Curso Completo de Guitarra Rock - Phil Capone.pdf

Curso Completo de

Guitarra Rock Toca como una estrella del rock: domina los estilos de Chuck Berry, Radiohead, Scotty Moore, Foo Fighters, Slayer, Led Zeppelin, AC/DC, Metallica, The Who, Jimi Hendrix, los Rolling Stones, Eddie Van Halen, los Red Hot Chili Peppers, Johnny Marr, Kurt Cobain, Rage Against The Machine y muchos más. Un curso sin líos ni complicaciones para ayudarte a perfeccionar los sonidos de los guitarristas más grandes de todos los tiempos, lleno de consejos profesionales, y que incluye un CD con grabaciones de audio relacionadas con ejercicios prácticos. En las páginas aparecen unos recuadros en color que te explican cómo consiguen tus héroes de la guitarra su sonido-marca. Trabaja estilos clásicos y de heavy, con una dosis sana de blues y un toque de rock alternativo. La guía definitiva para los principlantes de hoy que quieren obtener el sonido perfecto en el rock.

Curso Completo de Guitarra Rock Titulo original: Yes You Can Play Great Rock Guitar Textos: Phil Capone y Paul Copperwaite Concebido, diseñado y producido por: Marshall Editions The Old Brewery 6 Blundell Street Londres N7 9BH (Reino Unido)

Todas las canciones originales han sido compuestas por Paul Copperwaite y Dan Lack. Interpretación adicional de guitarra: Dan Lack Grabación de audio: Jon Hall y George Stuart Director de arte: Ivo Marloh Diseño: The Urban Ant, Ltd.

Coordinación editorial en castellano: UBEdició Traducción: Marta Carretón Salvador Edición y redacción final: Martín Medrano Maquetación: Montserrat Gómez Lao

Del libro: © 2009 Marshall Editions All rights reserved - Todos los derechos reservados Derechos exclusivos de edición en español 2.a edición en castellano ©2015, Parramón Paidotribo. Les Guixeres. c/de la Energía, 19-21 08915 Badalona (España). Tel.: +34 933 233 311 - Fax: +34 934 535 033

http://www.parramon.com

E-rnall: [email protected]

ISBN: 978-84-342-4047-6 Impreso en China

A Daisy, mi relativa menor, con cariño de Paul

Contenido 006 Para empezar 020 Armonía y melodía 038 Cómo tocar riffs 052 Cómo tocar solos 072 Cómo tocar blues 090 Cómo tocar rock ‘n’ roll 108 Cómo tocar rock clásico 126 Cómo tocar heavy metal 154 Cómo tocar la guitarra rítmica 170 Cómo tocar rock alternativo 188 Directorio de acordes 191 índice y agradecimientos

Para empezar Este capítulo pretende darte los conocimientos necesarios para que gastes tu presupuesto con criterio. Quizá te han regalado una guitarra y quieres saber qué otro equipo necesitas para sacarle el máximo partido; o estás a punto de hacer una compra crucial: tu primera guitarra eléctrica. Disfruta de la experiencia de comprarla: es tu oportunidad para echar un vistazo a la amplia gama de estilos, formas y colores que hay en el mercado. Así que saboréalo, no hace falta precipitarse en una compra impulsiva. Ten en mente el estilo de música que quieres tocar. Puede parecer obvio, pero tal vez en el momento no se le da la importancia que tiene. No estamos hablando sólo de la apariencia; los elementos sobre los que tendrás que elegir Incluyen el tipo de cuerpo, las pastillas, la forma óptima y el radio del mástil (ver página 13), los efectos y accesorios, y de qué tipo serán (ver página 18). Igual que un buen par de zapatos, una clásica todoterreno como una de estilo Stratocaster o Les Paul te valdrá para la mayoría de las ocasiones y será la que mejor aguante el paso del tiempo. Por lo menos al principio, ve a por los clásicos antes que a por la última moda (en especial cuando se trata de guitarras de siete y ocho cuerdas). Si la eliges por la calidad de la construcción antes que por características caprichosas, tu primera guitarra puede durarte toda la vida, aunque con el paso del tiempo te compres muchas otras.

B. C. Rich Warlock

La forma distintiva de la B. C. Rich Warlock la hace reconocible inmediatamente. A Kerry King, de Slayer, le encanta, hasta el punto de que ahora B. C. Rich fabrica una guitarra de diseño Kerry King. Otros guitarristas notables son Mick Thompson, de Slipknot, y Paul Stanley, de Kiss. Obviamente, ésta es una guitarra nueva: fíjate en las fundas de plástico de las pastillas.

Para empezar

Como usar este libro El objetivo de este libro es darte la posibilidad de aprender a tocar la guitarra de manera sencilla, indolora y a tu ritmo. Descubrirás los secretos del guitarrista de eléctrica, cómo escribir tus propios riffs arrolladores, cómo flotar por encima de la armonía en los solos e incluso cómo componer tus propios temas.

A medida que avances en los capítulos, verás que cada ejercicio

inhiba de alguna manera su Inspiración y su sentir de la música.

tiene un archivo de sonido asociado, que encontrarás en el CD

Aunque es cierto que muchas veces los grandes bluesmen no

adjunto. Muchos ejercicios sólo acompañados de texto pueden

pueden decirte los nombres de las notas de las que sacan tanto

dejarte con la duda de si lo que estás tocando suena del todo

sentimiento, eso no quiere decir que por mucho que llenes tu

correcto, Incluso cuando sí que está sonando bien. Con este libro

cabeza con teoría, no puedas cuando tú quieras decidir ignorarla

puedes pasar al siguiente ejercicio con la seguridad de que el

y guiarte por el sentir. Aprender no mata la pasión: te permite

último lo hiciste bien.

expresarla mejor.

Las normas son tus aliadas. Primero apréndelas y siempre podrás romperlas después. Sólo son maneras rápidas de resumir

En definitiva, la última palabra la tiene tu oído. Si al final te encuentras decidiendo entre lo que dice un libro como éste, que

siglos de conocimiento humano y de experiencia en la música.

está bien, y lo que te suena bien a ti, elige la segunda opción: esto

A muchos guitarristas principiantes les preocupa que aprender

es rock ‘n’ roll.

Acordes

La disposición de los acordes está señalada con puntos sobre el mástil. Los rojos indican notas fundamentales. Los números de dentro son los dedos de tu mano izquierda (1 = índice, hasta el 4, = meñique). Los números de abajo indican los trastes.

008

Recuadros

El texto de los recuadros brinda información extra sobre estrellas del rock y grupos, así como comentarios al margen.

Escalas

Notas

Las escalas están señaladas con puntos sobre el mástil, mostrando la digitación cuando es necesario.

Las notas fundamentales aparecen en rojo, las otras en amarillo.

Para empezar

UN COMENTARIO SOBRE DIESTROS Y ZURDOS En este libro hay excepciones a la convención de usar los términos "mano de rasgueo” o “mano de punteo” y “mano de los trastes", ya que hay veces que no estás llevando a cabo estas acciones en concreto. Para evitar confusiones, en las lecciones nos referimos a las manos como si habláramos para el guitarrista diestro.

Dick Dale

Dale, apodado el “rey de la guitarra surf", era un guitarrista zurdo al que al principio obligaron a tocar según el modelo diestro, un poco como a Jimi Hendrix. Sin embargo, Dale lo hizo sin cambiar el orden las cuerdas de la guitarra, lo que quiere decir que efectivamente tocaba al revés. Incluso cuando se compró una guitarra para zurdos, Dale siguió colocando las cuerdas al revés.

EL SISTEMA DE CIFRADO DE NASHVILLE En cifrado y composición musical, los números arábigos (1, 2, 3, etc.) Indican la nota de la escala, y los números romanos (I, IV, V), los acordes construidos sobre cada nota. En un acorde Indicado según Guitar heroes

de la

este sistema, el modo (mayor o menor)

Historia

deriva de su posición dentro de la escala,

Para cada estilo de música destacamos los iconos del género con comentarios sobre su estilo e impacto musical.

de manera que, por ejemplo, un acorde

Ejercicios

Para ayudarte a tocar a vista, cada ejercicio está acompañado por su notación en tabulado (tab).

II siempre será menor, y un acorde VII disminuido.

(N. de la T.) En esta edición en español hemos optado por mantener el cifrado anglosajón mediante letras (A, B, C) en cuanto a la nomenclatura y cifrado de acordes. De modo que, A = La, B = Si, C = Do, D = Re, E = Mi, F = Fa y G= Sol. Sin embargo, cuando nos referimos a nombres de notas solas, como en el caso de las cuerdas de la guitarra, o a tonalidades, utilizamos la nomenclatura tradicional, en consonancia con el uso (por ejemplo, la nota La, la cuerda Mi o la tonalidad de Do mayor).

009

Para empezar

Cómo elegir tu guitarra Aprender a tocar un instrumento ya es todo un reto; no hay ninguna necesidad de hacerlo aún más difícil teniendo que aprender en un instrumento de mala calidad. Así que deja que nuestras sugerencias te guíen hasta hacer la compra perfecta: prometemos que no te arrepentirás.

Hoy en día, en el mercado hay una variedad increíble de guitarras

que te permita probarla antes de comprarla. Solemos pensar que

eléctricas. Y gracias a la buena calidad de la mayoría de los

las guitarras acústicas son tan frágiles y delicadas como los folkies

fabricantes orientales, para pagarte una buena no tienes que

que las tocan, pero las eléctricas tampoco son a prueba de bala.

sacarte un riñón. También hay un montón de gangas de segunda

Así que es crucial que te asegures de que un instrumento usado

mano que hay que considerar. Sin embargo, ve con cuidado si vas

se ha conservado en buenas condiciones y de que no está a la

a comprar tu guitarra online, a menos que sea de un vendedor local

venta por ser una patata. Lo más importante que debes recordar

010

Para empezar

es que necesitas un instrumento que sea cómodo de tocar y capaz

Las tiendas de guitarras son tus aliadas: un buen vendedor

de crear una gama amplia de sonidos. Una buena guitarra te dará

está acostumbrado a tratar con gente que empieza, así que no

ganas de tocarla; también crecerá contigo a medida que de manera

creas que tendrás que aguantar una actitud competitiva o superior.

inevitable se amplíen tus gustos musicales. Aquí te indicamos

Si lo prefieres, pide que él toque la guitarra, pero ten en cuenta que

algunos puntos que hay que tener en cuenta a la hora de elegir el

seguramente la pasarán por el mejor ampli de la tienda. Lo ideal es

tipo de guitarra. Pero primero, unas observaciones aplicables a

que te acompañe un amigo guitarrista.

todas las guitarras:

Una buena afinación es la prueba de que tu guitarra tiene el mástil recto. En instrumentos de segunda mano, comprueba el

Busca una con una afinación regular. La afinación es el grado

estado de los trastes: que debajo de cada cuerda los trastes se

en que la guitarra está afinada con respecto a ella misma. Una

vean desgastados puede indicar que las cuerdas rozan el traste al

mala afinación puede significar que la guitarra necesita un buen

vibrar, y cambiar los trastes puede ser caro.

repaso, o que tiene algún problema irresoluble, seguramente en el mástil. En general, es mejor evitar las guitarras así, a menos que un

Pruébala antes de comprarla. En Internet hay un montón de

guitarrista experto en el que confíes te diga que se puede arreglar.

ofertas que parecen muy buenas, pero cada guitarra es diferente, y

Si está mal afinada, aunque las cuerdas tocadas al aire puedan

su apariencia o estilo no te da ningún indicio sobre cómo suena en

sonar afinadas, los intervalos (es decir, todo lo que sea más de una

realidad. Además, estás dejando que te envíen por correo tu nueva

sola nota) que toques en trastes más altos sonarán desafinados,

compra, cosa que no supone ningún problema para un sólido pedal

e incluso las notas sueltas sonarán desafinadas con respecto a

de efectos, pero puede ser peligroso para un instrumento nuevo.

otros músicos (haciendo que los que no están avisados de tus

Por otro lado, ahí fuera en el ciberespacio las cosas no siempre

problemas de afinación reafinen continuamente sus instrumentos).

son lo que parecen. Así que si no te queda otra que comprar online,

Bromas sobre las sesiones de destrucción de guitarras al estilo

hazlo en tiendas fiables, y ten en cuenta lo fácil que es para la

Pete Townshend aparte, se dice que los instrumentos que están

gente sin escrúpulos montar un trasto que se vea genial y venderlo

bien afinados con respecto a sí mismos están "bien temperados".

en sitios populares de subastas. A su manera, algunas de estas

En la página 16 ofrecemos una guía para comprobar la afinación,

guitarras son válidas, pero puedes llevarte una gran decepción si

pero es vital mencionar su importancia a la hora de la compra.

resultan no ser lo que pensabas. Además, hacerlas pasar por una original está considerado un delito.

Haz trabajar a los buenos vendedores. A diferencia de una minicadena o un frigorífico, una guitarra recién salida de la caja no siempre está lista para usarla. Incluso los fabricantes más reputados trabajan con la idea de que cada comprador querrá adaptarse su propia guitarra. Aunque con el tiempo aprenderás a investigar con tus guitarras, en este primer estadio deberás prever algo de tiempo y dinero para que la tienda le dé a tu nuevo instrumento un poco de gracia (¿o por qué no negociar la puesta a punto como parte del trato con la tienda?).

011

Para empezar

Anatomía de la guitarra Puesto que este libro trata sobre la guitarra rock, pasaremos por alto el maravilloso mundo de la acústica, a pesar de que, como veremos, muchos recursos (por ejemplo, la afinación D-dropped, en la que se baja la 6ª cuerda un tono) son muy útiles tanto para el metal más duro como para el folk más redomado. En esta fase, te enfrentarás a dos áreas de decisión: qué sonidos quieres tener en la punta de los dedos y qué características físicas de la guitarra te vienen mejor para poder tocar rápido y estar cómodo.

Pastillas: probablemente, lo que más Influye en el sonido (aparte

dentro de una mezcla el sonido puede ensuciarse. Limpio: como

de tu manera de tocar) es la pastilla que elijas. En general, las

el sonido grueso de jazz de Pat Metheny o los inimitables licks de

pastillas consisten en unas barras de imán (con o sin polos para

blues de B. B. King. Overdrive: recuerda al “sonido de mujer” de Eric

cada una de las cuerdas) enrolladas con alambre, y las cuerdas

Clapton en Cream o los riffs profundos de Tony lommi en

de acero de la guitarra vibran dentro de su campo magnético. Las

Black Sabbath.

guitarras clásicas que vienen tradicionalmente equipadas con estas pastillas de bobina simple (single-coi!) incluyen las Fender

Cuerpos y mástiles: también las maderas que se usan

Stratocaster y Telecaster. Por otro lado están las pastillas de doble

(normalmente aliso, fresno, tilo, arce o caoba) tienen una gran

bobina, que consisten en dos imanes colocados uno al lado del

influencia en el sonido; sin embargo, una elegante guitarra Les Paul

otro. Las de este tipo se encuentran en guitarras clásicas de rock

con pastillas malas sonará más débil cuando se amplifique que

como las Gibson Les Paul y las SG, entre muchas otras. Se las

una guitarra de contrachapado con unas pastillas geniales. Así que

conoce como humbuckers. Originalmente pensadas para reducir

cuando estés tocando con un grupo, mejorar las pastillas es una

al mínimo ese Injustificado pequeño murmullo (en realidad es más

manera excelente y barata de hacerte con más sonidos.

como un zumbido) que producen las bobinas simples cuando retiras

Las Strats, Teles, Les Pauls y otras son guitarras de cuerpo

las manos de las cuerdas, se fueron comprando cada vez más por

macizo, hechas de una, dos o tres piezas de madera unidas. Las

su sonido que por esta característica ahora ya anecdótica. Hay

guitarras semisólidas, semiacústicas o de gama thinline (como

otros tipos de pastillas, como las P90 (junto con variaciones como

las 335 y 355 de Gibson, las Casino de Epiphone o las President

las electrónicas y las MIDI o pastillas piezo), pero la elección de

de Hofner) tienen el cuerpo hueco. Fueron diseñadas en la era del

las pastillas eléctricas se explica mejor mediante los dos tipos que

jazz, y aunque se usan en el blues y tienen muy buen efecto para el

hemos mencionado.

gusto de King o Clapton, cuando trabajan a volúmenes de escenario

Bobina simple: con un sonido estrecho, en general afilado, hace

moderno son propensas a la realimentación.

que se escuche más el sonido de la púa o los dedos, y pasa con

Las guitarras de cuerpo entero —a diferencia de las de dos

un muy buen efecto por encima de la mezcla de un grupo. Limpio:

piezas, que permiten cambiar de mástil a lo largo de la vida de

como el estilo surf nasal de Dick Dale o el ritmo contagioso del funk

la guitarra, ya sea por preferencia o por deformación— tienen un

de Nile Rodgers. Overdrive: suena al gran estilo de solos de Jimi

diseño en el que se unen los lados para formar el cuerpo. Dicen

Hendrix o a los encendidos licks de blues de Stevie Ray Vaughan.

que las de cuerpo entero tienen más sustain, pero es difícil que un

Humbucker: suena más oscuro, más grueso, como con más

solo factor pueda asegurarlo.

“humo", generalmente con más sustain (prolongación de la nota) y un poco más de resonancia en el ataque. Pasa perfectamente, pero

012

El perfil del mástil puede tener forma de “D” (que tiene más fondo que el “C”), mientras que el “V” no necesita explicación. Las

Clavijero Ceja o "traste cero"

Mástil

formas “C” son más fáciles de tocar que las "D”, que son más “de club nocturno” (y dicen que tienen más sustain), mientras que las “V” están en un Intermedio entre las dos. Cuanto más ancho, más plano es el mástil. El radio de mástil

Trastes

más pequeño resulta más cómodo para tocar acordes y cejillas (disposiciones de acordes que usan el dedo índice sobre varias cuerdas) por la manera en que se curvan y se encuentran con tus dedos. En cambio, un mástil más plano se defiende mejor en líneas de solo y bends. Los trastes más gruesos y altos, que son menos propensos al zumbido que los más planos, son más adecuados para el bending y duran más, pero a la hora de tocar requieren más fuerza en los dedos. El término altura se refiere a la distancia entre los trastes y las cuerdas. Es más difícil tocar con las cuerdas altas, pero te Perilla o

da un sonido más acampanado. Sabiendo todo esto ya puedes

control

hacerte una ¡dea de lo que prefieres, pero en realidad nada es comparable a que tú mismo pruebes los diferentes tipos de Instrumentos.

Botón para la correa

Calibre de las cuerdas: es poco probable que encuentres algo muy distinto a cuerdas “del nueve”, “del diez”, o “del once”, un sistema en el que un “diez” es 0,01 pulgadas y el número se refiere al diámetro de la cuerda MI agudo (es decir, la que está más cerca de tus pies). Por lo general, las del nueve son: 0,9; 0,11;

Cuerdas

0,16; 0,24; 0,32 y 0,42; y las del diez 0,10; 0,13; 0,17; 0,26; 0,36 y 0,46.

Puente

Siempre las tres cuerdas inferiores (y a veces la cuarta) están niqueladas. Las cuerdas más ligeras resultan más cómodas para tocar rápido, mientras que las cuerdas gruesas dan un mejor sonido. (¿Ya te suena este tipo de dilema?) Por ejemplo, Dick Dale, el maestro del surf, usa cuerdas muy gruesas para amplificar el impacto de su sólida técnica de mano derecha. Sin embargo, una distorsión suave y unos sonidos saturados pueden hacer que este factor sea menos relevante, permitiendo el uso de cuerdas más finas para ayudarte en el legato como en las técnicas del hammer-on, pull-off y tapping.

013

Cómo sostener la guitarra Estés sentado o de pie, tus objetivos son la comodidad y la accesibilidad. El grado de relajación se trasladará a tu manera de tocar. La calma interior te permitirá una mayor fluidez, te ayudará a evitar errores y a ir por las notas con confianza, aunque estés tocando una pieza agresiva y con carácter. Controla la respiración y antes de tocar la pieza piensa en ella durante unos segundos. Te permitirá despejar la mente de otras cosas. Mantén las manos calientes (cuando están fríos, los dedos no van a donde les mandas) e hidrátate para evitar calambres en las manos y los antebrazos. De pie La guitarra tiene que equilibrarse bien en la correa del hombro sin necesidad de tocarla con las manos. Es de lo más indeseable tener que sostener el mástil, por poco que sea, para evitar que se resbale. Igual de malo es sujetar la guitarra con el antebrazo derecho. Cuanto más alta en tu torso sostengas la guitarra, más fácil será de tocar, y también evitarás el cansancio de la muñeca izquierda, resultado de tocar con un eje muy bajo. Si quieres hacer de Johnny Ramone, asegúrate de Inclinar el mástil hacia arriba todo lo que puedas.

Sentado Convencionalmente, la guitarra se apoya en el muslo derecho. Aunque no es imprescindible, puedes ayudarte con una banqueta de guitarrista clásico o de una caja pequeña para apoyar el pie derecho y evitar encorvarte hacia la guitarra. También en este caso, el mástil debe quedar en un ángulo correcto sin necesidad de sujeción. Para que sobresalga el cuerpo de la guitarra, precisarás un poco de espacio a un lado, así que no podrás usar sillas con brazos.

Zakk Wylde

Más conocido como el guitarrista de Ozzy Osbourne y fundador del sello de heavy metal Black Label Society, Wylde suele tocar con el mástil alto.

Mano derecha Toma la púa entre el pulgar y el índice (tu mano tiene que estar lo más relajada posible sin que se te caiga la púa). Las técnicas más eficientes se basan en aprovechar la economía de movimientos, que significa moverse lo menos posible con relación a las notas que estás tocando (así te da tiempo a tocar más). En las páginas 26 y 27 encontrarás una explicación más extensa sobre técnicas.

Slash

El rasgueo y punteo de Slash, el ex guitarra solista del grupo de rock duro Guns N’ Roses, define el sonido de muchas canciones del grupo.

Mano izquierda La mano Izquierda tiene que estar en una posición con relación a la guitarra, de manera que la muñeca esté en línea con el mástil, no detrás de él. Así podrás colocar la punta de los dedos en cualquier traste, en lugar de apoyar la yema de los dedos. Lo que queremos es poder pisar una cuerda mientras las cuerdas contiguas siguen sonando. Más tarde veremos cómo apagar a propósito las cuerdas con los dedos de la mano Izquierda.

George Harrison

Como guitarra solista de los Beatles, Harrison tenía un estilo lírico que requería que cada nota sonara muy clara.

015

Para empezar

El afinado La afinación estándar es la más versátil y la que más se usa en la guitarra. Hay otros tipos, como afinaciones abiertas y rebajadas: más adelante veremos en detalle algunas de ellas. En esta lección aprenderás la mejor manera de afinar la guitarra según el estándar y dejarla lista para tocar.

una buena manera de comprobar rápidamente que tu guitarra está afinada sin la ayuda del afinador. Empieza por la cuerda más grave Empieza por la cuerda Mi grave (la que más cerca está de tu

(acuérdate de que es la que está más cerca de tu cabeza). Písala

cabeza) y avanza hacia la MI agudo. Hoy en día estamos bastante

en el quinto traste y compara la altura del sonido con la cuerda La

mimados entre tanto aparato electrónico para afinar, desde los

al aire que está justo encima: deberían sonar igual. Igual que antes,

afinadores de mano hasta los sofisticados afinadores de pedal o

usa las clavijas para ajustarlo. El diagrama de abajo ¡lustra cómo

los Incluidos en módulos de efectos, pero educarás mucho mejor tu

comprobar cada una de tus cuerdas usando la afinación relativa.

oído si usas un diapasón. En la mayoría de los casos, especialmente si hay cantante, te

Fíjate en que la tercera cuerda (Sol) se pisa en el cuarto traste, a diferencia de todas las otras.

interesará tocar en afinación de concierto (en la que tu cuerda La está afinada a 440 hercios del espectro sonoro). Eso es diferente

La afinación

de asegurarte de que tu guitarra está afinada respecto a ella misma,

Mientras estés aprendiendo acordes con cuerdas al aire y dando

lo que se conoce como afinación relativa. La afinación relativa es

tus primeros pasos en el instrumento, las limitaciones de una guitarra poco preparada no se notarán. Pero en cuanto empieces a

El afinado

Las clavijas siempre giran en el sentido contrario de las agujas del reloj para subir la afinación (en el sentido de las agujas del reloj en el caso de las tres cuerdas superiores del clavijero de las Gibson, como la que ves en la página 13). Las guitarras de puente fijo tienen afinadores más precisos en el puente. Para afinar tu guitarra, toca la cuerda Mi grave (la que está más cerca de tu cabeza) mientras pisas en el quinto traste. Debería sonar igual que la cuerda La al aire (sin pisar). Luego toca la cuerda La pisando en el quinto traste. Debería sonar igual que la cuerda Re al aire, y así para todas las cuerdas, excepto la cuerda Sol, que se pisa en el cuarto traste y debe sonar igual que la cuerda Si al aire.

016

tocar piezas, a usar disposiciones de acordes interesantes y a tocar pasajes de música más arriba en el mástil y más cerca del cuerpo de la guitarra, entrará en juego el factor de la afinación. Si te ocurre, no te desanimes: tu manera de tocar no tiene nada que ver con ello.

Comprobar la afinación de una guitarra implica escuchar para asegurarse de que, para cada cuerda, el armónico del traste número 12 (que queda a la mitad de cada cuerda) está exactamente afinado con la cuerda al aire. Si te has preguntado por qué los patines están colocados en diferentes posiciones, esto es así porque cada cuerda se estira de una manera diferente, subiéndose ligeramente de afinación, y los patines están ajustados para reducir al mínimo la diferencia entre cada cuerda y su armónico.

Para empezar

Cómo leer el tabulado Si ya has curioseado sobre lo que tienes que saber para tocar la guitarra, especialmente en Internet, lo más probable es que ya te hayas encontrado con el tabulado estándar (tab). No puede incluir todas las ideas musicales como la notación tradicional, pero es una gran herramienta didáctica, sobre todo si brinda la posibilidad de escuchar una pista de audio, y es totalmente visual.

Las seis líneas horizontales representan las cuerdas de la guitarra.

Algunas pistas de CD repiten la tablatura, y otras llevan una nota

Los números se leen de Izquierda a derecha y representan

extra para enseñarte cómo se repite o resuelve el riff o el lick.

simplemente los trastes que hay que tocar en cada cuerda.

Las cuerdas

La primera línea corresponde a la cuerda más aguda, que es la que está más cerca de tus pies.

Los trastes

Hammer-ons y pull-offs

Los números que están sobre las líneas se refieren al traste que hay que tocar. Los números que están superpuestos se deben tocar al mismo tiempo.

Se indican con un arco que une dos notas. La T mayúscula indica las notas que tienen que ser percutidas (del inglés, tap).

Púa hacia abajo

Púa hacia arriba

Notas tocadas con rasgueo o punteo hacia abajo.

Notas tocadas con rasgueo o punteo hacia arriba.

Los compases

El apagado de las cuerdas con la palma de la mano se indica con P M. seguido de una línea punteada.

Bends

Estas líneas verticales marcan el final de cada compás. La largura puede variar, pero la duración de cada compás no cambia.

Palm mute

Vibrato

Una línea ondulada por encima de una nota indica vibrato. Debe continuar hasta que se acaba la línea.

Pisar una cuerda y luego estirarla hacia arriba hasta una altura de tono diferente se indica con una flecha y una fracción. Un 1 /4 indica estirarla hacia arriba un cuarto de tono, “full" indica estirarla hacia arriba un tono entero (dos trastes).

Armónicos

Indica las notas que se tocan con armónicos.

full

Slides

Resonancia

Se indican con una línea recta entre dos notas. Puntea la primera nota y desliza el dedo sobre la cuerda hacia arriba (o hacia abajo) en el mástil hasta llegar a la segunda nota.

Dejar resonar una nota hasta que se apague de forma natural se llama “let ring" y se indica con las palabras "Dejar resonar” y una línea punteada.

Apagado

Las notas que se tocan pero se apagan se indican con una “x”.

1/

4

Acorde

Los acordes relevantes se indican encima de las notas.

No chord

NC significa que no hay ningún acorde relevante.

017

Para empezar

Efectos y accesorios Desde que Keith Richards usó la distorsión para crear aquel famoso riff del principio de “Satisfaction”, los guitarristas han ido usando efectos y accesorios para cambiar o resaltar el sonido de la guitarra. Pueden ser muy divertidos para experimentar, pero tampoco te sientas presionado para ir a comprar uno ahora mismo. Algunos de los grandes bluesmen de Chicago preferían que no hubiera nada más que un cable entre su guitarra y su ampli. Aunque, si quieres copiar o hacer covers de otros, está bien saber cómo usan los efectos en su sonido. A continuación aprenderás los efectos más usados y los sonidos que puedes crear con ellos.

Efectos Distortion/Overdrive: desde un sonido ligeramente roto hasta

Trémolo: varía el volumen para dar un efecto de pulsación o

una distorsión saturada, éstos son los sonidos más impactantes

intermitencia.

del rock, y también ayudan a tocar legato.

Supresor o puerta de ruido: los efectos pueden añadir ruido a

Compresor/Limitador: equilibra los agudos y los graves para

la señal, así que el supresor o puerta de ruido silencia el sonido

darte una señal uniforme y más control sobre el ataque y el

cuando no estás tocando.

apagado de cada nota o intervalo, aumentando la impresión de sustain.

Accesorios

Eco, reverb, o delay: simulan la ambientación acústica de salas,

Púas: las técnicas de dedos no son sólo para la acústica,

o retrasan la señal con un tiempo de repetición más o menos

rockeros como Jeff Beck han hecho un gran uso de ellas.

largo.

Sin embargo, te sugerimos que empieces con púa para que

Pitch Shifters: los octavadores o armonizadores añaden notas

puedas elegir: varían entre 0,5 y 2,0 mm, pero la mayoría de la

a tu señal, ya sea una octava o dos más abajo, u otros Intervalos

gente usa una 0,75 o 1 mm. Las púas gruesas son mejores para

específicos de la tonalidad. Las palancas de las guitarras de

licks rápidos.

cuerpo macizo suelen ser de diseño Strat estándar, o si no,

Afinador: aunque tengas un oído excelente y seas un pro de la

adaptables (con una cejilla que se fija al clavijero), como por

afinación acústica, ahorra a tus amigos (y algún día al público)

ejemplo una Kahler o una Floyd Rose. Los espectaculares

esos sonidos tan familiares.

efectos de whammy también pueden conseguirse con pedales,

Cables: vale la pena invertir en cables buenos como los Whirlwind,

al estilo de Tom Morello.

Klotz o Planet Waves. Los cables baratos pueden reducir la señal,

Wah-wahs los auto-wahs y los wahs clásicos de pedal, como el

y en consecuencia el sonido. Incluso los pedales de efectos más

Cry Baby, permiten potenciar o cortar rápidamente una banda de

refinados sólo llegarán a la calidad que tenga el peor cable de tu

frecuencia determinada (ver página 181).

equipo.

Modulación: tanto el efecto chorus como el flanger combinan una

Metrónomo: es esencial para practicar frases, y te enseña a llevar

señal ligeramente retardada con la original, creando así un efecto

el tiempo: aceléralo en cada ejercicio a medida que vas siendo más

característico de engrosamiento y brillo. El phasing combina una

preciso. También sirven muchos aparatos de grabación, cajas de

señal en desfase con la original para crear un sonido como si tu

ritmos o software.

altavoz estuviera dando vueltas.

