó a Ruskin a Italia en 1874. Ese mismo año Mackmurdo abrió –a los 28 años- su propio estudio de arquitectura en Southampton Street, Londres. El Century Guild of Artists fue uno de los gremios de artesanos más exitosos de la década de 1880.

Ofrecía amueblado completo de casas y edificios y animaba a sus artistas a participar tanto en la producción como en el diseño; el mismo Mackmurdo se encargaba de dirigir distintos trabajos, incluyendo metalistería y ebanistería. A Arthur Mackmurdo se le consideran los ejemplos más antiguos de Art Nouveau, en especial su silla diseñada en 1882 y el grabado para la cubierta de un libro (Las primeras iglesias de Wren) de 1883. Ambos ejemplos muestran las líneas ondulantes que habrían de convertirse en sello distintivo del movimiento. En 1884 fundó la revista The Hobby Horse, que contribuyó a la difusión de la corriente Arts and Crafts en Europa.

Esta obra es un grabado en madera de una alta calidad artesanal que sirve de base para la impresión de la portada del libro de Wren. Un grabado en el que Mackmurdo recrea formas naturalistas y abstractas empleando para ello las características formas curvas típicas del modernismo. La portada se adorna con

imágenes vegetales y florales que decoran y aportan movimiento e imprimen energía al conjunto.

Víctor Horta Gante, Bélgica, 1861 - Bruselas, 1947) Arquitecto belga. En los inicios de su carrera, a partir de 1893, creó un lenguaje original, basado en el predominio de la línea curva y en la integración de los elementos arquitectónicos y decorativos, con lo que se convirtió, junto con Henry Van de Velde, en uno de los pioneros y principales representantes del modernismo arquitectónico en Bélgica, como lo fueron Antoni Gaudí en España u Otto Wagner en Austria. En la Casa Tassel, en Bruselas, su primera realización, se advierte ya esta orientación estilística, que culminó en el Casa Solvay, caracterizada por una original decoración diseñada por él mismo e inspirada en motivos vegetales. La Casa Tassel fue en su momento una obra rupturista que generó una viva polémica entre la sociedad de Bruselas. En ella conviven armónicamente estructura y ornamentación, sobre la base de los materiales más modernos de su época, el vidrio y el hierro, que por primera vez eran utilizados en una vivienda

particular. Otra de las innovaciones que aporta el arquitecto es la distribución de la planta del edificio: Víctor Horta sustituyó el formato típico de los vestíbulos de las casas belgas, un pasillo, por un espacio octogonal más amplio. Pero quizás sea la mencionada armonía entre funcionalidad y decoración el elemento más interesante de esta obra cumbre de la arquitectura del Art Nouveau. Las características "formas-látigo", tan representativas del modernismo, se adaptan sin dificultad en los mosaicos de los pavimentos, los esgrafiados de las paredes, las barandillas de hierro y todos los demás rincones de la casa. En 1897 dirigió las obras de la Casa del Pueblo, edificio destinado a albergar las oficinas del sindicato de trabajadores socialistas, en el que consiguió de nuevo una estrecha relación entre estructura y decoración. Un buen ejemplo de ello es la ornamentación del techo de la planta de oficinas, que está dibujada por las mismas vigas de sustentación. Víctor Horta evolucionó posteriormente hacia una mayor sobriedad y, tras una estancia en Estados Unidos a comienzos del siglo XX, pasó a cultivar una arquitectura purista con la que no logró tanto éxito como había obtenido con sus edificios modernistas.

Esta construcción se realizó entre los años 1892 y 1893 en Bruselas, Bélgica. Una vivienda unifamiliar en la que Horta empleó materiales como la cerámica, la

madera, el vidrio, el hierro o la piedra. La obra se convirtió en una de las primeras construcciones en plasmar y materializar los principios del Modernismo. Henri de Toulouse-Lautrec (Albi, Francia, 1864 - Malromé, id., 1901) Pintor, dibujante y cartelista francés. Fue uno de los artistas más representativos de la bohemia parisiense finisecular, cuyos personajes y ambientes reflejó en sus cuadros con una insólita libertada creativa, preludiando las nuevas tendencias del arte contemporáneo. ToulouseLautrec se relacionó, entre otros creadores, con Vincent van Gogh, Pierre Bonnard y Paul Gauguin, y de este último tomó algunos rasgos estilísticos, como el uso de los contornos pronunciados. Pero las obras que más influyeron en su peculiar estilo fueron las de Edgar Degas y las estampas japonesas ukiyo-e. Del grabado japonés tomó la liberación del color de toda función descriptiva, su extensión en amplias superficies y la línea sinuosa, mientras que de los maestros del impresionismo admiraba especialmente la captación de la realidad inmediata. Una de las primeras obras en las que se encuentra ya su propio estilo es La caballeriza del circo Fernando (1888, Art Institute, Chicago), en la que refleja el mundo del espectáculo. Los personajes del cuadro poco tienen que ver con la formación impresionista del artista, pues sus rasgos caricaturizados están más próximos al arte oriental.

