Cubismo analítico

Cubismo analítico: En 1909 Braque junto a Picasso crean el cubismo analítico (1909 ( 1909-1912), 1912), en donde la pintura es casi monocroma en gris y ocre. ocre. El objetivo es examinar todas las múltiples figuras geométricas y ordenarlas por separado. Los planos en los que se descompone la figura son grandes, abiertos y comunicantes.

Las imágenes se convierten en una serie de planos de tamaño desigual, discontinuos y cortados con complejos entramados de líneas. El volumen y la profundidad de los objetos Picasso, Re trato de kahnweil er. 1910. 1910. Óleo sobre lie nzo. 100,6 x 72,8 72,8 cms. Instituto de A rtes de Chi

desparecen ante la infinidad de fragmentos en que se descomponen, a modo de cristalinos reflejos de la realidad.

910.

Los músicos, retrato y

temas son algún numerosos bodegones.

Lo que importa de ellos es el ensayo de la nueva técnica, no lo que representan. Braque. Violin and pitcher, 1910.

Pi cas so. Girl w i th the m andoli n, 1910.

Braque. Hombre con guitarra, 1911. 1911. Óleo sobre lie nzo.

La descomposición analí analítica tica de las formas, formas, plasmada con coherencia y gran libertad de fantasía .

Cubismo sintético: Es la segunda fase de la evolución teórica y plástica del Cubismo. Braque comenzó en 1912 mediante la técnica del Collage. Junto a él Picasso y  Juan Gris desarrollan de manera paralela los avances del estilo.

 Juan Gris. Guitarra y pipa, 1913.

Lo que permite el collage es pegar literalmente trocitos de realidad sobre el lienzo. Además, los trozos pegados (madera, plástico, trozos de periódico, papel de paredes, cajas de cerillas y letras recortadas, entre otros materiales) no necesitan ser coloreados ni iluminados y tampoco proyectan sombra.

Picasso. Guitarra, 1913.

Además de que se crean obras con nuevos formatos ovales. Es decir, en las esquinas se crean ciertas curvas con el fondo en negro para que parezca que la obra esta dentro de un óvalo.

Braque. Velador, 1913.

El color se vuelve mucho más fuerte y las formas mucho más decorativas debido a la introducción del collage, cumpliendo así una doble función: constituyen parte de la superficie pictórica y reciben a su vez un destino representativo en el espacio de la imagen.

Picasso. Vive la france, 1914.

Además el cubismo sintético comienza también a ser decorativista en el cual sus temas eran: Arlequines, Bodegones, Retratos y Músicos.

Constructivismo ruso: Picasso. Tres músicos, 1921.

Comienza en el año 1913 con Vladimir Tatlin influido por el cubismo de Picasso cuando va a Francia en 1913. La consecuencia inmediata, a su vuelta a Rusia, es que la Revolución adoptará y difundirá el constructivismo especialmente para aplicarlo en el diseño gráfico, logrando gran aceptación dentro y fuera del país con la ayuda de la construcción de una serie de maquetas en madera, metal, cartón y vidrio, sin referencia posible al entorno objetivo.

 Tatlin. Torre de Tatlin,1920.

Rodtchenko se une a las exploraciones escultóricas abstractas de Tatlin en 1916, Gabo y Pevsner lo hacen en 1917, mientras Exter y Popova se incorporan con la pintura.

Pevsner. Cruz anclada,1933.

La nueva imagen de la URSS incluirá carteles y afiches de propaganda para influir a la sociedad. Rodchenko. Línea, 1924.

Gabo y Pevsner publican en 1920 el Manifiesto realista, empleando por primera vez la palabra “constructivismo” para designar este movimiento, A partir de entonces se divide en dos tendencias: · Una liderada por Tatlin y Rodchenko, de carácter utilitario y se pone al servicio de la revolución en el campo de la ingeniería y del diseño.

Gabo. Cabeza de mujer, 1917-1920.

· La otra es simplemente estética defiende la libertad de creación. Lega en Europa en 1922. La representada por Kandinsky, Malevich, Gabo y Pevsner que defienden lo subjetivo en la obra de arte.

Kandinsky. Composición VIII, 1923.

Neoplasticismo: Es un movimiento estético fundado por el pintor holandés Piet Mondrian y el arquitecto-pintor Theo Van Doesburg en 1917, con su principal órgano de expresión y difusión de movimiento, la revista “De Stijl”.

