Catalogo 18 BAFICI

EL [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE AGRADECE EL APOYO DE LAS SIGUIENTES INSTITUCIONES

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

AGRADECIMIENTOS / thanks to Adam Batty Adriano Bruzzese Agustín Arévalo Agustina Arbetman Agustina Chiarino Agustina Romero Akemi Makado (Mirage 3D) Alain Maudet Alberto Barbera Aldo Montaño Alejandro Capato Alejandro Dramis Alessio Rigo de Righi Alex Escaleira Alicia Sanguinetti Amanda Reis Ana Poliak Andréa Dos Santos Andrés Levinson Andrés Nazarala Andrés Tambornino Angela Savoldi Anna Lewis Annamaria Lodato Argentina Sono Films Ariana Blanco Aurélie Godet Aurore Auguste Beatriz Martínez Beatriz Ventura Belén Caparrós Benjamín Domenech Bita Rasoulian Bruni Burres Camila Toker Carlo Chatiran Carlos Sorín Carlota Moseguí CDI Films Cecilia Barrionuevo Cecilia Bianchini Cecilia Chiappano Cecilia Martínez Celeste Castillo Celina Murga Celina Pla Christian Hippacher Christine Tröstrum Cinemateca INCAA Constanza Arena Cristian Bernard Cristina Moncayo Florales Daniel Alaniz Daniel Chabannes Danish Film Institute David Bisbano David Duponchel David Rooney David Schwartz Dennis Lim Desiree De Fez

Diego Batlle Diego Brodersen Diego de la Vega Diego Lerer Diego Trerotola Dolores Meijomín Ebrahim Golestan Eduardo Benítez Eduardo Crespo Eduardo Machuca Eduardo Novelli Valente Elena Duque Elías Mekler Emiliano Andrés Cappiello ENERC Esteban Echevarría Felipe Silvestre Fernando E. Juan Lima Fernando Martín Peña Fernando Paduzack Festival Ambulante FICUNAM Flavio Nardini Florian Weghorn Floriano Buono-Palamaro Gabriel Medina Gabriel Rocca Gabriel Saie Gabriela Ribeiro Gabriella Baldini Gastón Olmos Gastón Solnicki Georgina Tosi Géraldine Nouguès Gerwin Tamsma Giulia D’Agnolo Vallan Graciela Borges Graciela Silva Guido Segal Guillermo Alonso Gwen Deglise Gyula Kosice Hans Hurch Héctor Milosi Hernán Panessi Hernán Schell Horace Lannes Ilse Hughan Irene Javiesky Iván Fund Jaime Pena Jason Fletcher Javier Sisti Ripoll Jean-Pierre Rehm Jerome Paillard Joan Pons Jordan Hoffman Jorge Moragues José Martínez Suárez Josefina García Pullés Juan Duarte

Juan José Becerra Juan Lovece Juan Pablo Álvarez Juan Pablo Bava Juan Pablo Galli Juan Vera Juan Villegas Judith Prescott Juliana González Julie Bergeron Justin Chang Karen Langford Kent Jones Kim Hendrickson Laura Kuhn Leandro Listorti Leda Films Leonardo D’Espósito Leticia Jorge Lisa Kermabon Lita Stantic Lourdes Lima Lucas Garófalo Luciana Calcagno Luciano Monteagudo Maia Debowicz Manuel Antín Manuel Ferrari Marcela Cassinelli Marcela Gamberini Marcela Santiso Marcelo Alderete Marcelo Panozzo Marcos Merino María Marta Antín Marian Fernández (Festival Punto de Vista) Mariana Mutri Mariano Kairuz Mariano Valerio Marília Cristina de Meneses Marina Locatelli Marina Yuszczuk Mario Santos Mark Weber (Adler Planetarium) Martín Bielinsky Martin Pawley Martín Rejtman Martín Rodriguez Martina Pagnotta Mary Vieites Massimo Saidel Matías Capelli Max Pérez Fallik Miguel Valverde Milagros Amondaray Mora Sánchez Viamonte Morena Fernandes Nacho Viale Nadia Dresti

Natalia Toloza Nazareno Brega Ngaio Harding-Hill Nicolás Repetto Octavio Nadal Olimpia Pont-Chafer Pablo Conde Pablo Marín Pablo Medina Paolo Moretti Patagonik Patricia Barbieri Pauline Frachon Pedro Mairal Peter Popp Quintín Rasmus Brendstrup Rémi Burah Robert Koehler Robert Lloyd Robert Sawallisch (Planetarium Jena) Rodrigo Aráoz Rodrigo Areias Rodrigo Bedoya Rodrigo Moreno Rodrigo Moscoso Roger Koza Rosa Vita Pelegrin Rosana Berlingeri Rufus de Rham Santiago Calori Santiago García Santiago Giralt Santiago Loza Santiago Mitre Santiago Motorizado Santiago Palavecino Sarah Kurchak Sebastián De Caro Sena Latif Sergi Steegman Sergio Bulach Silvina Stemberger Tamae Garateguy Tom Vincent Ulises Rosell Valeria de la Cruz Valeria Pedelhez Valeria Zamparolo Vania Catani Venice International Film Festival Verónica Chen Will Massa William Pfeiffer Xavier Baert

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Para esta edición de Bafici buscamos unir lo tradicional del Festival con nuevas propuestas para que todos conozcamos el cine de nuestro país y del mundo. Propuestas relacionadas con duplicar las proyecciones gratuitas, aprovechando cada vez más los lugares que nos ofrecen los barrios de la Ciudad para verlas. Queremos que todos los ciudadanos sean espectadores de cine, por eso los estudiantes y adultos mayores tendrán más beneficios para acceder a las entradas, y esperamos que sirva como incentivo para llenar las salas. También, a través de Facebook y Twitter, los vecinos podrán elegir qué películas les gustaría volver a disfrutar. Como venimos haciéndolo hace años en la Ciudad, durante más de diez días las calles se visten de fiesta con el objetivo de traer el cine del mundo a la Ciudad de Buenos Aires. Todos los vecinos estamos ansiosos por ir a las salas a vivir la experiencia de ver una película diferente, de conocer un director nuevo o, por qué no, de recordar aquel clásico que no nos cansamos de ver. Recibiremos a invitados de todos lados para que nos compartan su trabajo y sus experiencias en el séptimo arte. También nuestros cineastas tendrán la maravillosa oportunidad de mostrar su obra a todos los continentes. Estoy convencido del poder de la Cultura para unir a las nuevas generaciones que crecieron con este Festival junto a los que venimos disfrutándolo desde hace más años. Estamos orgullosos de poder darle la bienvenida a uno de los festivales de cine más importantes de Latinoamérica.

For this edition of Bafici, our goal is to link the Festival’s tradition with new ideas, so we can all get to know local and foreign cinema. Ideas about doubling the amount of free screenings, using the places the city neighborhoods offer. We want every citizen to be a filmgoer, therefore students and senior citizens will have more benefits when purchasing tickets, and we hope that will serve as an incentive to pack the theaters. Also, through Facebook and Twitter, neighbors will be able to choose what films they want to see again. Just like we have been doing in the City for years, the streets will dress up for more than ten days to bring the world cinema to the City of Buenos Aires. We, the neighbors, are all excited to go to the theaters for the experience of seeing a different film, getting to know a new director, or, why not, remember a classic we never get tired of. We will welcome guests from all over so they can share their work and experiences in the seventh art form. Also, our filmmakers will get the wonderful opportunity to exhibit their work to every continent. I’m convinced of the power of Culture to unite new generations who grew up with this Festival, alongside those of us who have enjoyed it for many years. We’re proud of welcoming them to one of the main film festivals in Latin America.

Horacio Rodríguez Larreta Jefe de Gobierno | Ciudad Autónoma de Buenos Aires Chief of Government | Autonomous City of Buenos Aires 4

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En la 18ª edición del Bafici nuestro desafío es que nuevos espectadores de todas las edades se sientan parte del Festival. Queremos que en Buenos Aires se respire cine. Más de diez sedes estarán funcionando con la mejor programación, se proyectarán películas de altísima calidad en diferentes puntos de la ciudad, y este año estaremos presentes no solo en los circuitos habituales (salas tradicionales, centros culturales, espacios al aire libre), sino también, y muy especialmente, en barrios informales. Con esta última propuesta queremos insistir en que el arte debe formar parte de nuestras políticas de inclusión. El cine tiene que llegar a lugares de la ciudad a los que antes no lo hacía, y los vecinos deben contar con la posibilidad de formar parte de este Festival como espectadores y, además, deben verse alentados a utilizar ellos mismos esta maravillosa forma de expresión. Los invito a vivir este intenso intercambio cultural entre la Argentina y decenas de países de todo el mundo, a compartir otras experiencias de otras personas y a descubrir cómo piensan y qué sienten; a entender, con toda la potencia de este medio, lo que nos diferencia y lo que tenemos en común. En el Bafici conviven chicos y grandes, abuelos y nietos, turistas, parejas que vienen por primera vez juntos al cine, padres e hijos, maestros y alumnos. Y también nosotros, el equipo del Ministerio que está trabajando incansablemente para que esta fiesta salga a la perfección. Este año el Bafici cumple su mayoría de edad. Estos 18 años de puro aprendizaje implican una gran responsabilidad, sobre todo a la hora de cumplir con el exigente gusto de los amantes del séptimo arte y responder al entusiasmo de miles de ciudadanos.

Our challenge for this 18 th edition of Bafici is to have new film fans of all ages feeling they are all part of the Festival. We want Buenos Aires to breathe cinema. More than ten venues will be offering the best programming, great films will be screened in different points of the city, and this year we will be present not only in the traditional circuits (traditional theaters, cultural centers, outdoor venues) but also, and especially, in informal neighborhoods. With this last proposal we want to insist on the fact that art should be part of our inclusive policies. Cinema must reach the areas where it didn’t before, and neighbors should have the possibility to be a part of this Festival as viewers, and also be encouraged to use this wonderful means of expression. I invite you to experience this intense cultural exchange between Argentina and dozens of countries all over the world, share other people’s experiences, and find out how they think and what do they feel. And also understand, thanks to the power of this medium, what differentiates us as well as our common threads. Bafici is a meeting point for kids and adults, grandparents and grandchildren, tourists and couples on their first movie dates, parents and children, teachers and students. And also us, the Ministry team who is working hard to make sure this party is perfect. This year, Bafici becomes of legal age. These 18 years of learning to carry a great responsibility, especially when meeting the demanding taste of film lovers and responding to the enthusiasm of thousands of citizens.

Darío Lopérfido Ministro de Cultura | Ciudad Autónoma de Buenos Aires Minister of Culture | Autonomous City of Buenos Aires [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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El Bafici concentra en doce días –es decir, el 3,3% del año– una cantidad de películas similar a la que se estrena en los cines durante doce meses. 12 días/12 meses. Esto significa que los días del Festival tienen una concentración cinematográfica treinta veces mayor que la de cualquier otro día. Uno de nuestros objetivos conscientes es que esa oferta concentrada sea mucho menos homogénea que la de cada jueves. Cine de muchos más países para ver en salas de cine, o en pantallas al aire libre. Películas presentadas por sus directores, actores, músicos, productores. Gente que viene a charlar, a debatir, a enseñar. Películas acompañadas por muestras –no se pierdan la Galería Bafici–, conciertos, eventos especiales. El Bafici como lugar para estar el mayor tiempo posible durante esos doce días, y emplear ese tiempo para sorprenderse la mayor cantidad de veces que se pueda. Desde que el Bafici empezó, en 1999, ver películas en el hogar –y acceder a una gran variedad– se fue haciendo cada vez más sencillo. En este contexto –y casi en cualquier otro– es la obligación de un festival de cine volver a pensarse constantemente. Quizás eso sea ser parte del Bafici: preguntarnos sobre nuestra historia, incluso cuestionarla, y recuperar y reforzar nuestras virtudes pasadas. En ese sentido, por ejemplo, si el Bafici fue el lugar en el que pudimos explorar el cine de Extremo Oriente, esta edición 2016 vuelve a serlo, con una gran cantidad de títulos de ese origen. Y si vemos que hay singulares películas latinoamericanas que han circulado poco, y que podrían agruparse y formar una nueva competencia, sumamos la novedad.

Y si creemos que hace falta una renovación en la programación, nos ponemos a pensar un panorama en el que hasta se licúa la propia palabra panorama, al agrupar las películas en algunas categorías ya probadas y también en otras flamantes: más información para decidir qué ver, y más foco puesto en pensar el Festival como un menú estimulante y variado. Trabajo en el Bafici en diferentes roles desde 2001, lo hice con cuatro directores artísticos y cinco productoras diferentes, y distintos equipos en diversas zonas del Festival. Les agradezco a todos los compañeros de trabajo de estos 15 años los aprendizajes, los apuros, incluso las tensiones propias de hacer un evento de estas dimensiones. Quiero mencionar especialmente a Marcelo Panozzo y Paula Niklison por la generosa transición para una edición que comenzamos juntos bajo su gestión. Ahora, como director artístico, quiero agradecer en primer lugar la confianza de las autoridades del Ministerio de Cultura. Y muy especialmente a los programadores que continúan de años anteriores y también a los que se sumaron para trabajar en los últimos meses, los más intensos y definitorios. No solamente me han soportado, hicieron además un trabajo extraordinario y con alegría contagiosa: son Magdalena Arau, Violeta Bava, Fran Gayo, Agustín Masaedo y David Obarrio. Y Juan Manuel Domínguez en Baficito y más allá. Y a todo el equipo, en especial a Ailén Bressan y a Paloma Dema, que en sus roles de productora general y coordinadora de programación apuntalaron, sostuvieron y aguantaron mi asedio informativo desde cada madrugada. Y a las que me aguantan todos los días: Fa, Jo y Ampi.

Javier Porta Fouz Director Artístico [18] Bafici Ciudad Autónoma de Buenos Aires 6

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In twelve days –that is, 3.3% of the year– Bafici concentrates as many films as those commercially released in twelve months. 12 days/12 months. This means that Festival days carry a film concentration that is thirty times worse than any other regular day. One of our goals is that this concentrated offer can be much less homogenous than the one we get every Thursday. Films from many countries to be watched in film theaters, or outdoor screenings. Films presented by their directors, actors, musicians, and producers. People coming in to chat, debate, and teach. Films joined by exhibitions –don’t miss Bafici Gallery–, concerts, and special events. Bafici is a place where one should spend as much time as possible during those twelve days, and use that time to be surprised as many times as possible. Ever since Bafici started, in 1999, watching films at home –and accessing a great variety of them– became increasingly easier. In this context –and almost every other one– a film festival’s obligation is to rethink itself constantly. Maybe that is what being a part of Bafici means: to pose questions about our history and even question it, and both recover and strengthen our past virtues. In this sense, for example, if Bafici was a place where we could explore the cinema of the Far East, this 2016 edition will do that again, with a great deal of films from that region. And if we’ve noticed some Latin American films haven’t circulated that much and they can be grouped together into a new competition, we add that novelty. And if we think there’s need for renovation in the programming, we start to think

about a panorama in which even the word panorama itself gets liquefied, as we group films in both new and already tested categories: more information to decide which films to see, and a focus on the Festival as a stimulating and diverse menu. I’ve been working in Bafici in different roles since 2001. I did it under four artistic directors and five different producers, and different teams in different areas of the Festival. I thank all my work colleagues from these 15 years for teachings, the rushes, and even the tensions of making an event of this size. I’d like to specially mention Marcelo Panozzo and Paula Niklison for the generous transition into an edition we started together under their management. Now, as an artistic director, I’d like to acknowledge, in the first place, the trust of the Ministry of Culture authorities. And, especially, the programmers who continue from past years, as well as the ones who joined in the last months –the most intense and crucial time. They not only have stood up with me, but have also delivered extraordinary work with a contagious joy: they are Magdalena Arau, Violeta Bava, Fran Gayo, Agustín Masaedo, and David Obarrio. And Juan Manuel Domínguez, in Baficito and beyond. And the whole team, especially Ailén Bressan and Paloma Dema, who in their roles as general producer and programming coordinator respectively have supported, sustained, and endured my information siege from early hours in the morning. And those who do it every day: Fa, Jo, and Ampi.

JPF Artistic Director [18] Bafici Autonomous City of Buenos Aires [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires Jefe de Gobierno Horacio Rodríguez Larreta Vicejefe de Gobierno Diego Santilli Ministro de Cultura Darío Lopérfido Subsecretaria de Gestión Cultural Vivi Cantoni

DIRECCIÓN FESTIVALES DE BUENOS AIRES Silvia Tissembaum

GERENCIA OPERATIVA DE PRODUCCIÓN Paula Niklison

Luis Martelli Daniela Perez Klein Isabelle Siegrist

DIRECCIÓN ARTÍSTICA BAFICI Javier Porta Fouz

PRODUCCIÓN Milena Barron Ailín Bosco Natalia Colás Martín Frosio Luis Madril Xavier Mercado Martín Rea

RELACIONES INSTITUCIONALES Paz Canessa

PRODUCCIÓN GENERAL Ailén Bressan PRODUCCIÓN EJECUTIVA Luciana Saffores PROGRAMACIÓN Magdalena Arau Violeta Bava Fran Gayo Agustín Masaedo David Obarrio PROGRAMACIÓN BAFICITO Juan Manuel Domínguez COLABORACIÓN EN PROGRAMACIÓN Jaime Pena PRODUCCIÓN ARTÍSTICA Coordinación

Paloma Dema Equipo

Mónica Pérez Claudia Salcedo

GERENCIA OPERATIVA DE LOGÍSTICA Romina Marson Coordinación

Florencia Blanca Maria Ayelén Decuzzi

Coordinación

Nicolás Carnavale Asistencia

Florencia González Cascio Pablo González Dadone COORDINACIÓN TÉCNICA Pía Ruiz Luque

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Coordinación General Ministerio de Cultura

Álvaro Rufiner Coordinación de Contenidos

Sol Navedo Coordinación de Diseño Gráfico

Paula Galli Coordinación de Comunicación Digital

Equipo

Guido Della Bella

Ariel Cáceres Paula Contrera Adrián Dragonetti Abrahan Prieto Claudio Rogatti

Coordinación de Prensa

OFICINA DE INVITADOS Coordinación

Paz Canessa Denise Menache Equipo

Vera Czemerinski María Joao Machado Marina Moreira Ana Schmukler Atención al Invitado

CINE ARGENTINO

PRENSA Y COMUNICACIÓN

Gabriela Sofía Flores Camila Godoy Noelia Lencina Paula Repetto Marina Weins Interpretación en Presentaciones

Julio Fermepin Marina Lacarta Danilo Locker

Sofía Andrada Gustavo Fischer Administración, Logística y Producción

Nicole Goldszmidt Contenidos

Georgina Lima Constanza Zarnitzer Coordinación Audiovisual

Macarena Herrera Bravo Diseño de Marca

Guido Della Bella Paula Galli Diseño Gráfico

Martín Borgese Leonardo Manilow Carlus Rodríguez Diseño Editorial

Verónica Roca

Redacción de Noticias

Guillermo Pintos Traducción al Inglés

Cecilia Zabaleta Realización de Videos

Gabriel Starna - Borde Chino Fotografía

Fernando Dvoskin Equipo de Prensa

Gastón Mary Ignacio Navarro Malena Schnitzer Agostina Zaros EDICIÓN DE CATÁLOGO Y GUÍA DE PROGRAMACIÓN Micaela Berguer Javier Diz Equipo

Montserrat Callao Escalada Elena Marina D´Aquila Agustín Masaedo David Obarrio Sol Santoro D´Stefano Traducción

Agustín Mango Juan Pablo Martínez DIARIO SIN ALIENTO Edición

Juan Manuel Domínguez Redacción

Daniel Alaniz Maia Debowicz Sol Santoro D´Stefano Guido Segal Marina Yuszczuk Corrección

Montserrat Callao Escalada

Equipo

LIBROS [18] BAFICI

Cecilia Loidi Julián Villagra

Edición

Diseño Web y Programación

Traducción

Alejandro Duarte

Juan Pablo Martínez

Juan Manuel Domínguez

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staff PRODUCCIÓN COMERCIAL Andrés Mozzi Franco Orono Federico Scagliotti Cayetano Vicentini ACREDITACIONES Florencia Babouian

Martin Cámpora Laura Castro Agustín Demichelli Brenda Greco Federico Guzzetti Rocio de la Mano Conrado Negrin Federico Orlan

Asistencia

Chequeo de Fílmico

Julio Sebastián Benavides Narváez

Victoria Deluca

PROGRAMACIÓN EN SALAS Magdalena Arau Agustín Masaedo Miranda Barrón

Constanza Curia

Chequeo de DCP y Postproducción Dirección de Piso

Romina Beraldi Florencia Marconi Técnicos de sala

SUBTITULADO Y VIDEOTECA Mercedes Amorena ACTIVIDADES ESPECIALES Michelle Jacques-Toriglia Ariana Spenza Agustín Toscano DISEÑO DE ESPACIO María Carew Eugenia Garcia Castera Verónica Gilotaux GALERÍA BAFICI Coordinación y curaduría Gloria Cesar Juan Manuel Domínguez Valeria Keller Ariana Spenza

Julián Tagle

Marcelo Arias Ezequiel Azambuya Catalina Ferrari Malena Gerez Johanna Jezernicki Agustina Marquez Micaela Masetto Albertina Molares Camila Navas Belen Poviña Diego Sanchez

Asistente

Técnicos de Sala DCP

Natalia Ardissone Sofía Carmona

Raúl Fernandez

Martin Benjamin Valeria Biglier Florencia Cammillieri Sheila Dempsey Natalia Failde Georgina Giribaldi Jesica Jaimes Daniel Silva

Postproducción

Grilla

Equipo

Mercedes Arias

Yadira Díez

ÁREA DE PROYECCIÓN Coordinación General

Lucas Iaccarino Szvalb Coordinación de Formatos Digitales

Lautaro Panelo Coordinación de Sonido

Arian Frank Producción Técnica

Subtitulado

Roman Elena Tránsito Interno

Pablo Compagno Asistencia

Natalia Bianchi Proyectoristas

Julieta Alsina Lucio Arana Brian Bendersky Santiago Bilardo

TRÁNSITO INTERNACIONAL DE COPIAS Lionel Braverman Mirna Correa

Diseño gráfico

Leonardo Malinow BUENOS AIRES LAB (BAL) Dirección Agustina Costa Varsi Producción Artística

Michelle Jacques-Toriglia Asistencia

Irene Ovadia Selección Work In Progress (WIP)

Agustina Costa Varsi Bárbara Francisco Nicolás Grosso ÁREA PROFESIONAL Coordinación

Michelle Jacques Toriglia Asistencia

Irene Ovadia

INFORMES Coordinación

María Fernanda Moreira Asistencia

Noelia Cao Lisandro Outeda SALAS Coordinación

Carolina Piola Asistencia

Camila Levy Daniel Geraldina Rauwolf PREMIO DEL PÚBLICO Coordinación

María Julia Bonetto GERENCIA OPERATIVA GESTIÓN DE OPERACIONES Aída Barbara Equipo

Adriana Alonso Maximiliano Betti Ricardo Cebeiro Matías Coto Patricia Latorre Deborah Rapoport Jorge Ribezuk Paola Romanín Luca Rosa Carina Stanzione RECEPCIÓN Claudia Klappenbach SISTEMAS Eduardo Desanze

Guía del Área Profesional Corrección

Gabriela Berajá Traducción

Juan Pablo Martínez

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ÍNDICE / INDEX

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13

FUNCIÓN DE APERTURA – LE FILS DE JOSEPH OPENING NIGHT

15

FUNCIÓN DE CLAUSURA – MILES AHEAD CLOSING NIGHT

17

JURADOS / JURIES

27

COMPETENCIA OFICIAL INTERNACIONAL INTERNATIONAL OFFICIAL COMPETITION

49

COMPETENCIA OFICIAL ARGENTINA ARGENTINE OFFICIAL COMPETITION

67

COMPETENCIA VANGUARDIA Y GÉNERO AVANT-GARDE & GENRE COMPETITION

93

COMPETENCIA LATINOAMERICANA LATIN AMERICAN COMPETITION

105

COMPETENCIA OFICIAL DERECHOS HUMANOS HUMAN RIGHTS OFFICIAL COMPETITION

119

COMPETENCIA ARGENTINA DE CORTOS ARGENTINE SHORT FILMS COMPETITION

129

MUESTRA ARGENTINA DE CORTOS ARGENTINE SHORT FILMS EXHIBITION

143

NOCHES ESPECIALES SPECIAL NIGHTS

149

BAFICITO / LITTLE BAFICI

159

BAFICITO - AARDMAN / LITTLE BAFICI - AARDMAN

165

CLÁSICOS BAFICITO / LITTLE BAFICI CLASSICS

167

CINE PLANETARIO / PLANETARIUM CINEMA

173

TRAYECTORIAS / CAREERS

201

CINEFILIAS / CINEPHILIAS

223

PERSONAS Y PERSONAJES / PEOPLE & CHARACTERS

235

ARQUITECTURA / ARCHITECTURE

243

KARL-HEINZ KLOPF

249

COMER Y BEBER / EAT & DRINK

259

HACERSE GRANDE / COMING OF AGE

269

MÚSICA / MUSIC

287

PASIONES / PASSIONS

301

ARTES / ARTS

309

NOCTURNA / LATE NIGHT

325

LUGARES / PLACES

339

RESCATES / RESCUES

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351

FOCOS Y HOMENAJES / FOCUS & HOMAGES

353

PETER BOGDANOVICH

363

PAULO BRANCO

371

RICK ALVERSON

377

BOB BYINGTON

383

FABIÁN BIELINSKY

389

BRITANNIA LADO B: MARGARET TAIT BRITANNIA B-SIDE: MARGARET TAIT

395

MATTHEW BARNEY

398

NASTASSJA KINSKI

400

MIRTHA LEGRAND

402

GRACIELA BORGES

404

MICHEL LEGRAND

407

LUCILE HADZIHALILOVIC

411

LEWIS BENNETT

415

DAÏCHI SAÏTO

419

BRITANNIA LADO B: SHAKESPEARE VIVE BRITANNIA B-SIDE: SHAKESPEARE LIVES

426

GALERÍA BAFICI / BAFICI GALLERY

429

BAL

461

ÍNDICES / INDEX

462

ÍNDICE POR PELÍCULA / INDEX BY FILM

464

ÍNDICE POR DIRECTOR / INDEX BY DIRECTOR

466

ÍNDICE POR PAÍS / INDEX BY COUNTRY

ABREVIATURAS / ABBREVIATIONS D: Dirección Director

E: Edición Editing

M: Música Music

CP: Compañía prodcutora Production Company

G: Guion Scriptwriter

DA: Dirección de arte Production Design

P: Producción Producer



F: Fotografía Cinematography

S: Sonido Sound

PE: Producción ejecutiva Executive Production

I: Intérpretes / Cast

DCP: Paquete de Cine Digital Digital Cinema Package DM: Archivo Digital Digital Media

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

función de apertura / opening night

Le Fils de Joseph El hijo de Joseph Verano en París. Vincent es un adolescente que vive con su madre soltera, Marie, quien hasta ahora nunca le reveló la identidad de su padre.

Summer in Paris. Vincent is a teenager living with his single mom, Marie, who, until now, has never revealed to him the identity of his father.

Eugène Green es conocido en el Bafici desde hace más de una década. Su segundo largometraje, Le Monde vivant, estuvo en Competencia Internacional en 2004, y luego el festival programó toda su filmografía posterior. Su obra tiene un sello autoral inconfundible. Los encuadres, la manera de hablar de los personajes, los cruces con épocas diversas desde el presente. En Le Fils de Joseph, Green menta el relato bíblico para brindar una magistral comedia luminosa en la que un joven se decide a buscar a su padre. Por supuesto, su objetivo no podrá ser alcanzado de la forma prefigurada. Es que el mundo de encuadres estáticos de Green nunca fue tan vital como en este film, en el que se ríe de más de una impostura del ambiente artístico contemporáneo mientras cuenta una historia de maduración y una de amor. Todo eso y mucho más en esta demostración cabal de un artista con personalidad y en pleno uso de su talento. Javier Porta Fouz

Eugène Green has been known at Bafici for more than a decade. His second feature, The Living World, was part of the International Competition in 2004, and later, the festival programmed all of his later work, which has an unmistakable authorial mark. The compositions, the way the characters talk, the links between different periods in time from the present. In Le Fils de Joseph, Green evokes the biblical tale in order to deliver a masterful, luminous comedy in which a young man decides to look for his father. Of course, his goal cannot be accomplished in the prefigured way. Because Green’s world of static frames was never as vital as it is in this film, in which he also laughs at some impostures of the contemporary art scene while telling a story about maturing and another about love. All of that and more in this perfect display of an artist with personality and in full use of his talent. JPF

Eugène Green Nació en 1947 en Nueva York, pero se mudó a París para estudiar literatura, idiomas e historia del arte, y desde 1976 es ciudadano francés. Dirigió Le Monde vivant (2003; Bafici ‘04), Correspondences (2007), A religiosa portuguesa (2009; Bafici ‘10) y La Sapienza (Bafici ‘15), entre otras. He was born in New York in 1947, but moved to Paris to study literature, foreign-languages and art history and has been a French citizen since 1976. He directed The Living World (2003; Bafici ‘04), Correspondences (2007), A religiosa portuguesa (2009; Bafici ‘10) and La Sapienza (Bafici ‘15), among other films.

Francia / Bélgica - France / Belgium, 2016 115’ / DCP / Color / Francés - French D, G: Eugène Green F: Raphaël O’Byrne E: Valérie Loiseleux DA: Paul Rouschop S: Stéphane Thiébaut M: Adam Michna Otradovic, Emilio de Cavalieri, Domenico Mazzocchi P: Francine Jacob, Didier Jacob, Luc Dardenne, Jean-Pierre Dardenne CP: Coffee and Films, Les Films du Fleuve I: Victor Ezenfis, Natacha Régnier, Fabrizio Rongione, Mathieu Amalric, Maria de Medeiros Contacto / Contact Les Films du Losange. Marine Goulois T +33 1 4443 8710 E [email protected] W filmsdulosange.fr

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

función de clausura / closing night

Miles Ahead Miles al frente Don Cheadle reinventa la legendaria figura de Miles Davis en este biopic que se mueve con la libertad y el lirismo propios de las composiciones de uno de los músicos más influyentes de la historia del jazz.

Don Cheadle reinvents Miles Davis’ legendary figure in this biopic that moves forward with the freedom and lyricism of the compositions by one of the most influential musicians in jazz history.

Hay que entender una cosa: para Don Cheadle, que actúa, escribe, produce y dirige, Miles Davis es prácticamente Tony Stark. Su Miles Ahead es la fantasía melómana de alguien que veía en Miles a Iron Man, ya sea aquel de The Birth of Cool o el del concierto de Osaka de 1975 (el cual abre el film). Esa fascinación lleva no solo a que Cheadle sea Miles, con su carrasposa coolness de dios del Olimpo sin dinero para la coca, sino también a crear una ficción de tiros y persecuciones desde la cual se ven, con movimientos visuales pintorescos, y reales sucesos de la vida del músico de jazz (“música social”, dirá Miles). Entre esa ficción, en la que el Robin es Ewan McGregor (¡qué bien le quedan los setenta!), Cheadle crea una milesploitation enamorada, entre salvaje, sentida y borracha, que nunca osa entender al gigante. Juan Manuel Domínguez

We have to understand one thing: to Don Cheadle, who acts, writes, produces and directs, Miles Davis is practically Tony Stark. His Miles Ahead is the fantasy of a music lover who saw Iron Man in Miles, whether it’s that of The Birth of Cool or the one from the 1975 Osaka concert (which opens the film). Not only does that fascination lead Cheadle to become Miles, with the hoarse coolness of a god from the Olympus that can’t afford coke; it also leads him to create a fiction of shootouts and chases from which he covers, with picturesque visual movements, real events from the jazz musician’s life (“social music,” Miles would say). Among that fiction, where Robin would be Ewan McGregor (the ‘70s become him!), Cheadle creates a loving milesploitation that’s wild, heartfelt, drunkard, and never dares to understand the giant. JMD

Don Cheadle Nació en los Estados Unidos en 1964, y estudió en el California Institute of Arts. Actuó en numerosos films, entre ellos, Juegos de placer (1997), Traffic (2000) y Iron Man 2 (2010). Debutó como director en 2005 con la película Tishomingo Blues. He was born in the US in 1964, and studied at the California Institute of Arts. He acted in a number of films, such as Boogie Nights (1998), Traffic (2000) and Iron Man 2 (2010). He made his directorial debut with the film Tishomingo Blues.

Estados Unidos - US, 2015 / 100’ / DCP / Color Inglés - English D: Don Cheadle G: Steven Baigelman, Don Cheadle E: John Axelrad, Kayla M. Emter DA: Hannah Beachler PE: Mark Amin, Steven Baigelman, Cheryl Davis, Erin Davis, Robert Lewis I: Don Cheadle, Ewan McGregor, Emayatzy Corinealdi, Lakeith Lee Stanfield, Michael Stuhlbarg Contacto / Contact Sony Pictures in Argentina. Cecilia Chiappano E [email protected] W uip.com.ar

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jurados juries

jurado competencia oficial internacional international official competition jury

Graciela Borges Nacida en Santos Lugares, provincia de Buenos Aires, es una de las actrices más importantes de la historia del cine argentino. Desde su debut en Una cita con la vida (Hugo del Carril) participó en alrededor de cincuenta largometrajes para directores como Leopoldo Torre Nilsson, Leonardo Favio, Luis Saslavsky y Lucrecia Martel. A lo largo de su trayectoria artística ha recibido innumerables premios, además de distinciones como la de Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. Born in Santos Lugares, province of Buenos Aires, she is one of the most important actresses in the history of Argentine film. From her debut in Hugo del Carril’s Una cita con la vida, she appeared in about fifty features for such directors as Leopoldo Torre Nilsson, Leonardo Favio, Luis Saslavsky and Lucrecia Martel. Throughout her career, she has received countless awards, as well as distinctions as that of Outstanding Citizen of the City of Buenos Aires.

João Paulo Cuenca Nació en Río de Janeiro, Brasil, en 1978. Escribió cuatro novelas y una antología de crónicas. Sus libros han sido traducidos a ocho idiomas. Dos de ellos están disponibles en español: Cuerpo presente (Dakota, 2016) y El único final feliz para una historia de amor es un accidente (Lengua de Trapo, 2013). En los últimos años, escribió y dirigió obras de teatro y series de televisión. A morte de J.P. Cuenca, su primer largometraje, compite en Vanguardia y Género en este Bafici. He was born in Rio de Janeiro, Brazil, in 1978. He is the author of four novels and an anthology of chronicles. His books have been translated into eight languages. Two of them are available in Spanish: Cuerpo presente (Dakota, 2016) and El único final feliz para una historia de amor es un accidente (Lengua de Trapo, 2013). In recent years he has written and directed plays and television series. The Death of J.P. Cuenca, his first feature film, competes in this year´s AvantGarde & Genre Section.

Giulia D’Agnolo Vallan Estudió cine en la Facultad de Filosofía y Letras de Turín, Italia. Luego obtuvo un máster en Cine y Televisión de la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York. Trabajó como programadora y curadora en el Festival de Cine de Turín, del cual fue directora entre 2003 y 2006. Desde 2007 es programadora y miembro del Comité de Selección del Festival de Cine de Venecia. Participó como jurado en varios festivales de cine internacionales y escribió varios libros y ensayos sobre diversos directores. She studied film at the Faculty of Arts of Turin, Italy. Then she got a Master in Film and Television at the Tisch School of Arts at New York University. She worked as a programmer and curator at the Turin Film Festival, of which she was director between 2003 and 2006. Since 2007, she is a programmer and member of the Selection Committee of the Venice Film Festival. She participated as a jury in several international film festivals, and wrote several books and essays on many directors.

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jurado competencia oficial internacional international official competition jury

Philippe Lesage Nacido en Quebec, Canadá, estudió en la Universidad McGill de Montreal y en el European Film College de Dinamarca, donde luego fue profesor. Dirigió los documentales Pourrons-nous vivre ensemble? (2006), Comment savoir si les petits poissons sont heureux? (2009), Ce coeur qui bat (2010) y Laylou (2012). Su primer largo de ficción, Les Démons, compite en Vanguardia y Género en este Bafici. Tiene otras dos ficciones en camino: Copenhague: A Love Story y Genesis. He was born in Quebec, Canada, and studied at the McGill University in Montreal and Denmark’s European Film College, where he would later teach. He directed the documentaries Pourrons-nous vivre ensemble? (2006), How Can You Tell If the Little Fish Are Happy? (2009), The Heart That Beats (2010) and Laylou (2012). His first fiction features, The Demons, competes in Avant-Garde and Genre at this Bafici. He has other two fictions in production: Copenhague: A Love Story and Genesis.

Héctor Soto Nacido en Chile, es crítico de cine, abogado y periodista. A comienzos de los años setenta dirigió la revista Primer Plano. Fue editor de publicaciones como Mundo Diners y Enfoque, y uno de los fundadores de la revista Capital. En 2008 se unió al diario La Tercera como editor cultural y columnista cinematográfico, y desde entonces también escribe una columna política semanal. Desde hace 15 años conduce el programa radial Terapia Chilensis. En 2007 publicó el libro Una vida crítica. He was born in Chile and is a film critic, lawyer and journalist. In the early ‘70s, he directed the Primer Plano magazine. He edited such publications as Mundo Diners and Enfoque and was one of the founders of Capital magazine. In 2008, he joined the newspaper La Tercera as editor of the cultural section and film columnist, and since then has also written a weekly political column. He has hosted the radio show Terapia Chilensis for the past 15 years. In 2007, he published the book Una vida crítica.

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jurado competencia oficial argentina argentine official competition jury

Roberto Doveris Magíster en Teoría del Arte por la Universidad de Chile, en 2010 fundó la compañía productora Niño Niña Films, con la que ha dirigido más de treinta videoclips, institucionales para ONGs y varios cortos seleccionados en festivales internacionales. Actualmente se desempeña como editor general en CinemaChile, la agencia que promociona al cine chileno mundialmente. Su primer largometraje, Las plantas, resultó doblemente premiado en la última Berlinale y se exhibe en esta edición del Bafici. A master graduate in Art Theory from Universidad de Chile, in 2010 he established the production company Niña Niño Films, where he has directed more than thirty music videos, NGO videos, and several short films selected at international film festivals. Currently he works as the editor in chief for CinemaChile, the agency that promotes Chilean cinema in the world. Plants, his feature film debut, won two awards at the last Berlinale and is screened at this edition of Bafici.

Nathan Fischer Después de largos viajes por Asia, pasantías y trabajos en París y Los Ángeles en empresas como Anonymous Content y Wild Bunch, entre otras, decidió que era hora de empezar su propio negocio y, en un par de semanas y con un pequeño préstamo bancario, lanzó la distribuidora internacional de cine Stray Dogs a principios de 2015. Durante su primer año, las películas de Stray Dogs ganaron alrededor de treinta premios en festivales internacionales de cine. After extensive travels across Asia, internships and junior positions in Paris and Los Angeles at companies such as Anonymous Content and Wild Bunch, among others, he decided it was time to start his own business, and launched the international film distribution company Stray Dogs in a couple of weeks with a small bank loan in early 2015. During its first year, Stray Dogs films won around 30 prizes in international film festivals.

Paz Lázaro Coordinadora de programación de la sección Panorama de la Berlinale desde 2006 y miembro del Comité de Selección de Competencia desde 2007, integra como Experta la Junta de la Academia de Cine Europeo y ha participado como jurado en varios festivales de cine internacionales. Desde 2010 es miembro de la Comisión de Cine Español (ICAA) y ha sido curadora de otros programas como el Cine Club Español en Nueva York. También se dedicó a la producción de cine y teatro. She’s the Panorama Program Manager for the Berlin International Film Festival since 2006 and a member of the Selection Committee for Competition since 2007. She is part of the Board of the European Film Academy as an Expert and has served in juries from several film festivals. Since 2010, she has been a member of the Spanish Film Commission (ICAA) in Spain and curated other commissioned programs like the Spanish Film Club Program in NY. She has also been engaged in the production of films and plays.

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jurado competencia oficial argentina argentine official competition jury

Ross Lipman Premiado cineasta independiente, archivista y ensayista, su obra atraviesa las formas experimentales, narrativas y documentales, y converge en un corpus único de ensayos personales que cruzan múltiples plataformas mediáticas. Sus películas han sido exhibidas en todo el mundo y sus escritos fueron publicados en numerosos libros y revistas. También es considerado uno de los principales expertos mundiales en la restauración de cine independiente. He is an award-winning independent filmmaker, archivist, and essayist. His works have spanned experimental, narrative and documentary forms; in recent years coalescing in a unique body of personal essays that cross multiple media platforms. His films have screened across the globe and his writings have been published in numerous books and journals. He is also considered one of the world’s leading experts in the restoration of independent cinema.

Pola Oloixarac Es la autora de las novelas Las teorías salvajes y Las constelaciones oscuras, traducidas a siete idiomas. Escribió el libreto de ópera Hércules en el Mato Grosso, que se estrenó en el CETC del Teatro Colón y en Nueva York. Fue elegida entre los mejores narradores en español por la revista Granta, y recibió la beca nacional de Literatura del Fondo de las Artes, entre otras. Colabora con artículos sobre cultura y política para The New York Times. Es editora fundadora de Buenos Aires Review. She is the author of the novels The Wild Theories and The Dark Constellations, which have been translated into seven languages. She wrote the libretto for the opera Hercules in Mato Grosso, which opened at Teatro Colón’s CETC and in New York. She was chosen among the best narrators in Spanish by Granta magazine, and received the national scholarship in Literature from the Arts Fund, among others. She contributes with articles on culture and politics for the New York Times. She is the founder and editor of Buenos Aires Review.

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jurado competencia oficial VANGUARDIA Y GéNERO avant-garde & genre official competition jury

Pablo Conde Nació en 1973 en Burzaco, provincia de Buenos Aires, y creció en Ushuaia, Tierra del Fuego. Es cofundador del sitio web Encerrados Afuera, redactor de la revista Los Inrockuptibles y vicepresidente del Cineclub Ushuaia. Tras recibirse de montajista en la ENERC, trabajó en varios productos televisivos como editor, guionista, productor y locutor. De 2009 a la fecha, se desempeña como miembro del comité de programación del Festival de Cine de Mar del Plata. He was born in Burzaco, province of Buenos Aires, in 1973, and grew up in Ushuaia, Tierra del Fuego. He is co-founder of the website Encerrados Afuera, writes for Los Inrockuptibles magazine and is vice-president of Cineclub Ushuaia. After graduating as editor from the ENERC, he worked in many television products as editor, screenwriter, producer and announcer. From 2009 to date, he has been a member of the programming committee of the Mar del Plata Film Festival.

Daïchi Saïto Nacido en Japón, fue cofundador de Double Negative, un colectivo artístico dedicado a la exhibición y producción de cine experimental en Montreal, Canadá. Sus películas forman parte de las colecciones permanentes del Museo del Cine Austríaco y la Cinemateca Eslovena, y han ganado numerosos premios a nivel internacional, entre ellos el de Mejor Película en Ann Arbor, el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Media City y un Tiger Award en Rotterdam. Originally from Japan, he co-founded Double Negative, an artist collective devoted to the exhibition and production of experimental cinema in Montreal, Canada. His films are in the permanent collections of the Austrian Film Museum and the Slovenian Cinematheque, and have won several awards including the Best of the Festival Award at the Ann Arbor Film Festival, the Jury Grand Prize at Media City Film Festival, and the Tiger Award at the International Film Festival Rotterdam.

Penny Lane Estudio periodismo y cultura norteamericana en el Vassar College de Nueva York, EE. UU., es cineasta y, ocasionalmente, videoartista, escritora, curadora y profesora de cine, video y nuevos medios artísticos. Además de cortometrajes como The Abortion Diaries (2005), dirigió los largos documentales Our Nixon, estrenado en el Festival de Rotterdam 2013, y Nuts!, premiado en Sundance 2016. Ambos se exhiben en esta edición del Bafici. Y sí, Penny Lane es su verdadero nombre. She graduated in American Culture and Media Studies at Vassar College in New York, USA. She is a filmmaker, and occasional video artist, writer, curator and professor of film, video and new media art. In addition to short films as The Abortion Diaries (2005), she directed the documentaries Our Nixon, which premiered at the 2013 Rotterdam Film Festival and Nuts!, awarded at Sundance 2016. Both are screened at this year’s Bafici. And yes, Penny Lane is her real name.

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jurado competencia oficial LATINOAMERICANA LATINOAMERICAN official competition jury

Roger Koza Nació en 1968, es crítico de cine y miembro de FIPRESCI. Publica regularmente en La Voz del Interior, Ñ, Quid y el sitio web Con los Ojos Abiertos. También conduce el programa de televisión El cinematógrafo. Es programador del FICUNAM mexicano y de la sección Vitrina del Festival de Hamburgo, Alemania. Desde 2014 dirige el Festival Internacional de Cine de Cosquín. Fue jurado en distintos festivales internacionales e interlocutor en clases magistrales de Pelechian y Akerman, entre otros. Born in 1968, he’s a film critic and member of FIPRESCI. He publishes regularly at La Voz del Interior, Ñ, Quid and the website Con los ojos abiertos. He is also the host of a TV show, El cinematógrafo. He works as a programmer for FICUNAM, Mexico, and for the Vitrina section of the Hamburg Festival. Since 2014, he’s the director of the Cosquín International Film Festival. He was a jury member at many international festivals, and took part in master classes with Peleshyan and Akerman, among others.

Alexandra Rojo Nació en Buenos Aires en 1966 y sus padres se exiliaron en Francia en 1976. Obtuvo un máster de Cine en la Universidad de París y cursó un taller de cine documental. Realizó cortometrajes, ficciones y documentales como Raoul Ruiz, contre l’ignorance fiction!, exhibido en esta edición del Bafici. Ha enseñado en La Fémis y en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático de Estrasburgo. Actualmente es profesora de guion y puesta en escena en el máster de Cine de la Universidad de París 8. Born in Buenos Aires in 1966, her parents went into exile in France in 1976. She has a Master’s in Film by the University of Paris and attended a documentary film workshop. She made shorts, fictions and documentaries like Raoul Ruiz, contre l’ignorance fiction!, shown at this edition of Bafici. She has taught at Le Fémis and the Strasbourg conservatory. She currently teaches screenwriting and mise-en-scène at the Film Master’s of the University of Paris 8.

Che Sandoval Nació en Santiago de Chile en 1985. Debutó en el cine a los 23 años con Te creís la más linda (pero erís la más puta), tesis de graduación –exhibida en el Bafici ‘10– que se convertiría en película de culto. En 2013 dirigió Soy mucho mejor que vos, con la que obtuvo el Premio FEISAL en el Bafici de ese año y ganó la Free Spirit Competition en el Festival de Varsovia. Actualmente vive en Buenos Aires y prepara Mucha ex, poco sex, una coproducción chileno-argentina. He was born in Santiago de Chile in 1985. He made is film debut at 23 with You Think You’re the Prettiest, But You’re the Sluttiest, his thesis film –shown at Bafici ‘10– that would become a cult movie. In 2013, he directed Much Better Than You, with which he won the FEISAL Award at Bafici that year, as well as the Free Spirit Competition at the Warsaw Film Festival. He currently lives in Buenos Aires and is preparing Mucha ex, poco sex, a Chilean-Argentine co-production.

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jurado competencia derechos humanos human rights competition jury

Leticia Jorge Romero Nacida en Montevideo, Uruguay, en 1981, es guionista, directora y productora. Su primer largometraje, Tanta agua (Bafici ‘15), obtuvo varios premios internacionales y fue estrenado comercialmente en muchos países del mundo. Su nuevo proyecto, Alelí, se encuentra en fase de producción. Es docente de realización cinematográfica en la Universidad de la República y en el Instituto de Actuación de Montevideo. Desde 2015 coorganiza la muestra de cine Plano Americano. Born in Montevideo, Uruguay, in 1981, she is a screenwriter, director and producer. Her first feature, So Much Water (Bafici ’15) won many international awards and was released commercially in many parts of the world. Her new project, Alelí, is currently in pre-production. She teaches filmmaking at the University of the Republic and Montevideo’s Acting Institute. She co-organizes the film exhibit “Plano Americano” since 2015.

Joanna Lombardi Escribió y dirigió los cortometrajes De noche (2009; Mejor Corto en el CONACINE de ese año) y Una mujer (2011). En 2012, su primer largo, Casadentro, ganó el Zenit de Oro en el Festival de Cine de Montreal y también el FIPRESCI. La película se exhibió en festivales de España, India, Brasil y Suiza, entre muchos otros países. En 2014 filmó su segundo largometraje, Solos, estrenado en Rotterdam 2015 y exhibido en esta edición del Bafici. She wrote and directed the shorts De noche (2009; Best Short at that year’s CONACINE) and Una mujer (2011). In 2012, her first feature, In House won the Golden Zenith at the Montreal Film Festival as well as the FIPRESCI award. The film was shown at festivals in Spain, India, Brazil and Switzerland, among many other countries. In 2014, she made her second feature, Alone, which premiered at Rotterdam 2015 and will be screened in the current edition of Bafici.

Nicolás Prividera Nació en Buenos Aires en 1970. Es licenciado en Ciencias de la Comunicación por la UBA y egresado de la ENERC, donde actualmente se desempeña como docente. Ha ejercido también la crítica de cine, y ha dirigido dos películas: M (2007, Bafici ‘15) y Tierra de los padres (2012, mención de FIPRESCI Argentina a la Mejor Película Nacional de ese año). En 2015 publicó el libro El país del cine. Para una historia política del Nuevo Cine Argentino. He was born in Buenos Aires in 1970. He has a Bachelor’s Degree in Communication Sciences by the UBA, and graduated from the ENERC, where he currently teaches. He is also a film critic, and has directed two films: M (2007, Bafici ‘15) and Fatherland (2012, FIPRESCI Argentina mention for Best Local Film from that year). In 2015, he published the book El país del cine. Para una historia política del Nuevo Cine Argentino.

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jurado cortos argentinos argentine short films jury

Lewis Bennett Radicado en Vancouver, Canadá, ha exhibido sus documentales cómicos en festivales de cine como el TIFF, Hot Docs y Slamdance. Entre 2012 y 2013 dirigió los cortos Parrot Island, Trevor the Dinosaur, The Fat Diet, An Afternoon with Alexandra Morton, Shirley Sings, A Brief History of British Columbia, Asian Gangs y Hey Vancouver, This Is You on Craigslist. En 2015 estrenó en el SXSW su primer largo, The Sandwich Nazi. Todos sus films se exhiben en esta edición del Bafici. Based in Vancouver, Canada, he has shown his comedic documentaries at film festivals such as TIFF, Hot Docs, and Slamdance. Between 2012 and 2013, he made the short films Parrot Island, Trevor the Dinosaur, The Fat Diet, An Afternoon with Alexandra Morton, Shirley Sings, A Brief History of British Columbia, Asian Gangs, and Hey Vancouver, This Is You on Craigslist. In 2015, he premiered his feature-length debut, The Sandwich Nazi, at SXSW. All of his films are screened at this year’s Bafici.

Karl-Heinz Klopf Nacido en 1956 en Linz, Austria, estudió en la Universidad de Diseño Artístico e Industrial de esa ciudad y ahora vive en Viena. La principal preocupación de su práctica artística son las construcciones y la vida cotidiana en el ámbito urbano. Trabaja con diversos medios, como el dibujo, la fotografía, las instalaciones y proyectos en el marco de la arquitectura y el urbanismo. Realizó una docena de films, seis de los cuales se exhiben en el Foco que le dedica este Bafici. Born in 1956 in Linz, Austria, he studied at the University for Artistic and Industrial Design of that city and now lives in Vienna. The main concern of his artistic practice is constructed environments and the everyday life in the urban sphere. He works with various media, such as drawing, photography, installations and projects in the context of architecture and urbanism. He made a dozen films, six of which are screened at this Bafici’s Focus on his work.

Jazmín Stuart Egresada como directora de la Universidad del Cine de Buenos Aires, también es actriz. Luego de escribir y dirigir teatro y cortometrajes, en 2012 codirigió el film Desmadre. En 2014 filmó su segunda película, Pistas para volver a casa, protagonizada por Érica Rivas y Juan Minujín. Actualmente actúa, dirige la serie Depto para UN3TV y escribe tres películas: El cuerpo, con Gabriel Medina; Recreo, con Hernán Guerschuny; y su próximo largo en solitario, La bestia. A graduate in filmmaking from Universidad del Cine in Buenos Aires, she’s also an actress. She directed and wrote theater plays and short films, and in 2012 she co-directed the feature-length film Desmadre. In 2014 she directed her second film, Pistas para volver a casa, starred by Erica Rivas and Juan Minujin. She is currently working as an actress, directing the series Depto for UN3TV, and writing three film scripts: El cuerpo, with Gabriel Medina; Recreo, with Hernán Guerschuny; and her next solo film La bestia.

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jurados no oficiales non official juries ACCA

FIPRESCI

(Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina /

(Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica / International Federation of Film Critic) Federico Karstulovich (Argentina) Carlota Moseguí (España / Spain) Raúl Ortiz-Mory (Perú)

Argentine Film Reviewers Association) Guillermo Courau Daniel Cholakian Javier Luzi

SAE + EDA

ADF (Asociación Argentina de Autores de Fotografía Cinematográfica / Argentine Association of Cinematographers) Rogelio Chomnalez Diego Roblado Diego Russo FEISAL (Federación de Escuelas de Imagen y Sonido de Latinoamérica / Image and Sound Schools Federation of Latin America) Aldo Paparella Dolly Pussi Marcelo Trotta

(Sociedad Argentina de Editores Audiovisuales + Asociación Argentina de Editores Audiovisuales / Argentine Society of Audiovisual Editors + Argentine Association of Audiovisual Editors) Leandro Aste César Custodio Santos Anabela Latanzio SIGNIS (Asociación Católica Mundial para la Comunicación / World Catholic Association for Communication) Miguel Ángel Agüero (Paraguay) Florencia Raggi (Argentina) Elisa Vidal (Argentina)

gifs institucionales Otra de las novedades de este Bafici: los característicos cortos institucionales tendrán, esta vez, la forma de gifs animados; el resultado de la intervención de varios directores sobre su propio material. Porque lo bueno, si breve, dos veces bueno.

Another novelty in this Bafici: our typical official short films will now be shaped as animated gifs: a result of several directors’ interventions on their own material. As they say, brevity is the soul of wit.

Flavio Nardini y Cristian Bernard 76 89 03 (2000) 2º Bafici

Verónica Chen

Gastón Solnicki

Agua (2006)

Süden (2008)

8º Bafici

10º Bafici

Rodrigo Moreno, Ulises Rosell y Andrés Tamborino El descanso (2001) 3º Bafici Rodrigo Moscoso Modelo 73 (2001) 3º Bafici 26

Juan Villegas Sábado (2001) 3º Bafici Celina Murga Ana y los otros (2003) 5º Bafici Martín Rejtman Los guantes mágicos (2003) 6º Bafici Ana Poliak Parapalos (2004) 6º Bafici

Santiago Giralt, Tamae Garateguy y Camila Toker UPA! Una película argentina (2007) 9º Bafici

Iván Fund y Santiago Loza Los labios (2010) 12º Bafici

Gabriel Medina

Fabián Bielinsky

Los paranoicos (2008)

Nueve reinas (2000)

10º Bafici

18º Bafici

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competencia oficial internacional international official competition

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

international official competition

La larga noche de Francisco Sanctis Francisco Sanctis’s Long Night Adaptación de la novela homónima de Humberto Costantini, situada en Buenos Aires en 1977. Un hombre recibe, en plena dictadura, la información del paradero de dos personas buscadas por los militares. Ahora tiene la posibilidad de salvarlas, aunque eso implica arriesgar su propia vida.

An adaptation of Humberto Costantini’s homonymous novel, set in 1977 in Buenos Aires. In the midst of the dictatorship, a man receives information of the whereabouts or two people who are being searched by the military. Now he has the chance to save them, although that means risking his own life.

Esta es una película sobre decisiones bajo presión, una presión ambiente estable, sólida, que se mete en la piel, en la respiración. Un film en el que los marrones y los grises son colores presentes pero sobre todo estados de ánimo. Un relato que construye su recorrido según la progresiva toma de decisiones de su personaje principal, interpretado a la perfección por un Diego Velázquez sutil y contenido. Una apuesta arriesgada que transmite seguridad, que resuelve una adaptación literaria con modos cinematográficos llevados a cabo con aplomo. Una película argentina que transcurre en los setenta y no se preocupa por poner en primer plano las gaseosas en botellas de vidrio. La ambientación es impecable, pero no es el punto de llegada, es apenas un aspecto más de un film trabajado con seriedad, austeridad y exactitud. Javier Porta Fouz

This is a film about decisions under pressure, an ambient pressure that’s stable, solid, that enters the skin and one’s breathing. A film in which browns and grays are present colors but, above all, states of mind. A story that builds its journey in accordance to the progressive decision-making of its main character, played masterfully by a contained, subtle Diego Velázquez. A bold approach that transmits security, that solves a literary adaptation with cinematic modes carried out with aplomb. An Argentine film that’s set in the ‘70s but isn’t worried about putting glass soda bottles in the foreground. The setting is impeccable, but it’s not the finish line; just one more aspect in a film crafted with seriousness, austerity and precision. JPF

Directores / The Directors Andrea Testa nació en Buenos Aires en 1987, y estudió en la ENERC, donde realizó varios cortometrajes. Dirigió el documental Pibe chorro, que se estrenará este año. Francisco Márquez nació en Buenos Aires en 1981. Estudió en la ENERC, donde realizó varios cortometrajes. Dirigió el documental Después de Sarmiento (2014). Andrea Testa was born in Buenos Aires in 1987, and studied at ENERC, where she directed several short films. She directed the documentary feature Pibe chorro, to be released this year. Francisco Márquez was born in Buenos Aires in 1981. He studied at ENERC, where he directed several short films. He directed the documenatry feature Después de Sarmiento (2014). 28

Argentina, 2016 / 76’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Andrea Testa, Francisco Márquez F: Federico Lastra E: Lorena Moriconi DA: Julieta Dolinsky S: Abel Tortorelli P: Luciana Piantanida, Andrea Testa, Francisco Márquez PE: Luciana Piantanida CP: Pensar con las Manos I: Diego Velázquez, Laura Paredes, Valeria Lois, Marcelo Subiotto, Rafael Federman Contacto / Contact Pensar con las Manos. Luciana Piantanida T +54 9 11 3665 1937 E [email protected] W pensarconlasmanos.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial internacional

La noche The Night Un camino vertiginoso, infinito y único por todos los reveses nocturnos. Sexo, drogas y bebidas se alternan entre encuentro y encuentro, creando un continuado sin tapujos, frente a una cámara tan curiosa como audaz, que se atreve a recorrerlo todo.

A vertiginous, infinite and unique walk through every nighttime setback. Sex, drugs and drinking alternate between encounter and encounter, creating a above-board follow-on in front of a camera as curious as it is audacious, that dares to cover everything.

Extraordinaria en el sentido estricto del término, La noche exhibe una frialdad clínica y la secreta convicción de que el cine es el instrumento de lo irrepetible. El director recorre la noche para protagonizar una maratón interminable de encuentros sexuales, ingesta de drogas, alcohol y amistades casuales, y así encontrar la diferencia en el flujo incesante de una rutina que funciona como refutación y conjuro de la vida ordinaria. Las imágenes de Castro ostentan un halo de verdad y belleza insospechada que asaltan al espectador con una fuerza que la mayor parte del cine existente deja de lado, acaso por pudor o por simple falta de coraje. La cámara pegada al cuerpo, el fuera de foco y el sonido ambiente forjan un viaje impiadoso cuyo destino podría ser el encuentro fugaz con los propios fantasmas, sin epifanías ni comentario moral alguno. David Obarrio

Extraordinary in the strictest sense of the term, La noche displays a clinical coldness as well as the secret conviction that film is the instrument of the unique. The director travels the night in order to lead an endless marathon of sexual encounters, drug-taking, alcohol and casual friendships and finally finding the difference in the incessant flow of a routine that works as rebuttal and conjuring of ordinary life. Castro’s images give out an aura of unsuspected truth and beauty and assault the viewer with a strength that most films put aside, perhaps out of modesty, or maybe for lack of courage. The camera glued to the body, out-of-focus shots and ambient sound shape an impious journey whose destination could be the brief encounter with one’s own ghosts, without no epiphanies or moral commentary. DO

Edgardo Castro

Argentina, 2016 / 135’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Buenos Aires en 1970. Se ha desempeñado como director, actor y artista visual. Trabajó en cine junto a Martín Rejtman, Mariano Llinás, Diego Lerman, Albertina Carri y Alejo Moguillansky, entre otros. Es integrante fundador del Grupo KRAPP (danza-teatro) surgido en el año 2000. La noche es su ópera prima. He was born in Buenos Aires in 1970. He has worked as a director, actor and visual artist. He worked in film with Martín Rejtman, Mariano Llinás, Diego Lerman, Albertina Carri and Alejo Moguillansky, among others. He is founder of the KRAAP Group (dance-theater), which started in the year 2000. The Night is his first film.

D, G: Edgardo Castro F: Soledad Rodríguez E: Miguel de Zuviría S: Gabriel Barredo, Guillermo Lombardi, Juan Martín Jimena, Monociclo Estudio P: Florencia de Mugica, Edgardo Castro, Agustín Torre PE: Florencia de Mugica, Edgardo Castro CP: Bomba Cine, El Pampero Cine I: Dolores Guadalupe Olivares, Edgardo Castro, Federico Figari, Paula Ituriza, Willy Prociuk, Luis Leiva Contacto / Contact Bomba Cine. Florencia de Mugica T +54 9 11 5053 5821 E [email protected] W bombacine.flavors.me

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

international official competition

Viviré en tu recuerdo I Will Live with Your Memories Casi quince años después de Yo no sé qué me han hecho tus ojos, uno de sus directores reencuentra el material fílmico perdido de su primer encuentro con Ada Falcón. Una “escena muda” dispara su búsqueda por descifrar el enigma de la voz ausente, en un viaje emocional en el que el cine se convierte en un camino para desandar el tiempo.

Almost fifteen years after I Don’t Know What Your Eyes Have Done to Me, one of its directors reunites with the lost footage of their first encounter with Ada Falcón. A “silent scenes” triggers his search in order to decipher the enigma of the absent voice, in an emotional journey where film becomes a path to retrace time.

Sergio Wolf vuelve al territorio inasible de su primera película (Yo no sé qué me han hecho tus ojos) con una delicadeza y una gracia que resultan tan estimulantes como poco habituales. Viviré en tu recuerdo gira en torno a una obsesión: una escena sin sonido descartada de aquella película se convierte en el motor de esta nueva incursión del director en la vida secreta de Ada Falcón, la cantora tempranamente recluida, aislada y olvidada por todo el mundo, salvo por un puñado de estetas compulsivos. Ada ya no está entre los vivos, esas palabras faltantes se han vuelto un enigma. La película es una indagación poética sobre las posibilidades del cine a la hora de establecer el estatuto de verdad en lo que vemos en la pantalla, y le recuerda al espectador el poder de persuasión de las imágenes, ese magma sensible en el que los muertos bailan y recuperan la voz. David Obarrio

Sergio Wolf returns to the unattainable territory of his first film (I Don’t Know What Your Eves Have Done To Me) with a delicacy and grace that are both stimulating and unusual. I Will Live With Your Memories revolves around an obsession: a soundless scene discarded from that film becomes the engine for this new incursion by the director into the secret life of Ada Falcón, the early secluded and isolated singer, forgotten by everyone but a handful of compulsive aesthetes. Ada is no longer among the living, and those silenced words have become an enigma. The film is a poetic investigation on the possibilities of cinema when retrieving truth to the things we see on the screen, and reminds viewers of the power of persuasion of the image, that sensible magma where the dead dance and find their voices back. DO

Sergio Wolf Nacido en Buenos Aires en 1963, estudió comunicación en la UBA. Dirigió junto a Lorena Muñoz Yo no sé qué me han hecho tus ojos (Bafici ‘03), con Alejo Taube la trilogía documental Ritos de frontera (2002) y, en solitario, El color que cayó del cielo (Bafici ‘14). Fue programador del Bafici de 2005 a 2007, y su director artístico entre 2008 y 2012. Born in Buenos Aires in 1963, he studied communication at the UBA. He co-directed I Don’t Know What Your Eyes Have Done to Me (Bafici ‘03) with Lorena Muñoz, the documentary trilogy Ritos de frontera (2002) with Alejo Taube and, by himself, The Color Out of Space. He was a programmer at Bafici between 2005 and 2007, and its artistic director between 2008 and 2012. 30

Argentina, 2016 / 62’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish D, G, P: Sergio Wolf F: Fernando Lockett E: Hernán Rosselli S: Emilio Iglesias M: Gabriel Chwojnik PE: Gabriel Kameniecki I: Ada Falcón, Miguel Zavala, Edgardo Cozarinsky, Fernando Vega, Sabrina Grinschpun CP: FUC, El Desencanto Film, MC Producciones SRL Contacto / Contact Sergio Wolf T +54 9 11 5180 1553 E [email protected] ~ [email protected]

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial internacional

Girl Asleep Chica dormida Greta está por cumplir 15 años y no soporta dejar atrás su niñez. Pero después de su fiesta deberá encontrarse a sí misma en un mundo incomprensible, erótico y un poco violento.

Greta is about to turn 15 and can’t bear to leave her childhood behind. But after her party, she will have to find herself in an incomprehensible, erotic, somewhat violent world.

Cambiarse de escuela, hacer amigos (y enemigos) nuevos, despertar al sexo, seguir teniendo la misma familia típicamente disfuncional de siempre: temores y temblores comunes entre las chicas de 14 años de aquí y de allá, y también de la colorida Australia setentosa que inventa Rosemary Myers. Pocas óperas primas tienen tanta confianza en sus recursos como Girl Asleep, y menos todavía tantos fundamentos para esa confianza. Actores (y sobre todo actrices) en estado de gracia, coreografías multitudinarias, gags, persecuciones trepidantes, surrealismo, erotismo, la Alicia de Carroll y las criaturas de Donde viven los monstruos son algunos de los ingredientes que le dan forma, milagrosamente delicada y sutilmente profunda, al coming of age más extraordinario que van a ver este año. Agustín Masaedo

Changing schools, making new friends (and enemies), waking up to sex, retaining the same old typically dysfunctional family: fears and tremors common between 14-year-old girls here and there, and also those from the colorful ‘70s Australia invented by Rosemary Myers. Few first features have as much confidence in its resources as Girls Asleep, and fewer still have as much basis for that confidence. Actors (and, above all, actresses) in a state of grace, multitudinous choreographies, gags, frantic chases, surrealism, eroticism, Carroll’s Alice and the creatures from Where the Wild Things Are are just some of the ingredients that give a miraculously delicate and subtly deep shape to the most extraordinary coming-of-age you’ll see this year. AM

Rosemary Myers

Australia, 2015 / 77’ / DCP / Color / Inglés - English

Es la directora artística de Windmill Theatre, una galardonada compañía de artes escénicas con sede en Adelaide, en el sur de Australia. Sus créditos como directora para la compañía incluyen Pinocchio y The Wizard of Oz. She’s the artistic director of Windmill Theatre, an award winning theater company based in Adelaide, South Australia. Her director credits for the company include Pinocchio and The Wizard of Oz.

D: Rosemary Myers G: Matthew Whittet F: Andrew Commis E: Karryn De Cinque DA: Jonathan Oxlade S: Pete Best M: Harry Covill P: Jo Dyers PE: Teena Munn CP: Soft Tread Enterprises, Windmill Theatre Company I: Bethany Whitmore, Harrison Feldman, Matthew Whittet, Amber McMahon, Eamon Farren Contacto / Contact Artscope. Sata Cissokho T +33 153 349 020 E [email protected] W memento-films.com ~ girlasleepfilm.com

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PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

international official competition

Paradise! Paradise! Paradies! Paradies! ¡Paraíso! ¡Paraíso! En 1991, Kurdwin y sus padres se vieron obligados a huir de Irak. Años después, su padre enfermo decide ir a visitar a sus parientes a la ciudad de Dohuk para comprar una propiedad allí. Su hija lo acompaña, cámara en mano, mientras visitan agentes inmobiliarios y soldados en zona de guerra.

In 1991, Kurdwin and his parents were forced to flee from Iraq. Years later, his sick father decides to visit relatives in the city of Dohuk in order to buy a property there. His daughter comes along, carrying a camera, while they visit real estate agents and soldiers in a war zone.

Kurdwin Ayub registra la intimidad de un viaje junto a su padre. Visitas a la familia se alternan con paseos inmobiliarios en los que se busca el departamento ideal: la voluntad de su padre, que ya está planeando un retiro, es encontrar un lugar para finalmente regresar a ese territorio sin Estado que orgullosamente llama “patria”. Mientras se suceden los juegos entre niños, los bailes y las comidas en familia, el fantasma de una guerra sin pausa pareciera filtrarse por debajo de la puerta. Los atractivos turísticos en los que posan para una foto incluyen, casi como accidentes geográficos, los huecos que dejan las bombas al abrir el pavimento; como si a cada paso se fuese abriendo la tierra, el tour deviene en una imagen en la trinchera, tan real como las sesiones entre niños que juegan a víctimas, justicieros y verdugos, mientras la música suena fuerte y la cámara no deja de grabar. Magdalena Arau

Kurdwin Ayub captures the intimacy of a trip she made with her father. Family visits alternate with real estate tours searching for an ideal apartment: her father’s will, as he’s planning to retire, is to find a place so he can finally return to that stateless territory he proudly calls “homeland”. The ghost of an endless war seems to slip through under the door, amidst child play, dances, and family meals. The touristic attractions where they pose for photos include the holes left by gravel-breaking bombs, almost like geographic accidents. As if the earth opened up on each step of the way, the tour becomes a trench image as real as the game sessions where kids play and pretend to be victims, avengers, and murderers, while the music blasts and the camera keeps recording. MA

Kurdwin Ayub Nació en Irak y se crió en Viena. Dirigió alrededor de una docena de cortos, exhibidos en el programa que le dedicó el Bafici ‘13. She was born in Iraq and was raised in Vienna. She directed around a dozen short films that were screened in the short film program Bafici ‘13 dedicated to his work.

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Austria, 2016 / 78’ / DCP / Color / Alemán - Inglés - Kurdo Árabe / German - English - Kurdish - Arabic D, G, F, DA: Kurdwin Ayub E: Nooran Talebi S: Rudolf Potoschnig P: Rudolf Takacs, Lixi Frank PE: Lixi Frank, Rudolf Takacs CP: Rudolf Takacs & Rudolf Frank I: Kurdwin Ayub, Omar Ayub Contacto / Contact sixpackfilm. Dietmar Schwarzer T +43 1 526 0990 E [email protected] W sixpackfilm.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia oficial internacional

Je me tue à le dire Death by Death Me mato diciéndolo Este film explora la compleja relación entre una madre y su hijo hipocondríaco, que se preocupa cada vez más por su salud. Cuando a ella le diagnostican cáncer, sus vidas se convierten en una carrera para ver quién morirá primero.

The film explores the complex relationship between a mother and a hypochondriac son increasingly worried about his health. When she’s diagnosed with cancer, their lives become a race to see who will die first.

Comedia negra y en blanco y negro, Je me tue à le dire está muy lejos de usar esas características como atajo fácil y como destino limitado. Los negros y los grises son su fondo de cocción para desarrollar una película en la que los personajes importan, son seres sufrientes y gozantes. Humanos hiperbólicos que en sus intensidades, sus exageraciones y sus hipocondrías –el protagonista es una caja de resonancia peluda de estos temores– juegan sus relaciones: las de pareja y –aquí central y emocionante– la de madre e hijo. Je me tue à le dire acierta donde muchas otras películas con puntos de partida similares se resquebrajan: la sorprendente ópera prima de Xavier Seron combina el humor con la absurdidad, no anula ni se distancia de las emociones, y se constituye como una singular comedia negra sentimental. Javier Porta Fouz

A black comedy in black and white, Je me tue à le dire is far from being the kind of film that uses those features as shortcuts or a restricted goal. The black and gray tones are its melting pot for developing a film in which characters matter. They are people who can suffer and enjoy, hyperbolic humans whose intensities, exaggerations, and hypochondriac natures –the main character is a hairy sounding board for those kinds of fears– stake their relationships: their love affairs and –most especially and movingly– their mother-daughter connections. Death by Death gets it right where most films with similar starting points break down: Xavier Seron’s surprising first film combines humor with absurdity without cancelling or detaching itself from emotions, and stands as a unique sentimental black comedy. JPF

Xavier Seron Después de estudiar derecho, ingresó en el Instituto de Radiodifusión y Artes en 2001. En 2005, Nada insoluble, su película de graduación, fue premiada en numerosas ocasiones y seleccionada en el Festival de Cine de Venecia. In 2001, and after studying law, he got into the Artes Broadcasting Institute. In 2005, Nada insoluble, his thesis film, won a number of awards and was selected for the Venice Film Festival.

Bélgica / Francia - Belgium / France, 2016 / 90’ / DCP / B&N / Francés - French D: Xavier Seron P: Olivier Dubois CP: Novak Production I: Jean-Jacques Rausin, Myriam Boye Contacto / Contact Stray Dogs. Nathan Fischer T +33 65994 1284 E [email protected]

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international official competition

O espelho The Mirror El espejo Por un llamado misterioso, un hombre es impulsado a entrar en una quinta abandonada. El encuentro con una mujer desata una inquietante experiencia en la que los recuerdos y los sueños parecen exhibir un poder narcótico. Basada en el cuento anónimo de Machado de Assis.

Due to a mysterious phone call, a man is forced to enter an abandoned country house. His encounter with a woman paves the way for a disturbing experience in which memories and dreams seem to display a narcotic kind of power. Based on the story by Machado de Assis.

La película de Lima parece tallar imágenes que provienen del sueño, o de una vigilia que se comporta como si no lo fuera. Los actores parecen en trance. Los planos son de una belleza evidente y de una pertinencia que solo responde a los términos que esta película formidable ha establecido para sí; recuerdan un estado del cine en el que todo está aún por hacerse. Un hombre que sigue a una mujer puede servir como comienzo de cualquier historia –como el trazo al azar del “érase una vez”–. Con eso Lima sugiere el inicio de todas las historias, para luego ofrecerle al espectador la incertidumbre acerca del estatuto de lo narrado. La irrupción de material en Super 8 enrarece la película, se invierten los roles, lo cotidiano se vuelve extraño. O espelho devuelve imágenes de una perplejidad suprema. David Obarrio

Lima’s film seems to carve images originated in dreams, or in a state of being awake that behaves as if it wasn’t so. Actors seem to be in a trance. The shots are clearly beautiful and pertinent within the terms as this formidable film has established for itself –they remind us of a state of cinema where everything is yet to be invented. A man following a woman can serve as a beginning for every story, like the randomly brushed “Once upon a time”, Lima suggests with that the origin of every story, and then offers to the viewers the uncertainty regarding the nature of what is narrated. The irruption of Super 8 footage rarifies the film, as roles get inverted, and everyday life becomes a strange thing. The Mirror reflects images of supreme perplexity. DO

Rodrigo Lima Nació en Río de Janeiro en 1975 y se graduó como periodista. Comenzó su carrera como editor trabajando en films de Júlio Bressane como Cleopatra (2007) y Educación sentimental (2013). Dirigió el cortometraje Para Eva (2009). O espelho es su primer largometraje como realizador. He was born in Rio de Janeiro in 1975 and graduated as a journalist. He started his career as an editor working in Júlio Bressane film, like Cleopatra (2007) and Sentimental Education. He directed the short Para Eva (2009). The Mirror is his first feature as a director.

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Brasil - Brazil, 2015 / 65’ / DCP / Color Portugués - Portuguese D, G, E: Rodrigo Lima F: Pablo Hoffmann DA: Elaine Soares de Azevedo S: Damião Lopes M: Guilherme Vaz P: Julio Bressane, Bruno Safadi PE: Fernanda Romero, Jura Capela CP: TB Produções I: Ana Abbott, Augusto Madeira Contacto / Contact TB Produções. Bruno Safadi T +55 21 988 618 880 E [email protected]

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial internacional

The People Garden El jardín de las personas Protagonizada por las hermosas Dree Hemingway y Pamela Anderson, esta película cuenta la historia de Sweetpea, una actriz que viaja a Japón para reencontrarse con su novio rockero. Cuando llega se entera de que él ha desaparecido mientras filmaba un videoclip en un misterioso bosque japonés.

A film starring the beautiful Dree Hemingway and Pamela Anderson that tells the story of Sweetpea, an actress who travels to Japan to reunite with her rocker boyfriend. At her arrival, she learns he has disappeared while shooting a music video in a mysterious Japanese forest.

Sweetpea llega a Japón para encontrarse con su novio, un rockstar tan hermoso como ella. Lo espera en el aeropuerto, pero él nunca llega, y tampoco contesta sus llamadas. En su reemplazo está Mak, quien parece haber sido enviado para hacer de chofer. La conduce hasta la entrada del bosque en el que supuestamente van a encontrarse, con una cinta y un par de indicaciones como única guía. Una vez allí, la película avanza mientras Sweetpea, a tientas, trata de entender qué es lo que pasa. Hombres misteriosos que ofician de guardaparques, personas que desaparecen sin dejar huella, caminatas entre paisajes imponentes, una mujer fatal que solo alimenta sospechas: todo gravita en torno al rodaje del videoclip del artista perdido, que parece seguir en marcha como si no hubiera otra opción posible. Magdalena Arau

Sweetpea arrives in Japan to meet her boyfriend, a rockstar as beautiful as she is. She waits for him at the airport but he doesn’t show up or answers her calls. His replacement is Mak, who appears to have been sent there as a driver. He takes her up to the entrance of the woods in which they will supposedly meet, with only a ribbon and a couple of directions as reference. Once there, the film moves forward as Sweetpea blindly tries to understand what’s going on. Mysterious men working as park rangers, people disappearing without a trace, walking tours through stunning landscapes, a femme fatale who looks nothing but suspicious: everything revolves around the shoot of a music video of the lost artist, who appears to keep going as if he didn’t have a choice. MA

Nadia Litz Nació en Canadá en 1976. Estudió cine en la Universidad de Nueva York y trabajó como actriz en varios largometrajes y series de televisión. She was born in Canada in 1976. She studied filmmaking at the University of New York and worked as an actress in several films and TV series.

Canadá - Canada, 2016 / 80’ / DCP / Color Inglés / Japonés - English / Japanese D, G: Nadia Litz F: Catherine Lutes E: Simon Ennis DA: Zosia Mackenzie S: Claudia Pinto M: Dirty Bitches P: Daniel Bekerman, Coral Aiken, Jonathan Bronfman PE: Emily Alden, David Joseph Anselmo, Mark Gingras, Ethan Lazar, Heidi Levitt, Lon Molnar CP: Scythia Films, Aiken Heart Films, JoBro Productions I: Dree Hemingway, Jai West, Pamela Anderson, James Le Gros, François Arnaud Contacto / Contact Scythia Films. Daniel Bekerman. T +1 416 897 5211 E [email protected] W scythiafilms.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

international official competition

Communication & Lies So-tong-gwa geo-jit-mal Comunicación y mentiras Un hombre y una mujer con su ego herido emprenden un viaje juntos, pero al poco tiempo ella decide regresar a Seúl. Unos días más tarde, el hombre va a visitarla a su oficina y descubre que ella ya no trabaja allí.

A man and a woman with a case of low self-esteem embark on a trip together, but shortly after, she decides to return to Seoul. A few days later, the man visits her in her office and discovers she no longer works there.

No descubrimos la pólvora si afirmamos que el universo paralelo de los festivales de cine ha entrado en un proceso de autocomplacencia en el que las obras maestras se anuncian como tales casi desde el primer día de filmación. En ese contexto es una gran noticia encontrarse con una disonancia hermosa como la ópera prima de Lee Seung-won, un film de amour fou con todos los ingredientes necesarios y en dosis siempre excesivas: muerte, destrucción, deseo, traumas, mentiras, locura, sumisión, a lo que se suma una pareja protagónica en estado de gracia. Melodrama arrebatador y autodestructivo, Communication and Lies es un film con tripas de los que alejan consensos; un animal furioso e indomable que nos habla de dos barcos en llamas que se cruzan en la noche, espectáculo tan sublime como condenado al naufragio. Fran Gayo

We’re not really inventing the wheel if we say the parallel universe of film festivals has entered a self-compliance process where masterpieces are announced as such even on their very first day of shooting. In that context, it’s big news that we’ve found such a beautiful dissonance as Lee Seung-won’s debut film, an amour fou film with all the necessary ingredients in constantly excessive amounts: death, destruction, desire, trauma, lies, madness, submission, and a leading couple in a state of grace. A breathtaking, destructive melodrama, Communication and Lies is a gutsy film, one that stays away from consensus. It’s a furious untamed animal that talks to us about two flaming ships crossing each other in the night –a spectacle as sublime as it is doomed to shipwreck. FG

Lee Seung-won Dirigió varias obras de teatro y musicales. Este es su debut como realizador cinematográfico. He directed many plays and musicals. This is his debut as a filmmaker.

Corea del Sur - South Korea, 2015 / 103’ / DCP / B&N Coreano - Korean D, G: Lee Seung-won F: Ji Seung-woo E: Choi Yong-woon S: Ki Seung-pil, Lee Jong-ho P: Kim Sang-su PE: Kim Sang-su CP: Surplus Project I: Jang Sun, Kim Kwon-hoo, Kim Sun-young Contacto / Contact M-Line Distribution. Mathilda Lee T +82 2796 2427 E [email protected] W mline-distribution.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial internacional

In the Last Days of the City Akher ayam el medina En los últimos días de la ciudad En el centro de El Cairo en 2009, Khalid lucha para realizar una película que capture el alma de su ciudad mientras encara la pérdida de su propia vida. Junto a sus amigos, que le envían imágenes de sus vidas en Beirut, Bagdad y Berlín se enfrenta una región al borde del abismo filmando la dificultad y la belleza de la vida.

Downtown Cairo, 2009. Khalid is struggling to make a film that captures the soul of his city while facing loss of his own life. Together with his friends, who send him footage from their lives in Beirut, Baghdad and Berlin, he confronts a region on edge through filming the difficulty and beauty of life.

La búsqueda de un departamento con techos altos, el encuentro con la mujer amada antes de que se vaya para siempre, las visitas al hospital donde descansa mamá, el abrazo al amigo que vuelve a Beirut o Bagdad o Berlín: todas formas del adiós para Khalid, fragmentos de la despedida a una ciudad que pronto será otra, irreconocible y ajena. El Cairo, en ese invierno de 2009, está a punto de estallar aunque nadie lo sepa todavía; aunque la agitación callejera tenga más que ver con partidos de fútbol y demoliciones de edificios que con el descontento social que llevará a la Plaza Tahrir. El malestar, en todo caso, toma la forma de la incertidumbre, de una rara nostalgia del futuro y la melancolía de comprobar que las ciudades, como las personas, cambian pero siguen siendo las mismas. Agustín Masaedo

The search for an apartment with high ceilings; a meeting with the woman he loves right before she leaves forever; visits to a hospital where his mom is resting; a hug with a friend who is returning from Beirut, or Bagdad, or Berlin: for Khalid, these are all forms of goodbye, fragments of his farewell to a city that will soon change and become unrecognizable, and strange. In the winter of 2009, Cairo is about to explode even if no one knows it yet; even if the street riots are more connected with soccer matches and building demolitions than the social unrest that will lead to Tahrir Square. The unease, in any case, will take the shape of uncertainty, a weird nostalgia for the future, and the melancholy of realizing that cities, like people, change and yet remain the same. AM

Tamer El Said Nació en El Cairo, Egipto, en 1972, y en 2007 fundó la productora Zero Production. Escribió, produjo y dirigió varios cortos y el largometraje documental Take Me (2004). He was born in Cairo, Egypt, in 1972, and founded the production company Zero Production in 2007. He wrote, produced and directed several short films, as well as the documentary feature Take Me (2004).

Egipto - Egypt, 2016 / 118’ / DCP / Color Árabe - Arabic D: Tamer El Said G: Tamer El Said, Rasha Salti F: Bassem Fayad E: Mohamed Abdel Gawad DA: Salah Marei S: Victor Bresse M: Amélie Legrand P: Tamer El Said, Khalid Abdalla CP: Zero Production I: Khalid Abdalla, Laila Samy, Hanan Youssef, Maryam Saleh, Hayder Helo Contacto / Contact Still Moving. Pierre Menahem T +33 6 6208 8179 E [email protected] W stillmoving.fr ~ lastdaysofthecity.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

fuera de competencia - out of competition

international official competition

Oleg y las raras artes Oleg and the Rare Arts Incursión en el universo personal, mental y creativo de un artista único que, a sus 89 años, continúa siendo una figura enigmática para la cultura no solo rusa, sino de todo el mundo.

A foray into the personal, mental and creative universe of a unique artist who, at 89, continues being not only an enigmatic figure for Russian culture, but also for culture in general.

“En los momentos en que el reino de lo humano me parece condenado a la pesadez, pienso que debería volar como Perseo a otro espacio”. Así enuncia Calvino su propuesta por la levedad, y pareciera a la vez definir el territorio de esta película, que abraza en sus formas a los palacios y a los bosques, a las raras artes de Oleg, hechas de música y palabras, de sentidos nuevos y movimientos de aire. La cámara lo sigue por un parque. Oleg pide que encuadren un tronco talado para que pueda verse cómo supo ser su árbol; insiste con la certeza de que, conjurando lo imposible, el árbol volverá a la vida. Rara magia la de esta película: afirmación de un mundo que la cámara recorre con la misma levedad con que Oleg camina, con sus brazos cruzados, mirando a los viejos amigos de un tiempo presente y pasado. Magdalena Arau

“When the kingdom of human seems doomed to heaviness, I think I should fly like Perseus to a different space.” This is how Calvino enunciates his advocacy for levity, while appears to be defining the territory of this film, whose form embraces palaces and forests, and Oleg’s strange art, made of music and words, new feelings and air movements. The camera follows him through a park. Oleg asks the camera to frame a chopped down log so we can see the way his tree used to be –he insists with certainty that the tree will start living again by conjuring the impossible. A strange magic is present in this film: the affirmation of a world covered by the camera with the same lightness Oleg uses to walk, with his arms crossed and looking at his old friends from a present and past time. MA

Andrés Duque Nacido en Venezuela en 1972, vive y trabaja en Barcelona, España. Es licenciado en Periodismo, realizó un máster en Documental Creativo y dirigió, entre otras, Iván Z (2005), Paralelo 10 (2005), y Color perro que huye (2011). Born in Venezuela in 1972, he lives and works in Barcelona, Spain. He has a degree in journalism, did a Master’s in Creative Documentary Filmmaking and directed Iván Z (2005), Paralelo 10 (2005), and Color perro que huye (2011).

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España - Spain, 2016 / 67’ / DCP / Color / Ruso - Russian D, G: Andrés Duque F: Carmen Torres E: Félix Duque S: Boris Alexseev M, I: Oleg Karavaichuk P: Marta Andreu, Tània Balló, Serrana Torres, Luís Miñarro PE: Marta Andreu, Tània Balló, Serrana Torres CP: Intropía Media, Estudi Playtime Contacto / Contact Intropía Media, Estudi Playtime. Tània Balló, Serrana Torres, Marta Andreu T +34 637 925 405 E [email protected] ~ [email protected] W intropiamedia.com ~ playtime.cat

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial internacional

Verengo En una grabación familiar de hace casi 25 años, un niño juega con la cámara de su padre. Ya adulto, vuelve al lugar de los hechos para reflexionar sobre el efecto del paso de los años, en un espacio en el que el tiempo parece detenido. El ciclo de la vida visto por su protagonista y espectador.

In a 25 years-old home video, a kid insistently asks his dad if he can play with the camera. Once an adult, he returns to that place to reflect on how all those years that passed have affected a place where time seems to have come to a halt. The cycle of life as seen by its protagonist and spectator.

Todas las películas tienen (o deberían tener) un disparador. Tras un tiempo de haber estado viviendo alejado de su tierra, Víctor Hugo Seoane vuelve a casa y recibe de su padre un VHS en el que están registrados varios años de la vida de su familia. Ese momento, suerte de transmisión oral entre padre e hijo, pone en marcha un film de clara vocación sensual en el que la sonoridad de los diálogos, el olor del incienso en la iglesia o las manos de quien cocina son dotados de una importancia inusitada. A partir de su propia familia, a partir de los rostros de sus mayores, de las celebraciones y rituales en los que todos llevan décadas participando, Seoane logra en Verengo reconstruir (quizás deberíamos decir inventar) un mundo en el que refugiarse del implacable paso del tiempo. Fran Gayo

Every film has (or should have) a trigger. After some time living away from his homeland, Víctor Hugo Seoane returns home and receives from his father a VHS containing several years of his family life recorded. Sort of an oral transmission from father to son, that precise moment sets off a film with a clear sensual drive in which the sound of dialogues, the smell of incense in a church, or the hands of a person cooking carry an unexpected importance. Through his own family, the faces of the elderly, the celebrations and rituals they engage in year every year, Seoane’s Verengo manages to reconstruct (maybe invent is a better term) a world in which one can take shelter from the relentless passage of time. FG

Víctor Hugo Seoane Nació en Vigo, España, en 1982. Es licenciado en Comunicación Audiovisual y Humanidades. Realizó los cortometrajes Na distancia (2008), El vaivén (2019), O tempo dos nenos (2010) y Do voltar (2014). He was born in Vigo, Spain, in 1982. He majored in Audiovisual Communication and Humanities. He directed the short films Na distancia (2008), El vaivén (2019), O tempo dos nenos (2010) and Do voltar (2014).