Toulouse-Lautrec se convirtió en uno de los artistas gráficos más destacados del Art Nouveau al convertir el cartel publicitario en una obra de arte. Un artista innovador que tiene en La Goulue en el Moulin Rouge (1891) uno de sus carteles más reconocibles. La Goule nos ofrece la imagen icónica de la bailarina francesa de can-can. Una imagen que se recrea con solo unas pocas líneas simples que logran ofrecer una sensación de movimiento y ritmo. La imagen se rellena con colores planos al estilo de las pinturas japonesas. Las letras rojas el nombre del cabaret también evocan la energía e las actuaciones de los bailarines del Moulin Rouge.

Héctor Guimard Fue el arquitecto insigne del Art Nouveau en Francia. Su obra, enmarcada dentro de los cánones del Movimiento Modernista, sigue un plan libre vigoroso y asimétrico en cada proyecto y dotan a Guimard de un estilo único y trascendente dentro de este movimiento. Parte de su obra, con notable influencia del belga Victor Horta, se ha quedado inmortalizada en las bocas de metro de Paris y puede admirarse aún en rejas, mobiliario y edificios de esta ciudad. En 1900 construyó en París la casa Canivet, el Castel Henriette en Sèvres, la Maison Coilliot en Lille y las entradas y accesos de las estaciones de metro parisinas, llenas de fantasía y en las que utilizó arcos de metal con decoraciones prefabricadas. En 1902 proyectó el Auditorio del edificio Humbert de Romans que se convirtió en una de sus obras más importantes. En este gran auditorio aplicó una construcción de pilares de hierro con forma de árbol de inspiración modernista que, apoyados sobre zócalos de piedra, sostenían la cúpula central realizada en hierro. En 1900 participó en la Exposición Universal de París, donde presentó algunos de sus proyectos arquitectónicos y una muestra de mobiliario, tejidos, piezas de vidrio y otros elementos decorativos de su creación. Este arquitecto francés es uno de los principales representantes del Art Nouveau en Francia. A él se le encarga el diseño de las icónicas entradas de la estación del metro de París. Las entradas del metro están inspiradas en formas orgánicas, siendo la idea inicial que fuesen de una única pieza. Sin embargo, al final terminaron por construirse en varias piezas de hierro fundido. Un diseño complejo que sirvió para acercar los diseños de Art Nouveau a una audiencia masiva que veía este estilo como un lujo.

Antoni Gaudí (1852-1926) Antoni Gaudí es el arquitecto más destacado del Modernismo catalán, siendo conocido por sus originales e inspirados en la naturaleza. Aunque una de sus obras más conocidas es la Sagrada Familia de Barcelona, inacabada, el Parque Güell (1900-1914) es muy representativa del Modernismo y el Art Nouveau. Este parque está integrado en el paisaje que se destaca por sus columnas inclinadas, excavadas de forma aparentemente tosca en las laderas e introduciendo la naturaleza al cubrirlas con enredaderas. Una de sus señas más llamativas e icónicas son los bancos serpenteantes decorados con pequeños fragmentos de baldosas cerámicas, una seña distintiva de la artesanía catalana.

Las formas onduladas, los arcos, los mosaicos son todos típicos del Art Nouveau catalán, en los que participan equipos de artesanos especializados.

Periodo Histórico Político-Social al Momento de su Aparición. Entre 1870 y 1914, Europa conoció un período de paz sin precedentes ya que, durante esos cuarenta y cuatro años no hubo grandes conflictos bélicos internacionales. Fue, además, un período de expansión económica como consecuencia de la Segunda Revolución Industrial. La industrialización favoreció el incremento del empleo y, por lo tanto, del ingreso económico de las familias. Las mejoras en la alimentación, la medicina e higiene provocaron un importante crecimiento de la población y al mismo tiempo un fenómeno de urbanización. Así se conformó una sociedad urbana optimista e industrializada que se veía a sí misma como moderna, cosmopolita y dinámica con una gran confianza en el progreso científico y tecnológico como vehículo para mejorar la vida de las personas.