Se basa en la búsqueda de un arte que trascienda la realidad externa, material y llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y universal. La intención del neoplasticismo es, con todo esto, representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una regularidad absoluta.

Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso y en la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas se irían reduciendo a sólo forma y color; yendo aún más lejos, a la oposición y el equilibrio entre la línea vertical y la horizontal coloreadas rectangularmente de diversa proporción  Theo Van Doesburg. Contracomposición V, 1924 Piet Mondrian.

(formando ángulos rectos) y los colores al negro, el blanco, el gris y los tres primarios. Características de esta corriente: Coherencia estética; que sea un movimiento inconfundible (debe haber, por tanto, un programa). Grupo anti individualista. Buscan un lenguaje formal novedoso; distinto del arte tradicional. Los elementos básicos de las obras

neoplasticistas son: Línea vertical y horizontal Colores claros y oscuros (primarios/ gris, blanco y negro) Concepto de grande y pequeño, es decir, la oposición de contrarios Ángulos rectos y grandes planos ○ ○ ○

gracias), 1917.

○

Aplicación del arte a todos los ámbitos (algo que ya pudimos ver en el movimiento modernista). “De Stijl” (El estilo) fue un movimiento integrador de las distintas artes como la arquitectura, el diseño industrial y las artes plásticas que buscaba una total renovación estética del entorno humano. En ,1917 G. Rietveld , tercer integrante de De Stijl, crea la silla roja/azul, proyectando así la estética neoplástica a tres dimensiones.

Suprematismo: Es un movimiento artístico vanguardista, que surgió en Rusia durante la guerra del 14 y fue encabezado por Kazimir Malévich, fue paralelo al constructivismo y al futurismo italiano, derivada del cubismo, en la que los elementos formales se reducen al triángulo, el cuadrado, la cruz y el círculo; los elementos cromáticos se circunscriben al rojo, negro, azul, blanco y verde.

Malévich. Suprematism, 1916

Esta tendencia defiende un arte liberado de fines prácticos y estéticos, la abstracción pura, expresada por medio de las figuras geométricas, y la abstracción total del mundo, prescindiendo de la apariencia de los objetos por encima de todo fin materialista o social. La pintura suprematista se desvincula de la naturaleza, creando una realidad original e intentaba también evitar la integración del arte en diseño e industria.

Malévich. Supremus no. 56, 1916

Un ejemplo de los límites a que lleva este tipo de arte es la obra del propio Malévich

"Cuadrado negro sobre fondo blanco", de 1913, en la que se ha prescindido completamente del color, que juntamente con “Ocho rectángulos rojos” están considerados como las obras mas típicas del Suprematismo.

Malévich. Ocho rectángulos rojos , 1915.

alévich. Cuadro negro sobre f ondo blanco, 1913.

Características: Formas puras y absolutas en la plasmación de armonías sencillas. El punto de fuga no se ubica sobre el horizonte, sino sobre el infinito. Sensaciones de movimientos y velocidad. Algunas estructuraciones complejas asimétricas, de línea y formas trapezoidales en variación constante,

generalmente ordenadas en relación con diagonales, de sensación dinámica. El pintor dotaba al blanco como transmisor de realidad, a el negro como el vínculo para hacer llegar al espectador el efecto que produce al artista, mientras que el rojo sería un color general.

De Stijl: Fue un movimiento que proclamó abiertamente la idea de espacio como principio artístico. La revista “De Stijl” (el estilo) fundada por su líder Theo Van Doesburg en la ciudad de Leiden  junto con otros artistas como Piet Mondrian , seguido de JJP Oud y Vilmos Huszard. En 1917 se publica el primer número de la revista.

Reconocía la abstracción como impulso creativo. Todas las apariencias de un mundo de sensaciones exteriores debían ser reducidas a la representación de la pura inmaterialidad, y los medios para expresar esta idea eran Malévich. Composition, 1915. el plano y el espacio .

Revista De Stijl , 1917.

La idea de espacio se convirtió en la principal preocupación del movimiento De Stijl, tanto en pintura, como en escultura y arquitectura. La pintura, aunque expresa el espacio como la extensión del plano, es realmente de naturaleza plana, por lo que los elementos de la pintura son espacio y plano. La arquitectura es una extensión del plano pictórico en tres dimensiones y está en estrecha relación con la pintura, pero sin confundirse con ella.

 Theo Van Doesburg. Composición X VIII en tres partes. 1920.