España - Spain, 2015 / 60’ / DCP / Color & B&N Gallego / Español - Galician / Spanish D, G, F, E, S, P: Víctor Hugo Seoane PE: Isabel Seoane, Jaione Camborda, Iván Marcos CP: Grupo de Creación Vaivén, Esnatu Cinema I: Avelino Seoane, Josefa Eiró Contacto / Contact Víctor Hugo Seoane T +34 616 580 803 E [email protected]

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

international official competition

Creative Control Control creativo Un inventor crea un par de anteojos de realidad aumentada, que utiliza para engendrar un avatar de la novia de su mejor amigo. Naturalmente, su fantasía tecnológica se vuelve contra él.

An inventor creates a pair of augmented reality glasses, which he uses to build an avatar of his best friend’s girlfriend. Naturally, her technological fantasy turns against him.

Creative Control es una comedia ácida, de rasgos tenazmente marcianos, con hipsters como protagonistas filmados en blanco y negro y con una inesperada carga melancólica que parece escandirse con todo el amor del mundo sobre sus espaldas. La película se da el lujo de no tener prácticamente seres agradables en sus filas (menos entre los hombres); sin embargo, al tiempo que se convierten en monstruos más o menos atemorizantes delante del espectador, todos parecen perdidos, destinados sin remedio a la ruina o a la alienación desde el primer minuto. En la conciencia acerca de la catástrofe que acecha a los personajes, en la gracia trágica de su derrumbe, se juega una porción importante de la piedad matizada en medio de la ironía malévola que parece asomar en cada escena de esta película distinguida y feroz. David Obarrio

Creative Control is an acid comedy with rough martian features, hipsters as protagonists shot in black and white, and an unexpected melancholic charge that seems to be spread on it with all the love in the world. The film even takes the liberty to feature no likeable characters at all (especially among the men). However, as they turn into somewhat scary monsters before the viewers’ eyes, they also seem lost, hopelessly destined for ruin or alienation from the very first minute. The awareness of the catastrophe luring on the characters, and the tragic grace of its collapse, puts into play an important portion of the nuanced pity amidst an evil irony, which seems to breathe in every scene of this distinguished and ferocious film. DO

Benjamin Dickinson Debutó como director con el largometraje First Winter (2012), y luego dirigió el corto Super Sleuths (2014). He made his directorial debut with the feature First Winter (2012), and then directed the short Super Sleuths (2014).

Estados Unidos - US, 2016 / 97’ / DCP / B&N / Inglés - English D: Benjamin Dickinson G: Benjamin Dickinson, Micah Bloomberg F: Adam Newport-Berra E: Megan Brooks, Andrew Hasse DA: John Furgason S: Paul Hsu M: Dražen Bošnjak P: Craig Shilowich, Melody C. Roscher, Mark De Pace, Zachary Mortensen PE: Cameron Brodie, Greg Steward, Emily Wiedemann CP: Ghot Robot I: Benjamin Dickinson, Nora Zehetner, Dan Gill, Alexia Rasmussen Contacto / Contact Coproduction Office T +33 15 602 6000 E [email protected] W coproductionoffice.eu

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia oficial internacional

Le Nouveau The New Kid El nuevo Benoît es un chico de catorce años que abandona el campo para instalarse en París. Debe empezar desde cero en una nueva escuela, hacer nuevas amistades y, de la mano de una compañera sueca, descubrir el primer amor y las borracheras con cerveza sin alcohol.

Benoît is a 14 year-old boy who leaves the countryside and moves to Paris. He has to start from scratch in a new school, make new friends, and –together with an Swedish schoolmate– find his first love and get drunk with non-alcoholic beer.

Pocos momentos de la existencia humana han despertado una fascinación tan particular entre cineastas y guionistas como la adolescencia. De Jean Eustache a Judd Apatow, pasando por Louis Malle, Maurice Pialat o John Hughes, el cine ha intentado descifrar hasta el último signo de la pubertad como si fuese un mapa jeroglífico de nuestro propio devenir. Rudi Rosenberg se suma a esta ilustre nómina, aunque sabe que el objetivo de Le Nouveau no pasa por reinventar la historia del cine. Le basta con haber dado forma a un film que no es más que una luminosa fiesta de quince en la que, sin complejos, se celebran cosas tan festejables como los cosquilleos del primer amor o la incipiente amistad entre varones. Un film que muestra hacia sus personajes un cariño y una lealtad que, en el fondo, lo son también hacia el espectador. Fran Gayo

Few moments in human existence have fascinated filmmakers and scriptwriters as adolescence. From Jean Eustache to Judd Apatow, including Louis Malle, Maurice Pialat, or John Hughes, cinema has tried to decrypt every symbol of puberty, as if it was a hieroglyphic map of our own evolution. Rudi Rosenberg joins this illustrious list, although he knows the goal of The New Kid is not to reinvent film history. He does enough by shaping a film that stands as a luminous, simple sweet sixteenth party that celebrates positive things such as the tinglings of a first love or the incipient friendship between boys. This is a film that shows love and loyalty towards its characters, and deep down, also to the audience. FG

Rudi Rosenberg Nació en Francia en 1979. Trabajó como actor en numerosos largometrajes y dirigió los cortos 3 ans (2008) y Aglaée (2010). He was born in France in 1979. He worked as an actor in several films and directed the short films 3 ans (2008) and Aglaée (2010).

Francia - France, 2015 / 81’ / DCP / Color Francés - French D, G: Rudi Rosenberg F: Nicolas Loir E: Julie Lena DA: Sebastien Meunier S: Arnaud Lavaleix M: Jonathan Morali P: Mathias Rubin PE: Eric Zaouali CP: Récifilms, Cinefrance, D8 Films, Mars Films I: Raphael Ghrenassia, Johanna Lindstedt, Géraldine Martineau, Guillaume Cloud Rpussel Contacto / Contact Indie Sales Company. Martin Gondre T +33 144 830 227 E [email protected] W indiesales.eu/the-new-kid

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

international official competition

A Magical Substance Flows into Me Una sustancia mágica fluye hacia mí Con una cruza de ficción y documental, Manna explora las diferentes tradiciones musicales de las comunidades que viven en Jerusalén y sus alrededores, a partir de la figura del especialista judío alemán Robert Lachman y su trabajo en Palestina.

Crossing documentary and fiction, Manna explores the different musical traditions of the communities that live in and around Jerusalem with Jewish-German specialist Robert Lachman and his work in Palestine as a kick-off point.

En los años treinta, el musicólogo Robert Lachmann afirmó a través de su programa de radio que las fronteras entre la música árabe y judía son artificiales. Ocho décadas después, Jumana Manna recupera algunas de las grabaciones de campo que Lachmann usaba en su programa y visita con ellas a intérpretes de diferentes tribus y creencias: kurdos, marroquíes, samaritanos o beduinos que cruzan las reinterpretaciones de esas piezas con sus propios testimonios. El resultado –una emocionante y vital reflexión sobre la idea del hogar, de su pérdida, pero también de su utilidad como refugio contra la realidad– tiene además algo de regreso a un estado edénico, a un momento histórico que pervive más allá de las palabras de los estadistas, en los melismas de una canción transmitida de generación en generación. Fran Gayo

Back in the ‘30s, musicologist Robert Lachmann vindicated through his radio show the fact that the borders between Arab and Jewish music are artificial. Eight decades later, Jumana Manna retrieves some of the field recordings Lachmann used in his show, presenting them to musicians from different tribes and religions: Kurdish, Moroccans, Samaritans, and Bedouins, who reinterpret the pieces and also add their own testimonies. The result is a moving and vital reflection on the notion of home, its loss, and also its use as a refuge against reality. There’s also a kind of return to a paradise-like state, a historical moment that transcends the words of statesmen, in the melisma of a song that was passed on through generations. FG

Jumana Manna Nacida en Estados Unidos en 1987, es de origen palestino y vive en Berlín. Se graduó de CalArts, la Academia Nacional de Artes de Oslo y la Academia Bezalel de Arte y Diseño de Jerusalén. Sus trabajos fueron exhibidos en el Tate Modern de Londres, el Sculpture Center de Nueva York y el Kunstlerhaus Bethanien de Berlín. Born in the US in 1987, she is of Palestine origin and is established in Berlín. A graduate from CalArts, the Oslo National Academy of the Arts and Jerusalem’s Bezalel Academy of Arts and Design, her works have been shown at London’s Tate Modern, New Work’s Sculpture Center and Berlin’s Kunstlerhau Bethanien.

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Territorios Palestinos / Alemania / Reino Unido / Suecia / Australia Palestine Territories / Germany / UK / Swedeen / Australia 2016 / 68’ / DCP / Color Árabe / Hebreo / Inglés - Arabic / Hebrew / English D, G, DA, P: Jumana Manna F: Daniel Kedem E: Katrin Ebersohn, Jumana Manna S: Jochen Jezussek PE: Polly Staple I: Adel Manna, Aziza Manna, Aharon Amram, Liron Amram, Wasif Tawfiq Cahen Contacto / Contact Jumana Manna T +49 15 2596 29550 E [email protected] W jumanamanna.com

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competencia oficial internacional

Rosa Chumbe La rutina de Rosa Chumbe se verá alterada cuando su hija de 18 años le robe sus pocos ahorros y se vaya de la casa abandonando a su propio hijo. Este incidente hará que Rosa siga los pasos del Señor de Los Milagros, mientras se pierde entre el humo de incienso y el fervor de la procesión.

The routine of Rosa Chumbe will be altered when her 18-yearold daughter steels the few savings she had and leaves the house, abandoning her son. This incident will lead Rosa to follow the steps of the Lord of Miracles, while getting lost amidst incense smoke and the fervor of procession.

Lejos del trajinado formato de pocos temas, pocos tonos, pocas peripecias, poco margen de error, Jonatan Relayze Chiang hace una apuesta temeraria para el cine independiente latinoamericano. Rosa Chumbe no es atractiva, no trabaja bien, no se lleva bien con casi nadie: sobrevive a los tumbos, no cuida de los demás. Cargada de misticismo, o con un resto atávico de devoción, carga con la maldad de bajo vuelo del resentimiento y con la piel endurecida ante una realidad que parece disolverse entre alcohol, frustraciones y comida de colores. La ciudad de Lima, filmada con una mirada cruda, pero apasionada y con neones reminiscentes de Wong Kar-wai, es el marco de esta combinación de comedia negra, tragedias urbanas y posibilidades de redención. Sus asperezas son parte de su andar, de su riesgo, de su particularidad, de su manera osada de ser cine. Javier Porta Fouz

Far from the over-used format of few themes, few tones, few incidents, and a small margin of error, Jonatan Relayze Chiang makes a brave bet for Latin American independent cinema. Rosa Chumbe is not an attractive woman, she doesn’t work well, and gets along with almost no one: she bumps along through life, without taking care of others. Charged with mysticism, or an atavistic remain of devotion, she carries the low fi evilness of resentment and a skin hardened by a reality that seems to dissolve in alcohol, frustration, and colorful food. This combination of black comedy, urban tragedy, and redemption story is framed by the city of Lima, captured with a raw yet passionate eye with neon lights reminiscent of Wong Kar-wai. The film’s rough edges are part of its nature, its risk-taking attitude, its uniqueness, and its bold way of making cinema. JPF

Jonatan Relayze Chiang Nació en Lima en 1981. Ha realizado una docena de cortometrajes en 16mm y en video. Trabajó en distintas áreas en varios largometrajes peruanos y como editor de televisión para Discovery Channel. He was born in Lima in 1981. He directed a dozen short films in 16mm and video. He worked in different departments for several Peruvian films, and as an editor for Discovery Channel.

Perú - Peru, 2015 / 72’ / DCP / Color Español - Spanish D, E: Jonatan Relayze Chiang G: Jonatan Relayze Chiang, Christopher Vasquez F: Miguel Valencia DA: Aaron Rojas S: Rosa María Oliart P: Eliana Illescas PE: Eliana Illescas CP: Yin Zhang Films I: Liliana Trujillo, Cindy Díaz, Alejandro Romero Contacto / Contact Yin Zhang Films. Jonatan Relayze Chiang T +34 912 920 081 E [email protected] W rosachumbe.com

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international official competition

John From Rita tiene 15 años y pasa el verano entre cálidas tardes de amor adolescente y noches de fiesta junto a su amiga Sara. Desde Portugal hasta el Pacífico Sur, los placeres de esta rutina darán un giro cuando la joven visite la exposición de un nuevo vecino en el centro de la comunidad local.

Rita is 15 and spends the summer between warm afternoons of teenage love and party nights with her friend Sara. From Portugal to the South Pacific, the pleasures of this routine will take a turn when the young girl visits the art show of a new neighbor in the local community.

Nada de lo que nos ofrece esta película va por los carriles que imaginamos ante el esqueleto argumental. João Nicolau despliega varias líneas que se van fortaleciendo en una singular sinergia: el seguimiento de Rita (encuadres y ángulos que realzan la belleza fulgurante de Júlia Palha), la acumulación de pequeños gestos que descentran las acciones de los personajes (un diálogo, una actitud de absurda elegancia, como ocurría en el cine de João César Monteiro), y la introducción progresivamente mayor de la fantasía en el mundo cotidiano. La excentricidad de John From nos confirma que se pueden contar historias conocidas y rarificarlas para hacerlas no accesibles sino encantadoras. Que sea un universo sin maldad y sin cinismo le permite también, en una musicalización brillante, darle el mejor uso posible a la lambada. Javier Porta Fouz

What this film offers has nothing to do with what we would imagine from the plot outline. João Nicolau puts different storylines on display, which grow stronger in a unique synergy: the follow-up Rita (framings and angles that highlight Júlia Palha’s stunning beauty), the accumulation of small gestures that put the characters’ actions off-center (a line of dialogue, an attitude of absurd elegance, as in João César Monteiro’s films), and the increasing insertion of fantasy in the everyday world. The eccentricity of John From confirms us that one can tell well-known stories and rarefy them not to turn them into something inaccessible, but into something charming. The fact that its universe lacks meanness and cynicism also allows it to make great use of the Lambada through some brilliant musicalization. JPM

João Nicolau Nació en Lisboa, Portugal, en 1975. Estudió antropología, y además es director, actor, montajista y músico. Dirigió numerosos cortometrajes, como Rapace (2006; Bafici ‘09), Song of Love and Health (2009), The Gift of Tears (2012), Wild Haggis (2013) y un largometraje de ficción, The Sword and the Rose (2010; Bafici ‘11). He was born in Lisbon, Portugal, in 1975. He studied anthropology and is also a director, actor, editor and musician. He directed several short films, such as Rapace (2006; Bafici ‘09), Song of Love and Health (2009), The Gift of Tears (2012), Wild Haggis (2013) and the feature-length fiction The Sword and the Rose (2010; Bafici ‘11).

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Portugal / Francia - Portugal / France, 2015 / 98’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese D: João Nicolau G: João Nicolau, Mariana Ricardo F: Mário Castanheira E: Alessandro Comodin, João Nicolau DA: Bruno Duarte S: Miguel Martins M: João Lobo P: Luís Urbano, Sandro Aguilar PE: Luís Urbano CP: O Som e a Fúria, Shellac Sud I: Júlia Palha, Clara Riedenstein, Filipe Vargas, Leonor Silveira, Adriano Luz Contacto / Contact O Som e a Fúria. Luís Urbano T +351 213 582 518 E [email protected] W osomeafuria.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

fuera de competencia - out of competition

competencia oficial internacional

Illegitimate Ilegitim Ilegítimo Un comentario disparado en medio de un almuerzo desemboca en una severa discusión familiar que parece socavar la confianza de los participantes de modo irreversible.

A comment in the middle of lunch leads to a severe family argument that seems to sabotage its members’ trust irreversibly.

Al igual que en Hooked, su ópera prima que compitió en Bafici en 2009, Sitaru plantea un dilema moral. En realidad muchos, que se potencian, se solapan, se licuan, se recomponen y se descomponen. Pocos cineastas contemporáneos pueden hacer películas como Illegitimate, con esta crudeza y valentía, con la propuesta de diversión aterradora de acompañar a estos personajes en sus montañas rusas íntimas. Sitaru nos mete en la mesa familiar y nos lleva a una guerra de inaudita violencia que cambia de dirección, que parece hacer ganar a cada uno alternativamente, pero es una mera ilusión. Las discusiones y reacciones furiosas y pasionales entre padres, hijos y hermanos de esta familia increíble –pero filmada con convincente realismo– son la base de una comedia negra que no tiene miedo de hacer volar todo por los aires. Javier Porta Fouz

Just like in Hooked, his first feature that competed in Bafici 2009, Sitaru lays out a moral dilemma. Actually, lots of them, which nurture, overlap, liquefy, recompose and decompose each other. Few contemporary filmmakers can make films like Illegitimate, with such rawness and courage, and the scarily fun idea of joining these characters in their intimate roller coasters. Sitaru takes us into family dinners and leads us to an incredibly violent war that changes its direction, with each side alternatively finding victory, but that’s just an illusion. The furious, passionate discussions and reactions of parents, children, and siblings in this incredible –yet realistically filmed– family are the basis for a black comedy that’s not afraid of blowing everything up in the air. JPF

Rumania / Polonia / Francia - Romania / Poland / France, 2016 88’ / DCP / Color / Rumano - Romanian

Adrian Sitaru Estudió dirección de cine en Bucarest, y debutó como realizador en 2008 con el largometraje Hooked, al que le siguieron Best Intentions (2011) y Domestic (2012). He studied filmmaking in Bucarest, and made his debut as a filmmaker in 2008 with the feature Hooked, followed by Best Intentions (2011) and Domestic (2012).

D: Adrian Sitaru G: Alina Grigore, Adrian Sitaru F: Adrian Silisteanu, Alexandru Timosca E: Mircea Olteanu, Theo Lichtenberger DA: Elena Manea S: Ioan Filip, Dan-Stefan Rucareanu P: Anamaria Antoci PE: Yohann Cornu, Stanislaw Dziedzic, Klaudia Smieja CP: Domestic Film, Film Produkcja, Damned Films I: Adrian Titieni, Bogdan Albulescu, Cristina Olteanu, Alina Grigore, Robi Urs Contacto / Contact Versatile. Alexandre Moreau T +33 176 216 168 E [email protected] W versatile-films.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

international official competition

The Revolution Won’t Be Televised La revolución no será televisada Cuando el presidente de Senegal se postula para ser reelegido en 2011, luego de dos mandatos, los raperos Thiat y Kilifeu inician una revolución por la democracia. Rama Thiaw registra los conflictos entre la música y la política, la calle y el Estado.

When the president of Senegal runs for reelection in 2011 after two mandates, rappers Thiat and Kilifeu start a revolution for democracy. Rama Thiaw captures the conflicts between music and politics, the street and the State.

El relato de una campaña electoral, y de otra más. Protagonistas: músicos y políticos. Rap, hip hop y consignas contra la reelección indefinida. Senegal, un país con mayoría de población joven, y un presidente que quiere envejecer (aún más) en el cargo. The Revolution Won’t Be Televised está en movimiento constante: es un documental hecho a lo largo de los años, con una dedicación estremecedora, lúcida, cercana. Manifestaciones, detenciones policiales, protestas, conciertos. Despertarse para ir a votar luego de haber dormido al aire libre. Esta es una película que transcurre mayormente en la calle, pero cuando se detiene y se refugia en la intimidad sigue con una energía extraordinaria. La directora Rama Thiaw tiene el extraño mérito de extraer de una realidad llena de conflictos una película cargada de futuro y, a su modo, también optimista. Javier Porta Fouz

The account of an election campaign, and another one. The protagonists: musicians and politicians. Rap, hip hop and slogans against an indefinite reelection. Senegal, a country with a majority of young population, and a president who wants get old(er) in his position. The Revolution Won’t Be Televised is in constant motion: it’s a documentary made throughout the years, with a dedication that is heartrending, lucid, close. Demonstrations, arrests, protests, concerts. Waking up and going to vote after having slept outdoors. This is a film that takes place mostly on the street, but when it stops and finds shelter in intimacy, it continues to have extraordinary energy. Director Rama Thiaw has the strange merit of extracting from a conflict-infused reality a film full of future and, in its own way, also optimistic. JPF

Rama Thiaw Nació en Nouakchott, Mauritania, en 1978. Estudió cine y economía en París, y dirigió el documental Boul Fallé: The Wrestling Way (2009). She was born in Nouakchott, Mauritania, in 1978. She studied film and economy in Paris and directed the documentary Boul Fallé: The Wrestling Way (2009).

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Senegal / Francia - Senegal / France, 2016 / 110’ / DCP / Color / Wolof / Francés - Wolof / French D, DA, G, P: Rama Thiaw F: Amath Niane E: Axel Salvatori-Sinz, Rama Thiaw S: Xavier Thibauld M: Keur Gui CP: Boul Falle Images, Vrai-Vrai Films Contacto / Contact Boul Falle Images. Rama Thiaw T +22 1 77 394 55 02 E [email protected]

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial internacional

Hedi Inhebbek Hedi Hedi se toma la vida como viene. Permite que su autoritaria madre organice su casamiento y que su jefe lo envíe de viaje en la misma semana en que festeja su boda. Allí conoce a la organizadora de actividades de un hotel y, por primera vez, se ve obligado a tomar una decisión.

Hedi takes life as it comes. He allows his authoritarian mother to organize his wedding, and also agrees to be sent on a trip by his boss on the week of the wedding. There, she meets the activity organizer of a hotel and, for the first time, is forced to make a decision.

Con un casting soberbio y la inmensa performance de Majd Mastoura en el rol protagónico, el planteo del film –si bien puede sonar clásico– resulta novedoso en el cine tunecino: después de años de noviazgo y con el casamiento arreglado por parte de las familias de los novios, una semana antes de la boda, Hedi se ve en la disyuntiva de seguir la tradición (la ley) o su propio camino, el del deseo. De un lado está la madre de Hedi, quien resulta ser la gran orquestadora de la vida familiar y siempre tiene como ejemplo al hermano mayor, quien ha hecho todo bien. Del otro, Rim, la mujer de la que Hedi, en uno de sus viajes de trabajo, se enamora, la que él elige y con la que vive una verdadera relación. Todas y cada una de las decisiones de dirección son aquí aciertos que dan como resultado una ópera prima extraordinaria, sorprendente y conmovedora. Violeta Bava

Featuring a superb cast and an immense performance by Majd Mastoura in the lead role, the film’s idea –as classic as it may sound– is new in Tunisian cinema: after years of being together with his girlfriend and with their marriage arranged by both families, Hedi is faced with the choice of following tradition (and law) or rather follow his own path –the one of desire. On one side, there’s Hedi’s mom, who turns out to be the great conductor of family life and is always citing his older brother as an example, since he did everything good. On the other, there is Rim, the woman Hedi falls in love with in one of his work trips –she’s the one he has chosen, and with whom he has a real relationship. Every single decision by the filmmaker here is right, and results in an extraordinary, surprising, and moving debut film. VB

Mohamed Ben Attia

Túnez / Bélgica / Francia / Qatar / Emiratos Árabes Unidos Tunisia / Belgium / France / Qatar / UAE, 2016 / 89’ / DCP / Color / Árabe - Arabic

Nació en Túnez en 1976, y estudió comunicación audiovisual en Francia. Dirigió cinco cortometrajes, entre ellos Selma (2013). He was born in Tunisia in 1976 and studied audiovisual communication in France. He directed five shorts, including Selma (2013).

D, G: Mohamed Ben Attia F: Frederic Noirhomme E: Azza Chaabouni, Ghalya Lacroix, Hafedh Laaridhi DA: Mohamed Denguezli S: Jean-Sebastien Garbe M: Omar Aloulou P: Dora Bouchoucha Fourati PE: Lina Chaabane Menzil, Delphine Tomson CP: Nomadis Images I: Majd Mastoura, Rym Ben Messaoud, Sabah Bouzouita, Omnia Ben Ghali, Hakim Boumessaoudi Contacto / Contact Luxbox. Anne Sophie Trintignac T +33 742 2612 E [email protected] W www.luxboxfilms.com

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competencia oficial argentina argentine official competition

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Crespo (La continuidad de la memoria) Crespo (The Persistence of Memory) Tras la muerte de su padre, Eduardo Crespo decide viajar para filmar la película que tenía planeado hacer con él sobre la ciudad de Crespo, la avicultura y la relación que los unía. La cámara recorre los mismos espacios, a través de la memoria colectiva y personal.

After the death of his father, Eduardo Crespo decides to travel in order to make the film he had planned to do with him about the city of Crespo, poultry farming, and the relationship between them. The camera goes through the same places, through collective and personal memory.

Crespo es una ciudad situada en la provincia de Entre Ríos, pero también es el apellido del responsable de esta película, que hace de las repeticiones inopinadas, la intervención del azar y la recurrencia de la memoria su materia prima y razón de ser. El director dedica la película al recuerdo de su padre recientemente fallecido. Las imágenes indagan en las sombras flotantes de ese hombre súbitamente añorado, como si el hijo auscultara las oscilaciones del dolor dentro de sí mismo, para comprender al padre pero también lo que lo rodeaba: sus libros, los más variados objetos que juntaba con extraña veneración, sus amistades, su viuda, el propio pueblo cuyo nombre replicaba. Crespo, la película, es una pieza conmovedora de amor filial y una aproximación al poder de evocación de las imágenes. David Obarrio

Crespo is a city located in the Entre Ríos province, but is also the last name of the person who made this film, which uses unexpected repetitions, chance, and the recurrence of memory as its prime matter and reason to be. The director dedicates the film to the memory of his father, who recently passed away. The images dive into the floating shadows of that man who is suddenly missed, as if his son was auscultating the oscillations of his own pain in order to understand both his father and the things that lived around him: his books, the diverse objects he collected with a strange veneration, his friends, his widow, and the town with the same name as him. Crespo, the film, is a moving piece of filial love and a poetic investigation on the evocating power of images. DO

Eduardo Crespo

Argentina, 2016 / 65’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish

Nació en Entre Ríos, Argentina, en 1983. Dirigió varios cortos, entre ellos, Amaina (Bafici ‘10) y el largometraje Tan cerca como pueda (2012). Ha trabajado como productor, montajista, director de fotografía y guionista. He was born in Entre Ríos, Argentina, in 1983. He directed several short films, including Amaina (Bafici ‘10) and the feature-length film Tan cerca como pueda (2012). He worked as a producer, editor, cinematographer, and scriptwriter.

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D, F, P: Eduardo Crespo G: Eduardo Crespo, Santiago Loza, Ariel Gurevich E: Lorena Moriconi S: Guido Deniro PE: Constanza Sanz Palacios I: Mali Seri, Clarita Laferrara, Mirta Holzhus, Jorge Gieco, Osvaldo Chiappesoni Contacto / Contact Eduardo Crespo T +54 9 11 5410 1649 E [email protected] W facebook.com/crespofilm

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial argentina

Crimen de Las Salinas The Crime of Las Salinas Un hombre de 77 años se casa con una mujer de 33. Tres años después, ella, con la ayuda de su hermano, lo asesina. Cinco años más tarde, el Tribunal Superior de Justicia de Córdoba los condena a cadena perpetua. El film elabora diferentes puntos de vista para obtener otra mirada del caso que conmovió a un pueblo.

A 77-year-old man marries a 33-year-old woman. Three years later, she murders him with the help of her brother. Five years later, Córdoba’s Court of Law sentences them to a life in prison. The film builds up many points of view in order to achieve an new look on the case that upset a town.

Según el censo de 2010, San José de las Salinas, en el norte cordobés, tenía 662 habitantes. En esa cuenta ya no estaba Ramón Cáceres, que cinco años antes había muerto a manos de su esposa y su cuñado: el único crimen de toda la historia del pueblo. Se habían casado en secreto cuando Cáceres tenía 77 y ella 33. El caso ocupó algún espacio en la prensa (más que nada por el insólito papel de un burro en su esclarecimiento) y luego fue olvidado. Afortunadamente no por Distéfano, que hizo uno de los documentales más rigurosos, lúcidos y atentos –tanto a los detalles del paisaje como a lo que dicen sus entrevistados– del cine argentino reciente. Crimen de Las Salinas trasciende la crónica policial para armar, aunque en el film siempre sea de día, el retrato inquietante de no pocas oscuridades. Agustín Masaedo

According to the 2010 census, San José de las Salinas, on the north of the Córdoba province, had 662 inhabitants. That sum no longer included Ramón Cáceres, who had died at the hands of his wife and brother-in-law five years before: the only crime in that town’s history. They had gotten married in secret when Cáceres was 77 and she was 33. The case was covered by the press (mainly because of the unbelievable part played by a donkey in its solving) and was later forgotten. Fortunately, Distéfano didn’t, and made one of the most rigorous, lucid, attentive –to details of the landscape and also to what his interviewees say– Argentine documentaries in recent history. Crimen de Las Salinas transcends the news story and builds up, even though in the film it’s always daytime, the disturbing portrait of quite a few obscurities. AM

Lucas Distéfano

Argentina, 2016 / 63’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Buenos Aires en 1965. Estudió en el Instituto Superior de Arte Fotográfico de Avellaneda y asistió a los talleres de guion dictados por José Martínez Suárez. Ha obtenido diversos premios del FNA y del Fondo de Cultura de Buenos Aires. Dirigió el mediometraje Ballena blanca y los cortos Un poco de rigor y Una muerte inútil. He was born in Buenos Aires in 1965. He studied at Avellaneda’s Instituto Superior de Arte Fotográfico and attended José Martínez Suarez’s screenwriting workshop. He won many awards from the FNA and Buenos Aires’ Culture Fund. He directed the mid-length Ballena blanca and the shorts Un poco de rigor and Una muerte inútil.

D, G, DA, P: Lucas Distéfano F: Alejandro Tarraf E, M: Diana Cardini S: Sebastián Durán PE: Lucas Distéfano, Alejandro Tarraf, Alberto Balazs CP: Vientocine, El Otro Lado Films I: Bety Rodríguez, Antonio Bustos, Norma Barreto, Marcelo Rinaldi, Luis González Contacto / Contact Vientocine. Leonardo Cauteruccio T +54 11 4797 9132 E [email protected] W vientocine.com ~ facebook.com/crimendelassalinas

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

El invierno llega después del otoño Winter Comes After Autumn Pablo pasa el otoño entre libros usados, celulares ilegales, fiestas, cocaína y llamadas equivocadas. Su ex novia, Mariana, disfruta del invierno mientras divide sus días entre los exámenes universitarios, dealers de drogas duras, azarosos reencuentros con parejas amigas y un nuevo novio.

Pablo spends autumn among second-hand books, illegal cell phones, parties, cocaine, and wrong calls. His ex-girlfriend, Mariana, enjoys the winter while splitting her days between college exams, dealers of hard drugs, random meetings with couples she is friend’s with, and a new boyfriend.

Librerías, desgrabaciones de charlas, ediciones y presentaciones de libros, comentarios sobre artículos periodísticos, venta de celulares, fiestas diversas. El ambiente porteño de jóvenes con ocupaciones que orbitan alrededor del cine, la literatura y el periodismo en una película texturada de Nouvelle Vague, que desde su mismo título anuncia socarronamente su mirada, una que mantiene la distancia y a la vez exhibe un conocimiento cabal del ambiente y sus tics sin dar lugar a condescendencia ni burla alguna. Los personajes dudan, se equivocan, arremeten a destiempo, disfrazan sus temores y sus pasiones de conversaciones y conversaciones sobre conversaciones. Malena Solarz y Nicolás Zukerfeld encontraron un singular tono de calidez nada invasiva para hacer este retrato múltiple, tan alejado de las estridencias como indeclinablemente narrativo. Javier Porta Fouz

Bookstores, conference transcripts, book editions and presentations, commentaries on newspaper articles, cell phone sales, parties. A film with a Nouvelle Vague texture, featuring the Buenos Aires scene of young people with jobs in film, literature, and journalism. Its title is a sarcastic announcement of its perspective, which stays at a distance while shows a thorough knowledge of that environment and its clichés, yet never enabling any kind of condescendence or mockery. Characters doubt, they make mistakes, they disguise their fears and passions with conversations, and conversations about conversations. Malena Solarz and Nicolás Zukerfeld have found a singular tone –warm and not invasive– to make this multiple portrait, as distant to stridency as it is relentlessly narrative. JPF

Nicolás Zukerfeld Nació en Buenos Aires en 1982. Dirigió varios cortometrajes, entre ellos, Escenas sobre la muerte de los niños (Bafici ‘09). He was born in Buenos Aires in 1982. He directed several short films, including Escenas sobre la muerte de los niños (Bafici ‘09).

Malena Solarz Nació en Buenos Aires en 1982 y dirigió una de las secciones de A propósito de Buenos Aires (2006). She was born in Buenos Aires in 1982, and directed one of the portions of A propósito de Buenos Aires (2006).

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Argentina, 2015 / 90’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Nicolás Zukerfeld, Malena Solarz F: Fernando Lockett E: Manuel Ferrari DA: Verónica Balduzzi S: Nicolás Payueta P: Rogelio Navarro PE: Rogelio Navarro CP: Fidelia Cine, Punto y Línea I: Marina Califano, Guillermo Masse Contacto / Contact Fidelia Cine. Rogelio Navarro T +54 11 3110 5446 E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial argentina

El teorema de Santiago Santiago’s Theorem En 1969 el cineasta argentino Hugo Santiago dirigió Invasión, su ópera prima, con guion de Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares, y luego emigró definitivamente a Francia. Esta película documenta su regreso a Buenos Aires en 2013 para filmar su última película, El cielo del centauro.

In 1969 Argentine filmmaker Hugo Santiago directed Invasión, his opera prima, written by Jorge Luis Borges and Adolfo Bioy Casares, and later settled in France. This film documents his return to Buenos Aires in 2013 to shoot his latest film, Le ciel du centaure.

Hugo Santiago es un director real, que incluso presentó su película El cielo del centauro en la apertura del Bafici pasado. Pero, a la vez, es un director mítico; el que tuvo de guionistas a Borges, Bioy y Saer, el que convirtió a Buenos Aires en Aquilea pero nunca dejó de pensar, desde afuera, en esa ciudad. El teorema de Santiago es un ensayo ambicioso sobre la preparación, el rodaje y finalmente la presentación de El cielo del centauro. Hay referencias múltiples, admiraciones, mapas, pensamiento constante sobre cine –un texto de David Oubiña es especialmente brillante– y también constante ubicación de Santiago como padre cinematográfico, carismático y sabio. Tributo y crónica, El teorema de Santiago es una película que con su elaborada estructura simula resolver misterios mientras entrega otra sentida declaración de amor a Buenos Aires y piensa cómo contar esta y otras historias porteñas. Javier Porta Fouz

Hugo Santiago is a real director, who even premiered his film Le ciel du centaur at the Bafici opening last year. But he’s also a mythical filmmaker, who had Borges, Bioy, and Saer as scriptwriters, and turned Buenos Aires into Aquilea but never stopped thinking about that city from a distance. El teorema de Santiago is an ambitious essay on the preparation, shooting, and premiere of Le Ciel du centaur. There are multiple references, admirations, maps, constant thinking about cinema –a particularly brilliant text by David Oubiña– and a constant positioning of Santiago as a cinematographic father with charisma and wisdom. A tribute and a chronicle, El teorema de Santiago is a film with an elaborated structure that pretends to solve mysteries, delivering yet another moving declaration of love for Buenos Aires and thinking about a way to tell this and other city stories. JPF

Ignacio Masllorens Nació en Buenos Aires en 1973, y estudió diseño de imagen y sonido de la UBA. Dirigió los films Hábitat (2013) y Martín Blaszko III (2011). He was born in Buenos Aires in 1973, and studied image and sound design at the UBA. He directed Hábitat (2013) and Martín Blaszko III (2011).

Estanislao Buisel Nació en Buenos Aires en 1979. Estudió psicología y cine. Dirigió el largometraje Barroco (2013). He was born in Buenos Aires in 1979. He studied psycology and filmmaking. He directed the film Barroco (2013).

Argentina, 2015 / 96’ / DCP / Color / Español / Francés Spanish / French D, G, E: Ignacio Masllorens, Estanislao Buisel F: I. Masllorens, E. Buisel, A. Mendilaharzu, J. Herrera DA: J. Cuerell S: M. Canosa M: C. Debussy, P. M. Dubois, G. P. Telemann P: G. Lozano, E. Busiel, I. Masllorens PE: A. Llambí Campbell, F. Brom, E. Buisel, I. Masllorens CP: El Rayo Verde, La Unión de los Ríos I: Hugo Santiago, Mariano Llinás, Laura Citarella, Gustavo Biazzi, David Oubiña Contacto / Contact El Rayo Verde. Ignacio Masllorens T +54 11 5317 6353 E [email protected] W elrayoverde.jimdo.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Finding Sofia Alex es un cineasta que vive en Brooklyn. Uno de sus cortos animados se hizo viral y ahora intenta probar que puede hacer algo más que videos divertidos. En ese camino, viaja hacia Argentina a conocer a Sofia, una muchacha con la que comenzó una relación virtual.

El título bien podría haber sido Lost in Translation: estamos ante personajes que se pierden en la traducción. El enamorado –infatuado– estadounidense que no habla español y que viene a Argentina a buscar a Sofia porque lo flechó alguna coincidencia en el intercambio simbólico de Internet. El pintor recalcitrante que no habla inglés y lo rechaza, y cree que resiste. Y los usos y costumbres que en cualquier intento de pareja son, claro, pérdidas en la traducción y posible ganancia en la diferencia; la base de tantas comedias románticas en un ejemplar de alta velocidad y recursos diversificados sobre un chico que viene a conocer a una chica. A su modo una épica de conquista, Finding Sofia es también una película que se ríe de los modos de producción y circulación del arte o lo que sea que se mueve como tal, online y offline. Javier Porta Fouz Nico Casavecchia Nació en Argentina. Algunos de sus cortos son Buildings & Vampires y Salesman in the Mirror. En 2013 su cortometraje A Boy and His Atom, hecho en colaboración con científicos de IBM y creado a partir del movimiento de moléculas de monóxido de carbono, fue reconocido por el libro Guinness como el film más pequeño del mundo. Born in Argentina. Some of his shorts are Buildings & Vampires and Salesman in the Mirror. In 2013, his short A boy and His Atom, made in collaboration with IBM scientists and created by moving carbon monoxide molecules, was recognized by the Guinness Book of World Records as the smallest film in the world.

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Alex is a filmmaker living in Brooklyn. One of his animated shorts went viral and now he’s trying to prove that he can do more than funny videos. While doing so, he travels to Argentina to meet Sofia, with whom he started a virtual relationship.

The title might as well have been Lost in Translation: here we have characters who get lost in their languages. The American infatuated lover who doesn’t speak Spanish and travels to Argentina in search of Sofia, because he fell in love with some coincidence in the symbolic exchange they had online. The obstinate painter who doesn’t speak English and rejects it, believing he’s resisting. And the common uses and habits in every inspiring couple, which are, yes, losses in translation and potential winnings thanks to those differences. The grounds for so many romantic comedies are here in a high-speed sample with diverse resources, about a young man who comes to meet a girl. A pick-up epic in its own way, Finding Sofia is also a film that laughs about the forms of production and circulation of art, or whatever moves around –online and offline– acting as such. JPF

Argentina / Estados Unidos - Argentina / US, 2016 / 105’ / DM / Color / Inglés / Español - English / Spanish D, G: Nico Casavecchia F: Eloi Moli E: Lynn Hobson DA: Ana Cambre S: Animal Music M: Animal Music P: Andrew Geller PE: Serge Patzak, Sam Penfield, Arvind Palep CP: 1st Avenue Machine I: Sam Huntington, Andrea Carballo, Sofía Brihet, Rafael Spregelburd Contacto / Contact 1st Avenue Machine. Nico Casavecchia T +1 917 648 2655 E [email protected] W 1stavemachine.com ~ findingsofia.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial argentina

Hierba Cuatro personajes sobre la hierba evocan, a modo de calco, a la célebre pintura de Manet. Homenajeando al cine silente, Raúl Perrone realiza una indagación sobre las posibilidades del deseo.

Four characters lying in the grass evoke Manet’s famous painting. In this homage to silent film, Raúl Perrone inquires into the possibilities of desire.

La que quizá sea la apuesta más radical de Perrone es también una de sus películas más hermosas e inasibles. Un cuadro de Manet es el fondo sobre el que se mueven los personajes en la primera escena, como si las criaturas pintadas cobraran vida y se independizaran en un gesto de rebeldía y también de perplejidad. Si la película parece oscilar entre las nociones de libertad, deseo velado y amor gentil montadas en un dispensario de imágenes y actitudes de las pinturas de fines del siglo XIX, el trabajo sobre el sonido, los primeros planos y el corte abrupto remiten a vanguardias olvidadas sobre las que Perrone vuelve con una perseverancia de alquimista. La belleza de los colores, la pantomima dolorosa de los actores y el destilado de asombro e ingenuidad que se desprenden de Hierba sugieren que la maestría del director es inagotable. David Obarrio

What is perhaps Perrone’s most radical enterprise is also one of his most beautiful and elusive films. A painting by Manet is the background for the characters in the first scene, as though the painted creatures came to life and became independent in an act of rebellion and, also, perplexity. If the film seems to oscillate between notions of freedom, veiled desire and gentle love mounted on a dispensary of images and attitudes form late-19 th century paintings, the way sound is used, the close-ups and the abrupt cuts refer to forgotten vanguards Perrone goes back to with the perseverance of an alchemist. The beauty of the colors, the painful pantomime of the actors and the display of amazement and naiveté in Hierba suggest that the director’s mastery is inexhaustible. DO

Raúl Perrone

Argentina, 2015 / 65’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Ituzaingó, provincia de Buenos Aires en 1952. Gran parte de su vasta filmografía se exhibió en el Bafici, como Tarde de verano (‘06), La Navidad de Ofelia y Galván y Canadá (‘07; premio a Mejor Director en la Competencia Argentina), 180 grados (‘09), Los actos cotidianos (‘10), P3nd3jo5 (‘13) y Ragazzi (‘15). He was born in Ituzaingó, province of Buenos Aires, in 1952. Most of his vast filmography was shown at Bafici, including Tarde de verano (‘06), La Navidad de Ofelia y Galván and Canadá (‘07; Best Director Award from the Argentine Competition), 180 grados (‘09), Los actos cotidianos (‘10), P3nd3jo5 (‘13), and Ragazzi (‘15).

D, G, E, S: Raúl Perrone F: Raúl Perrone, Alejandro González, Iván Moskovich, Martín Farina PE: Pablo Ratto CP: Les Envies Que Je Te Desire, Trivial Media I: Dulce Huilen Azul, Guilermo Quinteros, Evelyn Cazal, Néstor Gianotti, Oscar Purita Contacto / Contact Trivial. Pablo Ratto T +54 9 11 5117 1969 +54 11 4837 9529 W trivialmedia.com.ar

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Juan Meisen ha muerto Juan Meisen Is Dead La desaparición de Juan permite recorrer la historia de cada uno de los integrantes de un grupo de amigos. Con un leve tono de comedia y cotidianidad, este drama intenta reflejar el inconsciente colectivo de una generación de jóvenes madrynenses.

The disappearance of Juan is an excuse to tell the story of each member of a group of friends. With a slight, everyday comedic tone, this drama tries to reflect the collective unconscious of a generation youngsters from the city of Puerto Madryn.

Situada en Puerto Madryn y lejos del avistaje de ballenas, esta ópera prima presenta a una generación joven y lugareña bastante desprogramada, viviendo el día a día, y sin mucho proyecto por delante. Con un casting que combina actores profesionales con no actores, el film, que destaca por su trabajo de dirección, da cuenta de las distintas relaciones interpersonales en un grupo de amigos: sus romances, celos, competencias, noviazgos, peleas y desengaños, entre grandes momentos de humor –construidos a base de diálogos memorables– y otros en los que aparece una mirada crítica para pensar serias cuestiones generacionales y coyunturales. Consecuente con la perspectiva propuesta a lo largo del relato, y tal como título lo preanuncia, la película le reserva a Juan, el joven protagonista, un dramático desenlace. Violeta Bava

Set in Puerto Madryn and far from whale watches, this first feature presents a carefree generation of locals living the day-today, without many projects ahead of them. With a cast that combines professional and non-professional actors, the film, which stands out for the way it’s directed, tells of the different interpersonal relationships among a group of friends: their romances, jealousy, competitiveness, courtships, fights and disappointments, articulating great moments of humor –built from some memorable dialogue– with others of a sharp tone, in which a critical point of view appears to reflect on serious generational and contextual issues. Consistent with the perspective brought forward throughout its narrative, and as the title foreshadows, Juan, the young protagonist, will face a dramatic outcome. VB

Felipe Bergaño Nació en Buga Valle del Cauca, Colombia, en 1990. Terminó sus estudios en la Universidad del Cine como profesor de dirección cinematográfica. Juan Meisen ha muerto es su primer largometraje como realizador. He was born in Buga Valle del Cauca, Colombia, in 1990. He finished his studies at the Universidad del Cine as professor in filmmaking. Juan Meisen Is Dead is his first feature as a director.

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Argentina / Colombia, 2016 /80’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Felipe Bergaño F: Nicolás Vallejo E: Daniela Benedetti DA: Estefania Riosa, Victoria Luro S: Gonzalo Komel P: Alexan Sarikamichian CP: Universidad del Cine, Magenta Films, Viento a Favor I: Benjamín Coelho, Sofía Brito, Federico Mosquera, Luci Bogado, Pilar Firdman Contacto / Contact Magenta Films. Juan Diego Puentes, Nicolás Vallejo T +54 11 3666 2681 E [email protected] W facebook.com/juanmeisenhamuerto

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia oficial argentina

Las lindas The Pretty Ones Melisa y sus amigas debaten acerca de lo que implica ser mujer. Pero estos relatos se contraponen con la experiencia de la directora y protagonista, reconstruida a partir de imágenes de archivo personal que desnaturalizan con humor los mandatos y tabúes de cada género.

Melisa and her friends debate on what means to be a woman. But these stories contrast to the director and protagonist’s, reconstructed from the personal archive footage that distort the genre’s mandates and prohibitions with humor.

En su ópera prima, Melisa Liebenthal pone en juego su archivo personal de fotos y videos, de su niñez y su adolescencia, para revisarlo en el presente desde una perspectiva de género. Aparece allí, con buen sentido del humor, una mirada aguda y crítica acerca de los comportamientos y las relaciones del grupo íntimo de amigas, la moda y los looks adoptados en cada momento, las canciones y las coreografías, los amoríos y los desengaños. En medio de todo este mundo teen, la directora pone el acento en cómo se prefigura un modelo de mujer al que pareciera que hay que responder de acuerdo con cierta expectativa social. Con gracia, astucia y gran espíritu lúdico, este trabajo autobiográfico pone en evidencia por qué esos modelos no necesariamente se condicen con los procesos personales más propios y genuinos. Violeta Bava

On her first film, Melisa Liebenthal throws in her personal archive of pictures and videos from childhood and adolescence, in order to review it from the present day through a gender perspective. With a good sense of humour, the film features an acute and critical view of the behaviours and relationships within an close group of friends, as well as their temporary looks, songs and choreographies, their love stories and heartbreaks. In that teenage world, the director stresses the way in which a certain notion of women forms should seemingly be met according to a certain social expectation. With grace, wit, and a very playful spirit, this autobiographical piece sheds a light on the way those role models doesn’t necessary match personal and more genuine evolutions. VB

Melisa Liebenthal Nació en Buenos Aires en 1991. Estudió dirección de cine en la FUC, donde actualmente prepara su tesis de graduación. Actualmente trabaja como editora y distribuidora de cortometrajes, y ha realizado los cortos Airportness (2010) y Alegría del hogar (2013). Esta es su ópera prima. She was born in Buenos Aires in 1981. She studied filmmaking at the FUC, where she is currently preparing her graduation thesis. She currently works as a short film editor and distributor, and directed the short films Airportness (2010) and Alegría del hogar (2013). This is her first film.

Argentina, 2016 / 77’ / DCP / Color & B&N Español - Spanish D, G: Melisa Liebenthal F: Lucas Pérez Sosto E: Sofía Mele, Melisa Liebenthal S: Marcos Canosa M: Ángeles Otero P: Eugenia Campos Guevara PE: Eugenia Campos Guevara I: Josefina Roveta, Victoria D’Amuri, Sofía Mele, Camila Magliano, Michelle Sterzovsky, Melisa Liebenthal Contacto / Contact T +54 9 11 6003 0320 E [email protected] W facebook.com/laslindaspelicula

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Mi último fracaso My Last Failure Cecilia, una joven coreano-argentina, está realizando un documental. A partir de su relación con sus amigas coreanas, irá descubriendo de qué manera las distintas identidades culturales determinan la vida de las personas en su aspecto más íntimo: sus relaciones sentimentales.

Cecilia, a young Korean-Argentinian woman, is making a documentary. Through her relationship with her Korean friends, she will discover how the different cultural identities determine the lives of people in their most intimate aspect: their love relationships.

Hay muchas películas que atraviesan la ópera prima de Cecilia Kang; hay un film familiar sobre su hermana, su madre, su tía, su abuela… Hay también uno sobre el hecho de ser una mujer argentina y de orígenes coreanos visitando Corea. Y otro sobre ser una mujer coreana que a la vez ejerce de porteña. Está el amor familiar, la amistad, las pequeñas y grandes tragedias, la emancipación, el desamor, la creatividad. Y todas esas vías nunca nos conducen a una sensación de deriva; son partes de un mosaico que se acomoda en la cabeza del espectador gracias a un eje sólido y fuertemente emocional: la propia vida de la directora que en una espontánea y amorosa muestra de generosidad dedica Mi último fracaso a (en este orden) una profesora de la infancia, sus eternas amigas y su hermana. Fran Gayo

There are many films piercing through Cecilia King’s first feature; there’s a film about a family (her sister, her mother, her aunt, her grandmother)… There’s also one about being an Argentinian woman of Korean descent visiting Korea. And another one about being a Korean woman who, at the same time, acts like someone from Buenos Aires. There’s family love, friendship, the small tragedies and the great ones, emancipation, heartbreak, creativity. And none of these storylines drives us to a feeling of drift; they are parts of a mosaic that is pieced together in the viewer’s head thanks to a solid, strongly emotional core: the life of the director, who, in a spontaneous and loving display of generosity, dedicates My Last Failure to (in this order) a teacher from childhood, her eternal friends and her sister. FG

Cecilia Kang Estudió cine en la ENERC. Dirigió varios cortometrajes que participaron en diversos festivales, entre ellos, Videojuegos (2014). She studied film at the ENERC. She directed many short films that were part of many festivals, including Videojuegos (2014).

Argentina, 2016 / 61’ / DCP / Color Español / Coreano - Spanish / Korean D: Cecilia Kang G: Cecilia Kang, Virginia Roffo F: Diego Saguí E: Sebastián Agullo S: Francisco Pedemonte P: Cecilia Kang, Virginia Roffo CP: misbelovedones I: Ran Kim, Catalina Kang, Cecilia Kang Contacto / Contact misbelovedones. Cecilia Kang T +54 9 11 6373 9860 E [email protected] W misbelovedones.tumblr.com ~ facebook.com/miultimofracaso

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial argentina

Panke Un hombre va a Berlín a buscar el cuerpo de su hermano muerto. En ese trance, manda cartas imaginarias a su madre en Burkina Faso, mientras reflexiona acerca de la suerte de los inmigrantes.

A man goes to Berlin to search for the body of his dead brother. While in trance, he sends imaginary letters to his mother in Burkina Faso, while reflecting about the fate of the immigrants.

Panke podría constituir una breve oda a la supervivencia, una filigrana rebosante de pudor y concentración sobre la melancolía del inmigrante, construida con un tono tan convincente como desapegado. El protagonista no tiene nada salvo el recuerdo de su madre en Burkina Faso y el de un hermano que acaba de morir. El hermano, sin embargo, demanda cosas; hay que reconocer el cuerpo ante las autoridades de una ciudad desconocida, hacer los trámites correspondientes sin dominar el idioma, ocuparse de su preparación para devolverlo a su país de origen: todo un apartado prosaico de la muerte cuyos postulados se vuelven perentorios en medio del dolor y el desconcierto. El personaje casi excluyente de esta película singular reflexiona sobre el peso del desarraigo, mientras emprende un viaje a pie que lo conduce a una improbable situación de tregua en sus tribulaciones. David Obarrio

Panke could stand as a brief ode to survival; a very careful filigree about the melancholy of immigrants, made with a both convincing and unattached tone. The main character has nothing but the memory of his mother in Burkina Faso and his brother who just died. His brother, however, demands things. The body needs to be recognized before the authorities of an unknown city, file the necessary papers without really speaking the language, and take care of the arrangements to return the body to its home country: a whole prosaic annex of death with rules that become urgent amidst the pain and disconcert. The almost sole character of this singular film reflects on the weight of being uprooted as he sets on a trip by foot towards an unlikely situation of truce on his tribulations. DO

Alejo Franzetti Nació en Buenos Aires en 1985. Estudió en la Universidad del Cine. Sus tres cortos Todas las veces (2006), El contrabajo (2008, ganador del Fondo Metropolitano y de la Competencia de Cortos) y Dos experiencias en el bosque (2014) fueron exhibidos en el Bafici. He was born in Buenos Aires in 1985. He studied at Universidad del Cine. His three short films Todas las veces (2006), El contrabajo (2008, winner of the Metropolitan Fund and the Short Film Competition), and Dos experiencias en el bosque (2014) were screened at Bafici.

Argentina / Alemania / Burkina Faso - Argentina / Germany / Burkina Faso, 2016 / 46’ / DCP / Color Bissa / Alemán / Francés - Bissa / German / French D, G, F, E, P: Alejo Franzetti S: Ricarda Holztrattner M: Bach Schumann CP: FUGA Films, Universität der Künste Berlin I: Issaka Zoungrana, Konstantin von Sichart Contacto / Contact FUGA Films. Alejo Franzetti T +49 173 725 4308 E [email protected]

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Primavera Spring Leopoldo es un niño de 11 años que creció rodeado de artistas. Durante los tres meses de la primavera (la película comienza el 21 de septiembre y termina el día de Navidad), el chico descubre el amor en una joven compañera de su clase de poesía y vive su primera desilusión amorosa.

Leopoldo is an 11-year-old boy who grew up surrounded by artists. During the three months of spring (the film begins on September 21st and ends on Christmas Day) the boy founds love with a young poetry classmate and experiences his first heartbreak.

Solo o en grupo, Santiago Giralt tiene especial predilección por los actores; no solo como parte de sus películas, sino porque además le interesan la actuación y los ensayos como tema. En Primavera va más allá: hay ensayos, pero también convivencia, cruces y crecimientos varios entre familias, parejas, directores, mánagers y otros roles que orbitan alrededor de actores y actrices, incluso hijos. Pero Primavera, desde su nombre, promete además un despertar: esta película de Giralt está llena de colores, de humor, de gritos, de euforias, de romances. Si no es nada sencillo trabajar con un elenco con tantos nombres y rostros reconocibles, más difícil aún es relatar sin pausas conflicto tras conflicto y hacerlo con claridad expositiva. Giralt dirige una orquesta enorme y le hace dar el tono exacto que él quiere: uno estridente y alejado de cualquier apatía. Javier Porta Fouz

Alone or as part of a group, Santiago Giralt has a special preference for actors; not only as part of his films, but also because he’s interested in acting and rehearsals as subjects. In Primavera, he goes one step beyond: there are rehearsals, but also coexistence, arguments and growths among families, couples, directors, managers, and other roles that have to do with actors and actresses; even children. But Primavera, from its very name, also promises an awakening: this film by Giralt is full of colors, humor, shouting, euphoria, romance. It isn’t easy to work with a cast that includes so many recognizable names and faces, but it’s even harder to narrate conflict after conflict without a pause, and doing so with expository clarity. Giralt conducts an enormous orchestra and achieves the exact tone he’s looking for: one strident and far from any kind of apathy. JPF

Santiago Giralt

Argentina, 2016 / 86’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Venado Tuerto en 1977. Hizo tres películas en colaboración:UPA! Una película argentina (Bafici ’07), Las hermanas L. y UPA! 2 El regreso (Bafici ’15) y seis en solitario: Toda la gente sola, Antes del estreno, Anagramas (Bafici ’14), Here Kityy Kitty!, Jess & James (Bafici ’16) y Primavera (Bafici ’16). He was born in Venado Tuerto in 1977. He directed three collaborative films: UPA! Una película argentina (Bafici ’07), Las hermanas L., and UPA! 2 El regreso (Bafici ’15) and six by himself: Toda la gente sola, Antes del estreno, Anagramas (Bafici ’14), Here Kitty Kitty!, Jess & James (Bafici ’16) and Primavera (Bafici ’16).

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D, G: Santiago Giralt F: Tincho Velasco E: Eliane Katz, Andrés Quaranta DA: Marianela Fasce S: Jésica Suárez P: Diego Dubcovsky, Alex Zito, Federico Carol PE: Diego Dubcovsky, Gastón Rothschild, Federico Carol CP: BD Cine, AZ Films, Los Griegos, Sudestada Cine I: Catarina Spinetta, Nahuel Mutti, Angelo Mutti Spinetta, Mike Amigorena, Chino Darín Contacto / Contact BD Cine, AZ Films, Los Griegos T +54 11 4832 8838 E [email protected] W bdcine.net

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial argentina

Primero enero January Recientemente divorciado, Jorge prepara la última visita a la casa de las sierras antes de ponerla en venta. Allí planea compartir junto a su hijo Valentino una tradición familiar. Pero las diferencias entre padre e hijo ponen en jaque su estadía.

Recently divorced, Jorge prepares his last visit to his house in the mountains before putting it on sale. While there, he tries to share a family tradition with his son Valentino. But the differences between father and son will threaten their stay.

Primero enero se ubica con comodidad en una línea diferente del nuevo cine cordobés reciente: menos cinéfila y avasallante, menos extrovertida, más delicada e íntima. El padre y el hijo llevan la ausencia de la madre como pueden; el hombre se guarda las diatribas delante del chico, pero cada tanto se le escapa alguna acusación mascullada hacia la ex mujer. La película filma a los dos en pie de igualdad, aunque está claro que el peso emotivo de la historia recae primero sobre el pequeño, cuyo desconcierto el padre trata de apaciguar con caminatas extenuantes y charlas de varones en vacaciones. Luego, recae sobre el adulto, que se encuentra ante el deber novedoso de llenar el tiempo con su hijo. Los planos aireados, la luminosidad del paisaje y la discreción general del pulso narrativo establecen el marco para una clase de emoción obstinada que impregna cada escena. David Obarrio

January can comfortably be placed somewhere different from the rest of the recent new cinema from the province of Córdoba: less cinephiliac and overwhelming, less extroverted, more delicate and intimate. The father and the son deal with the mother’s absence they way they can; the man avoids diatribes in front of the boy, but every now and then he mumbles a few accusations towards his ex-wife. The film captures both of them equally, although it’s clear the story’s emotional weight first falls in the little kid. His father will try to ease his bewilderment through extenuating walks and chats between men on vacation. Later, the weight will fall on the adult, who’s faced with the duty of spending time with his son. They airy shots, the luminosity of the landscape and the general discretion of the narrative hand establish the framework for a kind of obstinate emotion that impregnates every scene. DO

Darío Mascambroni

Argentina, 2016 / 65’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Córdoba, Argentina, en 1988. Tras finalizar sus estudios en cine escribió El tren seguirá pasando, guion suplente del concurso Ópera Prima 2012 del INCAA. Primero enero es su primer largometraje como director. Actualmente se encuentra preproduciendo Mochila de plomo, proyecto ganador del concurso Raymundo Gleyzer. He was born in Córdoba, Argentina, in 1988. After finishing his film studies, he wrote El tren seguirá pasando, reserve script at the INCAA’s First Feature contest. January is his first feature as a director. He is currently preproducing Mochila de plomo, a project that won the Raymundo Gleyzer contest.

D, G: Darío Mascambroni F: Nadir Medina E: Lucía Torres DA: Paola Raspo S: Federico Disandro P: Yanina Moyano PE: Yanina Moyano, Darío Mascambroni I: Valentino Rossi, Jorge Rossi, Eva Torres Contacto / Contact Darío Mascambroni T +54 9 351 758 7666 E [email protected]

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Quizás hoy Today Maybe Miguel, un treintañero que trabaja en un estudio jurídico, vive pesadamente todas y cada una de sus actividades, hasta que un día, al despertar para seguir con su rutina, advierte la posibilidad de cambiar su vida y su trabajo y conocer a la mujer de sus sueños.

Miguel, a thirty-something who works at a law firm, suffers each and every one of his activities, until one day, when he wakes up in order to go on with his daily routine, he sees the chance of changing his life and his job and meeting the woman of his dreams.

Cuando su psicoanalista le sugiere que anote todo lo que piensa, siente y sueña por las noches, Miguel cobra la conciencia atroz de que cada día de su vida es una fotocopia exacta del anterior. En blanco y negro, además. Levantarse de la cama, ir al baño, atravesar Buenos Aires en bicicleta, su trabajo en un estudio jurídico: todo le cuesta horrores, todo lo hace con pesadez y desgano, y así nos lo comunica directamente su aparatosa voz interior (cuando no está canturreando cosas como “pedaleo, pedaleo, caca y pedo con olor a huevo”). Como si algún extraterrestre con el sentido del absurdo altamente desarrollado aterrizara en un film de Ozu o Bresson, Quizás hoy es la crónica marciana y desopilante del día en que la ciudad entera parece conspirar para que Miguel cambie, por fin, de vida. Agustín Masaedo

Miguel’s therapist suggests he should write down everything he thinks, feels, and dreams at night. That makes him aware of the fact that every single day in his life is an exact Xerox copy of the day before –and in black and white. Getting out of bed, going to the bathroom, bicycling across Buenos Aires, his job in a law firm: he finds it all so hard to do, and goes on unwillingly and heavy-handedly. And he tells us all this with his dorky inner voice, when he’s not singing things like “pedaling, pedaling, poop and farting”. As if a film by Ozu or Bresson was invaded by an alien with a highly developed sense of absurdity, Quizás hoy is the Martian and hilarious chronicle of one day when the whole city seems to be conspiring to get Miguel to finally change his life. AM

Sergio Corach

Argentina, 2016 / 77’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish

Nació en diciembre de 1978 en Buenos Aires, y es egresado de la ENERC. Ha dirigido algunos cortometrajes y videoclips. He was born in December in 1978 in Buenos Aires and is an ENERC graduate. He has directed some shorts and music videos.

D, DA, P, PE: Sergio Corach G: Sergio Corach, Pablo Maurette F: Alejandro Padin E: Oscar Currás S, M: Raúl Moller-Jensen CP: Concionator Otii I: Sergio Corach, Ezequiel Ludueña, Luciana Rizzo, Luciana Sáez, Ana Laura Suárez Cassino Contacto / Contact Concionator Otii. Sergio Corach T +54 11 4921 2569 +54 9 11 6926 7297 E [email protected] W quizashoyfilm.blogspot.com.ar ~ facebook.com/quizashoyfilm

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial argentina

Raídos Frayed

Los barrios que rodean la ciudad de Montecarlo, en la provincia de Misiones, están poblados casi enteramente por familias cosechadoras de hojas de yerba mate, conocidos como tareferos. A los jóvenes no les queda otra opción que subsistir día a día en los yerbales.

Lo primero que vemos es un intertítulo que nos sitúa en la provincia de Misiones y nos habla de los tareferos, o quienes cinco meses al año se dedican a la recolección de la cosecha de yerba mate. Hasta aquí, la única concesión a la convencionalidad de esta película. Afortunadamente, y eludiendo la distancia entomológica, Raídos nos conduce a una experiencia sensorial, exuberante, en la que los recolectores no funcionan como meras comparsas del film, entes que trabajan en silencio mientras son registrados, sino como grupo humano que convive, discute sobre los sueldos, despide al hijo que se va a la ciudad, se entrega sin miedo a los excesos de la noche o comienza sus jornadas laborales cuando apenas ha amanecido y el humo de una hoguera se corta con los restos de niebla que permanecen. Fran Gayo Diego Marcone Nació en Buenos Aires en 1984. Se graduó de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la UBA. Desde 2006 trabaja en posproducción de sonido para cine y TV. He was born in Buenos Aires in 1984. He graduated in image and sound design at the UBA. Since 2006, he has been working in sound postproduction for film and TV.

The neighborhoods that surround the city of Montecarlo, in the province of Misiones, are populated almost entirely by families that harvest yerba mate, known as tareferos. The young have no other choice but to subsist day after day at the plantations.

The first thing we see is an intertitle that sets the story in the province of Misiones, and tells us about tareferos, or who up to five months a year are recollection workers for the yerba mate harvest. That’s the only concession the film does to conventional narrative. Fortunately, Raídos eludes any entomological distance while leading us to a sensorial, exuberant experience, where pickers are not mere extras or people working in silence as they are being recorded, but they rather act as a human group that coexists, discusses salaries, sends off a son who is moving to the city, fearlessly dives into excess at night, or begins its workdays at the break of dawn, as the smoke from a fire is interrupted by the remains of the fog that still lingers on. FG

Argentina, 2016 / 75’ / DCP / Color Español / Guaraní - Spanish / Guarani D, G: Diego Marcone F: Lucas Timerman, Diego Marcone E: Diego Marcone, Andrea Kleinman DA, PE: Alexis Trigo S: Jerónimo Kohn, Alejandro Seba M: Dante Frágola, Pablo Breardi P: Alexis Trigo, Diego Marcone CP: La Marmota Contenidos I: Darío Lemos, Mauro Lemos, Walter Lemos, Sergio Correa Contacto / Contact La Marmota Contenidos. Alexis Trigo T +54 9 11 5956 4809 E [email protected] W facebook.com/raidos.pelicula

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

argentine official competition

Solar En 1991, con solo diez años, Flavio Cabobianco publicó su libro Vengo del sol, que fue un best seller en Argentina. Veinte años después, decide reeditarlo y acepta la propuesta de filmar un documental sobre la historia de su familia.

In 1991, when he was only ten, Flavio Cabobianco published his book Vengo del sol, which was a best seller in Argentina. Twenty years later, he decides to republish it and accepts the proposal of making a documentary on the history of his family.

Solar retrata a un niño prodigio del mundo new age que a los diez años publicó el libro Vengo del sol y se convirtió en algo así como un iluminado. También capta a un director que intenta hacer una película sobre este niño devenido adulto y sostiene un proceso por años, aceptando los accidentes o las pequeñas catástrofes cotidianas y dando por tierra un mayor grado de control que el que las circunstancias le permiten. Así, espejo de sí misma, la película gira sobre su eje y, en lugar de fracasar, se reafirma. El niño ahora adulto prefiere ya prescindir de intermediarios; el director asume que es mejor aceptar que oponer resistencia, y en ese pase de manos en el que parecieran confabularse tanto el azar como las buenas decisiones es donde se despliega una película que se vuelve única. Magdalena Arau

Solar portrays a child prodigy from the new age world who published the book I Come from the Sun at ten a visionary of sorts. It also captures a director trying to make a film about this kid, now a grownup, and sticks to a process for years, accepting the accidents or the small everyday catastrophes and renouncing a higher degree of control than the circumstances allow. This way, a mirror of itself, the film spins on its own axis and, instead of failing, it reaffirms itself. The former kid now prefers to do without any middlemen; the director comes to terms with the fact that accepting that is better than resisting, and it is in that relay in which chance and good decisions seem to collude that a unique film unfolds. MA

Manuel Abramovich Nació en Buenos Aires en 1987, y estudió dirección de fotografía en la ENERC. También participó del Talent Campus de Berlín y dirigió los cortos La reina (2013; Bafici ‘14) y Las luces (2014, Bafici ‘15). He was born in Buenos Aires in 1987, and studied cinematography at the ENERC. He also attended Berlin’s Talent Campus and directed the shorts La reina (2013; Bafici ‘14) and Las luces (2014, Bafici ‘15).

Argentina, 2016 / 73’ / DCP / Color Español / Inglés - Spanish / English D, P, PE: Manuel Abramovich G: Manuel Abramovich, Flavio Cabobianco, Fernando Krapp, Javier Zevallos F: Manuel Abramovich, Flavio Cabobianco E: Anita Remón S: Sofía Straface I: Flavio Cabobianco, Marcos Cabobianco, Alba Zuccoli de Cabobianco Contacto / Contact Manuel Abramovich T +54 9 11 4779 0053 E [email protected] W cargocollective.com/mabramovich

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial argentina

Taekwondo Fernando está de vacaciones con sus amigos en una quinta en Ezeiza. Descansan en la pileta, toman alcohol, fuman, y sacan a la luz sus intimidades más profundas mientras exhiben una libertad lúdica, como si fueran niños en una colonia de vacaciones.

Fernando in on vacation with his friends at a holiday home in Ezeiza. They rest in the pool, drink alcohol, smoke and bring their deepest secrets to light while they display a playful freedom, as though they were kids at summer camp.

Con sus películas en solitario, Berger y Farina habían demostrado un talento singular (o dos talentos) para construir algo así como ballets de cuerpos masculinos semidesnudos. Esta comedia despreocupada y veraniega, que fluye entre diálogos hiperbólicamente heterosexuales desmentidos con gracia sutil por las imágenes, se revela como el campo de juego ideal para dar un paso más en ese programa. Faunos que se abrazan al borde de la pileta, se exhiben en calzoncillos, se trenzan en lucha amistosa, se miden: esos son los movimientos visibles de la coreografía que ejecuta Taekwondo. Pero, debajo de su superficie luminosa, empapada por los rayos naranja del sol, late una cualidad inasible que bien podría pertenecer al mundo de los sueños o al de los deseos incluidos en los sueños. Agustín Masaedo

With their solo films, Berger and Farina had shown a unique talent (or talents) for making ballets of sorts populated by half-naked male bodies. This carefree summer comedy, that flows through hyperbolically heterosexual lines of dialogue refuted with subtle flair by the images, proves to be the ideal playing field to take one more step in that direction. Fauns hugging each other beside the pool, in their underwear, getting into friendly fights, measuring each other: those are the visible movements in the choreography carried out by Taekwondo. But underneath its luminous surface, soaked by the sun’s orange beans, hides an ethereal quality that could well belong to the dream world, or that of the desires included in dreams. AM

Marco Berger

Argentina, 2016 / 105’ / DM / Color / Español - Spanish

Nació en Argentina en 1977. Dirigió los largos Plan B (Bafici ‘09), Ausente (Bafici ‘11), Hawaii (Bafici ‘13) y Mariposa (2015). He was born in Argentina in 1977. He directed the features Plan B (Bafici ‘09), Absent (Bafici ‘11), Hawaii (Bafici ‘13) and Butterfly (2015).

Martín Farina Nació en Buenos Aires en 1982. Es licenciado en Comunicación. Dirigió varios largometrajes, entre ellos, Fulboy (Bafici ‘14) y El hombre de paso piedra (Bafici ‘15). He was born in Buenos Aires in 1982. He majored in communication and directed Fulboy (Bafici ‘14) and El hombre de paso piedra (Bafici ‘15).

D, DA, P: Marco Berger, Martín Farina G, E: Marco Berger F: Martín Farina S: Jorge Barilari, Tomás Fernández Juan M: Pedro Irusta PE: Marco Berger, Martín Farina, Veronica Argenzio CP: Cinemilagroso I: Gabriel Epstein, Lucas Papa, Nicolás Barsoff, Francisco Bertín, Andrés Gavaldá, Darío Miño, Juan Manuel Martino, Gastón Re, Arturo Frutos Contacto / Contact Cinemilagroso T +54 11 3004 2444 E [email protected] W cinemilagroso.com.ar ~ filmtaekwondo.com.ar

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competencia vanguardia y género avant-garde & genre competition

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

avant-garde & genre competition

Disco Limbo Un chico se enamora de otro que ve por primera y única vez en una fiesta, pero que luego desaparece entre la gente. Entonces, el enamorado emprende una búsqueda desesperada para reencontrarse con su objeto de deseo.

A boy falls in love with another one he sees for the first and last time at a party, but who then disappears among the crowd. He then embarks on a desperate search to reunite with his object of desire.

Un chico conoce fugazmente a otro en una fiesta y, luego de un rapto de enamoramiento, lo pierde de vista. Empieza la búsqueda, que tiene tanto de amor como de exorcismo. Con la ayuda de una amiga que ahora vive lejos, pero a su modo lo acompaña, trata de localizarlo en fiestas y situaciones similares a las del primer encuentro. Pero nada de esto es lo que parece. Sobre terreno conocido para la ficción, Disco Limbo planta bandera inventando su idioma hecho de paisajes montañosos, voces de doblaje, topografías animadas, tutoriales, videojuegos, desiertos, karaokes y fiestas interminables. El resultado es un viaje en el que tiempo y espacio no son necesariamente amigos, y donde entre palabra e imagen hay tanta distancia como entre el chico que busca y el que –concluimos– escapa. Magdalena Arau

A young man briefly meets another young man in a party and loses sight of him after a experiencing a quick crush. The search begins, with both love and exorcism. With the help of a girlfriend who now lives far away but keeps him company in her own way, he tries to find him in parties and similar situations to that of their first encounter. But none of this is actually what it seems. Disco Limbo plants its flag on common fiction grounds and creates its own language, made of mountain settings, dubbed voices, animated topographies, tutorials, video games, deserts, karaoke, and endless parties. The result is a journey in which time and space aren’t necessary companions, and where there’s so much distance between words and pictures as it exists between the boy who is searching and the one who –we can conclude– is escaping. MA

Fredo Landaveri / Mariano Toledo Nacieron en Buenos Aires en 1987, y se conocieron estudiando diseño de imagen y sonido en la UBA. A partir de allí, colaboraron juntos en la realización de varios videoclips para artistas como Wendy Sulca y Los Sultanes. Disco Limbo es su primer largometraje. They were born in Buenos Aires in 1987, and met while studying image and sound design at the UBA. Later, they collaborated with each other in the making of many music videos for artists like Wendy Sulca and Los Sultanes. Disco Limbo is their first feature.

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Argentina, 2016 / 70’ / DCP / Color & B&N Español / Italiano - Spanish - Italian D, E: Fredo Landaveri, Mariano Toledo G, P, PE: Fredo Landaveri, Mariano Toledo, Ivana Brozzi F: Mariano Toledo S: Begoña Cortázar, Andres Marks, Juan Caille, Ivana Brozzi M: Ivana Brozzi CP: Vaca Ninja Contacto / Contact Vaca Ninja. Mariano Toledo T +54 9 11 5505 8773 E [email protected] W discolimbo.com.ar

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia vanguardia y género

Una novia de Shanghai A Shanghai Bride Dos pícaros deambulan por una ciudad extraña, sin hogar ni familia, y se ganan la vida mientras fantasean con un golpe de suerte.

Two scoundrels wander through the strange city, without a family or a home, making a living and fantasizing about a stroke of luck.

Una novia de Shanghai tiene un tono de fábula, una comicidad distante llena de elegancia y la convicción cabal de que el cine es una aventura sin beneficio de inventario. Un salto al vacío en el que las imágenes nunca deben mostrar todo, pero deben ser capaces de sugerirlo y también lanzarse sobre el mundo y abarcar lo que se pueda, exhibiendo una determinación y una destreza que no siempre se está seguro de poseer. Tras el impactante comienzo del film, en el que parecen bullir cientos de historias y de tramas posibles, hermanadas por el hilo invisible con el que se teje el misterio de una gran urbe, el director encuentra a sus protagonistas, una pareja de buscavidas que practica la indolencia pero también la ilusión de los desesperados: la “película asiática” de Andrizzi es también el relato de un sueño imposible en el que los muertos hacen andar a los vivos. David Obarrio

A Shanghai Bride has a fable tone, a very elegant, distant comic element, and the full certainty that cinema is an adventure with no chance of an inventory. It’s a plunge in which images should never ever show everything, instead they must be able to suggest it, and also throw themselves to the world and reach as far as they can, exhibiting a determination and skill that may not be there. After the shocking beginning of the film, where hundreds of stories and plots appear to be boiling up and connected by the invisible thread that weaves the mystery of a huge city, the director also finds its protagonists, a couple of indolent hustlers with the illusions of the desperate ones: Andrizzi's “Asian film” is also the story of an impossible dream in which the dead make the living walk. DO

Mauro Andrizzi

Argentina / China, 2016 / 70’ / DCP / Mandarín

Nació en Mar del Plata, Argentina, en 1980. Estudió guion en la ENERC, y en 2006 fundó su productora Mono Films. Dirigió los largometrajes Mono (2007), Iraqi Short Films (2008; Bafici ‘09), En el futuro (2010; Bafici ‘13) y Accidentes gloriosos (2011; Bafici ‘12). He was born in Mar del Plata, Argentina, in 1980. He studied screenwriting at the ENERC and founded his production company Mono Films in 2006. He directed the features Mono (2007), Iraqi Short Films (2008; Bafici ‘09), In the Future (2010; Bafici ‘13) and Glorious Accidents (2011; Bafici ‘12).

D, G: Mauro Andrizzi F: Yao Zi-long E: Francisco Vázquez Murillo DA: Wang Jing-ping S: Manuel de Andrés PE: Pablo Salomón, Mauro Andrizzi CP: Mono Films I: Lorena Damonte, Jiao Jian, Hu Chen-gwei, Sun Yu-han, Lian Hong-feng Contacto / Contact Mono Films. Mauro Andrizzi, Pablo Salomón T +54 9 11 5644 2358 ~ +54 11 4074 6161 E [email protected] ~ [email protected] W monofilms.com.ar

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

fuera de competencia - out of competition

avant-garde & genre competition

Homo Sapiens ¿Qué quedará de nuestras vidas después de que nos hayamos ido? Eso es lo que pregunta esta película, que explora la finitud y la fragilidad de la existencia humana vista desde un posible futuro apocalíptico.

What remains of our lives after we’re gone? That’s the question posed by this film, which explores the finiteness and frailty of human existence from a possible apocalyptic future.

El director de Over the Years (que también pasó por el Forum de la Berlinale) logra que sus documentales de observación tengan una extraña narrativa que nos atrapa desde el primer minuto de proyección. En este caso, la proeza es mayor porque la película no tiene diálogos ni voces humanas (aunque sean silentes). Se trata de la edición de planos de lugares abandonados, en los que la naturaleza va retomando el control de aquello que alguna vez el hombre supo dominar. Fábricas destartaladas, carreteras en las que crecen los yuyos, cines y teatros en ruinas dialogan en un continuo sin que se oiga otro sonido que el del silencio. El resultado es tan intrigante como sobrecogedor, un encuentro improbable entre scouting de locaciones para películas de Tsai Ming-liang y ficción postapocalíptica. Fernando E. Juan Lima

The director of Over the Years (which was also part of the Berlinale’s Forum) succeeds in giving his observation documentaries a strange narrative that gets us hooked from the first minute of their projection. In this case, the prowess is greater because this film has no dialogue or human voices (not even silent ones). It’s a montage of shots of abandoned places, where nature starts regaining control on what men once dominated. Rundown factories, highways where weeds grow and theaters in ruins converse in a continuum without us hearing any sound other than that of silence. The result is as intriguing as it is overwhelming, an unlikely meeting between a location scouting for Tsai Mingliang films and post-apocalyptic fiction. FEJL

Nikolaus Geyrhalter Nació en Viena, Austria, en 1972. A los 22 años fundó la compañía Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion, focalizada en documentales y ficciones de autor. Entre sus documentales como realizador se encuentran Pripyat (1999), Elsewhere (2001), 7915 Km (2008), Abendland (2011) y Over the Years (Bafici ‘15). He was born in Vienna, Austria, in 1972. At the age of 22, he founded the Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion company, focused on auteur documentaries and fictions. His documentaries as a filmmaker include Pripyat (1999), Elsewhere (2001), 7915 Km (2008), Abendland (2011), and Over the Years (Bafici ‘15).

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Austria, 2016 / 94’ / DCP / Color D, F: Nikolaus Geyrhalter E: Michael Palm S: Peter Kutin, Florian Kindlinger P: Nikolaus Geyrhalter, Michael Kitzberger, Wolfgang Widerhofer, Markus Glaser PE: Michael Kitzberger CP: NGF - Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion Contacto / Contact Autlook Filmsales. Salma Abdalla T +43 720 346 934 E [email protected] W autlookfilms.com ~ homosapiens-film.at

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia vanguardia y género

Vintage Print Estampado antiguo Una fotografía vieja constituye el punto de partida de esta exploración. La imagen data de fines del siglo XIX y, mediante ella, el cineasta austríaco nos traslada al epicentro de la naturaleza cinematográfica.

An old photograph works as the starting point of this exploration. The image dates from the late-19th Century, and through it, the Austrian filmmaker transports as to the epicenter of cinematic nature.

Como un Santiago Álvarez al cuadrado (al 4K, más precisamente), Siegfried A. Fruhauf –descendiente de la Gran Generación austríaca de Tscherkassky, Deutsch y Arnold– redefine con Vintage Print la potencialidad del cine en tanto imaginación puesta al servicio de una economía de recursos asombrosa. Si el pionero del cine de montaje cubano pasó a la inmortalidad con su frase “denme dos fotografías, una moviola y algo de música y les haré una película”, Fruhauf adelgaza la receta creando trece minutos hiperkinéticos a partir de un único negativo de vidrio de un siglo y medio de antigüedad en descomposición. De la figuración a la abstracción, de lo analógico a lo digital, de lo documental a lo experimental, el logro definitivo de Vintage Print es poner en marcha una road movie en sus propios términos, en la que lo primero que queda atrás es la propia noción de lo que es el cine. Pablo Marín

Like a Santiago Álvarez squared (or multiplied by 4K, to be more precise), Siegfried A. Fruhauf –a descendant of Austria’s Great Generation of Tscherkassky, Deutsch and Arnold– redefines with Vintage Print the power of film as imagination, at the service of an amazing economy of resources. If the pioneer of Cuban montage cinema became immortal when he left us his phrase “give me two photographs, a moviola, and some music, and I’ll make you a film,” Fruhauf slims down that recipe by creating thirteen hyperkinetic minutes out of a single, century-old glass negative in decomposition. Ranging from figurative to abstract art, analogy to digital, and documentary to experimental, Vintage Print’s definitive achievement is that it reverses a road movie in its own terms, and the first thing that is left behind is the very same notion of cinema. PM

Siegfried A. Fruhauf Nació en Austria en 1976, y se formó como gerente comercial. Estudió diseño visual experimental en la Universidad de Diseño Artístico e Industrial de Linz. Realizó numerosas obras y espectáculos en el área de cine, video y fotografía. He was born in Austria in 1976, and trained as a business manager. He studied experimental visual design at the University of Artitic and Industrial Design in Linz. He directed several plays and shows in the areas of film, video and photography.

Austria, 2015 / 13’ / DCP / Color D: Siegfried A. Fruhauf F: Siegfried A. Fruhauf E: Siegfried A. Fruhauf S: Anna Katharina Laggner, Siegfried A. Fruhauf, Christoph Ruschak P: Siegfried A. Fruhauf Contacto / Contact sixpackfilm. Dietmar Schwarzer T +43 1526 0990 E [email protected] W sixpackfilm.com

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avant-garde & genre competition

A morte de J.P. Cuenca The Death of J.P. Cuenca La muerte de J.P. Cuenca En 2008, Cuenca recibe la sorprendente noticia de su propia muerte: en un revés extraño, alguien había robado su nombre y muerto con él. ¿Quién es ese alguien? El realizador se lanza a una búsqueda en la que la ficción y el thriller están servidos en bandeja.

In 2008, Cuenca receives the surprising news of his own death. In a strange turn, someone had stolen his name and died with it. Who is that person? The filmmaker embarks on a search where fiction and the thriller genre are offered on a tray.

Poco importa que A morte de J.P. Cuenca se asiente en el carril de la autorreferencialidad, o que el episodio sobre el robo de la identidad del propio director esté más o menos cerca de los hechos reales. La densidad del cine de Cuenca se encuentra en el momento en que su mirada decide explorar coordenadas en las que lo ficcional y lo testimonial parecen confundirse, pero ese es solo el puntapié para acceder a zonas donde lo irresuelto es la regla, donde la deriva de un thriller díscolo trastabilla frente al rigor del plano corto en clave documental, donde es posible poner la comicidad en tensión con la intriga. Y si la figuración desquiciada del barrio de Lapa en Río de Janeiro se percibe como si fuera un personaje suplementario, es por la capacidad que tiene la película de preguntarse no solo por las mutaciones de la identidad del personaje, sino también por las de la ciudad y las del cine mismo. Eduardo D. Benítez

It’s not that important that The Death of J.P. Cuenca settles for the referential, or that the episode about the director’s identity theft is more or less close to fact. The density of Cuenca’s cinema can be found at the very moment his eye decides to explore coordinates in which fact and fiction seem to mix, but that is only the kick-off point from where to reach zones where the unresolved is the norm, where the drift of a mischievous thriller stumbles upon the rigor of the documentary-style close shot, where it’s possible to put hilarity and suspense under tension. And if the unhinged capturing of the Lapa neighborhood in Rio de Janeiro is perceived as though it were a supplementary character, it is due to the capability the film has of asking itself not only for the mutations in the character’s identity, but also for those of the city and film itself. EDB

João Paulo Cuenca Nació en Río de Janeiro, Brasil, en 1978. Es autor de cuatro novelas y una antología de historias breves. Sus libros han sido traducidos a ocho idiomas. A morte de J.P. Cuenca es su primer largometraje como director. He was born in Rio de Janeiro, Brazil, in 1978. He wrote four novels and an anthology of short stories. His books have been translated into eight languages. The Death of J.P. Cuenca is his directorial debut.

Brasil - Brazil, 2015 / 90’ / DCP / Color Portugués - Portuguese D, G: J. P. Cuenca F: Pedro Urano E, PE: Marina Meliande DA: Mariana Jannuzzi S: Bernardo Uzeda M: Daniel Limaverde P: Marina Meliande, Felipe Bragança CP: Duas Mariola Filmes I: João Paulo Cuenca, Ana Flavia Cavalcanti, Paulo Roberto Pires, Geraldo Margela, Ivo Raposo Contacto / Contact Duas Mariola Filmes. Marina Meliande T +55 11 948 965 714 E [email protected] W duasmariola.com.br ~ amortede.jpcuenca.com

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competencia vanguardia y género

Boi Neon Neon Bull Toro Neón Iremar trabaja en las vaquejadas, el tradicional rodeo del noroeste de Brasil. Pero el país está cambiando dramáticamente, y la floreciente industria textil de la región despierta nuevas ambiciones en él, que empieza a soñar con el diseño de moda.

Iremar works in the vaquejadas, the traditional rodeo of northwest Brazil. But the country is changing, and the flourishing textile industry sprouts new ambitions in him, as he starts dreaming of fashion design.

Situado en el noreste de Brasil, este film galardonado en el último Festival de Venecia hace foco en el mundo de las vaquejadas, una práctica tradicional en la que dos vaqueros montados a caballo tienen como objetivo derribar a un toro agarrándolo de la cola. Se podría trazar un paralelismo entre el protagonista del film y su director. Por un lado, el primero confecciona, de manera minuciosa y apasionada –y sin que sepamos hacia dónde se dirige su acción–, un traje de baile que brillará al final; por el otro, Gabriel Mascaro va tejiendo la trama de su película con precisión y agudeza, y pone el eje de su mirada en las acciones cotidianas de los personajes, en la particularidad del contexto rural en el que se encuentran, con la confianza de que nos conducirán a un desenlace deslumbrante. Violeta Bava

Located in Northeast Brazil, this film –awarded in the last Venice film festival– focuses on the world of vaquejadas, a traditional custom where two cowboys on horseback must take down a bull by grabbing its tale. You could draw a parallel between the film’s main character and the director. On one side, you have the protagonist making –in a passionate and thorough manner, without us knowing why– a dance suit that will shine in the end. On the other, Gabriel Mascaro builds the plot of his film with precision and sharpness, and turns his eye towards the characters’ everyday actions and the unique nature of their rural context, confident that they will lead us to a dazzling outcome. VB

Gabriel Mascaro Nació en Brasil en 1983, y se graduó en comunicación social en la Universidad Federal de Pernambuco. Dirigió los largos documentales KFZ-1348 (2008), Um lugar ao sol (2009), ambos exhibidos en el Bafici ‘09, y Doméstica (Bafici '13). He was born in Brazil in 1983, and graduated in social communication at the Federal University of Pernambuco. He directed the documentary features KFZ-1348 (2008), High-Rise (2009), both screened in Bafici ‘09, and Doméstica (Bafici '13).

Brasil / Uruguay / Holanda - Brazil / Uruguay / Netherlands, 2015 / 104’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese D, G: G. Mascaro F: D. García E: F. Epstein, E. Serrano DA: M.Mesquita S: F. Oliver M: Otávio Santos, Cláudio N, Carlos Montenegro P: Rachel Ellis PE: R. Ellis,S. Saravia, M. Slot CP: DESVIA, Canal Brasil, Malbicho Cine, Viking Films I: J. Cazarré, A. Santana, C. Pessoa, M. Jinkings, V. de Oliveira Contacto / Contact Artscope. Sata Cissokho T +33 1 5334 9020 E [email protected] W memento-films.com ~ boineon.com.br

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

avant-garde & genre competition

Les Démons The Demons Los demonios Mientras en Montreal se produce una ola de secuestros de niños, Félix está terminando su año escolar en un barrio aparentemente tranquilo. Poco a poco, sus demonios imaginarios comienzan a reflejar los de la perturbadora realidad que lo rodea.

While a wave of child kidnappings takes place in Montreal, Felix is finishing his school year in an apparently quiet neighborhood. Slowly, his imaginary demons start to reflect the ones present in the disturbing reality around him.