Se suele llamar a este período belle époque por el ambiente de optimismo y confianza en el futuro que caracterizó a la sociedad europea. En este contexto surgieron una serie de movimientos artísticos que denominamos en forma genérica, modernismos entre los que se puede mencionar el Art Nouveau.

Aportes al Diseño Industrial El Art Nouveau fue el creador de dos nuevas carreras, el diseño gráfico y el diseño industrial, pues en vista de las exigencias de la modernidad, un pintor o un escultor no podían hacer tantas actividades. El diseño involucra más cosas, exige constantemente una capacidad creativa de innovar, crear lo aún no creado; a su vez, el principal objetivo es comunicar a través del arte, saber conseguir y aprovechar la inspiración, para luego crearnos un sello personal. Lo que trajo el movimiento y fue toda una revolución, fue acabar con lo clásico, incorporo estructuras orgánicas con la “línea látigo” del Art Nouveau. Nace en vista que los arquitectos no tenían quien plasme sus ideas en el mobiliario que se integraría a su construcción, por lo que tuvieron que diseñarlos ellos mismos y buscar la manera de hacerlo; pero con los materiales que trajo la revolución industrial, facilitaron la fabricación a los nuevos diseñadores y los incentivaron, estos fueron el hierro y el vidrio. El objetivo de los nuevos diseñadores industriales era diseñar la estructura de todo lo cotidiano, lo que actualmente nos rodea y es diferente a los demás, fue hecho por un diseñador industrial. Son humanistas innovadores que resaltan las cualidades de un objeto. El aporte del Art Nouveau fueron las estructuras orgánicas, fue un medio de potenciar la inspiración de los artistas, que les da una nueva perspectiva del diseño y mayores oportunidades de mostrar su creatividad; eso sí, tomando en cuenta siempre la funcionalidad, la estética y los materiales a usar. Voysey, un pionero de la arquitectura moderna, pertenece a la generación siguiente, que une ambas partes del movimiento estético: renovación en la construcción de casas y en la artesanía; creando el interiorismo, tema principal del

modernismo y última consecuencia de todo el proceso estético de fines de siglo XIX. La tarea era convertir la vivienda toda en obra de arte. Voysey intervino tanto en metal como en textil y mobiliario.

Silla con influencia de Voysey

Art Deco y el Periodo Histórico Político-social al Momento de su Aparición. Después de la Primera Guerra Mundial, el Art Déco surgió como un movimiento opulento

inspirado

en

las

Primeras

Vanguardias.

Con

influencias

del

constructivismo, cubismo, futurismo, art nouveau y el racionalismo de la escuela Bauhaus, este movimiento tuvo su auge en los años veinte, logrando sobrevivir hasta la década de 1950 con repuntes en los años sesenta y ochenta. El término "Art Deco" se utilizó para describir un estilo asociado a la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes celebrada en París en 1925. A veces conocido como "Jazz Moderno" o simplemente "Moderno", fue un estilo popular que se extendió rápidamente a través del diseño y la arquitectura. Todo un éxito internacional, fue utilizado en la moda, la publicidad y el diseño, como una versión popular más suave y lujosa del Art Nouveau. En arquitectura, el

estilo se asoció con el ocio debido a su uso en hoteles, bares, cines y transatlánticos, así como en el contexto más utilitario de bancos, tiendas, edificios de viviendas, fábricas y estaciones de servicio.

A pesar de que la Exposición Internacional de París en 1900, había atraído a un gran número de visitantes, no se puede decir que Francia mostrara una gran innovación en las artes decorativas, debido a esto ya en 1905 los diseñadores franceses eran urgidos a abandonar la ornamentación orgánica del Art Nouveau. La