018

Para empezar

La amplificación En los tiempos del swing y las big bands, el pobre guitarrista no tenía más que un amplificador pequeño y con poca potencia para intentar sobresalir por encima de todos aquellos vientos. A principios de los sesenta, cuando grupos como los Beatles se esforzaban por hacerse oír ante miles de fans que gritaban, tuvo que nacer un nuevo tipo de ampli: el potente 4x12.

Un ampli de guitarra suele constar de dos elementos: la

clásico y potente como los Marshall. Los amplis de transistor,

ecualización (ver los recuadros “Para establecer el sonido” que

en cambio, son en comparación mucho más fiables, porque

mostraremos más adelante), que es una combinación de agudos,

los de válvulas necesitan un mantenimiento más frecuente.

medios y graves: y la ganancia (“gain”) y volumen. Tu volumen es

Los amplis de válvulas clásicos hay que subirlos para

el control principal de toda la salida (output), mientras que el gain

que alcancen un sonido sobrecargado. Hasta que estés

aumenta o disminuye el grado de saturación o distorsión del sonido

completamente seguro de que quieres seguir con la guitarra

del output.

eléctrica, te vale con los transistores, pero necesitarás al

Puede que ya conozcas el gran debate sobre si válvula o

menos 50 vatios de potencia de transistor si quieres competir

transistores. Los amplis de válvula son lo mejor de lo mejor,

incluso con un batería moderado, y al menos 15-20 vatios de

y tienen un montón de “groove", ya sea con un sonido brillante y

potencia de válvulas (a la misma potencia, las válvulas suenan

limpio como los Fender Twin o los Roland Jazz Chorus, o más

más fuerte). Un ampli tiene una sección de previo y una de amplificación, y algunos valvestate asequibles tienen una combinación de los dos sistemas: una sección de válvulas y una de transistores. No obstante, para practicar en tu habitación, ahora hay algunos amplis de válvulas muy buenos y sencillos, que te dan un buen sonido saturado a 5 vatios a un volumen de minicadena doméstica. El cambio de canales te permite alternar en la misma canción entre dos o tres sonidos “sucios” o “limpios’’ (distorsionados o no). (Es mejor preguntar si el interruptor de pie está incluido en el precio del ampli.) Fender fue pionero en incluir en los amplis de guitarra el trémolo y la reverb spring, pero hoy en día también hay una gama cada vez más extensa de amplis y combos de modelado digital que incluyen efectos (e incluso simulaciones de diferentes amplis y cajas). No son efectos análogos reales, sino simulaciones

Amplificador Marshall

Conocidos por su gran sonido, fiabilidad y versatilidad, los amplis Marshall han sido los preferidos de muchos músicos durante décadas.

de ordenador que se activan cuando tocas. A pesar de ello, si no tienes ya un banco de efectos o un “multi-FX", pueden ser una buena manera de probar los efectos que pueden lograrse.

019

Ahora ya estás preparado para comenzar con la música. El objetivo de este capítulo es que empieces a tocar en el menor tiempo posible y, a la vez, darte suficiente teoría como para que entiendas lo que vas haciendo, pero tampoco tanta, como para no ralentizar tu práctica, ya que adquirir práctica también es vital. Toda la música tiene contenido armónico y melódico. La melodía se refiere a la línea que estás tocando: la que podrías silbar o tocar en un instrumento monofónico (de una sola nota a la vez, como por ejemplo la flauta). Pero es con la armonía cuando la música se vuelve más interesante: se refiere a la relación entre las notas y los intervalos entre ellas. Tanto si los intervalos se tocan con disposiciones de acordes aplastantes y espectaculares (haciendo sonar todas las notas a la vez) o arpegiadas (tocando una nota después de otra), las notas del acorde se basan en la misma escala.

Fender Jaguar

La guitarra que sacó Fender en 1962, la Jaguar, se convirtió rápidamente en un icono de la emergente escena musical surf, y se popularizó de nuevo en los noventa con algunos grupos de grunge y rock alternativo como Sonic Youth, Dinosaur Jr., Nirvana y My Bloody Valentine.

Armonía y melodía

Escalas mayores y menores “Do, re, mi, fa, sol, la, si, do”: la escala mayor seguramente te suena más a “Sonrisas y lágrimas” que a música rock. Pero hay un montón de solos geniales que usan las escalas mayores y menores, así que es tan importante tener estas escalas en la punta de los dedos como tener la menor pentatónica o la menor de blues.

Estas escalas son los bloques de construcción esenciales de la

(cualquier conjunto de dos o más notas) están separados por la

estructura de las canciones, y la manera en que se crean las otras

misma distancia (un semitono). Cualquier escala toma sus notas de

escalas y los acordes se explica en referencia a ellas. Son escalas

ésta, y la escala mayor las toma en los siguientes intervalos:

“verdaderas”, ya que contienen las siete notas hasta que la tónica se repite de manera natural, lo que significa que suena Igual, pero

tono - tono - semitono - tono - tono - tono - semitono

más agudo (en la octava nota más arriba), de ahí el nombre de “octava". La escala cromática consiste en las doce notas, separadas por semitonos, que son físicamente posibles: es decir, todas las teclas

La escala menor natural es diferente porque tiene su tercera nota un semitono más grave que en la escala mayor: sólo este cambio provoca la mayor diferencia de carácter entre piezas musicales.

de un plano. Por sí sola es no diatónica; esto es, simplemente, que

Está estrechamente relacionada con la escala pentatónica menor y

no tiene centro de la tonalidad porque todos los Intervalos

con la menor de blues (ver páginas 60 y 61).

ESCALA MAYOR Este diagrama muestra un patrón móvil de escala mayor con base en la cuerda Mi. El tab muestra una escala de La mayor en un registro más grave.

022

Armonía melodía

ESCALA MAYOR Este diagrama muestra un patrón móvil de escala mayor con base en la cuerda La. El tab muestra una escala de La mayor en un registro más agudo.

ESCALA MENOR NATURAL COMENZANDO EN LA CUERDA MI Este diagrama muestra un patrón móvil de escala menor natural con base en la cuerda Mi. El tab muestra una escala de Mi menor en un registro más grave.

ESCALA MENOR NATURAL Este diagrama muestra un patrón móvil de escala menor natural con base en la cuerda La. El tab muestra una escala de La menor en un registro más agudo.

023

Armonía y melodía

Disposiciones de acordes con cuerdas al aire Ahora que ya has aprendido algunos patrones de escalas y calentado los dedos, es hora de pasar a algunas disposiciones de acordes. No te desanimes si al principio algunas te resultan un poco incómodas. Practícalas con frecuencia y estarás rasgueando antes de que te des cuenta.

Vamos a ver técnicas de rasgueo y punteo en las páginas 26 y 27. Pero por ahora asegúrate de que te suenan todas las cuerdas, si

Puedes volver a estas tablas de acordes a medida que avanzas con el libro. A diferencia del tab, los números de los cuadros de

hace falta, con un simple rasgueo hacia abajo. Como hemos dicho

acordes representan la mejor opción de dedo que puedes usar. Los

en la página 14, concéntrate en no apagar las cuerdas de al lado

círculos rojos destacan la nota tónica (fundamental) del acorde.

de la que estás pisando (a menos que se indique). Cambiar

Un cero en el lado izquierdo del cuadro de acordes señala que

rápidamente de disposición de acordes es una gran parte del arte

la cuerda se toca al aire (un cero en rojo indica la nota

del guitarrista rítmico o de jazz, así que aunque no es necesario

fundamental). Una “x” representa que tienes que apagar con la

tocar con metrónomo mientras las memorizas, puedes trabajar

mano izquierda. Utiliza el ángulo del dedo para que la carne del

cambios rápidos. De hecho, hay veces que es bastante divertido

lateral no ahogue el sonido de la cuerda. Suena más complicado de

mejorar la técnica y no pensar en lo que estás tocando.

lo que es, y al cabo de un tiempo te resultará natural.

024

Armonía y melodía

ACORDES HABITUALES No te desanimes por el número de acordes que ves aquí. Pertenecen a las tonalidades más habituales para la

"No estoy de broma cuando

música basada en la guitarra. Puedes volver a ellos a

algunas veces digo [que] intentar

medida que avanzas con los ejercicios siguientes. Al final del libro, en las páginas 188-190, mostramos un directorio de acordes más avanzados. Tómate tu tiempo para ejercitar la mano izquierda para ejecutar las disposiciones de cada acorde.

aprender cómo tocar bien un acorde de Re ha sido algo muy importante para mí." Lou Reed sobre aprender acordes

025

Armonía y melodía

Patrones de rasgueo y punteo En este capítulo aprenderás cómo crear un acompañamiento con tus nuevas disposiciones de acordes. Los patrones de rasgueo y punteo son las herramientas que usan los guitarristas para componer sus acompañamientos. Bien hechos, crean música mágica e intemporal; la intro de Jimmy Page en “Stairway to Heaven” es el ejemplo perfecto de un buen patrón de punteo.

PUNTEO Coloca la mano sobre el cuerpo de la guitarra, si es necesario

Ninguna parte de tu Instrumento natural de punteo, que va desde

apoya el tercer y cuarto dedo, o si no mantén la mano por

el antebrazo hasta la punta de los dedos, debería estar rígida.

encima, de manera que tu plectro (púa) toque todas las cuerdas

El tacto y la sensibilidad tienen que estar siempre presentes:

en el mismo ángulo. Esto dará desde el principio uniformidad

no se trata de atacar la guitarra, aunque parezca que es lo que

a tu manera de tocar, algo que agradecerás más adelante,

hace Kerry King, de Slayer.

ya que la mala técnica requiere un mayor esfuerzo consciente para arreglarla que para aprenderla. Evita dejar caer la muñeca

Debes moverte hacia arriba y hacia abajo de las cuerdas en un ángulo de 45 grados, de manera que pulses las cuerdas

por debajo de las cuerdas. SI lo haces, te habituarás a arquear

más agudas ligeramente más hacia delante que las graves.

la muñeca hacia arriba, algo que, por muy bueno que seas,

Automáticamente te darás cuenta de que puedes usar la parte

te ralentizará.

exterior de la palma Izquierda para apagar todas las cuerdas a la

Fíjate bien en que, por un lado, tu muñeca está relajada y, por el otro, en que tengas movimiento en el pulgar y el índice.

vez, y también de que eres capaz de ejecutar diferentes grados de apagado: abrupto, suave e Incluso el punteado suavemente

Punteo

Deja flotar tu mano por encima de las cuerdas en lugar de fijarla a un punto de reposo sobre la guitarra.

026

Armonía y melodía

apagado que suena tan bien en las líneas arpegiadas del tipo

llevar la púa muy lejos de la cuerda Mi agudo antes de la vuelta

que tocan Steve Cropper o Andy Summers.

hacia arriba.

PUNTEO ALTERNADO

parte exterior plana y blanda de la mano sobre las cuerdas en la

Como estilo artificioso en manos de grupos como The Offspring,

zona del puente produce un carácter amenazante que reconocerás

Apagar una cuerda rasgueada colocando suavemente la

puntear recto hacia abajo puede sonar atrevido y punky, pero en

de las canciones metal y rock, en las que se escucha muchas

otros contextos no te llevará muy lejos. El “punteo alternado” es

veces en la estrofa y provoca que aumente la tensión antes de

sencillamente mover el pulgar y el índice hacia arriba una vez que

un estribillo o un crescendo.

has pulsado una cuerda, punteándola la segunda vez con el lado

A medida que vas rasgueando, verás que las técnicas de

superior de la púa. Éste es un truco esencial que hay que dominar,

apagado de la mano izquierda se vuelven más importantes

y que hace posible el toque fluido y fácil de la técnica del rock

para silenciar las cuerdas que no son parte del acorde. Casi

clásico, como los tresillos y las dobles cuerdas que aparecen

inconscientemente tienes que coordinarlas con la habilidad para

más adelante en el libro.

apagar todas las cuerdas con la mano derecha: eso te llevará al control total de la guitarra, a cualquier nivel de gain y volumen.

RASGUEO La técnica de alternancia también es válida para el rasgueo, que es tocar todas las cuerdas a la vez. Se aplica el mismo principio de economía de movimiento: en el rasgueo hacia abajo, no hace falta

Rasgeo

Un movimiento típico de rasgueo en el que la mayor parte del movimiento viene de la muñeca y la mano.

027

Armonía y melodía

Tempo y ritmo La práctica habitual con un metrónomo te permitirá mejorar el sentido del tiempo. Aquí presentamos dos aspectos que hay que considerar para mantener el tiempo en la música: tener en mente esta distinción favorecerá tus habilidades compositivas.

TEMPO Se refiere al ritmo de una pieza de música y se mide en pulsaciones

en notación como en tablatura, para los que ya leen), pero en

por minuto (bpm, del Inglés beats per minute). Aunque los DJ y los

ella se basan muchos conceptos de la música rock.

productores de música dance hablan de bpm, y que las cajas de ritmos y secuenciadores te permiten marcar los bpm que quieras en

Uno de ellos es la idea del compás, sencillamente.un “trozo” manejable de música que contiene un número concreto de

cada momento, el concepto deriva de la música clásica. La escala

pulsaciones, que es constante durante toda la pieza y que viene

de los términos de la notación, desde largo (solemnemente lento)

determinado por la indicación de compás. La indicación de compás

hasta presto (muy rápido), se extiende desde 40 hasta 208 bpm.

se expresa con fracciones en las que el segundo número (el de

En las piezas clásicas, establecer el tempo es una decisión que

abajo) representa el valor de cada pulsación expresado en tiempo, y

toma el director.

el primero (el de arriba) es el número de pulsaciones que hay en un

En la música rock tradicional, una de las habilidades

compás. Por lo tanto, una pieza en compás de dos por cuatro (2/4)

fundamentales de un batería es saber establecer los tempos

tendrá el doble de compases que una pieza de la misma duración

más eficaces para las canciones. La música que se toca demasiado

en compás de cuatro por cuatro (4/4). A medida que vayas

rápido para su estilo puede fallar estrepitosamente en la tarea

aprendiendo, llegarás a reconocer de inmediato la diferencia de

de transmitir los sentimientos que su contenido armónico

sensación que hay entre ellos.

pretendía expresar. SI vas demasiado despacio, Incluso un conjunto de cambios Interesantes parecerá tan aburrido

Aparte de estos dos compases, el tercero más habitual es el tres por cuatro (3/4), o tiempo de vals, raro en el rock pero

y predecible como para que algunas personas del público vayan dirigiéndose hacia la puerta. Esto se aplica tanto si estás en la presentación de un álbum conceptual de rock progresivo como si estás tocando en un grupo de thrash metal nihilista.

RITMO Es tan importante desarrollar tu sentido del ritmo como estar afinado. Un grupo “compacto” que falla algunas notas será más soportable que otro que tenga uno o dos miembros con problemas para seguir el tiempo. Está fuera del ámbito de este libro explicar la música en términos de notación (aunque la música de las canciones completas de los capítulos finales se presenta tanto

"Cuando te sientas y piensas en qué es en realidad la música rock ‘n’ roll, tienes que cambiar la pregunta. Si se toca a un tempo movido, le llamas rock ‘n’ roll; si se toca a un tempo normal, le llamas rhythm and blues." Little Richard sobre los efectos del tempo

028

Armonía y melodía

EL USO DE LOOPERS En los últimos años ha aparecido un efecto que puede establecer una diferencia en la manera en que se escriben las canciones. Las tecnologías del looping, derivadas del software de grabación, utilizadas por primera vez en la música electrónica, fueron adoptadas en los años noventa por Radiohead y bandas similares, han evolucionado en forma de pedal, diseñado para las actuaciones en directo. Los loopers te permiten samplear y repetir un riff o una frase y practicar, crear o tocar otras partes encima de él. Con grupos como los Yeah Yeah Yeahs o Russian Circles empleando loopings para aumentar su sonido directo, este efecto está destinado a jugar un papel importante en estructuras de canciones inspiradas que van más allá de la práctica convencional. Nick Zinner

Nick Zinner, el guitarrista del trío de art-rock de Nueva York The Yeah Yeah Yeahs, usa loopers en sus sets de directo.

espectacular cuando aparece, como en “Manic Depression” de Jimi

no relación con el lugar donde aparecen los ciclos de riffs o frases

Hendrix.

repetidas (ostinato), aunque muchas veces sí coincide. Cuando los

Estos compases, basados en triple, doble o cuádruple tiempo, se conocen como compases simples para distinguirlos de los

músicos dicen crípticamente que lo que no tocan es tan importante como las notas que sí tocan, están pensando en esto.

compases de tiempo compuesto, en los que el valor de cada pulsación es un múltiplo de dos, cuatro o tres (como el compás de seis por ocho, con seis pulsaciones en cada compás, en el que cada pulsación es una corchea). A estas alturas te habrás dado cuenta de que las pulsaciones

VALORES RÍTMICOS Notación clásica

Notación americana

N° por compás en 4/4

Redonda

Nota entera

1

Blanca

1/2 nota

2

Negra

1/4 de nota

4

Corchea

1/8 de nota

8

juego interno entre sus partes individuales, de si tocan o no en una

Semicorchea

1/16 de nota

16

determinada pulsación (o entre ellas). La sincopación (la desviación de la pulsación, habitual en muchas formas en el swing, el blues, el

Las mismas fracciones se aplican a los silencios (una

son diferentes de las notas. Cualquier grupo de notas o silencios (pulsaciones en las que ese Instrumento no toca ninguna nota) pueden tocarse dentro de un compás mientras su valor total sea coherente con el valor del número de pulsaciones dentro del compás. El dinamismo de una pieza de música deriva precisamente del

jazz y el rock) y las anacrusas (una slncopación especial en la que

Indicación para no tocar), de manera que oirás que se refieren, por

se empieza un tiempo antes del principio del compás: “y... uno...”,

ejemplo, a un silencio de redonda.

habitual en muchas líneas vocales) son solamente dos ejemplos del juego y la composición dinámica. De manera similar, dividir una pieza de música en los compases que la constituyen puede tener o

En las páginas 100 y 101 veremos los tresillos (grupos de tres notas en los que cada nota se acentúa igual, con la misma duración).

029

Armonía y melodía

Disposiciones sencillas de acordes móviles Las disposiciones móviles son el principio para la composición rápida, fácil y eficaz de canciones pop, en especial para géneros punky y alternativos. Mayores o menores, alegres o tristes, proporcionan al guitarrista principiante una manera ágil de variar sus disposiciones de acordes (voicings). Al principio pueden aprenderse y ejecutarse de manera eficaz y visual sin saber toda la teoría que llevan detrás, lo que te ayudará a aprender la teoría desde dentro mientras te diviertes y ya tocas de forma convincente. Lo que sigue está lejos de ser una lista exhaustiva de disposiciones de acordes móviles. En los inicios, pisar una cejilla con el índice puede resultar desalentador. Si te desanimas, recuerda que no eres el único al que le cuesta. La perseverancia y la práctica darán sus frutos. Más adelante veremos disposiciones de acordes móviles que

notas pedal: las favoritas del folk y el psicodélico. Pero para ello

contengan algunos de los Intervalos secundarlos más complejos

necesitamos saber un poco más sobre las tonalidades.

que usan los guitarristas de jazz y funk, así como digitaciones más

En estos diagramas no se marca ningún traste, ya que, como

complicadas. También mostraremos disposiciones de acordes que

su nombre indica, los acordes móviles pueden tocarse en cualquier

son móviles contra cuerdas al aire que actúan como bordones o

traste.

030

Armonía y melodía

031

Armonía y melodía

Tonalidades y modulación Al principio, el misterioso lenguaje de las tonalidades parece matemática pura, pero se entiende mejor cuando se sabe que está basado en el comportamiento natural del sonido. En nuestra cultura, el centro tonal de una pieza de música puede describirse en términos de una escala mayor o menor, y está determinado por la tríada de tónica: un grupo de tres notas, en este caso la primera, tercera y quinta, de esta escala. Al construir acordes sobre cada nota de esta escala, sólo algunos sonarán bien (ver página 22).

Por ejemplo, una canción tocada en Do mayor consistiría en alguno

acorde de una tonalidad construido en la escala mayor también es

o todos estos acordes: C, Dm, Em, F, G, Am, B°. El último,

importante, porque nos da el acorde de tónica del relativo menor:

construido sobre Si como séptima de Do, es un acorde disminuido,

en el cuadro que sigue verás que cada tonalidad mayor tiene un

que quiere decir que tiene una quinta rebajada y también una

relativo menor que repite sus mismos acordes desde la sexta nota

tercera rebajada. Mientras vayas experimentando con los acordes

en adelante. Eso significa que los patrones de escala pentatónica,

que estás aprendiendo de las páginas 24, 25, 30 y 31, notarás que

tanto de Do mayor como de La menor (ver páginas 60 y 64),

algunos suenan tensos y otros, resueltos y tranquilos. Acordes

pueden sonar bien cuando se tocan con estos acordes. No sólo

como los construidos sobre la quinta de cada escala suenan

eso, sino que además los grandes guitarristas pueden hacer como

intrínsecamente como si tuvieran que resolver en la tónica. Esta

si no se dieran cuenta de qué acordes están sonando por debajo

tensión le da a la música su sensación de movimiento. El sexto

de los solos que tocan. Si no hay ningún otro guitarrista, también tendrán que tocar implícitamente la armonía usando las notas de los acordes y manteniéndose dentro de la escala general. Por supuesto, el conocimiento de las tonalidades es esencial para la composición, pero también cuando te preparas para tocar con instrumentos limitados a tocar en una sola tonalidad, como la armónica (o el arpa, en el blues), o el instrumento con el que es más probable que toques, que sonará mejor en unas tonalidades que en otras: la voz humana. Tocar la misma pieza en diferentes tonalidades se conoce como “transposición”, y también la usarás para hacer las piezas más eficaces y fáciles de tocar, adaptando la tonalidad para facilitarte los trucos de un estilo determinado, como, por ejemplo, si te gusta o no usar cuerdas al aire como notas pedal sin volver a afinar la guitarra.

Jimi Hendrix

Era un adepto de llevar los cambios de tonalidad al máximo, sus míticos solos de guitarra y su manera magistral de tocar lo convirtieron en una leyenda del rock y en un icono de la guitarra.

Armonía y melodía

Las tonalidades y las armaduras pueden ser ligeramente diferentes: una canción u otro tipo de composición tendrá una armadura general pero puede contener más de una tonalidad.

pueden llegar a ser bastante cursis cuando se hacen de manera obvia, pero cuando se despliegan bien resultan eficaces. Por ejemplo, podrías tener una progresión típica de E, B, D y A

Cuando esto ocurre se conoce como “modulación”. Las

(en la tonalidad de Mi mayor). Una tercera estrofa o sección que

canciones pop y rock, sobre todo, contienen modulaciones muy

tenga F#, C#, E y B representaría un giro típico del pop-rock para

sencillas, un recurso habitual de la composición para aumentar la

modular toda la pieza un tono entero.

expectación. Figuran en la estrofa final de muchos éxitos, y

Tabla de acordes de las tonalidades

033

Armonía y melodía

Arpegiar acordes con púa “Arpegio" es una palabra rebuscada para un concepto sencillo: se refiere a tocar las notas de un acorde siguiendo una secuencia en lugar de que suenen todas a la vez.

Arpegiar acordes en las partes rítmicas es una buena manera de

Aunque son muy comunes en los guitarristas que tocan

añadir contraste y dinámica a tu música. Son geniales para pasajes

sin púa, los arpegios también son una gran herramienta para tu

anticipatorios que desembocan en esos estribillos de “puño en

mano derecha, porque pueden tocarse suave y uniformemente

alto”, con quintas vacías (power chords), o para estilos de música

hacia abajo, y también te permiten apagarlos (los arpegios

que no lucen con la característica de “pregunta-respuesta” que

apagados con distorsión saturada son una de las características

tienen los acordes seguidos de licks. Así, aparecen muchísimo en estilos pospunk y pop, donde los efectos de delay y modulación (como los usó Andy Summers en

preferidas del metal). Pensar en los arpegios también puede ayudarte mucho en los pasajes de guitarra solista. Pero, en términos generales de composición, los ejercicios que aparecen a

“Message in a Bottle", de The Police) les ayudan a distanciarse más de los sonidos del rock tradicional. Mientras tanto, mezclar acordes arpegiados con acordes rasgueados es característico del punteo

ARPEGIAR ACORDES COMPLEJOS

del pop tranquilo, a menudo con un sonido de Telecaster o

Intenta no caer en la tentación de arpegiar los acordes

Rickenbacker.

en los que es difícil pisar la cejilla como sustituto de practicar cambios de tiempo con ellos.

EJERCICIO I Una progresión sencilla de F#5/G#5/A5 con un patrón de punteo arpegiado en un estilo fluido de los ochenta.

034

Andy Summers

En el éxito de The Police “Every Breath You Take", el guitarrista Summers teje un decorado rico, arpegiando voicings de acordes y creando un sonido inolvidable.

continuación te ciarán una visión de cómo los riffs también derivan de ellos. Una vez que hayas arpegiado algunos acordes con cejilla de las páginas 30 y 31, verás que añadir notas de paso de las escalas fuera de los acordes arpegiados no está tan lejos. Podrás centrarte en conseguir un Intervalo Interesante que pueda ser la base de un riff completamente nuevo.

EJERCICIO II Un arpegio espectacular que puntea notas de F#m, D y B.

035

Armonía y melodía

Punteo barrido (sweep-picking) En la página 27 hemos visto que el punteo alternado (y el rasgueo) aumenta el número de notas que tu mano derecha puede tocar en un intervalo de tiempo. El barrido o sweep-picking se basa en esa técnica y es el secreto de las rapidísimas salvas que disparan guitarristas como Kerry King, de Slayer.

Es una técnica avanzada que incluimos aquí porque suele usarse en tándem con los arpegios. No te preocupes si te da la sensación

Mientras que el punteo alternado puede aplicarse a cualquier combinación de notas, para el barrido es necesario tener en mente

de que no la vas a dominar rápido: puedes volver a esta técnica

un patrón de mano izquierda concreto, y aunque se describe como

cuando estés preparado.

una técnica de punteo, también implica una coordinación precisa con la mano izquierda. Sin embargo, te permitirá moverte de cuerda en cuerda muy rápidamente. Por eso por lo general se usa para

PISAR LAS CUERDAS

arpegios, ya que cuantas menos notas haya en cada cuerda

La técnica de la mano izquierda tiene que estar

individual mejor efecto produce.

equilibrada: ésta no es una técnica de blues o de guitarra

En los siguientes ejercicios te darás cuenta de que el punteo

rítmica que incluya apagado de las cuerdas ni otras

está organizado de manera que un número impar de golpes en

contorsiones de los dedos que necesiten un cambio en

cada cuerda te lleva en la misma dirección en la que has empezado

la posición de la mano izquierda. Así que mantén una

la frase, y con un número par inviertes la dirección: empiézalos

presión uniforme desde el pulgar detrás del mástil, ya

hacia arriba. Cuando hagas sweep-picking puedes encontrarte con

que los siguientes ejercicios requieren una cierta precisión.

que quieres acelerar al llegar a una parte de barrido en contraposición a las partes de punteo alternado: asegúrate de mantener el tempo uniforme en todo momento. La página 132 te enseñará cómo Incorporar el barrido con una técnica sencilla de tapping de mano derecha.

EJERCICIO I Un arpegio de Amaj7 en un patrón para barrido.

036

Armonía y melodía

Joe Satriani

Satriani ha ampliado su carrera de solista tocando con músicos como Alice Cooper, Mick Jagger, Deep Purple y Chickenfoot. “Satch” es un virtuoso guitarrista de rock y un maestro en las técnicas de velocidad como el punteo alternado rápido y el barrido.

EJERCICIO II Un arpegio de Dmaj7: otro entrenamiento para tu mano izquierda.

EJERCICIO III Patrón de punteo de Bmin7 que podría usarse en un solo.

037

Cómo tocar riffs

Los riffs han existido desde antes de lo que te imaginas. Han sido un elemento de la música clásica durante siglos. Los músicos clásicos llaman a los riffs ostinato: una frase repetida, normalmente de no más de un par de compases. En la música rock, el riff es muchas veces la parte más importante de la canción. ¿Te imaginas “Smoke On The Water”, de Deep Purple, sin ese riff emblemático del principio? Los riffs pueden tocarse tanto en registros graves (la parte más baja del mástil de la guitarra) como en registros agudos (por encima del traste número 12). Básicamente, cualquier figura corta repetida es un riff.

Gibson Les Paul

Muchos grandes guitarristas, desde Jeff Beck hasta Slash y Billy Gibbons, tienen en su arsenal una Gibson Les Paul. Hoy en día, las Les Pauls auténticas de los años cincuenta son de las guitarras eléctricas más deseadas del mundo.

Cómo tocar riffs

Riffs de una sola nota Cuando estás aprendiendo a tocar, es importante, al menos de vez en cuando, producir con la guitarra algún ruido agradable. Recompénsate con algunos de éstos, y te permitirán aguantar todas las horas de práctica de cambios rápidos de acordes o de cualquier otra técnica de las que al principio a todo el mundo le cuestan.

Los riffs de una sola nota te harán sonreír. Una vez que eres capaz

un grupo se tocan con una línea de bajo. Prueba solo los

de pisar y puntear las notas suavemente y sin zumbidos, ya puedes

siguientes ejercicios, y luego con una grabación de una línea de

tocar riffs Intensos y emotivos que son estándares de las bandas

bajo (que para este propósito puedes tocar con tus seis

de garaje, y en este contexto sonarás tan bien como alguien que

cuerdas), que consistirá en la nota base de cada acorde. Verás

lleva años tocando.

que muchas veces los riffs clásicos usan notas de paso, por lo

Por supuesto que los riffs de una sola nota no son puramente

general de la escala pentatónica o la menor de blues.

melódicos: tienen un contenido armónico cuando en el contexto de

"¡Que no te dé miedo liarla! Una de las claves del aprendizaje es equivocarse... Si no te estás equivocando, seguramente no te estás divirtiendo mucho." Robben Ford sobre aprender a tocar la guitarra

EJERCICIO I Este riff de rock clásico sobre E5 puede construirse con la pentatónica. Intenta conseguir un hammer-on y un bend de cuarto de tono precisos (ver página 55).

Jimmy Page

Jimmy Page, uno de los guitarristas más influyentes del rock ‘n’ roll, fue miembro fundador de Led Zeppelin, y anteriormente miembro de The Yardbirds. Fue uno de los primeros guitarristas que ayudó a popularizar el uso del apoyo electrónico y la distorsión con la fuzzbox Roger Mayer. Como productor, compositor y guitarrista de Led Zeppelin, Page se convirtió en una de las fuerzas impulsoras del sonido rock de aquella época. Con su sello personal, definido por una Gibson Les Paul y un ampli Marshall, y su uso de la distorsión borrosa de la guitarra (como se escucha en “Whole Lotta Love"), Page hizo de Led Zeppelin un prototipo para los grupos de rock futuros.

EJERCICIO II Un riff sencillo en Re mayor. La pista de CD te indicará el tiempo.

EJERCICIO III Un riff caprichoso en Do mayor que puede tocarse sobre los acordes Am, G, D o C (ver página 175).

041

Cómo tocar riffs

Riffs con dobles cuerdas A grandes rasgos, una doble cuerda es simplemente dos notas tocadas a la vez, o muy juntas. En los solos de la página 99 veremos algunos de sus usos. Las frases a doble cuerda son ideales para los riffs, porque pueden usarse para sugerir los acordes, manteniendo así el centro tonal establecido en los riffs que constan de una nota.