Lassage firma su película como lo hacía Carpenter: Philipe Lassage’s Les Démons. Y si en las películas de terror clásicas los monstruos son metáforas de miedos internos, acá el proceso es inverso. Les Démons se filma como Halloween, con largos planos secuencia, pero acá son más cortos e íntimos. En un cuarto, en un vestuario, en un cumpleaños. Los miedos de la película de Lassage son los que son, sin máscara: Félix, de diez años, descubre su sexualidad con culpa; sus padres atraviesan una crisis matrimonial y él está lleno de incertidumbres. Mientras tanto, unos niños comienzan a desaparecer en Montreal. Los demonios de Les Démons van desde pequeños traviesos hasta verdaderos hombres de la bolsa. El inesperado final feliz con la canción “Pata, pata” es tan liberador como sacarse un miedo (y un psicópata real) de encima. Daniel Alaniz

Lassage signs his film just like Carpenter did: Philipe Lassage’s The Demons. And while monsters are metaphors for internal fears in classic horror, here we have the exact opposite. The Demons is shot lie Halloween, with long sequence shots, but they’re shorter and ore intimate. They happen in a bedroom, in a locker room, in a birthday party. The fears in Lassage’s film are what they are, unmasked: Felix is ten years old and he’s discovering his sexuality with guilt; his parents are going through a marriage crisis, and he is filled with uncertainties. Meanwhile, children start to disappear in Montreal. The demons in The Demons range from tiny knotty ones to actual bogie men. The unexpected happy ending with the song “Pata, pata” is as liberating as getting a fear (and a psycopath) out of your system. DA

Philippe Lesage

Canadá - Canada, 2015 / 118’ / DCP / Color / Francés - French

Nació en Canadá y se desempeñó como profesor de cine en Dinamarca. Es conocido por sus documentales y su largometraje de ficción Copenhague: A Love Story (2014), seleccionado en numerosos festivales. He was born in Canada and worked as a film professor in Denmark. He is known for his documentaries and his fiction feature Copenhague: A Love Story (2014), which was screened in many festivals.

D, G: Philippe Lesage F: Nicolas Canniccioni E: Mathieu BouchardMalo DA: Marjorie Rhéaume S: Marcel Chouinard, Pascal Van Strydonck, Lionel Guenoun P: Galilé Marion-Gauvin PE: Galilé Marion-Gauvin CP: Les Films de l’Autre, L’Unité Centrale I: Edouard Tremblay-Grenier, Pier-Luc Funk, Yannick Gobeil-Dugas, Laurent Lucas, Sarah Mottet Contacto / Contact Be for Films. Claire Battistoni T +32 485 147 390 E [email protected] W beforfilms.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia vanguardia y género

No Men Beyond This Point Ningún hombre a partir de aquí Este falso documental con aires de comedia está situado en un mundo distópico en el que las mujeres pueden reproducirse asexualmente y los hombres se han vuelto inútiles para la sociedad. Las cosas se complican cuando la población masculina decide que es tiempo de organizar una rebelión.

A faux documentary set in a dystopian world where women can reproduce asexually and men have become useless to society. Things get complicated when the male population decides it’s time to organize a rebellion.

Una película especulativa a partir de una premisa extrema: el fin de los hombres; no de la humanidad, sino del género masculino. Una comedia reflexiva en las formas del mockumentary explotado con la seguridad que puede otorgar partir desde una buena idea, una con potencia, una de esas que inmediatamente tienen el poder de resumir y promocionar un relato. Pero esta película de Mark Sawers está lejos de vivir con respiración mínima: No Men Beyond This Point apunta a la guerra de los sexos, a las imposturas, a la forma en que se resquebrajan los discursos únicos y totalizantes. Desde cada grieta, desde cada contradicción, afirma con claridad, gracia y potencia polémica que sabe que sus temas han poblado la comedia entre (pocos) hombres y (muchas) mujeres desde hace décadas. Javier Porta Fouz

A speculative film with an extreme premise: the end of men – not humanity, only the male gender. This is a thoughtful comedy with the shape of a mockumentary that gets exploited with the type of certainty that is based on a good idea –a powerful one, the kind it can immediately summon up and promote a story. But this film by Mark Sawers is definitely not living on shallow breaths: No Men Beyond This Point taps into the war of the sexes, impostures, and the way totalizing, unique discourses often come apart. Through every crack and every contradiction, the film states –with clarity, grace, and a controversial power– its awareness of the fact that these themes have been present in comedies about (few) men and (many) women for decades. JPF

Mark Sawers Nació en Vancouver, Canadá. Creó numerosos proyectos para cine y televisión, entre ellos el cortometraje Shoes Off! (1998), ganador del premio Mejor Cortometraje de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, y el largometraje Camera Shy (2012). He was born in Vancouver, Canada. He created several film and TV projects, including the short film Shoes Off! (1998), which won the Best Short Film award at the Critics’ Week in Cannes, and the feature-length film Camera Shy (2012).

Canadá - Canada, 2015 / 80’ / DCP / Color & B&N Inglés - English D, G, E, PE: Mark Sawers F: Thomas Billingsley, Christopher Charles Kempinski DA: Theresa Konrad S: Kirby Jinnah M: Don MacDonald P: Kaleena Kiff, Galen Fletcher CP: Radius Squared Media Group I: Patrick Gilmore, Kristine Cofsky, Tara Pratt, Cameron McDonald, Rekha Sharma Contacto / Contact Radius Squared Media Group. Kaleena Kiff T +1 604 618 4469 E [email protected] W radius-squared.com ~ nomenbeyondthispoint.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

avant-garde & genre competition

The Bodyguard El guardaespaldas Tras la muerte de su maestro de kung fu, Wu abandona la ciudad y consigue trabajo como guardaespaldas de la chica más rica del pueblo. Allí debe apelar a su destreza en las artes marciales para enfrentar a un ejército de villanos.

Following the death of his kung fu master, Wu leaves the city and gets a job as a bodyguard of the richest girl in town. He will need to use his martial arts abilities to face an army of villains.

Protagonista, director, guionista y aventurero de cada secuencia, Yue Song está en llamas de principio a fin. Esta es una película de superacción, una película de kung-fu en modo iridiscente que autoriza a llamar a su creador delante y detrás de cámaras como el nuevo Jackie Chan (antes de que sea tarde: quédense a ver los créditos). Una película empapada de cinefilia, que procesa sus influencias –Titanic, James Bond, Kill Bill y el melodrama más superficial e hiperbólico– a velocidad demencial pero sin perder claridad, que se ríe de cada convención poniéndola a volumen 11 (la secuencia paródica de la playa convierte a la de La pistola desnuda en una de Claude Sautet), y que exhibe devoción por el movimiento. Ojos y almas acostumbrados a la acción en el cine, están a punto de experimentar un nuevo comienzo. Javier Porta Fouz

Protagonist, director, screenwriter and adventurer of every sequence, Yue Song is on fire from beginning to end. This is an all-out action movie, a kung-fu movie in iridescent mode that authorizes one to call its creator in front of and behind the cameras the new Jackie Chan (before it’s too late: stay for the end credits). A film steeped in cinephilia that processes its influences –Titanic, James Bond, Kill Bill and melodrama at the most superficial and hyperbolic– at a demented pace but without ever losing clarity, that laughs at every convention by turning it up to 11 (the parody sequence at the beach turns The Naked Gun into a film by Claude Sautet), and displays a devotion for movement. Eyes and souls accustomed to action at the movies are about to experience a new beginning. JPF

Yue Song

China / Hong Kong, 2016 / 90’ / DCP / Color / Mandarín

Es luchador de artes marciales. Debutó como director con King of the Streets (2012). He is a martial artist. He made his directorial debut with King of the Streets (2012).

D, G, P: Yue Song PE: Yue Song, Patricia Kong CP: Pan-Asia Visual Art Media, Yue Song Film and Television, Hai Run Film and Television, Malaysia SKT Song Jiang Media, Sheng Pin International Film and Television, Chang Long Film and Television I: Yue Song, Yu Xing, Collin Chu, Chan Man-wai Contacto / Contact All Rights Entertainment. Pearl Chan T +852 2388 6007 E [email protected] W allrightsentertainment.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia vanguardia y género

Alice in Earnestland Seong-sil-han na-la-ui Ael-li-seu Alicia en el País de la Honestidad En esta película de acción, Soo-nam lucha para pagar las facturas de su marido en estado vegetativo. Pero, a pesar de su gran esfuerzo, el marido parece condenado a no despertar nunca.

In this action film Soo-nam struggles to pay the bills of his husband, who’s in a vegetative state. But in spite of her great effort, the husband seems doomed to never wake up again.

Heroína de la desgracia, Soo-nam persigue fines pequeños con caudal de sangre a montones. Forzada por la vida, a esa desproporción le suceden sus pases mágicos dejando incendios intencionales, amputaciones y muertes de diversa índole en el camino, mientras Soo-nam procura no perder lo poco que tiene –incluido su marido en estado vegetativo–. Comedia negra de velocidad frenética y electricidad en partes iguales, Alice in Earnestland es un viaje sin freno por las formas de matar más disímiles, incluyendo una venganza llevada adelante con paciencia de santa. Porque, por más que ella se esfuerce intentando la bondad y el sacrificio en sus formas más puras, las cosas se le dan tan difíciles como fáciles le resultan sus golpes mortales, en una especie de arte marcial contra el mundo en su cara más disparatadamente injusta. Magdalena Arau

A heroine of disgrace, Soo-nam pursues small goals with huge amounts of bloodshed. Life forced her to that unbalanced situation with magic tricks that include intentional fires, amputations, and all kinds of deaths on the way, as she tries to keep what little she has –including her husband in vegetative state. A black comedy with equal amounts of frenzied speed and electricity, Alice in Earnestland is a non-stop journey through extremely different ways of killing, including a revenge that is carried on with a holy patience. Because even if she tries hard to be kind and sacrifice herself for others in the purest ways, things are too hard for her, except for the terribly easy ways she finds to spread her mortal punches, in a sort of martial art against the craziest and more unfair side of the world. MA

Ahn Gooc-jin Nació en Seúl en 1980. Después de graduarse del Departamento de Teatro y Cine en la Universidad de Kyung Hee, estudió dirección en la Academia Coreana de Artes Cinematográficas. Realizó los cortos Stop By My House (2008) y Double Clutch (2010). He was born in Seoul in 1980. After graduating from the Department of Theater and Film of the University of Kyung Hee, he studied filmmaking at the Korean Academy of Film Arts. He made the shorts Stop By My House (2008) and Double Clutch (2010).

Corea del Sur - South Korea, 2015 / 87’ / DCP / Color Coreano - Korean D, G: Ahn Gooc-jin F: Lee Seok-jun E: Ahn Gooc-jin, Kim Woo-il S: Hwang Yu-jin M: Jang Young-gyu P: Lee Ji-seung, Park Chan-ok PE: Yu Young-sik, Choe Equan CP: Kafa Films I: Lee Jun-hyun, Lee Jeong Hyun, Seo Young-hwa Contacto / Contact CJ Entertainment. Hawon Kim T +82 2371 8470 E [email protected] W lineup.cjenm.com/films ~ kafa.ac

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

avant-garde & genre competition

Esa sensación That Feeling Un virus que hace decir y hacer cosas a la gente. Una cadena contagiosa de torpeza, una mujer que se relaciona patológicamente con objetos de la ciudad y un hombre que espía a su padre por las calles: tres divertidas historias sobre el amor, la fe y la voluntad.

A virus that makes infected people say and do things. A contagious chain of clumsiness, a woman who relates in a pathological way to objects in the city, and a man who spies on his father on the streets: three funny stories about love, faith, and will.

Si hay algo que une el cine de Juan Cavestany, Julián Génisson y Pablo Hernando es su querencia por levantar las ciudades que muestran en sus films a partir de espacios despoblados, semi desérticos, lugares donde siempre parece que hubo un proyecto de construir algo y ese algo se dejó a medias: áreas de servicio, descampados, chatarrerías, glorietas, el mundo, más allá de sus propios conflictos íntimos, no parecería existir en torno los personajes de Gente en sitios, Berserker o La tumba de Bruce Lee. Ahora, estos tres magos del vitriolo ibérico se reúnen en un film colectivo (que no episódico) donde se ratifica que el retrato más realista de la realidad española, desde hace décadas ya, es el que pasa por el barniz del extrañamiento, el ángulo imposible y el sonido de un acúfeno atravesando la pantalla. Fran Gayo

If there’s one element that connects the cinema of Juan Cavestany, Julián Génisson, and Pablo Hernando that is their fondness with lifting up the cities they depict in their films through unpopulated, semi-deserted spaces, places where there’s always an unfinished project to build something. Service areas, wastelands, junk yards, roundabouts, and the world –beyond its own intimate conflicts– didn’t seem to exist around the characters in People in Places, Berserker or La tumba de Bruce Lee. Now, these three wizards of Iberian vitriol gather in a collective –yet not episodic– film, which confirms that –for decades now– the most realistic portrait of Spanish reality is that one featuring an alienating feel, impossible angles, and the sound of tinnitus across the screen. FG

los Directores / The Directors Juan Cavestany: Nació en Madrid en 1957. Dirigió varios cortos y largometrajes, como Gente en sitios (2013; Bafici ‘14). Julián Génisson: Nació en Madrid en 1982. Es guionista y director de La tumba de Bruce Lee (2013). Pablo Hernando: Nació en Vitoria-Gasteiz en 1986. Dirigió varios cortos y los largometrajes Cabás (2012) y Berseker (2015). Juan Cavestany: He was born in Madrid in 1957. He directed several short and feature-length films, including Gente en sitios (2013; Bafici ‘14). Julián Génisson: He was born in Madrid in 1982. He wrote and directed La tumba de Bruce Lee (2013). Pablo Hernando: He was born in Vitoria-Gasteiz in 1986. He directed several short films, and the feature-length films Cabás (2012) and Berseker (2015). 78

España - Spain, 2016 / 80’ / DCP / Color Español - Spanish D, G, F: Juan Cavestany, Julián Génisson, Pablo Hernando E: Raúl de Torres S: Juan Luis Cordero M: Aaron Rux P: Juan Cavestany PE: Juan Cavestany I: Lorena Iglesias, Vito Sanz, Jorge Suquet Contacto / Contact Juan Cavestany T +34 661 815 396 E [email protected] W facebook.com/Esa-Sensación

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competencia vanguardia y género

Bone Tomahawk Tomahawk de hueso Un superelenco formado por Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox y Richard Jenkins se adentra en el Salvaje Oeste para rescatar a un grupo de personas que se encuentran cautivas dentro de unas cuevas caníbales.

A super-cast featuring Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox and Richard Jenkins gets into the Wild West to rescue a group of people captive in some cannibal caves.

Esta ópera prima de Zahler tiene varios puntos de contacto con Los ocho más odiados, de Quentin Tarantino. Ambos son westerns protagonizados por Kurt Russell y gran elenco, ambos combinan elementos clásicos del género con otros más propios de película de terror (con alta cantidad de gore incluido), ninguno es políticamente correcto y ambos beben del western clase B más que de los grandes clásicos del género. Pero la primera película de Zahler es mucho mejor que la de Q. T.: genera mucha más tensión con unos villanos temibles, todos los personajes están muy bien desarrollados (y en mucho menos tiempo) y respetan los silencios y misterios propios de los que habitan el cine de cowboys. Brutal, intensa y extraña, Bone Tomahawk es un combo western-horror de los que se ven poco. Diego Lerer

Zahler’s first feature has a lot in common with Quentin Tarantino’s The Hateful Eight. They are both westerns starring Kurt Russell and other greats, they both combine classic elements from the genre with others that have more to do with horror films (including gore in large amounts), none of them is politically correct and both of them are more influenced by B-grade westerns than the great classics of the genre. But Zahler’s film is much better than Q.T.’s: it gathers a lot more tension with some fearsome villains, all the characters are well-developed (and in much less time) and respect the silences and mysteries of those who inhabit cowboy films. Brutal, intense and strange, Bone Tomahawk is quite a unique horror-western combo. DL

S. Craig Zahler Nació en Miami en 1973. Es novelista, guionista, músico, cineasta y director de fotografía. He was born in Miami in 1973. He’s a novelist, scriptwriter, musician, filmmaker and cinematographer.

Estados Unidos - US, 2015 / 133’ / DCP / Color / Inglés - English D, G: S. Craig Zahler F: Benji Bakshi E: Greg D’Auria, Fred Raskin DA: Freddy Waff S: Roland Vajs M: Jeff Herriott, S. Craig Zahler P: Dallas Sonnier, Jack Heller, Wayne Marc Godfrey, Robert Jones, David Gilbery PE: R. Scott Fort, David Gilbery, Wayne Marc Godfrey, Robert James, Hengameh Panahi, Peter Sherayko, Jon D. Wagner CP: Caliber Media Company I: Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox, Richard Jenkins, Lili Simmons Contacto / Contact Pascale Ramonda T +33 662 013 241 E [email protected] W pascaleramonda.com ~ facebook.com/bonetomahawkmovie

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

avant-garde & genre competition

Solitary Acts Actos solitarios Serie de tres películas que siguen impúdicamente a una mujer desde su niñez hasta sus años de adolescencia en los que explora su sexualidad.

Three films that are part of a series that shamelessly follows a woman from her childhood though her teenage years, while she explores her sexuality.

Estos actos solitarios se ejecutan contra toda esperanza, pero sobre todo contra todo intento de vulnerar eso que, con las prevenciones del caso, podemos llamar autonomía. Una mujer se masturba, besa su reflejo en el espejo, o masturba a un compañero. Las imágenes muestran manos y genitales en primer plano debajo de un rayado discontinuo y una irrupción parpadeante de carteles, frases enunciadas por una voz en off que no rehúye del relato en primera persona ni de la responsabilidad plena de lo exhibido. Los detalles autobiográficos, la insularidad del acto –en pie de guerra con las prevenciones paternas– o la indagación radical acerca de los límites de la propia intimidad permiten apreciar a una cineasta que concibe cada plano como una forma que siente, recuerda y se comenta a sí misma, sin perder nunca la capacidad de reflexionar. David Obarrio

These solitary acts are done against all hope, but mostly against any attempt at damaging something we could –cautiously– call autonomy. A woman masturbates, kisses her own reflection on a mirror, or masturbates a partner. The images show close-ups of hands and genitals under some discontinued scratching and a flickering irruption of signs with phrases spoken by a voice over that doesn’t avoid the first person narration or its full responsibility for the things we are watching. The autobiographical details, the insular nature of the act –fully confronting parental precautions– and a radical inquiry into the limits of intimacy allow us to appreciate a filmmaker who thinks of every shot as a form that is able to feel, remember, and comment on itself without ever losing its ability for reflection. DO

Nazlı Dinçel Nació en Ankara, Turquía, en 1989. Obtuvo una licenciatura y un máster de la Universidad de Wisconsin, Milwaukee. Actualmente vive en Ann Arbor, Michigan. She was born in Ankara, Turkey, in 1989. She has a bachelor’s and a master’s degree at the University of Wisconsin, Milwaukee. She currently lives in Ann Arbor, Michigan.

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Estados Unidos / Turquía - US / Turkey, 2016 / 25’ / 16mm / Color / Inglés - English D: Nazli Dinçel Contacto / Contact Nazli Dinçel T +1 415 265 5802 E [email protected]

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia vanguardia y género

Something Between Us Algo entre nosotros La cineasta experimental ha creado un estudio del movimiento; una coreografía de luz y fantasía que no posee ni un solo fotograma animado, y en el que arcoíris y diamantes llenan la pantalla.

The experimental filmmaker has created a study in movement; a choreography of light and fantasy that doesn’t have a single animated frame, and in which the rainbow and diamonds fill the screen.

Una de las grandes películas de Stan Brakhage, The Text of Light, es una investigación en torno a los efectos generados a partir de proyectar la luz a través de un cenicero de cristal. Es una de sus mejores películas, pero posiblemente también una de las más bellas. Ese parece ser también el objetivo de Jodie Mack con Something Between Us: buscar lo bello a través de la luz. Mack se sirve en su caso de joyas, de piedras preciosas y también del agua para extraer reflejos lumínicos. De repente, se inicia un tintineo y esos reflejos comienzan su peculiar baile, una sinfonía de luces, un ballet psicodélico que recuerda poderosamente los experimentos previos de Mack con el 3D. Jaime Pena

One of Stan Brakhage’s great films, The Text of Light, is an investigation on the effects generated by projecting light through a crystal ashtray. It’s one of his best films, but perhaps also one of his most beautiful. This also seems to be Jodie Mack’s goal in Something Between Us: to search for beauty through light. In her case, Mack makes use of jewelry, precious gemstones and also water to extract light reflections. Suddenly, some tinkling starts, and those reflections its peculiar dance, a symphony of light, a psychedelic ballet that powerfully brings to mind Mack’s previous experiments with 3D. JP

Jodie Mack

Estados Unidos - US, 2015 / 10’ / 16mm / Color

Nació en Londres en 1983. Obtuvo un máster en Cine, Video y Nuevos Medios de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 2007, y actualmente enseña animación en el Dartmouth College. Dirigió varios cortos en 16mm, que fueron exhibidos en Bafici ‘15. She was born in London in 1983. She got a Master’s in Film, Video and New Media from the School of the Art Institute of Chicago in 2007, and currently teaches animation at Dartmouth College. She directed many 16mm shorts that were shown at Bafici ‘15.

D, G, F, E, DA, S, M, P, PE: Jodie Mack Contacto / Contact Dartmouth College. Jodie Mack T +1 773 595 2312 E [email protected] W jodiemack.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

avant-garde & genre competition

Malgré la nuit Despite the Night A pesar de la noche Lens regresa a París para encontrar a su único y verdadero amor, Madeleine. A medida que la búsqueda de ella continúa, conoce a una enfermera con la que comienza una historia de amor marcada por los celos y la autodestrucción.

Lens returns to Paris to find his only true love, Madeleine. As his search continues, he meets a nurse with whom he starts a love story marked by jealousy and self-destruction.

Cineasta de la intensidad, de los cuerpos y de las sombras, Grandrieux extrema aquí las características de su estilo expresionista, cuyo centro es la imposibilidad de separar el deseo de la muerte, la violencia y el dinero. La profusión de escenas sexuales conecta una trama que se parece a un tren fantasma impulsado por el amor entendido como una pasión incompleta, a menos que esté abierto a las pulsiones más oscuras, más aberrantes, más abyectas. Malgré la nuit es el recorrido por un infierno subterráneo de traiciones y manipulaciones al que acceden sus personajes huérfanos, carentes de toda contención que no sea la necesidad de llegar al límite. Bon voyage. Jonás Zabala

A filmmaker of intensity, of bodies and of shadows, Grandieux maximizes here the characteristics of his expressionist style, which centers on the impossibility of separating desire from death, violence and money. The abundance of sexual scenes connects a plot that resembles a ghost train driven by love understood as a passion that’s incomplete, unless it’s open to the darkest, most unusual and abject impulses. Malgré la nuit is the journey through an underground hell of betrayal and manipulation by its orphan characters, who lack any kind of stability and are always on the edge. Bon voyage. JZ

Philippe Grandrieux Nació en Francia en 1954. Estudió cine en el Instituto Nacional Superior de Artes del Espectáculo en Bruselas y realizó su primera videoinstalación en 1976. Dirigió varios films, entre ellos La vie nouvelle (2002; Bafici ‘03) y Il se peut que la beauté ait renforcé notre résolution - Masao Adachi (2011; Bafici ‘14). He was born in France in 1954. He studied film at Brussels’ Institut National Supérieur des Arts du Spectacle and made his first video installation in 1976. He has directed many films, including A New Life (2002; Bafici ‘03) and The Beauty May Have Strengthened Our Resoluteness - Masao Adachi (2011; Bafici ‘14).

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Francia - France, 2016 / 155’ / DCP / Color Francés / Inglés - French / English D: Philippe Grandrieux P: Catherine Jaques CP: Lopsem I: Arianne Labed, Roxane Mesquida, Kristian Marr, Paul Hamy Contacto / Contact Films Boutique. Josephine Settmacher T +49 30 6953 7850 E [email protected] W filmsboutique.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

fuera de competencia - out of competition

competencia vanguardia y género

A Dragon Arrives! Ejhdeha Vared Mishavad! ¡Llega un dragón! Un detective, un geólogo y un ingeniero de sonido investigan a un preso político que se ahorcó en un barco abandonado en el medio del desierto iraní.

A detective, a geologist and a sound engineer investigate the case of a political prisoner that committed suicide by hanging himself in an abandoned ship in the middle of the Iranian desert.

Cuenta la leyenda que, durante el rodaje de The Brick and the Mirror (exhibida en este Bafici), el sonidista desapareció de un momento a otro. Según parece, literalmente, se lo tragó la tierra. Se establecen dos hipótesis posibles: la acción de los servicios secretos de inteligencia, o bien el cumplimiento de un maleficio anunciado, pues si a los muertos no se les da debida sepultura extrañas fuerzas subterráneas se activan. Como en un viaje por los infiernos, el desierto abre sus fauces, y lo que en principio adquiere la apariencia de un thriller sobrenatural deviene en documental, en noir, muta en varios pasajes musicales y, reptando como animal en la arena, desliza guiños de comedia disparatada y peripecias como en la más clásica de las aventuras. Porque en esta película se engullen todos los géneros posibles, unos a otros, con la misma fuerza con que la tierra se quiebra. Magdalena Arau

According to the legend, a sound technician suddenly disappeared during the shooting of The Brick and the Mirror (screened at this edition of Bafici). Apparently, he was literally swallowed by the earth. Two different hypotheses: it was either the intelligence services, or rather the fulfillment of an announced curse, because when you don’t provide a proper burial to the dead, strange underground forces emerge. The desert opens its mouth like in a journey through hell, and what at first seems to be a supernatural thriller becomes a documentary, a film noir, and mutates into several musical scenes. Crawling line a sand animal, the film also hints at crazy humor and the kind of events from classic adventure movies. Because in this film every possible genre swallows the other, with the same force that breaks the Earth open. MA

Mani Haghighi

Irán - Iran, 2016 / 108’ / DCP / Color / Persa - Farsi

Nació en Teherán, Irán, en 1969. Estudió filosofía, y trabaja como actor, guionista y realizador. Dirigió varios largometrajes, entre ellos Paziraie Zadeh (2012), y protagonizó Melbourne (2014). He was born in Teheran, Iran, in 1969. He studied philosophy, and works as an actor, screenwriter and filmmaker. He directed many shorts including Paziraie Zadeh (2012), and starred in Melbourne (2014).

D, G, P: Mani Haghighi F: Houman Behmanesh E: Hayedeh Safiyari DA: Amir Hossein Ghodsi S: Amir Hossein Ghasemi M: Christophe Rezai PE: Mehdi Davari, Chavosh Shirani, Lili Golestan, Taraneh Alidoosti, Alireza Bazel, Mani Haghighi I: Amir Jadidi, Momayun Ghanizadeh, Ehsan Goudarzi, Kiana Tajammol, Nader Fallah Contacto / Contact The Match Factory. Sergi Steegmann E [email protected] W the-match-factory.com

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avant-garde & genre competition

Demon Demonio Inspirada en una leyenda de origen judío (el dybbuk), la aterradora Demon narra la historia de un joven que visita la ciudad natal de su futura esposa. Como regalo de bodas, reciben un terreno para construir su casa, pero desconocen que, debajo de los cimientos de su nueva propiedad, se ocultan restos humanos.

Inspired by a Jewish legend (the dybbuk), the terrifying Demon tells the story of a man who visits his future wife’s hometown. As a wedding gift, they receive a piece of land so they can build their own house, but they are not aware that human remains rest beneath the foundations of their new property.

Como lo demostraba el último y mejor episodio de Relatos salvajes, las bodas pueden ser asediadas por demonios diversos; en el caso de esta película ominosa, de forma bastante literal. Un casamiento en el campo, los novios, la familia, los invitados, borracheras, sexo, comida, gritos eufóricos y el círculo recomienza. Y la aparición de la amenaza atávica, del peligro, del miedo. Marcin Wrona dispone la que fue su última película como el relato de un asedio inasible pero a la vez concreto, peligroso, progresivamente desesperante. El terror y la posesión como posibilidad, luego como probabilidad y después como presencia. El hecho de que Wrona logre este relato sugestivo, poco amigable, casi agresivo en su malevolencia, sin apelar a grandes artificios ni golpes arteros nos habla de un director que tenía mucho por darle al cine. Javier Porta Fouz

As we saw in the last and finest episode of Wild Tales, weddings can be haunted by different demons –and in this ominous film, it happens in a quite literal way. A wedding celebration in the countryside, the bride and groom, the family, the guests, drunkenness, sex, food, euphoric shouting, and the circle starts all over again –and an atavistic threat of danger and fear emerges. Marcin Wrona sets out his last film as the depiction of an unfathomable siege that is yet concrete, dangerous, and progressively distressing. Horror and possession stand as a possibility, then as a probability, and then as an actual presence. The fact that Wrona delivered this suggestive, unfriendly story that is almost aggressively evil, without using much artifice or low blows, speaks of a filmmaker who had a lot to contribute to cinema. JPF

Marcin Wrona

Polonia / Israel - Poland / Israel, 2015 / 94’ / DCP / Color Polaco / Inglés / Yiddish - Polish / English / Yiddish

Nació en Tarnów, Polonia, en 1973 y falleció en 2015. Se graduó de la Universidad Jagellónica y del Instituto de Cine Binger en Ámsterdam. Dirigió los largometrajes My Flesh, My Blood (2009) y The Christening (2010). Murió en 2015. He was born in Tarnów, Poland, in 1973 and died in 2015. He graduated from the Jagiellonian University and the Binger Film Institute in Amsterdam. He directed My Flesh, My Blood (2009) and The Christening (2010). He died in 2015.

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D, P: Marcin Wrona G: Marcin Wrona, Pawel Maslona F: Pawel Flis E: Piotr Kmiecik DA: Anna Wunderlich S: Tomasz Sikora M: Krzysztof Penderecki, Marcin Macuk CP: Magnet Man Film, Transfax Film Productions I: Itay Tiran, Tomasz Schuchardt, Andrzej Grabowski, Agnieszka Żulewska Contacto / Contact Reel Suspects. Alberto Álvarez Aguilera T +33 6 9549 6563 E [email protected] W reelsuspects.com ~ magnetmanfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE Foto / Photo: Robert Palka

competencia vanguardia y género

The Lure Corki dancingu El señuelo Dos sirenas se unen a una banda de músicos relacionados con el mundo del baile de Varsovia de unos años ochenta de fantasía. Música estridente, luces de neón y brillantes lentejuelas.

Two mermaids join a band of musicians linked to the world of dance in ‘80s Warsaw. Strident music, neon lights and sparkling sequin.

Silver y Gold son dueñas de una belleza sobrenatural. Literalmente sobrenatural: son sirenas; ejemplares únicos, peligrosamente angelicales, de la mítica especie de las mujeres-pez, que emergen del río Vístula como salidas del tenebroso cuento de hadas que anticipan los hipnóticos créditos iniciales. Y que enseguida llevan su lozanía hasta ese lugar perdido en el espacio-tiempo que es la escena nocturna, pop y un poco punk de Varsovia en los años ochenta; un lugar de liberación sensorial y emocional en los últimos tramos de la era soviética. Echadas a andar en un mundo de hombres horribles, las chicas no tardarán en revelar su naturaleza depredadora, dando forma a esta suerte de reversión lisérgica, bailable y sedienta de sangre de “La sirenita” de Andersen, con un poder de encantamiento tal que nadie –ni de un lado ni del otro de la pantalla– va a quedar a salvo. Mariano Kairuz

Silver and Gold have a supernatural beauty. It’s literally supernatural: they are mermaids; unique and dangerously angelical specimens of the mythical fish-women species, who emerge from the Vístula river as if coming from the spooky fairy tale that precedes the hypnotic opening credits. And they quickly take their vigor to a lost place in space-time: the pop and slightly punk night-scene of ‘80s Warsaw, a place of sensorial and emotional liberation during the last years of the Soviet era. Living in a world of horrible men, the girls will soon reveal their predatory nature, and shape this sort of lysergic, danceable, and bloodthirsty revisiting of Andersen’s “The Little Mermaid”, with such a charming power that no one –on both ends of the screen– will be safe. MK

Agnieszka Smoczynska

Polonia - Poland, 2015 / 92’ / DCP / Color / Polaco - Polish

Nació en Breslavia, Polonia, en 1978. Estudió radio y televisión en la Universidad de Krzysztof Kieslowski. She was born in Wroclaw, Poland, in 1978. She studied radio and television at the Krzysztof Kieslowski University.

D: Agnieszka Smoczynska G: Robert Bolesto F: Kuba Kijowski E: Jaroslaw Kaminski DA: Joanna Macha S: Maria Chilarecka, Marcin Lenarczyk M: Barbara Wronska, Zuzanna Wronska P: Wlodzimierz Niderhaus PE: Wlodzimierz Niderhaus CP: WFDiF Contacto / Contact WFDiF. Marika Cieslik T +48 225 593 313 E [email protected] W wfdif.pl

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avant-garde & genre competition

Cinzas e brasas Ashes and Embers Cenizas y brasas En la edición portuguesa de la novela Campo de sangue, la escritora Dulce María Cardoso afirma que “la belleza puede ser un pretexto para volverse loco”. El disparador es un reencuentro con los ardores de una relación propia, sobre la que escribió su primer libro.

In the Portuguese edition of the novel Campo de sangue, author Dulce María Cardoso states that “beauty can be a pr etext for going insane.” The inspiration is a reunion with an old flame, about whom she wrote her first book.

Este cortometraje de Mozos, ciertamente un caso distinguido de belleza y misterio, produce una extraña aleación entre literatura y cine, no como si se tratara de dos disciplinas donde una se ve vampirizada por la otra, sino como si fueran las caras de una misma moneda, llamadas a convivir y a repelerse mutuamente. Como toda película perteneciente a una especie solitaria, Cinzas e brasas exhibe una arrogancia única mientras tiembla, un poco inerme, sin ninguna seguridad de que los pliegues de la ficción constituyan alguna clase de garantía de supervivencia para objetos tan raros. Memoria y fantasmas son dos palabras que se dicen fácilmente, pero en esta película singular, construida con todo el refinamiento del mundo, parecen destinadas a constituir el fin último del cine, y su afán más perdurable. David Obarrio

Certainly an outstanding case of beauty and mystery, this short film by Mozos creates a strange alloy of literature and cinema, and not in the way one discipline is a vampire for the other, but rather as if they were the different faces of the same coin, drawn to coexist and repel each other. As if every film belonged to a lonely species, Ashes and Embers shows a unique arrogance as it trembles, somewhat defenseless, with no certainty that the folds of fiction constitute any kind of survival guarantee for such strange objects. Memory and ghosts are two words that are easily said, but in this singular and very refined film they seem destined to become the ultimate goal of cinema, and its most endurable desire. DO

Manuel Mozos Nació en Lisboa, Portugal, en 1959. Antes de ingresar en la Escuela Superior de Teatro y Cine, donde se especializó en montaje, estudió historia y filosofía. Dirigió Ruínas (2009; Bafici ‘10) y João Bénard da Costa - Outros amarão as coisas que eu amei (Bafici ‘15). He was born in Lisbon, Portugal, in 1959. After entering the Upper School of Theater and Film, where he specialized in editing, he studied history and philosophy. He directed Ruínas (2009; Bafici ‘10) and Others Will Love the Things I Have Loved (Bafici ‘15).

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Portugal, 2015 / 21’ / DCP / Color Portugués / Portuguese D: Manuel Mozos G: Luís Mário Lopes F: Iana Ferreira E: Manuel Mozos, Luís Nunes S: José Pedro Figueiredo, Mário Dias, Nuno Carvalho P: João Viana PE: João Viana CP: Papaveronoir Filmes I: Isabel Ruth, Ana Ribeiro, Gustavo Sumpta Contacto / Contact Agencia - Portuguese Short Film Agency. Salette Ramalho T +351 252 646 683 E [email protected] W curtas.pt/agencia

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competencia vanguardia y género

Maria do Mar En una casa de campo, dos hermanos y un grupo de amigos veinteañeros se ven sorprendidos por una inesperada presencia femenina. El joven Nicolau observa todo con la fascinación de un outsider y el encanto de quien vive un momento único e irrepetible.

Two brothers and a group of friends in their twenties are surprised by an unexpected female presence in a country house. Young Nicolau observes everything with the fascination of an outsider and the charm of someone who is living a unique and unrepeatable moment.

Ese punto exacto, ese fulgor del enamoramiento de aquel verano pasado, de esa época en que todo era presente y futuro. Ese punto exacto lo encuentra João Rosas en Maria do Mar, la película, y también en Maria do Mar, la chica, el objeto de atención de las miradas de los reunidos en este fin de semana en esta casa de campo cerca de Sintra. Nicolau observa a su hermano Simão y a sus amigos, sus rituales de “más grandes”, escucha las conversaciones, mira, absorbe ese momento fundamental capturado en un mediometraje que se impone como uno de los grandes relatos del coming of age del cine reciente. La grandeza de esta película se cruza con su amabilidad, con su duración de 35 minutos, con su precisión para narrar y, sobre todo, para describir un lugar del espacio y de la memoria emocional del amor o, mejor dicho, del deslumbramiento. Javier Porta Fouz

That exact point, the brightness of a love affair from last summer, a time when everything was both present and future. João Rosas finds that exact point in Maria do Mar, the film, and Maria do Mar, the girl and object of attention for the eyes of those gathered at a country house near Sintra for the weekend. Nicolau observes his brother Simão and his friends in their “big brother” rituals, he listens to their conversations, looks, absorbs that essential moment captured by this medium length film that stands as one of the finest coming of age stories of recent cinema. And the greatness of this film is linked with its kindness, its 35 minutes duration, its precision for storytelling and, especially, its description of an area of love’s and its emotional memory –or, better said, its bedazzlement. JPF

João Rosas

Portugal, 2015 / 35’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese

Nació en Lisboa, Portugal, en 1981. Se formó en la Escuela de Cine de Londres. Publicó tres libros de cuentos, y dirigió los cortometrajes My Mother Is a Pianist (2006), Entrecampos (2013) y el documental Birth of a City (2009). He was born in Lisbon, Portugal, in 1981. He trained at the London Film School. He published three books of short stories, and directed the short films My Mother Is a Pianist (2006), Entrecampos (2013) and the documentary Birth of a City (2009).

D, G: João Rosas F: Paulo Menezes E: Luís Miguel Correia, João Rosas DA: Nádia Henriques S: Tiago Matos M: Juraj Ferina, Pavle Miholjevic P: Luís Urbano, Sandro Aguilar, João Matos PE: Susana Nobre CP: O Som e a Fúria, Terratreme Filmes I: Francisco Melo, Mariana Galvão, Miguel Carmo, André G. Pinto, Paola Giuffrida Contacto / Contact Terratreme Filmes, O Som e a Fúria. Pedro Peralta T +351 212 415 754 E [email protected] ~ [email protected] W terratreme.pt

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avant-garde & genre competition

Stand By for Tape Back-Up Esperando el backup del casete Tras la muerte de su abuelo, el poeta Ross Sutherland toma fragmentos de películas antiguas y programas de televisión y los reconstruye, transformándolos en una meditación audiovisual sobre la memoria y la muerte.

After the death of his grandfather, poet Ross Sutherland takes fragments from old films and TV shows and reconstructs them, turning them into an audiovisual meditation on memory and death.

Los diversos soportes que hemos inventado los seres humanos para conservar nuestros recuerdos buscan reproducir –obvio– el funcionamiento de nuestra propia memoria. Quizá sea blasfemo decir esto en un festival de cine, pero más que el nitrato, el celuloide o el DCP, la cinta de video es (¿fue?) el medio que más cerca estuvo de lograr esa utopía, sobre todo en la instancia de recuperación de los recuerdos. Rebobinar, pausar, darle al FF o al stop; encontrar superposiciones casuales, zonas desgastadas, finales abruptos: pasa en la vida, pasa en los VHS. Sutherland entendió como nadie la perfecta analogía analógica; primero la convirtió en show de stand-up y ahora la fijó –la grabó– en una película sabia, graciosa, poética, rapera, oscura, incierta, conmovedora: como la mismísima memoria. Agustín Masaedo

The diverse mediums us humans have invented in order to preserve our memories seek to reproduce –obviously– the functioning of our own memory. Maybe it’s blasphemous to say this at a film festival, but more than nitrate, celluloid or DCP, videotapes are (were?) the medium that got closer to fulfilling that utopia, mainly in the instance of memory recovery. Rewinding, pausing, fast-forwarding or stopping; finding casual superimpositions, worn-out areas, abrupt endings: it happens in life, it happens on VHS. Sutherland understood the perfect analog analogies better than anyone; first, he turned it into a stand-up comedy show and has now fixed it –taped it– in a film that’s wise, funny, poetic, rapper-y, dark, uncertain, moving: like memory itself. AM

Ross Sutherland

Reino Unido - UK, 2015 / 65’ / DCP / Color / Inglés - English

Nació en Edimburgo en 1979. Tiene cuatro libros de poemas y es miembro del colectivo de poesía Aisle16. He was born in Edinburgh in 1979. He has four books of poems and is a member of the poetry collective Aisle16.

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D, G, I: Ross Sutherland E, P: Ross Sutherland, Charlie Lyne Contacto / Contact Ross Sutherland T +44 771 944 6025 E [email protected] W rosssutherland.co.uk ~ standbyfortapebackup.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE Foto / Photo: Wolfgang Lehmann

competencia vanguardia y género

Traces of Garden Huellas de jardín Una relación poética entre colores, formas y movimiento. Imágenes que incluyen agua, árboles, paisajes y una escena de amor, donde todo se transforma y se repite y ninguna imagen es idéntica a la otra.

A poetic connection between colors, forms, and movement. Images that feature water, trees, landscapes, and a love scene where everything transforms and repeats itself, and no picture is identical to another one.

Si el anterior film de Wolfgang Lehmann, el mosaico estroboscópico Drangonflies with Bird and Snake, suponía un tour de force para la retina del espectador más aguerrido, llama la atención el salto al tono sosegado y pictórico de Traces of Garden, un regreso a los bosques en el que el director parece buscar una puesta al día de los acercamientos a la naturaleza de los primeros impresionistas. Durante 70 minutos, el nuevo film de Lehmann nos pasea, guiados por un canto de pájaros constante que va mutando del registro limpio a la distorsión, por un sendero de copas de árboles en descomposición constante, haciendo gala de una caligrafía delicada a la que incorpora nuevas figuras retóricas como el glitch y el pixelado, deformaciones digitales de las que logra extraer un inesperado lirismo. Fran Gayo

Since Wolfgang Lehmann’s previous film, the stroboscopic mosaic Drangonflies with Bird and Snake, offered a tour de force to the retinas of brave viewers, it’s surprising to see this jump into the mild and pictorial tone featured in Traces of Garden, a return to the woods in which the director seemingly tries to update the closeness with nature of the first impressionist painters. For 70 minutes, Lehmann’s new film takes us through a path of decomposing treetops guided by a constant tweeting of birds, and shows off a delicate hand that calls upon new rhetorical figures like glitch and pixels, digital deformations from which he extracts an unexpected lyrical quality. FG

Wolfgang Lehmann Nació en Alemania en 1967. Desde 1994 ha dirigido numerosos cortos, como Image of Myself - Act, Study N°2 (2003), Route to Cape Town (2005), Play y Birds by the Sea (ambos de 2008), y el largometraje Dragonflies with Birds and Snake (2011; Bafici ‘12). He was born in Germany in 1967. Since 1994 he has directed several short films, including Image of Myself - Act, Study N°2 (2003), Route to Cape Town (2005), Play and Birds by the Sea (both in 2008), and the feature-length film Dragonflies with Birds and Snake (2011; Bafici ‘12).

Suecia / Alemania - Sweden / Germany, 2016 71’ / DCP / Color & B&N D, G, F, E, DA, P, PE: Wolfgang Lehmann S, M: Ralf Freudenberger CP: Wolfgang Lehmann Film I: Amparo Tamayan, Shichiro Ozu Contacto / Contact Wolfgang Lehmann Film. Wolfgang Lehmann T +46 768 948 171 E [email protected] W imagewolfganglehmann.de ~ imagewolfganglehmann.de

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

avant-garde & genre competition

The Island Funeral Maha Samut Lae Susaan El funeral de la isla Una pareja de jóvenes emprende un largo viaje hacia las afueras de la ciudad, pero en el camino descubren un mundo fantasmagórico y más peligroso de lo que pensaban.

A young couple embark on a long trip to the city’s outskirts, but on their way, they discover that the world outside their car is more dangerous than they thought.

El arte de filmar a las personas como si fueran apariciones sobrenaturales y a la naturaleza misma como una dimensión tan ajena que resulta animada y nueva es algo que ya conocíamos en el cine tailandés, gracias a películas como Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives, de Apichatpong Weerasethakul. Pimpaka Towira crea un ambiente hechizado todavía más sutil para contar el viaje de tres amigos desde la gran ciudad (apenas un recuerdo en flashes hipersaturados) hacia una isla, a través de un territorio en el que la situación política se encarna en militares en motocicletas, templos musulmanes, mujeres con chador. “¿Sabés que acá mataban gente?”, señala uno de los protagonistas frente a una mezquita abandonada, y esa violencia, referida casi como una leyenda, se materializa en la forma del cine de un género que superpone jirones de terror y fantasmas demasiado materiales en la oscuridad casi total del paisaje campestre. Marina Yuszczuk

The art of filming people as though they were supernatural apparitions and nature itself as a dimension so otherworldly that it becomes animated an new is something we already knew from Thai cinema, thanks to films like Apichatpong Weerasethakul’s Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives. Pimpaka Towira creates an even subtler haunted atmosphere in order to tell the voyage of three friends from the big city (barely a memory in hyper-saturated flashes) to an island, through a territory where the political situation includes military men in motorcycles, Muslim temples, women with chador. “Did you know that they used to kill people here?,” one of the protagonists points out in front of an abandoned mesquite, and that violence, referred to almost as a legend, materializes in the form of cinema of a genre that superimposes bits of horror and ghosts that are too material in the almost total darkness of the rural landscape. MY

Pimpaka Towira

Tailandia - Thailand, 2015 / 105’ / DCP / Color / Tailandés - Thai

Nació en Tailandia en 1967, y se formó en cine en la Universidad de Bangkok. Debutó como realizadora en 2003 con el largometraje Husband. She was born in Thailand in 1967, and trained at the University of Bangkok. She made her debut as a filmmaker in 2003 with the feature Husband.

D: Pimpaka Towira G: Kong Rithdee, Pimpaka Towira F: Phuttiphong Aroonpheng E: Harin Paesongthai, Benjarat Choonuan, Uruphong Raksasad DA: Vikrom Janpanus S: Akritchalerm Kalayanamitr P: Pimpaka Towira, Chatchai Chaiyon PE: Pimpaka Towira CP: Extra Virgin I: Heen Sasithorn, Aukrit Pornsumpunsuk, Yossawat Sittiwong, Pattanapong Sriboonrueang, Wanlop Rungkamjad Contacto / Contact Mosquito Films Distribution. Donsaron Kovitvanitcha T +66 837 101 238 E [email protected] W mosquitofilmsdistribution.com ~ facebook.com/theislandfuneral

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia vanguardia y género

Le Moulin Ri Yao Ri Shi San Buzhe Poesía, literatura, pintura y cine convergen en este lírico ensayo fílmico sobre los poetas taiwaneses que protestaron en la década del treinta contra la superioridad cultural japonesa y la dominación del realismo en la poesía.

Poetry, literature, painting and film converge in this lyrical film essay about the Taiwanese poets who protested against Japan’s cultural superiority and the predominance of realism in poetry during the ‘30s.

Hay gestos elevados tan decididos como breves y condenados al fracaso. Tratar de refrenar el colonialismo japonés en el Taiwán de los años treinta puede ser uno. Encarar esa resistencia editando una revista de poesía surrealista pasa a la categoría de gestos sublimes. En su ópera prima, Huang Ya-li se suma a otra campaña destinada al naufragio: la de incursionar en un género tan condenado a la elefantiasis como el de la reconstrucción histórica, y hacerlo con una delicadeza pareja a los movimientos de estos jóvenes poetas que rotulan, cosen y encuadernan cada ejemplar de su revista. El resultado es una obra única por la que desfilan Cocteau, Teinosuke Kinugasa, Proust o Buñuel, un homenaje de belleza arrebatadora a todos esos “happy few” bendecidos con el don de visualizar un caballo que galopa sobre un tomate. Fran Gayo

Some elevated gestures are just as determined as they are brief and doomed to failure. Trying to fight back Japanese colonialism in Taiwan, back in the ‘30s, could be an example of that. And to carry on that resistance by publishing a surreal poetry magazine transcends to the category of sublime gestures. In her first film, Huang Ya-li joins yet another campaign destined to shipwreck: making an incursion into a genre doomed to gigantism: the period piece; and doing it so with the same delicacy as the movements of these young poets who label, sow, and bind every copy of their magazine. The result is a unique film where Cocteau, Teinosuke Kinugasa, Proust, or Buñuel parade by; a tribute to the breathtaking beauty of all those “happy few” who are blessed with the gift of visualizing a horse galloping on a tomato. FG

Huang Ya-li

Taiwán - Taiwan, 2015 / 162’ / DCP / Color & B&N Japonés / Mandarín - Japanese / Mandarin

Nació en Taiwán, y debutó como realizador en 2009 con su corto The Pursuit of What Was. He was born in Taiwan, and made his debut as a filmmaker in 2009 with his short The Pursuit of What Was.

D, G, E: Huang Ya-li F: Hyperreality Mer, Huang Ya-li DA: Chang I-feng S: Huang Ya-li, Yannick Dauby M: Hsieh Chieh-ting P: Huang Ya-li, Chang Wen-Pei, Chang Ming-tho, Hvang Doin-Chi PE: Yen Hung-ya CP: Roots Films, Punch Cinema I: Liang Chun-wen, Lee Ming-wei, Ian Shen, Even Shen, Deven Ho Contacto / Contact Ablaze Image. June WU T +886 233 221 220 E [email protected] W ablazeimage.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE Cortesía de / Courtesy of Ablaze Images Ltd

avant-garde & genre competition

The Laundryman Qing tian jie yi hao El lavandero Nada es lo que parece en la lavandería de la hermosa A-Gu, porque detrás de los lavarropas se brinda otro tipo de servicio, en el cual las sustancias químicas e instalaciones presentes en el local pueden resultar muy útiles para “limpiar” cualquier tipo de evidencia.

Nothing is what it seems in the laundromat of beautiful A-Gu, because what they offer behind the washing machines is a service in which the chemicals and equipment they have in the store can be very useful to “clean up” any kind of evidence.

En el lavadero dirigido por la bella A-Gu, el verbo limpiar se usa en casi todas sus acepciones. Pero, cuando el mejor de los asesinos a sueldo que operan tras esa pulcra fachada empresarial empieza a ser molestado por los fantasmas de sus víctimas, se impone una limpieza de un tipo no contemplado hasta entonces. El servicio de valet (que también tiene algo de ballet) ectoplásmico está a cargo de una psíquica con facilidad para la posesión, talento que terminará por desatar una guerra sucia entre el anónimo killer y A-Gu. Saltando de género en género con gracia, velocidad y esa luz melancólica que patentó Wong Kar-wai (su Jet Tone Films es una de las productoras), la ópera prima de Lee Chung reivindica para el cine oriental una capacidad de sorpresa que empezábamos a extrañar. Agustín Masaedo

In the laundromat run by the beautiful A-Gu, the word cleaning is used in all of its meanings. But when the finest hit man –among the many operating behind this clean business front– starts to be disturbed by the ghosts of his victims, it is time for a kind of cleaning they haven’t contemplated before. A psychic woman runs the ectoplasm valet service (with a bit of ballet in it) and has a capacity for possessions –a talent that will unleash a dirty war between the anonymous killer and A-Gu. Jumping from one genre to the other with grace, speed, and that melancholic glow patented by Wong Kar-wai (his company Jet Tone Films is one of the producers here), Lee Chung’s first film vindicates Asian cinema’s capacity for surprise, which we were starting to miss. AM

Lee Chung Nació en Taiwán, y estudió cine en la Universidad de Columbia en Nueva York. En 2009, su tesis Mochi fue proyectada en varios festivales y premiada en su país natal. He was born in Taiwan, and studied filmmaking at the University of Columbia in New York. In 2009, his thesis film Mochi was screened in several festivals as well as awarded at home.

Taiwán - Taiwan, 2015 / 112’ / DCP / Color Mandarín / Taiwanés - Mandarin / Taiwanese D: Lee Chung G: Lee Chung, Chen Yu-hsun F: Yao Hung-i E: Yao Hung-i, Yang Wei-hsin, Chiang Yi-ning, Shieh Meng-ju DA: Wang Chih-Chen S: Kuo Li-chi M: Wen Tzu-chieh P: Lee Lieh, Roger Huang CP: 1 Production Film Co. I: Chang Hsiao-chuan, Sui Tang, Wan Qian, Yeo YannYann Contacto / Contact Ablaze Image Ltd.. June WU T +886 2 3322 1220 E [email protected] W ablazeimage.com/the-laundryman-info

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia oficial latinoamericana latin american official competition

APERTURA / OPENING fuera de competencia - out of competition

latin american official competition

Las plantas Plants Florencia, de 17 años, debe hacerse cargo de su hermano mayor que se encuentra en estado vegetativo. Intentando sobrevivir sin dinero ni nadie que cuide de ellos, la joven descubrirá el cómic Las plantas y comenzará a explorar su sexualidad a través de Internet.

Florencia is 17 years old, and she must take care of her brother, who is a vegetative state. Trying to survive with no money and no one taking care of them, the young girl will discover the comic book The Plants and start to explore her sexuality through the Internet.

En el cómic que Florencia lee devotamente, las plantas invaden la ciudad durante la luna llena, como si fueran fantasmas. En su mundo, esa fantasía dibujada pareciera también cobrar vida. Su casa está rodeada de un jardín que por momentos adquiere ese poder, enrareciendo el ambiente y aportando visiones confusas. Como sumergida en una atmósfera vegetal, Florencia debe lidiar con el tiempo que le toca vivir, en el que su entorno afectivo languidece a la vez que sus obligaciones cubren cada vez más sus ratos libres. Ella se despide de la adolescencia reinventando los modos de relacionarse con los otros, diseñando aventuras con algunos hombres, bailando con sus amigos, volviendo a leer Las plantas como un rito para el encantamiento del mundo. Magdalena Arau

In the comic book Florencia reads devotedly, plants invade the city during full moon nights, as if they were ghosts. In her world, this drawn fantasy also seems to come alive. His house is surrounded by a garden that at times gains that power and brings a strange vibe to the environment as well as confusing visions. As if submerged in a vegetal atmosphere, Florencia must deal with the time she finds herself in, where the people close to her languishes at the same time her obligations progressively cover her free time. She says goodbye to adolescence reinventing the way she relates to others, designing adventures with men, dancing with friends, and re-reading Plants as a ritual for casting a spell on the world. MA

Roberto Doveris

Chile, 2015 / 90’ / DM / Color / Español - Spanish

Trabaja como editor general de CinemaChile y dirige Niña Niño Films, donde ha realizado más de 30 videoclips y varios cortos. Las plantas es su primer largometraje. He works as a general editor at CinemaChile and runs Niña Niño Films, through which he directed over 30 music videos and several short films. Plants is his feature film debut.

D, G: Roberto Doveris F: Patricio Alfaro E: Roberto Doveris, Pilar Rodríguez DA: Natalia Mardones, Antonia Garretón S: Diego Aguillar M: Violeta Castillo, Ignacio Redard P: Rocío Romero, Roberto Doveris PE: Rocío Romero CP: Niña Niño Films, Mimbre Producciones I: Violeta Castillo, Ingrid Isensee, Mauricio Vaca, Ernesto Meléndez Contacto / Contact Patra Spanou Film Marketing & Consulting. Patra Spanou T +49 15 2019 87294 E [email protected] W patraspanou.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial latinoamericana

Las calles The Streets En Puerto Pirámides las calles no tienen nombre. Julia, maestra de la única escuela del lugar, desarrolla un proyecto escolar que compromete a sus alumnos en un objetivo común: buscar nombres para denominar las calles.

In Puerto Pirámides, streets have no name. Julia, a teacher in the only existing school in the area, develops a school project that engages her students in a shared goal: look for names for the streets.

Las calles podría pensarse como una película sobre la palabra. Sobre el hecho de contar y de nombrar, sobre los secretos y las confesiones, y sobre el lenguaje como materia de la memoria. En un diálogo entre generaciones, los jóvenes son los responsables de elaborar la pregunta, y es la escuela el espacio que busca pensar para ello una técnica. A la vez son los mayores quienes responden dando cuenta de sus historias, que no son otra cosa que la historia del pueblo. Y así como la palabra, que siempre es ficción que construye realidad, la película sostiene su registro en esa zona intermedia en la que la puesta en escena ficcional procura las condiciones para que el registro documental puro marque los tiempos y vaya al encuentro de las personas. Magdalena Arau

Las calles could be regarded as a film about words, about describing and naming, about secrets and confessions, and about language as the matter of memory. In a dialogue between generations, young people are responsible for elaborating the question, and School is the place that tries to come up with a technique for it. In turn, the elderly answer through their stories, which are basically the story of the town. And like the word –which is always a fiction– builds a reality, the film sustains its tone on that intermediate area in which a fictional setting provides the conditions for the pure documentary genre to mark the pace and reach out to people. MA

María Aparicio

Argentina, 2016 / 81’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Córdoba, Argentina, en 1992, y estudió cine y televisión en la Universidad Nacional de Córdoba. Desde el año 2011 integra la productora Vientosur Cine, establecida en la ciudad de Córdoba. She was born in Córdoba, Argentina, in 1992, and studied film and television at the Cordoba National University. In 2011, she joined the production company Vientosur Cine, based in the city of Córdoba.

D: María Aparicio G: María Aparicio, Nicolás Abello F: César Aparicio, Santiago Sgarlatta E: Martín Sappia S: Juan Manuel Yeri, Nicolás Giecco M: Fernando Uñates P: Natalia Gamarro CP: Vientosur Cine, Blackmaría I: Eva Bianco, Mara Santucho, Gabriel Pérez Contacto / Contact Vientosur Cine. María Aparicio T +54 9 351 372 6030 E [email protected] W lascallespelicula.com

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latin american official competition

Romántico italiano Italian Romantic Salgado sigue a Camila Toker durante el Festival de Mar del Plata. Mientras ella habla por teléfono, la cámara filma la rambla y colecciona escenas marplatenses que culminan en un ralenti mientras suena una canción romántica italiana.

Salgado follows Camila Toker during the Mar del Plata Film Festival. While she talks on the phone, the camera captures the boardwalk and collects Mar del Plata scenes that culminate in a slow motion piece, while we hear an Italian romantic song.

Aquello que vemos y que se escamotea, los sonidos, murmullos y música de una ciudad, el seductor andar de una mujer –la bella Camila Toker–, el deseo silencioso de un hombre que filma y persigue, los típicos habitantes de la ciudad costera y, su contraparte, los turistas son las líneas que atraviesan Romántico italiano. Cine dentro del cine como una muñeca rusa infinita. Filmada en el contexto del último Festival de Mar del Plata, la película exhibe desde los primeros planos de la mujer en una entrevista fantasmagórica hasta sus devaneos amorosos mientras recorre la ciudad y a la vez relata sus experiencias. Un gran compilado de aquello que motoriza la experiencia de ver, hacer y sentir el cine desde adentro y desde afuera, como protagonistas, directores o espectadores. Marcela Gamberini

Some of the lines that run across Italian Romantic are the things we see and are whisked away, sounds, the murmurs and music of a city, the seductive walk of a woman –the beautiful Camila Toker–, the silent desire of a man filming and chasing, the local people of a beach resort and their counterpart, the tourists. Cinema within cinema, like an endless Russian doll. Shot during the last Mar del Plata Film Fest, the film’s images range from close-ups of the woman giving a ghostly interview to her love flings as she goes through the city sharing her experiences. A great compilation of the things driven by the experience of watching, making, and feeling films, either from inside or outside of it, as protagonists, directors, or spectators. MG

Adriano Salgado Nació en Buenos Aires en 1971. Estudió cine en la FUC y participó en varios cortos como sonidista. Debutó como director con La utilidad de un revistero (2013), que obtuvo el premio a mejor película argentina en el Festival de Mar del Plata. He was born in Buenos Aires in 1971. He studied film at the FUC and participated in several short films as a sound engineer. He debuted as director with La utilidad de un revistero (2013), which won the Best Argentine Film award at the Mar del Plata Film Festival.

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Argentina, 2016 / 65’ / DM / Color Español - Spanish D, G, F, E, DA, S, P, PE: Adriano Salgado CP: Sociedad Mostrenca I: Camila Toker Contacto / Contact Sociedad Mostrenca. Adriano Salgado T +54 11 5936 3858 E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

competencia oficial latinoamericana

La última Navidad de Julius Julius’s Last Christmas El cineasta Edmundo Bejarano captura un momento en la vida del poeta Julio Barriga, un personaje entrañable al que se aproxima ingresando a su casa y dejando que el propio autor lea sus poemas y relate su amor por Amy Winehouse.

Filmmaker Edmundo Bejarano captures a moment in the life of poet Julio Barriga, a charming character he approaches by entering his house and letting the author himself read him his poems and tell him about his love for Amy Winehouse.

El trotamundos Bejarano ya practicó el retrato de poetas con Washington Cucurto y Fabián Casas, pero tuvo que volver a su terruño para encontrar un bardo a la altura de su punkitud. Pisando los 60, Julio Barriga es el Iggy Pop bigotón de Tarija. En ese escenario de calles polvorientas y patios vacíos, “escribe cartas urgentes a sí mismo y practica el ejercicio de la soledad que heredó del fallecido gran poeta Roberto Echazú, su héroe del silencio”. Esas cartas –con versos tan auténticos y autoflagelantes como “Ya estás teniendo mucho rock & roll / con la misma camisa”– no son lo único que escribe: Julius (el frágil, el impredecible, el conmovedor) está en trance de convertirse en El hombre que amaba a Amy Winehouse. Conocerlo es quererlo, o algo así. Agustín Masaedo

Globetrotter Bejarno had already practiced the portrayal of poets with Washington Cucurto and Fabián Casas, but he had to return to his hometown in order to find a bard as punk as he is. About to turn 60, Julio Barriga is Tarija’s mustachioed Iggy Pop. In that scenery of dirt roads and empty patios, “he writes urgent letters to himself and practices the exercise of solitude he inherited from the late great poet Roberto Echazú, his hero in silence.” These letters –with verses as authentic and selfpunishing as “You’re having lots of rock & roll / Wearing the same shirt”– are not the only things he writes: Julius (the fragile one, the unpredictable one, the poignant one) is about to become The Man Who Loved Amy Winehouse. To know him is to love him, or something like that. AM

Edmundo Bejarano

Bolivia, 2015 / 48’ / DM / Color / Español - Spanish

Nació en Tarija en 1978, y estudió literatura y cine en Berlín, donde vive desde hace 15 años. Dirigió varios cortos, entre los que se destaca Los lemmings contraatacan (2014), exhibido en el 28° y 29° Festival Internacional de Mar del Plata. He was born in Tarija in 1978 and studied literature and film in Berlin, where he has been living for the past 15 years. He directed many shorts including Los lemmings contraatacan (2014), shown at the 28 th and 29 th editions of the Mar del Plata International Film Festival.

D, G, F, E, P: Edmundo Bejarano DA: Santiago Barrionuevo S: La Sonola PE: Juan Rux CP: Tuntun Productions, Laptra, Festín Mutante I: Julio Barriga, Fernando Barrientos Contacto / Contact Tuntun Productions. Edmundo Bejarano T +49 179 779 1485 E [email protected] W www.facebook.com/Tuntuneando ~ laultimanavidaddejulius.de

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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latin american official competition

Carregador 1118 Loader 1118 Mientras se separa de su esposa, Tony debe seguir con su pesada rutina de cargar camiones en el Ceagesp, el mayor almacén de Latinoamérica. Su cuerpo exhausto carga los recuerdos y el dolor de un amor perdido.

While splitting from his wife, Tony must follow his heavy routine of loading trucks at the Ceagesp, the largest warehouse in Latin America. His exhausted body carries the memories and sorrow of a lost love.

Tony tiene el cuerpo marcado. Sus piernas están algo chuecas; sus pies, bastante ampollados; su torso, como inclinado hacia adelante. Camina, mira, da vueltas. Están llegando los otros. Ya alguien entró, y ahora se para cerca de él, también a dar vueltas. Ambos eligen su herramienta de trabajo, que se renueva cada día hacia el final de la jornada, cuando sus ojos ya acompañan el estado de sus pies. Tony está agotado; sin embargo, después de bañarse, todos los días de alguna forma festeja. Este documental lo retrata y lo describe “enfiestado”. Entonces, en el día a día de lo transportado, de los transportistas y de los transportadores, Consonni y Marques descubren un personaje que convierte esta película en testimonio de lo atractivamente abrumadora que puede ser la inagotable traslación urbana. Josefina García Pullés

Tony’s body is marked. His legs are a bit crooked; his feet are pretty blistered; his torso is kind of tilted forward. He walks, observes, and wanders around. The others are coming. Someone is already in, and now stands next to him, also wandering. They both pick their work tools, which gets renewed everyday when work is over and their eyes match the state of their feet. Tony is exhausted; yet he somehow celebrated everyday after showering. This documentary portrays him and describes this celebrating version of him. In the everyday life of transported goods, transport workers, and transporters, Consonni and Marques discover a character who turns this film into a testimony of how enticingly overwhelming urban transport can be. JGP

Eduardo Consonni Nació en Brasil en 1978. Es uno de los miembros y fundadores del PI, un colectivo de arte que colabora con diferentes movimientos sociales. He was born in Brazil in 1978. He is one of the founding members of the PI, an art collective that collaborates with different social movements.

Rodrigo T. Marques Nació en Brasil en 1979. Trabajó como productor de comerciales y, en 2005, empezó a dirigir y editar documentales. He was born in Brazil in 1979. He worked as a producer of commercials, and in 2005, he started directing and editing documentaries.

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Brasil - Brazil, 2015 / 64’ / DM / Color Portugués - Portuguese D, G, E, DA, P, PE: Eduardo Consonni, Rodrigo T. Marques F: Rodrigo T. Marques S, M: Marcos Alma, Eduardo Consonni, Rodrigo T. Marques CP: Complô I: Antonio da Silva Contacto / Contact Complô. Eduardo Consonni y Rodrigo T. Marques T +55 11 996 568 801 +55 11 991 142 210 E [email protected] ~ [email protected] W complo.tv

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PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

competencia oficial latinoamericana

El Tila: Fragmentos de un psicópata Tila: Fragments of a Psychopath Tras un apagón repentino en la cárcel, el Tila aparece ahorcado ante la mirada sorprendida de sus guardias. Una periodista se obsesiona por sacar a la luz una de las historias más macabras y sórdidas que se puedan registrar en la historia policial chilena.

After a sudden blackout in the prison, Tila’s dead body hangs before the eyes of some surprised guards. A journalist becomes obsessed with shedding light on one of the most macabre and sordid stories ever recorded on Chilean police history.

Alguna vez, durante los años ochenta, Henry: Retrato de un asesino paralizó al mundo con su relato descarnado sobre un psicópata sediento de sangre. Décadas después, con El Tila: Fragmentos de un psicópata, los ecos de la película de John McNaughton resuenan en la historia de un homicida de pasado atribulado. Allí, unas cámaras de seguridad monitorean sus últimos días: vive incómodo consigo mismo y con los demás, casi en su último estertor. Su pasado se cuela en forma de escritos, y una periodista intentará sacarlos a la luz. Repelente y brutal, El Tila no utiliza subrayados ni estridencias para construir un retrato seco pero sumamente incómodo. Y, a contramano de las narraciones clásicas, los ojos que llevan adelante el cuento no son los de la víctima, sino los del asesino. En una línea: psycho killers en la vida real. Hernán Panessi

In the Eighties, Henry: Portrait of a Serial Killer paralyzed the whole world with its raw depiction of a bloodthirsty psychopath. Decades later, the echoes of John McNaughton’s film sound in El Tila: Fragmentos de un psicópata, a story about a homicide with a troubled past. Security cameras record his last days: he lives in discomfort with himself and others, almost like a death rattle. His past filters through his writings and a journalist will try to reveal them. Repellent and brutal, El Tila avoids overstressing and loud elements while building a dry yet very uncomfortable story. Going against classic storytelling, the view that guides the story here is not the victim’s, but the killer’s. In a nutshell: psycho killers in real life. HP

Alejandro Torres Contreras Estudió artes en la Universidad de Chile y realización cinematográfica en la Escuela de Cine de Chile. Cofundó la productora Cinepsis y realizó cortometrajes como Los anteojos, Ismael Hernández, Epifanía y El duende verde. El Tila: Fragmentos de un psicópata es su primer largometraje. He studied arts at the University of Chile and filmmaking at the Chile Film School.He co-founded the production company Cinepsisand directed several short films, including Los anteojos, Ismael Hernández, Epifanía and El duende verde. El Tila: Fragmentos de un psicópata is his first feature-length film.

Chile, 2015 / 97’ / DCP / Color Español - Spanish D, G: Alejandro Torres Contreras F: Vicente Mayo León E: Martín Bohte DA: Sebastián Accorsi M: Roberto Torres P: Felipe Morales CP: Cinepsis, Escuela de Cine de Chile I: Nicolás Zárate, Trinidad González, Daniela Ramírez, Daniel Alcaíno, Rodrigo Soto Contacto / Contact Cinepsis. Alejandro Torres Contreras T +56 9 8434 7921 E [email protected] W facebook.com/peliculatilafragmentosdeunpsicopata

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PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

latin american official competition

Inmortal Immortal Con una fuerza insoslayable, la corriente decide sobre los cuerpos humanos que deja el conflicto armado. Mientras tanto una chica busca algún rastro de su novio, y un hombre rescata esos cuerpos que la marea arrastra a la costa colombiana.

The unstoppable, strong current decides on the bodies the armed conflict leaves behind. Meanwhile, a girl searches for any trace of her boyfriend, and a man rescues the bodies the tides leave on the Colombian shore.

Cosme vive en un pequeño pueblo de la costa colombiana, un lugar en el que el mar es el que decide sobre la vida y la muerte y trae a la costa los cuerpos que arroja el conflicto armado, algo que los lugareños asumen con la naturalidad propia de la costumbre. Si alguien muere, los rituales incluyen bailes con el cajón en alto; y las anécdotas más mundanas se relacionan con cuerpos en descomposición y accidentes fatales. Cosme trabaja rescatando esos cuerpos que trae la corriente; Hellens va a su encuentro con la ilusión de reconocer un brazo que podría ser de su novio. A partir de allí, y en un elogio del cine inmediato, el relato avanza con lo puesto y permite que la realidad invada la película, tuerza el rumbo y ofrezca accidentes de puro vitalismo. Libertad cinematográfica en sentido pleno, fuera de todo canon. Magdalena Arau

Cosme lives in a small town in the Colombian coast, a place where the sea decides about life and death, bringing to the coast the bodies the armed conflicts throws, something the locals take with the naturalness of the everyday. If somebody dies, the rituals include dances with the coffin raised; and the most mundane anecdotes are related to decomposing bodies and fatal accidents. Cosme works retrieving the bodies the current brings; Hellens goes to meet him with the illusion of recognizing a body that could be her boyfriend’s. From then on, and in praise of immediate cinema, the tale moves on with simplicity, allowing for reality to invade the film, make detours and offer purely vital accidents. Full cinematic freedom, away from any kind of canon. MA

Homer Etminani Nació en Teherán, Irán, en 1974, y actualmente vive en Colombia. Licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad de Barcelona y diplomado por el Centre d’Estudis Cinematogràfics de Catalunya (CECC), dirigió Nation (2011). He was born in Tehran, Iran, in 1974, and currently lives in Colombia. A graduate in Philosophy and Literature from the University of Barcelona who majored at the Catalonia Cinema Studies Center (CECC), he directed Nation (2011).

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Colombia / España - Colombia / Spain, 2016 74’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, F, E, S, PE: Homer Etminani DA, P: Carmen Viveros CP: FakeFilms I: Cosme Peñate, Hellens Rentería, Yesenia Quiróz, Rita Quiróz Contacto / Contact FakeFilms. Homer Etminani T +57 304 364 8151 W hetminani.wix.com/fakefilms

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia oficial latinoamericana

Territorio Filmado en Ecuador, el viaje empieza en el océano, a través de las montañas, y desciende en la selva. Una experiencia atemporal a partir de imágenes de personas y paisajes a la espera de ser observados.

Shot in Ecuador, it’s a journey that starts at the ocean, continues through the mountains and descends in the jungle. A timeless experience through images of people waiting to be watched.

Alexandra Cuesta cita al eterno errante Henri Michaux como uno de los disparadores de su primer largometraje. No deja de ser curioso, entonces, que la secuencia con la que comienza Territorio (primer film de Cuesta rodado en su Ecuador natal) nos muestre una lancha que se dirige a la costa. Es muy probable que para Cuesta la imagen del agua esconda la misma connotación que para el autor de “La mer des mamelles”: el regreso al hogar, a la protección, al seno materno. Sin desviarse de los planteamientos formales de su obra anterior, Cuesta traza un recorrido que atraviesa el país de norte a sur, dibujando una cartografía humana en la que se trata de alcanzar un equilibrio imposible entre la mirada ajena del viajero y la esforzada familiaridad de quien temporalmente vuelve a casa. Fran Gayo

Alexandra Cuesta cites eternal wanderer Henri Michaux as one of the inspirations for her first feature. It’s curious, then, that the opening sequence of Territorio (the first film Cuesta shot in her native Ecuador) shows us a boat heading for the shore. It is very likely that, to Cuesta, the image of water hides the same connotation than it does to the author of “The Sea of Breasts”: returning home, being sheltered in the mother’s womb. Without detouring from the formal approaches of her previous work, Cuesta traces a journey that crosses the country from north to south, drawing a human cartography in which the aim is to achieve an impossible balance between the foreign traveler’s gaze and the earnest familiarity of those who return home temporarily. FG

Alexandra Cuesta Nació en Ecuador en 1980, y estudió fotografía en Savannah, Georgia, y luego cine en CalArts. Dirigió varios cortometrajes, como Piensa en mí (2009) y Despedida (2012). She was born in Ecuador in 1980, and studied photography in Savannah, Georgia and then film at CalArts. She directed many shorts, like Piensa en mí (2009) and Despedida (2012).

Ecuador, 2016 / 65’ / DCP / Color Español - Spanish D, F: Alexandra Cuesta E: Alexandra Cuesta, Pablo Mazzaolo S: Xavier Muller P: Alexandra Cuesta, Alfredo Mora, Micaela Rueda Contacto / Contact Alexandra Cuesta T +1 607 422 0335 E [email protected] W alexandracuesta.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

latin american official competition

UIO: Sácame a pasear UIO: Take Me for a Ride Sara cursa el último año de la secundaria, no tiene muchos amigos y está atrapada entre una madre dominante y un padre distraído. Pero todo cambia cuando conoce a Andrea, su nueva compañera de clase, con la que comenzará una relación íntima en secreto.

Sara is in her last year of high school, doesn’t have many friends and is trapped between a dominating mother and an inattentive father. But everything changes when she meets Andrea, her new schoolmate, with whom she will start an intimate relationship in secret.

UIO hace de la intimidad su territorio. En una especie de danza de encantamiento, la película se esmera en encontrar la distancia justa para dar cuenta del espacio que separa a dos chicas que se conocen en el momento en que ya la escuela se termina, y con eso la adolescencia deja paso a otra cosa. Prescindiendo de peripecias narrativas y dejando las fricciones con el exterior a un lado, es en ese mundo privado –refugio ante toda inclemencia– donde las imágenes se instalan y respiran. En el modo en que se miran por primera vez, en las primeras conversaciones, en las primeras salidas, la película pareciera decirnos que no hay nada más allá de eso, y esa intimidad que construye se vuelve cada vez más poderosa y secreta. Magdalena Arau

UIO makes intimacy its territory. In some sort of enchantment dance, the film struggles to find the right distance in order account for the space between two girls who meet when school is ending and adolescence gives way to something else. Avoiding narrative surprises and leaving the frictions with the outside world aside, it is in that private world –a shelter against inclemencies of any kind– that the images settle and breathe. In the way they look at each other for the first time, in their first conversations, their first hangouts, the film seems to tell us there’s nothing beyond the two of them, and the intimacy it builds becomes more and more powerful and secret. MA

Micaela Rueda Nació en Quito, Ecuador, en 1983. Estudió dirección en la FUC. Actualmente lleva a cabo talleres de dirección de actores. Dirigió dos cortometrajes y un documental. She was born in Quito, Ecuador, in 1983. She studied filmmaking at the FUC. She is currently running actor’s direction workshops. She directed two shorts and a documentary.

Ecuador / Colombia / México - Ecuador / Colombia / Mexico, 2016 71’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Micaela Rueda F: Manuel Bascoy E: Amaia Merino, Micaela Rueda DA: Emilia Dávila S: Juan José Luzuriaga P: Patricia Maldonado, Micaela Rueda, Diana Montenegro, Carlos Hernández CP: Ella También Films, Cinema C.O, Media Mac I: Samanta Caicedo, María Juliana Rángel, Diego Naranjo, Paty Loor, Monserrat Astudillo Contacto / Contact M-appeal. Torsten Schulze T +49 306 150 7505 E [email protected] W m-appeal.com

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PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

competencia oficial latinoamericana

Flores silvestres Wild Flowers Tomando como base el relato Cálamo aromático, del escritor polaco Jaroslaw Iwaszkiewicz, Lombardini construye la vida de Marta, una mujer que se encuentra paralizada por un doloroso recuerdo y que un buen día conoce a Germán, el misterioso mujeriego del pueblo.

Flores silvestres sigue a Marta, una mujer que vive con un dolor eterno, expresado a partir de los silencios, de la incomunicación, de todo aquello que no se dice y, sin embargo, está presente. La cámara observa la naturaleza y los espacios físicos y les otorga un peso especial, como si ellos fueran los mudos acompañantes en el duelo de esta mujer, que ha perdido algo irrecuperable. La amistad que ella entabla con un joven de la zona genera interés a partir de su ambigüedad: ¿hay tensión sexual o ella ve en él el recuerdo de lo perdido? ¿Hay atracción o acaso el joven representa el fantasma de ese pasado que convive en la cotidianidad de Marta? Flores silvestres deja en el aire esas preguntas porque quizás no tengan una respuesta clara. Como si el dolor, a fin de cuentas, terminara por difuminarlo todo. Rodrigo Bedoya Pablo Pérez Lombardini Nació en Ciudad de México en 1987 y se graduó como director de cine del Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) en el año 2015. Escribió y dirigió Mi camiseta y mi calcetín (2009), Dejemos el futuro atrás (2010), El espejo (2011), La laguna encantada (2012) y Mi santa muerte (2015), entre otros. He was born in Mexico City in 1987 and graduated as a filmmaker from the Film Training Center (CCC) in 2015. He wrote and directed Mi camiseta y mi calcetín (2009), Dejemos el futuro atrás (2010), El espejo (2011), La laguna encantada (2012) and Mi santa muerte (2015), among others.

Based on the short story Cálamo aromatico by Polish writer Jaroslaw Iwaszkiewicz, Lombardini depicts the life of Marta, a woman who finds herself paralyzed by a painful memory and one day meets German, the town’s mysterious womanizer.

Flores silvestres follows Marta, a woman suffering from an eternal pain she expresses through silences, lack of communication, and unspoken issues –and yet, it is there. The camera observes nature and physical spaces and provides a special density to them, as if they were silent partners in her mourning for something she lost forever. Her friendship with a young man from the area creates an interest triggered by its ambiguity: is there s sexual tension, or rather she sees in him a memory of what she lost? Is there an attraction or does the young man stand for the ghost of that past that still exists in Marta’s everyday life? Flores silvestres leaves these matters unresolved, because they may not have a clear answer. As if, in the end, pain blurs everything out. RB

México - Mexico, 2015 / 50’ / DCP / Color Español - Spanish D, G: Pablo Pérez Lombardini F: Gabriel Serra E: Lenz Claure DA: Xavi Baró S: Nicolás Aguilar Límenes P: Mihaya Urtuzuástegui, Pablo Pérez Lombardini PE: Karla Bukantz, Henner Hofmann CP: Centro de Capacitación Cinematográfica A.C. I: Carolina Politi, Adrián Carreón, David Hevia, María Teresa Garagarza, Daniela Castillo Contacto / Contact Centro de Capacitación Cinematográfica. Boris Miramontes T +52 55 4155 0090 E [email protected] W elccc.com.mx

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PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

latin american official competition

WIK Tres jóvenes limeños viven el verano en una ciudad en apariencia estática. En su afán por querer hacer algo con su tiempo, se descubren a sí mismos y a los mundos que habitan.

Three young men from Lima live the summer in an apparently static city. In their effort for doing something with their time, they discover themselves and the worlds they inhabit.

Con una convicción que parecía olvidada, el debut en la dirección de Rodrigo Moreno del Valle recobra el pulso de los jóvenes lanzados al verano y a las noches desesperanzadas, en una ciudad cuyos rasgos autóctonos parecen diluirse en medio de un cosmopolitismo de clases acomodadas. Los protagonistas caminan las calles, van a boliches o asisten a fiestas con un objetivo difuso: sustraerse de la soledad, del aburrimiento, de una forma inconclusa de angustia; pasar el tiempo como se pasan los días de la semana que marcan cada capítulo de la película. El director es capaz de encontrar un tono que impugna con esmerada malevolencia los lugares comunes propios de las películas de jóvenes inconstantes. Wik exhibe con igual dedicación el fragor de los encuentros en el terreno amoroso y su contrapartida: el silencio feroz de las horas perdidas. David Obarrio

With a conviction that appeared to be forgotten, Rodrigo Moreno del Valle’s debut recovers the pulse of young people thrown into summer and hopeless nights, in a city with local features that seem to get diluted into the cosmopolitan life of well-of classes. The characters wander through the streets, get into clubs, or go to parties with a blurred goal: distract themselves from loneliness, boredom, or an unfinished form of anguish, and spend time in the same way days pass by in this film, each one marking a different chapter. The filmmaker is able to find a tone that works hard to scorch on the common places of dilettante young people. Wik features both the passion of love encounters and its opposite side: the ferocious silence of wasted hours. DO

Rodrigo Moreno del Valle Estudió ciencias de la comunicación en la Universidad San Ignacio de Loyola. Dirigió cinco cortometrajes. También se desempeña como director de publicidad. He studied communication sciences at the San Ignacio de Loyola University. He directed five shorts. He also directs commercials.

Perú - Peru, 2016 / 77’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Rodrigo Moreno del Valle G: Illary Alencastre Pinilla, Rodrigo Moreno del Valle F: Alonso Luque, Pietro Bulgarelli E: Alberto Barzola DA: Illary Alencastre Pinilla S: Rosa María Oliart M: Maxi Prietto P: Eliana Illescas, Paul Córdova, Miguel Álvarez Calderón PE: Eliana Illescas, Alfredo Letts CP: Cienfuegos Cine I: Pedro Pablo Corpancho, Piera del Campo, Jean Phil Arrieta, Olivia Manrufo, Pablo Mamani Contacto / Contact Cienfuegos Cine. Rodrigo Moreno del Valle T +51 1 964 605 060 E [email protected] W facebook.com/wiklapelicula

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competencia oficial derechos humanos human rights official competition

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

fuera de competencia - out of competition

HUMAN RIGHTS official competition APERTURA / OPENING

Writing on the City Escribiendo en la ciudad El cineasta iraní cuenta la historia del grafiti en Teherán, desde la revolución de 1979 que desencadenó la caída del Shá hasta la revolución verde de 2008.

The Iranian filmmaker tells the story of graffiti in Teheran, from the 1979 revolution that led to the fall of the Shah to 2008’s Green Revolution.

Los grafitis han anunciado históricamente los principales eventos ocurridos en Teherán. Esos mensajes se han extendido como los muros levantados en la ciudad durante los últimos 200 años. Sin embargo, los conceptos e intenciones de las pintadas han reflejado con frecuencia un espejo distorsionado de la realidad iraní. La mirada del cineasta kurdo-iraní Keywan Karimi va más allá del relato histórico-político sobre la evolución de la sociedad iraní que nos proponen el material de archivo y las imágenes rodadas por el propio Karimi. La película plantea debates universales que el paso del tiempo ha transformado en una implacable metáfora sobre la resistencia de su director. El Tribunal de la Revolución iraní ha condenado recientemente a Karimi a un año de prisión y 223 latigazos por dirigir Writing on the City. Los auténticos grafiteros nunca están al servicio del poder. Marcos Merino

Graffiti have historically announced the main events that have taken place in Teheran. These messages have extended like the walls built in the city for the past 200 years. However, the concepts and intentions of the graffiti have frequently reflected a distorted mirror of Iranian reality. Kurdish-Iranian filmmaker Keywan Karimi’s eye goes beyond the historical-political account of the evolution of Iranian society proposed by the archive footage and the images shot by Karimi himself. The film raises universal debates that time has turned into an implacable metaphor for its director’s resistance. Iran’s Revolutionary Court has recently sentenced Karimi to one year in prison and 223 lashings for having directed Writing on the City. The authentic graffiti artists are never in the service of power. MM

Keywan Karimi Nació en Irán en 1985, y estudió comunicación en la Universidad de Teherán. Comenzó su carrera con una serie de cortos documentales que eran una crítica a la vida en su país. He was born in Iran in 1985 and studied communication at the University of Teheran. He started his career with a series of documentary shorts that were critical of life in his country..

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Irán - Iran, 2015 / 60’ / DCP / Color / Persa - Farsi D, G: Keywan Karimi F: Arastoo Madahi Givi E: Farahnaz Sharifi S, M: Bamdad Afshar P: Keywan Karimi, Masoud Kowsari I: Farahnaz Sharifi, Salman Razavi Contacto / Contact Punto de Vista E [email protected] W puntodevistafestival.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

La memoria de los huesos The Memory of the Bones La esperanza de cientos de familiares de desaparecidos está depositada en el trabajo del Equipo Argentino de Antropología Forense, que lleva 30 años identificando los restos de desaparecidos en varios países. Solo la restitución de los restos a sus familiares puede cerrar las heridas abiertas.

The hope of hundreds of relatives of disappeared people lies in the work of the Argentine Forensic Anthropology Team, which has been identifying remains of the disappeared in several countries for 30 years. Only the restitution of the remains to their relatives can heal the open wounds.

La memoria de los huesos se centra en el trabajo del Equipo Argentino de Antropología Forense, cuya tarea de identificar los cadáveres enterrados clandestinamente por la dictadura militar se muestra como continuidad de la búsqueda de los hijos de desaparecidos. Película de procedimientos cinematográficos (paciencia, serenidad, ausencia de voz en off y de entrevistas directas, cuidadosa selección de casos y locaciones), pero también científicos y legales no menos nítidos (protocolos para excavar y clasificar restos, técnicas para convencer a presuntos hijos), se sostiene como sus protagonistas, fatigados después de treinta o cuarenta años de lucha, en el imperecedero dolor de los familiares y en la convicción de que la batalla por la memoria es la batalla por el control del Estado. Quintín

The Memory of the Bones centers on the work done by the Argentine Forensic Anthropology Team, whose task of identifying the bodies buried clandestinely by the military dictatorship is shown as continuity in the search for the children of the disappeared. A film of cinematic procedures (patience, serenity, an absence of voiceover narrative and direct interviews, a careful selection of cases and locations), but also scientific and legal ones as sharp as the former (protocols for excavating and classifying remains, techniques to convince presumed sons and daughters), it holds up as its protagonists do, tired after thirty or forty years of struggle, in the undying grief of the relatives as well as the conviction that the battle for memory is the battle for the control of the State. Q

Facundo Beraudi

Argentina, 2016 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Argentina en 1968, y a los seis años se mudó a Barcelona. Tiene un máster en Documental de Creación de la Universidad Pompeu Fabra. Dirigió varios cortos documentales, como La determinación de Aminetu (2009). He was born in Argentina in 1968 and moved to Barcelona at 6. He has a master’s in Creative Documentary Filmmaking from the Pompeu Fabra University. He directed many documentary shorts, such as La determinación de Aminetu (2009).

D, G: Facundo Beraudi F: Diego Delpino, Facundo Beraudi E: Verónica Rossi DA, PE: Victoria Nardone S: Martín Grignaschi M: Raúl Fernandez Miró P: Facundo Beraudi, Victoria Nardone CP: Roccomotion I: Patricia Bernardi, Rosaria Isabella Valenzi, Roxana Mejivar, Juan Nobile, David Toubes Contacto / Contact Roccomotion. Facundo Beraudi T +54 11 4822 8399 E [email protected] W roccomotion.com ~ roccomotion.com/la-memoria-de-los-huesos

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

HUMAN RIGHTS official competition

FtWTF - Female to What The Fuck Las realizadoras retratan a seis personas que, por diferentes razones, asumen una identidad transgénero. El antes y el después de una transformación en la que el cambio de sexo es solo una parte de la exploración de la propia identidad.

The filmmakers follow six people who, for different reasons, take on a transgender identity. The before and after of a transformation in which sex change is only a part of the exploration of one’s own identity.

Intimista y radicalmente honesta, Female to What the Fuck presenta en primera persona los deseos y objetivos de varios hombres trans que viven en Viena; las reflexiones sobre su transición, sobre sus cuerpos, y el papel de la mirada ajena. Entre tanta filosofía queer y teoría de género, todos ellos se acercan a la misma conclusión: la necesidad de superar y dejar atrás el binarismo, las clasificaciones y las etiquetas con las cuales la sociedad encasilla a las personas. Y trascender, de una vez por todas, esas categorías impuestas para crear nuevos y libres modos de expresar las identidades. Como señala Persson en una reunión colectiva: “Todo se volvería más simple si aboliéramos esto de hombre/mujer; si nos definiéramos de forma diferente, más como una contrasexualidad”. Alejandro Dramis

Intimist and radically honest, Female to What the Fuck presents the desires and goals of several trans men living in Vienna in the first person; the reflections on their transition, on their bodies, and the role played by the gaze of others. Among so much queer philosophy and gender theory, all of them come to the same conclusion: the need to leave behind and overcome binarism, the classifications and labels with which society pigeonholes people. And transcending, once and for all, those imposed categories in order to create new and free ways of expressing identities. As Persson points out at a collective meeting: “Everything would become much simpler if we abolished this man/ woman thing; if we defined ourselves differently, more like a countersexuality.” AD

Katharina Lampert

Austria, 2015 / 92’ / DM / Color / Alemán / German

Nació en Viena en 1976. Estudió literatura y arte conceptual. Realizó numerosas exposiciones y dirigió tres documentales. She was born in Vienna in 1976. She studied literature and conceptual arts. She did many exhibits and directed three documentaries.