Société

des

Artistes-Décorateurs

planificó

una

exposición

dedicada

exclusivamente a las artes fabricadas para 1915, pero debido a la Primera Guerra Mundial y la situación política y económica de Europa luego de ella, la exposición no tuvo lugar sino hasta 1925. Las raíces del Art Deco se encuentran en la tradición artesanal y las artes decorativas francesas, y en Francia el "nuevo" estilo incorporó gran parte del pasado. El Art Deco es a menudo interpretado como una reacción formal contra las tendencias curvilíneas del Art Nouveau, sobre todo por su amplio uso de las formas rectilíneas y la geometría en todos los géneros del diseño. Después de la Primera Guerra Mundial, Francia experimentó lo que se ha denominado el "retorno al orden", y el estilo Deco muestra un estado de ánimo

políticamente conservador, que insistía en la continuidad de las tradiciones nacionales tanto como en una novedad estilística. A esto se agregó el uso de materiales y formas exóticas tanto como la adopción consciente de otras fuentes iconográficas: egipcias, mayas y de Oceanía, y las referencias importadas de los movimientos artísticos del momento, como el cubismo y el futurismo. En la exposición de cuatro de las principales tiendas parisinas, Au Printemps, Bon Marche, Magasins du Louvre y las Galerías Lafayette, se establecieron pabellones especializados donde se promovía el trabajo de diseñadores contemporáneos. La

tradicional

élite

parisina

de

alta

costura

fue

una

de

las

primeras en definir el nuevo estilo, en particular, el Atelier Martine, dirigida por Paul Poiret. Las casas de moda que ofrecían gamas de perfumes y cosméticos, que se vendían en envases de lujo llevaron el estilo Art Deco a un público mucho más amplio. Los diseños de moda que se vendían en boutiques y tiendas de lujo fueron muy influyentes en la difusión del aprecio por el Art Deco. En el diseño gráfico, el estilo Art Deco era una mezcla ecléctica donde predominaban las formas rectilíneas y geométricas, las líneas en zigzag se tomaron tanto del baile popular asociado al Charleston como de los zigurats de Egipto, país que recibió considerable atención tras el descubrimiento de la tumba de Tutankamón en 1922.

De hecho gran parte de la obra gráfica asociada al Art Decó fue producida después de 1925, los "livres d'artistes" y los catálogos de exhibición eran parte de una elegante tradición tipográfica francesa. A finales de 1920 se produjo un movimiento general hacia la utilización de grandes titulares en las cabeceras de las revistas y espaciados generosos con cenefas y motivos egipcios usados como decoración en los bordes. Como ejemplo de los tipos de letra asociados al estilo Art Nouveau están la Noir Bifur (1929) y la Acier (1936), ambas diseñadas por A.M. Cassandre. Cassandre y sus colegas de la Alliance Graphique, Paul Colin, Jean Carlu y Loupot Charles, fueron algunos de los mayores exponentes del estilo en Francia con sus carteles y diseños de revistas. En Inglaterra, algunos de los trabajos de Edward

McKnight

Kauffer

pueden

ser

ubicados

dentro

del

Art

Deco.

En los Estados Unidos el estilo se transformó en la década de 1920 debido a la primera generación de diseñadores industriales, que tomó muchos de los motivos visuales del Art Deco y los aplicó al diseño de producto como elementos de racionalización. En Europa ilustraciones y fotografías en revistas de moda mostraban un nuevo estilo en que cabezas de maniquí, a veces soportadas por propuestas neoclásicas, fueron motivos familiares, arlequines y pierrots fueron también abundantes. Esta imaginería apareció en los diseños de accesorios, perfumes, cosméticos y otros artículos pequeños fabricados por empresas de alta costura y grandes almacenes. Asociados al glamour femenino, el Art Deco fue adoptado como el lenguaje apropiado para la arquitectura de los nuevos cines en la década de 1930, estos palacios de imágenes que proveían de sueños y fantasías a través de las películas sonoras, definieron las calles con el uso abundante de luces de neón en sus fachadas. El Art Deco se enfrenta muy a menudo con los principios de la modernidad que buscaba un diseño funcional a través del uso mínimo de materiales y enfatizaba la producción industrial y la estandarización, además el historicismo, el eclecticismo

y la aparente superficialidad del Art Deco fueron mal vistos por los modernistas, tanto por razones estéticas como por razones políticas.

Características Compositivas  No presenta exuberancia y exageración como sí lo hacía el Art Nouveau ya que el contexto sociopolítico de la época de entreguerras era muy complejo y suponía una búsqueda de la simplicidad y de las formas más autenticas antes que del lujo y del gasto.  Buscó la decoración por encima de la funcionalidad.  La característica principal de esta modalidad de arte básicamente es la geometría vigente del cupo, es decir, para entenderlo mejor se basa en la línea recta, la esfera y los zigzags que son una técnica imprescindible.  Las formas son más simples y planas, el interés por la belleza y el arte nunca fueron dejados de lado.