Tocar dobles cuerdas también es ideal para las veces en que la

romanos (I, IV, V, etc.) indican los acordes que se construyen sobre

guitarra no es el instrumento principal (por ejemplo, mientras el

cada nota. Tocar cualquier acorde de cualquier tonalidad mayor o

cantante se desmelena en medio de una estrofa), pero aun así

menor significa tocar su tonalidad, en la que, por ejemplo, el

quieres contribuir con algo más imaginativo que repetir los acordes

segundo acorde siempre es menor, etc. SI tienes alguna duda sobre

que suenan por debajo.

esto mira el cuadro de la página 33.

Armónicamente, las dobles cuerdas pueden usarse para dar

En los siguientes ejercicios verás cómo el intervalo de cada

énfasis a los intervalos concretos de una progresión de acordes.

doble cuerda ayuda a establecer el carácter de cada riff; más dulce

Usando la información de las páginas 32 y 33, verás que el carácter

o más decidido, por ejemplo, dependiendo de si se usan la tercera

de los acordes construidos sobre los intervalos de las escalas

(que establece el modo mayor o menor) o la quinta (que por algo se

mayores o menores de cualquier tonalidad está influenciado por los

llama dominante).

intervalos que los forman. Por convención, en tab y composición musical, los números arábigos (1,2,3, etc.) indican la nota de la escala; los números

EJERCICIO I Un riff a doble cuerda en Si. Se necesita un dedo meñique fuerte para el slide del segundo compás.

042

Cómo tocar riffs

Dobles cuerdas El efecto básico de tocar dobles cuerdas es hacer armonía con tus solos. Esta técnica la usaron muchos guitarras solistas en grupos de los cincuenta y sesenta. Chuck Berry, la leyenda del rock ‘n’ roll. fue un maestro de las dobles cuerdas: las usaba casi en cada canción, incluidos los clásicos del rock n’ roll “Johnny Be Goode” y “Roll Over Beethoven”.

Chuck Berry

No hay ninguna duda de que “Maybellene”, de Chuck Berry, que combina la música country y el blues con letras dirigidas a adolescentes y unos buenos solos de guitarra eléctrica, fue uno de los primeros grandes ejemplos de la forma rock ‘n’ roll.

EJERCICIO II Un riff de sonido clásico construido con quintas vacías y con cambio de menor a mayor. Requiere un apagado cuidadoso.

043

Cómo tocar riffs

Riffs de quintas vacias Los acordes con cejilla producen un color sorprendente en el sonido (demasiado en algunos casos, sobre todo cuando la música pretende tomar un tono tan valiente y decisivo como mucha de la música rock). Si buscas una declaración de intenciones convincente y estridente, los riffs de quintas vacías son lo tuyo.

Lo especial de las quintas vacías no son las notas que contienen,

Sabbath. Aportan una base sólida para los pasajes a solo que se

sino las que no están. Al no tener tercera, no son ni mayores ni

intercalan, e incluso aparecen en los propios solos.

menores, sino que contienen sólo la tónica y la dominante, que juntas forman una declaración de intenciones del rock ‘n’ roll. Las siguientes maneras de tocar quintas vacías te dan disposiciones de acordes móviles que son la base de muchos

QUINTAS VACÍAS

riffs. Como no hay tensiones armónicas que resolver, en una

Las quintas vacías son más flexibles que los acordes

pieza dominada por las quintas vacías puedes cambiar

de cejilla cuando se usan con una cuerda al aire

rápidamente de tono. Las digitaciones en las que participan

como nota pedal, como se indica en el segundo

el primer dedo o el primero y el tercero, son formas diadas

ejercicio, abajo. Responden bien al overdrive y la

(de dos notas) fáciles que permiten una movilidad máxima

distorsión, mientras que muchas veces un acorde

a lo largo del mástil.

con tercera puede resultar sucio y disonante, debido

Por ello, los riffs de quintas vacías han sido los favoritos

a los armónicos de más que generan los efectos.

de grupos con una sola guitarra, como Led Zeppelin y Black

EJERCICIO I Un riff estridente de quintas vacías que usa el inesperado F5 en el tercer compás (construido sobre la sexta menor de la tonalidad) para generar interés.

044

Cómo tocar riffs

El poder de las quintas vacías Las proporciones simples entre los armónicos de las notas de una quinta vacía le dan el sonido poderoso y rotundo que se popularizó con los primeros grupos de heavy metal, como Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple. Sin embargo, la canción de 1964 “You Really Got Me”, de The Kinks, construida alrededor de las quintas vacías, se convirtió en un éxito, demostrando con claridad que los cambios rápidos de acordes serían típicos en los riffs de rock duro.

Tony lommi

Dicen que el heavy metal no existiría sin Tony lommi. Con el grupo rompedor de heavy metal Black Sabbath, sus atrevidos riffs de guitarra y sus increíbles solos han definido el género.

EJERCICIO II Este riff usa novenas para conseguir un giro contemporáneo en los riffs de quintas vacías. A pesar de estas notas de color, los acordes sin tercera siguen siendo ambiguos dentro de la tonalidad.

045

Cómo tocar riffs

Riffs de acordes con cejilla Reconocerás de inmediato los riffs de acordes con cejilla como una característica de las baladas del rock, o como la inspiración más decisiva de las melodías del punk clásico y el pospunk. No obstante, se requiere práctica para llegar a dominar las secuencias y los acordes con cejilla. No es fácil deslizar sin zumbidos el primer dedo con la cejilla hacia arriba y hacia abajo del mástil. Tocarás más limpio y a tiempo si sigues los siguientes pasos con una serie de acordes con cejilla: pisa las notas en staccato, apagándolas levantando a la vez todos los dedos de los trastes, desliza la mano izquierda sobre las cuerdas mientras las apagas, y finalmente pisa de nuevo a tiempo con el rasgueo de tu mano derecha en el primer tiempo en el que aparezca el siguiente acorde. De manera similar, te darás cuenta de que un buen nivel de

Los siguientes riffs se construyen a partir de los acordes

coordinación rítmica entre la mano derecha y la mano izquierda

que aparecen en las páginas 24 y 25. Si comparas los

beneficia tu manera de tocar. Muchos instrumentistas mantienen

intervalos de estos acordes con las notas de las escalas

un movimiento rítmico “fantasma” para marcar el tiempo: mantienen

mayores y menores que aparecen en las páginas 22 y 23,

la acción de su mano derecha sin que la púa toque las cuerdas.

empezando en cualquier fundamental, verás que además de

Esta técnica no sólo te mantendrá a tiempo, sino que te permitirá

la tónica, también contienen la tercera mayor o menor, junto

hacer una serie de golpes rítmicos apagados hacia arriba y hacia

con la dominante. En el siguiente ejercicio, el uso del segundo

abajo, sin pisar ¡as cuerdas, que pueden ayudar a sincopar un

y el tercer acorde de la escala añade un elemento reflexivo,

pasaje de música acentuando determinados tiempos del compás.

mientras que el quinto cumple su función de dominante, que

(En este libro las marcamos en el tab con líneas de cruces

es guiar al oído hacia el retorno al acorde de tónica. Como

verticales en las seis cuerdas.)

utilizan todas las cuerdas, los acordes con cejilla crean un amplio

EJERCICIO I El acorde de Re mayor (D) construido sobre la tercera menor de la escala (Si) le da a este riff movido su sabor punky. El apagado con la mano derecha mantendrá los acordes en staccato.

046

Cómo tocar riffs

Steve Jones

Steve Jones, el guitarrista de los Sex Pistols, que también tocó con Thin Lizzy, Joan Jett, Bob Dylan, Iggy Pop y Megadeth, ha sido alabado por su manera de tocar precisa e impecable. El único álbum de estudio que los Pistols lanzaron oficialmente se considera una de las grandes grabaciones del rock de todos los tiempos, y los riffs memorables de la guitarra de Jones colorearon muchos himnos del punk clásico, como “Anarchy in the U.K.”, “God Save the Queen" y “Pretty Vacant".

espectro sonoro de notas, desde los graves hasta los agudos, que abarca tres octavas. En las tonalidades de Mi y La, cómodas para la guitarra (también puedes usar un capo o una afinación alternativa), la punta del dedo índice debería cubrir la nota tónica de la cuerda más grave, y puede usarse una cuerda al aire como nota pedal alrededor de la cual giran los acordes con cejilla.

EJERCICIO II Un riff new wave movido sobre dos ciclos (ver página 175). La progresión I-V-VI-IV reafirma la quinta al final de la segunda mitad.

047

Cómo tocar riffs

Inversiones de acordes Como ya hemos visto en la página 30, las diferentes posiciones en las que puede tocarse el mismo acorde se llaman “voicings”. Algunos voicings se conocen como “inversiones”. Ocurren cuando las notas de la escala de la que deriva el acorde se tocan en un orden diferente del habitual, que sería de más grave a más agudo (o de más agudo a más grave si es un rasgueo hacia arriba), dándole al acorde un bajo diferente de la tónica.

Las inversiones se aplican convencionalmente a los acordes tríadas

imposible lo harían inviable. Las inversiones también introducen un

(la primera, tercera y quinta notas de la escala). Las tríadas

sensación de movimiento diferente (porque tienen una línea de bajo

mayores y menores abarcan una quinta justa: es la tercera, la nota

diferente, al no ser la tónica la base) de la que provocarían las notas

del medio, la que define el modo. Si subes la tónica una octava, te

tocadas con el voicing convencional, en orden de altura.

resulta la primera inversión, con la tercera en el bajo. Si subes la tercera una octava te queda la quinta en el bajo: es la segunda inversión. Si vuelves a repetirlo, vuelves a la tríada en la posición

TU OBJETIVO

inicial, una octava más arriba.

Aunque el mástil no sea lineal como un teclado, a largo

Si bien algunos guitarristas, como Alan Holdsworth, son

plazo tu objetivo debería ser familiarizarte con las

conocidos por su admirable extensión de dedos, la mano humana

posiciones de todas las notas a lo largo de él, y a lo largo

típica tiene una extensión limitada a lo largo del mástil. Invertir los

de todas las cuerdas en la afinación estándar (o la que

riffs de la misma manera que las tríadas puede ser una manera de

más se usa). Los ejercicios de arpegiado son una muy

incluir notas del acorde y añadir la sensación armónica que dan,

buena manera de trabajarlo.

mientras que una extensión de dedos o una forma de acorde

PISTA 15

EJERCICIO I Los acordes invertidos (C6/9 y G9) que se muestran abajo añaden un punto expansivo y una línea de bajo descendente.

048

Cómo tocar riffs

Malcolm Young

Malcolm Young es el cofundador y guitarrista rítmico del grupo australiano de rock duro AC/DC. Él y su hermano Angus fundaron AC/DC en 1973. Influenciados por el rock ‘n’ roll de los años cincuenta y por los guitarristas de rock de los sesenta y setenta que venían del blues, se le considera un exponente de la guitarra rítmica en el rock. Su manera de tocar económica, su ritmo y sus composiciones basadas en riffs han sido influencias muy importantes en los fenómenos posteriores del rock.

Los acordes con cejilla con la fundamental en la cuerda La, junto con los voicings de acordes, como las Inversiones que a menudo requieren apagar una cuerda del medio, necesitan práctica. Levantar los dedos de los trastes manteniéndolos en contacto con las cuerdas te permite moverte suavemente entre cuerdas.

EJERCICIO II La primera Inversión del acorde de Do mayor en el siguiente riff da una transición fácil desde el bb 5 anterior.

049

Cómo tocar riffs

Riffs rápidos y radicales Tocar la guitarra metal superrápido puede ser el sello de grupos de hoy como Dragonforce y Trivium, pero tiene más historia todavía. Desde la explosión del punk, los músicos han trabajado para fusionar esa energía y velocidad con la musicalidad del metal. Desde entonces, los sistemas de trémolo superprecisos y los sonidos de distorsión saturados con mucho gain han hecho que algunas técnicas de solos sean más fáciles de tocar de manera fluida. Las técnicas actuales de legato neoclásico y tempos superrápidos muchas veces suenan como si Randy Rhoads y Rat Scabes (batería de los legendarios punks The Damned) estuvieran tocando en el mismo grupo.

Hay trucos y trampas que hacen que tocar riffs superrápido sea

establecer la armonía que quieres, se notará en la calidad

más fácil de lo que parece. Fíjate en el calibre de tus cuerdas:

de tu actuación, tanto si dura sólo unos segundos como

en cuanto al sonido, es mejor cuanto más grueso, pero las 0,9

si dura más.

son más fáciles de pisar. Las partes rítmicas y los riffs pueden implicar que tengas que puntear intervalos de dos notas o tres como mucho: si no, está justificado que los simplifiques. Es Importante para todo, pero en especial para este estilo, que empieces a practicar lento y que subas gradualmente el

TOCAR RÁPIDO Cuando se trata de tocar rápido, menos es más, porque se requiere una técnica precisa de mano derecha para

metrónomo hasta el tempo deseado. Cuanto más rápido

mantener el tiempo en los patrones frenéticos de

toques, más grande es la tentación de saltarte las digitaciones

semicorcheas de los baterías que usan doble bombo,

que te resulten más difíciles, como si los atajos no fueran a

por ejemplo.

escucharse el día que toques en público. Si no consigues

050

Cómo tocar riffs

Fast Eddie Clarke

Fue el guitarrista destacado de Motórhead entre 1976 y 1982, y ayudó a escribir docenas de clásicos del grupo. Se ha dicho que Ace of Spades es "uno de los mejores álbumes de metal jamás publicados por un grupo”, tanto que ha llegado a ser todo un clásico del rock duro. Este álbum, y en particular el tema que le da titulo (todo un himno de Motorhead) se cuenta entre los más determinantes en el desarrollo del thrash metal.

Añade saturación a los siguientes ejercicios y fíjate en cómo

armonía implícita. Toma nota de cómo tocar rápido te lleva a usar

pueden combinarse las líneas de una sola nota con quintas vacías.

líneas cromáticas (de semitono) y notas de paso (notas con un

Así es más fácil moverse rápidamente al acorde siguiente que con

valor de tiempo muy corto) de fuera de la tonalidad.

una serie de cambios de acordes, y aun así estás sugiriendo la

EJERCICIO II Muchas canciones contrastan un estribillo sólido de quintas vacías con una estrofa que consiste en acordes mayores o menores o ambos,

y viceversa, como en el siguiente ejercicio. Toca la segunda mitad en ritmo de shuffle (ver página 76).

051

Cómo tocar solos En la época del swing de los años treinta y cuarenta, el guitarrista sólo tenía que tocar el ritmo: eran los vientos los que hacían los solos y asumían todo el protagonismo. Sin embargo, con el uso cada vez más extendido de la pastilla magnética, los guitarristas pudieron amplificar sus guitarras semiacústicas y al fin competir con los vientos por los solos. Charlie Christian fue uno de los primeros guitarristas que usó esta nueva tecnología; lo liberó de las ataduras de ser un instrumentista meramente rítmico y le permitió tocar líneas de solo que se podían oír por encima de una big band al completo. En resumidas cuentas, un solo es un pasaje de guitarra solista, en general de contenido melódico, pero (con dobles cuerdas y otros intervalos) a veces también armónico. A efectos del siguiente capítulo, supondremos que tienes pensado tocar solos con un grupo, o en una grabación de un grupo.

Fender Stratocaster

Originalmente, las tres pastillas de bobina simple de la Strat seleccionaban el output con un interruptor triple. Pronto los guitarristas descubrieron que colocar el interruptor entre la primera y la segunda posición seleccionaba la pastilla del puente y la del centro, y que si lo ponían entre la segunda y la tercera seleccionaban la del centro y la del mástil. El sonido de las pastillas del centro y el puente fue popularizado por David Gilmour, Mark Knopfler, Bob Dylan y Eric Clapton.

Cómo tocar solos

Hammer-on y pull-off Junto con los bendings y el vibrato, los hammer-ons y pull-offs son parte de la trinidad de las técnicas esenciales de guitarra solista que todo instrumentista debe saber. Son métodos para generar una nota con una sola cuerda sin usar la mano derecha, y requieren un primer y tercer dedo fuertes. Cuando se tocan pasajes rápidos, es difícil pisar limpiamente cada nota, e incluso los buenos instrumentistas admitirán que hay que ser muy, muy bueno para ejecutar pasajes rápidos y limpios punteando cada una de las notas. El hammer-on y el pull-off te permitirán completar las líneas sin puntear cada nota y te darán un toque fluido y legato (suave). Los hammer-ons y pull-offs son Imágenes simétricas de la misma

Pull-off: es prácticamente el movimiento contrario, sólo que en

técnica. En ambos casos, se usa el primer dedo de la mano

lugar de quitar el tercer dedo, debes puntear la cuerda ligeramente

izquierda como punto de anclaje.

hacia abajo a la vez que apartas el dedo del traste superior, de manera que suene la nota que estaba pisando tu índice.

Hammer-on: pulsa una nota en el primer traste de cualquier cuerda

Los hammer-ons y pull-offs se ejecutan Individualmente en

(Sol, Si o Mi serán más fáciles). Sin puntearla de nuevo, pisa la

frases melódicas, mientras que repetir estas acciones se llama

nota superior bajando firmemente otro dedo (por ejemplo, el

"trino”, un truco muy usado por los guitarristas para generar una

tercero). La nota superior debería mantenerse debido al Impacto de

sensación de expectación. Puedes hacer hammer-ons con el

tu dedo justo detrás del traste.

segundo, tercer o cuarto dedo, es decir que puedes aplicar esta técnica a Intervalos amplios (más amplios todavía si los combinas con las técnicas de tapping que veremos en la página 132).

Los hammer-ons y pull-offs pueden conseguirse en cualquier parte

tu tercer dedo mientras mantienes la precisión. SI añades vibrato

del mástil, pero si al principio practicas en la parte alta, las notas

(ver página 58) a una nota con hammer-on, se mantendrá mucho

quedarán más definidas. Intenta poner el máximo peso posible en

más.

054

Cómo tocar solos

"El hecho de que te sepas mil millones de escalas no significa que tengas que usarlas todas en un solo." Kirk Hammett (Metallica)

En cualquier caso y a cualquier velocidad, practica mantener el

hammer-ons y pull-offs en frases individuales de líneas de solo,

tempo uniforme entre notas punteadas, hammer-ons y pull-offs, ya sea tocando tresillos (ver página 101), corcheas y semicorcheas, o

String Bends y slides Estirar (bend en inglés) las cuerdas forma parte del alma de la guitarra de blues. A medida que en la música swing y el blues acústico (del Delta) la guitarra dejaba de ser el instrumento rítmico que repetía patrones, los instrumentistas empezaron a emular las líneas principales de los instrumentos de viento. Las trompetas, cornetas, clarinetes y saxofones son instrumentos conocidos por sus suaves efectos de glissando, en los que una nota se desliza hasta la siguiente. Fíjate en los compases iniciales de “Rhapsody in Blue”, de Gershwin, o en los solos de saxo tenor del be-bop de John Coltrane. Éstos son los sonidos que influenciaron a los primeros guitarristas solistas del blues eléctrico. Si quieres dominar estas herramientas tan expresivas y hacer un

velocidad, aunque es probable que en un solo los slides

buen uso de ellas, debes aprender dos aspectos: la técnica y la

propiamente dichos (aunque no necesariamente las notas que

valoración. No deberías usar de manera indiscriminada los string

ayudan a mantener) no duren más de un par de pulsaciones.

bends. Si un solo no suena bien, suponiendo que se esté tocando

La mayoría son rápidos e impactantes, ya sean ascendentes

fluido, es posible que sea porque el bend está oscureciendo la

o descendentes. Los slides lucen todo su potencial cuando,

armonía en lugar de resaltarla, y esté introduciendo una nota

Igual que en los hammer-ons, los usas para hacer sonar la

estridente o indeseable.

segunda nota sin puntear, sosteniéndola con la presión del

Con Independencia de si tocas con un sonido limpio o sucio, practica el sliding tan uniformemente como puedas a cualquier

dedo cuando se para sobre el traste, y cuando además aplicas vibrato.

055

Cómo tocar solos

SLIDE I Los slides y bends producen un sonido de glissando similar, pero

primero y tercero para deslizarse entre las notas de una misma

son técnicas muy diferentes. Por lo general se usan los dedos

cuerda.

SLIDE II En un solo de blues, un slide ascendente es toda una declaración

slide, tienes libertad para abrirte desde la primera nota con los

de intenciones (usado a menudo por instrumentistas como B. B.

otros tres, con hammer-ons, pull-offs o punteado en diferentes

King): puntea con suavidad la primera nota, resaltando la segunda

intervalos.

con la presión del dedo al pararse. Si usas el primer dedo para un

STRING BENDS Por otra parte, el bending es un recurso que dio a los teclistas

tonalidad de La mayor, puedes hacer un bend desde Fa#, la sexta,

suficiente envidia como para que se inventaran la rueda de pitch.

medio tono hacia arriba hasta la b7, o un tono y medio hasta la

Desde la técnica sutil de los bends de cuarto de tono hasta los

octava. Por otro lado, puede hacerse un bend de Mi (la quinta de

intervalos más amplios para conseguir sonidos estrambóticos, los

La, se encuentra un tono más abajo que Fa#) de un tono y medio

bends te llevarán a tocar a otro nivel. Los bends habituales, a

hacia arriba hasta la b7. (Ver String bend I.)

parte del bend suave de cuarto de tono, incluyen el de medio tono, el de tono entero y el de tono y medio. Por ejemplo, en la

056

Los bends de tercera menor son una característica del blues-rock, y aparecen en el String bend II.

Cómo tocar solos

El instrumentista consciente de la armonía sólo hará bends en

de tono o medio tono. Para los bends más anchos, usa el tercer

las notas que refuercen y resalten el sentido de la música: esta

dedo para que si es necesario puedas reforzarlo con los otros dos:

habilidad se adquiere con la práctica. También verás que desarrollas

el objetivo es evitar que la cuerda se te escape de debajo de la

el sentido de hacer bends descendentes en las notas pisadas,

punta del dedo, produciendo un sonido que ningún guitarrista (ni

desde su Intervalo estirado hasta su posición normal, comenzando

público) querría escuchar. La ventaja de usar el tercer dedo es que

con un sonido apagado. Exceptuando las cuerdas MI agudo y grave, las demás pueden

una vez que has soltado el bend a la posición normal te permite ejecutar un pull-off cromático o de tono entero.

estirarse hacia arriba o hacia abajo. Tu primer dedo tiene que tener suficiente fuerza para los bends más pequeños como los de cuarto

STRING BEND I Licks de pentatónica menor sobre un vamp de acorde de tónica. Concéntrate en conseguir bends precisos que no queden ni altos ni bajos de afinación.

STRING BEND II En cada compás del siguiente riff hay siete pulsaciones. Cuenta

3/4. Recuerda a uno de los elegantes riffs de Pink Floyd.

cada compás de 7/4 como un compás de 4/4 seguido de uno de

Ocasionalmente, el bend se usa sobre la tercera menor.

057

Cómo tocar solos

Vibrato Igual que los string bends y los slides, el vibrato es una técnica que requiere dedos firmes. El objetivo es añadir color, interés y profundidad a las líneas de solo. Cuando estés familiarizado con las técnicas de vibrato, te sorprenderás de lo plano que puede resultar tu sonido sin él, y llegarás a usarlo sin pensarlo, en especial en las notas finales de los solos o de las frases.

El vibrato es una oscilación en la nota. Esta técnica hace vibrar la

punta del dedo se mueva hacia arriba y hacia abajo con un poco

nota de manera perceptible para enriquecer el sonido. Con la práctica

más de impulso que si únicamente estuvieras usando la fuerza de

y el consiguiente desarrollo de la fuerza de tus dedos, llegarás a

los dedos, y de forma más fluida que si tuvieras los dedos anclados

controlar por completo su frecuencia y profundidad. La nota pisada se

y sólo movieras la muñeca.

mueve hacia arriba y hacia abajo, al contrario que en la guitarra acústica con cuerdas de nailon, que se mueve de lado a lado. El vibrato suave se consigue con un movimiento circular de los dedos, rotando la muñeca en círculos pequeños, de manera que la

Por otro lado, el vibrato rápido de B. B. King deriva del movimiento de la mano entera, mientras que Eric Clapton fue pionero del vibrato “freehand”, en el que solamente está en contacto con la guitarra la punta del dedo de la mano izquierda.

PARA EVITAR RESBALAR EJERCICIO I

Mantente dentro de los límites de tu extensión de dedos

Una línea sencilla en la escala de MI menor con mucho espacio

(que aumentará con la práctica) para evitar que la cuerda

para que alargues el vibrato.

se te resbale de debajo de los dedos. Las cuerdas de calibre fino son más fáciles de estirar, pero pueden sacrificar un poco de sonido comparadas con las de calibre más grueso.

"Puedo hacer perfectamente el vibrato de mano de toda la vida, pero me gusta atacar las cuerdas." Ritchie Blackmore

058

(Deep Purple)

Cómo tocar solos Eric Clapton

Clapton fue guitarrista principal de Yardbirds y Cream, por mencionar sólo dos, su uso del vibrato abarca desde un estiramiento tenso hasta un nivel apenas audible. Muchas veces coloca un vibrato en la llegada de un bend de tono entero, lo cual es una manera genial (aunque difícil de dominar) de añadir tensión al sonido.

LA PALANCA Es el nombre correcto del brazo de trémolo, trem

EJERCICIO II

o sistema de trémolo, sobrenombres que derivan

Añade un vibrato uniforme a cada nota de estos arpegios. Puedes usar

de un uso equivocado del término por parte de

vibrato en dos notas, en tres e incluso en acordes más llenos.

Leo Fender, pero que se usan tanto que son equivalentes. El efecto que produce es el vibrato, un cambio en la afinación. Si hablamos con corrección, el trémolo es un cambio en el volumen. Las palancas permiten que la afinación vaya tanto hacia abajo como hacia arriba. Dejando a un lado los trems vintage como el Bigsby, es más probable que te encuentres variaciones del sistema de vibrato Stratocaster estándar o del Floyd Rose (o Kahler). El primero es genial para las oscilaciones más pequeñas, pero tendrá problemas de afinación en los estilos “dive-bombing” (bestias) del metal (distensión extrema de las cuerdas), que los dos últimos sistemas son capaces de conseguir sin desafinarse.

059

Cómo tocar solos

Las escalas pentatónica menor y menor de blues La escala pentatónica menor es una de las escalas más importantes en la música rock. Puesto que es una escala menor, encaja perfectamente sobre acordes menores. Sin embargo, muchos instrumentistas fuerzan la escala también sobre acordes mayores y de dominante. La escala menor de blues añade una nota adicional a la pentatónica menor: la b5. Este intervalo es el que le da la sonoridad oscura y amenazante, tan importante en los riffs de heavy metal (como los de Black Sabbath o Megadeth). y la nota adicional hace que los patrones rápidos de tres notas por cuerda resulten más fáciles. Aquí vemos dos patrones para ambas escalas: el abierto y el móvil. Los patrones abiertos sólo pueden tocarse en una posición; un patrón móvil, como su nombre indica, puede tocarse en cualquier parte del mástil. Aquí mostramos cinco posiciones de cada escala.

Todos tenemos ídolos. Toca como cualquiera que te guste, pero intenta seguir siendo tú mismo. B.B. King

ESCALA PENTATÓNICA MENOR El primer ejemplo es la escala pentatónica menor de Mi en posición abierta. Empieza en la nota más grave de la guitarra (la sexta cuerda al aire) y sube dos octavas hasta el tercer traste de la primera cuerda. En las figuras, a la izquierda, las “o" rojas indican las cuerdas al aire que hay que tocar.

El segundo ejemplo es la pentatónica menor de La, donde la nota más grave es la del quinto traste de la sexta cuerda. Hay cinco posiciones de escalas (ver página 62).

060

Cómo tocar solos

ESCALA MENOR DE BLUES La escala menor de blues es en esencia la pentatónica menor con una nota añadida. El patrón abierto de dos octavas añade una nota extra en las cuerdas quinta y tercera. Asegúrate de que usas el patrón de digitación indicado.

Aquí, el patrón de escala menor de blues de La se muestra empezando por la nota del quinto traste de la sexta cuerda. Igual que la escala pentatónica menor de La, aquí también hay cinco posiciones de escalas.

B.B. King toca una variación de la escala de blues. King tiene una técnica de vibrato especial: la única parte de su mano izquierda que está en contacto con la guitarra es el dedo que hace el vibrato.

061

Cómo tocar solos

Licks y patrones con la pentatónica menor Igual que para los otros tipos de escala, hay cinco patrones de la escala pentatónica menor. Aquí los tienes, con las posiciones de la tónica indicadas (la nota fundamental). Prueba los patrones desde la fundamental que quieras (o desde cualquier nota de la escala, siempre y cuando seas consciente de dónde está la fundamental), y comprueba cuán rápido eres capaz de nombrar las notas que estás tocando, teniendo en cuenta que la fórmula de la escala es: 1-β3-4-5-β7-Octava.

En las páginas 66 y 67 veremos cómo pueden aplicarse

En la página siguiente hay dos ejercicios que representan unas

teóricamente estos patrones de escala a cualquier progresión de

cuantas maneras de añadir interés incluso a licks simples de

acordes en cualquier tonalidad. La idea, por supuesto, no es

pentatónica menor, con los cambios de acordes indicados. Aquí se

solamente tocar estas escalas sin pensar, sólo porque suenan bien

incluyen los cambios rítmicos (de valor), la adición de notas de la

(aunque tampoco está mal que lo hagas). Las escalas son sólo la

escala de blues y de líneas cromáticas, todos ellos efectos

manera que tenemos de diferenciar lo que está dentro de la

conseguidos mediante punteo simple y bends mínimos.

tonalidad de lo que no. Los licks con gracia se encuentran en fragmentos de acordes y están muy relacionados con la progresión de acordes que se encuentra debajo, con la repetición, los unísonos, los bends, el fraseo y el carácter: son los temas que trataremos en este capítulo.

062

Cómo tocar solos

“DESLIZAR” EL DEDO ÍNDICE Cuando toques o escribas licks, habrá veces que querrás tocar notas en el mismo traste en cuerdas contiguas: de Do en la cuerda Si a Sol en la cuerda Re, por ejemplo. Podrías pensar que sólo se trata de poner una cejilla con el primer dedo. SI lo intentas, las notas sonarán a la vez, y es probable que el resultado sea una actividad armónica caótica y sucia que no querías. Para conseguir un efecto de glissando suave con una sola nota, pon la

EJERCICIO I

cejilla con la yema del primer dedo y deslízala, apagando las cuerdas que no

Lick sencillo de pentatónica menor usado

quieres que suenen mientras pisas las que sí quieres. Requiere un poco de

como relleno en un vamp de A5.

práctica pero lo encontrarás muy útil, sobre todo para el barrido (ver páginas 36 y 37).

EJERCICIO II Lick sencillo de pentatónica menor usado contra un acorde de E7#9.

063

Cómo tocar solos

Las escalas pentatónica mayor y mayor de blues De la escala pentatónica mayor derivan las escalas pentatónica menor y menor de blues que aparecen en las páginas 60 y 61. Dicho de manera sencilla, es la escala de cinco notas de cualquier escala mayor, de la misma forma que la escala mayor que aparece en la página 22 es la heptatónica o escala de siete notas. En la tonalidad de Do mayor, por ejemplo, la pentatónica mayor consiste en las notas Do, Re, Mi, Sol y La.