Cordula Thym Nació en Austria en 1977, y estudió en la Academia de Cine de Viena. También se formó como ingeniera en sonido y tocó la batería en varias bandas. She was born in Austria in 1977, and studied at Filmacademy Vienna. She also trained as a sound engineer and played drums in many bands.

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D, G, DA, P, PE: Katharina Lampert, Cordula Thym F: Judith Benedikt E: Niki Mossböck S: Johanna Kirsch M: Armin Lorenz I: Denice Bourbon, Mani Tukano, Dorian Bonelli, Nick Prokesch, Hans Scheirl Contacto / Contact sixpackfilm. Dietmar Schwarzer T +43 1 526 0990 E [email protected] W sixpackfilm.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

Belle de nuit - Grisélidis Réal autoportraits Bella de noche - Autorretratos de Grisélidis Réal Un film que se anima a navegar sin límites por el mundo de la escritora, pintora y activista Grisélidis Réal. Imágenes inspiradas en sus textos, dibujos y material de archivo forman un retrato plural y complejo de una mujer que pide “por favor, mencionen que soy, además, una puta revolucionaria”.

A film that dares to navigate the entire world of writer, painter, and activist Grisélidis Réal. Images inspired in her texts, drawings, and archive footage aim to sketch a plural and complex portrait of a woman who asks that “please, mention that I’m also a revolutionary whore”.

Grisélidis Real. He aquí una pionera, una escritora cuya obra, aun en la actualidad, haría fruncir el ceño y tambalear a todos los sistemas de corrección política a izquierda y derecha, una mujer que en sus últimos días de vida, tras haber ejercido por treinta años la prostitución, confiesa que su oficio le ha dejado innumerables marcas en cuerpo y alma, pero también un inmenso amor a la vida y un respeto por el sufrimiento del otro. A través de un collage pleno de generosidad y entrega, en el que se combinan entrevistas con cortes musicales, fugas líricas y archivo, Belle de nuit recupera para el siglo XXI la figura y el pensamiento siempre apasionado de Grisélidis Real, y nos suma de paso a un viaje en el tiempo hacia un momento de la Historia en el que todo estaba por construirse, debatirse y considerarse. Fran Gayo

Grisélidis Real. Here’s a pioneer, a writer whose work would still make every left and right wing political correction system frown and tremble. Here’s a woman who, in her last days, and after working as a prostitute for thirty years, confesses that her job left her with endless marks on her body and soul, but also an immense love for life and respect for other people’s suffering. Through a collage filled with generosity and care, combining interviews with music scenes, lyrical figures and archive footage, Belle de nuit retrieves the figure and thoughts of Grisélidis Real for the 21st century, and also takes us into a journey back in time to a moment in History when everything was yet to be built, debated, and considered. FG

Marie-Eve de Grave Nació en Bélgica en 1965 y estudió arquitectura y escenografía antes de formarse y graduarse en la Escuela de Cine de Bruselas. Dirigió los cortometrajes Waiting for Frank (2000), Opale Plage (2010) y Grand Tour (2013), entre otros. She was born in Belgium in 1965 and studied architecture and set design before she trained and graduated from the Brussels Film School. She directed several short films, including Waiting for Frank (2000), Opale Plage (2010) and Grand Tour (2013).

Bélgica - Belgium, 2016 / 70’ / DCP / Color & B&N Francés - French D, G: Marie-Eve de Grave F: Jorge Piquer Rodriguez, Sébastien Koeppel E: Simon Arazi S: Ludovic Van Paschterbeke M: Pierre Avia P: Françoise Hoste PE: Françoise Hoste CP: On Move Productions Contacto / Contact CBA. Gabriella Marchese T +32 2227 2230 E [email protected] W cbadoc.be

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HUMAN RIGHTS official competition

Juanicas Durante diez años, la directora documenta la compleja relación que lleva con su madre y su hermano, ambos diagnosticados con trastorno bipolar. Al comienzo, la realización del film parece acercar a la familia, pero enseguida la directora advierte que las cosas no son tan sencillas.

Through the course of ten years, the director documents her complex relationship with her mother and brother, both of them diagnosed with bipolar disorder. At first, the making of the film seems to bring the family together, but the director immediately realizes things aren’t that simple.

El documental familiar parece un hijo del digital; tal ha sido su proliferación en los últimos años. Juanicas comienza a partir de unos recuerdos, la memorabilia de Juan, un personaje del que nada sabemos pero que, tras un flashback que nos lleva varios años atrás, se descubre como hermano de la directora. Tras su vuelta a Quebec y a una presunta normalidad, el relato cronológico de García Casanova nos va descubriendo el trastorno bipolar y maníaco depresivo tanto de su madre como de su hermano. Los rótulos sobre imágenes en negro y una cámara que filma a cierta distancia, agazapada, nos informan de los largos encierros, las hospitalizaciones, la violencia. Obviamente, Juanicas nos habla de Juan, pero responde ante todo a la necesidad de la cineasta de sacudirse sus propios fantasmas. Jaime Pena

Family-focused documentaries seem to be born out of digital cinema –that has been the way they have spread in the last years. Juanicas starts with memories: the memorabilia collection of Juan, a character we know nothing about until a flashback takes us several years in the past and we find out he’s the brother of the director. After his return to Quebec and an apparent normality, García Casanova’s chronological story progressively reveals us both her mother and brother’s bipolar and maniac disorder. The labels against black frames and a crouched camera that shoots from a distance both inform us of the long enclosure periods, the hospitalizations, and the violence. Obviously, Juanicas tells us the story of Juan, but it primarily responds to the filmmaker’s need to shake off her own ghosts. JP

Karina García Casanova Nació en Monterrey, México, en 1978, y se radicó en Canadá. Dirigió los cortometrajes Une bonne eleve (2008) y Les Grands Penseurs (2009). She was born in Monterrey, Mexico, in 1978, and is settled in Canada. She directed the shorts Une bonne eleve (2008) and Les Grands Penseurs (2009).

Canadá / México - Canada / Mexico, 2015 / 78’ / DCP / Color / Español / Francés / Inglés - Spanish / French / English D, G, E: Karina García Casanova F: Karina García Casanova, Pablo Álvarez-Mesa, Glauco Bermúdez, Carlos Ferrand S: Terry Rodman M: Olivier Alary P: Karina García Casanova, Daniela Flori PE: Bob Moore, Mila Aung-Thwin, Daniel Cross CP: Eyesteelfilm, KGC Films I: Juan García Casanova, Victoria Casanova Lastra, Karina García Casanova Contacto / Contact Eyesteelfilm. Karina García Casanova T +1 514 804 8696 E [email protected] W eyesteelfilm.com ~ juanicas.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

En otra casa Far from Home Las protagonistas de este documental son mujeres latinoamericanas que viven en Madrid y trabajan como mucamas para poder enviarles dinero a sus familias, con las que se comunican vía Skype. Mientras tanto, sueñan con el momento de volver a sus tierras.

The protagonists of this documentary are Latin American women living in Madrid and working as maids, what allows them to send money to their families, with which they communicate via Skype. Meanwhile, they dream about returning to their native lands.

Aquí los patrones quedan fuera de campo (o paralizados, posando para fotos que no son tales). Vemos a las inmigrantes latinoamericanas que en Madrid crían a los hijos, limpian las casas y cuidan a los abuelos de los que pueden pagarlo. Ellas son la imagen en movimiento frente a las (falsas) fotos de sus empleadores. La verdadera vida parece ser la que viven las mucamas mientras sus jefes dedican su tiempo a otras cosas. Claro que esa no es su vida real; aquella quedó en suspenso del otro lado del Atlántico. La amorosa relación con las niñas, en la que en algún momento hace foco la cámara, tiene como correlato la imagen familiar pixelada en la computadora de un cíber. La ausencia duele más por lo irrecuperable del tiempo perdido que por la distancia física. ¿La religión católica alivia o avala ese dolor? Fernando E. Juan Lima

While the film places their bosses out of frame (or paralyzed, posing for pictures that are not such), we see the Latin American immigrants in Madrid who are raising their kids, cleaning their houses, and taking care of the elderly who can afford it. They are the moving pictures against the (false) photos of their employers. Real life seems to be the one experienced by the maids, while their bosses make other uses of their own time. Of course, that’s not their real life –their life was left suspended in time on the other side of the Atlantic. The camera occasionally focuses on their loving relationship with the girls, which echoes in a pixelated family picture from a cyber café’s computer monitor. Rather than physical distance what makes absence more painful is actually the irretrievable nature of lost time. Does Catholic religion ease that pain, or endorses it? FEJL

Vanessa Rousselot Nació en Francia, y estudió historia del mundo árabe contemporáneo en La Sorbona. Dirigió el documental (No) Laughing Matter (2010). She was born in France, and studied the history of the contemporary Arab world at La Sorbonne. She directed the documentary (No) Laughing Matter (2010).

España / Francia - Spain / France, 2015 / 55’ / DM / Color Español - Spanish D, G: Vanessa Rousselot F: Frodo García Conde E: Ainara Nieves Magan DA: Sofía Morate M: Nicolás Francart P: Gilles Le Mao, Sofía Morate, Nicolás García PE: Gilles Le Mao, Sofía Morate, Nicolás García CP: La Huit, Catorce Comunicación Contacto / Contact Playtime Audiovisuales. Natalia Piñuel T +34 915 444 888 E [email protected] W playtimeaudiovisuales.com

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HUMAN RIGHTS official competition

L’Humour à mort I Am Charlie El humor hasta la muerte Padre e hijo rinden homenaje a los 12 periodistas de la revista satírica francesa Charlie Hebdo que murieron en el ataque terrorista de enero de 2015. Por otro lado, el film registra el trabajo de la redacción mientras trabaja para producir su primera edición postatentado.

Father and son pay tribute to the twelve journalists from the satiric French magazine Charlie Hebdo who died in the terrorist attack of January 2015. The film also captures the work of the editorial department while working on the first post-attack issue.

El 7 de enero de 2015, dos hombres armados entraron en la redacción del semanario satírico Charlie Hebdo. El resultado: la muerte de doce integrantes del staff del clásico francés, incluyendo a pesos pesados del humor ácido y frontal en historietas. Ni el humor gráfico se salvaba de la idiotez armada. El actor Daniel Leconte y su hijo Emmanuel hablan sobre la revista, sobre sus antecedentes con atentados e incluso sobre ese día, mientras entrevistan a la sobreviviente Coco (que narra cómo la obligaron a abrir la puerta sabiendo lo que eso implicaba). Pero L’Humour à mort va más allá de las meras entrevistas: en sus instantes más feroces, usando archivos de la misma redacción, apunta directo al corazón del “¿habrán ido demasiado lejos con sus chistes?” para entender, con la herida abierta, la estupidez de aquella pregunta. Juan Manuel Domínguez

On January 7 th, 2015, two armed men entered the offices of the satirical weekly Charlie Hebdo. The result: twelve members of the staff of this classic in French culture were killed, including two heavyweights of acid, frontal comic strips. Not even comic books were spared from armed idiocy. Actor Daniel Leeconte and his son Emmanuel talk about the magazine, about its previous history with attacks, and even about that day, interviewing the survivor Coco, who narrates how she was forced to open the door, knowing what that meant. But I Am Charlie goes beyond mere interviews: in its most ferocious moments, it uses archive material from the offices, aims directly at the heart of “Maybe they went too far with their jokes?” and, while the wound is still open, understands the stupidity of that question. JMD

Daniel Leconte Nació en Argelia en 1949, y se nacionalizó francés. Trabajó como periodista para Le Monde Diplomatique, Libération y Politique Hebdo. He was born in Algiers in 1949, and became a French citizen. He worked as a journalist for Le Monde Diplomatique, Libération and Politique Hebdo.

Emmanuel Leconte Nació en París, Francia, en 1982. Hijo de Daniel Leconte, trabajó como actor en series, como The Tudors, y películas. He was born in Paris, France, in 1982. Daniel Leconte’s son, he has worked as an actor series such as The Tudors as well as films.

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Francia - France, 2015 / 90’ / DCP / Color / Francés - French D, G: Daniel Leconte, Emmanuel Leconte F: Pierre Isnardon, Damien Girault, Edouard Kruch E: Grégoire Chevalier-Naud S: Matthieu Tibi P: Daniel Leconte PE: Raphael Cohen CP: Film en Stock I: Elisabeth Badinter, Antonio Fischetti, François Hollande, Richard Malka, Eric Portheault Contacto / Contact Pyramide International. Ilaria Gomarasca T +33 1 4296 0220 E [email protected] W inter.pyramidefilms.com

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fuera de competencia - out of competition

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

Homeland (Iraq Year Zero) Patria (Irak año cero) Abbas Fahdel aborda la vida en Irak antes y después de la ocupación post 11-S, mediante registros de los habitantes (la mayoría miembros de su familia) de un país que sufre las consecuencias de la guerra.

Abbas Fahdel addresses life in Iraq before and after the post 9-11 occupation, through records of people (most of them are members of his family) in a country that suffers the consequences of war.

Homeland (Irak, año cero) recupera algo que parece cada vez más alejado de los propósitos del arte cinematográfico: voluntad, paciencia y sensibilidad para registrar el paso del tiempo y la historia. El formato de home movie le permite a Abbas Fahdel lograr un retrato único y absolutamente personal de una ciudad y de unas personas (que son parte de su familia) devastadas por la guerra, sujetas a las decisiones de intereses políticos que disponen el destino de las vidas de cientos de miles. Si bien todo cine es político, pocas veces esta decisión estuvo tan dolorosamente cercana a lo personal. La película es un llamado de atención y un manual para que los futuros directores de cine aprendan a registrar a partir de una mirada que, de tan propia, se termina transformando en universal. Homeland vuelve real aquella frase tan llena de connotaciones cinéfilas: no hemos visto nada. Cecilia Barrionuevo

Homeland (Iraq, Year Zero) brings back something that seems to be increasingly distant from the purposes of cinematographic art: the will, patience, and sensibility to record the passage of time and history. The home movie format allows Abbas Fahdel to achieve a unique and absolutely personal portrait of a city and people (part of his family) devastated by war, subject to decisions from political interests that determine the fate of hundreds of thousands of lives. While every cinema is political, few times has this decision been so painfully close to a personal universe. The films is a call for attention and a handbook for future filmmakers to learn how to record from such a personal view that ends up becoming a universal one. Homeland turns into a real thing a classic sentence that carries lots of film references: we haven’t seen anything yet. CB

Abbas Fahdel Nació en Babilonia, Irak, y vive desde los 18 años en Francia, donde estudió cine en La Sorbona. Regresó a su país natal para filmar los documentales Back to Babylon (2002) y We Iraqis (2004). También dirigió el drama bélico Dawn of the World (2008). He was born in Babylon, Iraq, and at the age of 18 moved to France, where he studied film at the Sorbonne. He returned to his home country to shoot the documentaries Back to Babylon (2002) and We Iraqis (2004). He also directed the war drama Dawn of the World (2008).

Irak / Francia - Iraq / France, 2015 / 334’ DCP / Color / Árabe - Arabic D, F, E, P: Abbas Fahdel Contacto / Contact Abbas Fahdel T +33 6 6229 7117 E [email protected] W abbasfahdel.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

HUMAN RIGHTS official competition

Ombre della Sera Sombras de la tarde Narrada en primera persona por cinco reclusos de la prisión de Rebibbia en Roma, esta película tiene la intención de contar el difícil camino de la reinserción social y laboral que transitan los convictos luego de ser liberados.

A film that aims to depict the hard road to social and work reinsertion convicts go through after their release. Narrated in first person by five inmates from the Rebibbia prison in Rome.

La película de Valentina Esposito recrea el paso del confinamiento a la libertad haciendo gala de un tono seco, con el pulso discreto y potente, al igual que esas almas que amanecen habitando otra vez el mundo exterior. Los encuentros con la familia, la evidencia del paso del tiempo, el peso de la reclusión que se demora en los cuerpos que ahora recorren las casas como si se deslizaran por un territorio desconocido. La película no cede en ningún momento al lirismo fácil acerca de una improbable redención definitiva de los personajes, y tampoco pontifica sobre la necesidad imperiosa de una adaptación afectiva desligada del entorno social que llevó a esos hombres a la cárcel. Ombre della sera descubre un limbo secreto que se encuentra a mitad de camino entre la prisión y el mundo verdaderamente libre, y lo devela delante del espectador. David Obarrio

The film by Valentina Esposito recreates going from confinement to freedom displaying a dry tone and a firmness that is discreet and potent like those souls that inhabit the outside world once more. The reunions with the family, the evidence of the passing of time, the weight of seclusion that lags in those bodies that now go around the houses as though they were sliding through unknown territory. The film never gives in to any easy lyricism regarding an unlikely definitive redemption of the characters, nor does it pontificate on the irresistible need for an emotional adaptation free from the social environment that drove those men to jail in the first place. Ombre della sera discovers a secret limbo located halfway between prison and the truly free world, and unveils it in front of the audience. DO

Valentina Esposito Nació en Roma en 1975 y estudió arte dramático. En 2003 comenzó su trabajo social en la prisión de Rebibbia realizando varias obras de teatro con los internos, entre ellas Hamlet, Éxodo, Fitzcarraldo, y muchas otras. También coordinó la parte de teatro de Cesare deve morire (2012), ganadora en 2012 del Oso de Oro en la Berlinale. She was born in Rome in 1975 and studied drama. In 2003 she began her social work at the Rebibbia prison by staging several plays with the interns, including Hamlet, Exodus, Fitzcarraldo, and many others. She also coordinated the theater portion of Caesar Must Die (2012), winner of the Golden Bear at the Berlinale in 2012.

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Italia - Italy, 2016 / 84’ / DCP / Color Italiano - Italian D, G, DA: Valentina Esposito F: Luca Nervegna E: Christian Lombardi S: Claudio Marani M: Luca Novelli P: Riccardo Neri, Maurizio Albano PE: Riccardo Neri CP: Lupin Film, Simonfilm I: Pippo Delbono, Romolo Napolitano, Giancarlo Porcacchia, Alessandro Bernardini, Matteo Cateni Contacto / Contact Lupin Film. Riccardo Neri T +39 06 8339 6746 E [email protected] W lupinfilm.com ~ ombredellasera.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

A Maid for Each Mucamas para todos Zein tiene una agencia de empleo doméstico en el Líbano y trae mujeres de África y Asia para trabajar en casas locales. A través de tres personajes, la película intenta hacer una disección completa del sistema.

Zein has an employment agency for maids in Lebanon and brings women from Africa and Asia to work in Lebanese homes. Through three characters, the film tries to dissect the system completely.

El escenario: una agencia de contratación de mucamas. Con ese límite espacial, Maher Abi Samra entrega un ensayo tan contundente como exploratorio e incisivo sobre el trabajo. O sobre dos tipos de trabajo: el de los dueños y encargados de la agencia y el de las mucamas. O, de forma más precisa, sobre cómo es pensado y manejado el trabajo de las mucamas, porque en este recorte no son visibles, apenas tienen voz. A Maid for Each describe su trabajo mediante la interacción de la agencia con los clientes, los que piden, pagan, eligen y también se quejan de las mucamas. Un documental que acumula hallazgo sobre hallazgo, que pregunta y delimita con el encuadre, que deja hablar a los que deciden sobre otras personas, que asombra constantemente y que encuentra una forma narrativa precisa y nada obvia para hacer cine sobre esclavitudes actuales. Javier Porta Fouz

The setting: a maid service agency. Within that spatial limitation, Maher Abi Samra delivers a solid, exploratory and incisive essay about work. Or about two different kinds of work: the one of the owners and the one of the maids. Or, rather, about the way housemaid work is conceived and handled, since they are not made visible by the film and barely have a voice. A Maid for Each describes their work through the interaction between the agency and the clients, who ask, pay, choose, and also complain about the maids. This is a documentary that piles up its findings one over the other, uses its framing to question and demarcate, lets those who decide on other people speak freely, astonishes us constantly, and finds a precise narrative with no obvious elements, in order to make a film about the current forms of slavery. JPF

Maher Abi Samra

Líbano - Lebanon, 2016 / 67’ / DCP / Color / Libanés - Lebanese

Nació en Beirut, Líbano, en 1965. Estudió cine en La Fémis de París, y trabajó como fotógrafo para periódicos y agencias de noticias. Dirigió numerosos cortos y mediometrajes documentales, entre ellos, Le Syndrome du retour (1994), Femmes du Hezbollah (2000), Inhabitance of Shatila Hospital (2001), Rond-Point Chatila (2004) y We Were Communists (2010; Bafici ‘11). He was born in Beirut, Lebanon, in 1965. He studied film at La Fémis de Paris, and worked as a photographer for newspapers and news agencies. He directed many short and mid-length documentary features, including Le Syndrome du retour (1994), Femmes du Hezbollah (2000), Inhabitance of Shatila Hospital (2001), Rond-Point Chatila (2004), and We Were Communists (2010; Bafici ‘11).

D, G: Maher Abi Samra F, DA: Claire Mathon E: Rana Sabbagha, Ruben Korenfeld S: Moncef Taleb P: Serge Lalou, Camille Laemle, Ida Ven Bruusgaard Eirin, Høgetveit PE: Sabine Sidawi, Jinane Dagher CP: Orjouane Productions, Les Films D’ici, Medieoperatørene As I: Zein El Amin, Amal Barakat, Bernadette Hodeib, Rahel Zegeye Contacto / Contact Doc and Film International. Hannah Horner T +33 1 4277 5687 E [email protected] W docandfilm.com

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HUMAN RIGHTS official competition

Las letras The Letters En el 2000, en la región de los altos de Chiapas, tuvo lugar una emboscada contra una patrulla en la que hubo policías muertos. El profesor Alberto Patishtán fue señalado como el culpable y sentenciado a 60 años de prisión. La película escarba en las entrañas de esta historia.

In the year 2000, in the region of the heights of Chiapas, an ambush against a patrol car took place, and a few policemen died. Professor Alberto Patishtán was found guilty and sentenced to 60 years in prison. The film unearths the entrails of that story.

Es curioso, pero por momentos la película de uno de los cineastas más independientes de México tiene bastantes parecidos formales con una de quien hoy es su máximo representante internacional. Chavarría filma buena parte de Las letras con un tipo de lente y movimientos de cámara que recuerdan a lo que hacen Iñárritu y Lubezki en El renacido: planos largos y en movimiento perpetuo en los que los rostros y cuerpos se enfrentan con la inmensidad del paisaje, y la sensación de que los objetos y el espacio se pueden palpar. Solo que aquí el tema y el contexto son muy distintos. En el retrato de una familia y una comunidad que conviven con la ausencia de uno de sus miembros, Chavarría experimenta sobre el lenguaje; caras, cuerpos, escenarios. Un mundo, un universo: cartas visuales para alguien que no puede verlas. Diego Lerer

It’s funny, but at times, the film by one of the most independent filmmakers in Mexico has quite a few formal similarities with one by its maximum international representative. Chavarría shoots much of The Letters with a type of lens and some camera moves that remind of what Iñárritu and Lubezki do in The Revenant: lengthy shots in perpetual motion in which the faces and the bodies face the immensity of the landscape, and the feeling that the objects and the space are palpable. Only here the subject matter and context are very different. In the portrait of a family and a community who deal with the absence of one of its members, Chavarría experiments on language; faces, bodies, sceneries. A world, a universe: visual letters for someone who can’t see them. DL

Pablo Chavarría Gutiérrez Nació en México en 1986. Es biólogo graduado de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Dentro de su filmografía se encuentran obras como Terrafeni (2012) y El resto del mundo (2014). He was born in Mexico in 1986. He is a biologist graduated from the Nuevo León Autonomous University. His work includes films like Terrafeni (2012) and El resto del mundo (2014).

México - Mexico, 2015 / 77’ / DCP / Color Tzotzil - Español - Tzotzil / Spanish D: Pablo Chavarría Gutiérrez F: Diego Amando Moreno Garza E: Israel Cárdenas, Pablo Chavarría Gutiérrez DA: Mariana Cedillo S: Gerardo Villarreal M: Julio Torres P: Alexandro Aldrete, Juan Farré F. PE: Diego Osorno, Gabriel Nuncio CP: Bengala, CONARTE, IMCINE I: Alberto Patishtán, Héctor Patishtán, Gabriela Patishtán Contacto / Contact Bengala. Alexandro Aldrete T +52 55 6721 0446 E [email protected] ~ [email protected] W www.agenciabengala.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

competencia oficial DERECHOS HUMANOS

Ever the Land Siempre la tierra A través de una de las tribus maoríes más independientes y apasionadas de Nueva Zelanda –llamada NgāiTūhoe–, este film explora hasta lo más profundo y sublime de los vínculos entre el ser humano y la tierra en la que vive y construye.

Through one of the most independent and passionate Maori tribes in New Zealand –the NgāiTūhoe– this film explores the deepest and most sublime links between human beings and this planet where they live and prosper.

“Cuando la tierra es próspera, el hombre es próspero”, dice una indígena Tuhoe en algún momento de este documental. Esa frase, firme, inalterable, atraviesa este primer largometraje de Sarah Grohnert. Porque aquí no solo se cuenta la historia de un edificio construido sustentablemente (un living building); también se materializa el vínculo forjado entre un determinado espacio y quienes lo habitan. Así se retrata lo intangible de una relación de silencioso respeto, absoluta entrega y eterna admiración. A esa admiración es que se suma Grohnert, y en eso está lo más valioso de esta película que parece encerrar otra: aquella que sucede frente a nuestros ojos, y aquella que se va en los ojos de esta directora quien, mientras todo esto acontece, nunca deja de mirar el parque nacional Te Urewera. Josefina García Pullés

“When the land is prosperous, man is prosperous”, says a Tuhoe native at one point in this documentary. That firm, unchangeable sentence runs across this first film by Sarah Grohnert. Because this is not just the story of a sustainable building (a living building), as there’s also a material connection forged between a particular space and the people living in it. The film thus portrays the intangible nature of a relationship of silent respect, absolute care, and eternal admiration. Gornhert joins that admiration, and that’s the richest element in this film, which seems to enclose yet another one: one that takes place in front of our eyes, and in the eyes of the director, who is constantly observing the Te Urewera national park while all this takes place. JGP

Sarah Grohnert Nació en Alemania, se formó como editora y, más tarde, como realizadora en el Instituto de Artes Bournemouth en Reino Unido. Desde 2010 vive en Nueva Zelanda, lugar en el que ha desarrollado diversos proyectos para cine y televisión. She was born in Germany, where she trained as an editor and a filmmaker at the Bournemouth Institute for the Arts in the UK. In 2010 she moved to New Zealand, where she developed several projects for film and TV.

Nueva Zelanda - New Zealand, 2015 90’ / DM / Color Inglés / Maorí - English / Maori D, F: Sarah Grohnert E: Prisca Bouchet P: Alexander Behse CP: Monsoon Pictures International Ltd. Contacto / Contact Monsoon Pictures International Ltd. Alexander Behse T +64 2198 0496 E [email protected] W monsoon-pictures.com ~ evertheland.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

HUMAN RIGHTS official competition

A Man Returned Un hombre regresó Para escapar de las malas condiciones en el campo de refugiados palestinos de Ain al-Hilweh, Reda vagó por Grecia durante tres años. Ahora regresa al campamento, que está sufriendo los efectos de la guerra en Siria, mientras intenta rehacer su vida.

In order to escape the terrible conditions in the Palestine refugee camp of Ain al-Hilweh, Reda wandered around Greece for three years. Now he’s back in the camp, which is suffering the effects of the war in Syria, and tries to rebuild his life.

El documental se encuentra con la comedia de matrimonio; poco importa que solo sobre el final veamos a la prometida. La cámara sigue todo el tiempo a Reda, de 26 años, que regresa de Grecia al campo de refugiados palestinos en Líbano del que había escapado para casarse con su novia de la infancia. La violencia y la crudeza de las imágenes (el arma en el cinto y la jeringa colgando del brazo por la adicción a la heroína adquirida en la aventura europea) no impiden que el motor de la trama sea el futuro casamiento, lo que genera humor en un contexto en principio no fértil para eso y aumenta la empatía hacia el protagonista. Después de todo, ¿no ha sido la comedia romántica la que nos ha enseñado que el amor es la cura de todos los males? Fernando E. Juan Lima

The documentary genre meets the marriage comedy –forget about the fact that we only get to see the fiancée in the end. The camera follows 26 year-old Reda all the time, as he returns from Greece to the Palestine refugee camp in Lebanon he had escaped from in order to marry his childhood sweetheart. The violence and rawness of the pictures (a gun on his belt and a syringe hanging from his arm, as he became a heroin addict during his European adventure) don’t prevent the core of the plot to be about his upcoming marriage, which creates humor in a seemingly infertile context for it, and boosts our empathy towards the lead character. After all, hasn’t romantic comedies been the ones that taught us how love is the cure for all evils? FEJL

Mahdi Fleifel Nació en Dubai, y creció en un campo de refugiados palestinos del Líbano y luego en Dinamarca. Vive en Ámsterdam, y se graduó en la Escuela Nacional de Cine y TV de Londres. Realizó varios cortometrajes y dirigió el largo A World Not Ours (2012; Bafici ‘13). He was born in Dubai, and grew up in a Palestine refugee camp in Lebanon, and later in Denmark. He lives in Amsterdam, and he graduated from the National Film and Television School in London. He made many shorts and the feature A World Not Ours (2012; Bafici ‘13).

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Reino Unido / Palestina / Líbano / Holanda - UK / Palestine / Lebanon / Netherlands, 2016 / 30’ / DCP / Color / Árabe - Arabic D, F: Mahdi Fleifel E: Michael Aaglund S: Dario Swade P: Patrick Campbell, Mahdi Fleifel PE: Patrick Campbell, Mahdi Fleifel CP: Nakba FilmWorks Contacto / Contact 3.14*Collectif T +1 514 840 8486 E [email protected] W 314collectif.com/film/a-man-returned/

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

competencia argentina de cortos argentine short films competition

argentine short films competition

317-322 “Cuando sentí que mi intimidad era invadida por un vecino que miraba desde su balcón, decidí pagarle con la misma moneda y empecé a filmarlo. De noche y de día registré sus movimientos. Un día, en la calle, vi que caminaba hacia mí. No pude esquivarlo. Al cruzarnos, nuestras manos se rozaron”. “When I felt my intimacy was being invaded by a neighbor who watched me from his balcony, I decided to give him a taste of his own medicine and started filming him. Day and night, I recorded his every move. One day, on the street, I saw him walking towards me. I couldn’t dodge him. When we crossed each other, our hands brazed”. Ariela Bergman Nació en Buenos Aires en 1984. Estudió diseño de imagen y sonido en la UBA. Su trabajo en el cine se ubica entre el videoarte y el cine de ensayo.

Argentina, 2016 22’ / DM / Color Español - Spanish D, G, F, E, S, P, PE: Ariela Bergman I: Ariela Bergman, Tamara Bergman, Nicolás Mauceri Contacto / Contact Ariela Bergman T +54 9 11 5109 3760 E [email protected]

She was born in Buenos Aires in 1984. She studied image and sound design at the UBA. Her work moves around video art and essay films.

Adiós a las ciudades Ep 1: Carta para mis amigas Goodbye Cities. Ep. 1: Letter for my Friends Una joven está por revelar sus perturbadores secretos al anunciarles a sus congéneres su decisión de experimentar el mundo hasta la fractura. A young woman is about to reveal her disturbing secrets by announcing her fellow women her decision to experience the world up to a breaking point. Sebastián Pérez Opacăk Nació en Buenos Aires en 1978, y se crió en Río Gallegos. Estudió filosofía y letras en la UBA. Actualmente vive en Berlín. He was born in Buenos Aires in 1978, and grew up in Río Gallegos. He studied philosophy and literature at the UBA. He currently lives in Berlin.

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Argentina / Alemania - Argentina / Germany, 2016 13’ / DM / Color Español - Spanish D, G, F, E, DA: Sebastián Pérez Opačak S: Lautaro Aichenbaum M: Wolfgang Voigt, Alva Noto P: Sebastian Pérez Opacak, Ivo Aichenbaum PE: Ivo Aichenbaum CP: URSA Estudio I: María Elena Guerra Aredal, Isabelle Philippe Contacto / Contact URSA Estudio. Ivo Aichenbaum T +54 11 5737 5612 E [email protected] W ursaestudio.com

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competencia argentina de cortos PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Berlín Berlin Julián y Clara esperan un pedido para llevar en la barra de una parrilla, mientras fuman y conversan. Al día siguiente, uno de ellos dejará el país. El tiempo que pasa hasta que el pedido sea entregado es todo el tiempo que les queda juntos. Julián and Clara wait for a take-away order at a restaurant, while they smoke and talk. The day after, one of them will leave the country. The time until their order is given to them is all the time they have left to be together. Luciano Salerno Nació en Buenos Aires en 1989. Estudió artes audiovisuales en la UNA, y dirigió tres cortometrajes. He was born in Buenos Aires in 1989, and studied Audiovisual Arts in UNA. He directed three short films.

El mes del amigo

Argentina, 2016 / 8’ / DCP / Color Español - Spanish D, G, PE: Luciano Salerno F: Francisco Bouzas E: Josefina Llobet DA: Tatiana Mazú, Joaquín Maito S: Hernán Higa M: Maxi Prietto P: Sol Inzillo, Martín Guevara CP: NNM Cine I: Malena Villa, Pablo Sigal Contacto / Contact NNM Cine. Luciano Salerno T +54 9 11 6160 5103 E [email protected] W facebook.com/nnm.cine ~ facebook.com/cortometrajeberlin

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

The Friends’ Month Mientras acepta la difícil idea de separarse de su novio, Emilia se muda a un departamento del centro. Entre cajas y cosas embaladas, casi por azar, comienza a vivir la vida de la antigua inquilina. While dealing with a breakup, Emilia moves to a downtown apartment. Between boxes and packages, she almost randomly starts living the life of the former tenant. Florencia Percia Nació en Buenos Aires en 1984, y es licenciada en Cinematografía por la Universidad del Cine. Actualmente se encuentra realizando su primer largometraje. She was born in Buenos Aires in 1984, and majored in Cinematography at Universidad del Cine. She is currently making her first feature-length film.

Argentina, 2016 17’ / DCP / Color Español - Spanish D, G, PE: Florencia Percia F: Lucio Bonelli E: Wenchi Bonelli, Florencia Percia DA: Ana Cambre S: Marcos Canosa P: Mercedes Córdova, Valeria Forster CP: Brava Cine, Universidad del Cine I: Valeria Correa, Adriano Salgado Contacto / Contact Brava Cine. Florencia Percia T +54 9 11 5562 2932 E [email protected]

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argentine short films competition

Error 404

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

En una empresa, el jefe y sus empleados trabajan prestando atención solamente a los monitores de sus computadoras. De repente se corta Internet, y la empresa entra en crisis cuando los trabajadores comienzan a conectarse con otras cosas que no son sus pantallas. A company’s boss and his employees only pay attention to their computer screens. Suddenly, the Internet connection goes down, and the company gets into a crisis when the workers start connecting with things other than their monitors. Mariana Wainstein Nació en Buenos Aires en 1981. Se recibió de diseñadora de imagen y sonido en la UBA. Trabajó en el área de dirección con reconocidos directores, como Damián Szifron y Francis Ford Coppola. She was born in Buenos Aires in 1981. She majored in Image and Sound Design at the UBA. She worked in film direction with renowned filmmakers such as Damián Szifron and Francis Ford Coppola.

Historia del agua

Argentina, 2016 13’ / DM / Color Español - Spanish D, G: Mariana Wainstein F: Matías Nicolás E: Javier Falchi, Mariana Wainstein DA: Juan Cavia S: Nicolás Chudnovsky M: Gabriel Chwojnik P: Sol Aramburu PE: Fabián Zayat CP: Gloria Films I: Julieta Zylberberg, Iair Said, Walter Jakob, Paula Grinszpan, Katia Szechtman, M. Alarcon, M. F. Callejón Contacto / Contact Mariana Wainstein T +54 9 11 3043 0204 E [email protected] W mariwain.com.ar

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Water Story Lo que pasa en un pueblo en el que conviven dos amigos, las Fuerzas Armadas y un hombre que trabaja en el bosque. What happens in a town where two friends, the Armed Forces and a man who works in the woods all coexist. Simón Vélez lópez Nació en Medellín, Colombia, en 1990. Estudió dirección de cine en la Universidad del Cine. Dirigió el corto Por ver la luz en tus pupilas, decía mordicante el réprobo (Bafici ‘15). He was born in Medellín, Colombia, in 1990. He studied filmmaking at Universidad del Cine. He directed the short film Por ver la luz en tus pupilas, decía mordicante el réprobo (Bafici ‘15).

Argentina / Colombia, 2016 13’ / DCP / Color Español - Spanish D, F, P, PE: Simón Vélez López G: Simón Vélez López, Juan Lugo Quebrada E: Juan Sebastián Quebrada S: Tatiana Frean CP: Soda, Montañero Cine, Universidad del Cine I: Juan Lugo, Variel Sánchez, Juan de Dios Contacto / Contact Soda. Simón Vélez T +54 9 11 2305 1626 E [email protected]

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competencia argentina de cortos

¡Hola a los fiordos!

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Hello to the Fjords! La geografía imponente del continente americano atestigua el recorrido de un buque de pasajeros por aguas australes. The stunning geography of the American continent is a witness to the path of a passenger boat through Southern waters. Alex Piperno Nació en Montevideo en 1985, y estudió en la Universidad del Cine. Dirigió dos cortometrajes. He was born in Montevideo in 1985, and studied at Universidad del Cine. He directed two short films.

Argentina / Uruguay, 2016 12’ / DCP / Color D, G, E, P, PE: Alex Piperno F: Andrés Aguiló S: Lucas Larriera CP: La Pobladora Cine, Ciudades Subterráneas I: Setiawan Jeje Tempo, Muhtarwin Efendi Contacto / Contact La Pobladora Cine. Alex Piperno T +54 9 11 6244 3307 E [email protected] W lapobladoracine.com

Julieta se queda dormida

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Julieta Falls Asleep Julieta cuenta una historia dos veces. Ambas versiones difieren muy poco. En una plaza Julieta es fotografiada. En el cuarto del fotógrafo, Julieta, desnuda, pretende dormir, esperando a que él vaya al baño (o a hacer un café) para vestirse rápido, en un segundo. Julieta tells a story twice. The two versions have very slight differences. Julieta gets photographed in a park. In the photographer’s room, Julieta is naked, pretending to sleep, and waiting for him to go to the bathroom (or to make coffee), so she can get dressed quickly, in a second. Dante De Luca Nació en Buenos Aires en 1992. Estudió en la Universidad del Cine. Actualmente escribe el guion de su primer largometraje. He was born in Buenos Aires in 1992. He studied at Universidad del Cine. He’s currently writing the script for his first feature-length film.

Argentina, 2016 11’ / DM / Color Español - Spanish D, G, E: Dante De Luca F: Luis Celedón DA: Paloma Ioli S: Lucas Busso P, PE: Alexan Sarikamichian CP: Universidad Del Cine, Alexan Films I: Martina Juncadella, Luciano Borges, Lucía De Luca Contacto / Contact Alexan Films T +54 9 11 5720 6913 E [email protected] W alexan.com.ar

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(La fábrica de tortas) Pastel de cereza

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

(The Cake Factory) Cherry Pie Sofía tiene 16 años, le gusta hablar con su hermana mayor y fumar a escondidas. A Luján, su mejor amiga, le gustan el café negro y las galletitas de manteca, y tiene novia. Pero una noche Sofía besa a una chica, y a Luján la invaden el amor y la certeza de que enamorarse no es una opción. Sofía is sixteen years old; she likes talking with her older sister and smoke in hiding. Luján, her best friend, likes black coffee and butter cookies, and she has a girlfriend. But one night, Sofía kisses a girl, and Luján is overwhelmed by love, and the notion that falling in love is not an option. Jessica Praznik Nació en Buenos Aires en 1987. Estudió realización audiovisual en la Universidad Nacional del Arte y es diseñadora de indumentaria. She was born in Buenos Aires in 1987. She studied audiovisual directing at the Universidad Nacional del Arte, and works as a fashion designer.

La reina del baile

Argentina, 2016 16’ / DM / Color Español - Spanish D: Jessica Praznik G: Pepa Astelarra F: Luciana Favit E: Augusto Gonzalez Polo DA: Mariana Point S: Mariana Point, Alex Cubides, Ernesto Meier M: Mariana Point, Ramiro Jota P: Jessica Praznik, Christian Romero PE: Rocío Gort CP: Oro Eléctrico Producciones I: Naiara Awada, Malena Villa, Carla Bilancieri, Ailín Zaninovich Contacto / Contact Oro Eléctrico Producciones. Gisela Chicolino T +54 9 11 5181 1740 E [email protected] W facebook.com/oroelectricoproducciones facebook.com/thetortasfactory

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Dancing Queen Víctor es un presentador de karaoke al que la rutina lo tiene mal. Nada parece motivarlo: ni sus amigos ni su trabajo, y mucho menos su matrimonio con Liliana. Pero lo que busca está mucho más cerca de lo que parece. Víctor is a karaoke host affected by the routine. Nothing seems to motivate him: nor his friends nor his work, and certainly not her marriage with Liliana. But what she’s looking for is closer than it seems. Martín Holzman Nació en Buenos Aires en 1993. Se graduó en la ORT en la orientación de medios de comunicación, y luego estudió dirección de cine en la FUC. Su primer corto fue El sueño del pibe. He was born in Buenos Aires in 1993. He graduated from ORT with an orientation in media, and later studied filmmaking at the FUC. His first short film was El sueño del pibe.

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Argentina, 2016 12’ / DM / Color Español - Spanish D, G: Martín Holzman F: Sebastián Cantillo E: Tomás Maumus DA: Natalia Chiacchiari S: Ana Mandelbaum, Lucio Fontana P, PE: Martín Busel CP: Emboscada, Universidad del Cine I: Fabián Arenillas, Mirta Wons, Pedro Di Salvia, Lucila Tolcachier, Martín Piroyansky Contacto / Contact Emboscada. Martín Busel T +54 9 11 6714 2967 E [email protected]

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competencia argentina de cortos

Las imágenes de Helena

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Helen’s Images Una mujer abandonada, su cuerpo angustiado y la tristeza disimulada. Esta es una historia contada en dos contextos históricos distintos, que conviven y ponen en evidencia la brecha entre las posibilidades socioculturales de la mujer en 1890 y en 1970. An abandoned woman, her anguished body, and her disguised sadness. This is a story told in two different historical contexts, which coexist and demonstrate the gap in opportunities for women in 1890 and 1970. Andrea Santamaría Estudió en la Universidad del Cine en Buenos Aires y se especializó en efectos especiales en los Escape Studios en Londres. Dirigió el cortometraje Tres (2005), y fue una de las directoras del largometraje A propósito de Buenos Aires (Bafici ‘06). She studied at Universidad del Cine in Buenos Aires and specialized in special effects at the Escape Studios in London. She directed the short film Tres (2005), and was one of the directors of the collective film A propósito de Buenos Aires (Bafici ‘06).

Los días felices

Argentina, 2016 15’ / DCP / Color Español - Spanish D, G, E: Andrea Santamaría F: Andrés Aguiló DA: Micaela Bellani S: Francisco Pedemonte P: Florencia Clérico, Andrés Larriera I: Sabrina Grinschpun, Jimena del Pozo, Graciela Borges, Walter Saettone Contacto / Contact Hasta 30 Minutos. Luciana Abad T +54 9 11 6455 4130 E [email protected]

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

The Happy Days Lucía y Juan deciden pasar el día en un lago con sus cuatro niños. Abstraídos en sus diferencias, ninguno de los dos advierte la ausencia de una de sus hijas. Comienza entonces una búsqueda desesperada. Lucía and Juan decide to spend a day in a lake with their four children. Concentrated in their differences, neither of them notices one of their daughters is missing. A desperate search begins. Agostina Guala Nació en Río Negro, Argentina, en 1984. Estudió en la Universidad del Cine, donde realizó numerosos cortometrajes. Trabajó como ayudante de dirección en varios films nacionales e internacionales. She was born in Río Negro, Argentina, in 1984. She studied at Universidad del Cine, where she directed several short films. She worked as an assistant director in many local and foreign films.

Argentina, 2016 15’ / DM / Color Español - Spanish D, G: Agostina Guala F: Alejo Maglio E: Ignacio Guala S: Adriano Salgado, Lucas Larriera M: Federico Britos P: Agostina Guala, Daniela Martínez Nannini, Martín F. Lapissonde PE: Daniela Martínez Nannini, Martín F. Lapissonde CP: Macaco Films, Mil Grullas Cine I: Celina Carbajal, Iñaki Moreno Contacto / Contact Mil Grullas Cine, Macaco Films. Daniela Martínez Nannini T +54 9 11 5845 7214 E [email protected] W milgrullascine.com ~ macacofilms.com.ar

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argentine short films competition

Manifiesto de amor

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Love Manifesto En el registro crudo de una charla banal de pareja , a través de los gestos cotidianos, aparece de pronto un reclamo de cariño. A raw record of a couple having a superfluous conversation, until suddenly a demand for affection emerges through everyday gestures. Marlene Lievendag Nació en Buenos Aires en 1966. Estudió dirección de arte en la Universidad de Nueva York. Hace veinte años que trabaja como directora de arte en cine y televisión. She was born in Buenos Aires in 1966. She studied Art Direction at NYU. She has been working as an art director in film and TV for twenty years.

Argentina, 2016 10’ / DM / Color Español - Spanish D, G, F, S, P: Marlene Lievendag E: Carolina Grgurevic I: Pedro Saborido, Sofía Saborido, Dante Saborido, Marlene Lievendag Contacto / Contact Marlene Lievendag T +54 9 11 6176 5275 E [email protected]

No hay bestias The Cry of the Oxen A través del tiempo, un grupo de desconocidos se encuentra rodeado por una atracción inexplicable por la naturaleza. A group of strangers find themselves surrounded by an inexplicable attraction towards nature throughout time. Agustina San Martín IV Nació en Buenos Aires en 1991. Estudió diseño de imagen y sonido en la UBA, y realizó varios trabajos como directora de fotografía, como en el cortometraje Lo que dicen del monte, ganador del Bafici ‘14. She was born in Buenos Aires in 1991. She studied image and sound design at the UBA, and worked as a cinematographer for several projects, including the short film Lo que dicen del monte, winner of Bafici ‘14.

Argentina, 2016 22’ / DCP / Color Español - Spanish D, G: Agustina San Martín IV F, PE: Constanza Sandoval E: Renata Miranda, Agustina San Martín IV DA: Agustín Ravotti S: Octávio Tavares P: Belén Bianco CP: Presencia Cine I: Mónica Leal, Pablo G. Fernández, Guillermina Ojeda, Andrea Ojeda, Rubén Ruiz Contacto / Contact Presencia Cine. Agustina San Martín T +54 11 6706 3308 E [email protected]

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competencia argentina de cortos

Perfume para cuatro

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Four Ladies, One Perfume Tres hermanas están en su casa por la noche. Como de costumbre, su madre avisa que no va a llegar y les asigna tareas. Pero esta vez todo será diferente. Three sisters are at home at night. As usual, their mother lets her know she won’t be back home in time and assigns chores for each. But this time everything will be different. Inés Villanueva Nació en Buenos Aires en 1993. Estudió dirección cinematográfica en la Universidad del Cine. Dirigió los cortos Joaquina siempre (2012), Así somos sin Serena (Bafici ‘14) y El rastro. She was born in Buenos Aires in 1993. She studied filmmaking at Universidad del Cine. She directed the short films Joaquina siempre (2012), Así somos sin Serena (Bafici ‘14) and El rastro.

Argentina, 2016 8’ / DM / Color Español - Spanish D, G, E: Inés Villanueva F: Luis J. Celedón DA, PE: Pablo Fernández S: Javier Fernández Jensen P: Pablo Fernández, Juan Iastrebner CP: Naiz Films, Universidad del Cine I: Teresa Salomón, Clara Villanueva, Inés Villanueva Contacto / Contact Naiz Films. Inés Villanueva T +54 9 11 5579 3828 E [email protected] W naizfilms.com

Silencio antes Before Silence Al final de la tarde, dos cuerpos sin vida flotan en la orilla de la laguna. Ellos han quedado congelados en el gesto invisible de los que ya no están aquí. At dusk, two lifeless bodies float on the shore of the lagoon. They have been frozen with the invisible gesture of those who are gone. Mercedes Gaviria Nació en Medellín, Colombia, en 1992, y estudió dirección de cine en la Universidad del Cine de Buenos Aires. También se formó como sonidista, y realizó la edición de sonido de varios largos. She was born in Medellín, Colombia in 1992, and studied filmmaking at Universidad del Cine in Buenos Aires. She also trained as a sound designer and worked on several films as a sound editor.

Argentina / Colombia, 2016 10’ / DCP / Color Español - Spanish D, G, S: Mercedes Gaviria F: Mauricio Reyes Serrano E: Laura Valderrama DA: Juana Varela M: Sergio Andrés Velásquez P: Julen Laburu PE: María Florencia Palombo, Mercedes Gaviria CP: Universidad del Cine, Alcaldía de Medellín, Elhecho Cine I: Fernando Acosta, Marisa Grieber, Pablo Toporosi Contacto / Contact Elhecho Cine. Mercedes Gaviria T +54 9 11 3412 2324 E [email protected] W facebook.com/cortometrajesilencioantes

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Un ejercicio para no olvidar

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

An Exercise to Never Forget Cristian es un joven actor que tiene problemas para distinguir entre la fantasía y la realidad. Mientras espera a su novia en un bar, comienzan a aparecer en su mente los recuerdos de su relación y la misteriosa figura de un hombre nacido en Paraguay a principios del siglo XX. Cristian is a young actor who has trouble distinguishing fantasy from reality. While he waits for her girlfriend in a bar, his mind delves in the memories of his relationship and the mysterious figure of a man born in Paraguay in the early years of the 20th century. Gabriel Bosisio Nació en Buenos Aires en 1987. Debutó como director con La niña elefante, serie web ganadora de la Bienal de Arte Joven 2015. He was born in Buenos Aires in 1987. His directorial debut, the web series La niña elefante, won the 2015 Youth Art Biennale.

Yolanda

Argentina, 2016 17’ / DM / Color & B&N Español - Spanish D: Gabriel Bosisio G: Ain Bosisio, Gabriel Bosisio F: Luciano Badaracco E: Julian Vey DA: Isabelle Siegrist S: Federico Abuaf, Ignacio Cruz M: Federico Abuaf P: Gabriel Bosisio, Malena Kremenchusky CP: Catnap I: Malena Villa, Gabriel Bosisio, Cristian Ciminnelli, Agustina Gutiérrez, Evert Romero Contacto / Contact Catnap. Gabriel Bosisio T +54 9 11 579 4084 E [email protected] W catnapcine.com

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Agustín regresa al universo de Yolanda, su profesora de inglés de la infancia. Un espacio en el que el tiempo se suspende en los recuerdos, pero no se detiene. Agustín returns to the universe of Yolanda, his English teacher when he was a kid. A place where time suspends memories, but doesn’t stop. Agustín Burghi Nació en Saladillo en 1990, y egresó de la ENERC. Dirigió el corto Viernes 20:15 (Bafici ‘14). He was born in Saladillo in 1990, and graduated from ENERC. He directed the short film Viernes 20:15 (Bafici ‘14).

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Argentina, 2016 / 17’ / DCP / Color Español / Inglés - Spanish / English D, P, PE: Agustín Burghi F: Javier González Tuñón E: Florencia Tissera S: Sofía Straface I: Adelfa Yolanda Segura de Mariotto, Agustín Burghi Contacto / Contact Agustín Burghi. Agustín Burghi T +54 9 11 6152 0686 E [email protected]

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muestra argentina de cortos argentine short films exhibition

argentine short films exhibition

Aviso fúnebre

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Funeral Notice Ocho televidentes de un noticiero recuerdan sus experiencias cuando eran parte de las transmisiones que ahora consumen. Eight fans of a TV news show remember their experiences back when they were part of the broadcasts they now watch. Melisa pía Gammarota Nació en Buenos Aires en 1987. Estudió publicidad en la Universidad del Salvador y luego dirección en la Universidad del Cine. He was born in Buenos Aires in 1987. He studied advertising at Universidad del Salvador and later filmmaking at Universidad del Cine.

Camarín

Argentina, 2016 / 12’ / DM / Color / Español - Spanish D, G: Melisa Pía Gammarota F: Agustín Intile Noble E: Daniela Benedetti DA: Melisa Pía Gammarota, Nicolás Videtta Bunge S: Ciro Zumel P, PE: Sonia Stigliano CP: Universidad del Cine I: Federico Starke, Giovanna di Vicenzo, Martín Odstrcil, Bruno Murase, Elías Saieg

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Dressing Room Detrás de escena, algunas juegan a no ser ellas por un rato. El amor trágico, el agua hirviendo. Se sube el telón. Behind the scene, some of them play a game of not being themselves for a while. Tragic love, and water boiling. The curtain rises. Natasha Gurfinkel Nació en Buenos Aires en 1992, y estudió dirección en la Universidad del Cine de Buenos Aires. She was born in Buenos Aires in 1922, and studied filmmaking at Universidad del Cine in Buenos Aires.

Argentina, 2016 / 17’ / DM / Color / Español - Spanish D, G: Natasha Gurfinkel F: Ignacio Aveillé E: Ignacio Sesma, Natasha Gurfinkel DA: Carolina Canalis S: Sofía Lewkowicz M: Ignacio Sesma P: Natasha Gurfinkel, Malena Vain PE: Malena Vain CP: Universidad del Cine I: Vera Spinetta, Nicolás Goldschmidt, Mónica Gonzaga, Mila Marchisio Contacto / Contact Universidad del Cine T +54 11 4300 1413 E [email protected] W ucine.edu.ar

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muestra argentina de cortos

Carta 12, Praga.

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Letter 12, Prague. Ensayo que busca una síntesis entre literatura, cine y puesta en escena. La voz de Isabella guía un relato que deja a la ficción dar cuenta de lo cierto: en lo que ella ve y cuenta laten en la historia real y la memoria del lugar. An essay that aims at a synthesis of literature, film, and mise en scène. Isabella’s voice leads the way in a story where fiction tells the truth: the real history and the memory of that place breathes in what she sees and narrates. Vera Czemerinski Nació en Buenos Aires en 1972, y es actriz. Es egresada de la Escuela de Dramaturgia de la EAD. Actualmente trabaja en producción, periodismo, como actriz y cantante. She was born in Buenos Aires in 1972. An actress graduated from the EAD Playwriting School, she currently works in production, journalism, and as both actress and singer.

Argentina, 2016 / 10’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, DA, P, PE, I: Vera Czemerinski F: Robert Newald E: Javier Luna S: José Luis Díaz M: Miguel de Olaso CP: Los Viajes de Isabella Contacto / Contact Los Viajes de Isabella. Vera Czemerinski T +54 9 11 5974 7500 E [email protected] W impresionesextranjeras.blogspot.com.ar

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Clara Claire Clara vuelve a Buenos Aires. Algo salió mal en otro lugar. Un monoambiente, una comunidad de entrañables vecinos y un perro callejero serán su nuevo hogar. Clara returns to Buenos Aires. Something went wrong somewhere else. A studio apartment, a community of nice neighbors, and a stray dog will all become her new home. Laura Huberman Nació en Buenos Aires en 1986, y estudió en la Universidad del Cine. Es directora y productora. Clara es su segundo cortometraje. She was born in Buenos Aires in 1986, and studied at Universidad del Cine. She’s a director and producer. Clara is her second short film.

Argentina, 2016 / 18’ / DM / Color / Español - Spanish D, G: Laura Huberman F: Joaquín Neira E: Constanza Curia DA: Lucia Carnicero S: Nicolás Payueta M: Nicolás Villamil P: Melanie Schapiro, Laura Huberman PE: Melanie Schapiro CP: Laura cine I: Jimena Anganuzzi, Mariano Sayavedra, Susana Varela, Mario Bodega, Renzo Cozza, Ana Katz Contacto / Contact Laura cine T +54 9 11 3966 6808 E [email protected] W lauracine.com

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argentine short films exhibition

Continue

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Luego de una ruptura, Ana guarda todo su pasado en una valija roja y se marcha con sus viejos rollers. En el momento en que está tironeando de su pesada valija, sin darse cuenta, comienza a enfrentarse al futuro incierto que la está esperando. Following a breakup, Ana puts her entire past in a red suitcase and leaves on her old roller skates. While she’s pulling her heavy suitcase around, and without noticing it, she will start facing the uncertain future that awaits her. Sheuen Mondelo Nació en Río Gallegos en 1988, y actualmente vive en La Plata. Estudió fotografía, diseño de indumentaria y diseño en comunicación visual en la UNLP. She was born in Río Gallegos in 1988, and currently lives in La Plata. She studied photography, fashion design, and visual communication design at the UNLP.

De cómo Daniel...

Argentina, 2016 / 11’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, E, PE: Sheuen Mondelo F: Leslie Truyenque DA: Ayelén Gaudin S: Rafael Kielling M: Sebastián Rulli, Lucas Taubet P: Selene Mondelo I: María del Médico, Ana Paula César Contacto / Contact FilmsToFestivals. Gisela Chicolino T +54 9 11 5181 1740 E [email protected] W filmstofestivals.com

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Of How Daniel... Daniel es un colombiano que vive en Buenos Aires, le gusta dormir hasta tarde y es fanático de YouTube. En su trabajo conoce a Agustina, una chica argentina a la que no le gusta dormir hasta tarde pero comparte el entusiasmo de Daniel por dicha página cibernética. Daniel is a young Colombian man living in Buenos Aires; he likes to sleep late and watch YouTube videos. At his job, he meets Agustina, an Argentine girl who doesn’t like to sleep, but shares his enthusiasm for that website. Daniel Korgi Nació en Cali, Colombia, en 1989. Estudió dirección de cine en la Universidad del Cine en Buenos Aires. He was born in Cali, Colombia, in 1989. He studied filmmaking at Universidad del Cine in Buenos Aires.

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Argentina / Colombia, 2016 / 20’ DM / Color / Español - Spanish D, G, E, PE: Daniel Korgi DA: Florencia Gemsio S: Juan Sebastián Mora P: Daniel Korgi, Hans Fressen, Juan Sebastián Mora CP: Universidad del Cine I: Daniel Korgi, Agustina Ferrari Contacto / Contact Daniel Korgi T +57 31 5852 1013 E [email protected]

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

muestra argentina de cortos

Deportivo Español

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cuerpos que transitan el camino de la danza. Colores, brillos, el estallido de la música. Hombres y mujeres reunidos para celebrar el movimiento en un espacio que los alberga. Dos países. Un club y una zona que se extiende para que los ojos encuentren la melodía de las formas. Bodies moving through the path of dance. Colors, sparkles, and music bursting. Men and women gather to celebrate movement in a place that welcomes them. Two countries. A club and an area that extends so their eyes meet with the melody of the forms. Ignacio Verguilla Nació en Buenos Aires en 1975, y se graduó como realizador en el Cievyc. Cursó estudios de letras y fotografía, y es docente en Andamio 90.

Argentina, 2016 / 11’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, F, E: Ignacio Verguilla S: Pablo Sala P: Aníbal Perotti, Gabriel Smaniotto, Ignacio Verguilla, Fabián Roberti Contacto / Contact Ignacio Verguilla T +54 11 5933 0094 E [email protected]

He was born in Buenos Aires in 1975, and majored in filmmaking at Cievyc. He studied literature and photography, and works as a teacher in Andamio 90.

El coral que trajimos de Brasil

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

The Coral We Brought from Brazil El pintor Guillermo Roux y su mujer ven por primera vez en una computadora portátil, después de 45 años, un registro en 16mm que creían perdido. El material fue realizado en la misma casa donde viven actualmente por el cineasta Simón Feldman durante el verano de 1968 o 1969. Artist Guillermo Roux and his wife watch 16mm footage they thought to be lost for the first time in 45 years, in a laptop computer. The material was shot in the same house where they live today by filmmaker Simón Feldman during the summer of 1968 or 1969. Martín Serra Nació en Buenos Aires en 1972, y estudió en la Universidad del Cine. Realizó varios cortos, como 23 veranos (2006) y La vida en un día (2011).

Argentina, 2016 / 29’ / DCP / Color / Español - Spanish D, E: Martín Serra G: Rodolfo Martínez Mendoza, Martín Serra F: Soledad Rodríguez S: Fernando Soldevila P: Noemí De Palma, Martín Serra PE: Mario E. Levit CP: Rueque Cine, Cruz del Sur Cine, Universidad del Cine I: Franca Beer, Guillermo Roux Contacto / Contact Cruz del Sur Cine. Martín Serra T +54 9 11 3257 5614 E [email protected] W cruzdelsurcine.com

He was born in Buenos Aires in 1972, and studied at Universidad del Cine. He directed several short films, including 23 veranos (2006) and La vida en un día (2011).

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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argentine short films exhibition

El familiar

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

The Familiar Narra el mito del “perro familiar”, un diabólico ser que se devoraba a los reacios trabajadores del Ingenio Santa Ana, en Tucumán, cuando estos se quejaban de sus condiciones de trabajo. The myth of the “family dog”, a diabolic being that used to devour the reluctant workers of the Santa Ana sugar factory when they complained about their work conditions. Franco Lescano Noriel Nació en Mar del Plata en 1989, y en 2010 decidió viajar a Tucumán para estudiar cine. Dirigió dos series para la Televisión Digital Abierta. He was born in Mar del Plata in 1989, and in 2010 decided to travel to Tucumán to study filmmaking. He directed two series for Open Digital Television.

El final

Argentina, 2015 / 26’ / DM / Color / Español - Spanish D, DA, P: Franco Lescano Noriel G: Franco Lescano Noriel, Guillermo del Pino F: Gerardo García E: Flavio Aguilera S: Ruido Rosa M: Gastón Delicio PE: Martin Falci, Natalia Occhionero CP: Anaconda Producciones, 47 Planos I: Roberto Pucci, Arturo Lastra, Hortencia Castillo Contacto / Contact Anaconda Producciones. Franco Lescano Noriel T +54 9 11 3241 2595 E [email protected]

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

The End Un grupo de evangelistas compra una de las monumentales salas de cine de la Ciudad de Buenos Aires. Hacen algunas reformas y convierten el templo pagano en una iglesia de Dios. Las puertas se abren para recibir a sus seguidores. A group of evangelists buys one of Buenos Aires’ monumental film theaters. They carry out some reforms and turn that pagan temple into a church of God. The doors are open to welcome their followers. Juan Schmidt Nació en Buenos Aires en 1978. Estudió diseño de imagen y sonido en la UBA. Dirigió los largometrajes Polvareda (2013) y Los monstruos (2014). He was born in Buenos Aires in 1978. He studied image and sound design at the UBA. He directed Polvareda (2013) and Los monstruos (2014).

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Argentina, 2016 / 11’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, E, S, P: Juan Schmidt F: Juan Schmidt, Alexis Bianchi, Nicolás Mattiangeli CP: Monstruo Producciones Contacto / Contact Monstruo Producciones. Juan Schmidt T +54 9 11 5644 6685 E [email protected] W vimeo.com/juanschmidt

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

muestra argentina de cortos

El hombro de Sbaraglia

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Sbaraglia’s Shoulder Diego es un actor que, después de 10 años de tratar de sobresalir en el mundo de la actuación en Nueva York, sigue sus instintos y vuelve a Buenos Aires imaginando un glorioso regreso. Diego is an actor who spent 10 years trying to make it in New York, but now he follows his instincts and goes back to Buenos Aires picturing a glorious return. Carlos Ledesma Nació en Avellaneda, pero vive en Nueva York desde el año 2000. Estudió cine en la Escuela Municipal de Cine de Lomas de Zamora, en New York University y School of Visual Arts (NYC). He was born in Avellaneda, but lives in New York since 2000. He studied film at the Lomas de Zamora Municipal Film School, the New York University and the School of Visual Arts (NYC).

Argentina / Estados Unidos - Argentina / US, 2016 17’ / DM / Color / Español / Inglés - Spanish / English D, G: Carlos Ledesma F: Carlos Ledesma, Mecha Frías, Agustín Figueroa E: Carlos Ledesma, Inés Vogelfang DA: Josefina Guarracino S: Pablo Orzeszko P: Carlos Ledesma PE: Carlos Ledesma I: Joaquín Furriel, Carlos Ledesma, Félix Buenaventura, Iair Said, Leonardo Sbaraglia Contacto / Contact Carlos Ledesma T +1 646 287 5306 E [email protected] W mynameiscarlos.com ~ facebook.com/elhombrodesbaraglia

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Galíndez Galindez está basada en la obra El Señor Galíndez, escrita por el psicólogo, dramaturgo, y actor argentino Eduardo Pavlovsky en 1972. La película toma como locación el Teatro Payró en Buenos Aires, donde la obra fue estrenada por primera vez en enero de 1973. Galindez is based on the theater play El Señor Galíndez, written by Argentine psychoanalyst, playwright and actor Eduardo Pavlovsky in 1972. The film takes as its setting the Payró Theater in Buenos Aires, in which the play was first released in January 1973. Diego Bruno Nació en 1978 en Argentina. Estudió historia del arte en la Universidad de Buenos Aires, tiene un BFA de la Escola Massana de Barcelona, y un MFA de la Finnish Academy of Fine Arts.

Argentina / Finlandia - Argentina / Finland, 2015 22’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, DA, P, PE: Diego Bruno F: Antti Pohjola E: Diego Bruno, Ewa Górzna S, M: Mikko Räihälä Contacto / Contact AV-Arkki T +358 504 356 092 E [email protected] W av-arkki.fi/en

Born in 1978 in Argentina. He studied history of art at the University of Buenos Aires, holds a BFA from the Escola Massana, Barcelona, and an MFA from the Finnish Academy of Fine Arts.

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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argentine short films exhibition

Helsinki Fidel vive en Buenos Aires, pero por motivos laborales él y sus padres deberán mudarse a Helsinki, Finlandia. En sus últimas semanas en la ciudad comenzará a percibir cierta distancia tanto con sus amigos como con sus espacios. Fidel lives in Buenos Aires, but he and his parents will have to move to Helsinki, Finland due to Fidel’s job. During his last weeks in the city, he will start to sense a certain distance with both his friends and his spaces. Mauro Movia Nació en 1983 en Bariloche, Río Negro, y estudió en la Universidad del Cine. Dirigió el corto El puesto, que participó en diferentes festivales internacionales. He was born in 1983 in Bariloche, Río Negro, and studied at Universidad del Cine. He directed the short film El puesto, which was screened in several international festivals.

La distancia entre los médanos

Argentina, 2015 / 18’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, PE: Mauro Movia F: Sofía Rodrigo E: Mauro Movia, Sebastián Schajer DA: Mara Andrea Caso S, M: Damián Campero P: Gonzalo Leiva CP: Universidad del Cine, Il Gallo Nero, Capataz Cine I: Fidel Vitale, Martín Bagdadi, Luciana Asad, Melina López Contacto / Contact Il Gallo Nero. Mauro Movia T +54 9 11 6644 0891 E [email protected]

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Distance Between Dunes En el camino de regreso a la ciudad tras una abrumadora visita a su abuela enferma, Sofía debe detenerse en un hotel junto a Nacho y Sandra hasta que el incendio cese. El viento que arrastra sus cuerpos inertes los conducirá hacia habitaciones cada vez más silenciosas, refugio para permanecer ocultos a la mirada infiltrada del otro. On the way back to the city after an overwhelming visit to her sick grandmother, Sofía needs to stop in a hotel with Nacho and Sandra until the fire is over. The wind dragging his inert bodies will lead them to more and more silent rooms, shelters to remain hidden from the infiltrated view of the others. Carla Francolino

Argentina, 2016 / 19’ / DM / Color / Español - Spanish D, P, PR: Carla Francolino G: Carolina Lara Grimberg F: Gala Negrello E: Mayra Ferreyra Basso DA: Melina Gutman S: David Frete M: Alberto Lucas I: Sofía Efron, Gabriel Bosisio, Mariana Zarnicki Contacto / Contact Carla Francolino T +54 9 11 6057 3000 E [email protected]

Nació en Buenos Aires en 1992. Estudió diseño de imagen y sonido en la Universidad de Buenos Aires. She was born in Buenos Aires in 1992. She studied image and sound design at the University of Buenos Aires.

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

muestra argentina de cortos PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Massamba Samba es un inmigrante senegalés que vive en Buenos Aires. Su vida transcurre entre la mezquita, la pensión, el rap y la venta de anteojos. Hace tres años lucha por crecer económicamente y cumplir el sueño de convertirse en un cantante famoso. Una oportunidad podría cambiar su suerte y su destino. Samba is a Senegalese immigrant living in Buenos Aires. His life passes by amidst the mosque, the pension, rap, and selling eyeglasses. He has been struggling for three years in order to grow financially and fulfill his dream of becoming a famous singer. And then, he gets an opportunity that could change his luck and fate. los Directores / the Directors Aylee Ibañez es licenciada en Historia del Arte en la Universidad de La Habana. Milena Amaya trabajó en varios documentales independientes en Buenos Aires. Ana Farini dirigió El oficio y Oh.

Argentina, 2016 / 16’ / DM / B&N Wolof / Español - Wolof / Spanish D, G, DA, P, PE: Milena Amaya, Ana Farini, Aylee Ibañez F: Milena Amaya E: Javier Aguilar S: Javier Aguilar CP: Mumbai Films I: Massamba, Gabriel Chwojnik, Angel Frometta Contacto / Contact Mumbai Films. Ana Farini T +54 9 11 4949 1990 E [email protected]

Aylee Ibañez majored in Art History at the University of Havana. Milena Amaya worked in several independent documentaries in Buenos Aires. Ana Farini directed El oficio and Oh.

Mira cómo te olvido Watch How I Forget You Noviembre. Federico viaja 20 días de Bogotá a Buenos Aires, donde se reencuentra con viejas amistades y conoce a Florencia, quien hace que ponga en duda su regreso. November. Federico travels from Bogota to Buenos Aires for a 20-days trip, where he reunites with old friends and meets Florencia, who makes him question about his return. Mauricio Sarmiento Nació en Bogotá, Colombia, en 1987. Estudió cine y dramaturgia en Argentina. Dirigió el corto Tres danzas un baile. He was born in Bogotá, Colombia, in 1987. He studied filmmaking and playwriting in Argentina. He directed the short film Tres danzas un baile.

Argentina / Colombia, 2016 / 14’ / DM / Color Español - Spanish D, G, P, PE: Mauricio Sarmiento F: Mauricio Reyes E: Sebastián Quebrada DA: Etelvina Ibarbo S: Mercedes Gaviria M: Carlos Quebrada CP: Montañero Cine I: Luna Acosta, Sebastián Quebrada, Mario Londoño, Guillermina Pico Contacto / Contact Montañero Cine T +54 9 11 5764 1012 E [email protected] W montanerocine.com

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argentine short films exhibition

Una idea de la vida cotidiana

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

An Idea of Everyday Life La vida cotidiana está compuesta por acciones irrepetibles e instantes extraordinarios. El corto narra un día en la vida de Iris, una búsqueda y el encuentro de una vida cotidiana pasada. Everyday life consists in unrepeatable actions and extraordinary instants. This short film narrates one day in the life of Iris, a search, and the finding of a past everyday life. Verónica Balduzzi Nació en Buenos Aires en 1992. Estudió dirección cinematográfica en la Universidad del Cine, y tres años de literatura en la UBA. Dirigió el corto De periplos y cangrejos. She was born in Buenos Aires in 1992. She studied film direction at Universidad del Cine, and three years of literature at the UBA. She directed the short De periplos y cangrejos.

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Argentina, 2016 / 10’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, E, PE: Verónica Balduzzi F: Abril Llebeili DA: Lucía Álvarez Renó S: José Fernández Morgado P: María Florencia Palombo CP: Universidad del Cine I: Julia Martínez Rubio, Miguel Sorrentino Contacto / Contact Verónica Balduzzi T +54 9 11 6958 6514 E [email protected] W cargocollective.com/veroazul

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Historias breves 12 / Brief Stories 12 Historias Breves, el concurso anual de cortometrajes para directores organizado y producido por el INCAA, tuvo su aparición pública en agosto de 1995. Allí hicieron su primera experiencia profesional realizadores como Lucrecia Martel, Adrián Caetano y Daniel Burman, entre otros. A lo largo de veinte años, ha facilitado a nuevos directores los medios materiales para realizar una película en las mismas condiciones que rigen en el cine industrial. Los cortometrajes se estrenan en salas cinematográficas. Son visualizados por la crítica y el público, lo que permite a sus directores obtener una devolución ponderada del trabajo. Los cortometrajes de Historias Breves han sido exhibidos en los principales encuentros internacionales, y obtuvieron una innumerable cantidad de premios que potencian la presencia del cine nacional en el mundo.

Brief Stories, the annual short film contest for directors organized and produced by INCAA, was first presented in August 1995. It was the first professional experience for filmmakers like Lucrecia Martel, Adrián Caetano and Daniel Burman, among others. For the past twenty years, it has provided new directors with the means to make a film in the same conditions that rule mainstream cinema. The short films premiere in film theaters, they are seen by critics and general audiences, which allows directors to obtain a feedback of their work. The short films of Brief Stories have been screened at the top international festivals, and obtained many awards that boost the presence of local cinema abroad. Argentina, 2016 / 107’ / DCP / Color / Español - Spanish Contacto / Contact INCAA T +54 11 4379 0900 - Int 277 E [email protected] W incaa.gov.ar

La canoa de Ulises Diego Fió / 14’

Itaeté, un anciano, trata de inculcarle su legado tradicional a Ulises, un adolescente guaraní, pero la vocación del muchacho es la música. Por un accidente el anciano muere, y Ulises acepta el legado atávico de la construcción de canoas.

Itaeté is an old man who tries to pass on the legacy of his tradition to Ulises, a guaraní teenager, but the boy’s calling is music. The old man accidentally dies, and Ulises accepts the atavistic legacy of building canoes.

El plan Víctor Postiglione / 12’

Cora (11) y su hermano Valentín (9) son testigos de la violencia en la relación abusiva de sus padres. Cora tiene un plan para liberar a su madre del castigo. Los hermanos lo llevan a cabo. El plan se cumple con éxito.

Cora (11) and her brother Valentín (9) are constant witnesses of the violence of their parents’ abusive relationship. Cora has a plan to free her mother from this punishment. The kids carry it out. The plan is successful.

Cimarrón Chiara Ghio / 11’

Un cazador se encuentra atrapado en un círculo que lo conduce invariablemente a la locura.

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A hunter is caught in a circle that inevitably leads him to madness.

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Una mujer en el bosque César Sodero / 18’

Jorge vive con Sofía en medio del bosque. Sofía esconde un secreto que llevará a Jorge a tomar una decisión muy importante.

Jorge lives with Sofía in the middle of the woods. Sofía hides a secret that will lead Jorge to make a very important decision.

Las nadadoras de Villa Rosa Josefina Recio / 16’

Un grupo de nadadoras adolescentes se prepara para un campeonato. Laura es la primera del grupo en despertar a su sexualidad. Su amiga Ana intenta acompañarla. Laura atraviesa lo inevitable.

A group of teenage swimmers is getting ready for a championship. Laura is the first one to awaken to her sexuality. Her friend Ana tries to accompany her. Laura is going through the inevitable.

El inconveniente Adriana Yurcovich / 14’

En algunos barrios de Buenos Aires se interrumpe el servicio eléctrico. En el edificio donde vive Celina, una mujer mayor con discapacidad motriz, todos parecen estar ausentes. Celina debe luchar para sobrevivir.

The power goes out in some Buenos Aires neighborhoods. Celina is an elderly disabled woman, and in her building everyone appears to be gone. Celina will have to struggle for her survival.

Las liebres Martín Rodríguez Redondo / 11’

Noche de invierno. Mariano juega con sus hermanas mayores en la habitación de la casa de campo. Su padre lo viene a buscar para llevarlo de cacería. Mariano prefiere quedarse en la casa, pero su padre lo obliga a acompañarlo.

A winter night. Mariano plays with his older sisters in a room in their country house. His father comes in to take him hunting. Mariano prefers to stay home, but his father takes him anyway.

Cualquier similitud con la realidad es pura coincidencia Dolores Montaño / 11’

En el interior de un blindado, tres hombres esperan una orden. Llevan varias horas sin poder salir. La manifestación que los amenaza está cada vez más cerca. Cuando la acción comienza, algo falla.

Three men await for an order inside an armored truck. They have been there for several hours. The demonstration that threatens them is getting closer and closer. When the action begins, something goes wrong.

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noches especiales special nights

special nights

El eslabón podrido The Rotten Link Entre los habitantes de un pequeño pueblo están Ercilia, una curandera senil, y Roberta, su hija y prostituta del pueblo, a quien le advierten que, si se acuesta con todos los hombres del lugar, morirá. La amenaza es inminente, pues tan solo queda un hombre con el que Roberta no ha estado.

The people living in a small town include Ercilia, a senile witch doctor, and Roberta, her daughter and the town’s prostitute. She is warned that if she sleeps with every man in the town, she will die. The threat is imminent, because there is only one man Roberta hasn’t been with.

El clima del pueblo pesa toneladas: son veinte casas, un puñado de hombres y el cuerpo sexuado de una joven prostituta que ya pasó por la mayoría. Su madre, una curandera que palpita su último estertor, le recomienda que no se acueste con todos o morirá. Su hermano, un discapacitado mental, flota amenazante entre la tensa calma. Retorcida, truculenta y salvaje, El eslabón podrido incomoda y no deja a nadie indiferente. Suerte de Fuenteovejuna perversa, viene con palmarés internacional: ganó Sitges, Catacumba y otros. Por acá anda la obra más enferma de Diment, responsable de La memoria del muerto, con la que logró cierta notoriedad en el mundo del género fantástico. Ante la duda, dejémoslo en claro: El eslabón podrido es solo apta para público con estómago y mucho, mucho aguante. Hernán Panessi

The town’s atmosphere weighs tons: there are twenty houses, a fistful of men and the sexed body of a young prostitute who has slept with most of them. Her mother, a witch doctor who foresees her last rattle, advises her not to sleep with all of them, or she will die. Her brother, who’s mentally challenged, floats threateningly among the tense calm. Twisted, gruesome and savage, El eslabón podrido brings discomfort and will leave no one indifferent. Some sort of perverted Fuenteovejuna, it comes with a great international track record: it won Sitges, Catacumba and other festivals. And it’s the sickest film made by Diment, responsible for Memory of the Dead, with which he achieved certain notoriety in the world of the fantastic genre. And, in case of doubt, let’s make it clear: El eslabón podrido is only suitable for very, very brave people with a stomach. HP

Valentín Javier Diment Nació en Argentina en 1967. Integra la compañía productora Películas V, desde donde ha participado en films como Aballay (2010) y Diablo (2011). Es docente, editor del sitio web Mabuse, y guionista y realizador de TV. Entre sus films se encuentran La memoria del muerto (Bafici ‘12) y el documental Parapolicial negro (2010). He was born in Argentina in 1967. He’s part of the production company Películas V, in which he participated in films like Aballay (2010) and Diablo (2011). He’s a teacher, editor for the website Mabuse, and a TV writer and director. La memoria del muerto (Bafici ‘12) and the documentary Parapolicial negro (2010) are some of his films.

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Argentina, 2015 / 74’ / DCP / Color Español - Spanish D, P: Valentín Javier Diment G: Valentín Javier Diment, Sebastián Cortés, Martín Blousson, Germán Val F: Fernando Marticorena E: Martín Blousson DA: Sandra Iurcovich S: Sebastián Gonzalez M: Sebastián Díaz PE: Daniel Botti, Vanesa Pagani I: Luis Ziembrowski, Marilú Marini, Paula Brasca Contacto / Contact Valentín Javier Diment T +54 11 5935 7572 E [email protected] W vjdiment.blogspot.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

noches especiales

La helada negra The Black Frost En un mundo suspendido en el tiempo, los campos de los hermanos Lell son amenazados por una helada. Sin embargo, cuando aparece una misteriosa joven y la helada cede, surge el rumor entre los aldeanos de que es una santa que llegó para salvarlos.

In a world suspended in time, the brothers Lell’s fields are threatened by a frost. However, when a mysterious woman appears and the frost gives in, the rumor that she’s a saint who arrived to save them is spread between the villagers.

En el mismo universo de su ópera prima, Germania, Maximiliano Schonfeld narra lo que sucede cuando un sujeto extraño se mete en una cerrada comunidad desarreglando los hábitos y costumbres adquiridas. La comunidad es la de los descendientes de alemanes del Volga que viven en Entre Ríos, y el extraño sujeto en cuestión es el personaje de Ailín Salas, una chica de otro origen social y étnico que aparenta tener algún tipo de poder curativo. Que lo tenga o no es secundario, ya que el eje de la película de Schonfeld pasa por las consecuencias que esa llegada tiene entre los familiares que la reciben y en los habitantes del pueblo, a los que irá sacudiendo en formas curiosamente terapéuticas. Misteriosa, oscura, elíptica, La helada negra procede con la cadencia de un cuento nocturno contado a la luz del fogón. Diego Lerer

In the same universe as his first feature, Germania, Maximiliano Schonfeld narrates what happens when a strange person enters a closed community and upsets the acquired habits and customs. The community is that of the German descendants from Volga living in Entre Ríos, and the strange person in question is the character played by Ailín Salas, a girl from another social and ethnical origin who pretends to have some kind of healing power. Whether she has it or not is beside the point, because Schonfeld’s film actually centers on the consequences that arrival has among the relatives that welcome her and in the townspeople, who will be shaken in curiously therapeutic ways. Mysterious, dark, elliptical, The Black Frost moves with the cadence of a nighttime story told at the light of a campfire. DL

Maximiliano Schonfeld Nació en Argentina en 1982, estudió cine y TV en la Universidad Nacional de Córdoba y luego se graduó en la ENERC. Realizó los cortometrajes Esnorquel (2005), Entreluces (2006, Bafici ‘07) e Invernario (2010, Bafici ‘11), y el largo Germania (Bafici‘12). He was born in Argentina in 1982, studied film and TV at the National University of Córdoba and then graduated at the ENERC. He made the documentaries Esnorquel(2005), Entreluces(2006; Bafici ‘07) and Invernario(2010, Bafici‘11), as well as the feature Germania (Bafici ‘12).

Argentina, 2016 / 81’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Maximiliano Schonfeld F: Soledad Rodríguez E: Ana Laura Remon DA: Adrián Suárez S: Nahuel Palenque P: Bárbara Francisco, Delfina Montecchia, Maximiliano Schonfeld PE: Bárbara Francisco CP: Pasto Cine I: Ailín Salas, Lucas Schell, Benigno Lell Contacto / Contact Pasto Cine. Bárbara Francisco T +54 11 4552 4943 E [email protected] W pastocine.com.ar

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

special nights

La valija de Benavídez Benavidez Case Benavídez es un profesor de plástica, casado con una bella promesa de la pintura. Una noche, luego de discutir con ella, el hombre pide asilo a su psiquiatra tras abandonar su hogar con una valija. Pero en la mansión del médico descubrirá un oscuro secreto.

Benavídez is a sculpting teacher married to a beautiful and promising painter. One night, after an argument with her, the man asks his psychiatrist for asylum after leaving his home with a suitcase. But at the doctor’s mansion, he will discover a dark secret.

Una sátira descarnada del esnobismo y las pretensiones del mundo del arte, una película de terror que tiene como monstruo principal a un prestigioso terapeuta, una dramedia esperpéntica en la que los cuadros se mueven como si fuesen muertos vivientes, un thriller psicológico repleto de laberintos. Laura Casabé acentúa la rareza siniestra del cuento homónimo de Samanta Schweblin y da con una pesadilla asfixiante, una fábula maldita que tiene como cómplice a un brillante elenco protagónico (Norma Aleandro y Jorge Marrale nunca se vieron tan perversos), además de una estrafalaria galería de secundarios. La valija de Benavídez es una extravagancia imaginativa, pero también la alegoría de un mundo reconocible. Andrés Nazarala R.

A grim satire to snobbery and the pretentiousness of the art world, a horror movie with a prestigious therapist as its main monster, a grotesque dramedy in which paintings move as though they were the living dead, a psychological thriller filled with labyrinths. Laura Casabé accentuates the sinister oddness of Samanta Schweblin’s eponymous short story, and the result is a suffocating nightmare, a cursed fable with some brilliant main actors (Norma Aleandro and Jorge Marrale never looked as perverse as they do here) and an outlandish supporting cast as its accomplices. Benavídez’s Case is an imaginative extravaganza, but also the allegory of a recognizable world. ANR

Laura Casabé Nació en 1982, y dirigió el largometraje El hada buena, una fábula peronista (2010). She was born in 1982 and has directed the feature The Good Fairy: A Peronist Tale (2010).

Argentina, 2016 / 80’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Laura Casabé G: Laura Casabé, Lisandro Bera F: Mariano Suárez E: Martín Blousson DA: Micaela Sleigh S: Pablo Isola M: Gillespi P: Magalí Nieva PE: Hernán Findling CP: Ninja Films, Horno Producciones, Funciona, Kuenta SRL I: Norma Aleandro, Jorge Marrale, Guillermo Pfening, Alejandro Parrilla, Paula Brasca Contacto / Contact Ninja Films. Magalí Nieva T +54 9 11 5782 3959 E [email protected] W ninjafilmsargentina.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

noches especiales

Lucha. Jugando con lo imposible Lucha. Playing the Impossible Luciana Aymar posiblemente sea el mayor de los íconos del deporte femenino de nuestro tiempo. Ganadora de todas y cada una de las medallas posibles, fue declarada Leyenda del Hockey y alma máter indiscutida de Las Leonas: todo eso se hace lugar en un merecido documental.

Luciana Aymar is probably the top icon of female sports of our time. A winner of each and every possible medal, she was declared a Hockey Legend and the undisputable alma mater for the Lionesses. All that is featured in a well-deserved documentary.

No existe un atleta en la historia del deporte mundial que haya sido consagrado como el mejor del mundo en ocho oportunidades. Salvo, claro, Luciana Aymar: así de gigante es Lucha, la mejor jugadora de hockey de todos los tiempos. Su historia, además, corre en paralelo con la de Las Leonas, el seleccionado nacional al que se sumó casi como una mascota en 1998 y del que se retiró como leyenda quince años más tarde. Lucha. Jugando con lo imposible reconstruye esas dos líneas de tiempo –la del equipo y la de la jugadora– de punta a punta, alternando entre los testimonios de las grandes protagonistas de esta historia y el relato íntimo, sin filtro y en primera persona de Aymar. Detrás de toda gran mujer, hay muchas más grandes mujeres, y este documental se mete en el centro de esa relación para revelar cómo es que un individuo alcanza su máxima expresión en el contexto de un deporte de equipos. Lucas Garófalo

No athlete in the history of sport has ever been enshrined as the best of the world eight times. Except, of course, for Luciana Aymar: that’s how great is Lucha, the best hockey player that ever lived. Her story also runs in parallel with Las Leonas, the national team she joined as a pet in 1998 and retired from fifteen years later. Lucha. Playing the Impossible reconstructs those timelines –from the team and the players– from end to end, alternating testimonies of great protagonists from that time with an intimate, unfiltered, first person portrait of Aymar. Behind every woman there’s lots of great women, and this documentary goes into the core of that relationship to reveal how one individuality can achieve its maximum expression in the context of team sport. LG

Ana Quiroga Nació en Buenos Aires en 1978. Estudió comunicación y luego montaje y estructura dramática con Miguel Pérez. En 2004 cofundó Zoek Producciones, una productora especializada en contenidos deportivos, y realizó diversos documentales, series, cortos y programas. Lucha. Jugando con lo imposible es su primer largometraje como directora. She was born in Buenos Aires in 1978. She studied communication and later film editing and drama structure with Miguel Pérez. In 2004 she co-founded Zoek Productions, a production company specialized in sports contents, and made several documentaries, series, short films, and shows. Lucha. Jugando con lo imposible is her first feature-length film.

Argentina, 2016 / 93’ / DCP / Color Español / Inglés - Spanish / English D, DA: Ana Quiroga G: Ana Quiroga, Milagros Lay González F: Diego Gachassin E: Manuela Quiros, Miguel Pérez S: Martín Grignaschi M: Ruy Folguera P: Milagros Lay González PE: Milagros Lay González, Carlos Barrientos CP: Zoek Producciones, UntrefMedia I: Luciana Aymar, Magdalena Aicega, Cacho Vigil, Cecilia Rognoni, Maartje Paumen Contacto / Contact Zoek Producciones, UNTREF Media. Milagros Lay González, Federico Consiglieri T +54 9 11 3112 3929 +54 9 11 5764 3695 E [email protected] [email protected] W luchalapelicula.com

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EDAD SUGERIDA SUGGESTED AGE

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El gigante de hierro The Iron Giant

Ambientada en plena paranoia de la Guerra Fría, la ópera prima del director de Los Increíbles narra la historia de un niño que entabla una estrecha amistad con un robot gigante caído del espacio.

Set during the peak of Cold War paranoia, the first film from the director of The Incredibles tells the story of a kid who establishes a close friendship with a giant robot that fell from space.