 Intenta representar diversas abstracciones que muestren la naturaleza con sus fluidos acuáticos, nubes ondulantes y rayos luminosos producidos por el sol.  Usa imágenes de fuentes congeladas de manera ascendente.  Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas. También representaban elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus,

las

palmeras,

representados

por

medio

de

delineaciones

geométricas.  Comienza a usar nuevos materiales como por ejemplo son el plástico, la madera de ébano, el cromo, las pinturas naturales de zapa, de tiburón, entre otros materiales menos utilizados es otros estilos como la baquelita, el cromo, el palisandro y el carey.  En la arquitectura, además de usarse de forma continua las figuras geométricas, entre estas formas geométricas es común encontrar rayos o líneas oblicuas, círculos, arcos de medio punto, puntas redondeadas, triángulos,

líneas

rectas.

También

se

recurre

a

los

acabados

escalonadamente y con proas marítimas que son los que sostienen los mástiles. Además de usar puertas ochavadas, arcos y utiliza diversos y lujos materiales como puede ser el aluminio, el mármol y el granito.  La utilización de figuras humanas. Estas figuras representaban hombres obreros, gimnastas y en general los habitantes de la época, aunque también hacia una grata representación de mujeres que eran participes de la producción económica e iban vestidas con una moda mucho más atrevida y con el pelo corto a modo de chico, además en diversas representaciones de mujeres estas fumaban y eran participes de cocteles, por lo tanto se podía presentir que la mujer estaba dotada de una gran libertad.  Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca, maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos

arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos o indios.

Máximos Representantes y Obras Emblemáticas Jean Dupás: desarrolló un estilo abstracto altamente personal que con sus alargamientos y sus expresiones deshumanizadas, supo captar con gran precisión el espíritu de la época. Robert Eugène Poughéon este artista desarrolló un estilo abstracto en el cual destacaba por sus temas de la anatomía, por una musculosidad pronunciada y angulosa, muchas veces heroica en sus proporciones o por la presencia de las figuras alegóricas en ambientes naturalistas. Fue un artista muy importante dentro del Arte Déco. Jean Gabriel Domerge: desarrolló su talento en la pintura. Creaba retratos atractivos desnudos.

de

personajes

Mezclaba

mundanos

imágenes

de

París,

neoclásicas

estrellas y

del

modernas

teatro en

y

unas

composiciones

extrañas

pero

atractivas

y

disponía

sus

figuras

en

escenarios arquitectónicos. Tamara Lempicka: esta pintora nació cerca de Varsovia, siendo una de las artistas en pintura más importantes y representativas del Arte Déco. Se inscribió en la Academia Ramsom, donde estudió con Maurice Denis, discípulo de Cezanne, y con André Lhote, el teórico del cubismo, de donde se ve su influencia por el uso del claroscuro para dramatizar el impacto visual de sus figuras. Desarrolló un estilo personal, enigmático, donde predominaban las imágenes angulares contrastadas y los colores brillantes, con una notable carga de sexualidad. Llegó a pintar unos cien retratos, siendo muchos de ellos desnudos y otros aparecían sobre un fondo de rascacielos neoyorquinos.

Aportes al diseño Industrial En países como Brasil, México, Cuba, Guatemala, Argentina, India, Filipinas y Nueva Zelanda, el Art Déco se convirtió en una puerta de entrada al modernismo que perduró incluso después de la década de 1950. Dentro del diseño, el mobiliario con lujo rectilíneo creado por Louis Süe, Émile-Jacques Ruhlmann o Jacques Leleu, son muestras icónicas de estilo Art Déco. Por otro lado, publicaciones como Vogue adoptaron este estilo en el diseño gráfico, el cual también influenció la moda de Jean Patou, Paul Poiret y Coco Chanel, con apariencia andrógina y trajes con simetría. Asimismo, las joyas de Cartier o Van Cleef & Arpels, tienen influencia de este estilo. Las principales obras de la decoración Déco: se encuentran en joyas, cristales, tejidos, alfombras, muebles de madera con incrustaciones en otros materiales, lámparas de pie y de mesa, y en piezas modernas de uso doméstico como cocteleras, cafeteras, licuadoras, radios, y en general en todo el diseño gráfico e industrial. El diseño industrial hizo un nombre para sí mismo durante la era de Art Deco. Durante los años 30, las compañías de fabricación comisionaron los consultores