La pentatónica menor puede tocarse contra los acordes de

puede tocarse contra acordes mayores. Una manera de desarrollar

tonalidades menores, o también puede forzarse contra acordes

tu comprensión de los solos de guitarra basados en el carácter es

mayores y de dominante, mientras que la pentatónica mayor sólo alternar frases en las escalas pentatónicas menor y mayor.

"Tocar escalas es como cuando un boxeador salta a la cuerda o pega al saco. No es la actividad en sí misma, sino una preparación para ella." Barney Kessel, guitarrista estadounidense de jazz

El primer ejemplo es la escala pentatónica mayor abierta sobre Sol. Sube dos octavas hasta el tercer traste de la primera cuerda. Los números de los puntos rojos y amarillos Indican qué dedos tocan las notas pisadas.

El segundo ejemplo es la escala pentatónica mayor de Do, en la que la nota más grave está en el octavo traste de ¡a sexta cuerda.

064

Cómo tocar solos

Duane Eddy

Duane Eddy, uno de los primeros guitar heroes, introdujo el twang (un sonido de guitarra reverberante y con muchos graves) en el rock ‘n’ roll. Su manera de tocar única implicaba puntear melodías de una sola nota en las cuerdas graves.

La escala mayor de blues, mostrada aquí sobre Sol, es en esencia la pentatónica mayor con una tercera menor añadida (β3). El patrón de dos octavas añade una nota extra en la quinta y tercera cuerdas.

Aquí, el patrón de escala mayor de blues sobre Do se muestra empezando en el octavo traste de la sexta cuerda. Hay cinco posiciones para cada escala mayor, pentatónica mayor y mayor de blues, igual que para sus relativos menores.

065

Cómo tocar solos

Licks y patrones con la pentatónica mayor Igual que para la menor, hay cinco patrones de escala de la pentatónica mayor. Las mostramos aquí debajo indicando la posición de la tónica (nota fundamental). Igual que para las posiciones de la pentatónica menor, practica los patrones desde la fundamental que elijas (o desde cualquier nota de la escala, siempre y cuando seas consciente de dónde está la fundamental), y comprueba cuán rápido eres capaz de nombrar las notas que estás tocando. La fórmula de la escala es: 1-2-3-5-6-0ctava.

En las páginas 68 y 69 abordamos la aplicación de estas escalas a

pentatónica mayor de la forma 1 son los mismos que los

progresiones de acordes. Aquí se aplican los mismos comentarios

de pentatónica menor de la forma 2, aunque las fundamentales

que hemos hecho sobre los relativos menores (ver páginas 60 y 61)

(y los intervalos construidos sobre ellas) sean diferentes.

sobre el uso de las escalas en tus improvisaciones. Mientras que la pentatónica menor puede tocarse sobre acordes de tónica menores, acordes de dominante (V) y acordes mayores, la pentatónica mayor, además de poder tocarse sobre acordes mayores, también puede tocarse sobre acordes de séptima de dominante, ya que en la escala no hay séptima. Como no hay cuarta ni séptima, esta escala es el comodín de los solos en tonalidades mayores. Ten en cuenta la relación entre las escalas mayores y sus relativos menores (ver páginas 32 y 33). Los patrones de

Patrón de escala 2

066

Cómo tocar solos

Stevie Ray Vaughan

Stevie Ray Vaughan, extraordinario guitarrista, provocó prácticamente él solo el revival del blues en los años ochenta. Inspirándose tanto del blues como del rock ‘n’ roll, y añadiéndole un poco de jazz, Vaughan desarrolló un estilo de tocar encendido y singularmente ecléctico.

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EJERCICIO I Lick de pentatónica mayor en Si.

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EJERCICIO II

Lick de pentatónica mayor en Re.

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Cómo tocar solos

El secreto de los licks y solos pulidos Hemos dicho que las escalas son maneras de organizar el conocimiento y también herramientas para tocar. Dar con las notas y encontrar los intervalos que hagan vibrar a la gente es el santo grial de todo guitarrista, tanto si les va el punteo rápido del country twang como si son más de líneas solistas fluidas y brillantes. Así pues, ¿cómo se hace un solo o se logra una melodía tan buena como las que en su momento te dieron ganas de empezar con la guitarra? Podemos tocar las escalas hacia arriba y hacia abajo todo lo que queramos, pero mientras no sepamos cómo aplicar esas escalas a progresiones de acordes, no tendremos adonde ir. Por suerte, hay un método para empezar con ello, tan directo que casi es trampa. Un repaso: hemos visto que las escalas mayores están relacionadas con sus relativos menores. Así, la escala mayor es relativa a la escala menor, la pentatónica mayor es relativa a la pentatónica menor y la escala mayor de blues (pentatónica con la tercera menor añadida) es la relativa mayor de la escala menor de blues. Eso no quiere decir que sólo puedas usar cada tipo de escala con su relativo, ni mucho menos. Pero es útil saber cómo se relacionan en la teoría. De aquí en adelante, siguiendo la denominación convencional, diremos “pentatónica” para referirnos a la pentatónica mayor, y especificaremos “pentatónica menor” cuando sea necesario.

Éstas son las cinco posiciones de la escala pentatónica:

068

Cómo tocar solos

Se aplican las mismas fundamentales a la pentatónica menor y

El patrón 1 funcionará bien en Re mayor (10° traste, MI grave);

a las escalas de blues. Supongamos que queremos hacer un solo

el patrón 2 funcionará en Mi (12° traste); el patrón 3 en Fa# (2o

sobre esto:

traste); el patrón 4 en La (5o traste) y el patrón 5 en Si (7o traste): son las notas de la pentatónica sobre Re. Elige un patrón de escala (el que más te guste, o el que quieras usar: al fin y al cabo esto es un arte y tiene que haber

Es una progresión de 16 compases bastante típica. Mira en la tabla de acordes y verás que está en Re mayor. (No te preocupes si la progresión es más complicada.

lugar para la elección). Mirando la tabla, sigue la columna hacia arriba desde el patrón que hayas escogido hasta que se encuentre con la tonalidad de tu canción o tu secuencia de acordes. Toca el

Escuchando qué suena bien y qué no, irás desarrollando la habilidad

patrón de manera que empiece en la tónica del acorde en el que

de oír y determinar el centro tonal, basándote en los acordes más

se encuentra con la tonalidad.

importantes. Las progresiones pueden contener también acordes

De manera que, para nuestra progresión de arriba,

que no pertenecen a la tonalidad, que no deben confundirte. El

supongamos que te gusta cómo suena el patrón 5. Comenzarías

centro de la tonalidad puede deducirse de la mayoría de los acordes.)

el patrón en la nota Si.

Tabla de acordes y tonalidades

069

Cómo tocar solos

Sobre la modalidad Cuando hayas experimentado unas cuantas veces con el método de las páginas anteriores, te darás cuenta de que te abre la puerta a prácticamente todos los grandes licks de rock y blues de escalas mayores y menores que vayas a necesitar.

Estas escalas también son responsables de la mayoría de los

sobre ella, o también usar este nuevo punto de vista para sugerir

sonidos que se escuchan en el rock clásico e incluso en el metal

partes nuevas para la canción que estés escribiendo. La humilde

(ver páginas 116 y 117 para otras escalas igual de buenas).

escala mayor (ver páginas 22 y 23) es la base de los modos que

Te podrías pasar la vida explorándolas y no agotarías sus

suelen escucharse en el rock. Los estribillos mixolidios

posibilidades, lo cual es válido para casi todas las maneras de

seguramente sonarán potentes y memorables si vienen, por

abordar la música. Mira que dice Slash, por ejemplo: “No uso un

ejemplo, después de una progresión de estrofa jónica.

montón de afinaciones raras porque todavía estoy intentando llegar a tocar la guitarra tal como es”. Un modo puede crearse a partir de su patrón de escala o de su

Dependiendo de qué nota de la escala se subraye como tónica, la escala mayor puede evocar siete estados de ánimo musicales diferentes. Un modo no es un tipo nuevo de escala

acorde de tónica. El pensamiento modal abre un camino más para

construido sobre esa nota, sino una continuación de los intervalos

abordar el mástil. Puedes analizar una progresión que ya exista en

de la escala mayor, comenzando desde esa nota y acabando una

términos modales para generar ideas nuevas con las que tocar

octava más arriba. Los modos se corresponden con los intervalos de una progresión de acordes (una en la que no cambie la tonalidad). Por ejemplo, Sib, la séptima de dominante de Fa, (I), aparece en el modo mixolidio y también suele añadirse al acorde de Do (V) como séptima de dominante: dos maneras diferentes de pensar que producen el mismo resultado armónico. Escuchando las tríadas (las tres primeras notas: ver páginas 22 y 23) de cada modo, puede saberse si el acorde correspondiente será mayor o menor, y viceversa. Los patrones modales no son ninguna guía infalible para mantenerse en el buen camino de la armonía, así que tendrás que seguir escuchando por si has modulado a alguna otra tonalidad nueva. Sin embargo, sí que son una muy buena manera de pensar en los solos y las progresiones de acordes (y de lidiar con el mástil, tanto si compones como si buscas añadir a una progresión líneas imaginativas nuevas).

Joe Satriani

Sin lugar a dudas, Satch es uno de los guitarristas técnicamente más consumados y respetados de los últimos tiempos. No es sorprendente que haya enseñado los secretos de la guitarra a muchos de los mejores guitarristas de rock contemporáneos.

Cómo tocar solos

Patrones de escala modal y sus caracteres

Lidio: De jazz

Indicaremos los diferentes sonidos de los modos de las canciones que aparecen al final de los capítulos siguientes.

Intervalo desde la fundamental: 4a (Subdominante) Acorde asociado: Mayor Jónico: Mayor habitual

Mixolidio: Rock

Intervalo desde la fundamental: Unísono Acorde asociado: Mayor

Intervalo desde la fundamental: 5a (Dominante) Acorde asociado: Mayor

Dórico: De jazz

Eolico: Relativo menor

Intervalo desde la fundamental: 2a Acorde asociado: Menor

Intervalo desde la fundamental: 6a Acorde asociado: Menor

Frigio: Flamenco

Locrio: Tenso, no resuelto

Intervalo desde la fundamental: 3a Acorde asociado: Menor

Intervalo desde la fundamental: 7a Acorde asociado: Disminuido

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Cómo tocar blues Muchas leyendas del blues tuvieron vidas cortas y rodeadas de mitos y misterios. Se decía que Robert Johnson, el pionero del Delta blues original, había vendido su alma al diablo a cambio de su increíble talento musical. Y luego está el propio contenido de las canciones, que muchas veces contaban tristes historias de amantes traicioneros y hombres despóticos. Pero, en nuestro contexto, ¿qué es el blues, musicalmente hablando? Al principio, eran canciones de trabajo, cantos para motivarse, con carácter de pregunta-respuesta. Mucha de la música con carácter de blues aún conserva esta estructura, pero es la guitarra solista la que responde la pregunta o la frase del cantante con un lick hiriente y expresivo en los dos o cuatro compases siguientes. Las “blue notes” son normalmente terceras (la tercera menor), quintas y séptimas rebajadas. No sólo aparecen en el blues: también están en la música tradicional irlandesa e inglesa. En el siguiente capítulo analizaremos cómo construir secciones completas de música en estilo de blues, aplicando las escalas pentatónica menor y menor de blues que hemos aprendido en el capítulo anterior. Verás que el uso de estas escalas sobre piezas en tonalidad mayor produce el efecto armónico característico del blues.

Gibson 335

La Gibson ES-335 es la primera guitarra eléctrica semiacústica thinline de tapa arqueada del mundo. Es la preferida de Dave Grohl, de Foo Fighters, y Tom DeLonge, de Blink-182, y no es ni hueca ni maciza: tiene un bloque de madera maciza que le atraviesa el cuerpo.

Cómo tocar blues

Progresiones de blues de doce compases Gracias a su simplicidad, la progresión de acordes de blues de doce compases ha aguantado el paso del tiempo y el ir y venir de las modas. Es un concepto perdurable que ha sobrevivido a la incorporación en sucesivos géneros, de manera que su nombre engaña, porque no sólo aparece en el blues, sino también en jazz, funk, rock y en algunos estilos de rock duro. Muchos éxitos del pop mundialmente famosos como “Johnny B. Goode”, “Blue Suede Shoes”, " Rock around the Clock” y “Shake, Rattle and Roll" son ejemplos claros.

Los doce compases consisten en los acordes de I (tónica), IV

En general, cuando se sustituye una cosa por otra, quiere decir

(subdominante) y V (dominante) de cualquier tonalidad, tocados en

que se cambia, pero en música, la "sustitución de acordes” se

un patrón de repetición de “turnaround”, es decir, conduciendo al

refiere no sólo a cambiar unos acordes por otros sino también a

oído de vuelta hacia el acorde de tónica.

posibles alteraciones armónicas de los propios acordes. La

Cada línea consiste en dieciséis negras. En su forma más básica, los doce compases se ordenan de la siguiente manera, divididos en grupos de cuatro para hacer la estructura más fácil de

progresión de doce compases se presta a ambos tipos de sustitución. Los acordes alterados que escucharás habitualmente en una progresión de doce compases con carácter de blues o rock son las

recordar:

séptimas y novenas, explicadas en las páginas 68 y 69.

I-I-I-I IV - IV - I - I V - IV -I -I

Escuchar blues cambió mi vida.' Van Morrison

EJERCICIO I El esqueleto de una progresión de blues de doce compases en Mi mayor.

074

Cómo tocar blues

Pueden hacerse muchas sustituciones de acordes dentro de

anacrusas (las pulsaciones en las que cuentas “y"). Esto último lo

la progresión de doce compases. Y ten en cuenta que también

conseguirás levantando los dedos de la mano izquierda de los

hay blues de ocho, dieciséis y treinta y dos compases.

trastes sin perder el contacto con las cuerdas. Si ves que no lo

Para estos tres ejercicios, puedes experimentar rasgueando los voicings de acordes indicados con golpes firmes y ritmicos

logras, es algo que debes practicar. Investiga apagando el sonido en el segundo y el cuarto

hacia arriba y hacia abajo, o sólo con rasgueos hacia abajo, con o

tiempos, y después en el primero y el tercero. La primera opción

sin apagado. Haz síncopas o acentúa las pulsaciones del compás que te suenen más naturales mediante el apagado, o las

debería sonar más a rock que la segunda.

EJERCICIO II

Una progresión de doce compases en La. Fíjate en la sensación de anticipación que se produce cuando acentúas los tiempos segundo y cuarto.

EJERCICIO III

Terminar el ciclo de doce compases en la dominante (V) se conoce como "turnaround”, y conduce de manera natural a la tónica.

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Cómo tocar blues

Progresiones de blues de acordes con cejilla A estas alturas te parecerá que las progresiones de l-IV-V-l tienen visualmente una forma cuadrada en la afinación habitual. Pueden aplicarse a cualquier zona del mástil. Claro que esta manera de pensar puede llegar a limitarte: es importante tener en mente qué intervalos estás usando, con independencia de en qué parte del mástil estés tocando.

Aunque la mayoría de las piezas de blues-rock que te encontrarás

sino evitando frases hechas como los licks con shuffle (ver páginas

estarán en las tonalidades de Do, La, Sol, Mi o Re, cómodas para la

76 y 77) y las séptimas de dominante. (De dominante porque se

guitarra, esta técnica te será especialmente útil para tonalidades

usan para conducir el oído hacia la tónica, al contrario que la

habituales en el jazz, como Sib, que les vienen bien a los teclados y

séptima mayor, que da una sensación más estática, más tierna: ver

a los metales: por eso también se usan en funk y soul. A medida

páginas 178 y 179.)

que desarrollas tu manera de pensar los intervalos, es probable

Para ilustrar esto último, en el Ejercicio III tienes una progresión

que empieces a generar tus propias disposiciones móviles.

de doce compases de inspiración jazzística. También te muestra lo

Mientras tanto, en los Ejercicios I y II encontrarás ejemplos típicos

bien que se prestan las progresiones móviles de blues a los

con sustituciones de acordes alternativos.

acordes alterados con intervalos menos habituales que las quintas,

Si no eres un fan del blues de doce compases, quizá sea porque sólo has escuchado ejemplos que no te han llamado la

sextas y séptimas menores, como por ejemplo las novenas. Los blues en tonalidades menores pueden ser especialmente

atención. Hay muchas piezas cautivadoras creadas sobre una

potentes y energéticos: muchas conocidas canciones de blues

sencilla estructura de doce compases, pero no de manera tan obvia,

contienen la progresión l-IV-V-l en tonalidad menor.

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EJERCICIO I Progresión de doce compases en La: el sonido acogedor y cálido de las séptimas.

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EJERCICIO II El sonido jazzistico de las novenas en Sol. Fíjate en el acorde Db, un acorde de paso con un valor rítmico tan corto como para no sonar extraño.

Billy Gibbons

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La manera excepcional de tocar y los riffs con músculo del guitarrista del Power trio ZZ Top, Billy Gibbons, hacen que sea sin lugar a dudas uno de los mejores guitarristas de blues-rock de los últimos tiempos.

EJERCICIO III Las novenas y treceavas alteradas recuerdan a las progresiones de doce compases del soul y el estilo stax.

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Cómo tocar blues

Licks de blues fáciles y con cuerdas al aire Estos ejercicios contienen licks de blues en Mi y usan la pentatónica menor. Son los típicos licks que encajan en una progresión de doce compases habitual, y te darán una ¡dea de lo fácil que es crear frases sencillas para tocar con los I, IV y V de cualquier tonalidad.

Esta manera de pensar te ayudará a localizar puntos de partida

largo del mástil). Armado con estos conceptos, ya puedes Ir

para frases de solos en cualquier traste: ¿por qué no buscar todas

trazando un mapa mental de las posiciones de mástil en las que

las posiciones en las que puedes tocar estas frases, incluso las

puedes tocar en cualquier tonalidad frases como las que

que están por encima del 12° traste? (Recuerda que el traste

mostramos debajo. Para las frases que más te gusten, podrás

número doce es la octava de cada cuerda: te animará a salir de la

memorizar en qué traste empezarías si tocaras en cualquiera de

comodidad de los trastes más bajos).

las tonalidades cómodas para la guitarra. El resto del capítulo trata sobre cómo empezar a crear licks

Si sabes qué intervalo representa tu nota de partida dentro de la tonalidad en la que estás (Si sería la quinta de Mi, por ejemplo),

basándote en marcas de la casa de la historia del blues.

puedes deducir la nota que representaría ese mismo intervalo para cualquier otra tonalidad (si lo necesitas, puedes ir tocando y contando sobre una escala mayor o menor desde la tónica a lo

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EJERCICIO I Bends al unísono, en los que la nota inferior se estira un tono entero hacia arriba, de manera que suena al unísono con la nota superior de la cuerda contigua. Son una característica que define los solos de blues-rock.

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Jeff Beck

De Jeff Beck, músico innovador, visionario y con buen gusto, se ha dicho que es "uno de los guitarristas solistas más influyentes del rock”. Es uno de los tres guitarristas que ha tocado con los Yardbirds (además de Eric Clapton y Jimmy Page). Gran parte de la música que ha grabado ha sido instrumental, centrándose en un sonido innovador y en ampliar géneros, desde el blues-rock hasta el heavy metal, pasando por el jazz fusión y una mezcla de guitarra rock y electrónica. Fue el número 14 en el ranquin de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

No me importan las reglas. De hecho, si no rompo las reglas por lo menos diez veces en cada canción es que no estoy haciendo bien mi trabajo. Jeff Beck

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EJERCICIO II Los slides de blues contra cuerdas al aire son fáciles en Mi y La. Éste usa notas de la escala pentatónica menor de Mi.

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Cómo tocar blues

Escribe tus propios licks de blues El arte de hacer grandes licks y solos de blues depende tanto de escuchar al grupo o la pista que uses para la improvisación, como de pensar en qué puede ser más eficaz, así como de que uses digitaciones rápidas. Está claro que tocar lick rápidos en un solo te da una sensación genial, pero es algo que deberás dominar cuando tengas una visión general de cómo suenan las melodías que tocas contra la parte armónica.

No olvides que las escalas son sólo una manera de organizar la Información: no pienses que tienes que tocar las notas en orden.

ACORDES AMPLIADOS

Piensa en cómo romperlas, crea intervalos inesperados y

Los acordes ampliados pueden parecer complicados, tanto si te

experimenta con el fraseo: tocar antes, sobre o después del

los encuentras en una progresión como si intentas sacar un lick

tiempo puede dar énfasis a diferentes notas y así cambiar

para tocar sobre ellos. Te ayudará saber que muchas veces se

radicalmente el carácter de frases que en un principio eran

encuentran justo una octava por encima de intervalos que te son

similares.

más conocidos, y que funcionan de manera similar, por ejemplo:

Los siguientes ejercicios contienen frases sencillas en La.

2ª------------------ 9a

Ambos consisten en sólo cinco notas (y sus octavas). Cuando se

4a------------------ 11a

tocan contra los acordes o fundamentales propuestos, aportan un

6a------------------ 13 a

carácter claro de blues que te sonará de muchos temas clásicos.

EJERCICIO I Intenta escuchar cómo se mueven los acordes por debajo del solo. Aquí el acorde es de tónica.

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Cómo tocar blues

" Cuando tengas un lick, piensa dónde puedes usarlo, y sepáralo en notas aisladas, que una nota te lleve a la siguiente, fíjate en la lógica de la música y aprende el valor de una nota. Mike Bloomfield

Esto se debe a que son mayores sobre el acorde de I, y menores sobre los acordes de IV y V, y así crean tensión y dirección. Esto se consigue porque un bending de medio tono en el octavo traste de la cuerda Mi agudo te llevará de Do. que es la tercera menor de La, a Do#, que es su tercera mayor. Forman una estructura sencilla, cuadrada (que consiste en Sol, la séptima menor; La, la tónica; Do, Do# y Re, la quinta), pero aun así, teóricamente hablando, están combinando dos tipos de escalas: las pentatónicas mayor y menor.

Mike Bloomfield

Bloomfield, muy respetado por su toque fluido, que conoció y tocó con muchas leyendas del blues de Chicago incluso antes de alcanzar la fama, se convirtió en una de las primeras estrellas de la música popular de los años sesenta que se ganó su lugar sólo por su maestría para tocar. Fue uno de los primeros grandes guitarristas de blues blanco de América; sus expresivas líneas de solo y su gran técnica también adornaron los primeros experimentos eléctricos de Bob Dylan.

EJERCICIO II Aquí tenemos una progresión de subdominante y dominante que resuelve en la tónica. Son los acordes los que crean tensión y resolución detrás del solo.

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Cómo tocar blues

Toca tu primer solo El siguiente solo se basa en los principios explicados en las páginas 82 y 83. Tocándolo verás qué fácil resulta construir un solo de blues funcional partiendo únicamente de algunas notas de las escalas pentatónicas mayor y menor.

Con este ejercicio estarás tocando solos en un abrir y cerrar de

ya tendrás más cerca tu objetivo de descubrir los misteriosos

ojos. La diferencia entre un solo expresivo y tocar las escalas que

trucos musicales que se saben la mayoría de los instrumentistas

corresponden a una secuencia de acordes según los patrones de

de verdad. Después puedes incorporar otras notas, bends y

las páginas 62 y 66 es la facultad del Instrumentista para escuchar

slides según con qué acorde en concreto suenen más eficaces.

la secuencia de acordes con la que tocan y anticipar hacia dónde

El siguiente solo en La usa solamente la tónica, la tercera

va la progresión mientras están tocando. Si te queda claro el

menor (con bends de medio tono a la tercera mayor), la quinta

concepto de que puede crearse un solo con las notas comunes de las escalas pentatónicas mayor y menor y las escalas de blues,

y la séptima menor (y, para darle un poco de variedad, sus octavas).

Cómo tocar blues

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Cómo tocar blues

Tu primera canción de blues Una base sólida de blues de doce compases te ayudará a comprender mejor la guitarra, aunque te interese más construir pop melódico a partir de secuencias de acordes originales. Aunque sólo sean progresiones de l-IV-V en uno u otro orden, afianzarán tu sentido armónico sobre cuáles son los acordes más fuertes de cualquier escala.

Los trucos y licks inspirados en el blues definen el sonido de la

canción se inspira en el blues eléctrico al estilo de Chicago, y en el

guitarra eléctrica. Como guitarrista, los puedes transportar

carácter de instrumentistas como John Lee Hooker. Según va

prácticamente a cualquier otro estilo de música. La siguiente

progresando, escucharás lo fácil que es meterle licks de la escala pentatónica menor (en la posición 1). Van articulando el riff básico a la vez que dan tiempo a tus dedos para volver a él.

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ESTROFA

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Cómo tocar blues

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Cómo tocar blues

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Cómo tocar blues

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Cómo tocar rock ‘n’ roll Suele decirse que fue Alan Freed, el legendario DJ de Ohio, quien acuñó el término “rock ‘n’ roll.". Tanto si es verdad como si no, lo que sí es cierto es que fue el padre del rock ‘n’ roll. Su programa de radio llevó el embriagador sonido de la música negra rhythm and blues al hambriento público adolescente de todo Estados Unidos. Sin él, pioneros del rock ‘n’ roll como Little Richard o Chuck Berry seguramente no habrían disfrutado de carreras tan exitosas como las que tuvieron. En los primeros éxitos del rock ‘n’ roll, el piano y el saxofón llevaban la voz principal, pero hacia mediados de los cincuenta fueron desplazados por la guitarra eléctrica. También durante este proceso, Leo Fender inventó el bajo eléctrico, y acabó desterrándose el sonido característico del contrabajo tocado sin arco al mundo del jazz y el rockabilly, que empezaban a ser revisitados. El rock ‘n’ roll es básicamente un ritmo de boogie-woogie con contratiempos fuertes, normalmente más marcados por la caja. La música que en un principio se había creado para diversión propia comenzó a empaquetarse para satisfacer las necesidades del nuevo mercado de adolescentes, y la explosión del rock ‘n’ roll dio lugar a líneas principales, técnicas y trucos específicos que desde entonces aún no se han superado.

Gretsch White Falcon

Conocida por su gran tamaño y su apariencia singular (de color blanco brillante con acabados dorados), la Gretsch White Falcon, con su imagen espectacular, ha sido siempre una de las guitarras más buscadas.

Cómo tocar rock ‘n’ roll

Progresiones de acordes de rock ‘n’ rol! La mayoría de los éxitos de rock ‘n’ roll que hoy continúan siéndolo se basan en el blues de doce compases (ver páginas 74 y 75). No obstante, muchos de los guitarristas que los tocaban se habían formado en conjuntos de swing, jazz o country, de manera que también incorporaban aspectos armónicos de estos estilos.

Uno de estos aspectos es el acorde aumentado: en rock ‘n’ roll,

mayor con la quinta alterada medio tono hacia arriba se llama

suele substituir a la dominante, ya que tiene el mismo efecto de

“aumentada", mientras que una tríada menor con la quinta

conducir la armonía hacia la tónica. El tema de los acordes

rebajada medio tono se llama "disminuida". Los acordes

aumentados puede sonar a idea compleja, pero no te alejarás

aumentados se Indican con “#5”, como por ejemplo “E#5”,

mucho del camino si los piensas como parientes de los acordes

y los disminuidos llevan por convención el símbolo como

aumentados. Hemos visto que la tercera nota de una tríada

por ejemplo “B°” (porque escribir “b5” crearía confusión sobre

determina si la tonalidad es mayor o menor. Las quintas son diferentes de las terceras (existen las quintas justas, pero no

si el bemol se refiere a la nota o al tipo de acorde, como en “Bb5”). El Ejercicio I es un voicing tradicional de un acorde

las terceras que no sean ni mayores ni menores), y una tríada

aumentado.

The Beatles

Toda la importancia que pueda dársele al impacto que causaron los Beatles es poca. Incluso el critico de ballet del Sunday Times de Londres dijo que eran “los compositores más grandes desde Beethoven". Con sus armonías frescas, su musicalidad tan sólida y su enérgico instinto para el pop, la música de los Beatles encendió la energía de la juventud de todo el mundo. Mirando sólo las ventas y el airplay que tuvieron en su momento, los Beatles fueron con mucho el grupo más grande de la historia del pop, pero su legado musical tuvo un impacto todavía presente hoy en día.

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Cómo tocar rock ‘n’ roll

Fíjate en su papel de acorde introductorio y de sustituto de la dominante en la progresión de doce compases.

Buddy Holly de la era del rock ‘n’ roll narrativo suelen usar una progresión de l-IV-V para la estrofa o el estribillo, alternados.

Por otro lado, las baladas o las canciones románticas de

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EJERCICIO I Una progresión sencilla en estilo de balada de rock ‘n’ roll en Re que se dirige desde los acordes de la estrofa hasta un potencial estribillo.

EJERCICIO II Una tonalidad habitual en el rock ‘n’ roll, en Slb, usada por Chuck Berry entre otros. El acorde de V es aumentado.

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Cómo tocar rock ‘n’ roll

Licks fáciles de rock ‘n’ roll El rock ‘n’ roll bebe de elementos de la música country y del blues, y eso se refleja en sus líneas principales esbeltas y sus solos eficaces. Muchas veces incluyen arpegios, formando una melodía a partir de las notas de los acordes, y slides contra cuerdas al aire al estilo del country. Estos elementos evocan el sonido de la guitarra

lap Steel o hawaiana, pero a menudo se usan para tocar notas de adorno disonantes (las que son tan cortas que no tienen valor rítmico), separadas medio tono de una cuerda al aire en vibración, como la del comienzo del ejercicio siguiente, que usa la escala de blues de Mi (con notas de adorno) sobre un acorde de Mi (I). Este lick funciona muy bien como frase en sí, o como final de

El segundo lick también se presenta aquí en Mi para tocar

solo o de canción, también tocado sobre el acorde de tónica.

sobre el acorde de tónica. El hecho de que se resuelva en la

Además incluye notas pisadas contra cuerdas al aire, que suenan

tónica lo convierte en un lick todoterreno para Mi mayor.

genial cuando se tocan con sonidos limpios y con resonancia. Encaja tanto en el estilo de balada lenta “doo-wop” que formó parte de la escena del rock ‘n’ roll como en temas más movidos con líneas de bajo arpegiadas, y muestra su Influencia blusera con el uso de la escala de blues (ver página 64). Los pull-offs del segundo y tercer compases requieren fuerza en los dedos. Tira

Rock ‘n’ roll: música para el cuerpo de cuello para abajo.

hacia abajo y hacia un lado ligeramente.

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EJERCICIO I Un lick con pull-offs en el que aparecen la tercera menor y la sexta mayor contra el acorde de tónica.

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Keith Richards (The Rolling Stones)

Cómo tocar rock ‘n’ roll

El primer guitar hero del rock Cochran fue un virtuoso guitarrista que tocaba con tal autoridad que el periodista musical Bruce Eder dijo que era "la primera figura del rock con una energía desbordante, el precursor de Pete Townshend, Jimmy Page, Duane Allman y, al menos en cuanto a su destreza, de Jimi Hendrix”.

Eddie Cochran

Sólo tenía veintiún años cuando murió, y aun así pudo dejar su contribución a la música como pionero del rock ‘n’ roll. Con clásicos como “C’mon Everybody”, “Something Else” y “Summertime Blues”, Cochran captó la esencia de la rabia y las ansias de la juventud. En sus actuaciones en directo, Cochran era el paradigma de la imagen y el sonido del rockero rebelde.