“¡Su-per-man!”, dice el coloso de hierro y asume la pose del kryptoniano. Es un instante de El gigante de hierro, la película animada de Brad “Los Increíbles” Bird que comprime, como una compactadora buenita y enamorada, el sci-fi y los miedos de los cincuenta (época en la que transcurre la acción), la animación clásica de los Fleischer y un sentido épico y amable de la conexión entre personajes destilado del Steven Spielberg de E.T., el extraterrestre. La fábula del niño y su robot, que entre Pixar y sus imitaciones devino (lamentablemente) excepción, vuelve con nuevas escenas que no modifican en absoluto sus cálidos instintos, sus ideas invencibles (todo en 2D, menos el gigante selenita animado por CGI) y sus inoxidables ganas de enamorar, está solo como el cine puede hacerlo. Juan Manuel Domínguez

“¡Su-per-man!”, says the iron colossus, and assume Kryptonian’s pose. That instant in Brad “The Incredibles” Bird’s animated film works as a nice and loving press that comprises the sci-fi and fear from the ‘50s (the time when the film is set), the Fleischer’s classic animation, and both epic and a kind sense of the connection between characters he distilled from Steven Spielberg’s E.T.. The fable of a kid and his robot has (sadly) become an exception, due to Pixar and its imitations. The theme now returns featuring new scenes that stay on the course of its warm instincts, invincible ideas (everything is in 2D, except for the Selenite giant in CGI), and a stainless will to captivate us, the way only cinema can. JMD

Brad Bird Nació en Montana en 1957. En 1989 ayudó a desarrollar Los Simpson, y trabajó durante algunos años más como consultor ejecutivo. Dirigió varios largos animados, entre ellos Los Increíbles (2005) y Ratatouille (2007), y otros de acción en vivo, como Misión: Imposible. Protocolo Fantasma (2011) y Tomorrowland (2015). He was born in Montana in 1957. In 1989, he helped developing The Simpsons, and worked in the show as an executive consultant. He directed several animated films, including The Incredibles (2005) and Ratatouille (2007), as well as live action ones such as Mission Impossible: Ghost Protocol (2011) and Tomorrowland (2015).

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Estados Unidos - US, 1999 / 86’ / DCP / Color / Inglés - English D: Brad Bird G: Brad Bird, Tim McCanlies F: Steven Wilzbach E: Darren T. Holmes DA: Mark Whiting S: Randy Thom M: Michael Kamen P: Allison Abbate, Des McAnuff PE: Pete Townshend CP: Warner Bros. I: Jennifer Aniston, Harry Connick Jr., Vin Diesel, James Gammon, Cloris Leachman Contacto / Contact Park Circus T +44 141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

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Heavysaurios Heavysaurs Heavisaurus Durante una excursión escolar a un parque de diversiones, Toni y su compañera de clase Suvi descubren a los Heavysaurios, un grupo de criaturas que no piensan en otra cosa que no sea comida y hard rock.

During a school trip to an amusement park, Toni and her classmate Suvi discover the Heavysaurus, a group of creatures who only care about food and hard rock.

El cielo oscuro y las notas que una hechicera le arranca a una guitarra conectada a un chispeante amplificador solo podían dar como resultado algo extraordinario. Tan inesperado como el sonido de un huevo al romperse. En realidad, de cinco de ellos, que esperaban ahí muy quietos hace 65 millones de años. Esta banda tiene un origen místico que no podía ser otra cosa que una película de enredos, persecuciones e instrumentos aporreados. De origen finlandés (y con una versión argentina que escaló hacia el éxito en los escenarios rápidamente), la banda de heavy metal jurásico demostró que la música para niños puede escaparles a los payasos sonrientes y a las princesas vestidas de rosa. Con tachas y cuero por doquier, Heavysaurios es la cara rockera de los berrinches y deseos de los más pequeños. Sol Santoro

Nothing other than extraordinary things could result from a dark sky and the tones a sorcerer gets from a guitar plugged into a sparking amplifier. It’s something as unexpected as the sound of an eggshell breaking. Actually, there were five eggs, which waited still for 65 million years. This band’s mystical origin could only have been a film of confusions, persecutions, and bashed instruments. The heavy metal band of Finish origins (it also has an Argentine version that quickly became a stage hit) has proven that music for children can spare smiley clowns and pinkdressed princesses. Covered in leather and pins, Heavysaurs is the rock and roll face of children’s tantrums and wishes. SS

Pekka Karjalainen Nació en Finlandia en 1961. También se desempeña como diseñador de sonido. Dirigió varios largometrajes. He was born in Finland in 1961. He directed several films and also works as a sound designer.

Finlandia - Finland, 2016 85’ / DCP / Color / Finlandés - Finnish D: Pekka Karjalainen G: Veli-Pekka Hänninen, Antero Arjatsalo, Heikki Salo F: Konsta Sohlberg E: Kimmo Taavila P: Nina Laurio PE: Jukka Helle, Markus Selin CP: Solar Films Inc. I: Milo Snellman, Salli Siivonen, Taneli Mäkelä, Sam Huber, Veeti Kallio Contacto / Contact EastWest Filmdistribution T +43 1 524 931 034 E [email protected] W eastwest-distribution.com eastwest-distribution.com/film/heavysaurs

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Molly Monster Ted Sieger’s Molly Monster La isla del huevo es el lugar en que nacen todos los monstruos y donde los padres de Molly deben viajar para esperar que su nuevo hijo salga del cascarón. Pero cuando se van y olvidan el regalo de la niña para su futuro hermano, ella decide llevárselo a través de montañas, cañones y mares.

The egg island is the place where monsters are born, and Molly’s parents have to travel there to wait for their new child to hatch out. But when they leave and forget the girl’s present for his little brother, she decides to take it to him through mountains, canyons, and oceans.

Los colores de Molly Monster son chillones, pero felizmente chillones: están a mitad de camino entre los crayonazos que un niño hace el día de su cumpleaños y un testeo de envoltorio de golosinas. Es lógico: es una película alegre, para los más chicos, llena de ansiedades (¡Molly espera a un hermanito!) y de ganas honestas de jugar (no por nada todo sucede en Monstruolandia). En primer lugar, juega con Molly: papá y mamá se olvidaron su regalo para el hermanito y ahora ella debe ir a la isla donde nacen los monstruos para llevarlo. El resultado es una travesía amablemente absurda y traviesa. Luego, juega con las imágenes: usando el estilo de la serie de TV alemana original, se acerca más a la historieta de trazo simple. En su encanto, Molly Monster es una perfecta merienda de cine: cálida y única. Juan Manuel Domínguez

The colors in Molly Monster are loud, but happily loud: they are half way between the crayon scratches a kid makes on his birthday, and a candy wrap testing. It’s ony logical: this is a cheerful film for kids, filled with anxieties (Molly is going to have a baby brother!) and an honest will to play (there’s a reason everything takes place in Monsterland). The film plays, first, with Molly: her mom and dad forgot their present for her baby brother, and now she has to go to the island where monsters are born in order to take it. The result is a kindly absurd and knotty journey. But the film also plays with the images: by using the simple style from the original German TV show, it comes closer to a simply-drawn comic book. In all its charm, Molly Monster is a perfect afternoon film snack: warm and unique. JMD

Los directores / the Directors Ted Sieger: Nació en Coquimbo, Chile, en 1958. Creó libros ilustrados y tiras cómicas. Michael Ekblad: Nació en Suecia en 1960. En 2005 codirigió junto a Michael Edbland el cortometraje The Fourth King. Matthias Bruhn: Nació en Alemania en 1962. Desde 1998 es el jefe ejecutivo del TrickStudio Lutterbeck GmbH. Ted Sieger: Born in Coquimbo, Chile, in 1958. He created illustrated books and comic books. Michael Ekblad: Born in Sweden in 1960. In 2005 he co-directed the short film The Fourth King alongside Michael Edbland. Matthias Bruhn: Born in Germany in 1962. He’s the executive chief of TrickStudio Lutterbeck GmbH since 1998.

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Alemania / Suiza / Suecia - Germany / Switzerland / Sweden, 2016 / 72’ / DCP / Color / Español - Spanish D: Ted Sieger, Michael Ekblad, Matthias Bruhn G: John Chambers F: Wolfram Spaeth E: Melanie Hartmann DA: Ted Sieger S: Tilo Busch M: Anette Focks P: Alexandra Schatz, Dr. Josef Burri PE: Alexandra Schatz, Dr. Josef Burri CP: Alexandra Schatz Filmproduktion, Little Monster Contacto / Contact Global Screen. Gisela Wiltschek T +49 8924 4129 5580 E [email protected] W globalscreen.de ~ mollymonster.tv

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Mune: Le Gardien de la lune

SUGERIDA +8 EDAD SUGGESTED AGE

Mune: the Guardian of the Moon Un fauno llamado Mune se convierte en el Guardián de la Luna. Debe enfrentarse a un titán que el Sol quiere para sí mismo y pone en grave peligro el equilibrio entre el día y la noche.

A faun called Mune becomes the Guardian of the Moon. He must face a titan who wants to own the Sun, endangering the balance between day and night.

La animación digital, ese modo de crear relatos animados que comenzó a ser fórmula y norma comercial con Pixar, siempre es agredida con una frase: desde que el CGI domina la animación, el 2D –la animación “a mano”– se cubre en su posible inventiva. Malas noticias para el 2D: Mune usa modos digitales para crear imágenes y personajes que suelen asociarse a inventivas más plásticas, más elásticas y, seamos sinceros, más memorables. Sus personajes, entre ellos el Mune del título, son habitantes de un mundo de guerreros y naturalezas que todo les deben a Hayao Miyazaki y a J. R. R. Tolkien. Pero el film sabe traducir esas ideas que hipnotizan a quienes aman la animación de forma clara y sutil para los niños. Mune es la combinación perfecta que confirma que la animación, incluso cuando cuenta el relato del héroe, tiene todavía mucho para ofrecer. Juan Manuel Domínguez

Digital animation –that form of creating animated stories that became a formula and a commercial standard with Pixar– is always attached with a phrase: ever since CGI dominates animation, 2D –”handmade” animation– covers itself in its creative capacity. Bad news for 2D: Mune uses digital ways to create images and characters that are usually associated with more plastic, elastic, and –to be honest– memorable creations. Its characters, including Mune itself, live in a world of warriors and nature that owes everything to Hayao Miyazaki and J. R. R. Tolkien. But the film knows how to translate those ideas that hypnotise animation lovers into a clear and subtle form suitable for children. Mune is the perfect combination that confirms animation –even when featuring a hero’s journey– still has a lot to offer. JMD

Alexandre Heboyan Trabajó en DreamWork, animando personajes de Kung Fu Panda (2008) y Monstruos vs. Aliens (2009). He worked in DreamWorks animating characters from Kung Fu Panda (2008) and Monsters vs. Aliens (2009).

Benoît Philippon Nació en Francia, y dirigió el film Lullaby for Pi (2010). He was born in France, and directed the film Lullaby for Pi (2010).

Francia - France, 2015 / 86’ / DCP / Color / Inglés - English D: Alexandre Heboyan, Benoit Philippon G: Benoit Philippon, Jérôme Fansten E: Isabelle Malenfant DA: Rémi Salmon S: Olivier Calvert M: Bruno Coulais P: Grégoire Melin, Aton Soumache, Alexis Vonarb, Dimitri Rassam PE: Brice Garnier, Jean-Bernard Marinot CP: Onyx Films Kinology Contacto / Contact Kinology. Grégoire Graesslin T +33 9 5147 4344 E [email protected]

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EDAD SUGERIDA SUGGESTED AGE

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Phantom Boy Chico fantasma

Leo, de 11 años, es un niño fantasma: puede hacerse invisible, volar y atravesar paredes. Junto con Alex, policía en silla de ruedas, deberá rescatar a una periodista secuestrada por un gánster y salvar a Nueva York de la destrucción.

Leo, who is 11, is a ghost kid: he can make himself invisible, fly and go through walls. Along with Alex, a cop in a wheelchair, he will have to rescue a journalist who’s been kidnapped by a gangster and save New York from destruction.

Solemos olvidarnos de que las historietas son siempre en dos dimensiones. También el cine, aunque los anteojitos a veces nos confundan. Phantom Boy es una historia de superhéroes y un cuento de hadas dibujado en dos dimensiones, en el que el diseño es la propia mirada infantil que tiñe este relato que nace de la tristeza y construye su camino hacia la alegría. Lo más sorprendente de este film –que es para chicos porque se cuenta desde los chicos– consiste en que, como los grandes relatos universales, no esquiva los inconvenientes y los dolores con la coartada de la corrección política, porque son ellos los que crean la aventura y, por lo tanto, el interés. La imaginación es la mayor de las armas, y estos gráficos simples de colores sofisticados obligan al ejercicio de crear el espacio a partir de las emociones. Leonardo D’Espósito

We tend to forget that comic books are always in two dimensions. Film, too, even though the glasses get us confused from time to time. Phantom Boy is a superhero story and a fairytale drawn in two dimensions, in which the design is the very childlike gaze that tinges this story that’s born from sadness and builds its own path towards joy. The most amazing thing about this film –which is for kids because it’s told through kids– lies on the fact that, as in the great universal tales, it doesn’t dodge inconveniencies and pains with the alibi of political correctness, because they are the ones that create adventure and, therefore, interest. Imagination is the largest of weapons, and these simple graphics of sophisticated colors make it compulsory to create space through emotions. LMDE

Alain Gagnol Nació en Francia en 1967. Trabajó como animador para el estudio de animación francesa Folimage. He was born in France in 1967. He worked for French animation studio Folimage.

Jean-Loup Felicioli Nació en Francia en 1960. Codirigió junto con Alain Gagnol su primer largo Une vie de chat (2010). He was born in France in 1960. He co-directed his first feature A Cat in Paris (2010) with Alain Gagnol.

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Francia - France, 2015 / 80’ / DCP / Color / Francés - French D: Alain Gagnol, Jean-Loup Felicioli G: Alain Gagnol F: Izu Troin E: Hervé Guichard DA: Pascal Vermeerch S: Loïc Burkhardt M: Serge Besset P: Jacques-Rémy Girerd PE: Catherine Blanc-Maurizi CP: Folimage Production, Lunanime I: Edouard Baer, Jean-Pierre Marielle, Audrey Tautou, Jackie Berroyer Contacto / Contact Doc and Film International. Hannah Horner T +33 142 778 966 E [email protected] W docandfilm.com

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PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

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Snowtime! ¡Hora de nieve! Cuando llega el invierno, un niño y sus amigos se unen a la chica recién llegada a la ciudad para una prolongada pelea de bolas de nieve.

La guerra de nieve es esa fantasía (al menos para nosotros) que el cine ha construido como las perfectas vacaciones en las que uno siempre es niño. Snowtime! aprovecha esa creación del cine y la usa como excusa para generar una batalla “real” en, como diría el protagonista de 11 años, “el pueblo más grande del mundo”. La guerra infantil entre dos bandos de niños por un castillo helado que durará dos semanas es la plataforma que utiliza la película para jugar con varios géneros que van desde el bélico, obviamente, hasta la aventura, pasando por la comedia de situación. Snowtime! es simple en su premisa y en sus formas, con sus personajes de bordes dignos de cómic clásico norteamericano, pero eso no esconde sus ganas de dejar en claro lo que piensa sobre la guerra, esa que no es animada. Juan Manuel Domínguez

Jean-François Pouliot Nació en Canadá en 1979, y estudió en la Universidad de Concordia. Trabajó como asistente de cámara y escribe y dirige cortos animados para el Consejo Nacional de Cine. He was born in Canada in 1979, and studied at the Concordia University. He worked as a camera assistant, and also writes and directs animated short films for the National Film Council.

François Brisson Dirigió el largometraje animado Gene-Fusion (2011). He directed the animated film Gene-Fusion (2011).

SUGERIDA +8 EDAD SUGGESTED AGE

Winter comes, and a boy and his friends join the new girl in town for a long snowball fight.

A snow war is the fantasy (for us at least) cinema has built as the perfect vacation, one in which you’re always a kid. Snowtime! makes the most of that film notion, and uses it as an excuse to create a “real” battle in “the biggest town in the world,” as the film’s 11-year-old protagonist would say. The kid war between two bands over an ice castle that will melt in two weeks is the platform the film uses to play with several genres that range from war films –obviously– to adventure and situation comedy. Snowtime! is as simple as its premise, and simple in its forms, with characters whose borders resemble the ones of classic American comic books, but that doesn’t hide its will to state an idea about war –the one that it’s not animated. JMD

Canadá - Canada, 2015 / 82’ / DCP / Color Inglés / Francés - English / French D: Jean-François Pouliot, François Brisson G: Normand Canac-Marquis, Roger Cantin, Danyèle Patenaude, Paul Risacher E: Robert Yates DA: Philippe Arsenault Bussieres S: Raymond Vermette M: Jorane, Eloi Painchaud P: Marie-Claude Beauchamp PE: Marie-Claude Beauchamp, Paul Risacher, Normand Thauvette CP: CarpeDiem Film & TV I: Angela Galuppo, Mariloup Wolfe, Lucinda Davis, Nicholas Savard L’Herbier, Sophie Cadieux Contacto / Contact Park Circus T +44 141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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Song of the Sea La canción del mar Ben y su pequeña hermana Saoirse se embarcan en un viaje fantástico de regreso a su casa en el mar, a través de un mundo de cuento de hadas, de magia y leyendas irlandesas antiguas.

Ben and his baby sister Saoirse set on a fantastic journey through the oceans to get back home, in the sea and run across a world of fairy tales, magic, and ancient Irish legends.

Pocas veces la frase “nominada a un Oscar como Mejor Película Animada” importó menos. Song of the Sea fue nominada, y aun así su valor está en su inventiva, en su capacidad para crear una fábula que gana en personalidad por los dibujos a mano (sobre todo por esas acuarelas) y también por su fe ciega en determinadas formas de los relatos. Otra vez aparece en el cine de Tomm Moore el folklore irlandés, pero ahora también están el mar, las leyendas (focas que se transforman en humanos, hadas y gigantes) y Halloween (como fecha en la que todo sucede). Lo artesanal del dibujo se transmite al relato, no solo creando un encanto primario que encandila al dejar en claro el trabajo humano, sino envolviendo a sus personajes, dándoles un aura digna de un cuento infantil que alguien creó especialmente para nosotros. Juan Manuel Domínguez

Few times the expression “nominated for an Oscar for Best Animated Film” has been more irrelevant. Song of the Sea was nominated, but even so its value lies on its inventiveness, its ability to create a fable that stands with its own personality for its hand drawings (especially those watercolors), and its blind faith in certain forms of storytelling. Irish folklore is featured once again in Tomm Moore’s cinema, but now there’s also the sea, the legends (seals transforming into humans, fairies, and giants), and Halloween (the date when everything happens). The handicraft nature of drawing pours into the story creating a primal enchantment that both dazzles us by exposing human work and surrounds its characters with the aura of a children’s story someone created especially for us. JMD

Tomm Moore Productor y director, conocido por The Secret of Kells (Bafici ‘09) y The Prophet (2014). A producer and director, he’s known for The Secret of Kells (Bafici ‘09) and The Prophet (2014).

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Irlanda / Reino Unido - Ireland / UK, 2014 / 90’ / DCP / Color Español - Spanish D, G: Tomm Moore E: Darragh Byrne DA: Alessandra Sorrentino S: Felix Davin M: Bruno Coulais CP: Cartoon Saloon, Superprod Contacto / Contact WestEnd Films. Daphne Karnezis T +4 42 074 948 300 E [email protected] W westendfilms.com

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When Marnie Was There Omoide no Mânî El recuerdo de Marnie

SUGERIDA +12 EDAD SUGGESTED AGE

Una niña vive con sus padres adoptivos y no tiene ninguna amiga, hasta que conoce a Marnie. Pero cuando esta desaparece, la llegada de una nueva familia a la región parece ser la clave para resolver el misterio.

A girl lives with her adoptive parents and has no friends, until she meets Marnie. But when she disappears, the arrival of a new family to the region seems to be the key to solving the mystery.

A veces vemos las películas del Studio Ghibli simplemente porque funcionan como una especie de colirio para la pantalla, y acaso también para nuestra retina. La limpian con esos rayos de luz moteados que caen sobre los personajes a través de las copas de los árboles; la alivian con ese oleaje orgullosamente bidimensional que se mueve caprichosamente en las escenas acuáticas; la sanan con esos rostros en los que la inocencia y la sorpresa aparecen quintaesenciadas. When Marnie Was There es una película muy girly sobre el rito del paso de la infancia a la juventud. Un relato extremadamente delicado que, como en Mi vecino Totoro, saca a un personaje de su infeliz entorno urbano habitual para que sea en la naturaleza donde cruce los umbrales del misterio y experimente las primeras revelaciones de la vida adulta. Joan Pons

Sometimes we see Studio Ghibli’s films simply because they act as eye drops for the screen as well as out retina. They clean it with those spotted rays of light that fall over the characters through the treetops; they soothe it with that proudly two-dimensional swell that moves haphazardly in the water scenes; they heal it with those faces in which innocence and surprise appear quintessentiated. When Marnie Was There is a very girly film about the rite of passage from childhood to youth. An extremely delicate tale that, like My Neighbor Totoro, takes a character off her unhappy urban environment and into nature for her to cross the thresholds of mystery and experience the first revelations of adult life. JP

Hiromasa Yonebayashi Nació en Ishikawa, Japón, en 1973. Estudió diseño comercial en la Escuela de Arte de Kanazawa. Trabajó en los departamentos de animación del Studio Ghibli, donde llevó adelante films como La princesa Mononoke (1997) y El viaje de Chihiro (2001), entre otros. Debutó como realizador con Arrietty y el mundo de los diminutos (2010; Bafici ‘12). He was born in Ishikawa, Japan, in 1973. He studied commercial design at the Kanazawa Art School. We worked in the animation departments of Studio Ghibli, where he worked in films like Princess Mononoke (1997) and Spirited Away (2001). He made his debut as a filmmaker with The Secret World of Arrietty (2010; Bafici ‘12).

Japón - Japan, 2014 / 103’ / DCP / Color Japonés - Japanese D: Hiromasa Yonebayashi G: Keiko Niwa, Masashi Ando, Hiromasa Yonebayashi DA: Yohei Taneda M: Takatsugu Muramatsu P: Yoshiaki Nishimura CP: Studio Ghibli I: Sara Takatsuki, Kasumi Arimura, Nanako Matsushima, Susumu Terajima, Toshie Negishi Contacto / Contact California Filmes T +5511 2899 9000 W californiafilmes.com.br

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

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Yoko y sus amigos Yoko and His Friends A Vik le cuesta mucho hacer amigos, y cada vez que lo consigue trasladan a su padre a otra ciudad y tiene que volver a empezar de cero. Tras la última mudanza, conoce a dos niños con los que entabla una gran amistad, y con sus juegos propician la aparición de un ser mágico que habita en el parque.

Vik has a hard time making friends, and every time she succeeds, her father is transferred to another city and she has to start all over again. After her latest move, she meets two children with whom she starts a great friendship, and their games cause the appearance of a magical being that lives in the park.

Una invitación a jugar al aire libre, lejos de pantallas iluminadas, con otros niños. Eso es Yoko y sus amigos, sana como un plato de verduras en sus valores y deliciosa como un surtido de golosinas. Tras varias mudanzas, Vik, de seis años, llega a una nueva ciudad donde vivirá frente a un parque. A pesar de su timidez, termina haciéndose amigo de Mai y Oto, con quienes descubre a Yoko, un ser mágico del bosque de reminiscencias totorescas que solo puede ser visto por niños a los que les gusta jugar y que los llevará a vivir aventuras por mundos imaginarios cada tarde. Pero una nueva mudanza acecha. Premiada en Sevilla, esta coproducción española con la compañía rusa de The Snow Queen cuenta con la dirección de arte de Ricardo Ramón (Papá, soy una zombi y El corazón del roble), responsable de su colorida estética y angulosos personajes, mezcla de muñecos Cubeecraft y Lego. Elena Duque

An invitation to play outside, far from the illuminated screens, with other children. That is Yoko and His Friends, healthy as a plate of vegetables in its values and delicious as assorted candy. After many relocations, six-year-old Vik arrives in a new city where he will live in front of a park. In spite of his shyness, he ends up befriending Mai and Oto, with whom he discovers Yoko: a magical being from the woods of totoroesque reminiscences that can only be seen by kids who like to play, and who will take them on adventures through imaginary worlds every afternoon. But a new relocation awaits. Awarded in Seville, this co-production between Spain and the Russian company responsible for The Snow Queen has Ricardo Ramón (Daddy, I’m a Zombie and Dragon Guardians) as production designer, who achieves a colorful aesthetic and angular characters that are part-Cubeecraft, part-Lego. ED

Juanjo Elordi En 2002 dirigió su primera película de animación, Olentzero, un cuento de Navidad, a la que seguirían varias más. In 2002, he directed his first animated film, Olentzero, un cuento de Navidad, which was followed by many more.

España / Rusia - Spain / Russia, 2015 / 78’ / DCP / Color Español - Spanish D: Juanjo Elordi G: Edorta Barruetabeña F, DA: Ricardo Ramón E: Alaztne Portu M: Michael Richard Plowman P: Juanjo Elordi, Yuri Moskvin, Ricardo Ramón, Vladimir Nikoalev, Alexander Mirgorodskiy CP: Yokoren Kluba, Wizart Animation Contacto / Contact Barton Films. José Antonio Fernández T +34 944 240 559 E [email protected] W bartonfilms.com ~ yokoetalagunak.com

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Pollitos en fuga Chicken Run Peter Lord en pleno milagro. Pollitos en fuga comprimió todo lo que Aardman venía haciendo con gracia y alegría en sus cortos, los de Wallace y Gromit y los otros, de forma amable pero también consistente. En lugar de regodearse en sí misma, la animación excelsa se vuelve comedia física; la caracterización de personajes digna del cine clásico solo sirve para mejorar la conexión, y el género es usado con cariño y alteración. Pocas obras son así de coherentes e innovadoras. Juan Manuel Domínguez Peter Lord making miracles. Chicken Run summarized everything Aardman had been doing with humor and joy in his short films, be them Wallace and Gromit’s or others, in an amiable but consistent way. Instead of showing off, sublime animation became physical comedy; the character development, worthy of classic film, only served to improve the connection, and genre is used with care and alteration. Few bodies of work are as coherent and innovative in the same way. JMD

Reino Unido / Estados Unidos / Francia UK / US / France, 2000 / 84’ / DM / Color / Español - Spanish D, G: Peter Lord, Nick Park E: Robert Francis, Tamsin Parry, Mark Solomon DA: Phil Lewis M: Harry Gregson-Williams, John Powell I: Phil Daniels, Lynn Ferguson, Mel Gibson, Tony Haygarth, Jane Horrocks Contacto / Contact Aardman Animations. Anna Lewis T +1 117 984 8485 W aardman.com

Operación Regalo Arthur Christmas Y un día, con sospechas, nos sentamos a ver la segunda animación digital de Aardman. En la primera, Lo que el agua se llevó, todavía quedaban resquicios de las formas de plastilina fundacionales y características. Aquí no. Una historia que juega con Santa Claus y su metodología a la hora de los regalos se convierte en la prueba de que Aardman, con los dedos manchados o en el teclado, es una empresa de ideas antes que de fórmulas. Sin ser un milagro, es un perfecto obsequio para el anestesiado cine digital. JMD And one day, with suspicion, we sat to see Aardman’s second digital animated film. In the first one, Flushed Away, there were still traces of their foundational, characteristic clay forms. Not here. And even yet, a story that plays with Santa Claus and his methodology when delivering gifts becomes proof that Aardman, whether its hands are dirty or on a keyboard, is a company of ideas rather than formulas. Without being a miracle, it’s a perfect gift to the anesthetized digital cinema. JMD

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Reino Unido / Estados Unidos - UK / US, 2011 97’ / DM / Color / Español - Spanish D: Sarah Smith, Barry Cook G: Peter Baynham, Sarah Smith F: Jericca Cleland E: John Carnochan, James Cooper DA: Evgeni Tomov M: Harry Gregson-Williams I: James McAvoy, Hugh Laurie, Bill Nighy, Jim Broadbent, Imelda Staunton Contacto / Contact Aardman Animations. Anna Lewis T +1 117 984 8485 W aardman.com

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baficito - aardman

¡Piratas! Una loca aventura The Pirates! In an Adventure with Scientists! La primera travesura en 3D de Aardman es, primero, un retorno a la animación con plastilina cuadro por cuadro y, segundo, una de piratas. Otra vez Aardman toma formas que a simple vista no parecerían provocar alegría instantánea (juega con un molde de piratas al estilo Vincente Minnelli), y logra concentrar no solo las virtudes de la comedia sino también un sentido del absurdo perfectamente maleable y coherente. ¡Piratas! confirma que, cuando Aardman aborda, solo nos queda sonreír. JMD Aardman’s first 3D adventure is, firstly, a return to stop-motion Claymation and, secondly, a pirate movie. Once more, Aardman takes forms from which it would seem impossible to provoke instant joy (playing with a Vincente Minnelli-style pirate mold) and succeeds in concentrating not only virtues and possible comedies of the genre, but also a sense of the absurd that is perfectly malleable and coherent. The Pirates! Band of Misfits confirms that, when Aardman comes on board, all we have is a chance to smile. JMD

Reino Unido / Estados Unidos - UK / US, 2012 88’ / DM / Color / Español - Spanish D: Peter Lord, Jeff Newitt G: Gideon Defoe E: Justin Krish DA: Norman Garwood M: Theodore Shapiro P: Julie Lockhart, Peter Lord, David Sproxton I: Hugh Grant, Martin Freeman, Imelda Staunton, David Tennant, Salma Hayek Contacto / Contact Aardman Animations. Anna Lewis T +1 117 984 8485 W aardman.com

Shaun el cordero: la película Shaun the Sheep Movie La segunda creación más famosa de Aardman salta de la TV al cine. En un planeta donde el digital domina de forma espectacular o penitente, Aardman vuelve a la plastilina y a la animación cuadro por cuadro. No por testarudos, eh, sino por enamorados. De hecho, casi sin palabras, la oveja Shaun y su pandilla se vuelcan en un cine tremendamente puro, y eso, más que una lección, es un disfrute real del medio. Buster Keaton hecho lana, Harold Lloyd ovino: Aardman actualiza su leyenda sin ceder ni un centímetro de su integridad. JMD The second most famous of Aardman’s creations makes its jump from TV to film. In a planet where the digital rules, whether it’s in a spectacular or pertinent way, Aardman returns to clay and stop-motion animation. And not because they’re stubborn, but because they’re in love with it. In fact, with almost no words, Shaun the sheep and his gang become a tremendously pure kind of cinema (and wordless, as we said), and that, rather than a lesson, is more about really enjoying the medium. Buster Keaton in wool, an ovine Harold Lloyd: Aardman updates its legend without losing an ounce of integrity. JMD

Reino Unido / Francia - UK / France, 2015 85’ / DM / Color / Español - Spanish D, G: Mark Burton, Richard Starzak F: Charles Copping, Dave Alex Riddett E: Sim Evan-Jones DA: Matt Perry M: Ilan Eshkeri I: Justin Fletcher, John Sparkes, Omid Djalili, Richard Webber, Kate Harbour Contacto / Contact Aardman Animations. Anna Lewis T +1 117 984 8485 W aardman.com

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Programa - 40 años de Aardman 40 Years of Aardman Program Aardman es la bendición inglesa con la que Nick Park y Peter Lord decidieron apretar sus pasiones (como quien comprime plastilina para crear esos colores nuevos, mutantes, felices) hasta concentrarlas en un estudio que ha devenido constructor, cuadro por cuadro o digital, de un cine animado distinto. Los 40 años de Aardman aquí pueden verse desde el logo artesanal hasta sus más recientes trabajos, pasando por publicidades y personajes clásicos como Wallace y Gromit, Angry Kid o Shaun el cordero. Esos 40 años son cuatro décadas de películas, medios y cortos que han apelado a una mezcla romántica de pureza, cinefilia, dedicación y cierta alegría quijotesca (honestamente: nadie hizo nunca lo que Aardman realizó con la animación cuadro por cuadro). En un mundo donde lo digital prevalece y domina, Aardman no es tanto contracultural, sino un feliz y posible Edén donde las ganas de moldear lo lúdico se mezclan con las de crear relatos tan encantadores y posiblemente cotidianos como el té de las cinco. Juan Manuel Domínguez

Aardman is the English blessing Nick Park and Peter Lord used to compress their passions (like when someone squashes clay to create new, mutant, happy colors) and concentrate them into a studio that has become a source of a different kind of animated cinema, either frame-by-frame or digital. Aardman’s 40 years can be sensed in both its handmade logo and his most recent works, including commercials and classic characters, like Wallace and Gromit, Angry Kid, or Shaun the Sheep. Those 40 years mean four decades of films –medium–length and short ones– that have appealed to a romantic mixture of purity, cinephilia, dedication, and a certain Quixote-like joy (honestly: no one has ever done what Aardman did with frameby-frame animation). In a world where digital cinema prevails and rules, Aardman is not so much counter-culture as a happy and possible Eden, where the will to mold a playful spirit gets mixed with the urge to create stories as lovely –and possibly everyday-like– as five o’clock tea. JMD

Vision on Film

Angry Kid - Bone

Inglaterra, 1975 / 1’ / DM / Color / Inglés – English

Inglaterra, 1998 / 1’ / DM / Color / Inglés - English

D: Peter Lord

D: Darren Walsh

Morph - Gran Morph’s Home Movies

Purple & Brown - Whistler

Inglaterra, 1980 / 5’ / DM / Color / Inglés – English D: Peter Lord

Creature Comforts Inglaterra, 1989 / 5’ / DM / Color / Inglés – English

Inglaterra, 2006 / 1’ / DM / Color / Inglés - English D: Rich Webber

Dot Inglaterra, 2010 / 2’ / DM / Color / Inglés - English D: Sumo Science Aardman Animations

D: Nick Park

Fly

Wallace & Gromit - The Wrong Trousers

Inglaterra, 2010 / 3’ / DM / Color / Inglés – English

Inglaterra, 1993 / 30’ / DM / Color / Inglés - English D: Nick Park

D: Jay Grace

DC Nation - DC’s World’s Funnest EP01 Inglaterra, 2011 / 1’ / DM / Color / Inglés - English D: Richard Webber

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baficito - aardman

Pythagasaurus

Shaun the Sheep - Cones

Inglaterra, 2011 / 4’ / DM / Color / Inglés - English

Inglaterra, 2013 / 7’ / DM / Color / Inglés - English

D: Peter Peake

D: Jay Grace, Lee Wilton

Aardman Logo

Morph - Sloped World

Inglaterra, 2012 / 2’ / DM / Color / Inglés - English

Inglaterra, 2014 / 2’ / DM / Color / Inglés - English

The Pirates! In an Adventure with SCIENTISTS! So You Want To Be a Pirate

D: Peter Lord

Ray’s Big Idea Inglaterra, 2014 / 3’ / DM / Color / Inglés - English D: Steve Harding-Hill

Inglaterra, 2012 / 15’ / DM / Color / Inglés – English D: Jay Grace

Aardman: Nathan Love!

Shaun the Sheep - 3DTV

Inglaterra, 2015 / 2’ / DM / Color / Inglés - English D: Joe Burrascano

Inglaterra, 2013 / 7’ / DM / Color / Inglés - English D: Jay Grace, Lee Wilton Contacto / Contact Aardman Animations. Anna Lewis T +1 117 984 8485 W aardman.com [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Programa - Wallace & Gromit Wallace & Gromit Program

Si hay un milagro que ha generado la animación cuadro por cuadro, ese es, sin dudas, Wallace y Gromit. Las creaciones más famosas de Aardman son también la mejor celebración de cientos de cosas que el cine ha hecho bien (desde lo mejor del cine mudo hasta la proeza de que cada movimiento de esos muñecos de plastilina implique una dedicación cien veces más romántica que una computadora). El perro que lee Dostoievski y el inventor comequeso conforman la dupla sobre la que Nick Park ha generado cuatro cortos que saben respirar Abbot y Costello, Ealing, Buster Keaton, la Hammer, Bill Murray y una calidez e inteligencia que solo Bugs Bunny o Mickey Mouse pueden generar. Wallace y Gromit son la mejor respuesta a la digitalización en masa: cada una de sus aventuras se lee como una exploración y proeza, antes que como merchandising que hace fila para facturar millones. Son los últimos grandes héroes del cine de animación. Juan Manuel Domínguez

A Grand Day Out Inglaterra, 1990 / 24’ / DM / Color / Inglés - English

A Close Shave Inglaterra, 1995 / 31’ / DM / Color / Inglés - English

If there’s a miracle that came from frame-by-frame animation, that’s definitely Wallace and Gromit. Aardman’s most famous creations are also a celebration of hundreds of things cinema did well (from the finest silent films to the amazing fact that each movement of those clay dolls means a kind of dedication that is a hundred times more romantic than a computer). The Dostoyevsky-reading dog and the cheese-eating inventor form the duo with which Nick Park has created four short films that breathe Abbot and Costello, Ealing, Buster Keaton, the Hammer, Bill Murray, and a warmth and cleverness only Bugs Bunny or Mickey Mouse are able to generate. Wallace and Gromit are the best answer to mass digitalization: every one of their adventures can be interpreted as an exploration and a feat, instead of just merchandising in line to make millions. They are the last great heroes of animation cinema. JMD

D: Nick Park Contacto / Contact Aardman Animations. Anna Lewis T +1 117 984 8485 W aardman.com

A Matter of Loaf and Death Inglaterra, 2008 / 29’ / DM / Color / Inglés - English

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CLÁSICOS baficito / LITTLE baficito BAFICI - aardman CLASSICS

La máquina que hace estrellas

Rodencia y el diente de la princesa

2012 / Argentina / 80’ / D: Esteban Echeverría

2012 / Perú - Argentina / 85’ / D: David Bisbano

La primera película argentina de animación en 3D es también una amable adaptación del mito del héroe. Pilo es un niño extraterrestre. Ama los relatos y la aventura, y quiere conocer esas estrellas que ve desde su asteroide. Finalmente, la leyenda de su abuelo sobre una máquina que genera estrellas todas las noches lo lleva a cumplir sus sueños.

En el medio del bosque existe Rodencia, un reino lleno de magia, guerreros y leyendas. Edam, un pequeño aprendiz de mago con varias materias en marzo, y Brie, la valiente ratona, deben llevar a cabo un viaje en busca de un legendario poder. Pero las cosas no serán simples, y nuestros héroes deberán enfrentar peligros varios.

The first animated 3D film made in Argentina is also a kind depiction of the hero’s journey. Pilo is an alien boy. He loves stories and adventure. He wants to know those stars he sees from his asteroid. Finally, the legend of his grandfather about a machine that creates stars every night will drive him to realize his dreams.

Hidden in the forest seats Rodencia, a kingdom full of magic, warriors, and legends. Edam, a young magician apprentice that is failing quite a few courses, and Brie, a brave mouse, will go out in a journey to find a legendary power. But things aren’t so simple, and our heroes will have to face several dangers.

Anina

Minúsculos

2013 / 80’ / Uruguay - Colombia D: Alfredo Soderguit

2013 / 89’ / Francia D: Thomas Szabo, Hélène Giraud

Cuando O menino e o mundo o Historia de un oso aún no sugerían el boom de la animación latina de los últimos diez años, Anina, el milagro uruguayo del género, dejaba en claro que, con idiosincrasia, ternura y una belleza visual que no se limitaba por la ausencia de recursos, se podía hacer la mejor película posible.

El picnic ha terminado intempestivamente. Al alcance del ojo humano, nada sucede. Pero esos preciados restos se convierten en la razón de una guerra épica entre las hormigas negras y las rojas. Sin diálogos, apelando a la belleza de la serie de TV, la primera película de Minúsculos fue celebrada mundialmente por su inventiva.

Back when A Boy and the World, and Bear Story hadn’t yet hinted the boom of Latin American animation in the last ten years, Anina, a Uruguayan miracle within the genre, made clear that you could make the finest of films with idiosyncrasy, tenderness, and a visual beauty unlimited by its lack of resources.

The picnic has ended suddenly. To the human eye, nothing is happening. But those precious crumbs become the reason for an epic battle between black and red ants. With no dialogues, and appealing to the beauty of the TV show, the first Minúsculos film’s inventiveness was celebrated around the world.

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cine planetario planetarium cinema

planetarium cinema

Dinosaurs at Dusk: The Origins of Flight Dinosaurios al anochecer: los orígenes del vuelo Dinosaurs at Dusk es una aventura hacia el conocimiento entre un padre y su hija Lucy, quienes comparten una fascinación por todo lo que vuela. Viajarás al pasado para conocer a los pterosaurios y los ancestros de las aves de hoy en día: los dinosaurios con plumas. Lucy y su padre viajan de continente a continente y buscan pistas acerca de los orígenes del vuelo. Cuando el tiempo se acaba, experimentan de primera mano el catastrófico “último día” de los dinosaurios. Dinosaurs at Dusk is a learning adventure of a father and his daughter Lucy, who share a fascination for all things that fly. You’ll travel back in time to meet the pterosaurs and the ancestors of modern-day birds: the feathered dinosaurs. Lucy and her father navigate from continent to continent, looking for clues about the origins of flight. When time runs out they experience firsthand the cataclysmic “last day” of the dinosaurs.

Holanda - Netherlands, 2014 44’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, DA, PE: Robin Sip F: Peter Geerts, Leon Verschoor E: Leon Verschoor, Robin Sip S: Bob Kommer Studios M: Mark Slater CP: Mirage3D I: Anne Rats, Rick Verstraten Contacto / Contact Mirage3D. Akemi Makado T +31 70 345 7500 E [email protected] W mirage3d.nl ~ dinosaursatdusk.com

From Earth to the Universe De la Tierra al universo Este sorprendente viaje de 30 minutos a través del tiempo y el espacio nos muestra el Universo revelado por la ciencia en una impresionante combinación de imágenes y sonidos. Este especial fue producido para el Planetario y Centro de Visitas Supernova del Observatorio Europeo Austral, que se inaugurará en 2017. This stunning 30-minute voyage through time and space conveys, through an arresting combination of sights and sounds, the Universe revealed to us by science. The show was produced for the European Southern Observatory’s Supernova Planetarium and Visitor Centre, to be opened in 2017.

Alemania - Germany, 2015 30’ / 4k / Color / Español - Spanish D, P: Theofanis Matsopoulos G: Nicolas Matsopoulos, Lars Lindberg Christensen, Anne Rhodes F: Theofanis Matsopoulos, Luis Calçada, Martin Kornmesser CP: European Southern Observatory Contacto / Contact European Southern Observatory W eso.org

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cine planetario

One World, One Sky: Big Bird’s Adventure Un mundo, un cielo: la aventura de Big Bird ¡Los más chicos estarán muy entusiasmados al encontrarse en Plaza Sésamo junto a Big Bird y Elmo! La diversión comienza cuando Hu Hu Zhu, amigo de Elmo, llega de visita desde China. Los tres amigos, aficionados a la astronomía, emprenden un emocionante viaje de descubrimiento en el que aprenderán acerca del Sol, la Osa Mayor y más. Elmo y Hu Hu Zhu despegan en un viaje imaginario a la luna y, luego de volver a la Tierra, descubrirán que, vivamos donde vivamos, todos compartimos el mismo cielo. Young audiences will be thrilled to find themselves on Sesame Street with Big Bird and Elmo! The fun begins when Elmo’s friend, Hu Hu Zhu, visits from China and the three stargazing friends embark on an exciting journey of discovery to learn about the Sun, the Big Dipper, and more. Elmo and Hu Hu Zhu blast off on an imaginary trip to the Moon and after they return home to Earth, everyone discovers that, no matter where we live, we all share the same sky.

Estados Unidos - US, 2009 25’ / 4k / Color / Español - Spanish D: Ken Diego G: Annie Evans F: Bill Berner E: Marsha Moore-McKeever DA: Patrick McPike S: Blake Norton M: Jeff Moss P: Christina Delfico PE: Christina Delfico CP: Adler Planetarium, Sesame Workshop, Beijing Planetarium, Liberty Science Center Contacto / Contact Adler Planetarium. Mark Webb T +1 312 322 0826 E [email protected] W adlerplanetarium.org

Space Rock Symphony Sinfonía de rock espacial Experimentá un moderno cuento de hadas rockero en el que e-guitarras, orquestas sinfónicas e imágenes cósmicas se unen en un emocionante show. Hipnotizate con los más grandes hits sinfónicos de rock de las últimas décadas. Al ritmo de muchas de las grandes leyendas de la música, nos dejamos llevar por el único lugar más infinito que el universo: nuestra propia imaginación. Experience a modern rock fairytale where e-guitars, symphonic orchestras and cosmic images combine into an exciting show. Get hypnotized by the greatest symphonic Rock-hits of the last decades. To the driving sound of many of the greatest legends of rock we let ourselves be carried away to the only place that is even more infinite than the universe: our own imagination.

Alemania - Germany, 2015 50’ / 4k / Color D, G, E, DA, P: Robert Sawallisch S: W. Don Eck CP: Sternevent Contacto / Contact Sternevent. Robert Sawallisch T +49 364 188 5431 E [email protected] W planetarium-jena.de

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planetarium cinema

Waiting Far Away Esperando a lo lejos Un explorador del cosmos viajó demasiado lejos… y no puede encontrar su hogar. ¿Qué misterios ha resuelto mientras estuvo perdido en el espacio? An explorer of the cosmos has traveled too far… and can’t find home. What mysteries has he uncovered while lost in space?

Estados Unidos - US, 2014 / 12’ / 4k / Color Español - Spanish D: Charles Hayden Planetarium G, E: Jason Fletcher F, DA: Jason Fletcher, Wade Sylvester S, M: Wade Sylvester CP: Charles Hayden Planetarium, Museum of Science Contacto / Contact Museum of Science. Jason Fletcher T +51 2 695 7750 E [email protected] W thefulldomeblog.com

Amigos, Inside the Human Body Luego de un misterioso encuentro y con la ayuda de una invención maravillosa, la “Habitación de Realidad Virtual”, tres niños y un perro aprenderán de primera mano acerca de aquella máquina increíble que es el cuerpo humano. Entenderán cómo funciona el sentido de la vista, el cerebro, la mecánica del corazón y nuestro sistema digestivo. También deberán ayudar a que el cuerpo luche contra un invasor que intentará provocarle graves enfermedades. After a mysterious meeting and with the help of a wonderful invention, “The Virtual Reality Room,” three children and a dog will learn firsthand about the incredible machine that is the human body. They will learn how the sense of sight works, about the brain, the heart’s mechanics and our digestive system. They will also have to help the body to fight off an invader who will try to provoke bad illnesses.

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España - Spain, 2013 / 28’ / 4k / Color / Español - Spanish D: Mark Brownlow CP: 3Duno Contacto / Contact Reef Distribution T +49 891 8908 2699 E [email protected] W reef-distribution.com ~ facebook.com/amigoslaserie

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cine planetario

Kaluoka’hina, the Enchanted Reef Kaluoka’hina, el arrecife encantado La inmensidad de los océanos de nuestro planeta guarda secretos. Uno de los más preciados es Kaluoka’hina, el arrecife encantado cuya magia lo protege de que los humanos lo encuentren. Los coloridos habitantes de Kaluoka’hina han vivido siempre en paz, hasta que el volcán entra en erupción y el hechizo se rompe. Ahora el joven Jake, el pez sierra, y su amigo paranoico Shorty deberán restaurar la magia. Su única pista: la antigua leyenda que habla de tocar la luna. Pero ¿cómo puede un pez tocar la luna? The vastness of our planet’s oceans guards secrets. One of its most precious is Kaluoka’hina, the enchanted reef whose magic protects it against humans finding it. Kaluoka’hina’s colorful inhabitants have thus always lived in peace until the volcano erupts, and the spell is broken. Now it’s up to the young sawfish Jake and his paranoid pal Shorty to restore that magic. Their only lead: the ancient legend that tells of touching the moon. But how is a fish supposed to touch the moon?

Alemania - Germany, 2004 / 32’ / 4k / Color Español - Spanish D, G: Peter Popp E: Raul Erdossy DA: Daniel Ploechinger M: Florian Käppler, Daniel Requard CP: Softmachine Contacto / Contact Reef Distribution T +49 891 8908 2699 E [email protected] W reef-distribution.com ~ kaluokahina.com

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País invitado: Estados Unidos Guest Country: United States FUNCIÓN DE CLAUSURA / OPENING NIGHT

Arquitectura / Architecture

Rescates / rescues

Miles Ahead

TELOS: The Fantastic World of Eugene Tssui

La chica de rosa

COMPETENCIA INTERNACIONAL / INTERNATIONAL COMPETITION Creative Control

COMPETENCIA VANGUARDIA Y GÉNERO / AVANT-GARDE AND GENRE COMPETITION Bone Tomahawk Solitary Acts Something Between Us

BAFICITO / LITTLE BAFICI El gigante de hierro

Planetario / planetarium cinema

Film Notfilm

Comer y Beber / Eat & Drink

Peter Bogdanovich

In Defense of Food

La última película Luna de papel

Hacerse Grande / Coming of Age God Bless the Child The Diary of a Teenage Girl

Música / Music American Epic Trilogy I Saw the Light Junun

Míralos morir One Day Since Yesterday: Peter Bogdanovich & the Lost American Film ¿Qué pasa, doctor? Terapia en Broadway Tom Petty and the Heartbreakers: Runnin’ Down a Dream

Michael Jackson’s Journey from Motown to Off the Wall

Rick Alverson

The American Epic Sessions

Entertainment

Waiting Far Away

The Damned: Don’t You Wish That We Were Dead

New Jerusalem

Trayectorias / Careers

The Jazz Loft According to W. Eugene Smith

The Comedy

One World, One Sky: Big Bird’s Adventure

The Builder

Grandma Little Men

Cinefilias / Cinephilias Harold and Lilian. A Hollywood Love Story Hitchcock/Truffaut The 1000 Eyes of Dr. Maddin

Personas y Personajes / People & Characters

Pasiones / Passions

Bob Byington

Funny Bunny

7 Chinese Brothers Harmony and Me

Artes / Arts

RSO (Registered Sex Offender)

Uncle Howard

Somebody Up There Likes Me

Nocturna / Late Night Green Room The Missing Girl

Linefork

Matthew Barney Cremaster 1 - 5

Nuts!

Lugares / Places

Michel Legrand

Our Nixon

Las Vegas in 16 Parts

El caso Thomas Crown

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trayectorias careers

careers

11 Minutes 11 minut 11 minutos Múltiples historias suceden y se cruzan en la moderna Varsovia, y demuestran todo lo que puede acontecer en un tiempo breve pero suficiente para proporcionar un fascinante frenesí a una película joven y arriesgada.

The multiple stories that take place and connect in modern Warsaw prove all the things that can happen in a small period of time that is yet long enough to provide a fascinating frenzy to a young and risky film.

Estirar el tiempo, multiplicar las historias para que el relato regrese a los mismos instantes. Pero con ninguna concesión al tedio y con un combate denodado contra la obviedad y el simple desarmado y rearmado sobre lo ya contado, como explotó el mexicano Iñárritu en parte de su filmografía. Estas historias conectadas se cargan de tensión progresivamente, mediante uniones alejadas del amor y cercanas al espanto. Todos tienen sus razones, sus venganzas, sus miserias, sus intereses. O simplemente el azar une sus destinos de la peor manera posible. Es decir, el azar o la sabiduría maligna y vitriólica de Skolimowski, que sabe por veterano pero más sabe por diablo, por demiurgo en pleno uso de sus capacidades cinematográficas. Dicho de forma breve: la explosiva y expansiva 11 Minutes es una película imperdible. Javier Porta Fouz

Stretching time, multiplying the stories in order for the plot to go back to the same instants. But avoiding any kind of tedium and daringly battling against the obvious and the simple disarming and rearming on what’s already been told, something Mexican director Iñárritu has exploited in part of his filmography. These interconnected stories build up the tension through unions that have more to do with terror than love. Everyone has their own reasons, their own revenges, their own miseries, their own interests. Or maybe chance just joins their destinies in the worst possible way. That is, chance or the malignant, vitriolic wisdom of Skolimowski, who knows from experience but also for being an old devil, an evil demiurge in his full cinematic power. In short: the explosive, expansive 11 Minutes is a must-see. JPF

Jerzy Skolimowski

Polonia / Irlanda - Poland / Ireland, 2015 81’ / DCP / Color / Polaco / Inglés - Polish / English

Nació en Lodz, Polonia, en 1938. Estudió cine en la Escuela de Lodz. Su primer film fue Rysopis (1964). Luego dirigió, entre otros, Barrera (1966), King, Queen Knave (1972),The Shout (1978), The Lightship (1985), Four Nights with Anna (2008; Bafici ‘09) y Essential Killing (2010; Bafici ‘11). He was born in Lodz, Poland, in 1938. He studied filmmaking at the School of Lodz. Rysopis (1964) was his directorial debut. He later directed many films, including Barrera (1966), King, Queen Knave (1972), The Shout (1978), The Lightship (1985), Four Nights with Anna (2008; Bafici ‘09) and Essential Killing (2010; Bafici ‘11).

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D, G: Jerzy Skolimowski F: Mikolaj Lebkowski, Bernard Walsh E: Agnieszka Glinska M: Pawel Mykietyn P: Ewa Piaskowska, Jerzy Skolimowski CP: Skopia Film, Element Pictures I: Richard Dormer, Paulina Chapko, Wojciech Mecwaldowski, Andrzej Chyra, Dawid Ogrodnik Contacto / Contact The Festival Agency T +33 954 904 863 E [email protected] W thefestivalagency.com ~ 11minut.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

trayectorias

Between Fences Entre cercas Avi Mograbi decide empezar un taller de teatro en un centro de detención en el desierto israelí, cerca de la frontera con Egipto. Allí se alberga personas procedentes de Eritrea y Sudán, inmigrantes que no pueden regresar a sus países, pero tampoco tienen un futuro en Israel.

Avi Mograbi decides to start a theater workshop in a detention center located in the Israeli desert near the Egyptian border, which holds people from Eritrea and Sudan, immigrants who aren’t able to return to their countries and don’t have a future in Israel.

El director teatral Chen Alon recupera los preceptos de Augusto Boal y su denominado Teatro del Oprimido, y organiza una serie de talleres en el Centro de Detención de Holot, para los que cuenta con un grupo de refugiados procedentes de Eritrea y Sudán. Los miembros de esta compañía –cuerpos vacíos, inertes, sin estatus legal para las leyes de Israel– encuentran en los ensayos un modo de no renunciar a su identidad y recuperar sus respectivos itinerarios vitales. La narración oral, la gestualidad y, finalmente, la música pasarán entonces a ser espacios de resistencia y autoafirmación frente a la barbarie y el sin sentido. Avi Mograbi cede en su habitual querencia por la sátira y lo autorreferencial para entregarnos uno de los films más generosos y extremadamente emocionantes de su carrera. Fran Gayo

Theater director Chen Alon brings back the precepts of Augusto Boal and hi so-called Theater of the Oppressed, and organizes a series of workshops at the Holot Detention Center with the participation of refugees coming from Eritrea and Sudan. The members of this company –empty, inert bodies with no legal status under Israeli legislation– find in the rehearsals a way of maintaining their identity and recover the itinerary of their lives. Oral narration, gestures, and, in the end, music will then become areas of resistance and self-affirmation against barbaric forces and nonsense. Avi Mograbi tones down his usual taste for satire and self-reference and delivers us one of the most generous and extremely emotional films of his career. FG

Avi Mograbi Nació en Israel en 1956. Estudió filosofía y arte, y dirigió varios cortos y largos documentales, entre ellos August: A Moment Before the Eruption (2002), Avenge But One of My Two Eyes (2005) y Z32 (2008; Bafici ‘09). He was born in Israel in 1956. He studied philosophy and art, and directed several documentary films, including August: A Moment Before the Eruption (2002), Avenge But One of My Two Eyes (2005) and Z32 (2008; Bafici ‘09).

Francia / Israel - France / Israel, 2016 / 84’ / DM / Color Árabe / Hebreo / Inglés - Arabic / Hebrew / English D, G, E: Avi Mograbi F: Philippe Belleaiche DA: Chen Alon S: Dominique Vieillard P: Camille Laemlé, Serge Lalou, Avi Mograbi CP: Les Films D’ici, Avi Mograbi Films Contacto / Contact Doc and Film International. Fleur Pliskin T +33 142 775 687 E [email protected] W docandfilm.com

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careers

Boris sans Béatrice Boris without Béatrice Boris sin Béatrice Un hombre de negocios comienza una relación extramarital con la joven que cuida a su esposa, una ministra de Canadá que se encuentra postrada en su cama a causa de una depresión.

A businessman starts an extramarital relationship with the young woman who takes care of her wife, a Canada minister who is bedridden due to depression.

Un sueño y una pesadilla (de clase), una libre representación de un examen de conciencia (del personaje o del cineasta), una alegoría materialista con reminiscencias a la mitología griega, y quizás también una tortura afectiva a los poderosos del mundo. Inclasificable, este es un indesmentible film de Denis Côté. Un poderoso empresario ruso tiene que lidiar con la depresión melancólica de su mujer, miembro del gabinete de gobierno. La catatonia y amnesia de Beatrice está misteriosamente ligada a la prepotencia y vanidad de Boris, quien tiene aventuras con distintas empleadas y cuyos lazos familiares están postergados por la lógica de los negocios. En esas coordenadas simbólicas, Côté trabaja sobre los vínculos de sus personajes sin descuidar la puesta en escena pletórica de pequeñas decisiones formales tan elegantes como circunspectas. Roger Koza

A dream and a (social class) nightmare, a free representation of a conscience exam (for the character or the filmmaker), a materialist allegory with echoes of Greek mythology, and maybe also an emotional torture for powerful people in the world. Unclassifiable, this is an undeniable film by Denis Côté.A powerful Russian businessman has to deal with the melancholic depression suffered by his wife, a government cabinet member. Beatrice’s catatonia and amnesia are mysteriously linked to Boris’ arrogance and vanity, as he carries affairs with different employees while his family ties are postponed by the logic of business. On those symbolic coordinates, Côté works on the relationships between the characters without neglecting his plethoric setting, filled with tiny formal decisions that are both elegant and circumspect. RK

Denis Côté

Canadá - Canada, 2016 / 93’ / DCP / Color Francés / Inglés / Ruso - French / English / Russian

Nació en Canadá en 1973, y estudió cine en el Collège Ahuntsic de Montreal. Se desempeñó como periodista y realizó los largometrajes Les États Nordiques (2005; Bafici ‘06), Nos vies privées (2007, Bafici ‘08), Elle veut le chaos (2008; Bafici ‘09), Carcasses (2009, Bafici ‘10), Curling (2010; Bafici ‘11) y Bestiaire (Bafici ‘12). He was born in Canada in 1973, and studied film at the Collège Ahuntsic in Montreal. He worked as a journalist and directed the films Drifting States (2005; Bafici ‘06), Our Private Lives (2007, Bafici ‘08), All That She Wants (2008; Bafici ‘09), Carcasses (2009, Bafici ‘10), Curling (2010; Bafici ‘11) and Bestiaire (Bafici ‘12).

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D, G: Denis Côté F: Jessica Lee Gagné E: Nicolas Roy DA: Louisa Schabas S: Frédéric Cloutier, Bernard Gariépy-Strobl P: Sylvain Corbeil, Nancy Grant PE: Michel Merkt CP: Meta Films I: James Hyndman, Simone Élise-Gerard, Denis Lavant, Isolda Dychauk, Dounia Sichov Contacto / Contact Films Boutique. Josephine Settmacher T +49 306 953 7850 E [email protected] W filmsboutique.com

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trayectorias

El nome de los árboles The Name of the Trees El nombre de los árboles Un pequeño equipo de rodaje recorre Asturias en busca de los lugares donde se desarrollaron las principales emboscadas contra la Guerrilla Republicana (1937-1952). En ese viaje, se encuentran con muchas personas dispuestas a compartir con ellos sus recuerdos de aquellos tiempos.

Ramón Lluís Bande documentó la investigación que condujo a su film Equí y n’otru tiempu, las excursiones para localizar los lugares de la memoria y las conversaciones con los vecinos que, con naturalidad, desvelan la represión de los militantes republicanos que mantuvieron la lucha armada contra el franquismo tras la Guerra Civil. El resultado podría ser un mero extra de DVD, pero no es el caso; esta es una película extraordinaria, tan sencilla como poderosa. Puede no haber pruebas para el trabajo científico de los historiadores, o pueden estar ocultas, pero lo que sí tenemos es el relato del horror tal y como fue preservado por los que lo vivieron y por sus descendientes. Una inspiradora reivindicación de la palabra y de la Historia contada: la de un país más allá de las versiones oficiales. Martin Pawley

Ramón Lluís Bande Nació en Xixón, España, en 1972. Es escritor, cineasta y director de videoclips. Entre sus películas se destacan El fulgor (2002; Bafici ‘03), Estratexa (2003), Un retratu colectivu (2005) y Equí y n’otru tiempo (2014; Bafici ‘15). He was born in Xixón, Spain, in 1972. He’s a writer, a filmmaker, and music video director. El fulgor (2002; Bafici ‘03), Estratexa (2003), Un retratu colectivu (2005) and Equí y n’otru tiempo (2014; Bafici ‘15) are some of his films.

A small film crew moves through Asturias in search of the places where the main ambushes against the Republican Guerrilla (1937-1952) took place. In that trip, they meet several people willing to share with them their memories of that time.

Ramón Lluis Bande documented the research that lead him to his film Equí y n’otru tiempu, the scouting trips to find the remembered areas, and the conversations with neighbors who reveal in a natural way the repression against Republican activists who waged war against the Franco regime after the Civil War. The result may very well be a DVD extra feature, but it’s not the case here: this is an extraordinary film, as simple as it is powerful. The scientific work of historians might not have proof, or they may be hidden, but what we do have is the testimony of horror, just as it was preserved on those who experienced it and their descendants. This is an inspiring vindication of the spoken word and the narrated history of a country, beyond official stories. MP

España - Spain, 2015 / 102’ / DCP / Color Asturiano / Español - Asturian / Spanish D, G: Ramón Lluís Bande F: Juan A. García, E: Dani Álvarez S: Antonio De Benito P: Vera Robert CP: De la Piedra Producciones I: Nicanor Rozada, Quilino’l de Polio, Vicente Gutiérrez Solís Contacto / Contact De la Piedra Producciones. Vera Robert T +34 615 022 976 E [email protected] W delapiedraproducciones.com

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careers

El rey de La Habana The King of Havana Reinaldo, un adolescente que acaba de escaparse de un centro penitenciario, emprende su camino de regreso a La Habana. La nostalgia, el ron y el sentido del humor son su única compañía durante la travesía, hasta que conoce a Magda.

Reinaldo is a teenage boy who recently escaped from a penitentiary unit and sets on a journey back home to Havana. Nostalgia, rum, and his sense of humor are the only travel mates he has, until he meets Marga.

El rey de La Habana debe tener uno de los comienzos más terribles que se hayan filmado; sin embargo, esta serie de hechos trágicos son mostrados con velocidad y sin miserabilismos. Lo que sigue después de eso toma caminos impredecibles y desaforados. Hay sexo (mucho y desprejuiciado), violencia (de vez en cuando), hurto (alguno que otro) y hasta un ritual posiblemente mágico; todo en las calles marginales de la ciudad que se anuncia en el título. Mientras transcurre esto, sucede una película de antihéroes que respira energía en un territorio donde no hay tiempo para pensar en las desgracias pasadas y muy poco margen para planificar un futuro. El mérito de la película está en que nos convence de que aún en esos espacios hay lugar para momentos transitorios de luminosidad. Hernán Schell

The King of Havana must have one of the most terrible beginnings ever filmed; however, this series of tragic events is shown at a fast pace and without any kind of sensationalism. There’s sex (lots of it, and uninhibited), violence (sometimes), theft (a few) and even a possibly magical ritual; all of this in the marginal city announced in the title. While this happens, an energetic film about antiheroes takes place, in a territory where there’s no time to think about past misfortune and very few chances of planning a future. The film’s merit lies on convincing us that, even in those spaces, there’s place for temporary moments of luminosity. HS

Agustí Villaronga Nació en Mallorca, España, en 1953. Es licenciado en Geografía e Historia. Ha trabajado como profesor, director artístico, decorador, estilista y realizador de videos de moda. Dirigió varios largometrajes, entre ellos, El mar (2000) y Pan negro (2010). He was born in Mallorca, Spain, in 1953. He majored in Geography and History. He worked as a professor, an artistic director, a decorator, a stylist, and a fashion video-maker. He directed several feature-length films, including El mar (2000) and Black Bread (2010).

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España / República Dominicana - Spain / Dominican Republic 2015 / 124’ / DCP / Color Español - Spanish D, G: Agustí Villaronga F: Josep M. Civit E: Raúl Román DA: Alain Ortiz S: Franklin Hernández, Fernando Novillo M: Joan Valent P: Luisa Matienzo PE: Luisa Matienzo, Celinés Toribio CP: Pandora Cinema, Tusitala PC I: Maykol David Tortoló, Yordanka Ariosa, Héctor Medina Contacto / Contact Filmax Internacional. Iván Díaz T +34 933 368 555 W [email protected] ~ filmaxinternational.com

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Foto / Photo: Tudor Lucaciu

trayectorias

El vecino One Floor Below Un etaj mai jos Después de haber sido el único testigo de una pelea doméstica que termina en un asesinato, Patrascu decide callarse y continuar con su vida, hasta que el posible asesino comienza a acercarse a su mujer y a su hijo.

After being the sole witness to a domestic fight that ended up with a murder, Patrascu decides to keep quiet and move on with his life, until the possible killer starts to get close to his wife and son.

El director de Aquel martes después de Navidad parte de una premisa en apariencia ridícula (la búsqueda de un tesoro en el jardín de una casa en la actualidad por parte de tres patéticos antihéroes) para luego construir un film con múltiples alcances, que tienen que ver con la tentación, el miedo a ser descubierto y castigado, el sentido de la aventura y la fantasía, y el orgullo de un padre de ser el “héroe” para su pequeño hijo de seis años. Como suele ocurrir con los distintos trabajos de Corneliu Porumboiu y con una parte importante de los exponentes del nuevo cine de su país, esta suerte de cuento de hadas absurdo e inquietante propone varias lecturas con muy amplias connotaciones. Diego Batlle

The director of Tuesday, After Christmas starts with a premise that seems ridiculous (a treasure hunt in the garden of a house lead by three pathetic antiheroes), and later builds a film with multiple ranges that deal with temptation, the fear of being discovered and punished, the sense of adventure and fantasy, and a father’s pride for being a “hero” to his six year old son. As it usually happens in the films from Corneliu Porumboiu and most of the exponents of his country’s new cinema, this sort of absurd and disturbing fairy tale lays out several interpretations with varied connotations. DB

Radu Muntean Nació en Bucarest, Rumania, en 1971. Dirigió cinco largometrajes, entre ellos Boogie (2008; Bafici ‘09) y Aquel martes después de Navidad (2011). He was born in Bucharest, Romania, in 1971. He directed five featurelength films, including Boogie (2008; Bafici ‘09) and Tuesday, After Christmas (2011).

Rumania / Francia / Alemania / Suecia Romania / France / Germany / Sweden, 2015 / 93’ DCP / Color / Rumano - Romanian D: Radu Muntean G: Alexandru Baciu, Radu Muntean, Razvan Radulescu F: Tudor Lucaciu E: Alexandru Radu DA: Sorin Dima S: Andre Rigaut P: Dragos Vilcu CP: Multi Media Est I: Teodor Corban, Iulian Postelnicu, Oxana Moravec Contacto / Contact Zeta Films. Carlos Pascual Zumbo T +54 11 4371 4801 E [email protected] W zetafilms.com

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careers

Francofonia Haciendo foco en el Louvre, espacio que las autoridades nazis decidieron proteger durante la ocupación que llevaron adelante durante la Segunda Guerra Mundial, y a través del relato de Jacques Jaujard y el conde Franz Wolff-Metternich, Sokurov investiga la relación del arte con el poder.

Sokurov inquires into the connection between art and power by focusing on the Louvre –a place Nazi authorities decided to protect during their occupation in World War II– and through the testimonies of Jacques Jaujard and Count Franz WolffMetternich.

Suerte de secuela de El arca rusa, Francofonia es mucho más que la simple historia del museo más emblemático de Francia. Para el cineasta ruso, el Louvre es el epítome de toda la cultura occidental, algo que refleja el episodio central de este ensayo en el que se combinan las reflexiones en primera persona con las imágenes de archivo y las reconstrucciones. A través de la relación entre el director del Louvre y el oficial nazi que protegió los tesoros del museo desoyendo las órdenes de destrucción de sus superiores, Sokurov establece un demoledor paralelismo entre la ocupación de París y el sitio de Leningrado, entre el laissez faire de unos y la resistencia numantina de otros; en definitiva, entre el respeto de una cultura compartida y el borrado de otra, la eslava, a la que se aborrecía. Jaime Pena

A sort of sequel to The Russian Ark, Francofonia is more than a simple story of the most emblematic museum in France. For the Russian filmmaker, the Louvre is the summary of all Western culture, and we can see this in the main chapter of this essay that combines first-person reflections with archive footage and reconstructions. Through the relationship between the Louvre director and the Nazi officer who protected those world treasures against the destruction orders from his superiors, Sokurov establishes a devastating parallel between the occupation of Paris and the siege of Leningrad, between one side’s laissez faire and the other’s heroic resistance. In the end, it’s between the respect for a shared culture, and the erasing of another, despised one: the Slavonic. JP

Aleksandr Sokurov Nació en 1951 en Siberia. Estudió historia y luego ingresó al Instituto de Cinematografía de Moscú. En 2002 Bafici le dedicó un foco a su cinematografía y se proyectaron Spiritual Voices (1995), A Humble Life (1997) y Elegy of a Voyage (2001). He was born in 1951 in Siberia. He studied history and later entered the Moscow Film Institute. In 2002, Bafici held a Focus on his work, with screening of Spiritual Voices (1995), A Humble Life (1997) and Elegy of a Voyage (2001).

Francia / Alemania / Holanda - France / Germany / Netherlands, 2015 / 87’ / DCP / Color / Ruso / Francés / Alemán Russian / French / German D, G: Aleksandr Sokurov F: Bruno Delbonnel E: Alexei Jankowski, Hansjorg Weissbrich S: Andre Rigault, Jac Vleeshouwer, Ansgar Frerich M: Murat Kabardokov P: Pierre-Olivier Bardet, Thomas Kufus, Els Vandevorst, Olivier Pere, Remi Burah CP: Ideale Audience, Zero One Film, N279 Entertainment, Arte France Cinema, Le Musee du Louvre I: Louis-Do de Lencquesaing, Benjamin Utzerath, Vincent Nemeth, Johanna Korthals Altes Contacto / Contact CDI Films W cdifilms.com.ar

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trayectorias

Garoto Kid Niño El cineasta brasileño cuenta la historia de amor de dos jóvenes que se encuentran en un lugar encantado en el que viven un romance. Pero todo cambiará cuando uno de ellos cometa un delito.

The Brazilian filmmaker tells the love story of two youngsters who meet and have a love affair in an enchanted place. But everything will change when one of them commits a felony.

Bressane empieza siempre de nuevo, o hace como si empezara, con un impulso y una distinción poética que parecen pertenecerle solo a él mismo. Un chico y una chica deambulan por un paisaje que podría ser la representación más o menos acreditada de alguna clase de paraíso; ligera pero pedestre, una disposición del espíritu más que una altura celeste de carácter sublime. En definitiva, se trata de una historia de pareja: arrobamiento, recelos, ruptura, pérdida de la alegría, soledad y acaso reencuentro. El director filma con una gracia deslumbrante y la serenidad de un auténtico maestro; cada plano remite a la belleza añorada de un cine que parecía perdido para siempre y nos recuerda la naturaleza de fragilidad esencial que rige el destino de los personajes. David Obarrio

Bressane is constantly starting from scratch –or he does so as if he were– with a kind of impulse and poetic distinction that seem to be his exclusive property. A boy and a girl wander around a setting that may very well be the rather accurate representation of some sort of paradise: light and yet pedestrian, a disposition of the spirit rather than a sublime, heavenly scenario. In the end, it’s about a couple: rapture, mistrust, rupture, lost joy, loneliness, and perhaps a reunion. The director works with a dazzling grace and the serenity of a true master. Every shot reminds us of the essentially fragile nature that rules over the characters’ fate. DO

Júlio Bressane

Brasil - Brazil, 2015 76’ / DCP / Color Portugués - Portuguese

Nació en Brasil en 1946. Dirigió numerosos largometrajes, entre ellos Miramar (1997), Filme de amor (2003) y Cleopatra (2007), exhibidos en la retrospectiva que le dedicó el Bafici en 2013. He was born in Brazil in 1946. He directed several feature-length films including Miramar (1997), Filme de amor (2003) and Cleopatra (2007), screened in the retrospective of his work held by Bafici in 2013.

D: Júlio Bressane G: Júlio Bressane, Rosa Dias F: Pepe Schettino E: Rodrigo Lima DA: Moa Batsow S: Damião Lopes M: Guilherme Vaz P: Júlio Bressane, Bruno Safadi PE: Fernanda Romero CP: TB Produções I: Marjorie Estiano, Gabriel Leone, Josie Antello Contacto / Contact TB Produções. Bruno Safadi T +55 21 988 618 880 E [email protected]

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careers

Grandma Abuela Elle rompe con su novia Olivia cuando su nieta Sage aparece inesperadamente pidiéndole dinero. Aún dolidas por su separación, ambas pasarán todo el día visitando a antiguos amigos, lo que hará que comiencen a develarse secretos del pasado.

Elle breaks up with her girlfriend Olivia when her granddaughter Sage appears unexpectedly and asks her for money. They end up spending the day visiting old friends, which will make some secrets from the past come to light.

Grandma abre con una cita de Eileen Myles (“El tiempo pasa, eso seguro”) sucedida por la placa “Finales”. Así, antes de que se nos presente a Elle, ya podemos conocerla. La división episódica tiene una connotación literaria que revela que esa mujer misántropa hace de la palabra su aliada en la confrontación. Luego de perder a su esposa, se recluye en su casa y se mueve desprendida del entorno. Asimismo, el tiempo pasa para Sage, la nieta adolescente que le golpea la puerta para plantear la urgencia: está embarazada y necesita dinero para un aborto. El quiebre de los estereotipos tiene como germen el brusco choque de Sage con su abuela, quien no tiene plata pero sí un Dodge modelo ‘55 que les permitirá emprender un road trip para solucionar el conflicto. Desde una clínica devenida café hasta una edición devaluada de La mística femenina, en ese recorrido Elle sale de su burbuja para reconocer que la vida que llevaba ya no la representa. Milagros Amondaray

Grandma opens with a quote by Eileen Myles (“Time passes, that’s for sure”) followed by a card with the word “endings.” This way, we can get to know Elle before her being introduced to us. The episodic division has a literary connotation that reveals this misanthropic woman turns words into her allies during confrontation. After losing her wife, she locks herself up at her home and moves around detached from her environment. Likewise, time goes by for Sage, the teenage granddaughter who knocks on her door to pose an urgency –she is pregnant and needs money for an abortion. The breakdown of stereotypes has the sharp clash between Sage and her grandmother as its root. The latter has no money, but she does own a ‘55 Dodge that will allow them to embark on a road trip in order to solve the conflict. From a café that used to be a clinic to a devalued edition of The Feminine Mystique, it is during this journey that Elle comes out of her bubble and acknowledge that her past life hasn’t represented her for a while. MA

Paul Weitz

Estados Unidos - US, 2015 / 79’ / DCP / Color / Inglés - English

Nació en Nueva York en 1965. Comenzó a trabajar en cine junto a su hermano Chris, con quien ha codirigido tres películas: American Pie (1999), De vuelta a la tierra (2001) y Un gran chico (2002). Entre las películas que ha dirigido él solo se encuentran En buena compañía (2004) y Los pequeños Focker (2010). He was born in New York in 1965. He started working in films along with his brother Chris, with whom he has co-directed three films: American Pie (1999), Down to Earth (2001) and About a Boy (2002). Among the films he has directed independently are In Good Company (2004) and Little Fockers (2010).

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D, G: Paul Weitz F: Tobias Datum DA: Cindy Chao, Michele Yu M: Joel P. West P: Paul Weitz, Andrew Miano, Terry Dougas, Paris Latsis PE: Stephanie Meurer, Dan Balgoyen, Danielle Renfrew Behrens I: Lily Tomlin, Julia Garner, Marcia Gay Harden, Judy Greer, Laverne Cox Contacto / Contact Sony Pictures in Argentina. Cecilia Chiappano E [email protected] W uip.com.ar

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

trayectorias

Informe general II. El nuevo rapto de Europa General Report II. The New Abduction of Europe La película más reciente de Pere Portabella trata la dimensión política, económica, social y cultural de la crisis actual de la democracia parlamentaria y los movimientos sociales surgidos del 15-M.

The latest film by Pere Portabella deals with the political, financial, social, and cultural dimensions of the current crisis in the country’s parliamentary democracy and social movements emerged after 15-M.

Con un desapego de dandy y la severidad sensible del que se zambulle con la misión de retratar un mundo que parece alterarse en cada parpadeo, Pere Portabella consigue las imágenes más libres y no comprometidas de los asuntos municipales que a priori más se prestaban a las artimañas de una contemplación arrobada. Manifestaciones fervorosas en la Puerta del Sol de Madrid, asambleas, acampes, marchas de los partidarios del independentismo catalán, actos en los que la agrupación Podemos ofrece al mundo sus primeros balbuceos: retratos de un universo cotidiano que adquieren en la distancia rasgos oblicuos, casi extraterrestres. Informe general II no parece tomar partido, excepto por el de una falta de certezas radical. La elegancia formal de la película es capaz de contener las imágenes en una lejanía cuya marca constitutiva indeclinable no es otra que un signo de interrogación. David Obarrio

With a dandy-like detachment and the sensible severity of those who dive on a mission to depict a world that seems to be constantly changing, Pere Portabella captures free, uncompromised images of municipal affairs that could have been tempered with by an enchanted contemplation. Fervent demonstrations at Madrid’s Puerta del Sol, assemblies, camps, marches of Catalonian independence supporters, rallies where Podemos speaks its first words to the world: these are all portraits of an everyday universe that acquires strange, almost extraterrestrial features when seen from a distance. General Report II doesn’t seem to pick a side, except for the one of a complete lack of certainties. The formal elegance of the film is capable of containing the images in a distant place whose essential characteristic is a question mark. DO

Pere Portabella Nació en Figueras, España, en 1929. Con su productora Films 59 estuvo detrás de películas como El cochecito (1960), de Marco Ferreri, y Viridiana (1961), de Luis Buñuel. Entre sus películas como director se encuentran Vampir-Cuadecuc (1970), exhibida en el foco que le dedicó el Bafici ‘06, y Die Stille vor Bach (2007; Bafici ‘08). He was born in Figueras, Spain, in 1929. His production company Films 59 was behind sich films as Marco Ferreri’s The Little Coach (1960), and Luis Buñuel’s Viridiana (1961). He directed several films, including Vampir-Cuadecuc (1970), screened in the focus on his work held by Bafici ‘06 and Die Stille vor Bach (2007; Bafici ‘08).

España - Spain, 2015 / 126’ / DCP / Color Español / Catalán - Spanish / Catalan D: Pere Portabella F: Elisabet Prandi E: Òskar Gómez S: Albert Manera P: Pasqual Otal CP: Films 59 I: Ada Colau, Paul B. Preciado, Iñigo Errejón, Manuel Borja-Villel Contacto / Contact Films 59. Pasqual Otal T +34 932 155 612 E [email protected] W films59.com ~ informegeneral2.com

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careers

Journal d’une femme de chambre Diary of a Chambermaid Diario de una camarera Adaptación de la novela homónima de Octave Mirbeau. En un pueblo de Normandía a fines del siglo XIX, la joven y bella Celestine va anotando en su diario íntimo los acontecimientos de su llegada a una gran mansión como sirvienta de una familia burguesa.

An adaptation of the homonymous novel by Octave Mirabeau. Set in a town in Normandy in the late 19th century. The young and beautiful Celestine writes down on her journal the details of her arrival to a big mansion to serve a bourgeois family.

Luego de Jean Renoir en 1946 y de Luis Buñuel en 1964, ahora le toca a Benoît Jacquot darle a la novela de Octave Mirbeau un toque del siglo XXI. Mirbeau escribió esta novela en 1900 como un ataque a la sociedad parisina luego del escándalo de Dreyfus en 1894, y Jacquot no dejó afuera ningún elemento de sátira social. Pero el suyo es un viaje más personal, que gira alrededor del personaje de la mucama. La Célestine de Léa Seydoux es una pícara joven que siente que la vida no la ha tratado bien. Es obligada a servir a mujeres de clase media que desconfían de su belleza y a sus mujeriegos maridos que quieren poner en práctica el anticuado derecho de pernada. La película de Jacquot es menos abiertamente política que sus antecesoras, pero es un fascinante retrato de un sistema de clases y una mentalidad que aún hoy hacen mella. Judith Prescott

After Jean Renoir in 1946 and Luis Buñuel in 1964, it’s down to Benoît Jacquot to give Octave Mirabeau’s novel a 21st century twist. Mirabeau wrote his novel in 1900 as an attack on Parisian society following the Dreyfus scandal in 1894, and Jacquot’s film has removed none of the intended social satire. But his is more of a personal journey based around the character of the chambermaid. Léa Seydoux’s Célestine is a sassy young woman who feels life has dealt her a dud hand. She is forced to serve both middle class women who mistrust her beauty and their philandering husbands who want to exercise an outdated Droit de Seigneur. Jacquot’s film is less overtly political than those of his predecessors, but it’s a fascinating portrayal of a class system and mindset that still resonate today. JP

Benoit Jacquot

Francia / Bélgica - France / Belgium, 2015 95’ / DCP / Color / Francés - French

Nació en París en 1947. Dirigió una veintena de largometrajes, entre los que se destacan sus cuatro colaboraciones con la actriz Isabelle Huppert, además de Villa Amalia (2009; Bafici ‘15) y Adiós a la reina (2012). He was born in Paris in 1947. He directed twenty feature-length films, including four collaborations with actress Isabelle Huppert, as well as Villa Amalia (2009; Bafici ‘15) and Farewell, My Queen (2012).

D: Benoit Jacquot G: Helene Zimmer, Benoit Jacquot F: Romain Winding E: Julia Gregory DA: Katia Wiszkop S: Pierre Mertens M: Bruno Coulais P: Jean-Pierre Guerin PE: Kristina Larsen CP: Les Films du Lendeman, JPG Films I: Léa Seydoux, Vincent Lindon Contacto / Contact Elle Driver. Sémira Hedayati T +33 156 434 879 E [email protected] W elledriver.fr

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

trayectorias

L’Avenir Things to Come El porvenir Nathalie enseña filosofía en una escuela secundaria en París. Casada y con dos hijos, divide su tiempo entre su familia, sus ex alumnos y su madre. Un día, su marido anuncia que la abandona por otra mujer y ella debe seguir adelante sola.

Nathalie teaches philosophy in a Paris high school. She’s married with two kids, and divides her time between her family, her former students, and her mother. One day, her husband announces he’s leaving her for another woman, and she must carry on alone.

Ambientada en 2010, todavía bajo la presidencia de Sarkozy, Mia Hansen-Løve nos habla en L’Avenir del trasfondo intelectual de una época de cambios continuos; los que experimenta el personaje que interpreta Isabelle Huppert, pero también los cambios en los modelos de lucha y militancia política que enfrentan a los nostálgicos del ‘68 con las nuevas generaciones. Ella es profesora de filosofía, y la filosofía forma parte de las conversaciones con total naturalidad –uno de esos milagros del cine francés: el ser capaz de integrar discusiones sobre Rousseau, Adorno, Anders o Unabomber sin resultar en absoluto pedante–. Justo al contrario, resulta deslumbrante la ligereza con la que HansenLøve nos presenta a sus personajes, tanto como la agilidad con la que L’Avenir está narrada. Jaime Pena

Set in 2010, still during Sarkozy’s presidency, Mia HansenLøve’s Things to Come talks about the intellectual backdrop of a time of continuous change; those experimented by the character played by Isabelle Huppert but also the changes in the forms of struggle and political activism that set the nostalgic of ‘68 against the new generations. She is a philosophy professor, and philosophy plays a part in conversations naturally –one of the miracles of French cinema: being able to include discussions about Rousseau, Adorno, Anders or the Unabomber without it being pedantic at all. On the contrary, it’s amazing how lightly Hansen-Løve introduces us to her characters, and also how nimbly Things to Come is narrated. JP

Mia Hansen-Løve Nació en París, Francia, en 1981. Dirigió el cortometraje Après mûre réflexion (2004) y los largometrajes Tout est pardonné (2007; Bafici ‘08), El padre de mis hijos (2009) –ganadora del Premio Especial del Jurado en Un Certain Regard del Festival de Cannes–, Un amour de jeunesse (Bafici ‘12) y Eden (2014). She was born in Paris, France, in 1981. She directed the short film Après mûre réflexion (2004) and the feature length films Tout est pardonné (2007; Bafici ‘08), Father of My Children (2009), winner of a Special Jury Prize at Cannes’ Un Certain Regard, Goodbye First Love (Bafici ‘12) and Eden (2014).

Francia / Alemania - France / Germany 2016 / 100’ / DCP / Color / Francés - French D, G: Mia Hansen-Løve F: Denis Lenoir E: Marion Monnier DA: Anna Falguères S: Vincent Vatoux P: Charles Gillibert CP: CG Cinema I: Isabelle Huppert, André Marcon, Roman Kolinka, Edith Scob, Sarah Le Picard Contacto / Contact Les Films du Losange T +33 6 637 469 E [email protected] ~ m.gouloise@ filmsdulosange.fr W filmsdulosange.fr

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careers

La academia de las musas The Academy of the Muses Un profesor de filosofía es interrogado por su mujer, quien desconfía del enfoque pedagógico de un proyecto educativo en el que el hombre debate sobre literatura con sus alumnas. Poco a poco, la teoría del profesor va pasando a la práctica hasta convertirse en un ejercicio de seducción.

A philosophy professor finds himself interrogated by his wife, since she doesn’t trust the pedagogical approach of an educational project in which the man discusses literature with his female students. The professor’s theory will progressively turn practical, to the point it turns into an exercise on seduction.

La academia de las musas es una experiencia en sí misma que interroga, iguala y confronta la vida y la experiencia, el arte y el amor, la seducción y el deseo. Estos tópicos son atravesados por el lenguaje, por aquello de lo que estamos hechos, por aquello de lo que somos prisioneros: las palabras. Las miradas sensibles de las mujeres en esos primeros planos contrastan con la mirada más racional del hombre, ese profesor que seduce y enamora a sus alumnas. La película construye una perfecta armonía, una melodía que teje reflejos mostrando rostros y gestos donde la realidad está mediada por esos cristales, a veces lluviosos y a veces soleados. El maestro Guerín vuelve a seducirnos conjugando magistralmente la vida y el arte en una película inolvidable. Marcela Gamberini

The Academy of the Muses is a unique experience that questions, balances, and confronts life and experience, art and love, seduction and desire. These topics are crossed by language, that thing we’re made and remain prisoners of: words. The sensitive close-ups of those women contrast the more rational view of the man, a professor who seduces his students and makes them fall in love with him. The film builds a perfect harmony, a melody that weaves reflections by showing faces and gestures, where reality is interceded by these crystals that are occasionally rainy, or sunny. Master Guerín seduces us again, melting life and art into an unforgettable film. MG

José Luis Guerín Nació en Barcelona en 1960, y en 1983 debutó como director con Los motivos de Berta. Luego dirigió una decena de largos, entre los que se destacan En construcción (Bafici ‘02), En la ciudad de Sylvia (2007; Bafici ‘08) y Unas fotos en la ciudad de Sylvia (2007; Bafici ‘08). Es profesor de cinematografía en la Universidad Pompeu Fabra en su ciudad. He was born in Barcelona in 1960, and in 1983 made his directorial debut with Los motivos de Berta. He later directed a dozen films, including En construcción (Bafici ‘02), In the City of Sylvia (2007; Bafici ‘08) and Unas fotos en la ciudad de Sylvia (2007; Bafici ‘08). He is a cinematography professor at the Pompeu Fabra University in that city.

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España - Spain, 2015 / 92’ / DCP / Color Español / Italiano / Catalán - Spanish / Italian / Catalan D, G, E: José Luis Guerin S: Marisol Nievas P: P. C. Guerin CP: Orfeo Films I: Raffaele Pinto, Emanuela Forgetta, Rosa Delor Muns, Mireia Iniesta Contacto / Contact P. C. Guerin, Orfeo Films. Nuria Esquerra, Federico Delpero Bejar T +34 608 450 760 E [email protected]

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trayectorias

La calle de la amargura Bleak Street Inspirado en los hechos reales sucedidos en 2009 y de gran resonancia mediática, el mítico director mexicano cuenta la historia de dos prostitutas de suerte esquiva que, una noche en la que nada sale del todo bien, asesinan accidentalmente a dos luchadores enanos.

Inspired in the real events that grabbed headlines in 2009, the mythical Mexican director tells the story of two unlucky prostitutes who accidentally murdered two midget wrestlers on a night when nothing went right.

“¿Es que acaso la experiencia no cuenta?”, pregunta en La calle de la amargura una prostituta a la que los años le pasaron factura, pero también podría ser un guiño de Arturo Ripstein, que sabe por diablo y por viejo. Este melodrama expresionista, basado en la historia real del asesinato de dos hermanos liliputienses y luchadores de catch, es un relato sobre las nulas posibilidades de progreso de una sociedad hundida en la miseria y en el resentimiento. En el México que retrata Ripstein no hay víctimas y victimarios: todos sufren por igual. Narrada en un espléndido blanco y negro (que a la tragedia siempre le sienta bien), La calle de la amargura es una muestra más del talento de un director que nada tiene que envidiarle a su maestro Luis Buñuel, de quien está cada día más cerca. Luciana Calcagno

“Doesn’t experience count?,” asks a prostitute in Bleak Street to whom age hasn’t been kind, but it could also be Arturo Ripstein’s wink, who sure knows things from experience. This expressionistic melodrama, based on the real-life story of the murder of two Lilliputian wrestler siblings, is a tale about the non-existent possibilities of progress of a society buried in misery and resentment. In the Mexico portrayed by Ripstein, there are no victims and murderers: everyone suffers equally. Narrated in a splendid black and white (which always becomes tragedy), Bleak Street is further proof of the talent of a director who has no nothing to envy his master Luis Buñuel, to whom he’s closer and closer every day. LC

Arturo Ripstein

México / España - Mexico / Spain, 2015 / 100’ DCP / B&N / Español - Spanish

Nació en México en 1943, y comenzó su carrera cinematográfica como asistente de dirección de Luis Buñuel. Debutó como director con Tiempo de morir (1966), escrita por Gabriel García Márquez y Carlos Fuentes, y entre sus más de veinte largometrajes se encuentran El castillo de la pureza (1972), La mujer del puerto (1991) y Profundo carmesí (1996). He was born in Mexico in 1943, and started his film career as an assistant director for Luis Buñuel. He debuted with Time to Die (1966), written by Gabriel García Márquez and Carlos Fuentes, and directed more than twenty films, including The Castle of Purity (1972), Woman of the Port (1991) and Deep Crimon (1996)

D: Arturo Ripstein G: Paz Alicia Garciadiego F: Alejandro Cantú E: Carlos Puente DA: Marisa Pecanins S: Antonio Diego P: Walter Navas PE: Xanat Briceño, Luis Alberto Estrada CP: Productora 35, Wanda Visión I: Patricia Reyes Spíndola, Silvia Pasquel, Nora Velázquez Contacto / Contact Latido Films. Marta Hernando T +34 915 488 877 E [email protected] W latidofilms.com

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careers

Le Bois dont les rêves sont faits The Woods Dreams Are Made of El bosque del que están hechos los sueños El bosque como lugar de escape es, para muchos, sinónimo de refugio y de bienestar. Allí, la cineasta observa la tensión citadina de aquellos que se encuentran con un espejismo soñado y se permiten dejar en silencio todo aquello que parecía ser una dificultad.