G. Rietveld & Theo Van Doesburg. Interior, 1919.

Sus obras mas representativas son la Casa Schroeder, la Silla Azul y Rojo y el Café de Unie.

Los 8 puntos del Stijl:

La arquitectura debe ser considerada como una unidad plástica constituida por todas las artes, por la industria y la técnica que den origen a la aparición de un nuevo equilibrio.

 JJP Oud. Café de U nie, 1925.

Las leyes del espacio y sus variaciones infinitas pueden conjugarse en una unidad equilibrada. Las leyes del color en el espacio y en el tiempo producen una unidad nueva.

Guerrit Rietveld. Casa Schroeder, 1924.

Las relaciones entre el espacio y el tiempo a través del color producen una nueva dimensión. Las interrelaciones entre la dimensión, proporción, espacio, tiempo y materiales deben ser válidas para formar una unidad. Eliminando los elementos de limitación se eliminan los caracteres opuestos entre el interior y el exterior.

Se le da al color en la arquitectura el lugar que le corresponde legítimamente, la pintura separada de la construcción arquitectónica no tiene razón de existir. La edad de la construcción está en su final.

Bauhaus: La escuela de la Bauhaus fue establecida en 1919 en Dessau, Alemania por un grupo de arquitectos, ingenieros, artistas y dirigida por Walter Gropius. Los ideales de este grupo eran sociales y políticos, así como estético. La primera etapa de la Bauhaus se desarrolló entre los años 1919 y 1924-25, siendo Walter Gropius su director, la segunda comprende entre 1925-30, momento en que la escuela se trasladó a Dessau, dirigida por Gropius y Hannes Meyer y la tercera entre 1930 y 1933 estuvo dirigida por Mies van der Rohe, período en el que la escuela pasó a Berlín, donde fue cerrada por los nazis.

Bauhaus. Afiche de Bauhaus, 1923.

Una característica única de su programa fue la fusión de la artesanía y los métodos de producción industrial. Artesanía se cree que es el primer paso necesario en la formación de ingenieros, arquitectos y diseñadores industriales.

Escuela Bauhaus, 1919.

Bauhaus design lounge chair, 1968.

Con estos principios básicos se puso en marcha, de manera fundamental, la producción de útiles domésticos y muebles. Los producción de la Bauhaus se alejaban mucho de la clásica ornamentación excesiva de aquel momento. Por el contrario, poseían líneas limpias y claras, formas geométricas sencillas y daban la impresión de estar hechas industrialmente y no a mano. Para lograrlo, se empezó a producir con materiales comunes y baratos como el metal, el vidrio, el cristal y la madera, entre otros para que fueran diseño atractivos para el diseño, que fueran funcionales y manteniéndolos al bajo costo de producción. Le Corbusier. LC2 armchair.

Walter Gropius. Diseño de interiores.

Durante este periodo se unieron a la Bauhaus varios diseñadores y arquitectos, los cuales luego se convirtieron en maestros. Entre los diseñadores más destacados estuvieron Walter Gropius, Mies van der Rohe (quien remplazó a Gropius en 1930 como director de la Bauhause), Wilhelm Wagenfeld, László Moholy-Nagy y Marcel Breuer. Entre los pintores que trabajaron en la Bauhaus destacan Paul Klee y Vasili Kandinsky.

Arte concreto: Este movimiento surge en Francia en 1030 por el holandés Theo Van Doesburg y es utilizado este término por primera vez en el “Manifiesto del arte concreto” publicado en el primer y único número de la revista “Art Concret” y firmado por Hélion, Carlsund, Tutundjian y Wantz. Su eslogan fue “Materiales reales, espacio real”. El manifiesto argumentaba seis puntos mediante cuales sustentaba las bases teóricas del “arte concreto”: arte calculado, lógico, que estipula la concepción de la obra “en la mente antes de sus ejecución”. Presenta además La Compositionarithmétique, obra geométrica ordenada por relaciones lógicas y deductivas.

Max Bill. Olympische Spiele Munchen, 1972.

El suizo Max Bill, ex alumno de la Bauhaus, profundiza el método objetivo de creación al utilizar tramas, módulos, series, progresiones aritméticas y geométricas. Sus teorías se difunden en América del Sur, primero en Argentina por medio de Tomás Maldonado, después por Raúl Lozza y la Asociación Arte Concreto-Invención y más tarde en Brasil.

Raúl Lozza. Pintura 153, 1948.