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EJERCICIO II Un lick con el arpegio de Mi mayor en el que aparecen cuerdas al aire e intervalos cromáticos (de semitono).

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Cómo tocar rock ‘n’ roll

Licks sencillos y móviles de rock ‘n’ roll Recuerda que los guitarristas de rock ‘n’ roll como Franny Beecher, uno de los Cornets de Bill Haley, no tenían sonidos distorsionados a su disposición. Aun así, gracias a la calidad de los primeros amplis de válvulas, tuvieron acceso a sonidos limpios y acampanados que todavía no se han superado.

Las dobles cuerdas, como las del primer ejercicio de abajo, son un

clásicos del rock 'n' roll comienzan a menudo con una frase de

elemento muy común en el rock ‘n’ roll (ver páginas 98 y 99).

guitarra sola que establece el centro tonal, ya sea con la tónica

Ilustrada una vez más en MI mayor, esta frase móvil es Ideal para

o usando la dominante en dirección a la tónica. Este ejemplo

la transposición. Usa el modo mixolidio (ver página 71) pero

burlón está en Sib y muestra claramente cómo los slides

incluye la tercera menor para obtener un efecto blusero, en

cromáticos (de semitono) de las notas de adorno aportan

especial cuando se toca al unísono con la sexta mayor del primer

dinamismo a las notas del acorde de tónica.

compás.

El siguiente ejercicio también usa un patrón de “octavas

Las frases con dobles cuerdas se prestan muchas veces al punteo arpegiado, como la frase del segundo ejercicio. Los éxitos

directas" que es la manera típica de puntear las dobles cuerdas en rock ‘n’ roll, pero armónicamente es más complejo ya que alterna los acordes de I y IV, y muestra cómo pueden usarse estas figuras sobre una progresión sencilla.

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EJERCICIO I Un lick de dobles cuerdas basado en arpegios en Mi mayor (con una tercera menor en el último compás) en el que la manera de puntear cambia. Funciona bien sobre acordes mayores o de séptima de dominante.

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Bill Haley

Bill Haley, aclamado como "el padre del rock ‘n’ roll” y "la primera estrella del rock ‘n’ roll”, acercó la música rock ‘n’ roll a las masas. En 1954, el himno del rock 'n' roll de Haley, “Rock Around the Clock”, entró en las listas de éxitos, permaneció en el primer puesto durante ocho semanas y vendió veinticinco millones de copias en todo el mundo. Como declaró a la revista Rolling Stone en 1967: "Juntamos el country and western con el rhythm and blues, y resultó el rock”. Haley también decía que le había dado al rock ‘n’ roll su nombre: su "Rock-A-Beatin' Boogie” tenía un estribillo que decía "Rock, rock, rock everybody, Roll, roll, roll everybody”. Y efectivamente, todo el mundo empezó a rockear.

El rock ‘n’ roll es bueno para el alma, para el bienestar, para la psique, para tu todo. Me encanta. No me puedo ni imaginar estar sin rock ‘n’ roll. PISTA 46/2

Hank Ballard, cantante de rhythm and blues y uno de los primeros artistas

de proto-rock ‘n' roll de los años cincuenta.

EJERCICIO II Presentado aquí sobre los acordes de IV y I, este lick puede tocarse también sobre la tónica. El Fa# y el Do del tercer compás forman una quinta disminuida, pero derivan de los acordes de La y Re.

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Cómo tocar rock ‘n' roll

Licks de dobles cuerdas y técnicas de punteo de rock ‘n’ roll Además de los licks de las páginas anteriores, muchos licks clásicos de rock ‘n’ roll tienen un sabor country aunque sigan influenciados por el blues. En muchos de estos licks, las notas de las dobles cuerdas no están situadas en cuerdas contiguas, de manera que para conservar el giro country será necesario puntear con otros dedos aparte del pulgar y el índice.

Estos ejercicios no requieren más de un dedo “extra”. De acuerdo con el contexto del libro, están diseñados para ser tocados con

TÉCNICAS DE PUNTEO

púa y con la yema del tercer dedo. Se inspiran en la era rockabilly

La técnica más usada de punteo sin púa suele

de mediados y finales de los cincuenta, cuando la guitarra eléctrica

denominarse “clawhammer”, y fue popularizada

ya se había establecido como Instrumento principal junto a la voz.

por instrumentistas como Merle Travis. En esta

El desarrollo de las técnicas solistas de hoy, apropiadas para licks

técnica se alterna el lateral del pulgar con los otros

de country y slides, estaba en sus Inicios.

dedos. Si puedes dominar la coordinación que se requiere, podrás armonizar líneas de bajo y melodías de estilo folk.

EJERCICIO I Lick de inspiración country en Sol. Presta atención a evitar pulsar la cuerda Si hasta el Re del compás final.

No se te puede caer nada y nada te incordia. Jeff Beck (The Yardbirds) sobre las delicias de tocar sin púa

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Cómo tocar rock ‘n’ roll

En el Ejercicio I mostramos un lick cromático que suena muy

notas de las tríadas de esos acordes junto con las sextas,

bien sobre una progresión de l-IV-V-l. Propuesto aquí en Sol, tiene

que aquí se puntean pero sonarían igual de bien como slides.

una forma móvil que encaja en cualquier tonalidad.

Por otro lado, el Ejercicio III está escrito pensando en una

También en Sol, en el Ejercicio II aparece un lick de Influencia española que se armoniza con una progresión l-ll-l, punteando

progresión l-IV-V-l. Está en Sib, lo que le da un carácter burlón, al estilo de Chuck Berry.

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EJERCICIO II Este lick muestra lo fácil que es construir riffs de dobles cuerdas y licks a partir de las notas del acorde.

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EJERCICIO III Este lick y el anterior sonarán genial si añades vibrato en todas las notas: conseguirás un toque de auténtico “shake, rattle and roll”.

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Cómo tocar rock 'n' roll

Riffs y licks al estilo de Chuck Berry El showman de Missouri desarrolló un estilo de guitarra que ayudó a distinguir el rock ‘n’ roll del rhythm and blues. Sus licks tenían un sello personal que Influyó en gran medida en guitarristas del período de auge del blues como Keith Richards (ver páginas 160 y 161). Empedernido músico de giras, Berry solía viajar solo, tocando con grupos que formaba con los mejores músicos de las ciudades que visitaba: esto nos da una idea de lo universal que ya era su música.

Las letras de Berry solían exaltar la libertad y los viajes que permitía el automóvil; su música refleja esa sensación de

Este ejercicio es un ejemplo de riff con ritmo cuadrado de corcheas. Alterna las quintas y las sextas de cada acorde y se

movimiento, muchas veces a través de las “octavas directas”

parece a un lick de shuffle, pero cuando lo toques te darás

(simples pulsaciones de corchea) contra partes rítmicas basadas

cuenta de la diferencia en el ritmo. Está en Sib, pero no tiene

en el swing. En el primer ejercicio, la resonancia de las dobles

terceras, así que no es ni mayor ni menor.

cuerdas sólo refuerza la tercera mayor y la menor, desviando el

También aparecen sextas en el siguiente ejercicio.

interés de su ritmo de tresillos, otro sello de Berry. Aquí lo

Aquí están armonizadas, una vez más, en dobles cuerdas al

mostramos en Sib, armonizadas contra un acorde de séptima de

estilo de Berry, contra la quinta en su ritmo característico de

dominante de tónica.

shuffle.

Si se le intentara cambiar el nombre al rock and roll,

se llamaría Chuck Berry. PISTA 48

EJERCICIO I Este lick deriva de las dos notas superiores del acorde de séptima de dominante de tónica, y funciona Igual de bien sobre la tónica que sobre un acorde mayor.

100

John Lennon

Cómo tocar rock ‘n’ roll Chuck Berry

Con ingeniosas letras llenas de coches y chicas, Chuck Berry sentó las bases no sólo del sonido rock 'n' roll, sino de la visión del mundo al estilo rock ‘n’ roll. Aunque nadie puede proclamarse inventor del rock ‘n’ roll, Berry es la persona que más se acerca a ello, ya que fue quien juntó todos sus ingredientes esenciales. Su oportuna idea de injertar los licks de guitarra country and western en el rhythm and blues en su primer single, “Maybellene”, junto con su solo de guitarra tan breve pero arrollador y sus licks de dobles cuerdas característicos crearon el sonido del futuro.

RITMOS DE TRESILLOS Ante todo, Chuck Berry podía verse a sí mismo como un hombre del espectáculo, pero también fue un guitarrista que ejerció una enorme influencia, visible al máximo en ios Beatles y los Rolling Stones. Berry fue pionero en introducir ritmos de tresillos en la guitarra, en los que hay tres notas por cada pulsación del compás. A menudo usados con dobles cuerdas, como las notas 1 y 4 de la escala, se tocan mejor con un patrón de rasgueo abajo-arriba-abajo.

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EJERICIOII Estos voicings de quintas vacías no tienen tercera. Se muestran aquí formando los compases de “turnaround” de un blues de doce compases.

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Cómo tocar rock ‘n’ roll

Licks al estilo de Scotty Moore Scotty Moore fue el guitarrista de los éxitos más inmortales de Elvis Presley, como “That's Alright (Mama)”, “Hound Dog” y “Jailhouse Rock”. Su sobrio punteo de influencia country era el envoltorio perfecto para la voz de barítono de “El Rey”. De carácter reservado en el escenario, Moore fue, en efecto, el primer guitarra solista profesional fuera de una banda de swing: B. B. King y Chuck Berry ya habían sacado discos de éxito cuando Elvis se hizo famoso en 1954, pero aunque ahora los recordemos por su estilo guitarrístico eran artistas polifacéticos. En 1968, Moore se reunió de nuevo con Presley en su concierto

Este lick de dos compases, presentado aquí en Sol y tocado

especial de regreso, cuyas imágenes muestran la gran eficacia de

sobre un acorde mayor o uno de séptima de dominante sobre la

su punteo solista libre de adornos superfluos.

tónica, es una buena manera de acabar un solo o una canción.

El Ejercicio I contiene un lick con cuerdas al aire en La, y hace hincapié en la sexta y la novena. Este lick se toca también sobre el

A mediados de los setenta, los rockeros punk buscaban, como reacción a los excesos de los temas de rock progresivo, redescubrir

acorde de tónica, esta vez en Mi, de manera que también hace

licks como éstos. Con overdrive, este lick podría encontrarse tan a

énfasis sobre la sexta (Do#).

gusto en la parte trasera de un pub de Londres como en Tennessee.

Muchas veces los licks de Moore alternan compases en los

Scotty Moore tocaba con facilidad música jazz y country. Sus

que repite la melodía vocal y rolls de banjo (repeticiones de un slide

riffs están construidos a partir de estos estilos y engañan por su

cromático contra una cuerda al aire, como el del Ejercicio II).

aparente sencillez.

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EJERCICIO I Este riff de dos compases requiere destreza en la mano derecha, ya que implica saltarse cuerdas. Se añade una sexta mayor, una novena y una séptima mayor al acorde de tónica.

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Cómo tocar rock 'n' roll

Scotty Moore

Con su bagaje de jazz y country, Scotty Moore usó esas influencias para poner el contrapunto a la voz de Presley con solos melódicos pero potentes: un sonido que llevó a desatar la revolución del rockabilly y dio vida a los primeros sonidos del rock ‘n’ roll. Colin Escott, compositor y periodista, escribió sobre Moore: “La primera generación de chavales que creció queriendo tocar rock and roll se curtieron con los solos de Scotty Moore”. Lo confirmó el guitarrista de los Rolling Stones, Keith Richards, cuando dijo: “Todo el mundo quería ser como Elvis; yo quería ser Scotty".

" Si te gusta, si sientes la música rock ‘n’ roll, no puedes evitar moverte con ella. Es lo que me pasa a mí. No puedo evitarlo." Elvis Presley

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EJERCICIO II

Este lick te añade la sexta al acorde mayor de tónica y pasa de la tercera menor a la tercera mayor (Sol/Sol#).

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Cómo tocar rock ‘n’ roll

Tu primera canción de rock ‘n’ roll En los años cincuenta, la escena del rock n' roll estaba llena de adolescentes con talento como Buddy Holly o Eddie Cochran. Los artistas editaban sus propios singles en vinilo con la esperanza de sonar en las radios locales de Estados Unidos y generar suficiente interés como para triunfar a escala nacional.

Sin embargo, los artistas que tenían contratos con grandes discográficas solían encontrarse con grupos de estudio cuyos guitarristas venían del jazz y el country. Esos instrumentistas aportaron sus licks y añadieron así color y diversidad a Jas progresiones sencillas derivadas del blues y el jump blues. La siguiente canción tiene tres partes, y su centro tonal es Re menor. En la estrofa, la voz principal sobre la escala de Re menor es una versión apagada de la que aparece en el refrain, mientras que el estribillo entra con un carácter más abierto y espacioso. Usa una cadencia muy habitual y apreciada: el tipo de progresión con dirección descendente que inspiró a los primeros Beatles.

Buddy Holly

A pesar de que su período de éxito duró apenas 18 meses antes de su muerte en un accidente de avión, Buddy Holly pasó a ser el pionero y la cara visible del rock ‘n' roll. El crítico Bruce Elder describió a Holly como “la fuerza creativa solista más influyente del rock ‘n’ roll temprano”. Sus temas, que incluyen clásicos intemporales como “Oh Boy”, “Peggy Sue", “That'll Be the Day” y “Not Fade Away", inspiraron e influenciaron a muchos grandes artistas posteriores, como los Beatles, los Rolling Stones, Don McLean y Bob Dylan, y su influencia en la música moderna ha sido tan profunda como extendida.

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Cómo tocar rock ‘n’ roll

REFRAIN

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Cómo tocar rock ‘n’ roll

ESTROFA

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Cómo tocar rock ‘n’ roll

ESTRIBILLO

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Cómo tocar rock clásico Hoy en día, con sus emisoras de radio de carretera y sus conciertos en estadios deportivos, Estados Unidos es el país del rock clásico. Sin embargo, en los años sesenta fueron los guitarristas británicos, aburridos de las imitaciones de la música skiffle (música basada en el jazz, el blues y el folk con influencias country, normalmente tocada con instrumentos caseros o improvisados), los que empezaron a copiar las partes de guitarra de los LP de blues importados de Estados Unidos de artistas como Howlin' Wolf. El blues de Chicago (la versión eléctrica del blues rural acústico del Delta del Mississippi) fue el modelo para los experimentos sonoros de los pioneros del boom del blues británico. Dos grupos londinenses en particular, los Yardbirds y los Bluesbreakers de John Mayall. fueron las plataformas de lanzamiento para los talentos de Eric Clapton. Jeff Beck y Jimmy Page. Estos grupos del boom del blues fueron mutando a través de la psicodelia hasta llegar a ser gigantes del rock como Cream y, por supuesto, Led Zeppelin. Mientras tanto, otro grupo del boom del blues londinense había aceptado la propuesta de su compañía discográfica para escribir su nombre con “g", y los Rollin’ Stones ya no miraron atrás. Otros grupos influenciados por el blues, como Free y The Pretty Things, contribuyeron a la floreciente escena musical de los sesenta y setenta, en la ’ que grupos como Deep Purple elevaron el rock a un nivel y un público diferentes. El siguiente capítulo subraya las técnicas que los llevaron al éxito y enseña los fundamentos del rock que conserva la calidez y el contenido melódico del blues, a la vez que sienta las colosales bases del heavy metal.

Gibson SG

La Gibson SG tiene un cuerpo más fino que la Gibson Les Paul, lo que la hace mucho más ligera. Es la preferida de muchos guitarristas, como Tony lommi, de Black Sabbath, Derek Trucks, de The Allman Brothers Band, y Eric Clapton.

Cómo tocar rock clásico

Progresiones de acordes útiles para el rock clásico Hemos hablado de que las raíces del rock clásico están en el blues. Así pues, es útil comenzar a pensar en las posibilidades del blues-rock y descubrir qué más puede hacerse con la progresión de blues de doce compases (ver páginas 74 y 75).

Las tablas de acordes en números romanos de esta página pueden

Vale la pena conocer algunas variaciones habituales de la

usarse con las disposiciones de acordes de las páginas 24, 25, 30

progresión de doce compases básica. Las siguientes progresiones

y 31, junto con los voicings de acordes de quintas que hemos visto

derivan del trabajo de los músicos pioneros del blues del Delta, así

en los capítulos anteriores, adaptándolos a cualquier tonalidad.

que seguro que te suenan. Improvisa sobre ellas en dos o tres tonalidades habituales (MI, La y SI, o Sol, Do y Re) para que puedas escuchar las diferencias de tensión y resolución que hay entre ellas. En las páginas siguientes veremos que estas variaciones pueden constituir los bloques básicos para crear temas de rock clásico más variados, que se inspiran en estas progresiones aunque usen quintas vacías o líneas melódicas (o, en especial, si tenemos en cuenta que los shuffle riffs clásicos como los de Chuck Berry, que hemos visto en las páginas 100 y 101, también son acordes de quinta).

Una variación que usa la subdominante en el segundo compás:

Con el acorde de dominante en el décimo compás:

Ritchie Blackmore

Blackmore es un guitarrista inglés, miembro fundador de los grupos de rock duro Deep Purple y Rainbow. En el tema más exitoso de Deep Purple, “Smoke on the Water”, aparece uno de los riffs de guitarra más conocidos de Blackmore, que toca sin púa, punteando las cuerdas en cuartas con dos dedos. Este riff es ya un tema imprescindible para los principiantes de la guitarra rock. Blackmore fue el número 55 en el ranquin de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Cómo tocar rock clásico

En realidad toco muy ligero. Ritchie Blackmore (Deep Purple)

El Ejercicio I te enseñará un nuevo giro de la progresión de doce

El Ejercicio II añade otra nota de color muy escuchada

compases, armonizado con séptimas diferentes de las séptimas

introduciendo acordes de novena además de las séptimas de las

mayores (ver páginas 156 y 157) porque son séptimas de

que hablábamos. De manera similar, también son acordes de

dominante (un tono entero, en lugar de un semitono, por debajo de

novena de dominante, una segunda por encima de la octava. Fíjate

la octava).

en que suenan diferente que las novenas aumentadas (el famoso “acorde Hendrix” que veremos en las páginas 158 y 159), que están una tercera menor por encima de la octava y suenan más

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melodiosas y jazzísticas. Aun así, también son una nota de paso habitual en temas de rock clásico.

Las progresiones de doce compases aun se usan mucho en el rock clásico. Esta progresión sencilla en La intercala acordes mayores con sus séptimas de dominante. Los rasgueos hacia arriba en las pulsaciones en las que cuentas “y 3” te ayudarán a mantener el ritmo.

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EJERCICIO II Acordes de novena en substitución similar a la de las séptimas del ejercicio anterior. Este sonido suele aparecer también en líneas solistas de rock clásico, tocado contra acordes de quintas vacías.

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Cómo tocar rock clásico

Progresiones de acordes del rock clásico Las siguientes progresiones de acordes son representativas de las secuencias que suelen aparecer en el rock clásico (y también desde el punk en adelante). Están diseñadas para darte una idea de la facilidad con que pueden construirse progresiones desde los acordes diatónicos que provienen de las escalas mayores (ver páginas 22 y 23).

EJERCICIO I Las progresiones sencillas de l-V-l se usan mucho en el rock clásico. Ésta está adornada con un sus4 en La.

J. J. Cale

J. J. Cale es un cantautor norteamericano que fue pionero en los shuffles distendidos de country-blues que marcaron el camino de Mark Knopfler y Eric Clapton. Fue precursor del “sonido Tulsa", una mezcla distendida de rock ‘n’ roll, country, folk, blues y jazz, y entre sus canciones se encuentra el estándar de rock “After Midnight". Todos sus temas contienen un trabajo guitarrístico asombroso, delicado y complejo, pero los mejores incluyen también un gancho melódico irresistible.

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Cómo tocar rock clásico

Aunque los estilos que te gusten no Impliquen acordes rasgueados

construyen sobre la escala mayor te permitirá empezar enseguida

sino riffs y fragmentos de acordes, aquí aún especificamos los

a escribir canciones y progresiones más allá de la de doce

acordes. Conocer el modo (mayor o menor) de los acordes que se

compases.

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EJERCICIO II Este ejercicio explora otros acordes en La, empezando por la sexta. Así, podría alternarse con el ejercicio anterior como una estrofa o un estribillo.

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EJERCICIO III Una progresión en estilo de balada de rock clásico en Do. La línea ascendente sobre el acorde mayor del final se resolvería en un estribillo o estrofa basada en la tónica.

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Cómo tocar rock clásico

Riffs fáciles de blues-rock El atractivo del blues-rock está en los riffs y licks tan imaginativos que utiliza: en realidad, las progresiones que quedan por debajo de ellos suelen ser muy sencillas, si es que no son directamente de doce compases. Los siguientes riffs muestran algunas de las cosas interesantes que pueden hacerse por encima de una progresión de acordes que de otra manera sería bastante corriente. PISTA 55/1

EJERCICIO I A pesar de las pretensiones de la tercera menor (Do) en este riff, el conjunto se mantiene potente y armónicamente ambiguo gracias a los voicings con acordes de quinta.

Paul Kossoff

Paul Kossoff, expresivo y respetado guitarrista blusero de rock, fue más conocido como miembro del grupo británico de los setenta Free. Su gran éxito “All Right Now" llegó a ser un estándar de rock clásico. Reconocido por sus voces principales fluidas, lentas y melódicas y por sus riffs bluseros, “Koss” ocupó la 51a posición en el ranking de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

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Cómo tocar rock clásico

Estos riffs sugieren la tensión y resolución de los acordes que llevan debajo o bien explotan la ambigüedad armónica que

proviene de suprimir la tercera nota de la escala (en el caso del segundo riff).

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EJERCICIO II Un solo en estilo de rock clásico basado en la escala de blues. Es armónicamente ambiguo si se toca en power-trio (sin acompañamiento).

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EJERCICIO III Quintas vacías con tonalidades ambiguas contrastadas con acordes mayores. El acorde de Re se Invierte de manera que queda la quinta en el bajo (ver páginas 48 y 49).

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Cómo tocar rock clásico

Solos “fuera de lo común” Durante la época del rock clásico, los solos de guitarra empezaron a tomar ideas de ámbitos distintos de las técnicas inspiradas en el blues que hemos tratado en el capítulo 4. A principios de los setenta, los guitarristas de rock ya habían empezado a utilizar una gama más amplia de intervalos que los que se usaban en el blues. En 1971, el guitarrista pionero John McLaughlin formó la influyente Mahavishnu Orchestra, y así nació la fusión jazz-rock. Cuando conozcas las técnicas que usaban los guitarristas de fusión, tus recursos se ampliarán y podrás incorporar sonidos “fuera de lo común” a tus solos. Puedes empezar a mezclar armonías más complejas y densas sólo con unas cuantas técnicas que no son más difíciles de entender que las escalas mayores y menores.

La escala disminuida consiste en: fundamental-2-b3-4-b5-b6-6-7. Debido a que alterna intervalos de tono y semitono, tiene cuatro centros tonales: la primera nota, la tercera, la quinta y la séptima. De esta manera, sólo necesitas tres escalas disminuidas para cubrir las doce tonalidades que existen: ...y así sucesivamente a lo largo de toda la escala cromática. La disminuida es cómoda de tocar gracias a su patrón de tonos y semitonos alternados. Otra escala simétrica (que divide la octava en partes iguales) es la aumentada, o escala de tonos enteros.

EJERCICIO I Escala disminuida usada sobre una progresión de menor a mayor: se alternan Em y B7 en la primera mitad, moviéndose hacia D y su dominante A7.

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Cómo tocar rock clásico

Puesto que se compone exclusivamente de tonos enteros (uno

nuestra manera de pensar en la música. Por ello, suenan

de cada dos semitonos), para cubrir las doce tonalidades sólo son

excéntricas y ajenas al contexto de la música derivada del blues,

necesarias dos escalas de tonos enteros, separadas un semitono

que daba un gran énfasis en el papel de la tercera. Como trastocan

entre ellas. Es una escala dominante que puede usarse sobre

la tonalidad, seguramente no te quedarás mucho tiempo en ellas,

séptimas de dominante. Las escalas disminuidas y aumentadas

pero son una “señal de alarma" armónica perfecta cuando se usan

amenazan las tonalidades mayores y menores que son Inherentes a

para unir dos tipos diferentes de escalas.

EJERCICIO II Escala de tonos enteros usada contra una progresión de Bm a E9 con un toque funk. El voicing de novena evita la quinta, que sonaría disonante contra la quinta aumentada de la escala.

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Cómo tocar rock clásico

Solo en estilo de rock clásico El solo que proponemos incluye varios de los elementos característicos que hacen que las piezas de rock clásico sean tan agradecidas de tocar. Se puntea sobre la progresión de acordes de la melodía de rock clásico de las siguientes páginas, y pretende ser un buen punto de partida para que incorpores algunos licks y frases esenciales de los solos de rock melódico. Haz solos con este riff de doce compases en Sol, y empezarás a activar tu intuición a la hora de incorporar estos licks y frases probados y comprobados.

Nuestro solo usa la escala menor de blues (la pentatónica menor con la quinta rebajada añadida, ver página 61), contra una parte rítmica que consta de quintas vacías: no hay terceras ni notas de color que inhiban tu elección de las notas de la escala. Puedes usar los patrones de escalas de la página 62 combinándolos con el cifrado.

El poder del rock clásico “Stairway to Heaven”, de Led Zeppelin, el single que más veces ha sonado en la radio, “Bohemian Rhapsody”, de Queen, “Dream On”, de Aerosmith, “Brown Sugar”, de los Rolling Stones, “Born to be Wild”, de Steppenwolf, y “Hotel California”, de Eagles, son clásicos épicos del rock. La amplitud del rock clásico es enorme, tiene un tema para cada gusto, pero su impacto fue aún mayor, ya que movió la música popular de la calidez del blues al poder absoluto y visceral del heavy metal. Desde las baladas hasta los temas que se prestaban a la destrucción de guitarras, el poder del rock clásico dentro de la música es un legado tremendamente popular y aún vigente. David Gilmour

Gilmour es el guitarrista de Pink Floyd, su manera de tocar y componer tuvieron un papel decisivo en el éxito mundial del grupo en los setenta. Sus inconfundibles líneas vocales y de guitarra en The Dark Side of the Moon ayudaron a que se convirtiera en el tercer álbum más vendido de todos los tiempos.

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Como tocar rock clásico

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Cómo tocar rock clásico

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Cómo tocar rock clásico

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Cómo tocar rock clásico

Tu primera canción de rock clásico Nuestro tema de rock clásico tiene tres partes, cada una de las cuales usa técnicas de los grupos de hard rock de principios de los setenta. Tiene un ritmo que encajaría en un tema de Led Zeppelin o Free. Escucha cómo su dinamismo proviene de la caja en el contratiempo anterior al cuarto tiempo del compás.

La estrofa principal en Sol contiene voicings estridentes de acordes

de quinta), bends de cuarto de tono y vibrato de una sola nota. Una

de quinta, mientras que la siguiente parte de la estrofa se basa en

vez que hayas añadido estos riffs rítmicos a tu arsenal guitarrístico,

un riff melódico menos expansivo. Este último es un pasaje que

ya tendrás una base armónica sólida sobre la que probar tus

podría funcionar como break después del segundo estribillo. La

propias ideas de solos.

tercera parte modula a Re (la dominante de Sol), aportando así un riff de estribillo potente. Improvisando con esta pieza aprenderás lo fácil que es tocar patrones de riff tan corrientes como éste. Las técnicas que aparecen son hammer-ons, slides (de una sola nota y de acordes

Grandes riffs de rock Algunos de los riffs más memorables, reconocibles, cautivadores e imitados vienen de la base del rock clásico. Temas como “Back in Black”, de AC/DC, “Heartbreaker”, de Led Zeppelin, "Iron Man”, de Black Sabbath, y “Purple Haze”, de Hendrix, tienen riffs que por su atractivo y su reconocimiento mundial han eclipsado a las propias canciones. Otros, como “The Boys Are Back In Town”, de Thin Lizzy, y “Smoke On The Water”, de Deep Purple, han marcado el camino a cientos de aspirantes a compositores para crear sonidos emblemáticos que hagan a la gente tener a los clásicos siempre presentes. Slash

En 1988, Guns N’ Roses obtuvieron su primer número 1 con “Sweet Child o’ Mine”, una canción que depende del riff magistral de rock clásico y del solo de guitarra de Slash. Su energía a la hora de tocar y sus riffs memorables ayudaron a que Appetite for Destruction fuera el álbum de debut más vendido de todos los tiempos.

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Cómo tocar rock clásico

PARTE 1

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Cómo tocar rock clásico

PARTE 2

2

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Cómo tocar rock clásico

ESTRIBILLO

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Cóma tocar heavy metal Se dice que la expresión proviene de “Born to Be Wild”, del grupo Steppenwolf, que describe el sonido de las motos grandes como “trueno heavymetal” (en inglés, “trueno de metal pesado”). La música metal siempre ha encontrado fans en las fundiciones y fábricas de zonas industriales, desde el corazón de Estados Unidos hasta Birmingham en el Reino Unido y las ciudades del valle del Ruhr de Alemania. Desde finales de los setenta, grupos británicos como Iron Maiden y Def Leppard revisitaron los sonidos de grupos de rock clásico como Deep Purple e intentaron hacerlos más pesados. Mientras tanto, en California, grupos como Motley Crué introdujeron el glamur y la sordidez. Después, grupos como Anthrax y Slayer retomaron el delirio punk (como lo había hecho Motorhead en el Reino Unido) e incorporaron riffs acelerados y ritmos vertiginosos. Le siguieron los solos destructivos y el speed metal de los grupos similares a Dragonforce. El siguiente capítulo desvela las técnicas que hacen al metal lo que es en la actualidad, y lanza una bola demoledora a pasajes del rock duro clásico, dejando al descubierto sus cimientos para que veas todos sus trucos.

Jackson Randy Rhoads

La guitarra eléctrica Jackson Randy Rhoads fue encargada inicialmente por el guitarrista de Ozzy Osbourne, Randy Rhoads, que, antes de su prematura muerte en un accidente de avión, quería una guitarra que imitara la aleta de un tiburón. Rhoads era estudiante de guitarra clásica, de manera que solía combinar influencias clásicas con su estilo heavy metal. Kirk Hammett, de Metallica, Phil Campbell, de Motorhead, y Adrian Smith, de Iron Maiden, son algunos de los instrumentistas que usan esta guitarra.

Cómo tocar heavy metal

Armónicos suaves De ninguna manera son exclusivos del metal, pero los armónicos han pasado a ser una parte esencial del arsenal del guitarrista de este estilo, y es donde suelen escucharse más. Eddie Van Halen (ver páginas 140-141) es el principal exponente de esta técnica, y los integra en melodías y riffs, en lugar de incluirlos a posteriori para rellenar el resto de un compás.