For many, the forest as an escape place is a synonym of shelter and comfort. In that location, the director observes the urban tension of those who find a dream-like mirage and allow themselves to silent anything that appeared to stand as an obstacle.

Cuestión de ritmo, cuestión de estructura, cuestión de sabiduría en la disposición de situaciones. La película de Claire Simon es una excursión al Bosque de Vincennes, pero no es una exploración de un lugar, sino de los variados usos y vivencias de ese lugar. En su propuesta de retratos múltiples, la descripción deja lugar a pequeños relatos sucesivos –los temas van desde el sexo hasta la pesca de ejemplares sorprendentes, pasando por muchos otros– que parecen emanar del lugar, abierto y a la vez lleno de misterios y posibilidades. O eso es lo que nos hacen creer el ritmo, la estructura y la sabiduría que despliega esta cineasta que mira el mundo –o cualquier micromundo– y lo devuelve con una fluidez tan evidente como extraordinaria. Javier Porta Fouz

A question of rhythm, structure, and wisdom in the organization of situations. This film by Claire Simon is a tour into the Bois de Vincennes, yet it’s not an exploration of the site, but rather of the diverse uses and experiences the place has to offer. With its multiple portraits, the film’s description gives way to little successive stories –the themes range from sex to fishing surprising specimens, as well as many others– that seem to emerge from that place, which is both open and filled with mysteries and possibilities. Or at least that is what we are lead to think by the rhythm, structure, and wisdom this filmmaker exhibits, as he observes the world –or any micro-universe for that matter– and returns it to us with an evident and extraordinary fluency. JPF

Claire Simon Nació en Londres en 1955. Se desempeña también como actriz, directora de fotografía y montajista. Dirigió varios cortometrajes, documentales y largometrajes de ficción. Algunos de ellos fueron exhibidos en el Festival, como Les Bureaux de Dieu (2008; Bafici ‘09), Coûte que coûte (1995; Bafici ‘12) y Gare du Nord (2013; Bafici ‘14). She was born in London in 1955. She also works as an actress, cinematographer, and film editor. She directed several short films, documentaries and fiction films. Some of them were screened at the Festival, like God’s Offices (2008; Bafici ‘09), At All Costs (1995; Bafici ‘12) and Gare du Nord (2013; Bafici ‘14).

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Francia / Suiza / Bélgica - France / Switzerland / Belgium, 2015 144’ / DCP / Color Francés - French D, G, F, DA: Claire Simon E: Luc Forveille S: Olivier Hespel, François Musy, Gabriel Hafner P: Jean-Luc Ormieres CP: Just Sayin’ Films Contacto / Contact Be for films. Claire Battistoni T +32 485 147 390 E [email protected] W beforfilms.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

trayectorias

Little Men Pequeños hombres Dos chicos de orígenes distintos conviven en un edificio de Brooklyn, forjan una amistad y deambulan juntos por la ciudad.

Two kids with different origins who live in the same Brooklyn building become friends and wander around town together.

Una fábula con dos protagonistas involuntarios, Jake y Tony, dos chicos de unos 13 años que, a medida que descubren sus múltiples afinidades, son testigos del enfrentamiento entre sus respectivos padres. La disputa abarca aspectos económicos, pero también generacionales, formas contrapuestas de entender la amistad y la fidelidad. Por supuesto, como sucede en todo el cine de Ira Sachs, el conflicto afecta también a la integración de los inmigrantes (aquí la chilena Paulina García), pero Little Men es una película más de personajes que de temas; una película que, por lo tanto, quiere comprender a sus personajes y que estos, especialmente los más jóvenes y sin falsas demagogias, se entiendan entre ellos. Su mismo final constituye toda una vuelta de tuerca al concepto de happy ending tradicional. Jaime Pena

A fable with two involuntary protagonists, Jake and Tony, two kids of about 13 years of age who, while discovering their multiple things in common, must witness the confrontation between their respective parents. The dispute covers economic aspects, but also generational; opposing ways of understanding friendship and fidelity. Of course, as usual in Ira Sachs’ cinema, the conflict also affects the adjustment of immigrants (in this case, Chilean Paulina García), but Little Men is more of a film about characters than themes; a film that, therefore, wants to understand its characters, and wants them, especially the younger ones and without false demagogies, to understand each other. Its very ending constitutes a twist on the concept of the traditional happy ending. JP

Ira Sachs

Estados Unidos - US, 2016 / 85’ / DCP / Color Inglés / Español - English / Spanish

Nació en Memphis, Tennessee, en 1965. Estudió literatura y teoría cinematográfica en la Universidad de Yale, y tras graduarse se estableció en Nueva York. Dirigió los largometrajes The Delta (1997), Forty Shades of Blue (2004; Bafici ‘12), y Keep the Lights On (2012), entre otros. He was born in Memphis, Tennessee, in 1965. He studied literature and film theory at the University of Yale and moved to New York after graduating. He directed several films, including The Delta (1997), Forty Shades of Blue (2004; Bafici ‘12), and Keep the Lights On (2012).

D: Ira Sachs G: Mauricio Zacharias, I. Sachs F: Óscar Durán E: Mollie Goldstein, Affonso Gonçalves DA: Alexandra Schaller S: Damian Volpe M: Dickon Hinchliffe P: Lucas Joaquin, I. Sachs, Christos V. Konstantakopoulos, Jim Lande, L. A. Teodosio PE: Jay Van Hoy, Lars Knudsen CP: Faliro House Productions, Parts & Labor Films, RT Features, Race Point Films, Raptor Films, Water’s End Productions I: G. Kinnear, J. Ehle, P. Garcia, T. Taplitz, M. Barbieri Contacto / Contact Pascale Ramonda T +33 6 6201 3241 E [email protected] W pascaleramonda.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

careers

Mallory Mallory está decidida a dar un giro rotundo a su existencia. Nada ha sido sencillo para ella, pero el nacimiento de su hijo la encuentra ante un desafío que quiere superar: abandonar por completo su adicción a las drogas y dejar de vivir en la calle.

Mallory is determined to completely change her existence. Nothing has ever been easy for her, but the birth of her son faces her with a challenge she wants to overcome: clean herself up from her drug addiction and find a place to live other than the street.

Ex adicta, madre coraje, metedora de pata compulsiva, orgullosa portadora de remeras de Cannibal Corpse y Mötorhead, incansable buscavidas. Es difícil no empatizar con un personaje así, con una heroína tan loachiana en su lucha contra sus demonios internos, contra los cantos de sirena de las adicciones pasadas, pero también contra las inexplicables estructuras burocráticas de la Ley que parecen existir solo para sostener su propia existencia. Trestíková relata esta odisea sin protagonismo ni ubicuidad. Luego de cada intervalo en el seguimiento de la vida de Mallory, notamos que está igual, mejoró o se fue completamente al demonio. Para Trestíková, obsesionada desde siempre por los cambios y continuidades a lo largo del tiempo, no importa tanto mostrar los puntos de quiebre, los grandes sucesos, sino la inquebrantable persistencia de una batalla sufrida y usualmente anónima. Juan Pablo Álvarez

A former addict, a Mother Courage who screws up compulsively, proud owner of Cannibal Corpse and Mötorhead t-shirts, tireless go-getter. It’s hard not to empathize with such a character, with such a loachian heroine, in her struggle against her inner demons, against the siren calls of past addictions, but also against the inexplicable bureaucratic structures of the Law that seem to exist only to support her own existence. Trestíková relates this odyssey without attracting attention or being ubiquitous. After each interval in her following of Mallory’s life, we notice she’s the same, has gotten better or that everything has gone to hell. To Trestíková, who has always been obsessed with changes and continuities through time, it’s not about showing the breaking points, the big events, but the unbreakable persistence of a long-suffering, usually anonymous battle. JPA

Helena Trestíková Nació en 1949 en Praga, entonces Checoslovaquia. Se graduó en el Departamento de Cine Documental en la FAMU de esa ciudad. Se desempeñó como Ministra de Cultura de su país, y dirigió numerosos documentales, entre ellos René (1993), Carmen Story (1999), My Lucky Star (2004) y Marcela (2007), exhibidos en el foco que le dedicó el Bafici en 2009. She was born in 1949 in Prague, in the former Czechoslovakia. She graduated from the Documentary Film Department at the local FAMU. She served as Ministry of Culture in her country and directed several documentaries, including René (1993), Carmen Story (1999), My Lucky Star (2004) and Marcela (2007) all of them screened in the Focus held by Bafici in 2009. 190

República Checa - Czech Republic, 2015 101’ / DCP / Color & B&N Checo - Czech D, G: Helena Trestíková F: Miroslav Soucek, Vlastimil Hamerník, Robert Novák, David Cysar, Jirí Chod, Jakub Hejna E: Jakub Hejna S: Richard Müller M: Tadeás Věrcák P: Katerina Cerná, Pavel Strnad PE: Hana Trestíková CP: Negativ, Czech Television I: Mallory Neradová Contacto / Contact Negativ. Daniel Vadocky T +420 777 697 543 E [email protected] W negativ.cz

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trayectorias

Microbe et Gasoil Microbe & Gasoline Microbio y Gasolina Dos jóvenes amigos se embarcan en un viaje por la carretera a través de Francia en un vehículo construido por ellos mismos.

Two young friends embark on a trip the highway across France in a vehicle they built on their own.

Considérenla la anti-Supercool. Microbe et Gasoil es un retrato dulce, honesto y redondo de la amistad masculina adolescente, que favorece el optimismo por sobre la melancolía y, si bien no ignora el sexo, no está obsesionado con él. La película está filmada con oficio, pero casi no se ve el surrealismo típico de Gondry en cuadro. La creatividad que puso en imágenes la memoria borrable de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos y recreaba películas en Rebobinados existe, pero dentro de los personajes, y ahí hay suficiente chispa lúdica para convertir a Microbe et Gasoil en algo verdaderamente emocionante. Al contrario de Wes Anderson, cuyos dioramas impenetrables son maravillosos a su manera, la astucia estilística de Gondry surge del desastre que es la vida real. En algún lugar del paraíso fílmico, Microbe et Gasoil está yendo con Enid de Ghost World a visitar a Harold y Maude. Jordan Hoffman

Consider it an anti-Superbad. Microbe & Gasoline is a sweet, honest and rounded portrayal of male teenage friendship that favours optimism over melancholy, and while it doesn’t ignore sex, it isn’t obsessed with it. The film is craftily shot, but there’s almost no Gondry-esque surrealism evident in the frame. The creativity that visualised disappearing memory in Eternal Sunshine of the Spotless Mind and sweded films in Be Kind Rewind exists, but it’s within the characters, and that’s enough of a playful spark to make the movie a true thrill. Unlike Wes Anderson, whose airtight dioramas are wonderful in their own way, Gondry’s wily style grows from the mess of real life. Somewhere in movie paradise Microbe et Gasoil are taking a trip with Enid from Ghost World to visit Harold and Maude. JH

Michel Gondry Nació en Versailles, Francia, en 1963. Comenzó su carrera dirigiendo videoclips para Daft Punk y The Chemical Brothers, entre otros. Dirigió varios largos, entre ellos Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004), El avispón verde (2011) y La espuma de los días (2013). He was born in Versailles, France, in 1963. He started his career directing music videos for Daft Punk and The Chemical Brothers, among others. He directed many features, including Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004), The Green Hornet (2011) and Mood Indigo (2013).

Francia - France, 2015 / 105’ / DCP / Color Francés - French D, G: Michel Gondry F: Laurent Brunet E: Elise Fievet M: Jean-Claude Vannier P: Georges Bermann I: Ange Dargent, Théophile Baquet, Diane Besnier, Audrey Tautou Contacto / Contact The Festival Agency E [email protected] W thefestivalagency.com

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careers

Office Hua li shang ban zou Oficina El maestro hongkonés ofrece una transformación cinética, y deslumbrante de la exitosa obra Design for Living, de Sylvia Chang, en un espectacular film musical sobre las intrigas del mundo corporativo.

The Hong Kong master offers a cinematic and dazzling transformation of Sylvia Chang’s hit play Design for Living in a spectacular musical film about intrigues in the corporate world.

Solo Johnnie To puede hacer un musical sobre la crisis financiera y la competencia corporativa en China del que, sin canciones o coreografías destacables, no podamos despegar los ojos de la pantalla. La explosión de colores y el muy pertinente 3D conforman una fiesta. La cámara, elegante y lúdica, planea sobre la acción y desnuda la esencia del sistema, sin paredes que la oculten. Las relaciones al interior de una empresa, las pasiones y traiciones cruzadas nos inducen a pensar que nada es demasiado diferente en las grandes ligas de la economía, regidas más por la ambición y el chisme que por la inteligencia. El director de Election ha seguido, previsto y criticado la historia reciente de su país a través del cine de género. Ahora parece decirnos: cuando la recesión es inevitable, relájate y goza. Fernando E. Juan Lima

Only Johnnie To can make a musical about the financial crisis and corporate competitiveness in China in such a way that even if it has no outstanding songs or choreographies, we can’t take our eyes away from the screen. The explosion of colors and a very pertinent 3D invite us to a party. The elegant and lucid camera flies over the action and reveals the essence of the system, with no walls hiding it. The relationships within the company, the crossed betrayals and passions lead us to think nothing is too indifferent in the financial major leagues, which are ruled by ambition and gossip rather than intelligence. The director of Election has followed, foreseen, and criticized the recent history of his country through genre cinema. Now he appears to be saying: when recession is inevitable, relax and enjoy. FEJL

Johnnie To

Hong Kong / China, 2015 / 119’ / DCP 3D / Color Cantonés / Mandarín - Cantonese / Mandarin

Nació en Hong Kong en 1955 y comenzó su carrera como director de televisión. En 1966 fundó junto a su colaborador Wai Ka-fai la productora Milkyway Image. Entre sus largometrajes más destacados internacionalmente se encuentran Breaking News (2004), Election (2005), Exiled (2006), Mad Detective (2007) y Drug War (2012). He was born in Hong Kong in 1955 and began his career as a TV director. In 1966 he founded the production company Milkyway Image together with his partner Wai Ka-fai. Breaking News (2004), Election (2005), Exiled (2006), Mad Detective (2007) and Drug War (2012) are some of his internationally renowned films.

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D: Johnnie To G: Sylvia Chang F: Cheng Siu-keung E: David Richardson DA: William Chang, Yau Wai-ming S: Tu Duu-shin M: Dayu Lo, Chan Fai-young P: Johnnie To, Sylvia Chang PE: Liu Yan-ming, Bill Kong CP: Beijing Hairin Pictures co., LTD I: Eason Chan, Sylvia Chang, Lang Yue-ting, Chow Yun-fat, Tang Wei Contacto / Contact Edko Films. Olivia Leung T +852 2528 8065 E [email protected] W cinema.com.hk

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trayectorias

Right Now, Wrong Then Jigeumeun matgo geuttaeneun teullida Ahora bien, antes mal Hong Sang-soo realiza otro de sus ingeniosos juegos temporales, y cuenta dos variantes de la misma historia. Chunsu es un director de cine que llega a Suwon y conoce a Heejun, una pintora.

Hong Sang-soo performs another of his witty time games and tells two different versions of the same story. Chunsu is a film director who comes to Suwon and meets Heejun, an artist.

“¿Todos los directores de cine son iguales?”, pregunta alguien en la película. La respuesta, en lo que a Hong respecta, no es otra que “no”. Los encuentros y desencuentros entre un cineasta que llega a una ciudad para presentar su obra y una pintora local abren la puerta a dos historias posibles de lo que podría ser esa relación. Son los pequeños detalles –esos que se evidencian o se escapan cuando se ha bebido un poco de más– los que definirán que la deriva sea más dulce o más amarga. La conjunción de diálogos banales con reflexiones más profundas es perfecta, y los dos protagonistas la hacen suya al punto de operar más como un estándar que como restricción. Right Now, Wrong Then, como puede decirse de toda la obra de Hong, se conforma de sutiles e inteligentes variaciones sobre sus temas de siempre. Fernando E. Juan Lima

“Are all film directors alike?” someone asks during the film. The answer, as far as Hong is concerned, is none other than “no.” The encounters and disagreements between a filmmaker that arrives in the city to present his work and a local painter open the door to two possible stories of what that relationship could have been like. It’s the little details –those that become obvious or slip out when one has drunk a bit too much– that will define the drift as sweeter or bitterer. The combination of banal dialogue and deeper reflections is perfect, and the two stars make the film their own to the point of operating more like a standard than a restriction. Right Now, Wrong Then, as can be said about Hong’s entire work, is made up of subtle and intelligent variations on the usual subjects. FEJL

Hong Sang-soo Nació en Seúl, Corea del Sur, en 1960, y estudió cine en la Universidad de Chung-Ang. Dirigió varios films, entre los que se destacan Turning Gate (2002), Tale of Cinema (2005), Woman on the Beach (2006), Night and Day (2008), Hahaha (2009) y Oki’s Movie (2010), todas exhibidas en la retrospectiva que le dedicó el Bafici ‘13. He was born in Seoul, South Korea, in 1960, and studied film at the University of Chung-Ang. He directed several films, including Turning Gate (2002), Tale of Cinema (2005), Woman on the Beach (2006), Night and Day (2008), Hahaha (2009) and Oki’s Movie (2010), all of them screened in the retrospective of his work held by Bafici ‘13.

Corea del Sur - South Korea, 2015 / 121’ / DCP / Color Coreano - Korean D, G: Hong Sang-soo F: Park Hong-yeol E: Hahm Sungwon S: Kim Mir M: Jeong Yong-jin P: Kim Kyoung-hee CP: Jeonwonsa I: Jung Jae-young, Kim Min-hee Contacto / Contact Finecut. Namyoung Kim T +82 2569 8777 E [email protected] W finecut.co.kr

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careers

Sangue del mio sangue Blood of My Blood Sangre de mi sangre En un pasado lejano, la Iglesia intenta averiguar si una joven acusada de seducir y llevar al suicidio a su confesor mantiene un pacto con el diablo. En el presente, la película sigue la pista de un viejo vampiro que ve amenazada su existencia cuando un millonario intenta comprar su morada.

In a remote past, the Church tries to find out if a woman accused of seducing her confessor and leading him to suicide has a deal with the devil. In present day, the film follows an old vampire whose existence is threatened when a millionaire tries to buy his dwelling.

A estas alturas, el maestro Bellocchio se ha reinventado en varias ocasiones en su carrera. Con Sangue del mio sangue lo hace otra vez; ahora, en una excursión al mundo de la Inquisición. La vehemencia cinematográfica hermana a esta película con una tan distinta –y también vampírica– como Drácula, de Coppola. Ambos cineastas comprenden que estos personajes, estos misterios se abordan mejor desde un cine en ebullición, un cine apasionado, un cine que no teme encontrarse con la belleza en un río y un castillo de fondo musicalizados con una canción de Metallica. A la vez, es un cine prudente que sabe del poderío de una mujer desnuda. Un cine que no huye de las fealdades y los absurdos contemporáneos en un pasaje temporal no arbitrario sino libre. Un cine aristocrático en el mejor sentido de la palabra. Y nada más importa. Javier Porta Fouz

By now, the master Bellocchio has reinvented himself several times throughout his career. He did it once again with Blood of My Blood: a journey into the world of the Inquisition. Its cinematograhic vehemence relates this film to a very different one that is also vampire-related, such as Coppola’s Dracula. Both filmmakers understand that these characters, these mysteries, can be better addressed with a kind of boiling, passionate cinema; a kind of cinema that is not afraid of finding beauty in a river and a castle with a song by Metallica in the score. It’s also a prudent cinema that is aware of the power of a naked woman. It’s a cinema that doesn’t flee from contemporary ugliness and absurdity, and its passing of time is not arbitrary, but completely free. It’s an aristocratic cinema, in the finest sense of the word. And nothing else matters. JPF

Marco Bellocchio Nació en Italia en 1939, y estudió filosofía antes de dedicarse al cine. Entre sus largometrajes se destacan El diablo en el cuerpo (1986), L’ora di religione (Bafici ‘03), Buongiorno, notte (Bafici ‘04), Il regista di matrimoni (Bafici ‘07) y Vincere (2009; Bafici ‘10). He was born in Italy in 1939 and studied philosophy after turning to film. His films include Devil in the Flesh (1986), My Mother’s Smile (Bafici ‘03), Good Morning, Night (Bafici ‘04), The Wedding Director (Bafici ‘07) and Vincere (2009; Bafici ‘10).

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Italia / Francia / Suiza - Italy / France / Switzerland, 2015 106’ / DCP / Color / Italiano - Italian D, G: Marco Bellocchio F: Daniele Cipri E: Francesca Calvelli, Claudio Misantoni DA: Andrea Castorina S: Christophe Giovannoni M: Carlo Crivelli CP: Kavac Film, IBC Movie, Rai Cinema I: Roberto Herlitzka, Pier Giorgio Bellocchio, Lidiya Liberman, Fausto Russo Alesi, Alba Rohrwacher Contacto / Contact The Match Factory. Sergi Steegmann E [email protected] W the-match-factory.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

trayectorias

Schneider vs. Bax Un asesino a sueldo recibe una tarea que, a priori, le resulta sencilla: debe dar muerte a un escritor de 50 años que vive alejado de todo, en una cabaña junto a un lago. Pero nada será tan simple y ambos se encontrarán en un enfrentamiento inesperado.

A hit man gets a job that looks simple at first: he must kill a 50 year-old writer who lives away from everything in a cabin by a lake. But it won’t be so simple, and they will find themselves in an unexpected showdown.

Un título clarísimo. Un señor contra otro. Y un puñado de personajes que orbitan este enfrentamiento. Humor negro en enormes cantidades, con fluidez nítida y con la claridad del día, porque esta es una película de gran oscuridad temperamental, pero a plena luz, con aire y agua, que transcurre mayormente en un paraje aislado sacudido por el profesionalismo criminal de estos asesinos y por los vaivenes provenientes de diversos sentimientos. Van Warmerdam –nueve largometrajes en veinte años– renueva las credenciales de su mundo sorprendente y surreal, en el que nada es totalmente lo que parece aunque todo –también los cuerpos desnudos– está a la vista. El de Van Warmerdam es, a su modo, un cine de explosiones continuas, en el que la comedia define el rumbo de su singular proyecto cinematográfico. Javier Porta Fouz

A very clear title. One man against another. And a handful of characters who orbit this clash. Loads of black humor with a clean flow and as clear as the day, because this is a film with a great temperamental darkness, but in plain sight, with air and water, it takes place in a town stirred by the criminal professionalism of these assassins and the comings and goings of different feelings. Van Warmerdam –nine films in twenty years– renews the credentials of his surprising, surreal universe, in which nothing is entirely what it seems, although everything –including naked bodies– is visible. Van Warmerdam’s cinema is, in its way, a cinema of continuing explosions, where comedy defines the path of his singular cinematographic project. JPF

Alex Van Warmerdam Nació en Holanda en 1952 y fundó dos grupos de teatro en su país. Filmó su primera película, Abel, en 1986, a la que le siguen otras como Grimm (2003; Bafici ‘04), Los últimos días de Emma Blank (2009) y Borgman (2013). He was born in the Netherlands in 1952 and founded two theater companies in his country. He made his first film Abel in 1986, and directed several more, including Grimm (2003; Bafici ‘04), The Last Days of Emma Blank (2009) and Borgman (2013).

Holanda / Bélgica - Netherlands / Belgium, 2015 96’ / DCP / Color / Holandés - Dutch D, G, M: Alex van Warmerdam F: Tom Erisman E: Job ter Burg DA: Geert Paredis S: Peter Warnier P: Marc van Warmerdam CP: Graniet Film, CZAR I: Tom Dewispelaere, Alex van Warmerdam, Maria Kraakman, Gene Bervoets, Annet Malherbe Contacto / Contact Fortissimo Films T +31 206 273 215 E [email protected] W fortissimo.nl

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careers

Sunset Song Canción del atardecer Historia de una familia de campesinos escoceses integrada por cuatro hijos y una madre que viven bajo el autoritarismo de su padre. Un melodrama clásico contado desde el punto de vista de la hija mayor en su evolución de adolescente a mujer.

Story of a family of Scottish farmers formed by four children and a mother who live repressed under their father’s authoritarianism. A classic melodrama told from the point of view of the older sister during her evolution from teenager to woman.

Basada en una novela de Lewis Grassic Gibbon de título homónimo, la penúltima película del gran Terence Davies cuenta la historia de una joven mujer llamada Chris que vive con su familia bajo las órdenes de un padre autoritario al norte de Escocia. En este mundo rural y patriarcal es casi inadmisible para una mujer elegir su propia vida, y el modo en que Chris se abrirá camino es como mínimo escabroso (la ruptura con su padre) y quizás fallido (su matrimonio). Pero, más que el relato de una odisea personal en condiciones adversas, es un film contra la guerra. Davies no es un mero ilustrador de novelas, tiene la elegancia propia de un cineasta que jamás renuncia a la forma: véanse los cinco planos fijos con los que inicia el registro de un velorio o la conmovedora secuencia tras el nacimiento de los hermanos mellizos, mientras suena el clásico “Wayfaring Stranger”. Roger Koza

Based on a novel of the same name by Lewis Grassic Gibbon, the penultimate film by the great Terence Davies tells the story of a woman named Chris who lives with her family under the orders of an authoritarian father in northern Scotland. In this rural, patriarchal world, it’s almost unacceptable for a woman to choose her own life, and the way in which Chris will make her way is rough, to say the least (breaking up with her father) and maybe failed (breaking up her marriage). But, more than the story of a personal odyssey in adverse conditions, it’s an anti-war film. Davies doesn’t merely illustrate novels; he has the very elegance of a filmmaker that never renounces form, as can be seen in the five fixed shots with which he starts a scene at a wake, or in the moving sequence after the birth of the twin brothers while we hear the classic “Wayfaring Stranger.” RK

Terence Davies Nació en Liverpool, Inglaterra, en 1945. Dirigió la trilogía autobiográfica compuesta por los cortos Children (1976), Madonna and Child (1980) y Death and Transfiguration (1983), y largos como The House of Mirth (2000), Of Time and the City (2008) y The Deep Blue Sea (2011; Bafici ‘12). He was born in Liverpool, England, in 1945. He directed the autobiographical trilogy made up by the shorts Children (1976), Madonna and Child (1980) and Death and Tranfiguration (1983), and such features as The House of Mirth (2000), Of Time and the City (2008) and The Deep Blue Sea (2011; Bafici ’12).

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Reino Unido / Luxemburgo - UK / Luxembourg, 2015 135’ / DCP / Color / Inglés - English D, G: Terence Davies F: Michael McDonough E: David Charap DA: Andy Harris S: Loic Collignon P: Roy Boulter, Sol Papadopoulos, Nicolas Steil CP: Hurricane Films, BFI Film Fund, Iris Productions, BBC Scotland, Luxembourg Film Fund, Creative Scotland I: Peter Mullan, Agyness Deyn, Jack Greenlees, Kevin Guthrie, Ian Pirie Contacto / Contact Fortissimo Films T +31 206 273 215 E [email protected] W fortissimo.nl

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trayectorias

Últimas conversas Last Conversations Últimas conversaciones Les tocó a algunos colegas finalizar el emprendimiento que encaró Coutinho poco antes de su muerte, en el que intentó comprender a los adolescentes de la actualidad. Qué piensan, qué desean y cómo viven son solo algunos de los caminos recorridos en las conversaciones que encaró junto a estudiantes brasileros.

Some of his colleagues finished the enterprise Coutinho took on before his death, in which he attempted to understand teenagers today. What they think, what they want, and how they live are only some of the paths taken in the conversations he engaged in with Brazilian students.

Si de cineastas brasileños se trata, ninguno es tan cercano como Eduardo Coutinho, que una vez fumaba un cigarrillo tras otro en las escaleras de la Lugones a la espera de poder conversar con el público cuando vino al DocBuenosAires a presentar Jogo de cena (2007). Y justamente Últimas conversas se titula su conmovedora película póstuma, concluida por su amigo João Moreira Salles con la ayuda de la montajista de siempre del maestro, Jordana Berg. Basada en conversaciones entre jóvenes estudiantes brasileños y el director poco antes de su muerte, en febrero de 2014, la película trata de entender cómo piensan, sueñan y viven los adolescentes de hoy. El film no tuvo la atención que hubiera merecido, ni siquiera entre la crítica de América Latina, a pesar de que se trata de una suerte de summa de toda su obra. Luciano Monteagudo

There is no other Brazilian filmmaker as close as Eduardo Coutinho, who once chain-smoked on the stairs of the Leopoldo Lugones Theater while waiting to converse with the audience when he came to DocBuenosAires to present Playing (2007). And Last Conversations is the name of his moving posthumous film, which was finished by his friend João Moreira Salles with the help of the master’s usual editor, Jordana Berg. Based on conversations between young Brazilian students and the director, shortly before his death in February 2014, the film tries to understand how today’s teenagers think, dream and live. The film didn’t get the attention it deserved, not even among Latin American critics, even though it somehow summarizes his entire work. LM

Eduardo Coutinho Nació en San Pablo, Brasil, en 1933. Estudió en el Instituto de Altos Estudios de la Cinematografía de París. Dirigió los largometrajes Cabra marcado para morrer (1964-1984), Edificio Master (2002; Bafici ‘03), Jogo de cena (2007, Bafici ‘08) y Las canciones (2011; Bafici ‘12), entre otros. Falleció en 2014. He was born in Sao Paulo, Brazil, in 1933. He studied at the Institute for Advanced Cinematographic Studies in Paris. He directed Twenty Years Later (1964-1984), Edificio Master (2002; Bafici ‘03), Playing (2007, Bafici ‘08) and Songs (2011; Bafici ‘12), among other films. He died in 2014.

Brasil - Brazil, 2015 / 85’ / DCP / Color Portugués - Portuguese D, G: Eduardo Coutinho F: Jacques Cheuiche E: Jordana Berg DA: Emily Pirmez S: Denilson Campos P: João Moreira Salles PE: João Moreira Salles, Maria Carlota Bruno CP: Videofilmes Contacto / Contact Videofilmes. Maria Carlota Bruno T +55 213 094 0810 E [email protected]

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

careers

Un dia perfecte per volar A Perfect Day to Fly Un día perfecto para volar Padre e hijo se encuentran rodeados de un paisaje que los aleja de lo cotidiano. Un barrilete que se atasca entre los árboles es solo el puntapié inicial para una cantidad explosiva de aventuras narradas que son, en definitiva, una historia de amor de familia.

“Así y todo, ¿cuántos de nosotros luchamos para percibir realmente a nuestros propios hijos?”. La pregunta formulada por Stan Brakhage en los años sesenta recibe, en Un dia perfecte per volar, una réplica elemental y contundente. Porque el de Marc Recha es, entre otras cosas, un film sobre cómo percibimos el paso del tiempo simplemente al observar al hijo que crece. La excusa argumental es mínima: un hombre y un niño vuelan un barrilete y hablan, poco más. Con esta premisa, Recha logra rozar, desde lo familiar e íntimo, una esencialidad estremecedora en la que la conversación entre padre e hijo sirve para establecer el tempo del film; y el rostro de ese actor prodigioso que es Sergi López va modulando un tono que pasa de lo luminoso y despreocupado a un sombrío desenlace. Fran Gayo

Marc Recha Nació en España en 1970. A los 18 años viajó a París becado por el Departamento de Cultura de la Generalitat, donde colaboró en su primera película. Desde entonces ha realizado numerosos cortos y largometrajes, entre ellos Les Mansbuides (2003), Petitindi (2009) y Dies d’Agost (2006). He was born in Spain in 1970. At the age of 18 he travelled to Paris on a scholarship given by City’s Department of Culture, where he worked in his first film. Since then, he directed several short and feature-length films, including Where Is Madame Catherine? (2003), Little Indi (2009) and August Days (2006).

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A father and his son find themselves surrounded by a landscape that takes them away from everyday life. A kite getting stuck on a tree is just the trigger for an explosive amount of narrated adventures that, in the end, stand as a family love story.

“That being so, how many of us fight to really perceive our own children?”. The question posed by Stan Brakhage back in the ‘60s gets an elementary and solid answer in A Perfect Day to Fly. Because Marc Recha’s film is, among other things, one about how we sense the time passing by simply observing our children as they grow. The plot excuse is minimum: a man and a boy fly a kite and talk –that’s pretty much it. With this premise, Rocha’s familiar and intimate approach manages to braze a thrillingly essential element, in which a conversation between a father and his son sets up the film’s tempo. And the face of the remarkable actor Sergi Lopez modulates a tone that goes from luminous and unconcerned to a somber outcome. FG

España - Spain, 2015 / 70’ / DCP / Color Catalán - Catalan D, G: Marc Recha F: Hélène Louvart E: Belén López DA: Aitor Martos S: Pau Subirós M: Pau Recha P: Oriol Cortacans PE: Marc Recha CP: Batabat I: Roc Recha, Sergi López, Marc Recha Contacto / Contact Latido Films. Marta Hernando T +34 915 488 877 E [email protected] W latidofilms.com

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trayectorias

Inscripciones

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Inscriptions No creo que pueda decir algo demasiado significativo acerca de Inscripciones. Yo misma no entiendo mucho. Sé que la película viene de un lugar desconocido, viene de “afuera”, es una inspiración. Me pasa así con todas las películas que hago, no tengo conceptos predeterminados, van apareciendo como pueden. Sé que es una película que intenta decir algo sobre el nacimiento del lenguaje, del texto, de la palabra. Describe el texto como imagen y sentido. Y trata de abordar la necesidad –inherente al hombre– de construcción de sentido ante la invisibilidad existencial. Narcisa Hirsch I don’t think I can say anything too significant about Inscriptions. I don’t understand much myself. I know the film comes from somewhere unknown, that it comes from “outside,” that it’s an inspiration. This happens to me with all the films I make as I have no predetermined concepts; they appear the way they can. I know it’s a film that tries to say something about the birth of language, text, words. It describes text as image and sense. And it tries to address the need –inherent in mankind– to construct meaning in the face of existential invisibility. NH

Argentina, 2015 / 19’ / DM Color & B&N / Español - Spanish D, G, P: Narcisa Hirsch F: Narcisa Hirsch, Clara Frías, Daniela Muttis E: Clara Frías S, M: Nicolás Diab CP: La Medina Contacto / Contact La Medina. Narcisa Hirsch T +54 9 11 5021 1372 E [email protected]

Narcisa Hirsch Nació en Berlín, Alemania, en 1928, pero vive en Argentina desde muy pequeña. Es una de las mayores exponentes del cine experimental en nuestro país. En 2012, el Bafici le dedicó un foco en el que se exhibieron muchos de sus cortos y el largo El mito de Narciso (2011). She was born in Berlin, Germany, in 1928, but has lived in Argentina since she was very little. She is one of the main experimental filmmakers in this country. In 2012, Bafici did a focus where many of her shorts were shown, as well as the feature El mito de Narciso (2011).

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cinefilias cinephilias

APERTURA / OPENING PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

Cinephilias

Raoul Ruiz, contre l’ignorance fiction! Raoul Ruiz, Against Ignorance Fiction! Contra la ignorancia ficción, un retrato de Raoul Ruiz Alejandra Rojo esboza un retrato del cineasta chileno que se exilió en Francia durante el golpe de Estado del ‘73. Utiliza fragmentos de películas, entrevistas y testimonios para dar cuenta del hombre que creó una obra irónica e inclasificable.

Alejandra Rojo sketches a portrait of the Chilean filmmaker, who took up exile in France during the ‘73 coup d’état. He uses fragments from films, interviews and testimonies in order to account for the man who created an ironic, unclassifiable body of work.

La intimidad de Raoul Ruiz, el gran cineasta chileno, resulta apasionante: era un gran conversador, con conceptos muy claros, además de un gran amante de la comida y la bebida. Pero, además, Ruiz era un hombre sediento de conocimiento, que se plasmaba en su cine lleno de juegos con el tiempo, con la historia, con las formas. El film de Rojo nos muestra cómo el interés del cineasta por la ciencia se va plasmando en escenas, en personajes, en situaciones de sus películas. Resulta apasionante ver cómo la curiosidad del cineasta por el tiempo y su relatividad queda impresa una película como Tres vidas y una sola muerte (1996), por ejemplo. Rojo recoge una idea de Ruiz: la poesía se ha refugiado en la ciencia. Y este documental, con ideas y con cariño hacia el realizador, busca desentrañar esa poesía presente en su cine. Rodrigo Bedoya

The intimate life of the great Chilean filmmaker Raoul Ruiz is fascinating: he was a great talker, with very clear concepts, as well as a food and drink lover. But Ruiz was also a man thirsty for knowledge, something that you could notice on his films, which always played with time, history, and forms. Rojo’s film shows us how the filmmaker’s interest in science has traveled into the scenes, characters, and situations in his films. It’s fascinating to see how the filmmaker’s curiosity about time, and its relative nature, gets printed on a film like, for example, Three Lives and Only One Death (1996). Rojo picks up an idea from Ruiz: poetry has taken refuge in science. And this resourceful documentary, which shows its love for the filmmaker, seeks to unravel the poetry that is present in his films. RB

Alejandra Rojo Nació en Buenos Aires en 1966. Tiene un máster en Cine de la Universidad de París, donde da clase de guion y puesta en escena. Dirigió varios cortos y largos documentales. She was born in Buenos Aires in 1966. He has a Master’s in Film from the University of Paris, where she teaches screenwriting and filmmaking. She directed many shorts and documentary features.

Francia / Portugal - France / Portugal, 2016 63’ / DCP / Color & B&N Francés / Español / Portugués - French / Spanish / Portuguese D, G: Alejandra Rojo F: Jérôme Colin E: Isabelle Poudevigne S: Samuel Mittelman M: Jorge Arriagada P, PE: Delphine Moirel CP: Producción TS Productions I: Paulo Branco, Ricardo Pereira, Melvil Poupaud, Waldo Rojas, Jorge Arriagada Contacto / Contact TS Productions. Delphine Morel T +33 153 102 400 E [email protected]

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cinefilias

A glória de fazer cinema em Portugal The Glory of Filmmaking in Portugal La gloria de hacer cine en Portugal El 18 de septiembre de 1929, el escritor portugués José Régio le envió una carta a Alberto Serpa expresando su deseo de crear una compañía productora y empezar a hacer películas. Durante casi noventa años, no se supo nada más. Sin embargo, el descubrimiento de unos viejos rollos parece ponerle punto final a la historia. On September 18 th1929, José Régio sent a letter to Alberto Serpa expressing his desire to create a production company and start making films. For almost ninety years, nothing more was known about the outcome. However, the discovery of some old reels seems to provide the ending to the story. Manuel Mozos Nació en Lisboa, Portugal, en 1959. Dirigió largos de ficción como Quando troveja (1998) y 4 copas (2008), y documentales como Ruinas (2009; Bafici ‘10) y João Bénard da Costa - Outros amarão as coisas que eu amei (2014; Bafici ‘15).

Back Track

He was born in Lisbon, Portugal in 1959. He directed several fiction films, including Quando troveja (1998) and 4 copas (2008), and documentaries such as Ruinas (2009; Bafici ‘10) and João Bénard da Costa - Outros amarão as coisas que eu amei (2014; Bafici ‘15). Portugal, 2015 / 16’ / DCP / Color / Portugués / Portuguese D: Manuel Mozos G: Eduardo Brito, Miguel Dias F: Miguel Ângelo E: Tiago Ramiro, Ricardo Freitas S: Thiago Perry de Sampaio M: Joana Gama, Luís Fernandes P: Miguel Dias CP: Curtas Metragens CRL I: João Pontes, Pedro Cardoso, Samuel Mira, Sérgio Costa, Ricardo Leite Contacto / Contact Agencia - Portuguese Short Film Agency. Salette Ramalho T +351 252 646 683 E [email protected] W curtas.pt/agencia

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Una exhibición de brillantez técnica alrededor de un relato muy complejo armado con imágenes y sonidos de más de 25 películas. La trama está entretejida sin costuras, narrada completamente por una voz en off: una mujer y varios hombres (un escritor, un mujeriego, ¿un criminal?), todos irremediablemente bajo el hechizo de esa suerte de sirena. As how piece of technical brilliance involving a highly complex story woven out of images and sounds from over 25 feature films. The plot is seamlessly interwoven, narrated by an off-screen voice: a woman and several men (a writer, a womanizer, a criminal?), each hopelessly under the spell of the siren-like lady. Virgil Widrich

Austria, 2015/7’ / DCP 3D / B&N/Inglés - English D, G, E, P: Virgil Widrich F: Bernhard Schlick S: Frédéric Fichefet CP: Film and Multimedia Productions GmbH Contacto / Contact Sixpackfilm T +43 1526 0990 E [email protected] W sixpackfilm.com ~ widrichfilm.com

Nació en Austria en 1967. A los 13 años filmó sus primeras películas en Super 8 y dirigió varios cortometrajes, entre ellos Copy Shop (2001; Bafici ‘13). He was born in Austria in 1967. At the age of 13 he shot his first films in Super 8, and later directed several short films, including Copy Shop (2001; Bafici ‘13).

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cinephilias

Audaz se eleva Going Down: Erecting the Southern Porn Industry Un recorrido por la historia del porno –entre prejuicios, tabúes y mitos–, desde que se constituyó como género hasta que devino en industria. Y, de paso, un vistazo a las posibilidades de su desarrollo en Argentina.

A tour through the history of porn –among prejudice, taboos and myths–, from the moment it constituted itself as a genre until it became an industry. And, while we’re at it, a look on the chances of progressing in Argentina.

¿El cine pornográfico se inventó en Argentina? Técnicamente, parece que sí. O al menos eso piensa la gran cantidad de voces autorizadas que prestan testimonio a lo largo de este documental que recorre la historia de la industria triple X en el país. Hoy que el porno representa alrededor de un tercio del tráfico en Internet, los directores Torres Negri y Leiva intentan entender cómo fue que Argentina no terminó de posicionarse como un jugador clave en ese mercado, siendo que su historia en el rubro del cine condicionado es tan rica. De las insólitas maniobras realizadas para esquivar la censura en la época de la dictadura a la masificación del porno en la web, pasando por la explosión del VHS primero y el DVD después, cada etapa tiene su encanto y es relatada por directores, historiadores, sexólogos, actores, periodistas, activistas y demás personajes apasionados. Lucas Garófalo

Was porn film invented in Argentina? Technically speaking, it appears so. Or at least that’s what many authorized voices think when they lend their testimonies throughout this documentary, which covers the story of the local triple X industry. Today, with porn standing for around one third of all Internet traffic, filmmakers Torres Negri and Leiva try to understand how was it that Argentina failed to position itself in that market, being that it has such a rich history with that genre. From the incredible ways to avoid censorship during the dictatorship to the widespread growth of porn on the web, and including the VHS and DVD explosions, every phase has its charm, depicted by directors, historians, sexologists, actors, journalists, activists, and other passionate characters. LG

Mariano Torres Negri Nació en Buenos Aires en 1984. Es licenciado en Comunicación Audiovisual y trabaja en televisión desde 2006. Audaz se eleva es su ópera prima. He was born in Buenos Aires in 1984. He has a Bachelor’s Degree in audiovisual communication and has been working in the television industry since 2006. Going Down is his first feature.

Argentina, 2016 / 107’ / DM / Color Español - Spanish

Lisandro Leiva

D, G, E, P, PE: Lisandro Leiva, Mariano Torres Negri F: Mariano Torres Negri, Juan Pablo Bondi DA: Mariano Torres Negri, Martín Torres, Isa Crosta S: Daniel Celina CP: Big Pig Films I: Victor Maytland, Darío Sztajnszrajber, Juan Carlos Kusnetzoff, Malena Pichot, César Jones

Nació en Buenos aires en 1983. Es productor periodístico, y continúa su formación como psicoanalista. Audaz se eleva es su primer largometraje. He was born in Buenos Aires in 1983. He is a journalistic producer and continues studying psychology. Going Down is his first feature.

Contacto / Contact Big Pig Films. Mariano Torres Negri T +54 9 11 6003 1813 E [email protected] W bigpigfilms.com ~ audazseeleva.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cinefilias

El Perro de Ituzaingó Ituzaingó Dog Documental acerca del emblemático cineasta independiente Raúl Perrone, radicado en la localidad bonaerense del título.

A documentary about emblematic independent filmmaker Raúl Perrone, who lives in the area of greater Buenos Aires mentioned in the title.

El cine de Raúl Perrone es tan particular como adictivo. Su prolífica y heterogénea filmografía, su estética, su austeridad, su barrio, sus cielos, sus modos, sus métodos: todo Perrone en cine es admirable. Y en este documental, el español Patricio Carroggio –extasiado realizador haciendo cine sobre aquel objeto que lo extasía– se sumerge en el rodaje de Poema urgente para una perra hambrienta. Entonces mira (y admira) cómo trabaja un director cascarrabias, intolerante, obsesivo, gracioso e insoportable, pero ante todo maestro. Carroggio escucha, poco (como Perrone), pero escucha, y hace hablar a quienes trabajan con el argentino para que nos cuenten algo que no vamos a creernos del todo pero que, al final y mientras transcurre esta película, descubriremos que siempre fue y será verdad. Josefina García Pullés

Raúl Perrone’s films are as peculiar as they are addictive. Its prolific and heterogeneous body of work, his aesthetics, his austerity, his neighborhood, his skies, his ways, his methods: everything that is Perrone in film is admirable. And in this documentary, Spanish director Patricio Carroggio –a captivated filmmaker making a film about that object that captivates him- dives into the shooting of Poema urgente para una perra hambrienta. And he looks at (and admires) how a grumpy, intolerant, obsessive, funny, unbearable but, above all, masterful director works. Carroggio listens, not much (like Perrone), but he listens, and he makes those who work with the Argentine director tell us things we won’t fully believe, but that, in the end and also during this film, we will find out they were always true, and always will be. JGP

Patricio Carroggio Nació en Barcelona en 1979, donde estudió cine y televisión. Dirigió cortometrajes, documentales, video-danza, videoclips y animación. He was born in 1979 in Barcelona, where he studied film and television. He directed short films, video-dance pieces, music videos and animations.

Argentina, 2016 70’ / DM / B&N Español - Spanish D, G, F, E, DA, S, P, PE: Patricio Carroggio M: Carlos Masinger I: Raúl Perrone, Sofía Brito, Jose J. Maldonado Contacto / Contact Patricio Carroggio T + 54 9 341 677 4941 E [email protected] W patriciocarroggio.com

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Cinephilias

El último verano The Last Summer Cada noche de verano, en algunos pequeños pueblos de España, autóctonos y veraneantes se acercan a las plazas para vivir la experiencia de asistir a una proyección al aire libre en 35mm. Para que este evento sea posible, hay personas que trabajan sin descanso en jornadas que pueden ser las últimas.

Every summer night, in some Spanish towns, locals and tourists come together in parks to experience an outdoors 35mm screening. People work restlessly to make this possible in long days that can very well be their last.

El último verano, de Leire Apellaniz, tiene el peso material del documento que es y el aire lírico de una ficción épica que encuentra en la figura del perdedor resignado el drama anunciado de un fin de ciclo. Lo que se cuenta sin melancolía es aquello que se veía venir. La historia, que no puede ser más sencilla, es la de Miguel Ángel, una bestia tecnocrática en extinción que programa proyecciones en fílmico por pueblos de España. Pero lo que ilumina la película por dentro es la belleza forense con que Apellaniz nos muestra el inventario museográfico y verbal de un mundo que dejó de andar: lámparas de xenón, cruces de Malta, bobinas, empalmadoras. Cada cosa que se nombra o que se ve y se nombra por última vez. En esa despedida, El último verano es el primer recuerdo filmado de lo que ya no vuelve. Juan José Becerra

Leire Apellaniz’s El último verano carries the material weight of being a document, and the lyrical tone of an epic fiction that finds in the figure of a resigned loser the pre-announced drama of the end of an era. The film depicts without melancholy what they knew it would come. The very simple story is the one of Miguel Ángel, a technocratic, endangered beast who programs film screenings in small Spanish towns. Yet what actually sheds light on the film is the forensic beauty with which Apellaniz shows us the museographic and verbal inventory of a world that is not running anymore: xenon lamps, Maltese crosses, reels, splicers. A world of things that are mentioned or seen for the last time. In that farewell, The Last Summer is the first filmed memory of that which is gone. JJB

Leire Apellaniz

España - Spain, 2016 / 93’ / DCP / Color / Español - Spanish

Trabajó en numerosos festivales de cine, y actualmente es la responsable del Departamento Técnico del Festival de Cine de San Sebastián. Paralelamente, ha desarrollado una labor activa como productora en diversos proyectos audiovisuales a través de su productora Señor y Señora. She worked for several film festivals, and is currently in charge of the Technical Department of the San Sebastian Film Festival. At the same time, she has developed an active career as a producer for several audiovisual projects through her production company Señor y Señora.

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D, G, P, PE: Leire Apellaniz F: Javi Aguirre, Aritz Moreno E: Marcos Florez DA: S: Alazne Ameztoy CP: Señor y Señora S.L. Contacto / Contact Señor y Señora. Arkaitz Villar T +34 686 485 976 E [email protected] W senorysenora.es

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Cinefilias

El viento sabe que vuelvo a casa The Wind Knows I’m Coming Back Home Un cineasta llega a Chiloé –una de las islas más grandes de la costa chilena– y planea su próximo film. Entre audiciones y búsqueda de locaciones, se abre camino entre las historias que espía, mientras observa los vínculos y tensiones que flotan en el aire.

A filmmaker arrives in Chiloé –one of the largest islands in the Chilean coast– and plans his next film. Between auditions and location scouting, he makes his way through the stories he spies on, while observing the links and tensions that float in the air.

En el poema de Jorge Teillier que da título a esta película, el autor escribe la siguiente frase: “Un día, volveremos al primer fuego”. Fiel a este pedido, José Luis Torres Leiva realiza una película que reclama, para sí misma, una vuelta a las fuentes del cine y a cierta inocencia y simpleza perdidas. Una simpleza que, como los ríos tranquilos, esconde mucho más de lo que aparenta su calma superficie. No se trata aquí de utilizar las formas del documental como un truco cinematográfico (o, peor aún, un guiño para iniciados), sino de dejar a las historias que se cuentan –y a quienes las cuentan– ser las protagonistas. La aparición de Ignacio Agüero (uno de los mejores e inexplicablemente secretos directores de la actualidad) como narrador y disparador de la película termina de completar una obra que, al igual que el viento de Bresson, sopla adonde quiere. Marcelo Alderete

In the poem by Jorge Teillier that lends its title to this film, the poet writes the following phrase: “One day, we will return to the very first fire”. Remaining true to that request, José Luis Torres Leiva makes a film that claims for a return to the origins of cinema and a certain lost innocence and simplicity. A kind of simplicity that, as quiet rivers, hides a lot more than what its calmed surface shows. Here it’s not about using the forms of documentary as a film trick (or worse, a wink for the experts), but to let the stories themselves –and the people telling them– become the protagonists. The presence of Ignacio Agüero (one of the finest and inexplicably unknown directors today) as a narrator and trigger for this film completes a piece that, just like Bresson’s wind, blows in any direction it wishes to do so. MA

José Luis Torres Leiva Nació en Santiago de Chile en 1975. Dirigió numerosos cortos y documentales, como Ningún lugar en ninguna parte (2004), El tiempo que se queda (ganadora de la Competencia Cine del Futuro en el Bafici ‘07) y Tres semanas después (Bafici ‘11). Su primer film de ficción fue El cielo, la tierra y la lluvia (Bacifi ‘08). He was born in Santiago de Chile in 1975. He directed several short films and documentaries, including Ningún lugar en ninguna parte (2004), Women Workers Leaving the Factory (2005), The Time that Rests (winner of the Cinema of the Future section of Bafici ‘07) and Three Weeks Later (Bafici ‘11). The Sky, the Earth and the Rain (Bacifi ‘08) was his first fiction film.

Chile, 2016 / 103’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: José Luis Torres Leiva F: Cristian Soto E: José Luis Torres Leiva, Andrea Chignoli S: Roberto Espinoza P: Carolina Quezada PE: Catalina Vergara CP: Globo Rojo Producciones I: Ignacio Agüero Contacto / Contact Globo Rojo Producciones. Catalina Vergara T +56 996 530 493 E [email protected] W globorojoproducciones.cl

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Cinephilias

Favio: Crónica de un director Favio, Chronicle of a Director A mediados de 2009, Favio concedió una entrevista que permaneció inédita y en la que habló exclusivamente de cine. El resultado fue una clase magistral, y este documental la recupera, buscando echar luz sobre la mirada personal del realizador argentino.

In early 2009, Favio gave an interview that remained unreleased and in which he only talked about film. The result was a master class, and this documentary revives it, seeking to shed light on the Argentine filmmaker’s unique gaze.

Son pocos los emblemas de la cultura argentina capaces de apelar por igual al gusto elitista museístico y al gusto popular. Leonardo Favio fue sin dudas uno de ellos. Intempestivo, peronista y apegado a la liturgia de esta tierra, el mendocino fue un artista de todos los oficios pero, antes que nada, un cineasta. Así lo recupera Favio, crónica de un director: como un hombre de cine que se nutrió de la radio, la actuación y la música para construir el puñado de rapsodias con las que engalanó a nuestro cine. El testimonio de familiares, colaboradores y amigos reactualiza la imborrable estela de bohemia y genialidad detrás del gran Favio, cuya voz sobrevuela toda la película. Su vida, inmensa y lírica como sus personajes, encuentra así su merecido homenaje. Guido Segal (Catálogo 30° Festival de Mar del Plata)

There are very few icons in Argentine culture capable of appealing to both popular and elitist tastes. Leonardo Favio was undoubtedly one of them. An unseasonable Peronist attached to the liturgy of this land, the director, born in the province of Mendoza, was an artist at every craft but, above all, he was a filmmaker. This is how Favio: Chronicle of a Director recaptures him, as a man of film who fed from radio, acting and music in order to build up the handful of rhapsodies with which he adorned our cinematography. The testimonies from relatives, collaborators and friends updates the indelible tail of bohemia and genius behind the great Favio, whose voice overflies the entire film. This way, his life, as immense and lyrical as his characters, finds its well-deserved tribute. GS (30 th Festival de Mar del Plata Catalogue)

Alejandro Venturini

Argentina, 2015 / 120’ / DM / Color & B&N / Español - Spanish

Nacido en Lomas de Zamora en 1986, estudió dirección en la Universidad del Cine y se especializó en guion y cine documental. Dirigió el corto Elegía, además de videoclips y documentales televisivos. También trabajó en sonido y cámara en largos documentales como El otro fútbol (2012) y La del Chango (2014). He was born in Lomas de Zamora in 1986, studied filmmaking at the Universidad del Cine and specialized in screenwriting and documentary filmmaking. He directed the short Elegía as well as music videos and television documentaries. He also worked in the sound and camera departments in documentary features such as The Other Football (2012) and Take It from Chango (2014). 208

D, G: Alejandro Venturini F: Francisco De Santis, Sofía Rodrigo E: Lucas Ríos DA: Paloma Chiodo S: Manuel Pinto M: Iván Wyszogrod P: Paloma Chiodo PE: Paloma Chiodo, Alejandro Venturini CP: 2t Producciones I: Leonardo Favio, Zuhair Jury, Graciela Borges, Edgardo Nieva, Eliseo Subiela Contacto / Contact 2t Producciones T +54 9 11 5578 0271 E [email protected] W 2tproducciones.com.ar

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Cinefilias

Harold and Lilian. A Hollywood Love Story Harold y Lilian. Una historia de amor en Hollywood Harold y Lillian trabajaron en cientos de películas icónicas durante la edad de oro de Hollywood, incluyendo Piso de soltero, Los pájaros y El graduado. Pero sus contribuciones permanecen en gran medida sin acreditar.

Harold and Lilian worked in hundreds of iconic films during the golden age of Hollywood, including The Apartment, The Birds and The Graduate. But their contributions remain mostly unaccredited.

El cine nos enseñó que el amor auténtico debía ser turbulento. Devoto de los desencuentros y esclavo de la tragedia romántica. A pesar de que Harold y Lillian Michelson vivieron a los besos entre set y set, nunca creyeron en esa educación sentimental. Los alumnos rebeldes que estuvieron casados por más de seis décadas trabajaron en la industria de Hollywood con los monstruos más temibles: desde Cecil B. DeMille hasta Hitchcock. Harold trazaba las líneas que componían cada plano de una película en sus storyboards, Lillian realizaba las investigaciones históricas para que la ficción que se construyera en pantalla grande fuera verosímil. El documental de Daniel Raim evidencia, a través de entrevistas y dibujos monocromáticos, que las grandes historias de amor no siempre se encuentran delante de cámara. Maia Debowicz

Cinema has taught us true love must be turbulent, a devote follower of failed encounters and a slave to romantic tragedy. Yet despite Harold and Lillian Michelson spent their lives kissing each other on film sets, they never believed in that sentimental education. These rebel students were married for over six decades and worked in the Hollywood industry with the scariest monsters, from Cecil B. DeMille to Hitchcock. Harold drew the lines that formed every shot of a film on his storyboards, and Lillian performed the historic research that enabled big screen fiction to be credible. Through interviews and monochromatic drawings, Daniel Raim’s documentary proves great love stories not always happen in front of the camera. MD

Daniel Raim Estudió cine en el American Film Institute, y se dio a conocer en el 2000 cuando su corto The Man on Lincoln’s Nose estuvo nominado a un Oscar. Realizó documentales sobre algunos de los grandes nombres del Hollywood clásico. He studied film at the American Film Institute, and became known in 2000 when his short film The Man on Lincoln’s Nose was nominated for an Oscar. He directed documentaries about some of the great names of classic Hollywood.

Estados Unidos - US, 2015 / 96’ / DCP / Color Inglés - English D, G: Daniel Raim F: Battiste Fenwick, Daniel Raim E, P: Daniel Raim, Jennifer Raim S: Jason Tuttle M: Dave Lebolt I: Harold Michelson, Lillian Michelson, Gene Allen, Mel Brooks, Francis Ford Coppola, James D. Bissel Contacto / Contact Wide House. Dounia Georgeon T +33 153 950 464 E [email protected] W widehouse.org ~ haroldandlillian.com

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Cinephilias

Hitchcock/Truffaut Medio siglo después de la publicación del libro El cine según Hitchcock, de François Truffaut, Kent Jones invita a algunos realizadores (Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson, James Gray, Paul Schrader) a compartir sus pensamientos sobre el maestro del suspenso.

Half a century after the publication of the book Hitchcock, by François Truffaut, Kent Jones invites filmmakers (Martin Scorsese, David Fincher, Richard Linklater, Wes Anderson, James Gray, Paul Schrader) to share their thoughts on the master of suspense.

No pretendan encontrar aquí riesgo o búsquedas formales que se aparten de los cánones más difundidos del documental. Cuando se tiene un material como el de las famosas entrevistas que François Truffaut realizó a Alfred Hitchcock, no se necesita casi de nada más para tener una buena película. Los diálogos son la génesis del libro indispensable que los contiene, que apuró el último paso para que la crítica comprendiera lo que los espectadores ya sabían: que ese “realizador comercial” era un verdadero autor. Al audio de las charlas e imágenes de las películas de Hitchcock y Truffaut se suman opiniones de diversos directores. Martin Scorsese, Wes Anderson y Kiyoshi Kurosawa, entre otros, tratan de explicar la razón de la perenne actualidad y modernidad de la obra del creador de Vértigo. Fernando E. Juan Lima

Don’t enter this film expecting to find risk or formal approaches away from the most conventional canons of documentary filmmaking. When you’re dealing with material like the famous interviews François Truffaut did to Alfred Hitchcock, you practically don’t need anything else in order to come up with a good film. These dialogues are the genesis of the essential book that contains them, which helped critics understand what audiences already knew: that that “commercial filmmaker” was a true auteur. The film features audios from these encounters, images of Hitchcock and Truffaut and opinions by many directors. Martin Scorsese, Wes Anderson and Kiyoshi Kurosawa, among others, try to explain the reason why the work by the creator of Vertigo is always current and modern. FEJL

Kent Jones Nació en Estados Unidos, y es uno de los nombres fundamentales de la crítica contemporánea. Fue editor de la revista Film Comment y dirigió el documental Val Lewton: The Man in the Shadows (Bafici ‘06). También codirigió, junto a Martin Scorsese, A Letter to Elia (2010; Bafici ‘11) y fue jurado en el Bafici ‘09. He was born in the US, and is one of the founding names of contemporary criticism. He was the editor for the magazine Film Comment and directed the documentary Val Lewton: The Man in the Shadows (Bafici ‘06). He also co-directed, together with Martin Scorsese, A Letter to Elia (2010; Bafici ‘11) and at in the jury of Bafici ‘09.

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Estados Unidos / Francia - US / France, 2015 / 80’ / DCP / Color Inglés / Francés / Japonés - English / French / Japanese D: Kent Jones G: Kent Jones, Serge Toubiana E: Rachel Reichman M: Jeremiah Bornfield P: John Kochman, Daniel Battsek PE: Charles S. Cohen, Olivier Mille CP: Cohen Media Group, Artline Films, Arte France I: Alfred Hitchcock, François Truffaut, Wes Anderson, David Fincher, Martin Scorsese Contacto / Contact Cohen Media Group. Andrew Borden T +1 310 360 6448 E [email protected] W cohenmedia.net

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cinefilias

Mi hist(e)ria en el cine My Hist(e)ry in Cinema Harta del tiempo que le lleva realizar películas y de la dificultad para estrenarlas, María Victoria decide abandonar el oficio de directora cinematográfica para comenzar a filmar a su marido y a sus hijos. Este camino la llevará a reencontrarse con ella misma y con su pasión por el cine.

Sick of the time it takes to make a film and how hard it is to release one, María Victoria decides to leave her job as a film director and starts filming her husband and children. That road will take her to find herself and her passion for cinema again.

Basta de buscar subsidios, financiamiento, salas, horarios imposibles en butacas inexistentes: hacer cine independiente es una desgracia cuesta arriba. María Victoria Menis está agotada, y no encuentra la fuerza para hacer su próxima película. Sabe que estrenar es difícil y puede resultar poco reconfortante. ¿Por qué seguir filmando? Y si no halla la razón, ¿qué hacer luego de una vida dedicada al trabajo detrás de cámara? Esta vez le toca al cine seducirla a ella. Sus dudas y reproches la obligan a cuestionarse su vida profesional, pero es en los rincones más privados de su cotidianeidad donde se ensayan las respuestas. Menis busca y se topa con el reflejo de su trabajo que parece decirle, una y otra vez, que se puede perder un poco el rumbo, la paciencia e incluso la esperanza pero, cuando existe, la pasión puede barrer con todo lo demás. Sol Santoro

Enough with seeking grants, financing, theaters, and impossible showtimes in non-existent seats: making independent movies is an uphill misfortune. María Victoria Menis is exhausted, and can’t seem to find the strength to make her new film. She knows that opening a film is difficult and can prove to not be comforting. Why keep filming? And if she doesn’t find the reason, what is there to do after a life devoted to working behind the scenes? This time, cinema has to seduce her. Her doubts and reproaches force her to question her professional life, but it is in one of the most private corners of her everydayness that the answers start to appear. Menis seeks and bumps into the reflection of her work, which seems to tell her, once and again, that one can lose their way, patience and even hope, but, when it exists, passion can sweep away everything else. SS

María Victoria Menis Nació en Argentina y estudió cine en la ENERC. Es guionista de cine, teatro y televisión y se dedica a la docencia en la Universidad de Buenos Aires, Enerc y Escuela de Cine de Avellaneda. Dirigió algunos largometrajes, como Los espíritus patrióticos (1989), El cielito (2004) y La cámara oscura (2008). She was born in Argentina and studied film at ENERC. She writes scripts for film, theater, and TV, and works as a teacher at the University of Buenos Aires, ENERC, and the Avellaneda Film School. She directed several films, including Los espíritus patrióticos (1989), Little Sky (2004) and The Camera Obscura (2008).

Argentina / España - Argentina / Spain, 2016 64’ / DCP / Color / Español - Spanish D: María Victoria Menis G, PE: María Victoria Menis, Cecilia Menis F: Franca González E: Florencia Efron S: Martín Grignaschi M: Tomás Becú P: Nadia Martínez CP: Todo Cine SA I: María Victoria Menis, Cecilia Menis, Franca González, Saul Cherñajovsky, Rosa Cherñajovsky Contacto / Contact FilmsToFestivals. Gisela Chicolino T +54 9 11 5181 1740 E [email protected] W filmstofestivals.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Cinephilias

O espectador espantado The Amazed Spectator El espectador espantado El director portugués realiza una investigación sobre el espectador, que abarca desde El ciudadano vista en un teléfono móvil hasta un partido de fútbol proyectado en una sala de cine, mezclados con entrevistas a críticos, directores y cinéfilos.

The Portuguese filmmaker investigates spectators, ranging from Citizen Kane watched on a smartphone to a soccer match projected in a film theater, mixed with interviews to critics, filmmakers, and cinephiles.

El cine constantemente adquiere nuevas formas; se desarma para reorganizarse sobre nuevos ejes y al mismo tiempo, como reflejo y rastro de ese carácter mutante, cría, instruye y define a diversos tipos de espectadores. O espectador espantado actualiza la pregunta “¿qué es el cine?” al retratar las huellas y seguir los caminos marcados por diferentes obsesiones, que aparecen en forma de testimonios, detonadas desde la sala. Las imágenes de un público de fantasía que grita, se transforma y estalla desde la butaca, tomadas como si fueran una subjetiva de las propias películas que observan las reacciones de las criaturas que generan, portan un espesor onírico que, más allá de expresar la materialidad de los sueños, parece preparado para volverlas pesadilla en cuanto se lo proponga. Aldo Montaño

Cinema constantly gains new forms; it disarms and reorganizes itself on new grounds, and at the same time it raises, educates, and defines different kinds of spectators, as a reflection and trace of that mutant nature. The Amazed Spectator updates the question “What is cinema?” by depicting the tracks and following the roads marked by different obsessions triggered from the theater, which are here featured in the shape of testimonies. The images of a fantasy audience that screams, transforms, and explodes in their seats are captured as POV shots of the films themselves, as if they were watching the reactions of children. They carry a dreamy density that express the material element of reams, while also appear to be ready to turn them into nightmares as soon as they feel like it. AM

Edgar Pêra Nació en Portugal en 1960. Dirigió numerosos cortos y largometrajes, entre los que se destacan O Barão (2011) y 3x3D (junto a Jean-Luc Godard y Peter Greenaway; 2013, Bafici ‘14). He was born in Portugal in 1960. He directed several short and featurelength films, including O Barão (2011) and 3x3D (together with Jean-Luc Godard and Peter Greenaway; 2013, Bafici ‘14).

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Portugal, 2015 / 70’ / DCP 3D / Color & B&N Portugués / Inglés / Francés - Portuguese / English / French D, G, E: Edgar Pêra F: Luís Branquinho DA: Ricardo Preto S: Vasco Carvalho, Pedro Ribeiro, Pedro Marinho M: Artur Cyanetto, Jorge Prendas P, PE: Rodrigo Areias CP: Bando À Parte I: Laura Mulvey, Eduardo Lourenço, Augusto M. Seabra, Olaf Möller, Laura Rascaroli Contacto / Contact Bando À Parte. Carlos André T +35 1 253 094 489 E [email protected] W bandoaparte.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Cinefilias

Porno e libertà Porn to Be Free Porno y libertad A partir de material de archivo y entrevistas, este documental cuenta de forma lúdica la revolución sexual y el auge de la pornografía que se produjo en Italia en los años setenta y ochenta, donde se daban cita batallas por las libertades políticas, culturales y personales.

De entre todos los géneros, sin duda el más vilipendiado es el porno. La eclosión erótica de los años setenta es la base firme sobre la que se para Porno e libertà, documental acerca del desarrollo del porno italiano. Con las pieles llegó la conmoción: ni bien Italia liberó las cadenas del conservadurismo, su cine implosionó a puros autores insólitos, pubis peludos y un desparpajo vanguardista. Faltaba poco para que la Cicciolina bajase desde Hungría y se echara a rodar la más importante revolución sexual de la historia. Por eso, amantes de la carne sobre carne, hedonistas del mete y saca, pornógrafos cachonderos, sepan que Porno e libertà rastrea una génesis posible, analiza su evolución y la exprime vía archivos genitales y testimonios reparadores. Y que, si bien se trata de un trabajo de rigor histórico, no renuncia al bendito arte de calentar. Hernán Panessi Carmine Amoroso

Through stock footage and interviews, this documentary playfully tells of the sexual revolution and the rise of porn that took place in Italy in the late ‘70s and ‘80s, where battles for political, cultural and personal freedoms took place.

There is no doubt that the most vilified of all genres is porn. The erotic eclosion of the ‘70s is the solid base where Porn to Be Free, a documentary about Italian porn, stands. With flesh came commotion: as soon as Italy became free from the chains of conservatism, its cinema imploded by way of weird auteurs, hairy pubic areas and an avant-garde impudence. It wouldn’t be long until the Cicciolina came down from Hungary and carried out the most important sexual revolution in history. That is why you, lovers of flesh on flesh, hedonists of ins and outs, horny pornographers, should know that Porno e libertà traces a possible genesis, analyzes its evolution and displays it through genital archives and comforting testimonies. And that, even though it’s a work if historical rigor, it doesn’t renounce the holy art of making you horny. HP

Italia - Italy, 2016 / 78’ / DCP / Color & B&N / Italiano - Italiano

Nació en Italia en 1963, y en sus comienzos trabajó como asistente de dirección de Mario Monicelli, entre otros. Debutó como realizador con Come mi vuoi (1997). Actualmente enseña dirección y dramaturgia en el Centro Experimental de Cinematografía de Roma. He was born in Italy in 1963. In his beginnings, he was assistant director to Mario Monicelli, among others. He made his directorial debut with As You Want Me (1997). He currently teaches filmmaking and play-writing at Rome’s Experimental Film Center.

D, G: Carmine Amoroso F: Paolo Ferrari M: Fabrizio Fornaci P: Patrizia Zoratti, Paolo Ferrari, Carmine Amoroso CP: Zutfilm SRL I: Riccardo Schicchi, Lasse Braun, Ilona Cicciolina Staller, Judith Malina, Giuliana Gamba, Helena Velena Contacto / Contact Wide House. Dounia Georgeon T +33 153 950 464 E [email protected] W widehouse.org

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Cinephilias

Saru. Documental sobre Jorge Sarudiansky Saru. Documentary about Jorge Sarudiansky Retrato de Jorge Sarudiansky (Saru, para los amigos), uno de los grandes escenógrafos argentinos que, a lo largo de más de cuarenta años, ha realizado alrededor de cien puestas teatrales innovadoras.

A portrait of Jorge Sarudiansky (his friends call him Saru), one of the greatest Argentine set designers, who has made around a hundred innovative theater sets in the last forty years.

Jorge Sarudiansky fue un grande (murió en 2009), uno de esos valiosos artífices de la cultura que suelen pasar inadvertidos, que suelen quedar en un segundo plano. Sarudiansky descolló y dejó su impronta como escenógrafo teatral, director de arte en cine y hombre clave del diseño gráfico y la publicidad argentina. ¿Cuál era el secreto? “Lápiz, papel, culo y silla. Lo demás, no existe”, afirma entre risas él mismo en una de las primeras frases sueltas de Saru. Porque la película de Alejandra Isler no solo cuenta con los testimonios de amigos, colegas y allegados íntimos, sino también con declaraciones y entrevistas del propio Sarudiansky comentando las películas en las que participó, sus piezas de diseño gráfico o las fotos del álbum familiar. Muerto en 2009, Saru es un retrato tan sentido como exhaustivo de una mente brillante de la cultura argentina. Matías Capelli

Jorge Sarudiansky was a great man (he passed away in 2009), one of those precious architects of culture that are usually underrated and left in the background. Sarudiansky excelled and left his mark as a stage designer in theater, an art director in film, and a key figure of Argentine graphic design and advertising. What was his secret? “Pen, paper, and ass on the chair. The rest doesn’t matter”, he himself states laughing in one of the first statements in “Saru”. Because Alejandra Isler’s film includes not only the testimonies of friends, colleagues and people close to him, but also statements and interviews of Sarudiansky himself, commenting on the films he worked on, his graphic design pieces, or pictures from his family album. Saru is both a heartfelt and thorough portrait of this brilliant mind of Argentine culture. MC

Ale Isler Nació en Buenos Aires en 1975. Es licenciada en artes combinadas en la UBA, también estudió diseño industrial y cursó estudios de escenografía con el arquitecto Gastón Breyer. Realizó varios cortos documentales y dictó cursos en diversas instituciones. She was born in Buenos Aires in 1975. A Combined Arts graduate from UBA, she also studied industrial design and attended set design courses by architect Gaston Breyer. She directed several documentary short films and taught courses in different institutions.

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Argentina, 2016 / 74’ / DM / Color / Español - Spanish D, DA, P: Ale Isler G: Roberto Barandalla, Ale Isler F: Paula Grandío E: Gustavo Codella S: Leandro de Loredo PE: Miranda De Sá Souza CP: Habitación 1520, Mandrágora I: Jorge Sarudiansky, María Julia Bertotto, Félix Chango Monti, Daniel Wolkovich, Marcelo Salvioli Contacto / Contact Ale Isler T +54 9 11 5160 4886 E [email protected] W aleisler.com

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Cinefilias

Sin dejar rastros Without a Trace La ópera prima de Kartaszewicz retrata la vida y obra del cineasta Quirino Cristiani (1896-1984), animador, dibujante e historietista ítalo-argentino, creador de El apóstol (1917), primer largometraje de animación del mundo, cuya obra se ha perdido casi por completo.

Kartaszewicz’s first film depicts the life and work of filmmaker Quirino Cristiani (1896-1984), an Italian-Argentine animator, drawing artist, and comic book writer who created the world’s first animated film El apóstol (1917), and whose work is now almost entirely lost.

Además de la birome y el sistema dactiloscópico, en Argentina nació el primer largometraje animado de la historia. El apóstol se estrenó en 1917, y sus 58.000 cuadros llevaban la firma de Quirino Cristiani, quien no solo fue un pionero de los dibujos animados, sino que también fundó el primer campo nudista de Sudamérica. Recortando figuras en cartulinas negras y uniendo con hilo las articulaciones de los personajes, logró que los dibujos sacudieran el esqueleto al ritmo de una canción (porque también fue el responsable de crear el primer largometraje de animación sonoro en 1931). “Disney es grande, pero yo fui el primero”, afirmó el caricaturista que se dio el lujo de rechazar una oferta laboral del Tío Walt. Sin dejar rastros timonea un barco pirata que busca aquellos tesoros de Cristiani que se perdieron en un incendio como el de la biblioteca de Alejandría. Maia Debowicz

Together with the rolling pen and the fingerprinting system, Argentina was also the home of the first animated film in history. The Apostle was released in 1917 and the 58.000 frames were signed by Quirino Cristiani, who was not only a cartoon pioneer, but also the founder of the first nudist farm in South America. Clipping figures in black poster board and sewing their limbs together, he managed to make the cartoons dance to a song –he was also responsible for the first animated film with sound in 1931. “Disney is big, but I was the first one,” said this cartoonist who even rejected a job offer from Uncle Walt. Without a Trace navigates a pirate ship in search of those Cristiani treasures that were lost in a fire like the one in the Alexandria library. MD

Diego Kartaszewicz Nació en Argentina en 1981. Estudió cine y se graduó en el CIEVYC en 2006. Actualmente se desempeña como productor y realizador audiovisual en el Centro de Producción Audiovisual de Quilmes, abocado fundamentalmente a la realización de documentales. He was born in Argentina in 1981. He studied filmmaking and graduated at CIEVYC in 2006. He is currently a producer and director at the Quilmes Audiovisual Production Center, where he mainly works with documentaries.

Argentina, 2015 / 66’ / DM / Color & B&N Español - Spanish D, G, S: Diego Kartaszewicz F: Esteban Corti, Luis Reggiardo E: Valeria Racciopi DA: Roberta Sánchez M: Guillermo Sniezyk P, PE: Roberta Sánchez CP: 16:9 Cine I: Manuel García Ferré, Héctor Cristiani, Raúl Manrupe, Natacha Mell, Norberto Galasso Contacto / Contact 16:9 Cine. Roberta Sánchez T +54 11 4941 7822 E [email protected] W 169cine.com ~ sindejarrastro.wix.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Cinephilias

Sipo Phantasma Ghost Ship Barco fantasma Personas y personajes como Oscar Wilde, Murnau y Nosferatu realizan un viaje a bordo de un crucero, navegando entre historias de naufragios, fantasmas, amores y vampiros, mientras dejan que el espectador establezca los nexos entre las voces y los capítulos que conforman la película.

People and characters like Oscar Wilde, Murnau, and Nosferatu take a trip on a cruise liner, sailing through stories of shipwrecks, ghosts, love affairs and vampires, as they let the viewer establish the links between the voices and the episodes that form this film.

Bienvenidos al primer crucero de una hora de duración. Las paradas: Murnau, Nosferatu, Stoker y Wilde, entre otras. Póngase cómodo y déjese llevar por Almandoz, capitán-director de esta original travesía cinéfila, y disfrute de sus paisajes y espectáculos. Conozca relatos perdidos en el tiempo y personajes olvidados. Como un collage narrativo y visual, Sipo Phantasma experimenta con variedad de registros y estilos para entrelazar historias de romances, venganzas, pérdidas y descubrimientos, en un recorrido literario y cinematográfico entre el misticismo y la anécdota, el hecho y la invención. Un viaje tan breve como atrapante a través de un océano de espejos e ilusiones, lo que es decir a través del cine. Emiliano Andrés Cappiello

Welcome to the first one-hour cruise. The stops: Murnau, Nosferatu, Stoker and Wilde, among others. Brace yourself and get carried away by Almandoz, captain-director of this highly original cinephile journey, and enjoy its landscapes and spectacles. Learn about forgotten characters and tales lost in time. Like visual and narrative collage, Sipo Phantasma experiments with a variety of formats and styles in order to intertwine tales of romance, revenge, loss and discovery, in a literary and cinematic journey between mysticism and anecdote, between fact and invention. A brief but absorbing journey through an ocean of mirrors and illusions, that is, through film. EAC

Koldo Almandoz Nació en San Sebastián en 1973. Estudió periodismo y comunicación audiovisual; trabajó en radio y estudió cine en Nueva York. Realizó varios cortometrajes, y es bajista de la banda de garage punk Gora Gora Kids. He was born in San Sebastian in 1973. He studied journalism and audiovisual communication; he worked in radio and studied film in New York. He directed several short films, and plays bass in the garage punk band Gora Gora Kids.

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España - Spain, 2016 67’ / DCP / Color Español - Spanish D, G: Koldo Almandoz F: Javier Agirre, Koldo Almandoz E: Laurent Dufreche DA: Teatro Taun Taun S: Laurent Dufreche, Haimar Olaskoaga M: Mediavox P, PE: Marian Fernández CP: Txintxua Films I: Florence Balcome, Maider Intxauspe Contacto / Contact Txintxua Films T +34 943 393 380 E [email protected] W txintxua.com

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Cinefilias

Solos Alone Cuatro jóvenes viajan en una camioneta por pueblos perdidos de la selva, llevando una pantalla inflable y equipos necesarios para proyectar películas en lugares recónditos del país.

A group of four young people travel in a van through deserted jungle towns, carrying an inflatable film screen and the necessary equipment to screen films in remote places in the country.

Cuatro amigos, una camioneta, una pantalla inflable y la voluntad de proyectar cine independiente en pequeños pueblos de la Amazonia peruana: unos pocos datos que apenas constituyen el andamiaje argumental de esta road movie. Hay, por supuesto, comentarios al pie sobre el consumo de cine en zonas inhóspitas, sobre la posibilidad de generar espacios que gambeteen la lógica de las multisalas. Pero son apenas vías tangenciales de una película que transmite algarabía y vitalidad, transformando su aventura romántica de objetivos cinéfilos en una delicada épica sobre la amistad. Solos se parece demasiado al “viaje” de MDMA que se pegan sus personajes en pleno corazón selvático. Y comprueba que sí vale la pena darles duro a los deseos personales aunque no sea más que para disfrutar del recorrido. Eduardo D. Benítez

Four friends, a truck, an inflatable projection screen, and a will to screen independent cinema in small towns in the Peruvian Amazon: these are the few pieces that form the plot structure of this road movie. There are, of course, footnote comments about film watching in deserted areas, and the possibility of creating places that dribble from the multiplex logic. But these are merely tangential direction in a film that expresses joy and vitality, transforming this romantic, cinephile adventure into a delicate epic story about friendship. Alone looks too much like the MDMA “trip” the characters take in the middle of the jungle. And it proves putting your energy into personal dreams is always worth it, even if it’s just to enjoy the ride. EDB

Joanna Lombardi Nació en Perú, y dirigió el cortometraje De noche (2009) y el largometraje Casadentro (2013). She was born in Peru, and directed the short film De noche (2009) and the feature-length film Casadentro (2013).

Perú / Francia - Peru / France, 2015 92’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G: Joanna Lombardi F: Inti Briones E: Eric Williams DA: Daniela Talavera S: Rosa María Oliart P: Tondero Films PE: Miguel Valladares CP: Tondero Films, El Árbol Azul I: Wendy Vásquez, Alberto Rojas Apel, Rodrigo Palacios, Diego Lombardi Contacto / Contact EZ Films. Ray Meirovitz T +33 953 698 094 E [email protected] W ez-films.com/solos ~ tondero.com.pe

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Cinephilias

The 1000 Eyes of Dr. Maddin Los 1000 ojos del Dr. Maddin Documental que se adentra en la cabeza del inclasificable director de cine canadiense Guy Maddin, un fanático del cine mudo, el melodrama y el espiritismo. La cámara de Montmayeur se cuela entre bastidores durante la realización de su última película, The Forbidden Room.

A documentary that enters into the mind of unclassifiable Canadian filmmaker guy Maddin, who is a fan of silent cinema, melodrama, and séance. Montmayeur’s camera goes behind the scenes during the making of his latest film The Forbidden Room.

“Me gustaría que la gente mirara películas así como escucha música, sin preguntarse qué significa”, dice Guy Maddin a poco de empezar el documental, y el director Yves Montmayeur se ocupa de ampliar esa discografía que conforman las películas del canadiense sin tocar el sentido, dejando el misterio intacto. Lo hace sumando otras voces al coro: George Méliès, John Waters, Isabella Rossellini, Jack Smith, Udo Kier, Fritz Lang, Buñuel y los hermanos Quay parecen acá contemporáneos en el contrapunto que entra y sale del cine, pero, claro, nunca sale del todo. Ejemplo: Maddin escuchaba en el habla de las mujeres islandesas de su familia los ecos de los personajes de Josef von Sternberg, y eso, más que explicar la dicción extrañada de sus propias películas, habla de un cuerpo configurado por el cine al punto de imaginarse como un médium. Marina Yuszczuk

“I would like that people would watch films the same way they listen to music, without asking themselves what does it mean”, says Guy Maddin at the beginning of the documentary, and director Yves Montmayeur expands the discography formed by the Canadian director’s films without tampering with their meaning, and leaving the mystery intact. He adds voices to the choir: George Méliès, John Waters, Isabella Rossellini, Jack Smith, Udo Kier, Fritz Lang, Luis Buñuel, and the Quay Brothers are featured here as contemporaries in the counterpoint that walks in and out of cinema without ever exiting completely. For example: Maddin heard in the voices of the Islandic women from his family the echoes of characters by Joseph con Sternberg, and that expresses not so much the reason behind the strange diction of his films as the notion of a body that is configured by cinema up to the point of imagining itself as a psychic. MY

Yves Montmayeur Nació en Francia en 1973, y dirigió numerosos largos documentales; entre ellos, Yakuza eiga: Une histoire secrete du cinema japonais (2008; Bafici ‘09). He was born in France in 1973, and directed several documentary features, including Yakuza eiga: Une histoire secrete du cinema japonais (2008; Bafici ‘09).

Estados Unidos / Francia - US / France, 2015 / 65’ DM / Color & B&N / Inglés - English D, G, F: Yves Montmayeur E: Fabien Bouillaud S: Stéphane Lévy P: Thierry Tripod PE: Thierry Tripod, Cédric Delport, Damien Le Boucher CP: BrainWorks I: Guy Maddin, Kenneth Anger, Udo Kier, Isabella Rossellini, John Waters Contacto / Contact Taskovski Films. Jasmina Vignjevic T +387 65 659 214 E [email protected] W taskovskifilms.com

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Cinefilias

Todo comenzó por el fin It All Started at the End El Grupo de Cali, con Luis Ospina a la cabeza, se da a la tarea de autorretratarse. Recorriendo su propia historia, se topa una vez más con los complejos años setenta y ochenta, momento en que se forjaron films fundamentales para comprender la historia cinematográfica de Colombia.

The Cali Group, with Luis Opina at the top, decides to make a self-portrait. By going through their own past history, they run into the complex ‘70s and ‘80s, the time when the films essential to understand Colombia’s cinema were forged.

Nunca se está más vivo que cuando se teme a la muerte. Frente a esta posibilidad, Luis Ospina decide revisitar sus recuerdos. La historia clínica da pie a la historia personal, y ésta a la historia de un tiempo, una ciudad, un país y una cinefilia. Las figuras de Andrés Caicedo, Carlos Mayolo y el propio Ospina (único sobreviviente de la legendaria tríada) estructuran este documental en el que unas vidas son inseparables de las obras. El pasado –en blanco y negro– y el presente –en colores– se mezclan para dar cuenta de un colectivo de artistas (el grupo de Cali, o Caliwood, como lo llamaban algunos) que, a partir de la década del setenta, entre drogas, alcohol y rumba, delinearon una estética en literatura, cine, teatro y artes plásticas, marcando así el camino de toda una generación. Marina Locatelli

You’re never more alive than when you fear death. Facing this possibility, Luis Ospina decides to revisit his memories. His clinical history triggers his personal history, which in turn enables the history of a time, a city, a country, and a cinephilia. The figures of Andrés Caicedo, Carlos Mayolo, and Ospina himself (the sole survivor of this legendary triad) structure this documentary in which lives are inseparable from their work. A black and white past and a colored present day blend together to depict a group of artist (the Cali group, or Caliwood, as some people called it) who –amidst drugs, alcohol, and partying– sketched out a particular aesthetics in literature, film, theater and art, back in the early ‘70s. ML

Luis Ospina Nació en 1949 en Cali, Colombia. Realizó, entre otras películas, Purasangre (1982), Soplo de vida (1999) y Un tigre de papel (2007), que se proyectó junto a otros de sus films en el foco que le dedicó el Festival en 2008. Desde el 2009 se desempeña como director artístico del Festival Internacional de Cine de Cali. Born in 1949 in Cali, Colombia. He directed several films, including Pure Blood (1982), Breath of Life (1999) and A Paper Tiger (2007), which was screened among other films by him in the Focus held on his work by the Festival in 2008. Since 2009 he is the artistic director of the Cali International Film Festival.

Colombia, 2015 / 208’ / DCP / Color & B&N Español - Spanish D, G, P: Luis Ospina F: Francisco Medina E: Gustavo Vasco, Luis Ospina S: Isabel Torres M: Camilo Sanabria, Franz Schubert, Johnny Pacheco & Rolando Laserie, Los Speakers, Junior Jein, Bloque de Búsqueda PE: Sasha Quintero Carbonell I: Luis Ospina, Carlos Mayolo, Beatriz Caballero, Rosaro Caicedo, Sandro Romero Rey Contacto / Contact Luis Ospina T +57 1 285 9912 +57 320 834 7905 E [email protected] W luisospina.com ~ porelfin.com

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Cinephilias - Charlie Lyne

Beyond Clueless Más allá de Ni idea Narrada por la ex estrella de culto adolescente Fairuza Balk, esta película-collage pone a la secundaria de Hollywood bajo el microscopio, a través de material de archivo de más de 200 fragmentos de películas americanas de high school.

Narrated by former cult teen star Fairuza Balk, this collagefilm places Hollywood high schools under the microscope, through archive footage from more than 200 American high school movies.

El romance entre el cine y la adolescencia comenzó a tomar forma en la década del cincuenta, en algún punto entre Marlon Brando, James Dean y Bill Halley. En los ochenta cobró fuerza inusitada de la mano de John Hughes, que se despegó de productos á la Porky´s para delinear con mayor destreza un perfil más acabado de la juventud moderna. Lo que siguió fue una andanada de largometrajes con/para/sobre adolescentes que resumen las distintas vertientes del cine joven: primeros amores, diferencias sociales, sexualidad y la siempre presente angustia adolescente. Cargado de arquetipos, es un género con reglas propias que son estudiadas por Charlie Lyne en este largometraje poblado con imágenes de más de 200 películas, narrado por Fairuza Balk y musicalizado con gran potencia por Summer Camp. De visión obligatoria para los amantes del género. Pablo Conde

The romance between cinema and adolescence started to take shape during the ‘50s, at some point between Marlon Brando, James Dean and Bill Halley. In the ‘80s, it gained some unprecedented strength thanks to John Hughes, who stood away from Porky’s-style products in order to more skillfully sketch a stronger profile of modern youth. What followed was an overabundance of features starring/for/about teenagers that summarize the different aspects of young cinema: first loves, social differences, sexuality and the ever-present teenage angst. Filled with archetypes, it is a genre with its own rules, which Charlie Lyne studies in this feature populated by images from more than 200 films, narrated by Fairuza Balk and with some potent music by Summer Camp. A must-see for lovers of the genre. PC

Charlie Lyne Nació en 1991 y vive en Londres. Trabaja como periodista para The Guardian, y dirigió un corto y tres largos documentales. He was born in 1991 and lives in London. He works as a journalist for The Guardian, and directed a short film and three documentary features.