Características del movimiento: 

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Rechazo de toda relación con lo natural, lo objetivo y lo simbólico. Utiliza la representación de ideas abstractas en una nueva realidad de carácter universal. La expresión plástica se basa en la línea y la superficie. Empleo de elementos geométricos sencillos y creación de tensiones.

Raúl Lozza. Paneles Relieve No. 30, 1945..

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La forma tiene mas importancia que el color.

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Composiciones geométricas formando estructuras que recuerdan construcciones o arquitectura. Emplea colores planos creando efectos cromáticos de espacio y vibración plástica.

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Arte neoconcreto:

Max Bill. verdichtung zu caput m ortuum. 1972.

Ferreira Gullar. Colagem.

Liderado por Ferreira Gullar, los artistas rompen con el Concretismo. El manifiesto Neoconcreto publicado en el periódico de Brasil el 22 de marzo de 1959, con las firmas de Franz Weissmann, Almicar de Castro, Lygia Clarck, Lygia Pape, Reynaldo Jardim, Theo Spanudis y Gullar. Uno de los principales conceptos del Neoconcretismo es del organismo vivo, término que tiene origen en las teorías de Susanne Langer. Lo neoconcreto, nacido por una necesidad de expresar la compleja realidad del hombre moderno dentro del lenguaje estructura de la nueva plástica, buscó eliminar los elementos figurativos, expresivos y subjetivos del arte para sustituirlos con los criterios racionales de la geometría plana; el arte concreto quería generar nuevos conceptos visuales e investigar las relaciones óptico-sensoriales, cuyo cometido sería democratizar la forma y racionalizar el ambiente.

Sin embargo, como respuesta a estos planteamientos surgió el grupo neoconcreto. Los seguidores de este movimiento acusaron a los concretistas de limitarse a dogmas científicos y recursos gráficos en la producción artística; de ver al hombre como una máquina y de pretender, con sus obras, estimular una operación mecánica en el “ojomáquina” del espectador, a partir de efectos ópticos. A diferencia de este modelo, los neoconcretos buscaron que sus obras fueran expresivas y hablaran al “ojo-cuerpo” del público. De ahí la proposición de Ferreira Gullar: “ni objeto ni máquina, sino un cuasi-corpus”.

Lygia Pape.

Ernesto Neto es heredero del movimiento. Oscilando entre proceso y objeto, entre interior y exterior, las esculturas de Neto giran de la experimentación formal hacia formas orgánicas y el cuerpo. Emplea en sus esculturas tejido de licra translúcido, semejante a una membrana semi permeable, cuyas

Lygia Pape. Magnetised Space.

propiedades casi orgánicas lo hacen ideal para reflejar la maleabilidad de los procesos naturales.

Neo geométrico: Es una corriente artística, fundadamente Ernesto Neto.

pictórica, surgida en Estados Unidos a comienzos de los años ochenta del pasado siglo. En ella se integraron diversos autores que mostraban un acusado interés en común: el de reaccionar contra Peter Halley

Philip Taff e. Reina de la noche,1985.

las corrientes neo-expresionistas que parecían dominar en gran medidas el panorama de la pintura en aquellos momentos. Para ello, estos pintores reivindicaron el lenguaje artístico y las aportaciones que a lo largo del siglo XX habían hecho a la pintura autores como Mondrian, Malévich, Newman y Rothko y que continuaban con los planteamientos de arte minimalista, el arte conceptual y otras tendencias, todas ellas caracterizadas por el empleo común de la

abstracción concebida en cualquiera de sus formas. Pintan generalmente obras de gran formato compuestas de motivos o signos que se despegan de un fondo plano y coloreado.

Peter, Halley . 1981.

A este fin optan frecuentemente por el empleo de composiciones geométricas a base de figuras de colores planos, a veces la irregularidad de las formas es mayor, pero tienden a asociarse en grupos. Hay también retículas e color y efectos ópticos que buscan atrapar al espectador.

Peter Halley emplea composiciones que suelen ser de una absoluta sencillez, a base de cuadrados simples en los que ese superponen otras figuras o líneas verticales monocromáticas que evocan ambientes carcelarios.

Peter Halley. Casa de apartamentos, 1981.

Philip Taaffe combina motivos orgánicos y geométricos así como las formas decorativas tomadas de la historia de las artes decorativas. Se duplican y repiten las formas. Sus lienzos reivindican un carácter a la vez decorativo y meditativo. Además de la pintura, esta la escultura de Jeff Koons.

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