En un principio, los armónicos fueron un recurso exclusivo de

cuerda en tres, sobre el 7° o el 19° traste, se produce un armónico

instrumentistas de sonido limpio como George Harrison (cuyo solo

tres veces más agudo que la fundamental (una octava más una

en “Nowhere Man”, de los Beatles, fue una auténtica proeza), pero

quinta por encima), y así sucesivamente, hasta que llegan a ser tan

en realidad son más fáciles de ejecutar con sonidos que tienen

agudos que el oído humano no los percibe.

mucho gain, en los que la distorsión saturada incluso resalta las

Haz sonar un armónico colocando la punta de tu índice

diferencias de volumen entre los armónicos y las notas pisadas, en

directamente sobre el traste, no justo detrás como haces cuando

especial con compresión.

pisas las cuerdas de manera convencional. No bajes la cuerda

El sonido con el que identificamos la altura de una nota sólo es

hasta el traste, sólo tócala con suavidad. Levanta el dedo de la

la parte que más se escucha del sonido. Al mismo tiempo que se

cuerda tan rápido como puedas justo después de puntear la cuerda.

produce esta “fundamental”, las cuerdas también están vibrando en

Los armónicos requieren empeño y práctica en la mano izquierda,

ciclos más cortos que dan lugar a una serie de sonidos más agudos

pero una vez que hayas entendido la técnica te resultarán algo

llamados “armónicos". Lo que produce la mezcla de sonidos propia

natural.

de la guitarra es la fusión de la fundamental y los armónicos. Por muy fabricados en serie que estén, no hay dos instrumentos que suenen exactamente Igual. El traste número 12 se encuentra justo a la mitad de la parte

ARMÓNICOS DE NOTAS PISADAS Lo divertido empieza cuando ya tocas con seguridad armónicos de cuerdas al aire y pasas a los armónicos a partir de cuerdas

que vibra de las cuerdas de la guitarra, y produce un armónico una

pisadas. Esto requiere una técnica de mano derecha similar al

octava por encima de la fundamental. Si divides cada longitud de

tapping a dos manos (ver páginas 132 y 133), pero con la diferencia fundamental de que se hace sonar el armónico con la mano derecha en un traste superior, en lugar de pisarlo. Supongamos que quieres puntear un acorde de Sol abierto como primer armónico, para que suene una octava por encima de la nota pisada (Ejercicio I). Sostén la púa entre los dedos pulgar y corazón y, con la mano rígida, estira el índice para pisar el armónico con la yema. Igual que cuando tocas armónicos de cuerdas al aire con la mano izquierda, puntea la nota mientras mantienes el índice contra la cuerda y luego retíralo enseguida. Pisando nuestro acorde de Sol con la mano izquierda de manera normal, haz sonar un armónico con la mano derecha como indicamos más arriba, en el 15° traste de la cuerda Mi grave, 14°

128

Cómo tocar heavy metal

traste de la cuerda La, 12° traste de las cuerdas Re, Sol y Si al aire,

12° para mástiles de 24 trastes. Simplemente pulsa el armónico

y el 15° traste de la cuerda Mi agudo. ¡Ya está! Este acorde te

directamente sobre el traste una octava más arriba. Fíjate en los

demostrará que puedes tocar cualquier acorde de esta manera si la

armónicos de cuerdas al aire y de cuerdas pisadas en los ejercicios

nota pisada más arriba del mástil (que no es lo mismo que decir

de este capítulo.

la nota más aguda) se encuentra en el 9o traste o más abajo en un mástil de 21 trastes, en el 10° para mástiles de 22 trastes, o en el

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EJERCICIO I Armónicos pisados punteando un arpegio de Sol al aire.

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EJERCICIO II Arpegios de Re, La y Sol mayor punteados con armónicos pisados. La compresión o distorsión añadirán sustain y te ayudarán a dominar esta técnica un tanto complicada.

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Cómo tocar heavy metal

Riffs fáciles de quintas vacías con afinación drop-D A estas alturas ya está claro que muchas de las “reglas” del rock, por complejas que parezcan, están ahí para facilitar las cosas. La afinación drop-D es una de ellas. Significa simplemente que la cuerda Mi grave se afina un tono más abajo, en un Re, de manera que la afinación quedaría así: Re-La-Re-Sol-Si-Mi.

Las tres cuerdas más graves están ahora afinadas para un acorde

conoces, mientras que muchos voicings de cuerdas al aire sólo

D5, la quinta vacía que consiste en fundamental, quinta y octava.

requieren pequeñas adaptaciones.

Tocadas con el índice como acorde móvil, estas tres cuerdas son una potente herramienta del heavy metal, ya que aportan un

DROP D

sonido muchas veces distorsionado a la vez que permiten cambios

La afinación drop-D te permite hacer slides en riffs

muy rápidos.

enteros. Diviértete creando riffs de quintas vacías

La afinación drop-D comenzó como una técnica de punteo sin púa, que permitía conservar el bajo mientras se tocaba en la tan

basados en notas de cualquier escala que elijas. Gracias a la simplicidad de la armonía de las quintas, puedes

utilizada tonalidad de Re. Pero los slides usando las tres cuerdas

hacer slides de semitono, o hammer-ons de tono entero,

más graves son sorprendentemente suaves y precisos

con el valor rítmico de notas de paso. Los licks de

comparados con el apagado que suele preferirse cuando se

cuerdas al aire se incorporan con facilidad, como en el

cambia de acorde. Y por supuesto siguen sirviéndote todas las

Ejercicio II.

disposiciones móviles de acordes basadas en la cuerda La que ya

PISTA 61/1

EJERCICIO I Un riff neoclásico basado en arpegios menores de Fa. Fijate en el slide de todo el acorde de quintas vacías en el compás final.

130

Cómo tocar heavy metal

Kerry King

La manera de tocar del guitarrista Kerry King, de Slayer, suele centrarse en la velocidad y el caos más que en la melodía. Sin embargo, su estilo inquebrantable le ha dado un sonido muy característico. Además de su firme trabajo rítmico, tiene también un estilo de solos único que algunos han llamado “toma el mástil de la guitarra y cuélgate de la barra de trémolo como si te fuera la vida en ello". A pesar de ello, hay que decir que King ha creado prácticamente por sí mismo un estilo de solos completamente nuevo, y ha influenciado incontables grupos de thrash y death-metal.

"No tiene sentido tener una afinación sólo para una canción. Así que tenemos unas dos afinadas con siete cuerdas, tenemos cuatro bajadas a Si, y el resto del disco está afinado en Re sostenido." Kerry King (Slayer) sobre las afinaciones

rebajadas en el álbum Speak In Tongues

PISTA 61/2

EJERCICIO II

Este sencillo riff de quintas vacías en MI (pasando a Sol, la tercera menor) se facilita aún más gracias a la afinación drop-D, que te permite hacer cejillas con el índice y el meñique.

131

Cómo tocar heavy metal

Licks fáciles de tapping a dos manos En los tiempos que corren, nada te identifica más como guitarrista que dominar las técnicas de tapping. La primera pieza popular de tapping de la historia reciente fue “Eruption”, de Eddie Van Halen, muestra de los conocimientos técnicos del estilo. Siempre oirás hablar más del tapping a dos manos, pero vamos a explicar primero el tapping a una mano. El tapping puede aplicarse a cualquier nota. Normalmente implica hacer sonar la segunda nota de una frase percutiendo el primer o segundo dedo de la mano derecha justo detrás de un traste que se encuentre más arriba en el mástil en esa misma cuerda, por lo general en el doce. El tapping a dos manos combina esto con hammer-ons y pull-offs

pisar la nota nueva con la firmeza necesaria para que puedas

con la mano Izquierda. Mientras que el tapping a una mano da lugar

soltarla rápido después de que haya sonado claramente.

a diadas, el tapping a dos manos produce frases de tríadas o más.

También puedes aguantarla más tiempo, incluso añadiendo

Si coordinas los dedos de ambas manos de manera precisa,

vibrato con un movimiento firme pero suave hacia arriba y hacia

puedes ejecutar trinos en tríadas, arpegios y otros intervalos.

abajo del dedo que pisa la cuerda. Éste es un estilo legato,

Gracias a la anchura de los Intervalos que usa el tapping, pueden

así que te interesará que los sonidos sean suaves y se unan

conseguirse sonidos alucinantes, como de otro mundo, que encajan

entre sí. Algunos guitarristas prefieren percutir con la yema del primer

en temas épicos sinfónicos o en uno conceptual de ciencia ficción. imagínate que con tu mano derecha estás percutiendo una tecla de plano. Intenta desarrollar suficiente control como para

dedo, y otros con la del segundo. Depende de cómo te venga mejor para retirar la púa rápidamente.

EJERCICIO I Este arpegio mayor en Si contiene una cuarta en hammer-on. Practica retirar el cuarto dedo de la mano izquierda del séptimo traste justo después de haber percutido el duodécimo con la mano derecha.

132

Cómo tocar heavy metal

Buckethead

Buckethead, músico, compositor y virtuoso estadounidense de la guitarra, es famoso por la característica indumentaria que lleva sobre el escenario y por su alucinante velocidad al tocar. Aunque sustituyó por un tiempo a Slash en Guns N’ Roses, Buckethead ha sacado 29 álbumes en solitario, ha tocado en otros 50, y ha sido artista invitado en más de 40 álbumes diferentes de varios artistas. Su música abarca áreas tan diversas como el metal progresivo, el thrash metal, el funk, la electrónica, el jazz, el bluegrass y la vanguardia, y fue votado número 8 en la lista de los 20 guitarristas más rompedores de todos los tiempos de la revista GuitarOne.

Algunos guitarristas percuten con el borde de la púa, pero la mayoría esconden la púa hacia el Interior de la palma con el índice y el pulgar o bien estiran el índice y percuten con él, cosa que resulta menos natural al principio, pero en una serie de notas punteadas permite una Incorporación más rápida de la técnica. El tapping requiere una muy desarrollada coordinación de las manos. Sin embargo, por si acaso te desanimas, ten en cuenta que tu técnica despegará una vez que empieces a aplicar distorsiones saturadas.

PISTA 62/2

EJERCICIO II

Un lick Inquietante en Re menor que se mueve entre la quinta y la quinta aumentada.

133

Cómo tocar heavy metal

Riffs y licks al estilo de Led Zeppelin Resurgido de las cenizas de The Yardbirds, Led Zeppelin desarrolló su potente carrera en el rock a lo largo de los setenta. Sus patrones monolíticos de bajo y batería inspiraron el hip-hop: la introducción de batería sampleada de “When the Levée Breaks”, de Led Zep IV, aportó la base para muchos éxitos del rap de los noventa, lo que hizo que su legado siguiera vivo y se reincorporara al desarrollo de la cultura pop.

“Zep” es conocido por su impactante pirotecnia, sus riffs y sus

Como Led Zeppelin era un grupo con sólo una guitarra, el

vistosos solos. Aunque al guitarrista Jimmy Page se le conozca por

establecimiento tanto de la armonía como de la melodía recaía sobre

su manejo en el escenario de sus Les Paul o Gibson SG twin neck,

Jimmy Page, y también tenía que sugerir acordes en sus riffs cuando

también era un músico de estudio muy aplicado, y creaba texturas

no se expresaban explícitamente. Aquí se alterna un riff sobre la

con acústicas, Telecasters y eléctricas de doce cuerdas.

pentatónica mayor de Sol con un acorde de quintas vacías de A5.

El Ejercicio I suena a riff de finales de los sesenta o principios

Page tocaba muchos licks llamativos y virtuosos que usaban

de los setenta. Propuesto aquí en La, verás que la tercera mayor no

sextas. La sexta aparece en la escala pentatónica mayor e

aparece, a la manera de los riffs de quintas vacías de verdad. El

introduce la tonalidad mayor en un riff de quintas vacías (mostrado

segundo compás lleva un ritmo estricto de semicorcheas que suena

aquí en la tonalidad de Mi, habitual en el rock). El Ejercicio II es

genial encima de una base tranquila al estilo Bonham.

representativo de uno de los licks de sextas de Page, y muestra la

Este ejercicio contiene un riff sencillo y agresivo que deja espacio para algún espectacular relleno de batería al estilo de John Bonham.

influencia del country y el rock ‘n’ roll en su manera de tocar, con string bends de tono entero muy precisos.

PISTA 63

EJERCICIO I Un A5 seguido de un riff sobre la pentatónica mayor de Sol. G es el acorde bVII de la escala base de La, que no se ha armonizado aquí pero está implícito en las notas del riff.

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Cómo tocar heavy metal Jimmy Page

Con su denso sonido de blues-rock conducido por la guitarra, Led Zeppelin suele ser considerado como uno de los progenitores de la música heavy metal y el rock duro. El guitarrista Jimmy Page, descrito como “sin lugar a dudas uno de los guitarristas y compositores más influyentes, importantes y versátiles de la historia del rock”, fue clasificado en el número 9 del ranking de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

PISAR US CUERDAS La manera de pisar las cuerdas de Jimmy Page, con notas cortas percutidas y apagado con la mano izquierda, propició que se le ocurrieran riffs sencillos y emblemáticos, como el de "Whole Lotta Love”. Muchos de sus riffs más famosos contienen sólo cuatro o incluso tres notas. Su sonido ha resistido el paso del tiempo; "Come With Me", de Puff Daddy, en el que aparece el riff de Page de “Kashmir”, demuestra que la canción efectivamente sigue siendo la misma.

EJERCICIO II Riff de sextas mayores sobre la pentatónica mayor de Mi. La línea principal impone su tonalidad sobre las quintas armónicamente ambiguas.

135

Cómo tocar heavy metal

Riffs y licks al estilo de Black Sabbath Black Sabbath dio su paso decisivo a principios de los setenta. Al ser pionero de los conciertos en estadios, llegó a niveles de amplificación hasta entonces desconocidos y encontró la fama tanto en su Reino Unido natal como en Estados Unidos. Sus temas clásicos, como “Paranoid” y “Iron Man”, remarcan riffs densos más que virtuosos, pero la accesibilidad de sus riffs ha sido precisamente una de las razones de su tan duradera popularidad.

Siendo jóvenes alienados de clase trabajadora, no tenían

medio por debajo de la afinación estándar. La ventaja es que

aires de grandeza, y su música presenta una falta de pretensiones

te permite tocar disposiciones de acordes conocidas, de manera

única fuera de los grupos punk. De la misma manera que

que, por ejemplo, un acorde de La mayor se obtiene con la forma

aprender las progresiones de los Ramones te permitirá tocar

de Do convencional, y así sucesivamente para todos los demás

enseguida temas enteros, los riffs al estilo de Black Sabbath

acordes, como en la tabla de transposición de la página 33.

son una manera relativamente rápida de notar cambios significativos en los dedos. Para compensar una lesión en la mano, Tony lommi, el

No obstante, estos ejercicios se proponen en afinación estándar. El Ejercicio I usa el famoso tritono: la quinta disminuida, prohibida en la música sacra durante la Edad Media. Todo un

guitarrista, fue el primero en proponer las afinaciones rebajadas

presagio, este intervalo es el que se repite al principio de

en la guitarra, que influyeron en los grupos de metal de hoy

“Purple Haze”, de Jimi Hendrix. Este riff móvil de cuatro compases

(y también el desarrollo de guitarras de siete cuerdas), con riffs

se toca aquí en Do#, comenzando en la cuerda Mi grave: lommi

agitados y cíclicos, lommi usaba la afinación drop-D (ver páginas

solía usar voicings de acordes tocados en las cuerdas graves

130 y 131), pero su afinación preferida se conoce como “rebajar

hacia la mitad del mástil, por sus cualidades sonoras en los

una tercera menor", y significa afinar cada cuerda un tono y

medios.

Gran influencia Black Sabbath ha influenciado el nu-metal, el grunge y, anteriormente, el hardcore americano, como se aprecia en “Sweat Loaf”, de Butthole Surfers, un homenaje descarado a “Sweet Leaf”, de Sabbath. Paul Leary

La música de Paul Leary, el guitarrista de Butthole Surfers, se basa en el punk hardcore con un sonido que incorpora elementos de la accesibilidad de Sabbath.

Cómo tocar heavy metal

Este ejercicio también presenta el tritono Do#-Sol como un acorde de quinta de paso de camino a la dominante. El Ejercicio II muestra una técnica habitual en lommi: muchos riffs de Black Sabbath son quintas vacías sencillas con sólo dos notas. En el primer compás aparecen hammer-ons para aumentar la

En lo que se refiere al sonido, Black Sabbath podría haber

velocidad.

inspirado la escena de la película Spinal Tap en la que el guitarra solista Nigel Tufnel asegura que todos los controles de sus amplificadores “van hasta el once”. En la práctica, fija tu gain en el punto en que las notas aguantadas estén justo a punto de acoplarse, antes de ajustar el volumen máster al nivel que requiera la mezcla del grupo.

EJERCICIO I Riff de quintas vacías de tritono (b5) en Do. Este intervalo proviene de la escala base de donde se construyen los acordes.

PISTA 66

EJERCICIO II Riff de quintas vacías en La precedido de una línea sencilla en hammer-on que usa la cuarta y la sexta.

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Cómo tocar heavy metal

Riffs y licks al estilo de AC/DC Durante más de treinta años, Angus Young, miembro fundador y guitarra solista de estos rockeros australianos, ha hecho giras por todo el mundo. Clasificada como “metal”, su música es en realidad una especie de saturado blues de bar, con un montón de solos basados en la escala pentatónica y en la de blues, pero con voicings a seis cuerdas que hacen que los acordes de quinta sean lo suficientemente expansivos como para llenar estadios.

Con su contoneo de punta a punta del escenario, en una versión animada del “caminar de pato” de Chuck Berry, Angus Young asumió una parte importante del liderazgo del grupo, en especial después de la muerte de Bon Scott, el vocalista original. Musicalmente, sin embargo, el sonido AC/DC es una mezcla muy cuidada de las frases principales, eficaces y concisas de Angus y el ritmo sólido de su hermano Malcolm. Los hermanos Young muchas

Angus Young opta por sonidos saturados e incisivos más

veces tocan dos voicings diferentes del mismo acorde, un factor

que por la distorsión saturada que se esperaría. Así

muy importante en el sonido “macizo” característico de clásicos

consigue suficiente cantidad de sonido limpio para que

como “Touch too Much” o "You Shook Me All Night Long".

cada nota se oiga por separado. Para ser un instrumentista de Gibson, su sonido es relativamente brillante y pasa por encima de la mezcla.

EJERCICIO I Si pisas el D5 con cuerdas al aire con los dedos primero y tercero, en la parte principal de este riff podrás colocar el segundo dedo pisando el Do en la cuerda La.

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Cómo tocar heavy metal

"Nunca nos hemos considerado un grupo de heavy metal; siempre nos hemos visto como un grupo de rock. La gran diferencia es que siempre hemos pensado que tenemos mucha más intuición para el rock, siempre hemos buscado canciones, no riffs o sonidos heavy de verdad. Pero de vez en cuando sí que nos sale como si fuera un mazazo." Angus Young (AC/DC)

El Ejercicio I contiene un riff de ocho compases. Fíjate en que el Do del bajo añade interés a los cuatro primeros compases

riff de quintas vacías. El La del primer compás lleva un Do# en el bajo: es una primera inversión (ver páginas 48 y 49). La repetición

mediante la escala de blues, ya que es la séptima menor del

de una nota del bajo (normalmente la tónica) contra acordes que

acorde D5 y la tercera menor de A5. En los cuatro siguientes

van cambiando es un recurso habitual en la música rock y

compases, la nota de paso cromática Fa# entre el G5 y la cejilla

contribuye a su sonido expansivo.

de Fa mayor es la tercera mayor de Re y la sexta mayor de La, de

AC/DC hace un muy buen uso del espacio dentro del compás

manera que se establece la tonalidad y se unen las dos partes de

para aumentar la expectación. Sus riffs deberían tocarse a

este riff cíclico.

volumen alto, pero suelen tener mucho contenido melódico: un

En el Ejercicio II, la responsabilidad de establecer la tonalidad recae en la guitarra rítmica (si la hay), mientras el solista toca un

apagado preciso con la mano izquierda evitará que resuenen cuerdas que no quieres.

EJERCICIO II Riff de quintas vacías en Re/Do en el que aparece una primera inversión del La al estilo de AC/DC en el primer compás.

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Cómo tocar heavy metal

Riffs y licks al estilo de Van Halen Cuando en 1978 Van Halen lanzó su álbum debut del mismo nombre, significó nada menos que una reinvención del metal. Subrayando las preocupaciones de la juventud y el hedonismo del rock n’ roll más que el virtuosismo y el cansancio, devolvieron al rock duro la vistosidad, la exuberancia y un poco del sol de Los Angeles.

El guitarrista Eddie van Halen es hijo de un reputado líder de grupo holandés, y no hay duda de que lleva la facilidad para la música en los genes. Su repertorio de técnicas incluye el tapping a dos manos (ver páginas a 132 y 133), los armónicos (ver páginas 128 y 129), las bombas de trémolo radicales (ver página 59) y el punteo en trémolo (punteo rápido como de metralleta que ayuda a mantener

Eddie van Halen prefiere las guitarras de forma Strat

una nota cuando la armonía lo requiere), además de un punteo

con puente fijo y suele tocar con una “humbucker" en

barrido rápido y elegante.

el puente. Usa el phasing combinado con una señal

Tampoco es el más torpe con la guitarra rítmica, ya que crea riffs Imaginativos que pueden exagerarse o minimizarse (pueden ser

bypass y prefiere una EQ (ecualización) que deje los medios huecos.

tocados con un mayor o menor número de notas y con punteo fuerte o suave), según lo pida la parte vocal. El Ejercicio I propone un riff así, en La, que usa una nota pedal

sostenerse o apagarse, y todo el ejercicio puede apagarse más o

de La al estilo del metal clásico (ver páginas 42 y 43). La

menos con la mano derecha, dependiendo de si tu vocalista está

resonancia de la cuerda Sol al aire del segundo compás puede

cantando a plena potencia o no.

EJERCICIO I Los bends de cuarto de tono contra la tónica colocan claramente a este riff en el territorio del rock clásico. La continuación del pedal de bajo de la contra el Dadd4 (la subdominante) crea una ambigüedad armónica espaciosa.

140

Eddie Van Halen En 1978, el lanzamiento del álbum debut de Van Halen, Van Halen, reescribió las reglas del rock duro. El guitarrista Eddie van Halen había desarrollado una técnica rápida como un rayo, que incorporaba una combinación de tapping a dos manos, hammer-ons, pull-offs y efectos. Original, imaginativo y radical. Van Halen acabó convirtiéndose en el grupo de rock ‘n‘ roll estadounidense más popular de finales de los setenta y principios de los ochenta, dejando bien alto el listón para el rock duro y el heavy metal que vendrían después.

En el Ejercicio II aparecen acordes mayores en segunda inversión. Con la quinta en el bajo, los que tienen cejilla se pisan

de la manera en que los Instrumentistas de metal usan las quintas vacías para conducir una melodía. Este riff tiene el carácter

simplemente con la fundamental en la cuerda La, ya que se pueden

desaliñado de barrio que se escucha en temas como "Running with

formar con una cejilla simple sobre las cuerdas Re, Sol y Si. Igual

the Devil".

que el riff al estilo de AC/DC de la página 139, es un buen ejemplo

PISTA 70

EJERCICIO II Estas segundas inversiones dan un fuerte carácter mixolidio contra un bajo de Mi mantenido.

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Cómo tocar heavy metal

Riffs y licks al estilo de Metallica Durante la primera mitad de los ochenta, Metallica contribuyó a definir el género emergente del thrash metal, soldando los riffs de Black Sabbath con el tempo del punk. Después, como respuesta al éxito de ventas, pasaron a llevar su música en una dirección más comercial con Master of Puppets, de 1986, que contenía tempos más lentos y mostraba el lado más baladístico del grupo.

Metallica fue de los primeros en usar pastillas específicas para

A continuación de la nota pedal de Mi del primer compás viene un

guitarristas de metal, con sonidos más oscuros y más armónicos

acorde de quintas vacías construido sobre el tritono (Sib) de la

que los diseños clásicos antiguos. Los armónicos (ver página 128)

escala base (Mi), lo que contribuye a la anticipación. El resto del

son una característica muy importante de los solos de Kirk

segundo compás se compone de quintas vacías de dos notas,

Hammett, que normalmente incluyen arpegios en barrido de las

sencillas pero eficaces, que facilitan los cambios rápidos

escalas pentatónica, de blues, de tonos enteros y cromática (ver

característicos del estilo thrash.

páginas 60 y 64). El grupo fue pionero en el sonido moderno de

El Ejercicio II es un ejemplo de riff con cuerdas al aire.

metal que se caracteriza por ahuecar o cortar las frecuencias

Tiene carácter de balada y por lo tanto debería tocarse limpio

medías, buscando un sonido dulce en un gain saturado, con

(es decir, sin distorsión), quizá con un toque de chorus, para

muchos agudos para favorecer los armónicos.

que el sonido rico y modulante ayude a mantener la resonancia

El Ejercicio I propone un riff de dos compases en Mi que

de las cuerdas Mi y Si al aire. Se compone de fragmentos de

encajaría en una estrofa de un tema de Metallica. Pruébalo sólo

acordes de Mi mayor y acaba en la dominante para sugerir

con rasgueos hacia abajo para obtener un carácter agitado.

de nuevo el principio. Fíjate en cómo el Bsus4 refuerza esta sensación, ya que la cuarta de la dominante es la nota base del acorde de tónica.

PISTA 71

EJERCICIO I La secuencia de quintas vacías basada en la escala de blues del segundo compás armoniza una progresión de Bb5-B5-G5-F#5.

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Kirk Hammett

En los primeros temas de Metallica figuraban tempos rápidos, instrumentales y una musicalidad agresiva que los colocó entre los cuatro primero grupos de thrash metal, junto a Slayer, Megadeth y Anthrax. La influencia del guitarrista Kirk Hammett los llevó a crear un sonido más melódico y controlado. Aprendiendo y mejorando continuamente, Hammett recibió clases de Joe Satriani para ampliar su estilo. De Satch aprendió las técnicas y los entresijos del jazz, el blues y los estilos clásicos, y a lo largo de los noventa la manera de tocar de Hammett pasó de su metal inicial a un estilo hendrixesco más terrenal.

Kirk Hammett hace un uso extensivo del pedal de wah-wah, a veces dejándolo en posición como herramienta de moldeado del sonido. Ha dicho: “El wah-wah es una extensión de mi personalidad... Me tendrán que cortar la pierna si quieren que deje de usar el pedal de wah-wah”.

PISTA 72

EJERCICIO II Las cuerdas Mi y Si al aire se prestan a un punteo alternado en el que las dos primeras notas de cada compás se puntean hacia arriba y las dos siguientes hacia abajo.

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Cómo tocar heavy metal

Riffs y licks al estilo de Slayer Thrash metal, black metal, death metal... La discusión sobre el nombre correcto del género aún no se ha acabado. Pero, lo llames como lo llames, con la práctica las técnicas del estilo speed-metal son más fáciles de aprender de lo que parece. Gracias a grupos como Megadeth, Pantera y Lamb of God, junto con pioneros del género como Venom y Bathory, el black metal se ha manifestado durante más de treinta años mediante riffs agitados, armonías oscuras y metáforas apocalípticas.

El álbum de Slayer de 1986, Reign in Blood (junto con su casi

realidad es un entrenamiento para la mano derecha. Tócalo con y sin

homónimo tema “Raining Blood”) es todo un referente de las

palm mute. Empieza lentamente y ve acelerando el tempo según vas asimilando la técnica.

técnicas del speed-metal. Los guitarristas Kerry King y Jeff Hanneman intercambian licks feroces, a menudo en afinación rebajada una tercera menor (ver páginas 134 y 135), y líneas solistas dobles capaces de invocar fuerzas oscuras. SI quieres hacer música que parezca sacada de una mazmorra en lugar de un estudio, ármate con las siguientes técnicas de tortura auditiva. El Ejercicio I, en Re, muestra el ritmo de speed-metal conocido

Baja el gain un poco más de lo que en un principio te

como "el galope”. Lo reconocerás en cuanto lo oigas. Tócalo de

esperarías. Es importante dar definición a cada nota

manera precisa con una técnica de punteo firme. Aunque es esencial pisar las cuerdas de manera exacta y coordinada, en

aunque mantengas un sonido denso y saturado.

EJERCICIO I Aquí se usa un patrón de punteo de semicorcheas para una progresión D5-G5-C5 seguida de una primera inversión de Sol en el cuarto compás.

144

Cómo tocar heavy metal

Kerry King

King, de Slayer, apocalíptico en estilo y en contenido, demuestra una habilidad decisiva a la hora de tocar.

No escasean los malos ejemplos de esto: en la teoría no se explica, así que sólo la técnica y la experiencia separan lo bueno de lo malo. Los temas de Slayer suelen estar compuestos de una serie de secciones con ritmos y compases diferentes. En la misma canción pueden aparecer pasajes punky movidos en 2/4 y secciones en compás compuesto (ver páginas 26 y 27), que requieren distintas velocidades de punteo. Te será útil dejar la mano Izquierda rígida (sólo de manera excepcional) para pisar las cuerdas de manera precisa con el primer y tercer dedos tal como lo exigen las quintas vacías al estilo de Slayer. King y Hanneman tocan riffs con los Intervalos trágicos de Tony lommi y la destreza de Eddie Van Halen. En el Ejercicio II aparece un riff en MI menor que podría ser de Slayer a juzgar por su uso retorcido de Intervalos como la quinta rebajada (Sib). Una vez que lo domines, tócalo con una grabación o con un loop del riff, en los mismos trastes, una cuerda más arriba para cada nota. Así conseguirás una armonía de cuartas justas: un sonido Inequívocamente metal.

PISTA 74

EJERCICIO II Este riff requiere una técnica de punteo precisa. La resonancia de la cuerda MI grave contribuye a su carácter amenazante.

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Cómo tocar heavy metal

Riffs y licks al estilo clásico de Slash El éxito aplastante del álbum revelación de Guns N’ Roses, Appetite for Destruction, fue una llamada de atención dentro del mundo del metal, que tuvo que fijarse en el grupo cuando se lanzó en 1987. Marginados por la crítica y tildados de rock ‘n’ rolleros cutres frente la pulcritud del glam-metal repeinado del Los Angeles de aquella época, GNR demostró que para el público más amplio, los solos acelerados y la regrabación sofisticada y multipista no podían igualar a los riffs del rock clásico, a canciones cantadas desde el corazón y licks sencillos pero eficaces. Para una nueva generación de jóvenes de los suburbios de todo el mundo, Slash reinterpretó la clásica manera de tocar basada en el

EL “SONIDO DE MUJER”

carácter, y llegó a ser uno de los músicos más reconocibles del

Con pocos efectos entre la guitarra y el ampli (aparte del

mundo gracias al sello personal de su sombrero de copa, el pelo

wah), el sonido de Slash es una versión actualizada del

largo y las gafas de sol.

clásico “sonido de mujer” de la Les Paul de Eric Clapton,

Mientras que Guns N' Roses se había fundado en medio de

que se consigue ajustando el volumen de la pastilla del

un laberinto de perfeccionismo en la grabación, Slash siguió

mástil al máximo, la del puente entre el cinco y el seis, y

aportando su marca de rock basado en el blues con Velvet

los dos controles de sonido bajos, con el selector en

Revolver y trabajando como acompañante y compositor para los

posición de desfase (media). Sin embargo, las opiniones

artistas que más grababan de todo el mundo, como Michael

están divididas y algunos guitarristas sostienen que sólo

Jackson.

es necesaria la pastilla del mástil.

EJERCICIO I Añade una distorsión suave y saturada a la figura compleja y legato de este ejercicio para convertirlo inmediatamente en Slash.

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Slash es uno de los maestros del sonido de la guitarra: el suyo no es un zumbido peludo y descontrolado, sino una distorsión suave, saturada y cremosa que ayuda a tocar legato.