Reino Unido - UK, 2014 / 89’ / DCP / Color Inglés - English D, F, DA: Charlie Lyne M: Summer Camp P: Charlie Lyne, Billy Boyd Cape, Anthony Ing PE: Louis Bhose, Miles Haughton, Oliver Levy, Fred Macpherson, Sue Odell CP: Beyond Clueless Limited I: Fairuza Balk Contacto / Contact Charlie Lyne T +44 7913 207 949 E [email protected] W charlielyne.com ~ beyondclueless.co.uk

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Cinefilias - Charlie Lyne

Fear Itself El miedo en persona Construido en su totalidad a partir de escenas de distintas películas, el film enfrenta a los espectadores ante una amplia gama de imágenes y sonidos de cien años de cine de terror, y los invita a descubrir cómo funciona el miedo.

Built entirely on scenes from different movies, this film faces the viewer to a wide range of pictures and sounds from a hundred years of horror cinema, and invites you to find out how fear works.

Una puerta chirriante, un susurro al oído, un bad trip en la calle, el misterio de lo que no se ve, la sensación perturbadora de estar solo, una pesadilla profunda que atormenta y no deja dormir. ¿Se puede gozar del miedo? Este documental recorre la naturaleza del susto ejemplificándolo con un poderoso recorrido de cien años de historia del cine. El trabajo de la BBC se devela como un interesante estudio del género y se yergue como un viaje a la experiencia física del miedo. Una voz en off va hilando la narración entre imágenes de 8mm y Dark Water, pasando por Poltergeist II, Suspiria, El sonido de la muerte y muchas más. Por eso la película es una buena excusa para revisitar una de las sensaciones más ¿placenteras? que provoca el hecho de ver películas de horror: tener miedo de todo, hasta del miedo mismo. Hernán Panessi

A screeching door, a whisper in the ear, a bad trip on the street, the mystery of the unseen, the disturbing sensation of being alone, a deep nightmare tormenting you and keeping you up. Can you enjoy fear? This documentary goes through the nature of scary with examples from a powerful tour through a hundred years of film history. The BBC work results in an interesting study on the genre and stands as a journey into the physical experience of fear. A voice over leads the narration, amidst images from 8mm to Dark Water, including Poltergeist II, Suspiria, Blow Out, and many more. That is why the film is a good excuse to revisit one of the most pleasant (?) feelings from watching horror movies: being afraid of everything, even of fear itself. HP

Reino Unido - UK, 2015 / 88’ / DCP / Color Inglés - English D, E, G: Charlie Lyne M: Jeremy Warmsley P: Catherine Bray, Anthony Ing, Charlie Lyne, Daniel O’Connor PE: Victoria Jaye, Janet Lee CP: BBC I: Amy E. Watson Contacto / Contact BBC. Charlie Lyne T +44 7913 207 949 E [email protected] W charlielyne.com ~ bbc.co.uk

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personas y personajes People & Characters

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

people & characters

Carmona tiene una fuente Carmona Has a Fountain Barcelona cambia y muchos ya no entran en el nuevo paisaje urbano que se está fraguando. Pedro Vázquez está a punto de cumplir setenta años y se ve obligado a abandonar el insalubre piso donde vive en el Casco Antiguo. Pero ¿a dónde ir?

Barcelona changes and lots of people are not part of the new urban landscape that is being planned. Pedro Vazquez is about to turn seventy and he is forced to leave the unhealthy apartment where he lives in the Old Quarter. But, where will he go?

“En la celda tenía una cama, una mesita y un placard. Y a la noche aparecía, detrás de los barrotes, un demonio que me miraba y se reía de mí”. Pedro Vázquez tiene todas las restricciones posibles, pero no negociará la de entregar su libertad. Antonio Trullén lo acompaña en esa obstinación, y cada plano que le da a Vázquez se convierte en un lugar de resistencia. Si no es desafiando a la salud en un bar o en alguna deambulación nocturna, es gritándole a quien le viene a cobrar el alquiler o a los edificios públicos. Pedro sabe, independientemente de su salud, que su final llegó hace rato para la sociedad en la que vive; entonces la contempla con dolor, casi caído de la historia, como un personaje de western, pero también con cierta impunidad vengativa. La maldice, ahora desde afuera, como un demonio tras los barrotes que se ríe de los nuevos presidiarios. Daniel Alaniz

“In my cell, I had a bed, a small table, and a closet. And every night, a demon showed up from behind the bars, looking and laughing at me”. Pedro Vazquez finds himself restricted in every possible way, yet he won’t negotiate his freedom. Antonio Trullén joins him in that stubbornness, and every shot of Vázquez becomes a place of resistance. He can be compromising his own health in a bar, wandering around at night, or shouting either at a person who comes to collect his rent, or at public buildings. Regardless of his health, Pedro knows the end of him has come a long time ago in the community he lives in. So, he contemplates it in pain, as if fallen from history like a character in a western, but also with a certain vindictive impunity. He curses it from the outside now, like a demon coming across the bars and laughing at the new inmates. DA

Antonio Trullén Nació en Barcelona en 1980. Estudió teoría de la literatura y literatura comparada en la Universidad de Barcelona y la Nueva Sorbona de París, y montaje en el Instituto Nacional de las Artes del Espectáculo de Bruselas (INSAS). Carmona tiene una fuente es su primer trabajo como realizador. He was born in Barcelona in 1980. He studied theory of literature and compared literature at the University of Barcelona and the New Sorbonne in Paris, as well as film editing at the National Institute of the Arts of Spectatle in Brussels (INSAS). Carmona Has a Fountain is his first work as a filmmaker.

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España - Spain, 2015 57’ / DCP / Color Español - Spanish D, G, F, DA, S, P, PE: Antonio Trullén E: Antonio Trullén, Valeria Stucki I: Pedro Vázquez, Esmeralda, Mami Watanabe, Losan Contacto / Contact Playtime Audiovisuales. Natalia Piñuel T +34 687 095 212 E [email protected] W playtimeaudiovisuales.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

personas y personajes

El Francesito. Un documental (im)posible sobre Enrique Pichon-RiviÈre The Little French Más de una encuesta afirma que Argentina es uno de los países con más psicoanalistas en el mundo. En este documental, Kohan investiga como si fuera Sherlock Holmes de qué manera la obra de Enrique Pichon-Rivière provocó semejante fenómeno.

Several polls confirm Argentina is one of the cities with the most psychoanalysts in the world. In this documentary, Kohan investigates, in Sherlock Holmes style, how the work of Enrique Pichon-Riviere caused this phenomenon.

No existirían en Argentina tantos fanáticos de Woody Allen de no ser por Enrique Pichon-Rivière. El Francesito, como le decían sus amigos, ancló las raíces del psicoanálisis en nuestro país para que crezcan como árboles gigantescos que en vez de frutos ofrecen divanes. El psiquiatra y psicoanalista creció en la selva chaqueña, entre las manchas de los pumas y los dientes afilados de los yacarés. Cuentan sus allegados que esa infancia salvaje fue el crayón que bocetó su camino profesional, el cemento con el que construyó su obsesión por descifrar la locura. Kohan entrevista a colegas, familiares y admiradores de la obra de Pichon-Rivière para convertir al monumento en ser humano. A través de diferentes anécdotas, el director teje un sweater de celuloide que abriga al mismo tiempo que pica. Eso es, en definitiva, lo que produce el psicoanálisis. Maia Debowicz

There wouldn’t be so many Woody Allen fans in Argentina if it weren’t for Enrique Pichon-Rivière. The Little Frenchman, as his friends called him, anchored the roots of psychoanalysis in order for them to grow like giant trees that offer couches instead of fruit. The psychiatrist and psychoanalyst grew up in the Chaco jungle, among the puma spots and sharp alligator teeth. His friends and relatives say that his wild childhood was the crayon that sketched his career path, the concrete with which he built his obsession for deciphering madness. Kohan interviews colleagues, relatives and admirers of Pichon-Rivière’s work in order to turn the monument into a human being. Through different anecdotes, the director knits a celluloid sweater that keeps you warm and itches at the same time. That is, in short, what psychoanalysis does. MD

Miguel Luis Kohan

Argentina, 2016 / 85’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish

Nació en 1957, estudió cine y producción de televisión en Los Ángeles. Es el fundador de la productora K Films, y dirigió Salinas grandes (2001), Café de los maestros (2009), y el unitario Lluvia cósmica (2015). He was born in 1957, and studied film and TV production in Los Angeles. He’s the founder of the production company K Films, and directed Salinas grandes (2001), Café de los maestros (2009), and the series Lluvia cósmica (2015).

D, G, P, DA: Miguel Luis Kohan F: Miguel Luis Kohan, José María Gómez E: Rosario Cervio S: Gustavo Pomenarec, Diego Martínez M: Gustavo Pomenarec PE: Nicolás Batlle CP: K Films I: Joaquín Pichon Rivière, Alfredo Moffatt, Ana Quiroga, Juan José Stagnaro, Estela Baistrocchi Contacto / Contact K Films. Miguel Luis Kohan T +54 11 4556 0723 E [email protected] W kfilmscine.com ~ kfilmsproducciones.wordpress.com

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people & characters

Il solengo Un grupo de viejos amigos se reúne en una pequeña cabaña para recordar a Mario de Marcella, un ermitaño que vivía en el bosque cerca de Roma. Lo llamaban Il Solengo, que en el dialecto toscano hace referencia a un jabalí aislado de la manada.

A group of old friends gather in a small cabin to remember Mario de Marcella, a hermit living in the woods near Rome. They used to call him Il Solengo, a Tuscan dialect reference for a boar that stranded away from the heard.

El protagonista de esta película tan áspera como contundente es un ser solitario cuyo comportamiento resulta un enigma para quienes lo rodean: il solengo del título es en definitiva un animal perdido, cuyo recuerdo persiste en los relatos de los mayores de un pueblo de la campiña italiana en las afueras de Roma. La película se articula a partir de charlas y testimonios de quienes conocieron al personaje, para trazar desde allí un panorama gris, lleno de zonas inasibles, de la primera mitad del siglo XX en Italia. La infelicidad secreta del personaje, figura central aunque elusiva de la trama, así como su hosquedad y su naturaleza insondable, se presentan como el fantasma de todo relato que se precie: así como no hay historia que valga sin claroscuros, tampoco hay cine de verdad sin un misterio cuya resolución está condenada al fracaso. David Obarrio

The main character in this rough and blunt film is a lonely person whose behavior is a mystery, even for those around him: the solengo from the title is, in the end, a lost animal whose memory persists in the stories of the elders in an Italian rural town outside Rome. The film is articulated through a series of conversations and testimonies from people who knew the character. It later draws a gray landscape, filled with intangible areas, of the first half of the 20th century in Italy. The secret unhappiness of the character –an essential yet elusive element of the plot– and his grim, bottomless nature are all presented like the ghost of any self-respecting story should. Just like there’s no story without shady areas, no true cinema lacks a mystery with a solution that is doomed to fail. DO

Los directores / the Directors Alessio Rigo de Righi: Nació en Estados Unidos en 1986, y estudió literatura en Roma y cine en Nueva York. Matteo Zoppis: Nació en Roma en 1986 y estudió cine en Nueva York. Juntos dirigieron el mediometraje Belva Nera (Premio del Jurado en Cinema du Reel 2014, Bafici ‘14).) Alessio Rigo de Righi: He was born in the US in 1986, and studied literature in Roma and filmmaking in New York. Matteo Zoppis: He was born in Rome in 1986 and studied filmmaking in New York. Together, they directed the medium-length film Belva Nera (Jury Prize at Cinema du Reel 2014, Bafici ‘14).

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Italia / Argentina - Italy / Argentina, 2015 / 70’ / DCP / Color / Italiano - Italian D, G: Alessio Rigo de Righi, Matteo Zoppis F: Simone d’Arcangelo E: Andrés Pepe Estrada, Alessio Rigo de Righi, Matteo Zoppis S: Marcos Molina Jaime P: Tommaso Bertani, Alessio Rigo de Richi, Matteo Zoppis, Agustina Costa M: Vittorio Giampietro, Fabrizio Magliocca CP: Ring Film, Cosa Rossa Film, Volpe Films I: Bruno di Giovanni, Ercole Colnago, Giovanni Morichelli, Ugo Farnetti, Orso Pietrini Contacto / Contact Ring Film, Volpe Films. Agustina Costa T +54 11 5752 5653 E [email protected] W volpefilms.com ~ ringfilm.it/ilsolengo

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personas y personajes

Jess & James Jess y James son dos jóvenes que tienen un breve encuentro sexual y emprenden un viaje a través de la pampa argentina para reunirse con el hermano de Jess. En el camino se enfrentarán a sucesos inesperados y participarán en un trío con otro hombre.

La vida sin fantasía no tiene ningún sentido. Y en base a eso construye Giralt su fábula romántica de escape hacia la libertad, sea sexual, identitaria o lúdica. Los muchachos solo quieren divertirse, no quieren quedar atados a las cadenas del mundo del trabajo, de las apariencias, del pretender ser. Son cowboys queer habitando su road movie particular, su renacer rural, donde la ciudad solo implica rutinas, escondites y simulaciones. El campo, con su infinita planicie verde, es una invitación a la sensualidad, a toquetearse sin tapujos, a dejar atrás vínculos viciados más regidos por el pasado que por la inmediatez erótica del presente. Juventud que es puro deseo, como la película misma, que exhibe gozosa una total empatía hacia su tierna rebeldía. Guido Segal

Santiago Giralt

Jess y James are two young men who share a brief sexual encounter and go out on a trip through the Argentine pampas to meet Jess’ brother. On the way, they will face unexpected events and join a three-way with another man.

Life without fantasy is pointless. And Giralt uses this statement as the basis of his romantic fable about an escape towards freedom (sexual, identitary or playful). Boys just want to have fun; they don’t want to remain tied to the chains of the world of labor, of appearances, of expectations. They are queer cowboys inhabiting their own private road movie, their rural rebirth, where the city involves routines, hideouts and simulations. The country, with its endless green plains, is an invitation to sensuality, to touching each other without reservations, to leaving behind stale bonds that are more tied to the past than to the erotic urgency of the present. Youth that’s pure desire, like the film itself, which joyously exhibits total empathy towards their tender rebelliousness. GS

Argentina, 2016 / 90’ / DM / Color / Español - Spanish

Dirigió Toda la gente sola (2009), Antes del estreno (2010), Anagramas (2014) y es uno de los realizadores de UPA 2! El regreso (Bafici ‘15). He directed Toda la gente sola (2009), Antes del estreno (2010), and Anagramas (2014) and is one of the directors of UPA 2! El regreso (Bafici ‘15).

D, G, E: Santiago Giralt F: Connie Martin DA: Julieta Lopez Acosta S: Nicolas Payueta M: Emisor P: Federico Carol, Derek Curl PE: Federico Carol, Andrew Chang CP: Los Griegos Films, TLA Releasing I: Martín Karich, Nicolás Romeo, Federico Fontán, Alejandro Paker, Nahuel Mutti Contacto / Contact Los Griegos Films. Federico Carol T +54 9 11 6306 5288 E [email protected] W losgriegosfilms.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

people & characters

La piel marcada Scars Boxeador y poeta, Sergio Víctor Palma fue el primer campeón mundial argentino en obtener el título en Estados Unidos. Ahora, a los 59 años, se propone refundar un gimnasio de Lanús en el que, desde su sillita ubicada a un costado del ring, continúa alentando a los jóvenes a perseguir sus sueños.

A boxer and a poet, Sergio Victor Palma was the first Argentine champion to obtain the title in the US. Now, at the age of 59, he wants to reopen a gym in Lanus where he continues to encourage young people to pursue their dreams, from a small chair by the side of the ring.

“En el ring puedo quedarme hasta ser viejo y con canas, porque sé cómo pegar y bailar para desaparecer”, dijo una vez el Superman del boxeo, Mohamed Ali. Un sentimiento similar cobijó por décadas a Sergio Víctor Palma, el primer campeón mundial argentino en obtener el título en Estados Unidos. El boxeador chaqueño que provocó furor en la gente a fines de los setenta ya no cubre sus manos con los acolchonados guantes: ahora lucha dentro de un cuerpo dañado para que no se derritan sus recuerdos. Hernán Fernández retrata con primeros planos la serenidad de ese hombre sabio que, además de pelear como Rocky y entrenar a los más jóvenes con la pasión de Mickey, fue poeta y músico, e intenta descubrir una respuesta a la pregunta que persiguió a Sergio por años: ¿qué sucede después de que uno llega a la cima del mundo? Maia Debowicz

“I can stay on the ring until I’m old and go gray, because I know how to hit and dance in order to disappear”, said once the Superman of boxing, Muhammad Ali. The first Argentine world champion to have won the title in the US, Sergio Víctor Palma, held a similar feeling for decades. The fighter from Chaco, who raised passions among people in the late ‘60s, no longer covers his hands with gloves: he now fights inside his damaged body to prevent the memories from melting away. Hernán Fernández uses close-ups to depict the serenity of this wise man –he fights like Rocky, trains the young with Mickey’s passion, and was also a poet and a musician– and tries to find an answer to the question that haunted Sergio for years: what happens after you reach the top of the world? MD

Hernán Fernández Nació en Buenos Aires en 1985. Es director de montaje egresado de la ENERC. Dirigió el mediometraje El segundo oficio (2013) y el largo Puerto Paticuá (2014). He was born in Buenos Aires in 1985. He is an editor graduated from ENERC. He directed the medium length film El segundo oficio (2013) and the feature-length film Puerto Paticuá (2014).

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Argentina, 2016 / 76’ / DCP / Color Español - Spanish D, G, P: Hernán Fernández F: Diego Gachassin E: Luciano Sosa, Hernán Fernández S: Julián Caparrós PE: Morena Fernández Quinteros, Sergio Acosta I: Sergio Víctor Palma, Matías Zavalla, Orieta Edith Gilberto Contacto / Contact Hernán Fernández T +54 9 11 6548 2598 E [email protected] W lapielmarcada.com

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

personas y personajes

Linefork Lee Sexton, quien comenzó a tocar el banjo a los 8 años, proviene de una familia de agricultores de una zona rural de Kentucky, conocida por su pobreza y sus minas de carbón. Esta figura legendaria es el motor de esta película que recorre su historia de vida.

Lee Sexton started playing banjo when he was 8 years old, and he comes from a farmers’ family in a rural area of Kentucky, known for its poverty and carbon mines. This legendary figure is the engine of the film, which covers his life story.

Estados Unidos es muchos países en uno, y entre sus linajes se encuentra la veta más telúrica, donde el sonido de un banjo tiñe de alegres melodías el paisaje agreste de planicies ocres. Kentucky, bañada en bourbon y trenes oxidados, es un exponente de un pasado mítico, de cadenas rotas, de acentos marcados, gorras militares y valores tradicionales. Es también donde Lee Sexton –leyenda olvidada del banjo y minero retirado– y su esposa viven su plácida vejez, poblada de silencios y complicidades; donde cosechan porotos, respiran música y lidian con la carga impositiva de un gobierno que se ha olvidado de ellos. Silva y Rawlins nos invitan a visitar el rincón menos glamoroso de la fastuosa nación, donde la herencia se defiende a golpe de cuerda y la vida es concreta en los confines del hogar rural, como le hubiera gustado a Henry David Thoreau. Guido Segal

The US is many countries in one, and between its lineages, we can find its most earthly vein, where the sound of a banjo tinges the rural landscape of ochre plains with joyful melodies. Kentucky, steeped in bourbon and rusty trains, is an example of a mythical past, of broken chains, marked accents, military berets, and traditional values. It’s also where Lee Sexton –a forgotten banjo legend and retired miner– and his wife live their placid old age, filled with silences and complicities; where they harvest beans, breathe music and deal with the tax burden of a government that has forgotten them. Silva and Rawlins invite us to visit the less-glamorous corner of this sumptuous nation, where legacies are defended at the hit of a string and life is concrete in the confines of a rural home, as Henry David Thoreau would have liked. GS

Jeff Silva Es profesor y programador. Dirigió los documentales Balkan Rhapsodies: 78 Measures of War (2008) e Ivan and Ivana (2011). He’s a film professor and programmer. He directed the documentaries Balkan Rhapsodies: 78 Measures of War (2008) and Ivan and Ivana (2011).

Vic Rawlings Vive en Massachusetts. Es músico especializado en instrumentos de cuerda y maestro. He lives in Massachusetts. He’s a musician specialized in string instruments, and a teacher.

Estados Unidos - US, 2016 / 98’ / DCP / Color Inglés - English D, F, E, P: Jeff Silva, Vic Rawlings S: Ernst Karel M: Lee Sexton Contacto / Contact Silva-Rawlings Productions. Jeff Silva T +1 617 642 5737 E [email protected] W linefork.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

people & characters

Looking for Exits - Conversations with a Wingsuit Artist Buscando salidas - Conversaciones con una artista del wingsuit Atleta y artista del aire, Ellen Brennan vuela desde arriba de las nubes con su traje especial a 240 kilómetros por hora. Como si se tratara de una Henry David Thoreau de la actualidad o una Nietzsche voladora, el director explora el lado filosófico de una mujer impredecible.

An athlete and airborne artist, Ellen Brennan flies above the clouds with her special suit at 240 kilometers per hour. As if she was a current version of Henry David Thoreau or a flying Nietzsche, the filmmaker explores the philosophical side of an unpredictable woman.

El wingsuit del subtítulo es un traje que se utiliza para volar por los aires. La gente se tira de aviones y planea un rato; otros, como Ellen Brennan, aumentan el riesgo: suben montañas y se tiran a través de precipicios. No son pocos los que se matan contra una roca, o al menos ven su carrera truncada por una herida grave. Looking for Exits explora este mundo a partir de breves conversaciones con Brennan, una de las practicantes con más años en el deporte. Mientras se atraviesan paisajes fascinantes, los diálogos traspasan la discusión sobre el mero hobby y exploran filosofías de vida, necesidades de escapismo y búsquedas personales. Así, la película trasciende el retrato de un personaje y se convierte en una paciente exploración de esa delgada línea que divide la pasión de la locura. Emiliano Andrés Cappiello

The wingsuit mentioned in the film’s title is a suit you use to fly in the air. Some people wear it to jump from airplanes and glide temporarily, while others like Ellen Brennan raise the stakes: they climb up mountains and jump off cliffs. Quite some of them end up killed by crashing into a rock, or at the very least have their careers terminated by a serious injury. Looking for Exits explores this world through brief conversations with Brennan, one of the longest-running players of this sport. While going through fascinating landscapes, the dialogues go beyond the hobby to explore philosophies of life, escapism needs, and personal quests. Thus, the film transcends the portrait of a character to become a patient exploration of that thin line dividing passion from madness. EAC

Kristoffer Hegnsvad Nacido en Dinamarca en 1978, se desempeña como jefe de redacción de Film & TV, edición semanal del diario Dagbladet Politiken. Estudió filosofía y estudios culturales en la Universidad de Copenhagen y en la Sorbona de París. Looking for Exits es su primer trabajo como director. Born in Denmark in 1978, he is an editor in chief for Film & TV, a weekly edition of the Dagbladet Politiken newspaper. He studied philosophy and cultural studies at the University of Copenhagen and the Sorbonne in Paris. Looking for Exits is his directorial debut.

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Dinamarca - Denmark, 2015 / 62’ / DCP / Color / Inglés - English D: Kristoffer Hegnsvad G: Kristoffer Hegnsvad, Peter Alsted F: Peter Alsted E: Paul Colcer DA: Troels Schwarz, Astrid Friis Reitzel S: Peter Albrechtsen, Anne Gry Friis Kristensen M: Rune Glerup P: Cecilie C. Caspersen PE: Kristoffer Hegnsvad, Peter Alsted CP: Empty Chairs I: Ellen Brennan Contacto / Contact Empty Chairs. Cecilie Caspersen T +45 2857 8485 E [email protected] ~ [email protected] W emptychairs.dk ~ lookingforexits.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

personas y personajes

Murales. El principio de las cosas Murals. The Beginning of Things Francisco entrena para cruzar nadando el Río Paraná. La hazaña es casi tan grande como la de terminar el documental que filma hace ocho años acerca de un colectivo de ex presos políticos que pinta murales en homenaje a los desaparecidos.

Francisco trains to swim across the Paraná River. The feat is almost as big as finishing the documentary he has been making for the past eight years about a group of former political prisoners that paints murals honoring the desaparecidos.

Murales aborda un tema ciertamente doloroso con un espíritu desconcertante, más cerca de la investigación no del todo empeñosa sobre el modo en que se construye una película que de los fantasmas que pueblan la memoria y el pasado reciente de la Argentina. El director indaga acerca de un familiar desaparecido en la última dictadura, pero al mismo tiempo busca un tono, una forma, rasgos discernibles para contar eso que no se sabe cómo contar. La película encuentra momentos luminosos, navega entre brumas de un humor ligero, el desaliento propio de un caso que parece destinado a no esclarecerse nunca y la incertidumbre de estar moviéndose en un terreno esquivo, con agujeros negros y sobrevivientes lacónicos. La falta de certezas de la película, su constitución inorgánica, resulta ser al final su sello más distintivo y secretamente conmovedor. David Obarrio

Murals taps into a certainly painful subject with a disconcerting spirit, closer to the not-very-diligent investigation on the way a film is built than to the ghosts that populate Argentina’s memory and recent past. The director looks into the disappearance of a relative during the last dictatorship, but, at the same time, seeks a tone, a form, discernible features in order to tell that which one doesn’t know how to tell. The film finds some luminous moments, navigates through hazes of light humor, the discouragement caused by a case that seems destined to remain unsolved and the uncertainty of moving through elusive ground, with black holes and laconic survivors. In the end, the film’s lack of certainties, its inorganic setup, ends up being its most distinctive and secretly moving feature. DO

Francisco Matiozzi Molinas Nació en Rosario en 1978, y es licenciado en Comunicación Audiovisual. Además trabaja como montajista y docente. Debutó como director con su corto Pochormiga (2004). He was born in Rosario in 1978, and majored in Audiovisual Communication. He also works as an editor and teacher. He debuted in filmmaking with his short film Pochormiga (2004).

Argentina, 2016 / 66’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish D, G, E: Francisco Matiozzi Molinas F: Francisco Matiozzi Molinas, Mauro Barreca DA: Luciana Lacorazza S: Gabriela Rivas Feoli, Francisco Matiozzi Molinas M: Iván Tarabelli P, PE: Luciana Lacorazza, Francisco Matiozzi Molinas CP: Avi Films I: Francisco Matiozzi Molinas, Haydée Molinas, Horacio Dalmonego, Luis Megías, Hugo Papalardo Contacto / Contact AVI Films. Luciana Lacorazza T +54 9 341 656 8763 +54 9 341 3447890 E [email protected] ~ [email protected] W avifilms.com.ar ~ murales.com.ar

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people & characters

Un Français French Blood Un francés Marco forma parte de un grupo de skinheads que pasan sus días golpeando negros, árabes y judíos. Hasta que se produce un quiebre y Marco desea emprender otro camino, mientras que las personas a su alrededor continúan de la misma manera.

Marco is part of a group of skinheads who spend their days beating up blacks, Arabs and Jews. Until Marco decides to go on another path while those around him stay the same.

La primera media hora de Un français, afilada y pasada de testosterona, remite directamente a Made in Britain, de Alan Clarke, uno de los retratos más incómodos que se recuerdan del resurgimiento de la ultraderecha en la Europa de los años ochenta. Sin embargo, si la estrategia de Clarke en su película pasaba por una confianza ciega en el combate dialéctico para explicarnos a su personaje, en Un français nos encontramos con otra cosa: el seguimiento de Marco, protagonista del film, durante dos décadas en las que su vida se irá derrumbando lentamente, así como los lazos con quienes lo rodean. El retrato de esos veinte años servirá también para mostrarnos cómo la institucionalización del odio es la prueba final y definitiva de otro derrumbe: el de la idea de un país o un continente. Fran Gayo

The first, sharpened and testosterone-filled half-hour of French Blood evokes Alan Clarke’s Made in Britain, one of the most uncomfortable portraits ever made about the emergence of the ultra-right wing in ‘80s Europe. However, whereas Clarke’s strategy was a blind trust in dialectic combat as a way to explain his main character, French Blood features a different thing: the film follows the main character Marco for two decades in which his life will slowly crumble, together with his relationships with everyone around him. The portrait of those twenty years will also serve as an illustration of how the institutionalization of hate is the ultimate and definitive proof of yet another collapse: the notion of a country or a continent. FG

Diastème Dramaturgo, músico, actor, guionista y realizador francés. Dirigió varios cortos y el largo Le Bruit des gens autor (2008). A French playwright, musician, actor, screenwriter and filmmaker. He directed many shorts and the feature Sunny Spells (2008).

Francia - France, 2015 / 97’ / DCP / Color Francés - French D, G: Diastème F: Philippe Guilbert E: Chantal Hymans DA: Riton Dupire-Clément S: Thomas Lefevre, Germain Boulay M: Jean-Marie Blondel P: Philippe Lioret PE: Marielle Duigou CP: Fin Août, Mars Films, France 3 Cinéma I: Alban Lenoir, Samuel Jouy, Paul Hamy, Olivier Chenille, Jeanne Rosa Contacto / Contact Indie Sales Company. Martin Gondre T +33 1448302 28 E [email protected] W indiesales.eu

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personas y personajes - penny lane

Our Nixon Nuestro Nixon Películas de Super 8 caseras nunca antes vistas, filmadas por los colaboradores más cercanos a Richard Nixon –y conspiradores de Watergate– que ofrecen un punto de vista más íntimo del famoso caso que involucra al funcionario.

Unreleased, homemade films in Super 8 shot by Richard Nixon’s closest aids –and Watergate conspirators– offering an intimate view of the famous case involving the president.

H. R. Haldeman, John Ehrlichman y Dwight Chapin. Tres hombres jóvenes, alejados de la política, que de pronto entraron en el corazón de la Casa Blanca bajo el brazo de Richard Nixon. Como jugando, estos hombres grabaron con una cámara Super 8 ese mundo nuevo que los fascina. Our Nixon recoge estas imágenes, archivadas durante años, que van mostrando esa fascinación casi adolescente por el poder, por el lujo, por el encanto de estar cerca de la oficina más poderosa del mundo. Pero, poco a poco, todo va cambiando: primero las protestas pacifistas, los movimientos juveniles, la indignación por Vietnam. Y después Watergate, que termina siendo la estocada final para estos jóvenes poderosos cuyo juego termina de la peor manera. De wonder boys a mancha en la historia de Estados Unidos: Our Nixon es la crónica de tan oscuro recorrido. Rodrigo Bedoya

H. R. Haldeman, John Ehrlichman and Dwight Chapin. Three young men who didn’t come from politics, but soon entered the heart of the White House under Richard Nixon’s wing. As if playing a game, these men captured that new world that fascinated them with a Super 8 camera. Our Nixon compiles these images, which had been archived for years, showing that almost adolescent fascination for power, for luxury, for the joy of being near the most powerful office in the world. But, little by little, everything starts changing: first came the pacifist protests, the youth movements, the outrage for Vietnam. And then Watergate, which ends up being the deathblow for these powerful young men whose game ends up in the worst possible way. From wonder boys to a stain in the history of the US: Our Nixon is the chronicle of such a dark journey. RB

Penny Lane Se graduó en el Vassar College de Nueva York, EE. UU. Es cineasta y, ocasionalmente, video artista, curadora y profesora de cine, video y nuevos medios artísticos. Además de cortometrajes como The Abortion Diaries (2005), dirigió dos largometrajes. She graduated from Vassar College in New York, USA. She’s a filmmaker, and occasional video artist, curator, and professor of film, video and new art mediums. She directed several short films, including The Abortion Diaries (2005), and directed two feature-length films.

Estados Unidos - US, 2013 / 85’ / DCP / Color & B&N Inglés - English D: Penny Lane E: Francisco Bello S: Tom Paul M: Hrishikesh Hirway P: Penny Lane, Brian L. Frye PE: Dan Cogan CP: Dipper Films, Impact Partners, PILOT I: H.R. Haldeman, John Ehrlichman, Dwight Chapin Contacto / Contact Dipper Films. Penny Lane T +1 347 255 3416 E [email protected] W lennypane.com ~ ournixon.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

People & Characters - Penny Lane

Nuts! ¡Bolas! Antes del Viagra había trasplantes de testículos de cabra, hombres con grandes sueños y un héroe improbable, el Dr. John Brinkley, cuya extraña historia cuenta este documental animado.

Before Viagra, there were transplants of goat testicles, men with huge dreams, and an unlikely hero named Dr. John Brinkley, and his weird story is told in this animated documentary.

Ver para creer: la excéntrica, apabullante, desquiciada historia del Dr. John Romulus Brinkley (1885-1942), un genio de la estafa que erigió un imperio millonario durante la Gran Depresión a partir de un peculiar invento para la cura de la impotencia sexual; creando también, por el camino, esa maldición moderna que es el infomercial. Desarrollada décadas antes del Viagra, la técnica consistía en la (presunta) implantación en el paciente de testículos de… chivo. A partir de algunas entrevistas, del escaso material documental disponible y de unas divertidas recreaciones animadas, Penny Lane despliega el retrato de un personaje inenarrable con la ironía justa y una enorme fascinación, a la vez que plantea una entusiasta reflexión sobre esa disposición, perfectamente humana, a creer en lo sobrenatural, en curas mágicas y soluciones milagrosas. Mariano Kairuz

You have to see it to believe it: this is the eccentric, overwhelming, deranged story of Dr. John Romulus Brinkley (1885-1942), a genius con man who built a millionaire empire during the Great Depression through a particular invention that was meant to cure sexual impotence –on the way, he also created that modern curse called infomercials. Developed decades before Viagra, the technique consisted in (presumably) implanting the testicles of a… goat. Through interviews, the scarce archive footage available, and some entertaining animated reenactments, Penny Lane lays out a portrait of an impossible character, with the right amount of irony and a huge fascination, which in turn proposes an enthusiastic reflection on that perfectly human disposition to believe in supernatural things, magic cures, and miraculous solutions. MK

Estados Unidos - US, 2016 / 79’ / DCP / Color & B&N Inglés - English D, F, DA: Penny Lane G: Thom Stylinski E: Penny Lane, Thom Stylinski S: Tom Paul M: Brian McOmber P: Caitlin Mae Burke, James Belfer, Daniel Shepard, Penny Lane PE: Dan Cogan, Elias Savada CP: Gland Power Films, Cartuna I: Pope Brock, Gene Fowler, Megan Seaholm, Jim Reardon Contacto / Contact Gland Power Films LLC. Penny Lane T +1 347 255 3416 E [email protected] W lennypane.com ~ nutsthefilm.com

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Arquitectura Architecture

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

architecture

Barbicania Bêka y Lemoine se proponen realizar un video-diario de un mes en la vida del Barbican, desde los pisos superiores de las torres hasta los niveles subterráneos del centro de arte situado en Londres. Un mapa íntimo de esta obra maestra de la arquitectura brutalista.

Bêka and Lemoine intend to make a video-diary of one month in the life of London’s Barbican, from the top floors of the towers to the underground levels of the art center. An intimate map of this masterpiece of brutalist architecture.

Todos los días, dos hombres tocan el piano en la biblioteca del Barbican Centre. Y, en los cuatro años que llevan haciéndolo, solo hablaron una vez; dicen que no necesitan saber más del otro. En otro extremo, en lo más alto de una de las torres, un matrimonio cuenta que cuando llegaron estaban fascinados con la vista, salvo por una torre gigante y espantosa: otro módulo del Barbican, igual al que ellos habitan. El Barbican Centre es un espacio enorme de encuentros, desencuentros y reflejos deformes; una autopista humana de contradicciones, como ese sentimiento de pertenencia de sus habitantes a un lugar alienante. Y ya que hablamos de ciencia y de ficción, es también un chip prodigioso lleno de fallas en la matrix: como esa esquina donde siempre se forman remolinos de viento, o ese rincón tan particular a la vista, pero imposible de fotografiar por cómo le da el sol. Daniel Alaniz

Every day, two men play the piano at the Barbican Centre library. And in all the four years they have been doing this, they’ve only talked to each other once –according to them they don’t need to know more about one another. On the other end, high atop one of the towers, a married couple tells us that when they got there they were fascinated with the view, except for a giant, horrible tower: another module of the Barbican, just like the one they inhabit. The Barbican Centre is a huge area of encounters, failed encounters, and deformed reflections. It’s a human highway of contradictions; like that feeling of belonging to an alienating place its inhabitants have. And since we’re talking about science and fiction, it’s also a marvelous chip filled with glitches in the matrix: like that corner where whirlpools constantly form, or that particular nook that is impossible to photograph because of the way sunlight hits it. DA

Ila Bêka Nació en Italia, y estudió arquitectura. En 2005 fundó, junto a Louise Lemoine, la plataforma Bêka&Partners. He was born in Italy and studied architecture. In 2005, he founded, along with Louise Lemoine, the platform Bêka&Partners.

Louise Lemoine Nació en Francia, y se graduó en cine y filosofía en la Universidad de la Sorbona en París. She was born in France and graduated in film and philosophy from the Sorbonne, in Paris.

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Francia / Reino Unido - France / UK, 2014 / 90’ DCP / Color / Inglés - English D, G, E, DA: Ila Bêka, Louise Lemoine F: Ila Bêka S: Louise Lemoine M: Walter Fuji, Lo Studio P: Filippo Clericuzio PE: Marco Mona CP: Bêka&Partners Contacto / Contact Bêka&Partners. Sara Gardella T +39 339 184 2284 E [email protected] W living-architectures.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

arquitectura

Voyage autour de la lune Viaje alrededor de la luna La ciudad de Burdeos representada a través de un diario urbano. Ila Bêka y Louise Lemoine nos hablan acerca de la identidad de un espacio público que ha cambiado profundamente en la mente colectiva de la ciudad alguna vez llamada Puerto de Luna.

The city of Bordeaux represented through an urban journal. Ila Bêka and Louise Lemoine tell us about the identity of a public space that has gone through great change in the collective mind of the city once known as the Port of Moon.

El lúcido, empático, lúdico método de Bêka y Lemoine no solo funciona detrás de puertas cerradas. Cualquier espacio tocado por la arquitectura es susceptible de ser narrado a través de sus usuarios, a quienes la mirada del dúo devuelve a su estatuto primero y principal: personas. En el renovado paseo ribereño de Burdeos –que la Unesco declaró hace una década Patrimonio Mundial de la Humanidad–, su flamante Voyage autour de la Lune encuentra una fauna excepcional de tribus urbanas, músicos trashumantes y devotos de religiones estrambóticas. Todos son tratados con el mismo respeto, la misma curiosidad, la misma atención. Y en la intimidad construida (cómo no) por B. y L., esas historias de vida que parecen seguir el curso caprichoso del Garona logran contar, también, a toda una ciudad. Agustín Masaedo

Bêka and Lemoine’s lucid, empathic, and playful method doesn’t work only behind close doors. Any area tapped by architecture is susceptible of being narrated through those who use it, and the duo’s perspective gives them back their original and main status: people. In the renovated boardwalk of Bordeaux –declared a World Heritage Site by Unesco a decade ago– its new Voyage autour de la Lune finds an exceptional fauna of urban tribes, travelling musicians, and devotees of outlandish religions. They are all treated with the same respect, curiosity, and attention. And in the intimacy built by B and L, those life stories that seem to follow the whimsical path of the Garona River also manage to depict a whole city. AM

Francia - France, 2016 / 76’ / DM / Color Francés - French D, G, E, DA: Ila Bêka, Louise Lemoine F: Ila Bêka S: Louise Lemoine M: Walter Fuji, Lo Studio P: Filippo Clericuzio PE: Filippo Clericuzio, Sara Gardella CP: Bêka&Partners Contacto / Contact Bêka&Partners. Sara Gardella T +39 339 184 2284 E [email protected] W living-architectures.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

architecture

TELOS: The Fantastic World of Eugene Tssui TELOS: El fantástico mundo de Eugene Tssui Mucho antes que cualquier moda eco-friendly, un arquitecto tan revolucionario como poco ortodoxo cuestionó todos los estándares de la arquitectura para poner el paisaje y la naturaleza en primer plano. Lee ofrece un retrato vívido de su talento y audacia.

Long before any eco-friendly trend ever existed, an architect who is as revolutionary as he is unorthodox questioned the standards of architecture and placed the landscape and nature in the spotlight. Lee offers a vivid portrait of his talent and audacity.

Gimnasta olímpico, pianista excelso, artista plástico, diseñador de ropa, de joyas y hasta de la vajilla usada en su propia boda… No faltará quien defina a Eugene Tssui como un hombre renacentista. Pero la imagen que construye este retrato que plasmó su vecina californiana Kyung Lee es más bien la de un hombre del futuro. Tan avanzadas y rupturistas son las ideas de Tssui sobre la arquitectura –su principal campo de acción, mal que le pese al establishment profesional– que casi ninguno de sus fabulosos proyectos, inspirados en modelos de la naturaleza como los osos de agua o los nidos de termitas, llegó a concretarse. Su última fantasía arquitectónica, sin embargo, parece haber encontrado aliados inesperados en Mount Shasta, la pequeña comunidad montañosa donde planea construirla. Agustín Masaedo

An Olympic gymnast, sublime pianist, and plastic artist, he designs fashion, jewelry, and even the china used in his own wedding… Eugene Tussi could certainly be defined as a Renaissance man. But the portrait his Californian neighbor Kyung Lee makes of him is more like the one of a man who comes from the future. Tssui’s ideas on architecture –his main field of work, sadly for that professional establishment– are so advanced and groundbreaking that almost none of his projects –inspired in models from nature like water bears or termite nests– ever got constructed. His latest architectonic fantasy, however, appears to have found unexpected allies at Mount Shasta, the small mountain community where he plans to build it. AM

Kyung Lee Nacida en Yokohama, Japón, en 1979, cuenta con una extensa trayectoria en edición y trabajo de cámara. Establecida en Estados Unidos, se desempeñó en el área de posproducción para la cadena Link TV y trabajó en múltiples documentales. TELOS: The Fantastic World of Eugene Tssui es su debut como directora. Born in Yokohama, Japan, in 1979, she has a long career in film edition and camera work. She moved to the US, where she worked in postproduction for Link TV and worked in several documentaries. TELOS: The Fantastic World of Eugene Tssui is her directorial debut.

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Estados Unidos - US, 2014 / 58’ DCP / Color / Inglés - English D, F, E, PE: Kyung Lee S: Philip Perkins M: Luke Wyland P: Kyung Lee, George Csicsery CP: Ten By Ten I: Eugene Tssui, Fred Stitt, Elisabeth Montgomery, Jason Monberg, Paolo Tssui Contacto / Contact Ten By Ten. Kyung Lee T +1 510 652 1492 E [email protected] W tenbyteninc.com ~ telosmovie.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

arquitectura

The Chinese Mayor Datong El alcalde chino

El alcalde chino Geng Yanbo realiza una reforma radical en la ciudad de Datong. Su plan es demoler miles de hogares y reubicar a medio millón de personas para dar paso a la restauración de reliquias antiguas, con el fin de fomentar el crecimiento económico a través del turismo y la cultura.

Chinese mayor Geng Yanbo is making a radical reform in the city of Datong. His plan is to demolish thousands of homes and relocate half a million people in order to give way to the restoration of antique relics, with the goal of promoting economic growth through tourism and culture.

Geng Yanbo asume como autoridad de una de las ciudades más contaminadas y superpobladas de China con un plan tan enorme como antipático: demoler gran parte de la ciudad –de crecimiento caótico y acelerado–, localizar a sus habitantes en la periferia, refundarla reconstruyendo las viejas murallas perimetrales y sus edificios emblemáticos para que recupere su valor patrimonial, y así hacer de ella una capital cultural, que a su vez proyecte a futuro una nueva economía. Geng Yanbo se enfrenta, como en un fuego cruzado permanente, con las demandas de los habitantes, las falencias de la administración y la voluntad del partido, a la vez que mantiene su visión de esa otra ciudad posible como norte. Con íntima cercanía, asistimos al proceso completo de su mandato, donde la dimensión de la ciudad toma, ante todo, escala humana. Magdalena Arau

Geng Yanbo takes office as the authority of one of the most contaminated and overpopulated cities in China, with a plan that is as huge as unpopular: to demolish a big portion of the city –in chaotic, accelerated growth–, relocate the people in the outskirts, and re-found it again by reconstructing the old perimeter walls and emblematic buildings, so it can get its heritage value back, thus turning it into a cultural capital that in turn can project a new economy in the future. As in a permanent crossed fire, Geng Yanbo faces the demands of the locals, failed management decisions, and the will of the party, while he maintains his vision of a different city as the main goal. With an intimate closeness, we witness the entire process of his mandate, as the dimensions of the city acquire a human scale. MA

Hao Zhou Nació en China, y dirigió seis largos documentales, entre los que se destacan The Transition Period (2010) y The Night (2014). He was born in China, and directed six documentary features, including The Transition Period (2010) and The Night (2014).

China / Estados Unidos - China / US, 2015 / 87’ DM / Color / Chino - Chinese D: Hao Zhou G, DA, P, PE: Qi Zhao F: Tianhui Zhang E: Tom Lin, Xiaochuan Yu S: Jing Xiao CP: Zhaoqi Films I: Geng Yanbo, Song Yuhua, Zheng Hui Contacto / Contact Zhaoqi Films. Qi Zhao T +1 380 119 8369 E [email protected] W zhaoqifilms.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

architecture

The Land of Many Palaces La tierra de muchos palacios En Ordos, China, miles de agricultores están siendo reubicados en otra ciudad en virtud de un plan del gobierno para modernizar la región. El documental sigue a un funcionario cuyo trabajo es convencer a los trabajadores de que se muden a la ciudad.

El gobierno chino inaugura una ciudad. Casi como un prototipo, esta se construye bajo una estricta planificación, que incluye tanto las distintas áreas con sus modelos asignados de vivienda como las rutinas públicas y los modos de habitarla. Se diseña una ciudad y, en el mismo movimiento, a sus ciudadanos. El plan incluye la relocalización de los campesinos que viven en las afueras, quienes, con mayor o menor entusiasmo, entregan sus tierras a cambio de un departamento y una serie de tutoriales urbanos que pregonan calidad de vida para todos. The Land of Many Palaces oscila entre el retrato biográfico riguroso y la contemplación de un paisaje artificial imponente que, entre sus atractivos, ofrece una réplica a escala de una pequeña granja como pieza de museo. Magdalena Arau

LOS Directores / the Directors Adam Smith: Nació en Inglaterra en 1987. Tiene un máster en Documental de la Universidad de Stanford. Dirigió el corto Role Play (2012) y dos largometrajes. Ting Song: Nació en China en 1984. Tiene un máster en Cine de Universidad de Nueva York. Realizó el corto The Way Home (2013), un largometraje y un documental televisivo. Adam Smith: Born in England in 1987. He has a master in Documentary from Stanford University . He directed the short Role Play (2012) and two feature films.Ting Song: Born in China in 1984. He has a Master’s in Film at New York University. He made the short film The Way Home (2013), a feature film and a television documentary.

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In Ordos, China, thousands of farmers are being relocated in another city due to a government plan to modernize the region. The documentary follows a government official whose job is to convince the workers of moving to the city.

The Chinese government is inaugurating a city. Almost like a prototype, the place is built on a strict plan that includes both all the different areas with assigned home units as well as their public routines and the ways of inhabiting them. A city is designed, and its citizens too. The plan includes the relocation of farmers living in the outskirts, who surrender their lands –with mixed levels of enthusiasm– in exchange for an apartment and a series of urban tutorials that promote quality of life for everyone. The Land of Many Places oscillates between a rigorous biographical portrait and the contemplation of a stunning artificial landscape and its attractions, which include a scale replica of a small farm, like a museum piece. MA

China / Reino Unido - China / UK, 2015 / 61’ DCP / Color / Mandarín / Mandarin D, F: Adam Smith, Ting Song E: Adam Smith S: Yanyi Tong M: Rob Scales P, PE: Ting Song, Adam Smith, Qihan Wang CP: Pulan Films I: Yuan Xiao-mei, Hao Shi-wen Contacto / Contact Pulan Films. Ting Song T +86 186 0049 9079 E [email protected] W pulanfilms.com ~ thelandofmanypalaces.com

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arquitectura

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

La cupola

Le Corbusier [|||||] Asger Jorn [Relief]

El retrato de una casa sin paredes que la sostengan. Una llamativa cúpula de hormigón, un espacio abierto justo en medio de las extrañas formaciones rocosas de una costa escarpada de granito rojizo. La casa perteneció a la actriz Monica Vitti y al director Michelangelo Antonioni. Aparentemente al azar, en la imagen surgen figuras que entran al domo y, todavía hoy, la utopía de un concepto alternativo de vida parece flotar por encima de su silueta. The portrait of a house without supporting walls. A bold dome made of concrete, an open space right in the middle of the bizarre rock formations of a rugged coast made of reddish granite. The house belonged to actress Monica Vitti and director Michelangelo Antonioni. Seemingly at random, figures wind up in the image and enter the dome, and even today, the utopia of an alternative concept of living seems to float above its form. Volker Sattel Nació en 1970. Estudió dirección y cámara en la Academia de Cine de Baden Württemberg. Actualmente vive y trabaja en Berlín. He was born in 1970. He studied filmmaking and camera at the Baden Württemberg Film Academy. He currently lives and works in Berlin. Alemania - Germany, 2016 / 40’ / DCP / Color Italiano / Alemán - Italian / German D, G, P: Volker Sattel F: Volker Sattel, Thilo Schmidt E: Stefanie Gaus, Volker Sattel S: Filipp Forberg, Tim Elzer M: Tim Elzer PE: Caroline Kirberg CP: Volker Sattel I: Minze Gaus, Francesca Bertin, Guisepina Isetta, Severin Dold, Stephan Geene Contacto / Contact Volker Sattel T +49 179 695 4709 E [email protected]

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Emigholz compara la Villa Savoye, construida por Le Corbusier en 1931, con el Grand Relief, de Asger Jorn, que el pintor y escultor danés produjo en 1959 para el Århus Statsgymnasium. La película traza conexiones entre objetos disímiles, al menos de acuerdo con las disposiciones ideológicas de sus creadores. “Un diálogo entre la claridad estilizada a fondo y el salvajismo declarado, en ambos casos con ribetes ideológicos”, en palabras del director. Emigholz contrasts the Villa Savoye, built by Le Corbusier in 1931, and Asger Jorn’s Grand Relief, which the Danish painter and sculptor produced in 1959 for the Århus Statsgymnasium. The film makes connections between what does not belong together, at least not according to the ideological stipulations of their creators. “A dialogue between thoroughly stylized clarity and declared wildness, both with ideologically trimmings,” in the words of the director. Heinz Emigholz Nació en Alemania en 1948. Se formó como dibujante antes de estudiar filosofía y literatura en Hamburgo. Comenzó su carrera en el cine en 1968, y dirigió varios cortos y largos documentales como Loos Ornamental (2009) y Perret in Frankreich und Algerien (2012). He was born in Germany in 1948. He trained as a drawing artist before studying philosophy and literature in Hamburg. He began his film career in 1968, and directed several short and feature-length documentaries, such as Loos Ornamental (2009) and Perret in Frankreich und Algerien (2012). Alemania / Dinamarca - Germany / Denmark, 2016 29’ / DCP / Color D, G, P: Heinz Emigholz F, E: Heinz Emigholz, Till Beckmann S: Till Beckmann, Jochen Jezussek, Christian Obermaier CP: Heinz Emigholz Filmproduktion Contacto / Contact Filmgalerie 451. Frieder Schlaich T +49 30 3398 2800 E [email protected] W filmgalerie451.de

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Architecture

Silence PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

Este cortometraje documental intenta traducir la arquitectura románica del siglo XI a un lenguaje cinematográfico. This documentary short film is an attempt of translating 11th century architecture into a cinematic language. Sebastian Pasquet Nació en 1991 en Buenos Aires, Argentina. Estudió cine documental en la UNSAM. Realizó varios cortometrajes documentales sobre arte y cultura. Participó de varios festivales internacionales con el documental Sobre el arroyo. Trabajó como sonidista de varios cortometrajes de ficción. He was born in 1991 in Buenos Aires, Argentina. He studied documentary filmmaking at UNSAM. He directed several documentary short about art and culture. He participated in several international festivals with his documentary Sobre el arroyo. He worked as a sound designer in several fiction short films.

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Argentina / España - Argentina / Spain, 2016 / 15’ DM / Color / Inglés - English D, G, F, E, S, P, PE: Sebastián Pasquet CP: ECSA Espacio Cultural San Andrés I: Annette Gulick Contacto / Contact Sebastián Pasquet T +54 9 11 3092 4804 E [email protected] W sebastianpasquet.myportfolio.com

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arquitectura - Karl-Heinz Klopf

Pensar en imágenes acerca de los espacios que nos construimos para vivir parece (lo habrán notado, o lo notarán, en esta sección) una puerta abierta de par en par a la experimentación, al juego, a la libertad. Y la obra del austríaco Karl-Heinz Klopf (Linz, 1956) es la prueba –no definitiva: en construcción permanente– de ello. A Klopf lo conocimos hace algunos años con la pequeña (por duración y dimensiones de su sujeto) y gigante (por todo lo demás) Tower House, y descubrir ahora que esa era apenas la primera película de una serie dedicada a las casas particulares de arquitectos célebres, nos llenó de felicidad. No solo porque A Tropical House sea una obra maestra –que lo es–, sino porque de ese descubrimiento pasamos al de la obra previa de Klopf, dedicada íntegramente “a los ambientes construidos y las esferas urbanas”, como reza su biografía. Y vimos que no hay dos de esos films que se parezcan entre sí: los hay abstractos como Studio, coloridos como By Way of Display, humanistas y pop como They y minimalistas como Plan. Con cada película, KarlHeinz Klopf parece borrar su libro de mapas y dibujarse nuevos caminos: un cartógrafo libertario y lúdico, que ahora les toca descubrir a ustedes. Agustín Masaedo

Thinking through images about the spaces we have built to live in seems (you may have noticed it, or you will notice it, in this section) like a wide-open door for experimentation, for playing, for freedom. And the work by Austrian Karl-Heinz Klopf (Linz, 1956) is proof –nondefinite: in permanent construction– of that. We knew Klopf from the small (in running-time as well as the dimensions of its subject) and enormous (for everything else) Tower House, and discovering that it was merely the first film in a series devoted to the homes of celebrated architects filled us with joy. Not only because A Tropical House is a masterpiece –which it is–, but also because that discovery led us to Klopf’s previous work, fully devoted to “constructed environments and urban spheres,” as his biography reads. And we saw that no two of these films resemble each other: there are abstract ones like Studio, colorful ones like By Way of Display, humanist and pop ones like They and minimalist ones like Plan. With each film, Karl-Heinz Klopf seems to erase his book of maps and draw new paths: a libertarian, playful cartographer that is now your turn to discover. AM

Contacto / Contact Karl-Heinz Klopf T +43 699 1070 1114 E [email protected] W khklopf.at

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Architecture - Karl-Heinz Klopf

Studio Estudio La cuenta regresiva está en marcha. La cámara se mueve a través de varios niveles de un marco arquitectónico, surgen simulaciones de paredes y pasillos, una estructura hecha de líneas negras sobre fondo blanco. Con cada nivel adicional, el trabajo de la cámara se vuelve más complejo y ofrece, como un videojuego, nuevas opciones y posibilidades. Cada tanto aparecen fragmentos de e-mails. Hablan sobre ciudades y son, a la vez, huellas transmisibles de los respectivos recorridos (laborales), del (auto)posicionamiento y de los intercambios (en red). Rike Frank The countdown runs. The camera moves through various levels of an architectural framework, simulations of walls and hallways emerge, a structure made up of black lines on a white background. With each additional level, the camera work becomes more complex and offers, like a videogame, new options and possibilities. From time to time excerpts from e-mail messages appear. They tell about cities and are at the same time communicable tracks of respective (work)paths, of (self) positioning and of (network) exchanges. RF

By Way of Display

Austria, 2000 / 8’ / DCP / Color & B&N D, G: Karl-Heinz Klopf, Sigrid Kurz E: Karl-Heinz Klopf, Sigrid Kurz, Peter Hauenschild DA: Karl-Heinz Klopf S: Karl-Heinz Klopf, Sigrid Kurz, Wolfgang Dorninger CP: KlopfKurz Vienna

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Por medio de la exhibición En Taiwán, la venta de nueces de areca –levemente estimulantes cuando se las mastica– dio lugar al desarrollo de una nueva clase de construcción improvisada: el puesto de nueces de areca. Estos negocios temporales o simples unidades móviles, atendidos por “Bellezas de las Nueces de Areca” que se visten con uniformes ajustados para atraer a sus clientes, brotaron como hongos por todo el país. By Way of Display habla de este fenómeno singular haciendo foco en su contexto urbano, cultural y social. In Taiwan, the sale of betel nuts –a mild stimulant when chewed– has spawned the development of a new makeshift building type, the betel nut stall. These temporary stores or simple mobile units, staffed by “Betel Nut Beauties” who dress in tight uniforms to attract their customers, have cropped up all over the country. By Way of Display tells about this specific phenomenon by focusing on its urban, cultural and social contexts.

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Austria / Taiwán - Austria / Taiwan, 2003 / 37’ / DCP Color & B&N / Chino / Inglés - Chinese / English D, G, F, DA, P: Karl-Heinz Klopf E: Karl-Heinz Klopf, Kurt Hennrich S: Wolfgang Dorninger M: Radio Asia FM92,7 CP: KlopfKurz Vienna I: Herng-Dah Bih, Ti-Nan Chi, Neifei Ding, Min-Jay Kang, Cheng-Shen Lin

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arquitectura - Karl-Heinz Klopf PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

They Ellos Retrato de un área municipal en el norte de Liverpool, donde un parque ondulado que nadie usa reemplazó lo que alguna vez fue un barrio activo y populoso. Los vecinos del parque pelean por la solidaridad de lo que queda de sus comunidades, mientras buscan una nueva identidad y mejores condiciones de vida. They aborda ese tema con precisión, y también desarrolla una narración propia que lleva a un acercamiento más abstracto y transformador a la forma en que puede ser mirado este paisaje. The portrait of a municipal area in North Liverpool, where an unused hilly park replaced what was once an active, highly populated neighborhood. The neighborhoods around the park fight for the solidarity of their remaining communities, and at the same time search for a new identity and better living conditions.They precisely addresses this issue, whilst also developing its own narration which leads to a more abstract and transformative approach to how this landscape may be viewed.

Austria / Reino Unido - Austria / UK, 2010 35’ / DCP / Color / Inglés - English D, G, F, DA, P: Karl-Heinz Klopf E: Tatia Skhirtladze S: Atanas Tcholakov CP: KlopfKurz Vienna I: Adam Byrne, Frank Green, Shirley Hann, Ann Roach, Jane Corbett

PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

Plan Con una mirada única a la atmósfera de las oficinas de tres arquitectos en Beijing, Plan muestra primeros planos y gestos de personas inmersas en su trabajo, en estrictas condiciones espaciales y en estrecha conexión con dispositivos y programas. Las conferencias internas y discusiones con clientes son observadas en detalle mientras se desarrollan relatos en miniatura. Plan revela cómo una ciudad y su sociedad pueden ser imaginadas con solo mirar el ambiente de un estudio de arquitectura. A unique insight into the atmosphere of three architects’ offices in Beijing, Plan shows close ups of people and their gestures, immersed in their work in stringent spatial conditions and in tight connection with devices and programs. Internal conferences and discussions with clients are watched in detail while miniature-like narrations are developed. Plan reveals how a city and its society can be imagined through the gaze at the milieu of the architect’s office.

Austria / China, 2011 / 30’ / DCP / Color Chino / Inglés - Chinese / English D, G, F, DA, P: Karl-Heinz Klopf E: Tatia Skhirtladze S: Atanas Tcholakov CP: KlopfKurz Vienna

* A pedido del director, la película se proyecta sin subtítulos / At the director’s request the film is screened without subtitles. [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Architecture - Karl-Heinz Klopf

Tower House Casa-torre La casa que Takamitsu Azuma construyó en una parcela de veinte metros cuadrados en 1966 fue considerada, desde el momento de su creación, un símbolo de la vida moderna.

The house Takamitsu Azuma built, in a 20-square-meter plot in 1966, was considered, since the moment of its creation, a symbol of modern life.

Tower House es una casa construida en 1966, en la ciudad de Tokio, por Takamitsu Azuma. En apenas veinte metros cuadrados, la construcción piensa y resuelve problemas arquitectónicos y de convivencia familiar. Está estructurada a partir de una escalera central que asciende en espiral, construida en cemento, que le da a la casa una impresión de ligereza al tiempo que funciona como núcleo a partir del cual todas las habitaciones se van posicionando unas sobre otras. Narrada por la hija de Azuma, quien vivió allí desde niña y fue testigo de los cambios de la casa y de sus alrededores, Tower House describe cómo el espacio que habitamos puede modificar nuestras vidas y costumbres; desde encontrar el rincón perfecto para colgar los sacos hasta saber cómo pisar los escalones para avisar que pasamos de una habitación a otra. Leandro Listorti (Catálogo Bafici ‘14)

The Tower House was built by Takamitsu Azuma in the city of Tokyo in 1966. In just twenty square meters, the construction thinks about and resolves problems of architecture and family cohabitation. It’s structured from a central spiral cement staircase that gives an impression of lightness at the same time it works as a core from which all the rooms are positioned on top of one another. Narrated by Azuma’s daughter, who has lived there since her childhood and witnessed the changes in the house and its surroundings, Tower House describes how the space we inhabit can modify our lives and customs; from finding the perfect spot to hang the coats to knowing how to put our foot on the steps to let people know we’re going from one room to another. LL (Bafici ‘14 Catalogue)

Austria / Japón - Austria / Japan, 2014 / 62’ DCP / Color & B&N / Japonés - Japonese D, G, F, DA, P: Karl-Heinz Klopf E: Tatia Skhirtladze S: Nils Kirchhoff CP: KlopfKurz Vienna I: Rie Azuma

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

arquitectura - Karl-Heinz Klopf

A Tropical House Una casa tropical Filmada casi en su totalidad en tomas estáticas y revelando, piso tras piso, los rincones de una casa, esta es (además de la perfecta continuidad de Tower House) la segunda meditación cinematográfica del director acerca de una arquitectura tan específica como cautivadora.

Almost entirely shot in still shots and revealing the corners of a house floor by floor, this is the filmmaker’s second meditation (and a perfect continuation to Tower House) about a particular architecture, as specific as it is captivating.

La segunda película de la serie iniciada por Tower House retrata la casa que Andra Matin diseñó para vivir junto a su familia. Cómo filmarla pareciera ser la pregunta que este film responde: con la humildad de un observador que se detiene ante un objeto fascinante. La cámara adquiere su pulso mientras recorre paulatinamente la casa y revela su estructura, el modo en que la luz incide en ella o la imagen del agua en un día de tormenta. Ese mismo gesto atraviesa el film mientras los espacios se reconfiguran, dándole tanta importancia a una enorme viga de concreto como a un paraguas que puede convertirse en un techo transportable. Si existiese algo parecido a poder habitar un lugar a la distancia, eso describiría la experiencia que nos brinda esta película. Magdalena Arau

The second film in the series started by Tower House portrays the house Andra Matin designed to live with his family. How to shoot it seems to be the question this film answers: with the humility of an observer that stops in front of a fascinating object. The camera acquires its firmness while gradually walking around the house, and reveals its structure, the way the light impacts on it or the image of water on a stormy day. That very gesture is present throughout the entire film, and the space reconfigure themselves, making an enormous concrete beam and an umbrella that can transform itself into a transportable roof equally important. If it were possible to inhabit a place remotely, it would describe the experience this film provides us with. MA

Austria / Indonesia, 2015 / 51’ DCP / Color / Javanés - Javanese D, G, F, P: Karl-Heinz Klopf E: Tanja Skhirtladze S: Nils Kirchhoff Contacto / Contact Sixpackfilm. Dietmar Schwarzler T +43 1 526 0990 E [email protected] W sixpackfilm.com

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comer y beber eat & drink

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

eat & drink

Ants on a Shrimp Hormigas en un camarón En enero de 2015, el Noma, reconocido como el mejor restaurante del mundo y dirigido por su carismático cocinero René Redzepi, traslada a todo su equipo de Dinamarca a Japón. Un viaje a través de los gustos y sabores de una de las culturas alimentarias más impresionantes del mundo

In January 2015, the Noma, acknowledged as the best restaurant in the world and ran by its charismatic cook René Redzepi, moved all its team from Denmark to Japan. A trip through the flavors and tastes of one of the most impressive food cultures in the world.

René Redzepi y su grupo de selectos chefs se mudan a Tokio para abrir una sucursal de Noma, el mejor restaurante del mundo. Pero en ese designio hay una búsqueda metafísica (y material también): ¿cómo se lidia con la presión de ser “el mejor del mundo”? ¿Cómo se logra estar siempre a la altura de las circunstancias y las expectativas? Desplegando una búsqueda herzoguiana más grande que la vida, liderados por un guía espiritual demente, recorriendo bosques y rincones inhóspitos en busca de ingredientes (locales) que les permitan llegar a platos únicos. Hay padecimiento, dolor, presión y fracaso hasta dar con un acierto. Porque lo que importa para René es la obsesión, la locura, el abandono de la zona de confort: en la experiencia vital radica el secreto de ser los mejores del mundo. Pero quizá nadie jamás sepa a qué precio. Hasta ahora. Cecilia Martínez

René Redzepi and his group of selected chefs move to Tokyo and open a branch of Noma, the finest restaurant in the world. But there’s a metaphysical (and material) search in that fate: how do you deal with the pressure of being “the best in the world”? How do you get to always meet the challenge and expectations? You do it by spreading a Herzogian, larger than life quest lead by an insane spiritual guide, across forests and distant corners, in search of (local) ingredients that allow them to make unique dishes. There’s suffering, pain, passion and failure before an accomplishment. Because what matters for René is obsession, madness and leaving your comfort zone: the secret for being the best in the world lies on having a vital experience. But probably no one knows at what price. Until now. CM

Maurice Dekkers Periodista, director y empresario residente en Ámsterdam. Después de graduarse de la Royal Academy of Arts, hizo la premiada serie Keuringsdienstvan Waarde, que se convirtió en uno de los programas más populares de la televisión holandesa. Ants on a Shrimp es su primer largometraje documental. ​ Amsterdam-based journalist, filmmaker, and entrepreneur. After graduating from the Royal Academy of Arts, he directed the awarded series Keuringsdienstvan Waarde, which became one of the most popular shows on Dutch TV. Ants on a Shrimp is his first feature-length documentary.

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Holanda - Netherlands, 2015 / 88’ / DCP / Color Inglés / Japonés - English / Japanese D, G: Maurice Dekkers F: Hans Bouma E: Pelle Asselbergs S: Jillis Schriel M: Nicolas Jaar P: Nelsje Musch-Elzinga, Dan Blazer CP: BlazHoffski, Dahl TV I: René Redzepi, Lars Williams, Rosio Sanchez, Thomas Frebel, Dan Giusti Contacto / Contact Fortissimo Films T +31 206 273 215 E [email protected] W fortissimo.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

comer y beber

Campo a través. Mugaritz, intuyendo un camino Off Road. Mugaritz, Feeling a Way Pep Gatell nos acerca al universo de Mugaritz, uno de los diez mejores restaurantes del mundo. A través de sus pensamientos y comentarios, el equipo de profesionales culinarios comparte su inspiración, su trabajo y su esfuerzo por alcanzar la excelencia.

Pep Gatell draws us close to the world of Mugaritz, one of the ten best restaurants in the world. Through their thoughts and comments, these cooking professionals share their influences, their work and their efforts to achieve excellence.

“Una flor, otra flor, un maestro”, decía la canción, y un poco así es Campo a través. Pep Gatell llena este documental de planos detalle y cerrados para, partiendo desde lo más pequeño, dar cuenta de la dimensión infinita que pueden tener los grandes proyectos. Flores, hojas, esponjas, llamas, corchos, bocas, instrumentos y texturas de todo tipo se suceden ante nuestros ojos mientras los trabajadores del restaurante Mugaritz, de todo rango y especialización, cuentan en off la experiencia trascendental que es llevar a cabo todos los días una maquinaria semejante. “Una causa, un efecto”, continuaba la canción, y detrás de cada pequeño detalle, filmado con minucia, se esconde el secreto del éxito de los delirios posibles: el trabajo, ese material del que están hechos los sueños. Daniel Alaniz

“One flower, another flower, a master,” said the song, and Campo a través is kind of like that. Pep Gatell fills up this documentary with detailed and closed shots, starting from small elements to express the infinite dimension that can exist in big projects. Flowers, leafs, sponges, flames, corks, mouths, instruments, and all kinds of textures parade in front of our eyes, while the voice over of the workers from the Mugaritz restaurant –from every rank and area– tell us about the transcendental experience of making such machinery work every day. “One cause, one effect,” said the song, and behind every thoroughly filmed detail there’s the secret of success of every possible delirium: work, that material which dreams are made of. DA

Pep Gatell

España - Spain, 2015 / 65’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en España en 1958. Desde 1980, es uno de los directores artísticos de la prestigiosa compañía catalana de teatro La Fura dels Baus. Dirigió los cortometrajes Macaron de caza (2012) y TABA (2013). He was born in Spain in 1958. Since 1980, he is one of the artistic directors of the prestigious Catalonian theater company La Fura dels Baus. He has directed the shorts Macaron de caza (2012) and TABA: The Table Game (2013).

D: Pep Gatell G: Andoni Luis Aduriz, Pep Gatell F: Pol Aregall E: Sara López DA: Nadala Fernández S: Josep Vilagut, Miquel Mestres M: Àlex Ferrer PE: Irene Aldareguia, Francisco Javier Allende Arias, Andrés Luque, Nadala Fernández CP: IXO Producciones, La Fura dels Baus, Euskaltel, Radio Televisión Española I: Andoni Luis Aduriz, Ramon Perisé, Eli Iglesias, Javier Vergara Forcada Contacto / Contact Feelsales. María González T +34 915 903 920 E [email protected] W feelsales.com ~ campoatravesfilm.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

eat & drink

Carne propia Bullseye Un viejo toro campeón emprende el último viaje de su vida, desde la pampa húmeda hacia su último destino: el matadero. En su viaje en camión por las llanuras, la voz de su pensamiento recuerda las más extrañas historias sobre la carne argentina y la influencia que ejerce sobre nosotros.

An old champion bull goes on to its last journey from the humid pampas to its last destination: the slaughterhouse. On its trip through the planes, its thoughts remind us of the strangest stories about Argentine beef and the influence it has on us.

Que está cada vez más cara, que ya no se come tanta, que la mejor se exporta, que si es buena o mala para la salud… Todos tenemos algo para opinar sobre ella porque, como sabía una vieja serie de TV, los argentinos de carne somos. Pero algunos lo son más que otros, y justamente a esos, a los que están del otro lado del mostrador (de la carnicería), nunca los escuchamos. Hasta ahora: este documental le da voz –una voz de recio galán latino– a un toro campeón en su viaje final, para que evoque a su paso relatos tan curiosos como reveladores sobre el lugar que ocupa la carne por estas pampas. O “los lugares”: de la Rural al monumento a la lata de corned beef, y de Berisso a un frigorífico recuperado, Carne propia traza, con agudeza y humor, el mapa posible de una auténtica pasión nacional. Agustín Masaedo

It’s getting more expensive; people are not eating that much of it these days; the finest one gets exported; it’s either good or bad for your health…We all have an opinion about it, because, as one famous TV show said, Argentines are made of beef. But some are more than others, and we never get to hear them, the ones standing on the other side of the butcher’s shop counter. Until now: this documentary provides a voice –a Latin stud voice– to a champion bull on its last journey, so he can evoke stories that are both curious and revealing about the place of beef has in these pampas –or “places”: from the Rural Society to the corned beef monument and from Berisso to an employeerun meatpacking, Bullseye draws a sharp and humorous map of a true national passion. AM

Alberto Romero Fue coguionista del documental Pichuco (2014) y de ¿Quién mató a Mariano Ferreyra? (2013). He co-wrote the documentary Pichuco (2014) and ¿Quién mató a Mariano Ferreyra? (2013).

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Argentina, 2016 / 70’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, P: Alberto Romero F: Martín Turnes E: Juan Martín Hsu S: Pablo Córdoba M: Tito Romero PE: Lucía Miranda CP: Puente Films I: Arnaldo André Contacto / Contact Puente Films. Alberto Romero T +54 9 11 5829 6967 E [email protected] W puentefilms.com.ar ~ facebook.com/CarnePropiaFilm

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE Foto / Photo: Edward Gray

comer y beber

In Defense of Food En defensa de la comida Basado en el bestseller homónimo del periodista Michael Pollan, este documental explora cómo la dieta moderna puede ser perjudicial, y cómo se crea una confusión acerca de lo que es saludable y lo que no.

Based on the bestseller of the same title by journalist Michael Pollan, this documentary explores how modern diet can be damaging, and how there is a confusion between what is healthy and what’s not.

Si no conocen a Michael Pollan, ya es hora de hacerlo. Y si ya lo conocen por sus publicaciones, ahora pueden verlo en este documental que se hace a partir de su libro En defensa de la comida (In Defense of Food ). Y que se enriquece con el conocimiento y la posterior carrera (exitosa) de Pollan, que ha seguido escribiendo best sellers centrados en la comida, en comer, en cocinar. ¿Por qué todas estas maravillas necesitan defensa? Si no lo saben deberían ver esta película cargada de información fundamental, de datos que asombran, de alertas urgentes. Si ya lo saben, y ya leyeron frases de Pollan como “evita productos con ganchos como light, descremado o bajo en grasas”, “evita alimentos que veas anunciados en televisión” o “si se llama igual en todos los idiomas, no es comida”, también saben por qué tienen que ver esta película. Javier Porta Fouz

If you don’t know Michael Pollan, it’s time you do. And if you already know him from his publications, you can now see him in this documentary based on his book In Defense of Food. The film nurtures itself from the knowledge and (successful) career of Pollan, who kept writing bestsellers about food, eating, and cooking. Why do all these marvelous things need a defense? If you don’t know, you should see this film, which is heavy on fundamental information, amazing data, and urgent alerts. If you do know and you already read phrases like “avoid any food with hooks like light, non-fat, or low-fat,” “avoid any food you see advertised on TV,” or “if it’s called the same in every language, it’s not food,” then you know why you have to see this film. JPF

Michael Schwarz Realizó varios largos documentales, entre los que se destacan The Body’s Secret Army (2011) y The War on Microbes (2012). He directed several documentary films including The Body’s Secret Army (2011) and The War on Microbes (2012).

Estados Unidos - US, 2015 / 78’ DM / Color / Inglés - English D: Michael Schwarz G: Edward Gray F: Vicente Franco E: Rhonda Collins, Gail Huddleson S: Ray Day M: Christopher Hedge P: Michael Schwarz, Edward Gray PE: Kiki Kapany CP: Kikim Media I: Michael Pollan Contacto / Contact Kikim Media. Michael Schwarz T +1 650 617 0550 E [email protected] W kikim.com ~ pbs.org/indefenseoffood

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

eat & drink

Kampai! For the Love of Sake ¡Kampai! Por amor al sake Un fabricante británico de sake, un periodista estadounidense y el joven presidente de una destilería en Japón se unen para explorar el misterioso mundo del vino de arroz japonés y su historia.

A British sake manufacturer, an American journalist, and the young president of a distillery in Japan gather to explore the mysterious world of Japanese rice wine and its history.

Es complicada esa cuestión de encontrar algo que dé sentido a la propia vida, algo que no todos logran ni identificar. ¿Qué tienen en común un periodista, un profesor de inglés y el dueño de una destilería? La pasión, la determinación, el haber dedicado la vida a algo, el haber renacido al encontrar un propósito que los remueva de la angustia del vacío existencial. Ellos lo encuentran a su manera, convirtiéndose en especialistas del sake, la bebida tradicional de Japón. Pero son algo más que conocedores: se trata de evangelistas de la bebida a base de arroz, ya que van esparciendo la palabra sagrada y ganando adeptos como en una verdadera cruzada. Porque entienden que el sake no es solo una bebida: es una forma de existir, de vincularse con otros; es ritual, comunión, trabajo y pasión. Y la vida se les va en eso. Cecilia Martínez

Finding a meaning to one’s life is complicated. It’s something not everyone succeeds in identifying. What do a journalist, an English teacher, and the owner of a distillery have in common? A passion, a determination having devoted their lives to something, having been born again by finding a purpose that removes them from the existential vacuum. They find it their own way, turning into experts in sake, Japan’s traditional drink. But they are something more than connoisseurs: they are evangelists of the rice-based drink, and go around spreading the holy word and gaining devotees as though it were a true crusade. Because they understand that sake is not just a drink: it’s a way of existing, of relating with others; it’s ritual, communion, work and passion. And their lives revolve around it. CM

Mirai Konishi Creció en Japón, y se formó en la Universidad de Carolina del Sur (USC). Dirigió un cortometraje, y actualmente escribe sobre cine en las publicaciones japonesas Roadshow y Cut. He grew up in Japan and trained at the University of Southern California (USC). He directed a short film, and currently writes about film in the Japanese publications Roadshow and Cut.

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EU -USA / Japón - Japan, 2015 / 95’ / DCP / Color Inglés / Japonés - English / Japanese D, G, E: Mirai Konishi F: Masami Inomoto, Mirai Konishi M: Stephen Viens I: Philip Harper, John Gauntner, Kosuke Kuji Contacto / Contact Fortissimo Films T +31 206 273 215 E [email protected] W fortissimo.nl

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

comer y beber

L’ADN du ceviche The Ceviche DNA El ADN del ceviche Recorriendo la costa norte del Perú, Amazonia y Lima, este documental explora los aspectos históricos y sociopolíticos en torno al ceviche, un plato consumido en Perú desde la época precolombina.

This documentary goes through the northern shore of Peru, Amazonia, and Lima, and explores the historical and sociopolitical aspects of ceviche, a dish from Peru that dates back to pre-Columbian times.

Un plato-marca para un país que logró hacer de su gastronomía un valor y un destino cultural y turístico. Un boom que alcanza a los restaurantes y a la producción de alimentos, desde los arquitectos que diseñan los ambientes hasta los pescadores artesanales, además de Gastón Acurio, el más famoso promotor y casi un político en campaña permanente por la comida. El ceviche como comida popular en la calle. Su historia. Su preparación, contada y mostrada en cámara con una sencillez que exhibe en pocos minutos todo el conocimiento de generaciones puesto en este plato. Este film es una exploración ambiciosa y rítmica, que recorre el Perú para buscar, preguntar y mostrar. Uno de los mejores sentidos –de los más soleados, de los más sabrosos– que se le pueden dar al término “documental de investigación”. Javier Porta Fouz

A trademark dish for a country that managed to turn its gastronomy into something of value and a cultural and touristic destination. It’s a trend that stretches to restaurants and food production, from architects designing places and small fishermen to Gastón Acurio, its most famous promoter, almost a politician in a permanent campaign for food. Ceviche as a popular street meal. Its history. Its preparation explained and showed in camera in a simple manner that in just a few minutes expresses the knowledge of generations transmitted into this dish. This film is an ambitious and rhythmic exploration that goes through Peru seeking, asking, and showing. One of the finest –sunniest, tastiest– meanings you can provide to the term “research documentary.” JPF

Orlando Arriagada

Canadá / Perú - Canada / Peru, 2015 / 85’ DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Chile y se nacionalizó canadiense. En 2007 fundó la productora Pimiento, y ha dirigido varios largometrajes, como Derrière le miracle (2011) y Miss Inc. (2013). He was born in Chile, and became a Canadian citizen. In 2007 he founded the production company Pimiento, and directed several films, including Derrière le miracle (2011) and Miss Inc. (2013).

D, M: Orlando Arriagada G: Louis-François Grenier F: François LégerSavard E: Guillermo López Pérez DA: Alain Fournier S: Nestor Andrés Vélez Ruiz M: Orlando Macedo Conceição P: Orlando Arriagada PE: Dominique Séguin CP: Productions Pimiento Inc. I: Santiago Uceda Castilo, Bernardo Roca Rey, Gastón Acurio, Javier Wong, Susana Baca Contacto / Contact Productions Pimiento. Isabel Jiménez T +1 514 662 5281 E [email protected] W pimiento.ca ~ adnceviche.tv

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

eat & drink

Sagardoa bidegile - Historias de sidra Cider Stories Cuatro meses al año, las sidrerías vascas atraen a miles de comensales, locales y foráneos. Todos esperan cumplir con la tradición: degustar un menú a base de tortilla, bacalao, chuleta y queso, y beber sidra al grito de “¡txotx!”.

Four months a year, the Basque cider bars attract thousands of people, both local and foreign. Everyone waits to fulfill the tradition: enjoying a menu of Spanish omelette, cod, chop and cheese, and drinking cider to the cry of “¡txotx!”.

Hay películas que cumplen un rol especial dentro de un festival de cine, y son particularmente útiles para aquellos que nos internamos en sus salas durante días enteros. Breves y distendidas, son pequeños recreos entre las numerosas funciones de la vida festivalera. Sagardoa bidegile - Historias de sidra es una de estas películas. El documental de Bego Zubia Gallastegi se interna en el mundo de las sidrerías vascas en su período de mayor actividad para ofrecer un recorrido exhaustivo de todos sus procesos, de los clásicos a los modernos. Lejos de limitarse a la mera observación y descripción, el film emprende un viaje que explora cómo la gastronomía puede exceder la alimentación y pasar a relacionarse intrínsecamente con un pueblo y moldear su mismísima identidad. Emiliano Andrés Cappiello

There are films that play a special role within a film festival, and are particularly useful for those of us who confine ourselves in its theaters for full days. Brief and relaxed, they are small breaks among the many shows of festival life. Cider Stories is one of these films. Bego Zubia Gallastegi’s documentary penetrates the world of Basque cider bars in their most active period in order to offer a thorough journey through all of its processes, from the classic to the modern. Far from limiting itself to merely observing and describing, the film embarks on a trip that explores how gastronomy can transcend food and end up relating intrinsically to a town to the point of molding its own identity. EAC

Bego Zubia Gallastegi Ha desarrollado gran parte de su carrera como periodista en prensa escrita y televisión. Actualmente es directora del programa de divulgación científica Teknopolis (Elhuyar-ETB), y dirigió varios mediometrajes documentales para televisión, como Viaje a la prehistoria (2013) y Tras el hierro antiguo (2014). She has made a career as a press and television journalist. She currently directs the scientific dissemination program Teknopolis (Elhuyar-ETB), and has directed many mid-length documentaries for television, such as Viaje a la prehistoria (2013) and Tras el hierro antiguo (2014).

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España - Spain, 2015 / 65’ / DM / Color Euskara - Español / Euskara - Spanish D, G: Bego Zubia Gallastegi F: Juantxo Sardón E: Asier Pujol DA: Juantxo Sardón, Bego Zubia Gallastegi S: Lolo Ruiz M: Igor Arroyo P, PE: Manex Urruzola CP: Elhuyar, Pixel Contacto / Contact Elhuyar, Pixel. Manex Urruzola T +34 688 825 876 E [email protected] W elhuyar.eus ~ sagardoabidegile.eus

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

comer y beber

Snacks, bocados de una revolución Snacks, Bites of a Revolution Grandes figuras de la vanguardia culinaria española recuerdan cómo fueron capaces de contagiarle al mundo su pasión por reinventar la cocina desde la absoluta libertad y crear un nuevo lenguaje que ahora se habla en todos lados.

Big names of the Spanish food vanguard remember how they were able to spread throughout the world their passion for reinventing cooking with absolute freedom and creating a new language that is now spoken worldwide.

Este es un documental acerca del poder arrollador de la pasión. Una que se construye entre una generación y la otra, de esas que se exponen a la crítica y al ridículo. Servir una espuma fue un acto de bravura y hoy se encuentra en los podios de la genialidad culinaria. Narrada en primera persona, Snacks, bocados de una revolución va en busca de ese árbol genealógico que sostuvo un cambio en el paladar español y, desde allí, se extendió hacia el mundo. Un grupo (de incomprendidos) relevó la antorcha de la nouvelle cuisine, que luego pasaría a manos más jóvenes y luego a otras mucho más juveniles aún. El concepto, la idea y la vanguardia convertidos en platos reveladores hicieron temblar los conceptos de artesano y artista como pocas veces había sucedido, cuchillo y tenedor en mano. Sol Santoro

This is a documentary about the overwhelming power of passion. One that is built between one generation and the next, and is exposed to criticism and ridicule. Serving foam was an act of bravery, and it’s now in the podiums of culinary genius. Narrated in the first person, Snacks, Bites of a Revolution goes out in search of that family tree that made a change in Spanish palates and then extended worldwide. A group (of unappreciated people) passed on the torch of the nouvelle cuisine, which would in turn be passed to younger hands and then to even younger ones. Avant-garde ideas and concepts turned into revealing dishes that shook the concepts of craftsman and artist as few times before, knife and fork in hand. SS

los directores / the Directors Verónica Escuer: nació en España y creó el festival Film & Cook. Cristina Jolonch: nació en España, y trabaja como periodista gastronómica en La Vanguardia. Verónica Escuer was born in Spain and created the festival Film & Cook. Cristina Jolonch: was born in Spain and works as a food journalist in La Vanguardia.

España - Spain, 2015 / 48’ / DCP / Color Español / Spanish - Inglés / English D, G: Verónica Escuer, Cristina Jolonch F: Marc González E: Montse Povea, Arturo Bastón P, PE: Verónica Escuer CP: Implementia Films I: Grant Achatz, Gastón Acurio, Albert Adrià, Ferran Adrià, Andoni Luis Aduriz Contacto / Contact Implementia Films. Verónica Escuer E [email protected] W implementia.es ~ snacksfilm.com

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Hacerse grande Coming of age

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Coming of Age

Bang Gang (Une histoire d’amour moderne) Bang Gang (A Modern Love Story) Bang Gang (Una historia de amor moderna) George, una chica de 16 años, se enamora de Alex. Para llamar su atención crea un juego en el que todo el instituto va a descubrir, probar y explorar los límites de su sexualidad.

George, una chica de 16 años, se enamora de Alex. Para llamar su atención crea un juego en el que todo el instituto va a descubrir, probar y explorar los límites de su sexualidad.

La mayoría de los dramas sexuales estadounidenses sobre la adolescencia tienen un solo propósito, y es el de intentar que los padres teman por las almas mortales de sus hijos. Estas películas suelen tomar uno de estos dos caminos: ser oscuras y hacer que la adolescencia parezca una fuerza destructora imparable o brindar una salida de todo este caos profano a través del amor. Bang Gang ofrece otra posibilidad. Ostensiblemente centrada en orgías adolescentes y hedonismo gratuito, no muestra escándalos traumáticos ni ataques de ira por parte de los padres. En cambio, muestra cómo el sexo y el deseo pueden llevar a los jóvenes a conocer más y desarrollar un afecto mutuo genuino. La película se centra en el mismo momento que la mayoría de los dramas sexuales adolescentes: aquel en que estos jóvenes logran ver todo el poder de su imaginación erótica antes de ser capaces de canalizarla. Piers Marchant

Most American teen sex dramas serve a singular purpose, and that is to make parents terrified for their children’s mortal souls. These films generally go one of two ways: they’re bleak and make adolescence seem an unstoppable destructive force, or they offer a way out of such unholy chaos through love. Bang Gang offers another possibility. Ostensibly focused of teen orgies and wanton hedonism, it does not present shocking scandal and parental meltdowns, but instead reveals how sex and desire can lead to children’s evolving wisdom and genuine mutual affection. The film draws our attention to the same moment most teen sex dramas do, when adolescents come to see the full power of their erotic imaginations before being able to channel it. PM

Eva Husson Nació y se crió en Francia, donde recibió su máster en Literatura Inglesa en La Sorbona. Luego estudió en el American Film Institute, y dirigió el corto Hope to Die (2004). She was born and raised in France, where she received her Master’s Degree in English Literature at La Sorbonne. She then studied at the American Film Institute, and directed the short Hope to Die (2004).

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Francia - France, 2015 / 98’ / DCP / Color / Francés - French D, G: Eva Husson F: Mattias Troelstrup E: Emilie Orsini DA: David Bersanetti S: Morgan Kibby M: White Sea P, PE: Didar Domehri, Laurent Baudens, Gaël Nouaille CP: Full House I: Finnegan Oldfield, Marilyn Lima, Daisy Broom, Lorenzo Lefebvre, Fred Hotier Contacto / Contact Films Distribution. Laura Nacher T +33 153 103 399 E [email protected] W filmsdistribution.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE Foto / Photo: Stefan Berg

hacerse grande

Becoming Zlatan Den unge Zlatan Convirtiéndose en Zlatan Los años decisivos del futbolista sueco que juega como delantero en el Paris Saint-Germain, desde su debut en el Malmö hasta sus conflictos con el Ajax y su paso por la Juventus.

The decisive years of the Swedish soccer star who plays forward for the Paris Saint-Germain, from his debut in Malmö to his conflicts in Ajax and his time in Juventus.