del diseño industrial producir una variedad de mercancías. Influenciado por esfuerzos de desarrollar un automóvil más aerodinámico, los diseñadores industriales adoptaron las formas aerodinámicas para un número de objetos. Hecho de los últimos materiales, tales como plásticos, cromo y aluminio, las mercancías domésticas tenían una mirada moderna, alta de la velocidad y estaban disponibles para cada uno debido a la producción en masa. En la arquitectura, la obsesión del Art Déco por el diseño se refleja en el efecto decorativo más que en la estructura, en oposición al funcionalismo.

Muebles del Art Deco El mobiliario francés a partir de 1910 hasta principios de 1920 fue en gran medida una actualización de estilos de muebles tradicionales franceses, y los diseños de art nouveau de Louis Majorelle, Charles Plumet y otros fabricantes. Fabricantes de muebles franceses se sentían amenazados por la creciente popularidad de los fabricantes alemanes y estilos, en especial el estilo Biedermeier, que era sencillo y limpio-alineado. El diseñador francés Frantz

Jourdain, el Presidente del Salón de Otoño de París, invitó a los diseñadores deMunicha participar en el Salón de 1910. Diseñadores franceses vieron el nuevo estilo alemán, y decidieron hacer frente al desafío alemán. Los diseñadores franceses decidieron presentar nuevos estilos franceses en el Salón de 1912. Las reglas del salón indicaron que se permitiría sólo los estilos modernos. Todos los principales diseñadores de muebles franceses tomaron parte en Salon: Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrene, André Groult, André Mare y Louis Sue tomó parte, la presentación de nuevas obras que actualizan los estilos tradicionales francesas de Luis XVI y Louis Philippe con más angular esquinas inspirados en el cubismo y colores más brillantes inspirados en el fauvismo y los Nabis. Jules Leleu fue un diseñador de muebles tradicionales que se movió suavemente en Art Deco en la década de 1920; diseñó el mobiliario para el comedor del Palacio de Elíseo. Su estilo se caracteriza por el uso de ébano, madera Macassar, nogal, con la decoración de placas de marfil y nácar. Él introdujo el estilo de los muebles art deco lacado al final a finales de 1920 y finales de 1930 introdujo muebles de metal con paneles de cristal ahumado. En Italia, el diseñador Gio Ponti fue famoso por sus diseños aerodinámicos. En Estados Unidos los muebles costosos y exóticos Ruhlmann y otros tradicionalistas enfurecieron a los modernos, incluyendo el arquitecto Le Corbusier, lo que le hace escribir una famosa serie de artículos denunciando estilo de las artes DECORATIF. Atacó muebles hechos sólo para los ricos, y pidió a los diseñadores para crear muebles hechos con materiales de bajo costo y de estilo moderno, que la gente común podía permitirse. Él diseñó sus propias sillas, creado para ser de bajo costo y de producción masiva. En la década de 1930, diseños de muebles adaptados a la forma, con las superficies más suaves y formas curvas. Los maestros del estilo tardío incluyen Donald Deskey fue uno de los diseñadores más influyentes; creó el interior de laRadio Ciudad Salón de música. Se utiliza una mezcla de materiales tradicionales

y muy modernos, como aluminio, cromo y baquelita, una forma temprana de plástico.

Conclusión El Art Nouveau promovió una adopción más generalizada del diseño "hermoso", no disminuyó el valor de la máquina o la producción en masa (como lo hizo el Movimiento de Artes y Oficios), sino que aprovechó muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX. El art Nouveau es visto como un importante puente entre el neoclasicismo y el modernismo, y varios de sus monumentos están en la Lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO, en particular el centro histórico de Riga, Letonia, con más de 750 edificios en estilo Art Nouveau. A pesar de que el Art Deco perdió toda su popularidad después de la II Guerra Mundial, este estilo se revitalizó durante los 70 y el auge consumista. Por su lenguaje visual y la naturaleza a la que responde este estilo sigue vigente hoy en día. En definitiva, las pinturas y artículos se hacen cada vez más populares en el mercado del arte y esta apreciación ha llevado a muchas fundaciones a trabajar en la restauración y preservación de los monumentos arquitectónicos construidos en la edad de oro del Art Decó.

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