En el Ejercicio I tienes una aproximación a un riff al estilo de Slash para que te lo hagas tuyo. Este lick tan evocador usa un ciclo de ocho compases en Fa y alterna cada cuatro los dos acordes que van puntuando los arpegios. El Ejercicio II se basa en otro elemento favorito de Slash: la escala menor de blues tocada contra una parte rítmica de riffs rápidos, en este caso una progresión l-V-IV-l en Fa#, con una línea de bajo cromática que Incluye tanto la séptima menor como la mayor. La parte solista contiene bends de unísono clásicos a la octava de Fa# y hammer-ons, junto con la tercera menor contra la dominante para obtener un auténtico sabor de blues.

PISTA 76 Slash

EJERCICIO II Licks y bends sobre la escala menor de blues de Fa# adornados con un wah al estilo de Slash.

Pulido y ultrarrápido, Slash tiene preferencia por el vibrato y los hammer-ons y pull-offs para tomar velocidad. No usa su mano derecha para la velocidad sino para añadir un carácter percutido a sus solos. Su estilo se basa en la escala de blues y en la armónica menor y toca con un carácter fuerte y melódico.

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Cómo tocar heavy metal

Tu primera canción heavy metal con solo Muchos de los grandes temas que surgieron de la segunda oleada del metal a finales de los ochenta, como “Since You’ve Been Gone”, de Rainbow, suenan hoy como clásicos del rock duro. Esto se debe a que otros grupos de metal de la época (como Motorhead, Iron Maiden y Judas Priest) se encargaron de establecer hacia dónde iría el sonido del género. Las afinaciones rebajadas, los solos en barrido y las letras basadas en mitos o batallas históricas pasaron a ser la norma.

El siguiente tema tiene una estrofa formidable. Para empezar, la afinación de la guitarra se rebaja un tono entero. Después, la progresión de la estrofa se mueve desde una tónica en quintas vacías hasta una tercera menor en quintas vacías, y de la tónica vuelve otra vez a la quinta rebajada (tritono). Ah, y por último, está en compás de 5/4, así que tendrás que contar cinco pulsaciones en cada compás. Con la cuerda más grave rebajada otro tono más (de manera que sería de hecho una afinación “drop-C”), podrías tocar este riff usando sólo las dos cuerdas más graves (ver páginas 130 y 131). Nuestros acordes siguen una progresión amenazadora y para nada disparatada de D-F-D-G#, y la parte cifrada alterna el toque apagado y el abierto, también con palm muting como el que acompañaría al gruñido subterráneo de un vocalista de metal. El estribillo oscila entre las quintas vacías construidas sobre la dominante y la quinta aumentada (ver página 117), junto con la subdominante. El solo, que incluye líneas cromáticas punteadas con trémolo, unido al patrón de doble bombo de semicorcheas, es un homenaje a los héroes del black metal de hoy.

Dave Murray

Iron Maiden fue uno de los grupos de heavy metal ingleses de finales de los setenta que exhibía riffs sencillos de guitarra, chillidos vocales y acordes demoledores. Su trabajo inspiró otros subgéneros del heavy metal como el power metal y el speed metal. El estilo de su guitarrista Murray se basa principalmente en el legato de sus solos, y se le conoce por la fuerza innata de sus dedos, que aprovecha para usar hammer-ons y pull-offs con frecuencia.

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Cómo tocar heavy metal

ESTROFA

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Cómo tocar heavy metal

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Cómo tocar heavy metal

ESTRIBILLO

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Cómo tocar heavy metal

SOLO

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Cómo tocar heavy metal

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Cómo tocar la guitarra rítmica No te engañes: las líneas de solo no son lo único Interesante de una pieza de música. Esos fragmentos de melodía no tendrían el Impacto que tienen sin la armonía que se establece detrás de ellos. La guitarra rítmica es la columna vertebral del rock. Sin ella, no hay ni riffs, ni ritmo, ni canción. No Importa cuán buenos sean tus solos: nadie va a tocar contigo si no eres capaz de establecer un buen ritmo. No supongas que tu parte rítmica tiene que limitarse a rasguear o arpegiar voicings de acordes convencionales. Desarrolla tu comprensión de los intervalos y usa al máximo esa libertad musical para escapar de las disposiciones estándar. Puede que la tuya sea la única guitarra del grupo, y que ya estés pensando en las técnicas y frases más eficaces para rellenar el espacio armónico que dejan el bajo y la batería. Pero si hay dos o más guitarras en la formación, tendrás que pensar en que las dos pueden estar haciendo algo armónicamente interesante en todo momento, sin estorbarse entre ellas: Ir rasgueando acordes con cejilla sería perder esa oportunidad. Cuando se tocan partes rítmicas, la guitarra actúa como parte de la sección rítmica. Así que debes pensar en cómo "encajar" con el batería y el bajista. Al igual que a un batería, te Interesará desarrollar una precisa coordinación de manos para seguir el ritmo de manera exacta.

Fender Telecaster

La Telecaster es conocida por producir tanto sonidos brillantes y afilados como dulces, cálidos y bluseros, dependiendo de qué pastilla selecciones: la del puente para los primeros y la del mástil para los segundos. Esta característica la convierte en una guitarra tremendamente versátil, válida para la mayoría de los estilos de música, desde el blues hasta el rock pasando por el jazz.

Cómo tocar la guitarra rítmica

Cómo usar acordes ampliados para crear color Además de las disposiciones de acordes con cejilla que hemos visto en las páginas 24, 25, 30 y 31, hay todo un mundo de acordes ampliados, con notas añadidas superponiendo una o más terceras sobre el acorde básico de séptima de cuatro notas, que se usan tanto para integrar una melodía dentro de una progresión de acordes como para aportar una estructura armónica compleja e interesante.

Una guitarra rítmica solida requiere no sólo un buen rasgueo sino

La séptima mayor es un buen ejemplo. Los siguientes ejercicios

también un dominio de los acordes que contienen esas "notas de

usan las disposiciones de acordes de las páginas 188 y 189, y su

color". ¡Los guitarristas de jazz y swing suelen tener que cambiar de

objetivo es que te familiarices con ciertos sonidos y sus posibles

acorde a cada pulsación! La influencia del jazz en el blues ha

modos de empleo. Sólo podemos Incluir aquí los más habituales de

resultado en una fusión de estilos en la que pueden meterse con

todo el abanico de voicings de acordes alterados, pero con los

calzador progresiones de acordes muy complejos en estructuras

conocimientos de escalas que has adquirido en las páginas 22, 23,

sencillas de doce compases.

110 y 111, podrás Identificarlos todos cuando los escuches,

Pero los acordes ampliados no son exclusivos del jazz fusión. Grandes guitarristas rítmicos de funk, como Curtis Mayfield, los

basándote en los intervalos de la escala que se han añadido ai acorde.

usan a menudo en afinaciones alternativas. Los acordes ampliados

Las séptimas mayores, comparadas con la séptima de

aparecen sobre todo en el pop melódico de los noventa y en grupos

dominante (ver páginas 30 y 31), tienen un sonido cálido y estático.

indie y de rock alternativo de los 2000. El sonido de las séptimas y

Debería apreciarse en la segunda mitad del Ejercicio I. El Ejercicio II

novenas mayores nos resulta hoy tan familiar como el de los

contiene la séptima natural de Do menor y la sexta menor de Do, que

acordes mayores y menores.

aparecen alteradas para incluir la cadencia melódica.

EJERCICIO I El acorde de novena menor de dominante de Re resuelve claramente en un acorde de séptima sobre la tónica (Sol).

Cómo tocar la guitarra rítmica

Curtis Mayfield

Curtis Mayfield, innovador, expresivo y también ignorado con demasiada frecuencia, fue pionero del funk de los setenta y ayudó a introducir la visión urbana en la música soul aportando ritmos que llegaron a ser el sello personal del soul de Chicago. Superfly, su banda sonora de 1972, fue todo un hito gracias a sus melodías inspiradoras y sus fantásticos arreglos de funk-pop.

Las dominantes secundarias, a su vez, pueden añadirse a una progresión sin que cambie la tonalidad, así que son una buena opción para crear interés detrás de la escala mayor de blues. Son acordes de séptima de dominante no diatónicos: para cualquier acorde, exceptuando los disminuidos, puede tocarse un acorde de séptima basado en el de quinta. Se le llama séptima natural o de dominante, para diferenciarlo de la séptima mayor, y se compone de una séptima menor y una tercera mayor. Incluir estos acordes es una sustitución más que una ampliación. Las combinaciones posibles de acordes ampliados son Infinitas. Pero no debemos pasar por alto las cuartas suspendidas, o “sus4” (“suspendida” porque falta la tercera del acorde y eso da más fuerza a su sonido: el movimiento de esa cuarta a la tercera del acorde crea una tensión-resolución inmediata), que reconocemos por ejemplo en los primeros compases de “Pinball Wizard”, de The Who.

EJERCICIO II El acorde de séptima menor sobre Do que abre la progresión es una segunda inversión: tiene la quinta rebajada en el bajo.

157

Cómo tocar la guitarra rítmica

Acordes al estilo de Jimi Hendrix Jimi Hendrix prendía fuego a su guitarra, se la ponía detrás de la cabeza y tocaba, e incluso punteaba las cuerdas con los dientes. Este showman consumado también creó sonidos nuevos y emocionantes que revolucionaron la música rock. Su carrera fue meteorica y efímera, pero su trabajo es un legado que aún inspira e influencia a los guitarristas de hoy. No conoció el éxito de la noche a la mañana, sino que estuvo muchos años de “acompañante” y guitarrista en números de blues como The Isley Brothers antes de que Chas Chandler lo llevara al Reino Unido. Allí pulió los voicings de acordes que usaría en sus propias composiciones. Tocaba en espectáculos de soul cuyo objetivo era que el público acabase llevando el ritmo con los pies y las manos, en teatros como el Apollo de Harlem, y allí el estilo de Hendrix incorporó la influencia de la fuerza Impulsora de la caja y del estilo cortante de las secciones de metales del soul. Su legado se

Sonido limpio: el sonido limpio de Hendrix se beneficiaba de unos medios huecos (cortados), por lo general con la posición media o del mástil de una Stratocaster.

encuentra a caballo entre el blues y el soul que le Influenciaron y el rock y el metal en los que él influyó. Usaba la guitarra para emular al máximo las partes de la big band, y también para sacar el máximo partido a las líneas melódicas y a los Intervalos. Como músico de gira anónimo, el joven Hendrix consiguió convertir su guitarra en toda una orquesta: de ahí

Sonido distorsionado: potencia las frecuencias medias para

que la música de Hendrix se caracterice por un gran sonido cuando

obtener el sonido distorsionado de Hendrix, dejando que el

sorprendentemente suele contener pocas notas.

PISTA 79/1

LAS QUINTAS DE JIMI Hendrix usaba un voicing de quinta sencillo y separado, que es más suave que la quinta vacía tradicional de V (ver página 44) pero que cubre un registro tonal amplio. Está muy bien para usarlo a lo largo de todo del mástil, siempre que apagues las cuerdas por encima del índice y tercer dedo. El carácter amplio y espacioso de "Love or Confusion” deriva de este acorde, presentado aquí en Sol:

158

gain del previo lleve el protagonismo.

Jimi Hendrix

Fue un maestro en sacar de su instrumento todo tipo de sonidos hasta entonces desconocidos, muchas veces mediante experimentos primerizos de amplificación que producían un feedback alucinante y rugidos de distorsión. Jimi Hendrix amplió más que nadie el vocabulario de la guitarra eléctrica rock. Su virtuosismo usaba toda una gama de adornos musicales que incluían el wah-wah, el zumbido de realimentación, los riffs distorsionados y escalas superrápidas y fluidas ascendentes y descendentes. A menudo designado por otros músicos como el mejor guitarrista de eléctrica de la historia del rock, y uno de los músicos más importantes de su época, Rolling Stone clasificó a Hendrix a la cabeza de su ranking de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.

A veces te dan ganas de dejar la guitarra, odias la guitarra. Pero si te quedas con ella, acabas obteniendo tu recompensa. Jimi Hendrix

SÉPTIMA DE DOMINANTE CON NOVENA AUMENTADA La séptima de dominante con novena aumentada está tan asociada a él que muchos músicos lo llaman simplemente el “acorde Hendrix”. Se escucha en “Purple Haze” y está implícito a lo largo de “Foxy Lady”. Tiene elementos del mayor y el menor y consiste en: 1,3,5, 7 menor y #9 (en Sol: Sol, SI, Re, Fa y La sostenido: en MI: Mi, Sol#, Re y Sol). Su voicing tradicional viene reforzado por las dos cuerdas al aire que aportan la tónica. Aquí en Mi:

PISTA 79/3

TERCERA MAYOR EN RE Hendrix usaba un voicing que puede sustituir a cualquier acorde mayor, como el primer, cuarto y quinto acordes de la tonalidad. Es suave pero con un color interesante, y Hendrix lo usa en canciones que parece que nos explican algo, como “Castles Made of Sand". También tiene la ventaja de que puedes hacer hammer-ons del tercero ai segundo, dos trastes por debajo en la cuerda La, como hace Hendrix en “The Wind Cries Mary”.

159

Cómo tocar la guitarra rítmica

El sonido rítmico de los Rolling Stones Es increíble pensar que los Rolling Stones acaban de celebrar medio siglo ininterrumpido de rock n’ roll. Empezaron como grupo de rhythm and blues a principios de los sesenta y fueron de los primeros en popularizar la música afro-americana en Europa, y más tarde en reexportarla a su país de origen. Después del éxito en 1965 de “(I Can't Get No) Satisfaction", con su sencillo pero emblemático riff, los Stones siguieron explorando el territorio melódico a través de una serie de álbumes de rock clásico que utilizaban afinaciones folk para permitir y generar progresiones de acordes alterados y notas de color que no se pueden realizar con la afinación convencional.

En un principio, Keith Richards no era un gran fan de “Satisfaction”, al menos en la forma en que se presentó. Hay rumores de que

LA AFINACIÓN OPEN-G

mientras trabajaba sobre la canción, sintió que se parecía

Después de la afinación drop-D, la open-G es quizá la

demasiado a “Dancing in the Street”, de Martha and the Vandellas.

más habitual en el rock, y se consigue con facilidad.

Escribió una parte de sección de vientos de estilo stax y le añadió

Simplemente afina la guitarra en un acorde de Sol

la distorsión para representar mejor la fluidez de los instrumentos

mayor (ver páginas 24-25):

de metal. Más tarde perdería la votación en la reunión de dirección, en la que se decidió que se lanzaría como single la versión sin

Cuerdas 1-Re 2-Si 3-Re 4-Sol 5-SI 6-Sol

distorsión. El Ejercicio I superpone una tríada una cuarta por encima de la tónica. Así se generan las segundas inversiones (con la quinta en el bajo) de Do y Fa.

Te darás cuenta de que en las cuerdas 2, 3 y 4 no hay ningún cambio respecto a la afinación estándar. De esta manera se hace mucho más fácil añadir notas de color como la cuarta y la segunda mayor, como en el Ejercicio II, porque puedes colocar un acorde mayor con cejilla con el índice. En esta afinación, Keith Richards quita su cuerda Re inferior (la sexta).

EJERCICIO I La afinación open-G te permite crear riffs pegadizos con una disposición móvil.

160

Los Beatles y los Stones Durante su prolífica carrera de grabaciones, estos dos titanes de la música fueron muy comparados entre sí por la prensa, encantada con la disyuntiva “chico de al lado” contra “chico malo” a la que se prestaban los dos grupos. Musicalmente hablando, es interesante lo diferentes que eran entre sí. George Harrison sigue siendo un guitarra solista infravalorado: sus arreglos incisivos, limpios y precisos aportaban cohesión a los diferentes estilos de composición de Lennon y McCartney. Mientras los Stones bebían del blues y desarrollaban progresiones de este estilo para sus canciones, los Beatles fueron un excelente grupo de rock ‘n’ roll que posteriormente pasó a desarrollar el pop y a tomarse libertades armónicas muy imaginativas. Reescribieron las reglas de la composición del pop melódico (en contraposición al rock), dejando un legado que se escucha a diario en la música de los grupos de chicos y chicas guapos de hoy en día.

El Ejercicio II, por el contrario, incluye licks de shuffle (ver página 76) con cuartas y sextas simultáneas. Uniendo la influencia de Chuck Berry que tiene Richards (ver páginas 100 y 101) y las posibilidades del open-G, estos intervalos se usaron de manera muy eficaz a lo largo de los álbumes clásicos de los Stones de finales de los sesenta y principios de los setenta.

Keith Richards

Los riffs bluseros y macizos de la guitarra de Keith Richards que dominaron éxitos de los Stones como "(I Can’t Get No) Satisfaction”, “Jumpin' Jack Flash” y “Honky-Tonk Woman” le han permitido ser considerado uno de los mejores guitarristas rítmicos del rock ‘n’ roll, y posiblemente el mejor de entre los que se basan en el blues. Igual que su ídolo, Chuck Berry, Richards ha creado algunos de los riffs más memorables del rock. Prefiere las afinaciones con cuerdas al aire sacadas del Delta blues, y muchas veces rasguea sólo cinco cuerdas para una digitación más clara, lo que acentúa su sonido distintivo.

EJERCICIO II Un riff de dos compases basado en acordes, por lo general usado como acompañamiento de estrofa.

161

Cómo tocar la guitarra rítmica

Riffs al estilo de Red Hot Chili Peppers Formado en 1983 en Los Angeles, Red Hot Chili Peppers ha demostrado ser capaz de mezclar ritmos supercool del funk tan auténticos como cualquiera de los setenta con composiciones melódicas y cargadas de significado con un toque blusero y reflexivo. Ha aguantado varios cambios de formación y cada vez emerge con un directo emocionante, sin pretensiones pero capaz de mantener la atención de un público de festival sólo con una formación de guitarra única (aumentada con un segundo guitarrista en su gira “Stadium Arcadium”).

Quizá más que cualquier otro grupo contemporáneo, se ha

audaz, con toques de funk, y está escrito para mantener un ritmo

centrado en perseguir (y capturar) la química elusiva de la

en el que una línea de bajo sincopado lleve la melodía.

Improvisación que hace que un grupo de músicos sea más que

Es un entrenamiento para la mano derecha. Concéntrate en

la suma de sus partes. El guitarrista John Frusciante tiene un

mantener un ritmo de metrónomo. En el momento en que tu mano

gusto exquisito, combinando Hendrix, Parllament Funkadelic,

deje de moverse, habrás perdido el ritmo. Para dominarlo, practica

The Ohio Players, el rap y el punk de los ochenta y art rockers

el rasgueo “fantasma”: mantén el rasgueo aunque la púa no esté

como Tom Verlaine, de Television. Frusciante escribe licks, riffs

en contacto con las cuerdas (como se escucha en los compases

y secuencias de acordes que han conseguido conservar la lealtad

dos y cuatro). Verás que este estilo se presta a cambios a tiempo

de sus fans de funk rock a la vez que ampliaban su atractivo con

de acordes alterados, como las séptimas y las novenas que suelen

baladas más convencionales.

usarse en el funk rítmico.

Tocar en estilo funk-rock o rap-rock implica seguir un cierto

La manera de tocar de Frusciante, en especial en el álbum

ritmo: no es raro encontrarse con estrofas de un solo acorde, por

Californication, puede ser melódica y abrasiva incluso dentro de la

ejemplo, de manera que el interés recae en el riff. El Ejercicio I es

misma canción, con secuencias de acordes al estilo clásico de

EJERCICIO I Riff de funk-rock basado en Mi. El Em9 de los compases dos y cuatro le añade color.

162

Cómo tocar la guitarra rítmica

En general, Frusciante toca lo suficientemente limpio como para que se escuche cada nota, huyendo de la distorsión saturada que usaban los guitarristas de RHCP Hilel Slovak y Dave Navarro. Un uso sutil de la compresión, el chorus y el overdrive le ayudan a alternar entre sonidos funk y rock.

Hendrix, concisas y sin estar retocadas al máximo, en línea con la influencia punk del grupo. En el Ejercicio II, en La, aparece un lick típico sobre la pentatónica menor que puede repetirse como lick rítmico, usarse solo como relleno de estrofa, o también como pie para un estribillo de acordes armonizados.

John Frusciante

La música de Frusciante, ex guitarrista del grupo de funk rock Red Hot Chili Peppers, parece estar siempre evolucionando. Influenciado por guitarristas de diversos géneros, Frusciante hace hincapié en la melodía y ha desarrollado lo que él llama un sonido “mugriento” usando mucha distorsión en sus solos.

EJERCICIO II Riff funky de una sola nota en La. Requiere combinar de manera muy precisa el apagado con ambas manos.

163

Cómo tocar la guitarra rítmica

Riffs y ritmos al estilo de Foo Fighters Después del inesperado y lamentado final de Nirvana en 1994 (ver páginas 178 y 179), la carrera del batería Dave Grohl dio un giro esperanzador con el nuevo grupo Foo Fighters. Su posterior éxito, ganando múltiples premios Grammy, ha demostrado ser tan sorprendente para Grohl como para todo el mundo, ya que vino de manera tan inesperada como los avistamientos de “foo fighter” (el código militar para designar a los OVNI).

Los conciertos de Foo Fighters llenan estadios. Su popularidad

Ejercicio II, que es sólo una de las maneras que tienen de unir

se atribuye no sólo al carácter práctico de Grohl, sino a su manejo

el rock y el pop (quizá el factor más importante en su amplia

del riff. Tiene un sentido del ritmo propio de un batería, con más

base de fans).

cambios de compás que el típico grupo de la época pospunk. Los cambios de tempo, que habían sido un vestigio del rock progresivo, se vuelven precisos y fáciles de digerir en manos de Foo Fighters. Grohl, como compositor principal del grupo, tampoco le teme a variar el número de compases de una sección e incluir números impares, una práctica muy Inusual en el rock, y mucho más que encajen tan limpiamente. El estribillo de “Times Like These”, por ejemplo, se repite en ciclos de tres compases. El Ejercicio I lleva el tipo de riff de quintas vacías que en sus manos sonaría como un bloque, gracias a su ambigüedad

Dave Grohl y Chris Shiflett, su compañero guitarrista de Foo Fighters, usan sonidos más limpios de lo que podrías pensar en un principio, con tonos clásicos y con overdrive (al estilo “Británico” o de “tweed”).

armónica. El grupo prioriza ganchos melódicos como los del

EJERCICIO I Un riff armónicamente ambiguo en Re. Para ayudarte a mantener el ritmo, tócalo con punteo alternativo y contando “1-2-3-1-2-3-4” dentro del compás.

164

Cómo tocar la guitarra rítmica

Me encanta Black Sabbath. Hicieron una contribución espectacular a la música de hoy. as los grupos que tuvieron éxito en los noventa

en deuda con ellos. Dave Grohl

(Foo Fighters)

Dave Grohl

Cuando Grohl fundó los Foo Fighters, después de que Nirvana se disolviera tras la muerte de Kurt Cobain, con frecuencia se comparaba su música con la de Nirvana. Igual que las de los Pixies y Nirvana, las canciones de Foo Fighters alternan estrofas tranquilas y estribillos fuertes, una técnica que Grohl achaca a que a los miembros de Nirvana les gustaban grupos como los Beatles y ABBA tanto como Flipper y Black Flag. Sus eclécticos gustos musicales y sus riffs tremendamente rítmicos hacen a las composiciones de Grohl únicas y refrescantes. La inercia del impulso de su visión musical le llevó a afirmar en 2005: “Me encanta estar en un grupo de rock, pero no sé si voy a querer estar en un grupo de rock alternativo de los noventa toda la vida".

EJERCICIO II Riff cromático en Mi que combina partes solistas y rítmicas al estilo de Foo Fighters.

165

Cómo tocar la guitarra rítmica

Tu primera canción rítmica Nuestra canción rítmica sigue una progresión de l-V-IV en Sol. Al igual que todos los temas que aparecen al final de estos capítulos, propone tres partes a modo de presentación de los elementos constitutivos de la gran mayoría de las canciones de rock clásico y pop, que se componen de una fórmula más que probada de “estrofaestribillo-estrofa-estribillo-break-estrofa-estribillo”.

Las variaciones habituales pueden ser empezar con un estribillo, o

de bajo. Lo importante es que dura cuatro ciclos de la progresión de

con un pasaje Introductorio aparte, o acabar con un estribillo doble.

la estrofa (ver página 174) y la conduce a un sitio diferente, lo que

Los breaks, que bien ejecutados aparecen antes de que el oyente

le añade interés.

se haya cansado de oír la progresión principal, pueden ser el refrain

La parte del estribillo (que también podría funcionar como

principal simplificado o adornado, o introducir una secuencia de

break) empieza con la V y tiene un voicing “add4” de la dominante,

acordes nueva (basada a menudo en el relativo menor del centro

Re, que agradece un punteo alternado de semicorcheas. (No es un

tonal de la canción: ver página 33). Si tocas el acorde chillón de G5 del principio del refrain con un rasgueo hacia abajo, te será más fácil llegar a tiempo a la cadencia, junto con la nota pedal de Re al aire. Por otro lado, la progresión de la estrofa te muestra cómo añadir interés a una progresión sencilla (armonizada aquí con acordes, octavas y quintas, diatónicos con cejilla): esta segunda parte podría ser un solo encubierto, o la línea

Graham Coxon

Considerado uno de los guitarristas más inventivos y eclécticos del Reino Unido, a Graham Coxon todavía se le conoce más como guitarrista del grupo británico de rock alternativo Blur. Arregló algunos de los temas más exquisitos del grupo, ayudando así a popularizar el britpop. Blur, influenciado por grupos de pop ingleses como The Kinks, los Beatles y XTC, lanzó álbumes tan clásicos del britpop como Modern Life Is Rubbish (1993), Parklife (1994) y The Great Escape (1995).

166

“sus4” porque la tercera todavía aparece, por lo tanto no es un acorde suspendido.)

Cómo tocar ¡a guitarra rítmica

REFRAIN

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Cómo tocar la guitarra rítmica

ESTROFA

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Cómo tocar la guitarra rítmica

ESTRIBILLO

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Cómo tocar rock alternativo Television, The Smiths, los Pixies, Pavement... A primera vista no parece que los grupos de rock alternativo tengan mucho que ver entre sí. Eso se debe a que este género vendría a ser como un patio de recreo para grandes ideas. Muchas ideas que han llegado a la cultura de masas vienen de lugares pequeños, a menudo de ciudades llenas de estudiantes, donde los bolos son escasos, los cachés bajos y los músicos han disfrutado de libertad para experimentar. Kurt Cobain, por ejemplo (ver página 178), fue el primero en admitir que las estrofas calmadas y muchas veces apagadas de las canciones de los Pixies, que daban lugar a estribillos demoledores, fueron una de las principales influencias en temas de Nirvana como "Smells like Teen Spirit". The Velvet Underground, quizá el mejor grupo de rock alternativo de todos los tiempos, escribió zumbidos de guitarra para complementar las notas mantenidas de la viola de John Cale. Seas o no un fan de los grupos, es posible que pienses que el rock alternativo no tiene mucho que aportar al futuro guitarrista virtuoso de rock. Sin embargo, a veces un poco de inventiva desquiciada puede acercarte mucho al objetivo de complacer al público. El siguiente capítulo selecciona algunas de sus mejores técnicas.

Fender Jaguar

El sonido general de la Jaguar es más agresivo pero más estrecho que el de la otra guitarra de cuerpo contorneado de Fender, la Jazzmaster. El diseño de la palanca y del puente y las pastillas producen un sonido percutido, y puede obtenerse un tono afilado y frío seleccionando sólo la pastilla del puente con el interruptor de "strangle" (aparentemente llamado así porque corta por encima de todos los demás sonidos del grupo).

Cómo tocar rock alternativo

Acordes con cejilla y riffs al estilo punk A mediados de los setenta, los riffs breves y concisos de los grandes grupos de blues rock dejaron paso a repetitivos solos de diez minutos. Los fans más jóvenes decidieron volver a los inicios del rock 'n' roll, con canciones referidas a la vida y los problemas de la juventud, como las de Chuck Berry o Eddie Cochran.

EJERCICIO I Riff punk sencillo de tres acordes que requiere precisión de apagado con la mano izquierda.

Mick Jones

Como guitarra solista y vocalista de Clash, uno de los grupos más emocionantes y explosivos de la historia del rock 'n' roll, Mick Jones, con su sonido acelerado de punk-rock, jugó un papel decisivo en el nacimiento y la vida del punk.

172

Cómo tocar rock alternativo

Los punks devolvieron el protagonismo de la mezcla a los acordes:

se Interpretan a tempos vertiginosos, y su Interés recae en la

los riffs y los licks suelen formarse a partir de las mismas

energía y el brío con que los toques.

progresiones que en el rock clásico o el blues rock. Muchas veces

PISTA 88

EJERCICIO II Los grupos punk usaban un sentido de la armonía singular: se apoyaban en los acordes para crear la melodía, pero usando muchos. Esta progresión añade acordes en Do al tercer ejercicio de rock clásico de la página 113 y acaba en una parte que podría ser un estribillo.

EJERCICIO III Normalmente, las líneas principales del punk son concisas, peculiares y angulosas, como este riff de dobles cuerdas en Si que usa notas de los acordes que hay debajo.

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Cómo tocar rock alternativo

Técnicas pospunk Los punks suplían con imaginación lo que les faltaba de musicalidad. Aquí tienes tres de los legados de esta época new wave. Muchos guitarristas tienen en el delay a su compañero Inseparable

The Edge popularizó el delay rítmico cuando añadió sonidos

después de la distorsión o el overdrive. Lo usan tanto para los

Inquietantes y atmosféricos a la grandilocuencia de U2. Antes que

sonidos de solos atmosféricos de rock, como los de David Gilmour,

él lo probaron Keith Levine, de PL, y John McGeogh, de Magazine.

como para el eco de slapback del rockabilly. Los años del pospunk

Los tiempos de delay más útiles se encuentran entre 200 y 800

vieron cómo el delay empezaba a proponerse como un efecto rítmico,

milisegundos. Esto es válido para el Ejercicio I, dependiendo del

al mismo tiempo que los músicos exploraban los límites del punk.

tempo al que lo toques, ya que usa el delay para añadir ritmo a los arpegios menores.

Delay: el primer requisito para usar bien el delay dentro de un grupo es tener buena relación con tu batería. Tiene que ser capaz

Ciclos: los grupos de punk y pospunk más artísticos, como Wire,

de (tragarse una parte de su ego y) tocar a contratiempo de tu

solían añadir interés armónico a los cambios de acorde, que de otra

señal de delay, en lugar de establecer él el tempo como está

manera serían repetitivos, doblando la duración del riff o de la línea

acostumbrado a hacer, y tiene que poder oírte: los monitores

de bajo que se toca con ellos, y añadiendo una nueva melodía "de

siempre son un problema para los baterías, así es mejor consultarle

respuesta”, que por lo general duraba el doble de compases que el

antes de colocar tu ampli. Para tiempos de delay más cortos como

riff rítmico, aunque podía llegar a ser cuatro veces más largo, o

los analógicos, esto no es tan importante.

incluso durar toda una estrofa (ver página 166).

PISTA 90/1

EJERCICIO I Toca este ejercicio con un delay alrededor de 350 milisegundos. Tocando el arpegio de D5 contra el La y el Sol convierte al La en Aadd4 y al Sol en Gadd9.

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Cómo tocar rock alternativo The Edge Con su estilo discreto y percutido y su sonido distintivo de carillón, que consigue con el abundante uso de efectos de delay y reverb, The Edge ha sido crucial en la definición del sonido de U2. "Me gusta el buen sonido con resonancia en la guitarra, y en la mayoría de mis acordes busco dos cuerdas y hago que suene la misma nota, así que es casi como un sonido con 12 cuerdas", dijo.

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EJERCICIO II Los rasgueos hacia arriba en el segundo y cuarto tiempo, junto con los voicings de acordes con cejilla, dan un sabor reggae a estos arpegios de diadas de tercera y quinta adaptados del Ejercicio III de la página 41.

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Cómo tocar rock alternativo

El sonido de Johnny Marr Entre principios y mediados de los años ochenta, Johnny Marr, como guitarrista y cocompositor de The Smiths, marcó un camino de gran originalidad con la guitarra. Con sus quintas vacías y sus solos rápidos basados en la pentatónica, su música contrastaba con el rock, el metal y el posfunk de la época, en el sentido de que para generar interés tenía arreglos melódicos y sin solos que usaban notas de color (ver páginas 156 y 157) y estructuras de canciones impredecibles.

Marr prefería las Rickenbacker y las Telecaster: sus sonidos

en la posterior escena de Mánchester (desde Jon Squire, de The

brillantes y metálicos eran una base perfecta para líneas de bajo

Stone Roses, hasta Noel Gallagher, de Oasis) fue inmensa, y el

inesperadamente funky y melódicas, y usaba los acordes de novena

álbum The Queen fe Dead, de The Smiths, siempre trepa hasta

y de séptima mayor habituales en el soul y el jazz. Normalmente se

las primeras posiciones en las típicas encuestas que se repiten

arpegian, en lugar de rasguearlos, en estilo de funk (ver páginas

periódicamente sobre "el mejor álbum”.

164 y 165), así que no sorprende que Marr reivindique la influencia de Neil Young y también del folk inglés. Aunque escriba progresiones más melódicas que bluseras, es

Marr usó el trémolo y el delay con efectos sorprendentes en temas como "How Soon Is Now”, que toma prestado el ritmo de shuffle clásico de Bo Diddley. Suele afinar la guitarra en afinación

más un guitarrista de carácter, y tampoco se le da mal la guitarra

estándar, pero un tono más arriba. En el Ejercicio I suenan a la

bottleneck: "Lo que les digo a todos los compositores potenciales

vez cuerdas pisadas y cuerdas al aire. Según los mejores

es que Do-Fa y Sol-Re son geniales. Puede ponerse una melodía por

guitarristas de grupos con una sola guitarra, los riffs de Marr

encima. Olvidaos de tocar escalas superrápidas o acordes

muchas veces sugieren, como aquí, la progresión de acordes de

Invertidos: es más una cuestión de carácter". La influencia de Marr

debajo.

PISTA 91

EJERCICIO I Riff de arpegios menores con resonancia que sugiere Dm/C/G. Puede que necesites un poco de práctica para conseguir que las notas resuenen a la vez.

176

Cómo tocar rock alternativo Johnny Marr

El estilo metálico funk de Marr acabó siendo sinónimo del sonido de The Smiths, que la Encyclopedia Britannica describe como "distinto del rhythm and blues, e impecable fusión del rock de los sesenta y el pospunk".

EL RITMO "BO DIDDLEY" Bo Diddley fue un arrollador músico de directo, contemporáneo y compañero de discográfica de Chuck Berry, que popularizó el descarado ritmo de shuffle que solía contarse con la frase "shave and a haircut, six bits", Buddy Holly lo tomó prestado para "Not Fade Away", también lo hicieron, entre incontables otros, los Rolling Stones. En la música popular abundan los ritmos inspirados en Diddley, como en "Jean Genie", de David Bowie, que usa el ritmo de "Cops and Robbers", de Diddley. De acuerdo con su pulsación hipnótica, las canciones de Diddley suelen evitar la progresión de doce compases y quedarse en un solo acorde durante toda una estrofa.

El Ejercicio II incluye dos trucos típicos de Marr: armonizar novenas y séptimas mayores y, una vez más, usar cuerdas al aire contra voicings parciales de acordes para aumentar la resonancia. Johnny Marr opta por un sonido limpio, acampanado y normalmente con chorus.

EJERCICIO II Rasguea este ejercicio de manera que la cuerda Mi agudo quede resonando. El acorde final de B7sus4 puede pisarse con una cejilla convencional, con el índice levantado de las cuerdas MI agudo y Si.

177

Cómo tocar rock alternativo

Grunge al estilo

de Kurt Cobain

En 1992, la subcultura grunge originada en Seattle fue lanzada a primera fila de la música internacional con el éxito comercial de Nervermind, el álbum revelación de Nirvana. Sus canciones estaban llenas de rabia, hablaban de esperanzas y vidas sacudidas por la adversidad y que no coincidían con el ideal americano, de manera que enseguida los jóvenes de todo el mundo se identificaron con ellas. En muchas canciones de Nirvana hierve una expresividad

desde el principio de su trayectoria discográfica hasta su prematuro

calmada en la estrofa antes de explotar en un estribillo como

final en 1994.

de rabieta adolescente. En este sentido, Cobain estuvo

En el Ejercicio I aparece una intro o riff de estrofa arpegiado al

influenciado por grupos indie de los ochenta, como Sonic Youth

estilo de Nirvana, en MI menor, que mezcla una quinta vacía en diada,

o The Pixies.

con la quinta en el bajo (una característica del grunge), con arpegios.

La realización de este efecto recae sobre todo en el batería, pero también se consigue mediante el contraste entre riffs punteados arpegiados (muchas veces con palm mute) y pasajes

Se presenta en una afinación rebajada un tono entero (ver página 148). El Ejercicio II es un riff basado en acordes en Fa. Experimenta

de acordes rasgueados. Esto es válido en especial para la gama

con los grados de apagado con la palma de la mano derecha sobre el

oscura y profunda de afinaciones que usaba Cobain, tomadas

puente. Las cruces del tab representan acordes muteados, una

de Tony lommi, de Black Sabbath: un tono entero (Re grave,

técnica que usaba Hendrix para doblar los golpes de caja. Son golpes

Sol, Do, Fa, La, Re agudo), drop-D (ver páginas 132 y 133) y drop-C#

percutidos y con dirección, aunque no añadan nada a la armonía

(Do#, Sol#, Do#, Fa#, La#, Re#). Esta última la creó él mismo,

(cosa que a veces puede ser útil). Mientras mantienes la técnica de

mezclando los voicings del drop-D con la costumbre de Hendrix de

la mano derecha, tócalos levantando los dedos de la mano Izquierda

afinar medio tono por debajo para aumentar el impacto, y la usó

de los trastes sin que pierdan el contacto con las cuerdas.

PISTA 93

EJERCICIO I Este riff sencillo de Mi a Re sonará a plena potencia si rebajas la afinación un tono entero.

178

Kurt Cobain

Kurt Cobain, profundamente influenciado por el punk y defensor incondicional del rock alternativo, tuvo un impacto enorme sobre el rock alternativo y se le recuerda como uno de los músicos más emblemáticos del género.

Kurt Cobain huía del tono de medios huecos del metal moderno. Creó su sonido pensando en los efectos (modulación para dar profundidad, compresión y ecualización) y tocando con lo que tenía al alcance.

PISTA 94

EJERCICIO II Un riff armónicamente ambiguo que se basa en voicings de quintas vacías (sin tercera) y en la introducción de un acorde no diatónico de bVI (db5).

Buscaba algo más pesado pero que al mismo tiempo fuera melódico. Algo diferente al heavy metal, una actitud diferente. Kurt Cobain (Nirvana)

179

Cómo tocar rock alternativo

Riffs al estilo de Rage Against the Machine Durante su esplendor, en los noventa, el rap-rock fusionó los estilos guitarrísticos del metal y los ritmos de hardcore punk estadounidense con influencias del hip-hop, como Africa Bambaataa y Public Enemy. En aquel momento, Rage Against the Machine sólo era un grupo dentro de un panorama que incluía, entre otros, a Suicidal Tendencies. Hoy son preeminentes y han demostrado su compromiso musical y político y su capacidad de perdurar.

RATM consigue parte de su dinamismo con complejos cambios de

(notas cortas y separadas), más que legato. Para ello, Tom Morello

compás, sin embargo no podrían sonar menos a rock progresivo.

usa incluso un interruptor que "mata" la señal de su guitarra.

Tom Morello crea partes de guitarra que rebosan carácter, con descargas de riffs rock-rap que incitan a la revolución. Morello usa sonidos de guitarra con muchos efectos, que incluyen abundante flanging y el uso del pedal de pitch-shifter, que combina con sus controles de tono para simular los sonidos de la

La música no es ningún rollo

de asignatura de la universidad.

técnica de scratching de un DJ de hip-hop. A pesar de ello, sus licks están basados en el blues, al igual que su uso de la afinación drop-D para los potentes acordes de quintas vacías (ver páginas

En sus días buenos, Rage Against the Machine es capaz no

130 y 131). En canciones como "Testify" y "Killing in the Name", rítmicamente se escucha una técnica sólida y funky de mano derecha. Los Ejercicios I y II Incluyen riffs de una sola nota y de dobles cuerdas para ser tocados con distorsión y un apagado preciso con ambas manos, para conseguir un carácter staccato

sólo de hacer que te muevas como un huracán, sino de alimentar tu motor con la indignación y las convicciones activistas del grupo.

EJERCICIO I Un riff afinado en drop-D que alterna líneas de una sola nota en palm mute con quintas vacías.

180

Tom Morello (Rage Against the Machine)

Cómo tocar rock alternativo

LOS SONIDOS WAH-WAH

Antes de que Tom Morello usara el pedal de vibrato, estaba

el barrido lo controla tu manera de tocar): el pedal se

el wah-wah, introducido por Hendrix como el efecto más

maneja a tiempo con tu parte rítmica, y se repite un

expresivo que existía. Es un sonido clásico que suele usarse

barrido preciso a tiempo con la progresión de acordes

en exceso, pero puedes llegar a usarlo con moderación de estas cuatro maneras:

o con el riff. Control de tono: como Slash o Michael Schenker. Se deja

el pedal fijo en medio de su recorrido mientras tocas, Efecto wah de selector de pastilla: baja el tono de la

pastilla del mástil y sube la del puente, cambia el

de manera que se consigue un tono corno de "graznido".

interruptor de selección al tiempo de la música para obtener un wah sin pedal. Lamento en estilo de blues: como Hendrix, Hammett o

Robin Trower. Es un barrido clásico, amplio, en estilo "Cry-Baby" que requiere un manejo más lento del pedal

Con algunos wahs puedes tocar el rango de tonos general con antelación para evitar que quede demasiado muteado en posición cerrada. Quizá te interese invertir en un wah con un interruptor

a lo largo de líneas de solo mantenidas, de abierto a

de "bypass verdadero", ya que los wahs pueden colorear el

cerrado, o viceversa. Este efecto parece que hable,

tono de tu señal mientras no los usas, muteando algunas

igual que la sordina de los instrumentistas de metal.

frecuencias agudas que si no tendrían un sonido brillante

Ritmo de funk: como Curtis Mayfield, Stone Roses o Red

de bobina simple.

Hot Chili Peppers. Se parece al "touch-wah" (en el que

PISTA 96

EJERCICIO II Un riff sencillo de quintas vacías en La, con líneas melódicas de pentatónica, que debe su eficacia a la velocidad y la precisión.

181

Cómo tocar rock alternativo

Trucos y texturas al estilo de Radiohead En 1992, Radiohead lanzó su primer single, "Creep": una ración imaginativa de inseguridad personal que debía sus estrofas tranquilas y sus estribillos ruidosos al grunge, y algo de su progresión de acordes al grupo británico de los sesenta The Hollies. Sin embargo, sus álbumes The Bends, de 1994, y OK Computer, de 1995, son los que lucen más la destreza y los sonidos que han demostrado tener mucho tirón desde entonces, y los que le llevaron al éxito comercial mundial más allá de lo que consiguieron sus predecesores britpop más pegadizos.

Con su imagen de músicos aplicados que contradice el Impacto

recursos favoritos de Hendrix), pero unirlas con un punteo rápido

visceral de sus arreglos, los guitarristas Jonny Greenwood y Ed

con trémolo produce un sonido único y con Impulso. Las cuerdas

O'Brien se centran en las texturas y el sonido en sí tanto como en

al aire se apagan para evitar que resuenen notas fuera de la

la complejidad de la composición: no sorprende que más tarde se

tonalidad, en especial la cuerda que está entre las dos cuerdas

Interesaran por la música electrónica. Su extenso (pero nunca

pisadas, en este caso el Re. A tempos más lentos, las octavas

gratuito) despliegue de efectos es una lección en sí misma sobre

unidas al "violining" (ver recuadro) pueden resultar muy

cómo usarlos sin que ellos acaben usándote a ti. El trémolo y el

expansivas.

delay, por ejemplo, se fijan a "tap tempo", es decir, a tiempo con

En el Ejercicio II tenemos un riff armonizado en Mi mayor.

la música, y los efectos de modulación como el flanging se usan

Así, la melodía se ha incorporado mediante las notas de color

para dar color a los pasajes largo (lentos) en vez de dejar que

(cuartas y onceavas: ver páginas 156 y 157), que forman una

oscurezcan los pasajes de armonías complejas.

cadencia de por sí. El La está en primera inversión, con el Do#

El Ejercicio I explora una técnica textural como ésta. Tocar octavas en la parte del solo no es nada nuevo (y era uno de los

en el bajo: desde aquí puedes tocar fácilmente el sus4 en hammer-on.

PISTA 97

EJERCICIO I Apaga la cuerda Re con el lateral de la punta del índice para que esta octava ascendente tan espectacular te salga limpia.

182

Cómo tocar rock alternativo

Jonny Greenwood

Es conocida la lesión que sufrió (tuvo que llevar un aparato en el brazo) por su propio estilo "abusivo" de tocar. El extraordinario abanico de texturas musicales de Jonny Greenwood ayudó a definir el sonido distintivo de Radiohead (en particular su uso de la distorsión y las explosiones de guitarra muteada en "Creep") y amplió sus horizontes hacia terrenos claramente ajenos al rock.

EL VIOLINING El "violining" (un efecto de guitarra que usa Radiohead, entre otros) es más fácil de ejecutar en una guitarra tipo Strat, aunque puede lograrse en la mayoría. Baja el volumen de la guitarra, pisa una nota y prepárate para volver a subir el volumen deslizando la parte exterior del cuarto dedo contra el botón. Roy Buchanan llegó a ser un maestro de esta técnica.

EJERCICIO II Intenta conseguir "armónicos pellizcados" pulsando la cuerda Si en el 17° traste (cambia al 18° en el compás 6), rozando la cuerda con el lateral del pulgar.

183

Cómo tocar rock alternativo

Tema original de rock alternativo Las siguientes pistas consisten en un riff solista y una progresión de acordes para una estrofa con el carácter de un single de la época "britpop" de los noventa: los voicings de acordes diatónicos con cejilla refuerzan la tonalidad; los licks solistas (y los bends de cuartos de tono), evocativos y limpios, podrían ser sacados de un grupo de beat de los sesenta, mientras que la parte rítmica toma características de grupos melódicos de new wave como The Only Ones. Sigue una progresión E-B-D-A-E-B-A-B (acabando en la dominante para volver a empezar el ciclo), donde el D aporta color armónico gracias a la cuarta que se añade encima del acorde y a la tercera del bajo (ver página 159). El estribillo es más extenso, marcado por un E7#9, y con

compases, sobre una progresión l-blll-IV-V, representan el deseo

movimiento, al estilo del rock alternativo estadounidense de los

del rockero alternativo de seleccionar las mejores técnicas del

noventa, con cuartas suspendidas de A7 y B7, y tiene una línea

rock clásico y expresarlas de manera concisa, aunque a la vez

solista arpegiada repetitiva e hipnótica. Los pasajes de duración

sigue explorando los límites del género y aporta algunas

desigual, al estilo de Foo Fighters, resuelven naturalmente en la

sorpresas, que si suenan bien no pueden ser incorrectas.

dominante (B), para volver a la estrofa. Por otro lado, el solo usa las escalas pentatónica menor y menor de blues sobre un break que se dirige a la tercera menor: C#min (que ya ha aparecido al final del estribillo) / A / Ab. Aspectos como el estribillo Irregular y su lick final de cuatro

The Only Ones

Peter Perrett es el cantante solista de los recientemente refundados The Only Ones. Este grupo británico de rock 'n' roll empezó su carrera a finales de los setenta y se asociaba con el punk rock, aunque más tarde amplió su estilo a géneros que se situaban entre el punk, el power pop y el rock duro, con influencias notables de la psicodelia. Su mayor éxito, "Another Girl, Another Planet", fue un gran hit en el Reino Unido, y su influencia sobre la escena del indie rock y del rock alternativo se ha hecho notar desde entonces en grupos como The Replacements, Blur, Nirvana y, en los últimos años, The Libertines.

Cómo tocar rock alternativo ESTROFA

185

Cómo tocar rock alternativo ESTRIBILLO

186

Cómo tocar rock alternativo BREAK

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Directorio de acordes

Directorio de acordes Estos cuadros de acordes incluyen algunos tipos de acordes equivalentes para tonalidades diferentes a las de las páginas 24 y 25, junto con ejemplos de las disposiciones móviles de las páginas 30 y 31 específicos para cada tonalidad. También mostramos disposiciones de acordes que aparecen en ejercicios específicos a lo largo del libro. Verás que algunas, aunque se presenten en una tonalidad determinada, también son disposiciones móviles útiles.

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Directorio de acordes

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Directorio de acordes

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Indice

índice º (ver acorde, disminuido) AC/DC, 138-139 riffs y licks al estilo de, 138-139 accesorios,18 (ver también guitarra) afinador, 18 cables, 18 metrónomo, 18 púas, 18 acorde, 8,17,42,158-159 ampliado, 82 arpegiado, 34 aumentado, 92 cejilla, 30-31,46 con cuerdas al aire, 24-25 de Hendrix, 111 de quintas vacías, 44,114, 130-131,137,139,141 diatónico, 112 directorio, 188-190 disminuido, 32,92 extensiones, 156-157 primera, 48,139,182 segunda, 48,141 inversiones, 48,114 mayor, 32,33,141 menor, 32,33 móvil, 30-31 progresiones, 68,110-111 de blues de acordes con cejilla, 78-79 de acordes con cuerdas al aire, 76-77 de doce compases, 74-75, 110 de rock ‘n’ roll, 92-93 de rock clásico, 112-113 sustitución, 74 tónica, 46,70 voicings (posiciones), 30,48 afinación, 11,16 con cuerdas al aire, 16 drop C, 148 drop-D, 130,136,178,180 estándar, 16 open-G, 160 rebajada, 16 rebajar una tercera menor, 136 relativa, 16 amplificación, 19 cambio de canal,19 ecualización, 19 anacrusa, 29 apagado, 17,27, 75,139 armonía y melodía, 20-37 armónico, 128,142 ambigüedad, 115 "armónicos pellizcados", 183 cuerdas al aire, 128 estructura, 55 nota pisada, 128 séptimas armonizadas, 111 “armónicos pellizcados” (ver armónicos) arpegio, 34,36,94

B. C. Rich Warlock, 7 Beatles, los, 92,128,161 Beck, Jeff, 81 Beecher, Franny, 96 bends (ver cuerdas bends) Berry, Chuck, 43, 93,100-101,161, 172 black metal, 144 Black Sabbath, 136,165 riffs y licks al estilo de, 136-137 Blackmore, Ritchie, 110 blues, 72-89,158 de doce compases, 78, 92 escala menor de blues (ver escalas) licks, 80-83 notas, 72 riffs de rock, 114-115 solos basados en escalas, 138 bobina simple (single-coiI), 12 britpop, 166,184 centro tonal, 32 ciclos, 174 Clapton, Eric, 59 Clash, The, 172 Cobain, Kurt, 179 Cochran, Eddie, 95,104 compás, 28-29, 33 compuesto, 145 simple, 29 compresión, 128 contratiempos, 75 cuartas suspendidas, 157 cuerdas, al aire, 24 bajo, 130 bends, 17, 55-56 de cuarto de tono, 122 de unísono, 147 calibres, 13, 50 dejar resonar, 17 delay, 174 deslizamiento, del dedo índice, 63 diada, 44, 50 diatónico (ver acorde) disminuido (ver acorde), quinta, 136 escala (ver escala) distorsión, saturada con gain alto, 50 “dive-bombing”, 59,140 dobles cuerdas, 96, 98 dominante, 46 secundaria, 157 séptimas, 78,156 séptima # novenas, 159 "doo-wop”, 94 Edge, The, 175 efectos, compresor/ limitador, 18 distorsión/ overdrive, 18 eco/ reverb/ delay, 18 loopers, 29

modulación, 18 pitch shifters ,18 supresor/ puerta de ruido, 18 trémolo, 18 wah-wah, 18 selector de pastilla, 181 escalas, 8 aumentadas, 116 cromáticas, 22 de tono entero, 116-117 disminuidas, 116-117 mayor de blues, 64 mayores, 22,112 menor, 22 de blues, 60, 66,118,147 natural, 22 nota, 42 patrón con cuerdas al aire, 60 patrón modal, 70 móvil, 60 patrones, 60, 69, 70-71,118 pentatónica mayor, 64, 66, 68-69 pentatónica menor, 60,62, 66, 68 simétricas, 116 verdaderas, 22 estilo de funk rítmico, 181 Fender, Jaguar, 21,170 Stratocaster, 52 Telecaster, 158 flanging, 180 Foo Fighters, 164 ritmos y riffs al estilo de, 164-165 fraseo, 82 Frusciante, John, 163 fundamental, 128 funk rock, 162 gain, 19 Gibbons, Billy, 79 Gibson, 335, 73 Les Paul, 39 SG,109 Gilmour, David, 118 glissando, 55 Greenwood, Jonny, 183 Gretsch White Falcon, 91 Grohl, Dave, 165 grunge, 178 guitarra, accesorios, 18 afinación, 11 altura, 13 ampli, 19 (ver también amplificación) Marshall, 19 modelado digital, 19 transistor, 19 válvula, 19 anatomía, 12 cuerpo entero, 12 efectos, 18 elegir, 10 lap Steel, 94

puesta a punto, 11 ritmo, 139,154 sem ¡acústica, 12 semisólida, 12 sujetar, 14 thinline, 12 Guns N’ Roses, 122,146 Haley, Bill, 96-97 hammer-ons, 17, 54,122 Hammett, Kirk, 143 Harrison, George, 15,128 heavy metal, 126-53 canción, 148 Hendrix, Jimi, 136,158-159,182 acordes al estilo de, 158-159 Holly, Buddy, 93,104 humbucker, 12 inversión (ver inversiones de acordes) lommi, Tony, 45,178 Iron Maiden, 126,148 Jackson Randy Rhoads, 126 jazz-rock fusión, 116 Jones, Mick, 172 Jones, Steve, 47 King, B. B., 61 King, Kerry, 131,145 Kossoff, Paul, 114 Kurt Cobain, 178 estilo grunge, 178-179 Lamb of God, 144 Led Zeppelin, 118,134-135 riffs y licks al estilo de, 134-135 legato, 13, 54,147 licks, 62, 66, 68,138-139,146-147 al estilo de Chuck Berry, 100-101 al estilo de Scotty Moore, 102-103 con dobles cuerdas, 98-99 con la menor pentatónica, 163 con shuffle, 76-77 cromáticos, 99 de blues (ver blues) de rock ‘n’ roll, 94-97 líneas, cromáticas (de semitono), 51 mano, pisar, 15 rasguear, 15 zurdos/diestros, 9 Marr, Johnny, 176-177 mástil, 13 Mayfield, Curtis, 157 melodía, 20-37 Metallica, 142-143 riffs y licks al estilo de, 142-143 modos, 70-71 patrones de escala, 71 modulación, 18,32 chorus, 18 flanger, 18 phasing, 18

191

Indice y agradecimientos Moore, Scotty, 102-103 Morello, Tom, 180 Motley Crué, 126 Motórhead, 126.148 Murray, Dave, 148 no diatónico, 22,157,179 nota, bordón, 30 de adorno disonante, 94 “de color, 111,176,182 pedal, 30. 44. 47.140 tónica (fundamental), 24,32 tresillos, 29 unísono. 48 notas de adorno disonantes (ver notas) números, arábigos, 42 romanos, 42 octavas directas, 96,100 Only Ones, The, 184 ostinato, 29, 39 Page, Jimmy, 41,135 palm mute. 17 pastillas, 12 pisar, 30 pitch shifters, armonizadores. 18 octavadores, 18 palancas (ver vibrato) pedal, 180 primera inversión (ver inversiones) pull-offs, 17, 52 punteo, alternado, 27 arpegiado de acordes, 34 barrido (sweep), 36-37

hacia abajo, 17 pastilla, 12 patrones, 26 técnica de punteo con los dedos, 130 técnica, 36, 98-99 quinta justa, 48 Radiohead, 182 trucos y texturas al estilo de, 182-83 Rage Against the Machine, 180 riffs al estilo de, 180-182 rasgueo, "fantasma”, 162 hacia abajo, 17 patrones, 26 Red Hot Chili Peppers, 162-163 riffs al estilo de, 162-63 reggae, 175 relativo menor (ver tonalidades) resolución, 110,115 Richards, Keith, 161 riffs, 38-51,138-145,162-165 con cuerdas al aire, 142 de acordes con cejilla, 46 de dobles cuerdas, 42 de estilo punk, 172-173 de una sola nota, 40 fáciles de blues-rock, 114-115 rápidos y radicales, 50 ritmo, 28,164-65 canción, 166-67 de "Bo Diddley”, 177 guitarra, 154-169 sonido, 160-161 tresillo, 101 rock 'n' roll, 90-107

rock alternativo. 170-187 clásico, 108-125 Rolling Stones, 160-161 sonido rítmico al estilo de, 160-161 Satriani, Joe, 70 saturación, 128 séptimas mayores, 156 silencios, 29 sincopación, 29, 46, 75 sistema de cifrado de Nashville, 9 ska ,175 Slash, 122,146-147 licks al estilo de, 146-147 Slayer, 126,144-145 riffs y licks al estilo de, 144-145 slides, 17, 55,122 de notas de adorno cromáticas (semitonal), 96 solo, 52-71, 66,84-85,116-117 “sonido de mujer”, 146 stax, 160 sweep-picking (punteo barrido), 36-37 tab, leer, 17 tapping a dos manos, 128,132-133, 140 técnicas pospunk, 174 tempo, 28 “tap tempo”, 182 tensión, 110,115 tonalidad, 42.113 tonalidades, 32 mayores, 33 menores, 33 modulación, 33 relativo menor, 33,166

tabla de acordes, 33 transposición, 32 tónica, 22, 62, 94 acorde (ver acorde) nota, 24 tríada, 32 tono (sonido), control, 181 distorsionado, 158 limpio, 158 transposición, 32,96 trémolo, 50 brazo, 59 punteo, 140 tresillos (ver nota), ritmos de tresillos, 101 tríada, 48, 70 trino, 54 “tritono”, 137 turnaround, 74-75 Van Halen, Eddie, 128,132,141 riffs y licks al estilo de, 140-141 Vaughan, Stevie Ray, 67 vibrato, 17, 58-59 de una sola nota, 122 (ver vibrato) freehand, 58 palanca, 18, 59 “violining” ,183 voicings (posiciones), 30. 48 acorde de quinta, 122 quintas vacías, 179 wah-wah, 143 sonidos. 181

Agradecimientos Marshall Editions quiere agradecer a las siguientes entidades su permiso para reproducir sus imágenes. Leyenda: a = arriba b = abajo c = centro d = derecha i = izquierda Páginas: 2-3 ® Gibson Flying V: 4-5 Alamy/Simon Clay; 6-7 Shutterstock; 8-9 Getty Images/Wire Image/Marty Temme; 10-11 Shutterstock/Mny-Jhee/Fender Telecaster® ; Shutterstock/M E Mulder/Fender Stratocaster •; Getty Images/Redferns/ Geoff Dann/Gretsch Nashville •; Alamy/Simon Clay Rickenbecker; ® Gibson Flying V; 13 Shutterstock/llker Canikligil; 14 Getty Images/Redferns/Mick Hutson; 15a Corbis/lcon SMI/Paul Herbert; 15b Rex Features/ITV Archive; 19 cortesía de Marshall Amplification pic; 20-21 Shutterstock; 26-27 Marshall Editions; 29 Rex Features/Debra L Rothenberg; 32 Rex Features/Marc Sharrat; 35 Rex Features/Most Wanted; 37 Getty Images/ Stringer/Paul Kane; 38-39 Shutterstock; 41Rex Features/1LPO/MUSTO; 43 Getty I mages/Michael Ochs Archives/Jim Steinfeldt; 45 Getty Images/Wire Image/ Marty Temme; 47 Getty Images/Redferns/ Brigitte Engl; 49 Rex Features/Andre Csillag; 51 Rex Features; 52-53 Shutterstock; 59 Getty Images/Redferns/David Redfern; 61 Corbis/ Christopher Felver; 65 Getty Images/Ed Rode; 67 Getty Images/Michael Ochs Archive/Larry Hulst; 70 Getty Images/Redferns/Joe Satriani; 72-73 Rex Features; 77 Getty Images/Stringer/Roger Kisby; 79 Getty Images/Wirelmage/Kevin Mazur; 81 Rex Features/Canadian Press; 83 Getty Images/Redferns/David Redfern; 90-91 Getty Images/ Redferns /Geoff Dann; 92 Rex Features; 95 Getty Images/Stringer/Michael Ochs Archive; 97 Rex Features/George König; 101 Getty Images/Redferns/Petra Niemeier; 103 Getty Images/Stringer/Michael Ochs Archive; 104 Getty Images/Stringer/ Michael Ochs Archive; 108-109 Shutterstock; 110 Getty Images/Redferns/Fin Costello; 112 Getty Images/Redferns/Keith Bernstein; 114 Getty Images/Redferns/Dick Barnatt; 118 Rex Features/lan Dickson; 122 Getty Images/Kevin Winter; 126-127 cortesía de Fender Musical Instruments Corporation, Arizona; 131 Getty Images/Scott Legato/Film Magic; 133 Getty Images/Wirelmage/Brian Killian; 135 Getty Images/Redferns/George De Sota; 136 Corbis/Neal Preston; 141 Getty Images/Tim Mosenfelder; 143 Getty Images/Noel Vasquez; 145 Rex Features/Ville Myllynen; 147 Getty Images/Redferns/Mick Hutson; 148 Rex Features/Brian Rasic; 154-155 Fender; 157 Rex Features/Dezo Hoffman; 159 Getty Images/Hulton Archive; 161 Rex Features/ Andre Csillag; 163 Getty Images/ Redferns/lan Dickson; 165 Rex Features; 166 Getty Images/Claire R Greenway; 170-171 Shutterstock/Scoutingstock; 172 Getty Images/Redferns/Richard E. Aaron; 175 Getty Images/Frank Micelotta; 177 Getty Images/Redfers/Gary Wolstenholme; 179 Getty Images/Film Magic/Jeff Kravitz; 183 Getty Images/Redferns/Paul Bergen; 184 Getty Images/Redferns/C Brandon. FENDER® , TELECASTER® , y el diseño distintivo de estas guitarras son marcas propiedad de Fender Musical Instruments Corporation. Todos los derechos reservados. JACKSON® es una marca propiedad de Jackson/Charvel Manufacturing, Inc. Todos los derechos reservados. Gretsch® es una marca de Fred W Gretsch Enterprises, Ltd. y se usan aquí con permiso expreso por escrito.

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