Zlatan Ibrahimović sorprende una vez más, esta vez como retratado en un documental de narrativa y propósito claros: contar cómo fue que un adolescente de Malmö, Suecia, pasó a los grandes clubes de Europa y se convirtió en estrella global; los días en su primer equipo, su venta y su carrera en el Ajax. Años agitados: sus dificultades de adaptación, su confianza, su arrogancia, su notoria conflictividad. Y su talento futbolístico inaudito, difícil de creer en un jugador de su porte. Cada etapa que muestra este documental –llamarlo atractivo es pecar de frialdad– se documenta con un archivo riquísimo (que nos ofrece incluso al adolescente Zlatan jugando a la Play con su novia de ese entonces con cara de fastidio), entrevistas a los defensores que entraron en guerra con el delantero y, claro, jugadas y goles esplendorosos en pantalla grande. Javier Porta Fouz

Zlatan Ibrahimović surprise us once again, this time as the object of a documentary with a precise narrative and goal: portraying the story of how a teenager from Malmö, Sweden, jumped to the finest teams in Europe and became a global star, including his early days, his transfer, and his career at the Ajax. Troubled years: the hard time adapting, his trust, his arrogance, his famous conflictive nature. And his unique soccer talent, which is hard to believe in a player his size. Each stage presented in this documentary –calling it attractive would be a gross understatement– is documented with plenty of archive material (which even includes Zlatan as a teenager, playing Play Station while his girlfriend puts up a face), interviews with the defense players who clashed against this forward, and of course, amazing plays and goals on a big screen. JPF

los Directores / the Directors Fredrik Gertten nació en Suecia en 1956. Trabajó como periodista, publicó el libro de viajes Young Man Looking for the World (1995) y produjo documentales y programas de entretenimiento para televisión. Magnus Gertten nació en Suecia en 1953, y estudió periodismo. Codirector de la productora Auto Images, realizó varios documentales, entre los que se encuentran Rolling Like a Stone (2005) y Hoppets Hamn (2012; Bafici ‘15). Fredrik Gertten was born in Sweden in 1956. He worked as a journalist, published the travel book Young Man Looking for the World (1995), and produced documentaries and entertainment TV shows. Magnus Gertten was born in Sweden in 1953, and studied journalism. A co-director at the production company Auto Images, he directed several documentaries, including Rolling Like a Stone (2005) and Hoppets Hamn (2012; Bafici ‘15).

Suecia / Holanda / Italia - Sweden / Netherlands / Italy, 2015 95’ / DCP / Color / Sueco / Holandés / Inglés / Italiano Swedish / Dutch / English / Italian D: Fredrik Gertten, Magnus Gertten F: Jon Rudberg, Caroline Troedsson E: Jesper Osmund S: Marcel De Hoogd, Davide Favargiotti M: Florencia Di Concilio, Marc Lizier P: Margarete Jangård, Lennart Ström CP: Auto Images AB, WG Film I: Zlatan Ibrahimovic, Leo Beenhakker, Fabio Capello Contacto / Contact Swedish Film Institute. Sara Rüster T +46 8665 1141 E [email protected] W sfi.se

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Coming of Age

Días de Cleo Days of Cleo Cleo vive con su perra Esperanza y habita un universo apático cuya calma se verá progresivamente interrumpida por una serie de encuentros –familiares, amorosos, siempre inesperados– que irán desintegrando el limbo en el que se encuentra.

Cleo lives with her dog Esperanza and inhabits an apathetic universe whose calm will become progressively disturbed by a series of encounters –of family, of love, always unexpected– that will start to disintegrate the limbo she’s in.

Nada parece ir del todo bien en la vida de Cleo. Ni su trabajo ni su entorno le ofrecen algo más que una rutina anodina. Sus amigas se preocupan, pero los intentos por distraerla no hacen más que empeorar las cosas. Un posible novio, alguna salida… Todo fracasa sin siquiera despertar su interés. Evidentemente las cosas están mal, y por algo debe ser. Esto le repiten con tal insistencia que se termina instalando en su cabeza con fuerza obsesiva, hasta que una inexplicable aparición callejera parece dar la clave para resolver el misterio y despejar las nubes que cubren su casa. Entonces, presa de la sugestión, Cleo se pone en marcha. Entre rituales esotéricos y pequeñas revanchas liberadoras, buscará restablecer el equilibrio perdido, aquel que pueda devolverles el encanto a sus días. Magdalena Arau

Nothing in Cleo’s life seems to go down right. Neither her job nor the people around her offer anything better than a dull routine. Her friends are worried, but their attempts at distracting her only make things worse. A potential boyfriend, a night out… everything fails and doesn’t even catch her interest. Clearly, things are bad, and there must be a reason for it. This is what people tell her with such insistence that the notion gets into her head with an obsessive force, until an inexplicable street apparition seems to provide the key that will solve the mystery and clear out the clouds that cover her home. A prisoner of suggestion, Cleo then sets herself in motion. Through esoteric rituals and small liberating paybacks, she will try to re-establish her lost balance, one that can put a smile back on her days. MA

María Elvira Reymond

Chile, 2015 / 77’ / DCP / Color / Español - Spanish

Es licenciada en Letras Hispánicas en la Universidad Católica de Chile, estudia guion y dirección cinematográfica en Barcelona. Dirigió los cortos Lluvia (2012), Val París Oh (2014) y Las fuerzas físicas de la mente (2015). She has a bachelor’s degree in Hispanic Letters from Chile’s Catholic University, and studies screenwriting and filmmaking in Barcelona. She directed the shorts Lluvia (2012), Val París Oh (2014) and Las fuerzas físicas de la mente (2015).

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D, G, E, P, PE: María Elvira Reymond F: Carlos Wong DA: Josefina Labán S: Sonamos M: Carlos Cohl CP: Caballito Blanco, Sonamos I: Natalia Ramírez, Paloma Más, Pedro Fontaine, Edmundo Arrocet, Jonathan Prado Contacto / Contact Caballito Blanco. María Elvira Reymond T +56 975 833 739 E [email protected] W caballitoblanco.com ~ diasdecleo.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

hacerse grande

God Bless the Child Dios bendiga al niño Una mirada sobre la vida de un quinteto de niños durante la tarde en la que su madre se marcha de la casa. Esa ausencia funciona como un vehículo para crear un mundo aparentemente inconsciente de fantasía y aventuras con el humor, la ternura y la alegría de la infancia.

En una casa modesta, librados a su suerte, cuatro niños pequeños pasan el día bajo el cuidado de su hermana mayor. Una excursión por los alrededores, corridas por un parque, sesiones de karaoke y lucha libre, llantos, gritos, helados, trepadas a los techos y agua a manguerazos. “God bless the child that’s got his own”, cantaba Billie Holiday, y en esa afirmación pareciera construirse esta película, que moldea el mundo a su medida. Venciendo cualquier desamparo, ahuyentando todo peligro y con la libertad formal de poder correrlos a la par, la película expulsa a los adultos para ganar en su terreno pura autonomía; cada experiencia es aventura y las posibilidades parecen infinitas. Un elogio a la infancia salvaje, filmada a un metro de altura. Magdalena Arau

A look into the life of five children in the afternoom their mother leaves home. This absence works as a vehicle to create a seemingly unconscious universe of fantasy and adventure, with the humor, tenderness, and joy of childhood.

In a modest house, and left to their own devices, four small children spend the day under the care of their older sister. An excursion through their surroundings, running in a park, karaoke sessions and wrestling, crying, yelling, ice-creams, some roofclimbing, and water through a hose. “God bless the child that’s got his own,” sang Billie Holiday, and the film seems to be built upon that statement, as it shapes the world to their measure. Beating any kind of neglect, chasing away any kind of danger an with enough freedom in its form to run along with them, the film does away with adults in order to gain some pure autonomy, where every experience is an adventure and the possibilities seem endless. A celebration of wild childhood shot one meter from the floor. MA

Robert Machoian Nació en California, Estados Unidos. Dirigió Waiting Room (2010), By the Sea y Forty Years from Yesterday (ambas 2013), entre otras. He was born in California, USA. He directed Waiting Room (2010), By the Sea and Forty Years from Yesterday (both 2013), among others.

Rodrigo Ojeda-Beck Nació en California, Estados Unidos. Realizó varios cortos y codirigió, junto a Robert Machoian, el largo Forty Years from Yesterday (2013). He was born in California, USA. He directed several short films and co-directed the feature Forty Years from Yesterday (2013) with Robert Machoian.

Estados Unidos - US, 2015 / 94’ DCP / Color / Inglés - English D: Robert Machoian, Rodrigo Ojeda-Beck G: Robert Machoian, Rebecca Graham F, DA: Robert Machoian E, S: Rodrigo Ojeda Beck P: Laura Heberton, Robert Thomas CP: 433 Pictures, Hot Metal Films, 3Rs I: Harper Graham, Elias Graham, Arri Graham, Ezra Graham, Jonah Graham Contacto / Contact Hot Metal Films. Laura Heberton T +1 917 628 9476 E [email protected] W hotmetalfilms.com

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Coming of Age

Mate-me por favor Kill Me Please Matame, por favor Una ola de asesinatos invade Barra de Tijuca, al oeste de Río de Janeiro. Lo que comienza como una curiosidad mórbida se apodera lentamente de los jóvenes de la zona, entre ellos, Bia, una adolescente en pleno despertar sexual.

A wave of murders invades Barra de Tijuca, west of Rio de Janeiro. What begins as a morbid curiosity will slowly take over the young people living in the area, including Bia, a teenager in the midst of her sexual awakening.

Barra de Tijuca. Un grupo de chicas adolescentes, llenas de inquietudes propias de su edad, se ve afectado por una ola de ataques y asesinatos a jóvenes mujeres en la zona. Ellas son Bia, Mariana, Michele y Renata, y parecen, por un lado, aburridas del tedio de la vida burguesa y, por otro, fascinadas con la idea de la muerte, la de otras que podrían ser ellas mismas. Tal como se preanunciaba en sus cortometrajes, la ópera prima de esta joven realizadora carioca pone de manifiesto un gran manejo del lenguaje audiovisual, así como un profundo conocimiento del género, para dar forma a un film complejo y de gran libertad a la hora de utilizar los recursos: desde los más pop para retratar el mundo teen de las chicas, hasta los que remiten al cine de terror para dar cuenta de los efectos psicológicos que estos asesinatos tienen en ellas. Violeta Bava

Barra de Tijuca. A group of teenage girls with the typical insecurities of that age is affected by a wave of attacks and murders of young women in the area. They are Bia, Mariana, Michele, and Renata, and they seem bored with the tedium of bourgeois life, and fascinated with the notion of death, the death of others who could also be them. Just as her short films preannounced, the first film by this young filmmaker from Rio de Janeiro features a great management of audiovisual language, as well as a profound knowledge of genre, and shapes up a complex and liberating film by using resources that range from pop –in her portrait of the girls’ teen universe– to horror, in order to express the psychological effects of these murders on them. VB

Anita Rocha Da Silveira Se graduó en 2008 en la Universidad Pontífice Católica de Río de Janeiro. En los últimos años, ha trabajado como asistente de dirección, docente y guionista. Escribió, editó y dirigió los cortometrajes O vampiro do meio-dia (2008), Handebol (2010) y Os Mortos-vivos (2012). She majored in 2008 at the Universidad Pontífice Católica in Rio de Janeiro. In recent years, she has worked as an assistant director, a professor and scriptwriter. She wrote, edited and directed the short films O vampiro do meio-dia (2008), Handebol (2010) and Os Mortos-vivos (2012).

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Brasil / Argentina - Brazil / Argentina, 2015 104’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese D, G: Anita Rocha da Silveira F: João Atala E: Marilia Moraes DA: Dina Salém Levy S: Manuel de Andrés M: Bernardo Uzeda P: Vania Catani PE: Vania Catani, Lili Nogueira CP: Bananeira Filmes, Rei Cine I: Valentina Herszage, Mari Oliveira, Julia Roliz, Dora Friend, Carol Baptista Contacto / Contact Bananeira Filmes. Vania Catani T +55 212 225 6552 E [email protected] [email protected] W bananeirafilmes.com.br

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

hacerse grande

Maturità Canu, una estudiante del último año del secundario, mantiene una relación a escondidas con un profesor del colegio. Cuando su padre descubre la verdad, escapa a una humilde pensión céntrica, donde vive experiencias que la llevarán a tomar decisiones clave en su vida.

Canu, a student in her last year of high school, is having a secret relationship with one of her professors. When her father finds out the truth, she escapes to a humble pension downtown, where she goes through experiences that will lead her to make some key decisions.

Debajo de su historia vaporosa de romance clandestino, Maturità despliega una fábula de espíritu adolescente: depurada en la forma, libre en el tono, emocionalmente pertinente y bella como ella sola. Pronto vemos que el director, en realidad, no filma el cuento de un amor contrariado por las convenciones sociales sino un modo, una vibración. La película recorre la ciudad, el colegio de la protagonista, algún que otro boliche; todo con la convicción, ciertamente conmovedora, de que lo que más importa está siempre a punto de escaparse, como el tiempo de los personajes o esas imágenes improbablemente espectrales que acechan en los pasillos o se cruzan delante de las cámaras de seguridad. Canu parece una chica cualquiera, pero la película, en un gesto irrepetible, declara que ella y su pequeño mundo pueden también ser la materia indeclinable del cine. David Obarrio

Under its steamy, forbidden-love story, Maturità lays out a teenspirited fable, polished in its form, free in its tone, emotionally appropriate and beautiful as can be. We will soon realize that, actually, the director does not film the story of a love torn up by conventions, but a mode, a vibration. The film wanders aroung the main character’s city, her school, a few nightclubs; all of it with the certainly moving conviction that what matters the most is always on the verge of slipping away, just like time, or those improbably spectral images that haunt the corridors or appear in security cameras. Canu looks like an ordinary girl, but the film, in a unique gesture, declares that she and her small world can also be the indeclinable substance of film. DO

Rosendo Ruiz

Argentina, 2016 / 75’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en San Juan en 1967, pero vive en Córdoba, donde se licenció en cine y TV. Su ópera prima, De caravana (2010), participó en la Competencia Internacional del Festival de Mar del Plata. Sus largos Tres D y Todo el tiempo del mundo participaron en la Competencia Argentina del Bafici. He was born in the province of San Juan in 1967, but lives in Córdoba, where he got a Bachelor’s Degree in Film & TV. His first feature, De caravana (2010), was part of the International Competition at the Mar del Plata Film Festival. His features Tres D and Todo el tiempo del mundo were part of the Argentine Competition at Bafici.

D: Rosendo Ruiz G: Rosendo Ruiz, Candela Álvarez, Paula Ledesma, Verónica Varrone, Alina Santaella, Victoria Tisera, Luciana Dalfovo, Federico González Kriegel F: Pablo González Galetto E: Ramiro Sonzini, Rosendo Ruiz DA: Isabel Riberi S: Atilio Sánchez M: Claudio Soria, Alejo Navarro, Matías Ludueña PE: Inés Moyano, Sergio Badino CP: Colegio Dante Alighieri, El Carro Contacto / Contact El Carro. Rosendo Ruiz T +54 9 351 683 1205 E [email protected]

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Coming of Age

Montanha David, de 14 años, se ve obligado a convertirse en el hombre de la casa, mientras su abuelo vive sus últimos días en el hospital.

Fourteen year-old David is forced to become man of the house while his grandfather lives his last days at the hospital.

Con solo 28 años, João Salaviza, auténtico wonder boy del último cine portugués, había ganado ya una Palma de Oro en Cannes y un Oso de Oro en Berlín con sus cortos Arena y Rafa, que vencían la (inquietante) etiqueta de “cine social” por la concisión y emotividad en el dibujo de sus inolvidables protagonistas. En ese mismo registro se mueve su primer largo, con otro rebelde con causa en busca de su destino en un barrio lisboeta. Un western urbano, casi atemporal por su deliberada renuncia a usar signos del presente –celulares, computadoras, redes sociales–, con la épica de la adolescencia en su intento de no sucumbir ante la condescendencia y el cansancio, la soledad y el vacío. La épica de sobrevivir al más duro de los ochomiles: el descubrimiento del dolor y el desencanto. Martin Pawley

With only 28 years of age, João Salaviza, a true wonder boy of late Portuguese cinema of late, had already won a Palm D’Or at Cannes and a Golden Bear in Berlin with his shorts Arena and Rafa, which defeated the (disturbing) label of “social cinema” due to the conciseness and emotion in the sketching of their unforgettable protagonists. His first feature moves in the same direction, with another rebel with a cause in search of his destiny in a Lisbon neighborhood. An urban, almost timeless western with a deliberate refusal to use signs from the present –cell phones, computers, social networks–, about the epic of adolescence and its attempt to not give in to condescendence and exhaustion, loneliness and emptiness. The epic of surviving the toughest of high peaks: the discovery of sorrow and disappointment. MP

João Salaviza Nació en Portugal en 1984, y estudió en la Universidad del Cine de Buenos Aires. Dirigió varios cortometrajes, como Arena (2009) y Rafa (2012). He was born in Portugal in 1984, and studied at Universidad del Cine, in Buenos Aires. He directed many shorts, such as Arena (2009) and Rafa (2012).

Portugal / Francia - Portugal / France, 2015 91’ / DCP / Color / Portugués - Portuguese D, G: João Salaviza F: Vasco Viana E: Edgar Feldman, Joao Salaviza S: Olivier Blanc P: Maria Joao Mayer, François d’Artemare CP: Filmes de Tejo II, Les films de l’Après-midi I: David Mourato, Maria Joao Pinho, Rodrigo Perdigao, Cheyenne Domingues, Ema Araujo Contacto / Contact Pyramide International. Ilaria Gomarasca T +33 142 960 220 E [email protected] W inter.pyramidefilms.com

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hacerse grande

The Diary of a Teenage Girl Diario de una adolescente San Francisco en los años setenta. En medio de la escena post-hippie, el punk rock y la cocaína, Minnie, una chica de 15 años que aspira a ser artista de cómics, pierde la virginidad, pero su primer amante no es otro que el novio de su madre.

San Francisco in the 1970s. In a post-hippie environment of punk rock and cocaine, 15-year-old Minnie wants to be a comic book artist and loses her virginity, but her first lover is none other than her mother’s boyfriend.

Relato de la relación romántica y sexual entre una quinceañera y un hombre de 35 (que es, además, el novio de su madre), la primera adaptación al cine de la novela gráfica y semiautobiográfica de Phoebe Gloeckner –una artista que se nutrió de los lisérgicos trabajos de Robert Crumb y su mujer Aline Kominsky– no sucumbe al escándalo ni a la moralina y se aleja todo lo posible de los lugares comunes de la obra de denuncia. Hija de una madre soltera, fiestera y un poco irresponsable, Minnie tiene todo lo que les falta a las chicas que la industria de la idolatría pop fabrica en serie, empezando por el póster de Janis Joplin, una intensa curiosidad y las calles de San Francisco de mediados de los años setenta de fondo. Las páginas de su salvaje diario se nos abren con humor, honestidad y una inusual combinación de morbo y ternura. Mariano Kairuz

A story about the romantic and sexual relationship between a 15-year-old and a 35-year-old man (who’s also his mother’s boyfriend), the first film adaptation of the graphic, semi-autobiographical novel by Phoebe Gloeckner –an artist influenced by the lysergic works of Robert Crumb and his wife Aline Kominsky– never succumbs to scandal or becomes a morality tale, and steers clear from all the clichés of denunciation works. Minnie, daughter of a single man, loves to party and is a bit irresponsible, has everything that’s lacking in the girls that the industry of pop idolatry mass-produces, starting with a Janis Joplin poster, an intense curiosity and the streets of San Francisco in the ‘70s as backdrop. The pages in her wild diary are shown to us with humor, honesty and an unusual combination of morbidity and tenderness. MK

Marielle Heller

Estados Unidos - US, 2015 / 101’ / DCP / Color / Inglés - English

Nació en California en 1979. Ha trabajado como actriz en cine y televisión, además es guionista y directora. She was born in California in 1979. She worked as an actress in film and television, and is also a writer and director.

D, G: Marielle Heller F: Brandon Trost E: Marie-Hélène Dozo, Koen Timmerman DA: Jonah Markowitz M: Nate Heller P: Anne Carey, Bert Hamelinck, Madeline Samit, Miranda Bailey PE: Michael Sagol, Amanda Marshall, Jorma Taccone, Amy Nauiokas I: Bel Powley, Alexander Skarsgård, Christopher Meloni, Kristen Wiig Contacto / Contact Sony Pictures in Argentina. Cecilia Chiappano E [email protected] W uip.com.ar

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Coming of Age

Entrecampos En esta suerte de precuela de Maria do Mar (Competencia V&G), Mariana es una chica de 11 años que acaba de mudarse desde Serpa a Lisboa con su padre. Los primeros días se van limpiando la casa y conociendo el barrio nuevo, Entrecampos. Después del primer día de clases, Mariana se pierde volviendo a casa y tiene que llamar a su padre para que la ayude. Al día siguiente, se hace amiga de un compañero, Nicholau, y de su hermano mayor, Simão. Ellos la invitan a almorzar y la ayudan a llegar a casa. In this prequel of sorts to Maria do Mar (AG&G Competition), Mariana is an 11-year-old girl from Serpa who just moved to Lisbon with her father. The first days are spent cleaning the house and getting to know the new neighborhood, Entrecampos. After the first day of school, she gets lost on the way home and has to call her father for help. The next day, she becomes friends with a boy in her class, Nicholau, and his older brother, Simão. They invite Mariana for lunch and help her to get home.

Portugal, 2012 / 32’ / DCP / Color / Portugués / Portuguese D, G: João Rosas F: João Pedro Plácido E: Telmo Churro, João Rosas S: Tiago Matos P: Luis Urbano, Sandro Aguilar CP: O Som e a Fúria I: Francisca Alarcão, Francisco Melo, João Simões, Miguel Carmo Contacto / Contact Agencia - Portuguese Short Film Agency. Salette Ramalho T +351 252 646 683 E [email protected] W curtas.pt/agencia

João Rosas Nació en Lisboa, Portugal, en 1981. Se formó en la Escuela de Cine de Londres. Publicó tres libros de cuentos, y dirigió el cortometraje My Mother Is a Pianist (2006) y el documental Birth of a City (2009). He was born in Lisbon, Portugal, in 1981. He trained at the London Film School. He published three books of short stories, and directed the short film My Mother Is a Pianist (2006) and the documentary Birth of a City (2009).

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música music

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

music

American Epic Trilogy Trilogía de la épica americana Este recorrido imperdible por la cultura popular norteamericana se exhibe como una verdadera maratón en continuado que constituye todo un acontecimiento para los aficionados a la música.

This mandatory journey through American pop culture is screened as a series, like a true marathon that constitutes a special event for music fans.

Esta verdadera épica de la música americana dividida en tres partes (The Big Bang, Blood and Soil y Out of the Many the One) es un recorrido fascinante por la historia de géneros diversos, intérpretes y compositores, pero también es una saga pletórica de pasión, diversión, trabajo e inspiración. El colapso de las compañías musicales en los años veinte, la necesidad de inventar una máquina trasladable para poder grabar a los músicos lejos de los centros urbanos y el “descubrimiento” de una vasta zona de artistas ignorados –la mayoría pobres– constituyen el comienzo de lo que hoy conocemos como la música moderna de los Estados Unidos. Los nombres más o menos célebres que desfilan por la pantalla son muchos, cada uno un pionero o un continuador aventajado de quienes lo precedieron, pero la riqueza del conjunto, que se puede ver sobre todo en el extraordinario material de archivo, es algo digno de apreciarse. David Obarrio

This true epic of American music divided in three parts (The Big Bang, Blood and Soil and Out of the Many the One) is a fascinating journey through the history of diverse genres, musicians, and composers, but it’s also a plethoric saga of passion, fun, work, and inspiration. The collapse of music companies in the ‘20s, the need to create a machine that could be moved to record musicians in distant locations away from urban centers, and the “discovery” of an array of ignored artists –most of them poor– constitute the beginning of what today is US modern music. There are many somewhat famous names parading on the screen, each one either a pioneer or a gifted follower of those who preceded him, but its overall value –which can be noticed in the extraordinary archive footage– is something worthy of admiration. DO

Bernard MacMahon Nació en Londres, y dirigió videos musicales para Garbage y The Go-Betweens. Escribió artículos para el diario Sunday Times y la revista británica The New Stateman. He was born in London and has directed music videos for Garbage and the Go-Betweens. He wrote articles for the Sunday Times and British magazine The New Stateman.

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Estados Unidos / Reino Unido - US / UK, 2015 57’ - 58’ - 86’ / DM / Color & B&N / Inglés - English D: Bernard MacMahon G: Allison McGourty, Bernard MacMahon, Duke Erikson, Bill Morgan F: Vern Moen, Richard Henkels DA: Kyle Baker S: Dave Ross M: Duke Erikson, Bernard MacMahon P: Allison McGourty, Bernard MacMahon, Duke Erikson, Bill Holderman, Adam Block PE: Robert Redford, Jack White, T Bone Burnett CP: Lo-Max Films

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

música

The American Epic Sessions Las sesiones de American Epic Jack White reúne a un elenco de pesos pesados de la música en un estudio de Los Ángeles para replicar la atmósfera de las grabaciones de 1920, utilizando todos los equipos de la época. Una oportunidad para rehacer la música que cambió el mundo.

Jack White gathers a team of music heavyweights in a Los Angeles studio to replicate the atmosphere of the recordings of the ‘20s, using equipment from that era. A chance to remake the music that changed the world.

Como corolario festivo de la American Epic Trilogy, estas sesiones de músicos contemporáneos, con el ubicuo aunque eficaz maestro de ceremonias Jack White, resultan de una inmediatez y una frescura por momentos estremecedoras. Tocando en el estudio y registrando la música con un equipo antiquísimo –una máquina tan bella como intrigante y aparatosa, la misma usada por muchos de los pioneros que aparecen en la trilogía–, los intérpretes rinden homenaje a la amplia historia de la música moderna norteamericana y se prueban en el trance de ser, también, una parte de ella. Las actuaciones de Alabama Shakes, Elton John, Willie Nelson, Merle Haggard, Taj Mahal o el propio White son de un esplendor exquisito y constituyen menos un intento lúgubre de preservación que una celebración del presente en clave de reconocimiento a sus predecesores. David Obarrio

As a festive corollary of the American Epic Trilogy, these sessions featuring contemporary musicians and the effective master of ceremony Jack White deliver an immediate and fresh feel that is occasionally heart-rending. Playing at the studio and recording the music with a very old equipment –a beautiful, intriguing, cumbersome machine used by many of the pioneers featured in the trilogy– the musicians pay tribute to the long history of American modern music, and test themselves in the trance of being, also, a part of it. Performances by Alabama Shakes, Elton John, Willie Nelson, Merle Haggard, Taj Mahal, and White himself are all an exquisite splendor, and constitute not so much a somber preservation attempt as a celebration of the present in the form of a recognition to their predecessors. DO

Estados Unidos / Reino Unido - US / UK, 2015 120’ / DM / Color & B&N / Inglés - English D: Bernard MacMahon G: Allison McGourty, Bernard MacMahon, Duke Erikson, Bill Morgan F: Vern Moen E: Dan Gitlin DA: Kelsi Ephraim S: Dave Ross M: Duke Erikson, Bernard MacMahon P: Allison McGourty, Bernard MacMahon, Duke Erikson, Bill Holderman, Adam Block PE: T Bone Burnett, Robert Redford, Jack White CP: Lo-Max Films I: Nas, Jack White, Willie Nelson, Merle Haggard, The Alabama Shakes Contacto / Contact Lo-Max Films. Allison McGourty T +1 310 857 9349 E [email protected] W americanepic.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

music

Cosquín Rock XV. El documental A través de entrevistas recopiladas a lo largo de quince años, figuras del rock y la música latinoamericana (Andrés Calamaro, Pappo, Pity Álvarez y Charly García, entre otros) hablan de su experiencia en un encuentro entre artistas y público.

The film features interviews collected throughout 15 years with Latin American musicians and rock stars (Andrés Calamaro, Pappo, Pity Álvarez, and Charly García, among others) who talk about their experiences in a meeting between artists and audiences.

Los festivales en Argentina resultaron determinantes para educar a generaciones nacidas al calor del rock and roll. En esa lógica, Cosquín Rock terminó instalándose como una de las plataformas más populares, sólidas y vigentes del país. Cuna de aventuras, el Cosquín Rock puso nervioso a Pappo por el backline de Divididos, juntó a Charly García con Pity Álvarez (qué habrá pasado en ese camarín, ¿no?), hizo vibrar a cientos con Las Pelotas, León Gieco y Babasónicos y emocionó a todos con L. A. Spinetta tributando a Gustavo Cerati. El documental propone contar la historia del festival, pero también hacer un close-up a la intimidad del mágico y misterioso mundo del rock nacional. Y entre las sorpresas, il cappa bianca José Palazzo, su mentor y tanque de nafta inacabable, se devela como un magnético contador de anécdotas. Hernán Panessi

Argentinian music festivals turned out to be essential for the education of generations that were born by the warmth of rock and roll. In that scenario, Cosquín Rock established itself as one of the most popular, solid, and prevailing platforms in the country. A birthplace for adventure, Cosquín Rock made Pappo nervous about Divididos’ backline, matched Charly García with Pity Álvarez (imagine what that dressing room was like!), made thousands vibrate to the sound of Las Pelotas, León Gieco, and Babasónicos, and moved everyone with L. A. Spinetta honoring Gustavo Cerati. The documentary tells the story of the festival, but also zooms in the intimacy of the magic and mysterious world of the local rock scene. Among the surprises featured in this film, il cappa bianca José Palazzo, the event’s mentor and endless fuel-pump, reveals himself as a magnetic storyteller. HP

Rubén Francisco Mostaza Nació en Córdoba en 1965, y se formó en la New York Film Academy, donde realizó cuatro cortometrajes. Actualmente se desempeña como colaborador en el suplemento Sí de Clarín. He was born in Córdoba in 1965, and trained at the NY Film Academy, where he directed four short films. He currently works as a collaborator in the Sí supplement of Clarín newspaper.

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Argentina, 2016 / 100’ / DCP / Color Español - Spanish D, G, P: Rubén Francisco Mostaza E: Baltazar Sánchez M: Luciano Caridi, Manuel Ogando PE: Vanesa Wilder I: José Palazzo, Héctor Emaides, Andrés Calamaro, Dante Spinetta, Diego Tuñón Contacto / Contact Vanesa Wilder T +54 9 351 667 9861 E [email protected]

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música

East Punk Memories Recuerdos del punk del este En los años ochenta, Lucile Chaufour filmó en Super 8 a un grupo de punks húngaros que se rebelaban ante el régimen comunista. Veinte años después, regresa y les pregunta a esos mismos músicos cómo ven la vida y la música en su país antes y después de la caída del Muro de Berlín.

During the Eighties, Lucile Chaufour shot in Super 8 a group of Hungarian punks who rebelled against the Communist regime. Twenty years later, she returns and asks those same musicians about their views on life and music in their country before and after the fall of the Berlin Wall.

En los años ochenta, contra toda sospecha, había vida punk del otro lado de la Cortina de Hierro. Mezclada en la escena de Budapest, Chaufour filmó clandestinamente a sus protagonistas en Super 8. A esos jóvenes que aullaban “droga comunista, no hace falta seducción” (en húngaro suena más potente, eh) los mantenía unidos la rebeldía contra el socialismo real. Pero veinte años después, cuando Chaufour volvió a entrevistarlos, ya no existían ni ese sistema político ni aquella unión: el movimiento punk se había desintegrado en ideologías irreconciliables, interpretaciones literales de la esvástica de Sid Vicious incluidas. Con lucidez devastadora, East Punk Memories contrasta pasado y presente de una generación que comprobó, en el torbellino de la Historia, cuánto de cierto tenía eso de “no hay futuro”. Agustín Masaedo

As strange as it sounds, back in the ‘80s there was punk life on the other side of the Iron Curtain. Blending in the Budapest scene, Chaufour filmed her protagonists clandestinely in Super 8. Those young people screaming “communist drug, no need for seduction” (sounds much powerful in Hungarian, trust me) were united by their rebellion against real socialism. But twenty years later, when Chaufour returned and interviewed them, neither that political system nor that union still existed: the punk movement had disintegrated in irreconcilable differences, including literal interpretations of Sid Vicious’ swastika. With devastating insight, East Punk Memories contrasts the past and the present of a generation of people who confirmed –in the whirlpool of History– just how real was that whole “no future” thing. AM

Lucile Chaufour Estudió en varias escuelas de música en París, y tocó en muchas bandas de rock y jazz. Creó el sello Makhno Records, que les permitió a varios grupos de punk rock difundir su música. Dirigió tres cortos y los largos Violent Days (2004) y Léone, mére & fils (2014; Bafici ‘15), que ganó la Competencia Vanguardia y Género. She attended several music schools in Paris and played in many rock and jazz bands. She founded the record company Makhno Records, which allowed many punk rock bands to release their music. She directed three short films and the features Violent Days (2004) and Léone, mére & fils (2014; Bafici ‘15), wich won the Avant-Garde and Genre Competition.

Francia - France, 2013 / 80’ / DM / Color Húngaro / Inglés - Hungarian / English D, G, E, DA: Lucile Chaufour F: Lucile Chaufour, Bernhard Braustein S: Grégoire Couzinier, Bruno Porret CP: Supersonicglide I: Kelemen Balázs, Tóth Miklós, Mozsik Imre, Márton Attila, Papp György Zoltán Contacto / Contact Supersonicglide. Cécile Leca T +33 7 8285 3336 E [email protected] W supersonicglide.com ~ eastpunkmemories.com

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music

Entre dos luces Suárez. Primera parte Between Two Lights - Suárez. First Part La historia de Suárez, grupo pionero del rock independiente de los noventa, durante sus primeros años y contada desde su propia óptica. El VHS es la excusa perfecta para registrar los diferentes momentos de la banda, entre shows, ensayos y momentos cálidos de su intimidad.

The story of Suárez, a pioneering group from 90s’ local indie rock scene, during their first years and told from the point of view of the band itself. VHS is the perfect excuse to capture different moments from the band, during shows, rehearsals and warm, intimate moments.

Del lo-fi chirriante a la canción pop luminosa; de un split junto a Juana La Loca a un EP en homenaje a Le Mans; del casete con una estrella roja en la fundacional Rapado al protagónico de su cantante en Silvia Prieto. De 1989 a 2001, Suárez galopó por los escenarios del indie-rock argentino con libertad y lucidez gigantes. Durante todos esos años, además, sus integrantes registraron en video muchos de sus momentos íntimos. Limitándose a organizar ese repertorio analógico sin agregar nada, Blanco deja que, como aquellos shows que comenzaban ocultos tras largas tiras de papel, el misterio fulgurante de Suárez se devele entre ocurrencias, efectos berretas de videocámara y muchos, muchos contestadores automáticos: signos de esos años noventa que los Suárez ayudaron a hacer más amables y felices con su música. Agustín Masaedo (Catálogo 30° Festival de Mar del Plata)

From a screeching lo-fi sound to luminous pop songs; from a split with Juana La Loca to a Le Mans tribute EP; from a cassette tape with a red star in the groundbreaking film Rapado to the lead singer’s main role in Silvia Prieto. From 1989 to 2001, Suárez rode the scene of Argentine indie rock with great freedom and intelligence. Also during all those years, its members recorded on video many of its intimate moments. Blanco wisely sticks to organizing that analogic repertoire without adding anything else, and he lets Suárez’s dazzling mystery reveals itself slowly –like in those shows in which they started hidden behind long paper strips– amidst jokes, dodgy video-camera effects, and lots and lots of answering machines: all symbols of the ‘90s, those years that Suárez made more pleasant and happy with its music. AM (30 th Festival de Mar del Plata Catalogue)

Fernando M. Blanco Nació en Buenos Aires en 1974, y estudió en ATC y en el CIEVYC. Realizador, camarógrafo, editor y músico, desde 1997 ha realizado numerosos videoclips para bandas como Menos Que Cero, Árbol, El Siempreterno y Cosmo. Es el guitarrista de Valle de Muñecas. Entre dos luces es su primer largometraje documental. He was born in Buenos Aires in 1974 and studied at ATC and the CIEVYC. A filmmaker, cameraman, editor and musician, he has made a number of music videos for such bands as Menos Que Cero, Árbol, El Siempreterno and Cosmo. He plays guitar in Valle de Muñecas. Between Two Lights is his first documentary feature.

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Argentina, 2015 / 88’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, E: Fernando M. Blanco S: Diego Martínez PE: Fernando M. Blanco, Rosario Bléfari, Fabio Suárez, Marcelo Zanelli I: Rosario Bléfari, Fabio Suárez, Marcelo Zanelli, Diego Fosser, Gonzalo Córdoba Contacto / Contact 100% Films. Fernando M. Blanco T +54 9 11 6364 6839 E [email protected] W facebook.com/entredosluces

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

música

Hermosos Perdedores Pop Beautiful Pop Losers En 1993 cuatro jóvenes de Adrogué y Temperley forman la banda Perdedores Pop. Entre rockeros y periodistas, dos hermanos líderes tejen una historia incendiaria asumiendo la derrota desde el inicio. Atraviesan distintas épocas y su música permanece auténtica y oculta a la vez.

In 1993, four young people from Adrogué and Temperley, in the Buenos Aires province, formed the band Perdedores Pop. Half rockers and half journalists, two brothers and leaders weave an incendiary story acknowledging the failure since the beggining. They go through different times, and their music remains both authentic and hidden.

En los años noventa todo parecía nuevo. Quizás el efecto revolucionario de los delivery y la televisión nos hiciera hablar de cosas como el Nuevo Cine Argentino o el Nuevo Rock Argentino. Dentro de esta última movida, Perdedores Pop tuvo un lugar de reservado privilegio. Según reza el lugar común de la época: “se habló de ellos más de lo que se los escuchó”. Es que el apego por la poesía ocurrente, el registro en baja fidelidad y una retorcida lectura de la cultura del fanzine eran un lujo conceptual y para pocos. Con un sólido registro en VHS y un original despliegue estético, este documental recorre los primeros –pero no últimos– años del grupo de Adrogué, exponiendo reveladores registros sobre técnicas como el “cassetismo” y el “collagecollage”, o los principios filosóficos del “cualquierismo”, hasta el regreso de la banda en 2012. Javier Sisti Ripoll

Back in the ‘90s, everything seemed new. Maybe it was the revolutionary effect of food delivery and television that made us talk about things like New Argentine Cinema, or New Argentine Rock. Perdedores Pop had a slightly privileged place in the latter. The motto back then was: “they were talked about more than they were actually heard”. Thing is, the attachment to witty poetry, the low fi recordings, and the twisted interpretation of fanzine culture were all a conceptual luxury, for only a few. With a solid VHS record and an original aesthetic setting, this documentary follows the first –but not last– years of the band from Adrogué, featuring some revealing material about techniques such as “tape-ism” and “collage-collage”, or the philosophical principles of “whateverism”, until the band’s return in 2012. JSR

Agustín Arévalo

Argentina, 2016 / 60’ / DM / Color & B&N / Español - Spanish

Nació en 1982 en Mar del Plata, Argentina, y egresó de la Escuela Profesional de Cine. Trabajó en producción, dirección y montaje de publicidad, videoclips y televisión. He was born in 1982 in Mar del Plata, Argentina, and graduated from Escuela Profesional de Cine. He worked in production and direction, and edited commercials, music videos and TV.

D, G: Agustín Arévalo F: Lucía Kaplun, Agustín Arévalo E: Maximiliano Burgos, Agustín Arévalo S: Maximiliano Burgos M: Perdedores Pop, Menos que Cero, Morfi y Vinacho, Teleunicos, Los Reyes del Falsete P: Agustín Arévalo, Lucía Kaplun CP: Anahí Films I: Mariano Manza Esaín, Liniers, Leo García, Pablo Dreizik, Marcelo Montolivo Contacto / Contact Anahí Films. Lucía Kaplun T +54 9 11 6059 2244 E [email protected]

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

music

I Saw the Light Yo vi la luz Tom Hiddleston se pone en la piel de la leyenda del country Hank Williams, el músico que compuso algunas de las canciones más perdurables del género antes de su prematura muerte a los 29 años. El film abarca desde sus orígenes humildes hasta su ascenso al estrellato.

Tom Hiddleston gets into the shoes of country legend Hank Williams, the musician who wrote one of the most eternal songs of the genre before his premature death at the age of 29. The film goes from his humble origins to his rise to stardom.

Bob Dylan: “Esas viejas canciones son mi diccionario y mi biblia. Todas mis creencias vienen, literalmente, de esas canciones; cualquier cosa, desde ‘Let Me Rest on That Peaceful Mountain’ hasta ‘Keep on the Sunny Side’. Podés encontrar toda mi filosofía en ellas. Creo en un Dios del tiempo y del espacio, pero cuando la gente me pregunta al respecto, mi impulso es enviarlos hacia esas canciones. Creo en Hank Williams cantando ‘I Saw the Light’. Yo también he visto la luz”. Fallecido a los 29 años, Williams fue una leyenda del country que peleó mano a mano con Woody Guthrie por ser la base sensible, forajida y mítica de cierta sensibilidad americana. En este biopic, Tom Hiddleston (ese reptiliano y amado lungo) se calza al artista como si fuera una guitarra vieja pero invencible. Juan Manuel Domínguez

“Those old songs are my lexicon and prayer book. All my beliefs come out of those old songs, literally, anything from ‘Let Me Rest on That Peaceful Mountain’ to ‘Keep on the Sunny Side.’ You can find all my philosophy in those old songs. I believe in a God of time and space, but if people ask me about that, my impulse is to point them back toward those songs. I believe in Hank Williams singing ‘I Saw the Light.’ I’ve seen the light, too.” Dead at 29, Williams was a legend of country music that fought hand-to-hand with Woody Guthrie in being the sensitive, outlaw, mythical basis for a certain American sensibility. In this biopic, Tom Hiddleston (that lovable, tall reptilian) wears the artists as though he were an old but invincible guitar. JMD

Marc Abraham Comenzó su carrera como redactor de publicidad y luego trabajó como periodista deportivo para varios diarios y revistas. Escribió numerosos guiones para grandes estudios y fue uno de los fundadores de Strike Entertainment, con la que produjo RoboCop (2014). He started his career as an ad writer and later worked as a sports journalist for several newspapers and magazines. He wrote several scripts for some major studios and was one of the founders of Strike Entertainment, with which he produced RoboCop (2014).

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Estados Unidos - US, 2015 / 123’ DCP / Color - B&N / Inglés - English D, G: Marc Abraham F: Dante Spinotti DA: Merideth Boswell P: Brett Ratner, Aaron L. Gilbert, Marc Abraham, G. Marq Roswell PE: Patty Long, Jason Cloth, John Raymonds, James Packer I: Tom Hiddleston, Elizabeth Olsen, Bradley Whitford, Cherry Jones, Maddie Hasson Contacto / Contact Sony Pictures in Argentina. Cecilia Chiappano E [email protected] W uip.com.ar

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

música

Imagine Waking Up Tomorrow and All Music Has Disappeared Imagina despertar mañana y que toda la música haya desaparecido Esta película acompaña a Bill Drummond, un espíritu anárquico del punk, en la búsqueda de nuevas voces para su coro, integrado por un grupo de aficionados que no ensayan ni leen partituras. Un viaje al punto cero de la música que, inocentemente, nos permite inventarla de nuevo.

The film follows Bill Drummond, an anarchic punk spirit, in his search of new voices for his choir, formed by a group of amateurs who don’t rehearse or know how to read music. It’s a journey to the ground zero of music that innocently allows us to re-invent it.

Si decimos que los noventa fueron propiedad de Bill Drummond exageramos un poco, pero no existe figura como la hipérbole para referirnos al cofundador de la célebre célula situacionista conocida como KLF. Dueños de un inexplicable control de su propio destino, los KLF triunfaron cuando decidieron que era el momento y, tras apenas 24 meses, pusieron punto final a su carrera en un proceso de implosión heroico y sin precedentes. Más de dos décadas después, Drummond vuelve a las andadas al formar The 17, una coral imposible construida al azar durante un viaje por el Reino Unido. Su objetivo: crear una sinfonía que no fuera registrada ni escuchada por oídos ajenos a The 17. Todo eso partiendo de una premisa irresistible: imaginar que mañana te despertás y toda la música ha desaparecido. Fran Gayo

If we said that the nineties were Bill Drummond’s, we would be exaggerating a little, but there’s no such thing as hyperbole when referring to the co-founder of the famous situationist cell known as the KLF. Owners of an inexplicable control over their own destiny, the KLF triumphed when they decided it was time and, after merely 24 months, they put an end to their career in a heroic, unprecedented imploding process. More than two decades later, Drummond is back in business after forming The 17, an impossible choir built up randomly during a trip across the UK. His goal: creating a symphony that would not be recorded or heard by anyone outside The 17. And all of this comes from an irresistible premise: imagining waking up tomorrow and all music has disappeared. FG

Stefan Schwietert Nació en Alemania en 1961, pero se crió en Suiza. Estudió cine en el Instituto de Arte de California y en el DFFB de Berlín. Fundó la productora Neapel Film y dirigió varios documentales, entre ellos, Accordion Tribe (2004), Heimatklänge (2007) y Balkan Melodie (2012). He was born in Germany in 1961, but grew up in Switzerland. He studied filmmaking at the California Art Institute and the DFFB in Berlin. He founded the production company Neapel Film and directed several documentaries, including Accordion Tribe (2004), Heimatklänge (2007) and Balkan Melodie (2012).

Alemania / Suiza - Germany / Switzerland, 2015 / 86’ DCP / Color / Inglés - English D, G, DA: Stefan Schwietert F: Adrian Stähli E: Frank Brummundt, Florian Miosge S: Dieter Meyer, Jean Pierre Gerth M: Bill Drummond P: Cornelia Seitler, Brigitte Hofer, Helge Albers PE: Cornelia Seitler CP: Maximage, Flying Moon I: Bill Drummond Contacto / Contact Maximage. Maya Galluzzi T +41 44 274 8866 E [email protected] W maximage.ch ~ imaginewakinguptomorrowandallmusichasdisappeared.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

music

The Jazz Loft According to W. Eugene Smith El loft del jazz según W. Eugene Smith Primera película que utiliza el archivo de fotos y cintas de audio del fotógrafo W. Eugene Smith, que documentan las sesiones de improvisación de Thelonious Monk, Zoot Sims y otros grandes del jazz, mientras ensayaban en un loft a fines de los cincuenta y sesenta.

This is the first film that used photographer W. Eugene Smith’s archives of photos and audiotapes, which document jam sessions by Thelonious Monk, Zoot Sims and other great jazz musicians, as they rehearsed in a loft in the late ‘50s and ‘60s.

A finales de los años cincuenta, algo sucede en la vida del fotoperiodista Eugene Smith. De su posición como firma célebre de la revista Life, pasa a recluirse en un destartalado edificio de la Sexta Avenida. Allí, Smith entra en un proceso obsesivo que lo lleva a rodearse de su colección de cámaras, sembrar su loft de micrófonos y registrar lo que a partir de ese momento pasó a ser su vida cotidiana: un eterno after en la era dorada del cool jazz. Celebridades de toda clase visitaron durante años a Smith: Don Cherry, Sonny Rollins, Robert Frank, Thelonius Monk, Norman Mailer, Diane Arbus, y Henri Cartier-Bresson convivieron con lo más granado del lumpenaje local frente al objetivo de su cámara, dejando constancia de un momento histórico irrepetible, en el que el significado de la palabra “bohemia” alcanzaba su más alto estándar. Fran Gayo

Something happens in the life of photojournalist Eugene Smith in the late ‘50s. Leaving his position as a famous name in Life magazine, he secludes himself in a rundown building on Sixth Avenue. There, Smith enters into an obsessive period that leads him to surround himself with his camera collection, spread microphones around his loft, and record what his everyday life became at that point: eternal after-hours in the golden age of cool jazz. All kinds of celebrities visited Smith through the years: Don Cherry, Sonny Rollins, Robert Frank, Thelonius Monk, Norman Mailer, Diane Arbus, Henri Cartier-Bresson, they all coexisted with the cream of the local underclass in front of his camera lens, and documented an unrepeatable moment in history, when the meaning of the word “bohemian” reached its highest standard. FG

Sara Fishko Es productora ejecutiva de la emisora de radio WNYC, especializada en cultura. Su programa Fishko Files abarca una amplia gama de temáticas, como la crítica de cine y el arte moderno. She’s an executive producer for the radio station WNYC, which focuses on culture. Her show Fishko Files covers a wide range of topics, such as film criticism and modern art.

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Estados Unidos - US, 2015 / 88’ DCP / Color & B&N / Inglés - English D, G: Sara Fishko F: Tom Hurwitz E: Jonathan Johnson S: Peter Miller P: Sara Fishko, Calvin Skaggs CP: WNYC Studios, Lumiere Productions I: Jason Moran, Thelonious Monk Jr., Steve Reich, Carla Bley, Sam Stephenson Contacto / Contact WNYC Studios. Sara Fishko T +1 646 829 4471 E [email protected] W wnyc.org ~ jazzloftthemovie.org

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Foto / Photo: Shin Katan

música

Junun En la primavera de 2015, el compositor israelí Shye Ben Tzur, Jonny Greenwood (Radiohead) y una docena de músicos de la India fueron invitados por el Maharaja de Jodhpur al fuerte de Mehrangarh. Paul Thomas Anderson filmó aquellas sesiones, que también quedaron registradas en un disco.

In the spring of 2015, Israeli composer Shye Ben Tzur, Jonny Greenwood (Radiohead) and a dozen musicians from India were invited by the Jodhpur Maharaja to the Mehrangarh fort. Paul Thomas Anderon filmed those sessions, which also were captured on record.

En este sólido primer acercamiento al terreno de la no ficción, Paul Thomas Anderson sigue a su habitual colaborador musical y guitarrista de Radiohead, Jonny Greenwood, a Rajastán, al norte de la India, donde el rockero británico intenta grabar un disco con varios invitados internacionales. Junun prepara su escenario con una sola placa que explica el viaje de Greenwood al fuerte de Mehrangarh. La cámara de Anderson adopta una posición íntima, registrando la ronda formada por Greenwood y los músicos en el suelo de una habitación gigante en la que graban sus canciones, algunas de ellas alegres y otras tristes. Sin proveernos de ningún tipo de información contextual en pantalla y con el mínimo indispensable de entrevistas y conversaciones, Junun funciona como una experiencia en la que todo el significado y la emoción derivan de estar totalmente sumergidos en la música que se nos muestra. Nick Schager

Making a solid first foray into nonfiction terrain, Paul Thomas Anderson tags along with his frequent soundtrack collaborator and Radiohead guitarist Jonny Greenwood to Rajasthan in northwest India, where the British rocker aims to make an album with a host of international artists. Junun sets its stage with a single title card explaining Greenwood’s trip to the Mehrangarh Fort. Anderson’s camera assumes an intimate position, the circle formed by Greenwood and his fellow musicians as they sit on the floor of a giant room recording their joyful and sorrowful songs. With no contextual onscreen information provided, and interview and conversational dialogue kept to a bare minimum, Junun functions as an experiential documentary, one in which all meaning and emotion is derived from being wholly submerged in the music on display. NS

Paul Thomas Anderson Dirigió Vivir del azar (1996), Boogie Nights - Juegos de placer (1998), Magnolia (1999), Embriagado de amor (2002), Petróleo sangriento (2007), The Master (2012) y Vicio propio (2014). He directed Hard Eight (1996), Boogie Nights (1998), Magnolia (1999), Punch-Drunk Love(2002), There Will Be Blood (2007), The Master (2012) and Inherent Vice (2014).

Estados Unidos - US, 2015 / 54’ / DCP / Color / Inglés / Hebreo / Hindi / Urdu - English / Hebrew / Hindi / Urdu D: Paul Thomas Anderson F: Paul Thomas Anderson, Nigel Godrich, Sharona Katan, Ian Patrick, Arne Warmington E: Andy Jurgensen S: Sam Petts-Davies CP: Ghoulardi Film Company I: Shye Ben Tzur, Jonny Greenwood, The Rajasthan Express Contacto / Contact Erica Frauman T +1 323 646 6111 E [email protected]

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

music

La La La at Rock Bottom Misono Universe Shiego pierde la memoria después de haber sido golpeado. Cuando conoce a Kaumi, descubre su talento para el canto y se convierte en el cantante de la banda que ella representa. Una comedia romántica acerca del amor, la redención, la música y las segundas oportunidades.

Si esa maravilla llamada Linda Linda Linda fue la película ramonera de Yamashita, La La La at Rock Bottom puede verse y escucharse como su reversión beatle. La canción podrá no seguir siendo la misma, pero el talento del director para la comedia pop y la fabricación de personajes tan excéntricos como queribles se revelan intactos en esta parábola sobre el poder redentor de la música que, como pedía Nick Hornby, jamás necesita usar la palabra “redención”. La voz cantante, para que no extrañemos a Doona Bae, la lleva aquí Subaru Shibutani, líder de un famoso grupo de J-Pop; junto a Fumi Nikaido –la enfant terrible de Why Don’t You Play in Hell?– arman uno de los dúos más adorables de este Bafici, uno que parece salido de la mejor tradición del screwball hollywoodense. Agustín Masaedo

Nobuhiro Yamashita Nació en Japón en 1976 y estudió cine en Osaka. Fundó la productora Midnight Child Theatre con cuatro compañeros de la facultad. Sus películas Ramblers (2003) y Linda Linda Linda (2005) fueron proyectadas en las ediciones 2004 y 2005 del Bafici. Luego realizó The Matsugane Potchot Affair (2006; Bafici ‘08) y A Gentle Breeze in the Village (2007). He was born in Japan in 1976 and studied filmmaking in Osaka. He founded the production company Midnight Child Theatre with four college mates. His films Ramblers (2003) and Linda Linda Linda (2005) were screened in the 2004 and 2005 editions of Bafici. He later directed The Matsugane Potchot Affair (2006; Bafici ‘08) and A Gentle Breeze in the Village (2007). 280

Shiego gets amnesia after being struck. When he meets Kaumi, he discovers his talent for singing and becomes the lead singer in the band she manages. A romantic comedy about love, redemption, music, and second chances.

If that wonderful film called Linda Linda Linda was Yamashita’s The Ramones-fueled film, Misono Universe can be interpreted –and heard– as its beatle reversion. The song may not be the same, but the director’s talent for pop comedy and characters as eccentric as lovable is still intact in this parable about the redemptive power of music –which, as Nick Hornby demanded, doesn’t need to ever use the word “redemption”. We won’t miss Doona Bae here, since Subaru Shibutani, the frontman of a famous J-Pop band, carries the lead vocals. Together with Fumi Nikaido –the enfant terrible from Why Don’t You Play in Hell?– they form one of most lovely duos of this Bafici, one that seems to emerge from the finest tradition of Hollywood screwball. AM

Japón - Japan, 2015 / 103’ / DCP / Color / Japonés - Japanese D: Nobuhiro Yamashita G: Tomoe Kanno F: Futa Takagi E: Takashi Satoh DA: Hironori Iwamoto, Norifumi Ataka S: Hisafumi Takeuchi M: Shoji Ikenaga P: Kazuteru Harafuji, Tsuyoshi Matsushita, Shinji Ogawa, Hiroyuki Negishi PE: Julie K. Fujishima CP: J Storm, GAGA Corporation, Matchpoint I: Subaru Shibutani, Fumi Nikaido Contacto / Contact GAGA Corporation. Yuki Oguriyama T +81 3 5786 7135 E [email protected] W www.gaga.co.jp ~ misono.gaga.ne.jp

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

música

Michael Jackson’s Journey from Motown to Off the Wall El viaje de Michael Jackson: De Motown a Off the Wall Spike Lee reúne una gran cantidad de material de archivo para crear esta crónica detallada de un capítulo poco explorado en la carrera musical del rey del pop: el lanzamiento de su quinto disco en 1979 y su relación con Quincy Jones.

Spike Lee gathers a great amount of archive footage to create this detailed chronicle of an unexplored chapter in the king of pop’s music career: the release of his fifth album in 1979 and his relationship with Quincy Jones.

Todo artista es por lo menos dos personas: la que hace el arte y la que hace todo lo demás. Es imposible no confundirlas, y nos gusta leer la vida en el arte; pero a veces el arte se hace a pesar de la vida, o se hace sin tomarla en cuenta. Michael Jackson puede haber sido un chico confundido que se convirtió en un adulto confundido, pero también fue un artista que sabía cómo se hacían las cosas. Lee ha hecho un documental sobre ese Michael Jackson; el artista, una persona llevada no solo a hacer música, sino también a conquistar el mundo. Tal vez la película sea la base para una historia alternativa; una vida en la que las cosas podrían haber resultado de forma diferente. No hay flash forwards hacia esa otra persona del futuro, irreconocible excepto por la forma de cantar y bailar. Esos años, esas complicaciones y triunfos no son para esta obra. Solo quiere rockear con vos. Robert Lloyd

Every artist is at least two people –the person who makes the art and the person who does everything else. It’s impossible not to confuse them, and we like to read the life in the art; but sometimes the art is made in spite of the life, or made without regard to it. Michael Jackson may have been a mixed-up kid who became a mixed-up adult, but he was also an artist who knew his stuff. Lee has made a documentary about that Michael Jackson, the artist, a person driven not only to make music but also to conquer the world. The film might be the foundation for an alternative history, a life in which things could have turned out differently. There are no flash forwards to that other, future person, all but unrecognizable except in his singing and dancing. Those years, those complications and triumphs are not for this piece. It just wants to rock with you. RL

Spike Lee Nació en Atlanta, Estados Unidos, en 1957, y se graduó en la Tisch School of the Arts. Dirigió numerosas películas, entre las que se destacan Malcolm X (1992), 25 th Hour (2003), Inside Man (2006) y Old Boy (2013). He was born in Atlanta, USA, in 1957, and graduated from the Tisch School of the Arts. He directed several films, including Malcolm X (1992), 25th Hour (2003), Inside Man (2006) and Old Boy (2013).

Estados Unidos - US, 2016 / 94’ DM / Color & B&N / Inglés - English D: Spike Lee E: Ryan Denmark, Barry Alexander Brown S: Philip Stockton P: Spike Lee, John Branca, John McClain PE: Karen Langford CP: Optimum Productions, Sony Music Entertainment I: Michael Jackson Contacto / Contact Optimum Productions. Karen Langford T +1 310 552 6534 E [email protected] W michaeljackson.com/us

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

music

No va llegar He Ain’t Gonna Make It El bandoneonista Tomi Lebrero emprende un viaje junto a dos yeguas y un potro que va domando en el camino. Un cantor fanático de Perón y un guitarrero santiagueño son algunos de los personajes desopilantes que compartirán consejos y canciones con el músico durante esta horse movie.

Bandoneon-player Tomi Lebrero sets on a journey with two mares and a colt he will tame on the way. A singer and strong supporter of Peron and a guitarist from Santiago del Estero are some of the hilarious characters with whom the musician will share advices and songs during this horse movie.

Hay tantos motivos diferentes para hacer un viaje como viajes distintos, y habría sido fácil para el cantautor Tomi Lebrero explicar el que emprende en No va llegar con alguna clase de cháchara sobre el autoconocimiento, el espíritu aventurero o la búsqueda de las raíces telúricas de su asombroso eclecticismo musical. Nada que ver: Lebrero viaja porque sí, porque se le canta. En esa ausencia de cualquier racionalización radica buena parte del encanto de este documental placentero y libertario, que prefiere ir al trote antes que al galope, para dejarnos conocer en detalle una tierra donde las canciones, la camaradería y no pocos disparates brotan sin el menor esfuerzo, y donde hasta los caballos pueden volverse de pronto multiinstrumentistas consumados. Agustín Masaedo

There are as many different reasons to go on a trip as there are different kinds of trips, and it would have been easy for singer/songwriter Tomi Lebrero to explain the one he embarks on in He Ain’t Gonna Make It with some kind of chatter about self-discovery, adventure spirit or the search for the roots of his amazing musical eclecticism. Not at all: Lebrero travels because he wants to, because what the hell. In that absence of any kind of rationalization lies an important part of the charm of this pleasant, libertarian documentary that prefers to trot rather than gallop, in order for us to get a detailed description of a land where songs, camaraderie and quite a few absurdities come up without much effort, and where even horses can suddenly become seasoned multi-instrumentalists. AM

los Directores / the Directors Segundo Bercetche: Dirigió los documentales BA RAP (Bafici ’14) y Jungle Boyz (Bafici ’15). Cristian Costantini: Realizó los documentales Oro nestas piedras y El jardín secreto (Bafici ’10). Tomi Lebrero: Bandoneonista y cantautor. Hizo la música de UPA! Una película argentina (Bafici ’07). Segundo Bercetche: He directed the documentaries BA Rap (Bafici ‘14) and Jungle Boyz (Bafici ‘15). Cristian Constantini: He directed the documentaries Oro nestas piedras and El jardín secreto (Bafici ‘10). Tomi Lebrero: A bandoneon player and singer-songwriter, he wrote the score for UPA! Una película argentina (Bafici ‘07).

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Argentina, 2016 / 110’ / DCP / Color Español - Spanish D, G, P, PE: Segundo Bercetche, Cristián Costantini, Tomi Lebrero F, E: Segundo Bercetche S: Cristián Costantini M: Tomi Lebrero, Siro Bercetche CP: Acéfala I: Tomi Lebrero Contacto / Contact Acéfala. Segundo Bercetche T +54 9 11 3173 6363 E [email protected] W acefala.com.ar ~ facebook.com/novallegar

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

música

Nuevo Rock: Adicta, el documental New Rock: Adicta, the Documentary Dos días antes de que Adicta anunciara su separación, el realizador concretó, sin saberlo, la que sería la última entrevista de la banda.

Two days before Adicta announced its disbanding, the filmmaker crystalized, without knowing it, what would be the band’s last interview.

Este documental dirigido por Fernando Barrios recorre la intensa vida de Adicta, una de las bandas más particulares de la escena argentina. En las voces de sus integrantes, en especial en las de Rudy Martínez y Adrián “Toto” Nievas –fundadores originales–, se ponen en evidencia algunas cuestiones nodales que no solo hacen al grupo, sino también a un momento bisagra del rock argentino. La parada firme de Adicta y otras bandas similares frente al auge y monopolio del rock barrial a fines de los noventa, su enorme carácter influenciador y, tal vez lo más importante, la apuesta de un dúo que eligió siempre el camino más difícil por el que un artista puede optar en estas latitudes: la sofisticación y la mixtura entre el rock y la pista, entre luces y sombras. Mariano Valerio

This documentary directed by Fernando Barrios covers the intense life of Adicta, one of the most unique bands in the Argentine scene. The testimonies of its members, especially the original founders Rudy Martínez and Adrián “Toto” Nievas, express some of the key issues of both the group and a turning point moment in Argentine rock music. The film features Adicta’s firm stand –along other similar bands– against the rise and monopoly of neighborhood rock in the late ‘90s, its hugely influential spirit, and –perhaps what is most important– the adventure of a duo who always took the hardest path for artists to choose in this side of the world: sophistication and a mixture of rock and dance floor, amidst lights and shadows. MV

Alejandro Barrios Nació en 1987, y estudia diseño de imagen y sonido en la UBA. Produce y programa desde hace tres años el Festival Nacional de Cine de Esteban Echeverría. He was born in 1987, and studies image and sound design at the UBA. For the past three years, he has produced and programed the Esteban Echeverría National Film Festival.

Argentina, 2016 / 75’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, F, E, DA, S, P, PE: Alejandro Barrios I: Adrián Nievas, Rudie Martínez, Sebastián Carreras, Paulino Gil, Gaby Herbstein Contacto / Contact Alejandro Barrios T +54 9 11 6849 3300 W facebook.com/nuevorockadicta

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

music

Strike a Pose Ponete en pose En 1990, siete bailarines se unieron a Madonna en la Blond Ambition World Tour, su gira más controvertida. Ahora, 25 años después, revelan la verdad sobre la vida durante y después de la gira.

In 1990, seven dancers joined Madonna in her highly controversial Blond Ambition World Tour. Now, 25 years later, they reveal the truth about life during and after that tour.

¿Recuerdan cuando Madonna solía ser juguetona y feroz, y sus acrobacias iconoclastas tenían el fin de ser provocaciones pop? La apoteosis de esos años dorados fue la Blond Ambition Tour de 1990, que escandalizó al mundo conservador con su yuxtaposición de sexo y religión. Esa gira fue registrada en el documental En la cama con Madonna, que incluía imágenes de la jefa hablando en la cama con su harén de siete bailarines hermosos de diferentes tonalidades. En la eventual reunión de los seis pavos reales vogueadores que sobrevivieron, esta inteligente película dice cosas que resuenan en un mundo donde la fama es cada día más efímera y la vida luego de que la ventana de la celebridad se cierra es muy fría. Es una versión de A Chorus Line del siglo XXI que examina lo que viene después y no antes de la euforia de haber sido elegido. David Rooney

Remember when Madonna used to be playful and fierce, and her iconoclastic performance stunts were about pop provocation? The apotheosis of those golden years was the 1990 Blond Ambition Tour, which scandalized the conservative world with its juxtaposition of sex and religion. The tour was chronicled in the documentary Madonna: Truth or Dare, which featured the boss exchanging pillow talk with her beauteous multihued harem of seven young male dancers. In the eventual reunion of the six surviving voguing peacocks, this smartly assembled film makes points that resonate in a world where fame is increasingly ephemeral and life after the celebrity window closes can get awfully cold. It’s a 21st century take on A Chorus Line that examines what comes after rather than before the euphoria of being chosen. DR

Ester Gould Nació en Peterculter, Escocia, en 1975, pero vive y trabaja en Ámsterdam. Estudió cine y periodismo allí y en Nueva York. She was born in Peterculter, Scotland, in 1975, but lives and works in Amsterdam. She studied film and journalism there and in New York.

Holanda / Bélgica - Netherlands / Belgium, 2016 83’ / DCP / Color & B&N / Inglés - English

Reijer Zwaan

D, G: Ester Gould, Reijer Zwaan F: Reinout Steenhuizen E: Dorith Vinken S: Marc Lizier M: Bart Westerlaken P: Rosan Boersma, Sander Verdonk, Denis Wigman, Ester Gould, Reijer Zwaan CP: CTM Docs, The Other Room

Nació en 1981, y actualmente trabaja como periodista y realizador para la televisión pública holandesa. He was born in 1981, and currently works as a journalist and director for Dutch public television.

Contacto / Contact CTM Docs . Rosan Boersma T +31 634 139 289 W strikaposefilm.com ~ strikeaposedocu

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Foto / Photo: Ian Dickson

música

The Damned: Don’t You Wish That We Were Dead The Damned: ¿No desearías que estuviéramos muertos? Después de haber pasado por muchos cambios, disoluciones y luchas internas, la banda pionera del punk The Damned se ha convertido en uno de los grupos de más trayectoria en su género, y una influencia ineludible para los que la sucedieron.

After having gone through lots of changes, breakups and fights, pioneering punk rock band The Damned has become one of the longest-running groups in their genre, and an unavoidable influence to those who came after them.

Tomando a cualquiera de los cuatro miembros de la formación original de The Damned por separado, se puede armar un árbol genealógico de estilos musicales (y estilismos visuales) a partir de ellos. Dave Vanian fue casi el primer dark; Captain Sensible es un puntal del pop extravagante; Rat Scabies es el hooligan punk que no sabe ser otra cosa en la vida que un gamberro; y el efímero Brian James lleva tatuado en la frente “hago rock de clase obrera”. Todo esto tenía lugar en 1976, cuando The Damned fue la avanzada del punk británico. Lo increíble es que sigue sucediendo ahora. Este film de Wes Orshoski (quien ya inmortalizó a Lemmy en otro rockumentary) expone todo el anecdotario de locuras e hitos musicales (Chrissie Hynde, Ian MacKaye, Mick Jones y Jello Biafra se hincan ante su nombre) que cabe en estos cuarenta años. Joan Pons

If you take any of the four members of the Damned’s original lineup, you can build a family tree of musical styles (and visual styling) from them. Dave Vanian was almost the first goth; Captain Sensible is a pillar of extravagant pop; Rat Scabies is the punk hooligan than can be nothing but a troublemaker; and the ephemeral Brian James has “I make working-class rock” tattooed on his forehead. All of this was taking place in 1976, when the Damned was the outpost of British punk. The amazing thing is that it’s still happening now. This film by Wes Orchoski (who had already immortalized Lemmy in another rockumentary) exposes all the anecdotes of madness and musical milestones (Chrissie Hynde, Ian MacKaye, Mick Jones and Jello Biafra bow down before them) that fit in in these forty years. JP

Wes Orshoski Debutó como director con el largo documental Lemmy (2010; Bafici ‘11). Actualmente vive en Nueva York, donde expone sus trabajos como fotógrafo. He made his directorial debut with the documentary feature Lemmy (2010; Bafici ‘11). He currently lives in New York, where he exhibits his work as a photographer.

Estados Unidos - US, 2015 / 110’ / DCP / Color Inglés - English D, G, F, E, DA, S, P: Wes Orshoski PE: Wes Orshoski, Jeanine Triolo CP: Three Count Films I: Dave Gahan, Chrissie Hynde, Mick Jones, Lemmy Contacto / Contact Three Count Films. Wes Orshoski T +1 917 450 2148 E [email protected] W threecountfilms.com ~ damneddoc.com

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pasiones passions

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

passions

1986. La historia detrás de la Copa 1986 FUNCIONES GRATUITAS / FREE SCREENINGS La historia nunca antes contada de la selección argentina que se coronó campeona en México ‘86, en una serie documental que presentamos en dos jugosos bloques, ¡y gratis!

The untold story of the Argentinian soccer team that won the World Cup in Mexico ‘86, in a documentary series featured here in two juicy –and free!– programs.

En 1986 se produjo el hecho más impactante de la historia del fútbol argentino. En medio de un país esperanzado por el regreso de la democracia, la selección obtenía por segunda vez la Copa del Mundo. Ese título empezó a edificarse cuatro años antes y, como muchas historias contemporáneas argentinas, estuvo colmado de esfuerzo, genialidades, traiciones, logros colectivos y los momentos más épicos de la historia del deporte nacional. Basada en la aparición de un video inédito que cuenta desde la intimidad el paso del seleccionado por la concentración del Club América de México, la serie documental 1986. La historia detrás de la Copa desanda como nunca antes el ciclo que tuvo el doble comando de Carlos Bilardo y Diego Maradona, en su hora más controvertida y gloriosa.

The most shocking event in Argentine soccer history took place in 1986. In the middle of a country with high hopes after the return of democracy, the national team won its second world championship. That title had started to become real four years before, and, like so many other contemporary Argentine stories, the road was filled with effort, genius, treasons, collective achievements, and some of the most epic moments in the history of national sports. Based on a new, unreleased video that shows the intimacy of the national team’s camp at the America team home in Mexico, the documentary series 1986 goes back through that double leadership period with Carlos Bilardo and Diego Maradona, in his most controversial and glorious hour.

Christian Rémoli Nació en Junín, Buenos Aires, en 1973. Estudió en la Universidad de Buenos Aires y en DeporTea. Entre 2008 y 2016, dirigió y produjo para Koala Contenidos más de 40 documentales, entre los que se destacan Mundial ‘78. Verdad o mentira, y las series La Argentina olímpica y El fútbol es historia. He was born in Junín, Buenos Aires, in 1973. He studied at the University of Buenos Aires and DeporTea. Between 2008 and 2016, he directed and produced over 40 documentaries for Koala Contenidos, including Mundial ‘78. Verdad o mentira, and the series La Argentina olímpica and El fútbol es historia.

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Argentina, 2016 / 208’ / DM / Color / Español - Spanish D, P, PE: Christian Rémoli G: Gustavo Dejtiar, Ariel Scher F: Martín Pimentel E: Julen Giménez, Luciano Orlievsky DA: Leandro Balaguer S: Pablo Nomdedeu M: Pablo Nomdedeu CP: Koala Contenidos I: Carlos Bilardo, Jorge Valdano, Daniel Passarella, Julio Olarticoechea, Jorge Burruchaga Contacto / Contact Koala Contenidos. Christian Rémoli T +54 9 11 5511 1453 E [email protected] ~ [email protected] W koalacontenidos.com.ar

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

pasiones

¿Dónde estás, Negro? Where Are You, Buddy?

Alejandro Maly ahonda en la vida del ventrílocuo argentino Chasman y su célebre álter ego Chirolita. A partir del recordado dúo, este documental explora la relación que tienen los ventrílocuos con sus muñecos.

Alejandro Maly delves into the life of Argentine ventriloquist Chasman and his famous alter ego Chirolita. Though the beloved duo, this documentary explores the relationship between ventriloquists and their dummies.

Para aquellos que desconocen a Chasman y Chirolita, e incluso para los que creen que los recuerdan, este documental, que cuenta con un material de archivo inmediatamente atractivo, será una sorpresa. El humor de Ch & Ch demuestra un timing inalterable. Las entrevistas que guían la exploración trabajan sobre la personalidad de Chasman, el éxito del dúo y el humor en general, con esa inevitable cercanía con zonas oscuras e insondables a las que habitualmente se llega cuando se habla de comicidad y se la observa con detenimiento. Pero este es un documental doble, porque de Ch & Ch se pasa a su legado, a los distintos ventrílocuos y a sus derroteros asombrosos. Y hasta triple: la exploración va hacia el pasado, a la historia –y leyenda, y misterio– de lo que hubo antes de Ch & Ch, otros cuentos de muñecos extraordinarios. Javier Porta Fouz

For those of you who don’t know who Chasman and Chirolita were, or even for those who think they remember them, this documentary featuring immediately attractive archive footage will be a surprise. The humor of Ch & Ch shows an unchanging timing. The interviews that guide this exploration work on Chasman’s personality, the success of the duet, and comedy in general, with that inevitable closeness to darker and unfathomable areas you usually reach when addressing and thoroughly observing comic nature. But this is a double documentary, because we jump go from Ch and Ch to their legacy, with different ventriloquists and their astonishing careers. And it’s even triple: the exploration goes back into the past, to the history –the legend, the mystery– of what there was before Ch and Ch: other stories of extraordinary dolls. JPF

Alejandro Maly

Argentina, 2016 / 82’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Buenos Aires en 1979. Estudió cine en la UBA y después de graduarse comenzó a trabajar en varias producciones de televisión como camarógrafo y editor. También estudió fotografía y montaje cinematográfico. He was born in Buenos Aires in 1979. He studied film at the UBA and after graduating started to work in various television productions as camera operator and editor. He also studied photography and film editing.

D, G, E, P, PE: Alejandro Maly F: Gabriel Villazón DA: Marcela Tazzioli S: Matías Hidalgo M: Alberto Castillo, Dante Amicarelli, Francisco Marafioti, Miguel Lembo CP: Lyma Film I: Silvio Soldán, Santiago Bal, Natán Solans, Marcelo Bonetti, Miguel Ángel Lembo Contacto / Contact Lyma Film. Alejandro Maly T +54 11 4194 7595 E [email protected] W facebook.com/dondeestasnegrodocumental

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

passions

El sentido Derby The Derby Direction Este documental recorre la historia de distintas mujeres que se cruzan en un curioso punto de encuentro: la pista de roller derby, un deporte que las apasiona y las invita a poner en juego toda su fuerza sobre los patines.

This documentary goes through the story of several women who come across each other in a funny meeting point: the roller derby track, a sport they’re passionate about and invites them to put all their strength on the skates.

¿Qué tienen en común una emergencióloga, una abogada y un ama de casa? Sus cotidianidades son muy distintas, pero hay algo que las une: el roller derby. Todos los que hayan visto Whip It (Drew Barrymore) saben de qué se trata: es un deporte de contacto, pero en patines de cuatro ruedas. Para jugar, las chicas se maquillan, se visten y eligen un derby name, que puede ir desde “Concha Violenta” hasta “Animal”, pasando por otros más moderados, como “Diamantina” o “Miss Marple”. Pero saben que lo importante es el juego. Y es que con el roller derby pueden sentirse libres, sin más obligación que la de ganar. El sentido derby nos permite asomarnos al mundo privado de cada una de ellas y también al de cada equipo: de la potente combinación entre ambos se nutre el documental, y también la vida de las chicas que, con garra y mucha onda, salen a la pista. Luciana Calcagno

What do an emergency room doctor, a lawyer, and a homemaker have in common? Their everyday lives are very different, but there’s something that connects them: roller derby. Everyone who has seen Drew Barrymore’s Whip It has an idea of what that is: a contact sport, but on four-wheel skates. When they are playing, the girls wear make up, dress up, and pick a derby name, which can range from “Violent Pussy” to “Animal”, including some moderated ones like “Diamantina” or “Miss Marple”. But they also know that the game is the most important thing of all. Because roller derby makes them fell free, with no other obligation but winning. The Derby Direction allows us to peek into the private world of each one of them, and also their teams: the powerful combination of the two nurtures this documentary, and also the lives of these women who step out to the track with guts and swag. LC

Martín Blousson Nació en Buenos Aires en 1977, y se inició en lo audiovisual como editor y guionista. Trabajó en el montaje de Parapolicial negro, La memoria del muerto (Bafici ‘12) y Diablo, entre otras. He was born in Buenos Aires in 1977, and started out as an editor and scriptwriter. He worked in the editing of Parapolicial negro, La memoria del muerto (Bafici ‘12) and Diablo, among others.

Argentina, 2016 / 73’ / DM / Color Español - Spanish D, G, P: Martín Blousson F: Mariano Suárez E: Valentín Javier Diment, Guillermo Gatti, Martín Blousson S: Sebastián González M: Natalia Álvarez PE: Nicolás Galvagno CP: Películas V I: Thelma Gerez, Agustina Mollo, Sabrina Rodera Zorita, María Marta Berdiñas, Priscila Alba Mieres Contacto / Contact Películas V. Martín Blousson T +54 11 5746 8859 E [email protected]

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

pasiones

Free to Run Libre para correr Hasta hace 50 años, el running era un deporte exclusivamente masculino y reservado solamente para unos pocos eventos. El documental de Morath se propone trazar la aventura épica de este fenómeno convertido en pasión universal a lo largo de la historia.

Up until 50 years ago, running was a sport only permitted to men and restricted to a few events. Morath’s documentary aims to trace throughout history the epic adventure of this phenomenon that has turned into a universal passion.

Al comienzo de la película, un personaje sale a un balcón que nos permite ver el Central Park en Nueva York, un espacio sagrado para corredores. Él dice que antes corría por ahí, en una hora se cruzaba con cinco o seis corredores y a todos los conocía, porque eran pocos. Free to Run es la historia de los pioneros y del crecimiento del running: organizadores revolucionarios, corredores que marcaron una época, mujeres que rompieron las barreras del prejuicio; temas que podrían ser tres documentales separados y a los que habría que sumar muchos más. Pero Free to Run hace un enorme esfuerzo para resumir todo esto, y los resultados son brillantes. Para quien ama correr, una docena de escenas provocan emoción al borde de las lágrimas. Lejos de cerrar el tema, la película parece abrirlo, como esa salida al balcón al comienzo del relato. Santiago García

At the beginning of the film, a character goes out to a balcony that allows us to see New York’s Central Park, a sacred place for runners. He says he used to run there, that over the course of an hour he would run into five or six runners and know every one of them, because they were few. Free to Run is the story of the rise of running and its pioneers: revolutionary organizers, runners that marked a milestone, women that broke the barriers of prejudice –subjects that could make up for three separate documentaries and to which we would have to add many more. But Free to Run makes a great effort to summarize all of this, and the results are brilliant. For those who love to run, a dozen scenes could drive them to tears. Far from closing the subject, the film seems to open it, like that balcony at the opening scene. SG

Pierre Morath Historiador, periodista, ex atleta y documentalista nacido en 1970. En 2007 fundó su propia productora. Sus documentales fueron exhibidos y premiados en varios festivales internacionales. He’s a historian, journalist, former journalist and documentary filmmaker born in 1970. In 2007, he founded his own production company. His documentaries have been screened and awarded in several international festivals.

Suiza / Francia / Bélgica - Switzerland / France / Belgium, 2016 99’ / DCP / Color / Francés / Inglés - French / English D, G: Pierre Morath F, E: Thomas Queille S: Nicolas Samarine M: Kevin Queille, Polar P: Fabrice Estève PE: Jean-Marc Fröhle, Fabrice Estève, Marie Besson CP: Point Prod, Yuzu Productions, Eklektik Productions I: Kathrine Switzer, Noel Tamini, Fred Lebow, Steve Prefontaine, Franck Shorter Contacto / Contact jour2fête. Samuel Blanc T +33 140 229 215 E [email protected] W jour2fete.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

passions

Funny Bunny Conejito divertido Dos jóvenes compiten por el corazón de Ginger, una activista solitaria y emocionalmente frágil que se gana la vida defendiendo los derechos de los animales. Un triángulo cuasi amoroso en el que los personajes tratan desesperadamente de conectarse unos con otros.

Two young men compete for the love of Ginger, a lonely and emotionally fragile activist who earns a living advocating for animal rights. A quasi-love triangle in which the characters desperately try to connect with each other.

Sensible y sofisticada, Alison Bagnall no se priva de situaciones ligeramente grotescas en las que la hostilidad del mundo se combate con un tono de incertidumbre amable que recuerda a los hermanos Grimm o al primer David Gordon Green. La belleza de los planos que registran las caminatas de los dos protagonistas tiene su correlato en la tristeza subterránea de esas vidas a merced de la incomprensión general. La película crea para ellos la posibilidad de la amistad como un refugio y una fatalidad, mediante la cual los seres desastrados “viven como son”, con sus taras y su inadaptación a cuestas. Pocas veces el término indie implicó semejante grado de libertad y de compromiso con sus criaturas: para Bagnall la comedia triste es un artículo de fe y un pasaporte capaz de conducirnos con un estremecimiento al encuentro inesperado con nuestros semejantes. David Obarrio

Sensitive and sophisticated, Alison Bagnall doesn’t avoid somewhat grotesque situations in which the hostility of the world is fought through a tone of friendly uncertainty that recalls the brothers Grimm or David Gordon Green’s first films. The beauty of the shots that capture the two main characters’ walks has its correlation in the sadness beneath those lives at the mercy of the general lack of understanding. The film creates for them the possibility of friendship as refuge and fatality, through which the scruffy beings “live as they are,” with their own faults and their inability to adapt. Few times has the term indie meant this amount of freedom and commitment to its creatures –to Bagnall, sad comedy is an article of faith as well as a passport capable of driving us to unexpectedly meet people like us. DO

Alison Bagnall Se graduó en la Universidad de Yale, y luego estudió dirección de cine en el American Film Institute. Debutó en la industria cinematográfica como coguionista de Bufalo ‘66 (1998). Dirigió los largometrajes Piggie (2003) y The Dish and the Spoon (2011). She graduated from the University of Yale and later studied filmmaking at the American Film Institute. She debuted in the film industry as a co-writer in Bufalo ‘66 (1998). She directed the feature-length films Piggie (2003) and The Dish and the Spoon (2011).

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Estados Unidos - US, 2015 / 86’ / DCP / Color Inglés - English D, G: Alison Bagnall F: Ashley Connor E: Kentucker Audley, Caleb Johnson, David Barker DA: Penka Slavova S: Albert Birney M: Melanie Hsu P: Ted Speaker, Laura Heberton, Tara Culp, Vinay Singh PE: Mark Shlomchik CP: Magic Owl, Hot Metal Films I: Kentucker Audley, Olly Alexander, Joslyn Jensen, Josephine Decker, Anna Margaret Hollyman Contacto / Contact Hot Metal Films. Laura Heberton T +1 917 628 9476 E [email protected] W hotmetalfilms.com

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pasiones

Hijos nuestros Easy Ball Hugo, que alguna vez fue futbolista profesional, hoy sobrevive como taxista. Los años y los kilos se le vinieron encima, pero su vida cambia de rumbo cuando conoce a Silvia y a su hijo Julián. Después de tanto tiempo, esta parece ser su oportunidad.

Hugo, once a professional soccer player, now survives as a cab driver. He is now older and has a few extra pounds, but his life changes course when he meets Silvia and her son Julián. After so long, this could be his chance of making it.

Entretenimiento, fanatismo vacuo, vehículo del desaforo nacional: eso creen muchos que es el fútbol, ninguneando su potencial como metáfora de todas las virtudes y vicios argentinos. Hugo es un típico taxista porteño, o no tan típico, ya que habla poco. Buenos Aires lo tiene alienado y son pocas las cosas que lo desviven. Una, claro, es el fútbol, y, más particularmente, San Lorenzo de Almagro. Es su religión, su credo y su motivo de vida. Lo hermoso del personaje es que esa procesión va por dentro; es un caldero futbolero que desea teñir a todo lo que lo rodea de esa pasión azul y roja. Para Hugo, el fútbol abarca toda esperanza de ascenso social, de amor, de construcción de una familia. Y, en ese punto, Hijos nuestros capta ese anhelo ingenuo y tierno de que todo sufrimiento se solucione en un quiebre de la cintura, en una red que se infla. Guido Segal (Catálogo 30° Festival de Mar del Plata)

Entertainment, empty fanaticism, or a vehicle for national chaos: that is how many people perceive soccer, ignoring its power as a metaphor for every Argentine virtue and vice. Hugo is a typical Buenos Aires cab driver, or maybe not so typical since he doesn’t say much. Buenos Aires has alienated him and there are very few things he truly enjoys. One of them is, of course, soccer; particularly, the San Lorenzo de Almagro team, which is his religion, his creed, and his reason to live. The beautiful thing about this character is that he’s someone whose emotions run deep inside, a soccer basin who wants to paint everything around him in the red and blue colors of his passion. For Hugo, soccer expresses his aspirations of social rise, love, and building a family. And it’s in that point where Easy Ball captures that naive and tender wish for every suffering to be solved by a fancy dribble and a goal. GS (30 th Festival de Mar del Plata Catalogue)

Juan Fernández Gebauer / Nicolás Suárez

Argentina, 2015 / 86’ / DCP / Color / Español - Spanish

Egresados de la ENERC, trabajaron en diversos cortos exhibidos en festivales nacionales e internacionales. Graduates from ENERC, they worked in many shorts shown at local and international festivals.

D: Juan Fernández Gebauer, Nicolás Suárez G: Nicolás Suárez F: Pablo Parra E: Alejandro Carrillo Penovi DA: Ignacio Luppi S: Gaspar Scheuer M: Fernando Martino, Matías Schiselman, Emiliano Benjamín P: Georgina Baisch, Juan Fernández Gebauer, Nicolás Suárez PE: Georgina Baisch CP: Murillo Cine, Vaskim Cine I: Carlos Portaluppi, Ana Katz, Valentín Greco, Daniel Hendler Contacto / Contact Murillo Cine. Georgina Baisch T +54 9 11 3385 7199 E [email protected]

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passions

Los pibes The Football Boys Los cazadores de talentos del Club Atlético Boca Juniors recorren los más recónditos clubes y canchas con el objetivo de descubrir a los futuros cracks del fútbol argentino. El film mira de cerca el trabajo de evaluar a más de cuarenta mil chicos, con el afán de encontrar a los más destacados.

The talent scouts of the Club Atlético Boca Juniors go to the most remote clubs and fields with the goal of discovering the future crack players of Argentine Soccer. The film takes a close look at the work of evaluating more than 40,000 boys, looking to find the most talented.

Cada año, unos cuarenta mil chicos se prueban para ingresar a las inferiores de Boca: los elegidos, en el mejor de los casos, serán unos treinta. Aplicar ese primer filtro requiere de ojos capaces de ver mucho más que la habilidad futbolística; hay que abrirse paso a través de una maraña de sueños y nervios, de presiones familiares e intereses económicos. “Captadores” es el esotérico título que reciben aquellos que deciden quién sirve para jugar en Boca y quién no; un grupo de diez que Colás persigue de cerca a través de canchas, oficinas, viajes y conversaciones. El método wisemaniano que se aplica es el mismo de Parador Retiro, aunque esta vez se buscan otros resultados: la revelación de una ética de trabajo, la celebración de lo poco que queda de noble y de puro en el juego del fútbol. Agustín Masaedo (Catálogo 30° Festival de Mar del Plata)

Every year, around forty thousand kids try out for the Boca team’s minor leagues: the chosen ones, at most, amount to thirty. Applying that first and drastic filter requires a pair of eyes that are capable of seeing a lot more than just soccer-playing skills within a tangled mess of dreams, nerves, family pressures, and financial interests. “Sensors” is the esoteric term to describe the people who decide who is good enough to play in Boca and who isn’t. They are a group of ten people as picturesque as tireless, and Colas chases them closely through fields, offices, trips, and conversations. He applies the same Wisemanian method from Retiro Shelter, only aiming for a different result: to reveal a unique work ethics, and the celebration of the little traces of nobility and purity that still exist in the game of soccer. AM (30 th Festival de Mar del Plata Catalogue)

Jorge Leandro Colás

Argentina, 2015 / 82’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nacido en Viedma, provincia de Río Negro, en 1976, estudió diseño de imagen y sonido en la UBA. Realizó los largometrajes Parador Retiro (2008) y Gricel (2012) y la serie Más que amor es un sufrir (2012). Born in Viedma, province of Río Negro, in 1976, he studied image and sound design at the UBA. He made the features Retiro Shelter (2008) and Gricel (2012), as well as the series Más que amor es un sufrir (2012).

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D, G: Jorge Leandro Colás F: Martín Larrea E: Karina Expósito S: Carlos Olmedo, Pablo Demarco, María Noel Romero P, PE: Carolina M. Fernández CP: Salamanca Cine I: Horacio García, Norberto Madurga, Hugo Perotti, Ramón Maddoni, Diego Mazzilli Contacto / Contact Salamanca Cine. Carolina M. Fernández T +54 11 2067 7542 E [email protected] W salamancacine.com.ar

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pasiones

Miss Robert tiene más de 30 años y vive obsesionado con la idea de batir algún récord mundial, el que sea. Entonces conoce a Laura; la sigue, la busca y entablan una extraña amistad, por lo que decide que quiere batir ese récord con ella.

Robert is more than 30 and lives obsessed with the idea of breaking a world record, any world record. Then he meets Laura; he follows her, looks for her and starts a strange friendship. He wants to break that record with her.

Cuando uno elige un camino, está dejando pasar otros. Por caso, el camino de Roberto no es tan interesante: cuida casas y lee El libro Guinness de los récords, su publicación de cabecera. De pronto se cruza con Laura, una joven modelo publicitaria, y la vida se le impregna de color. Roberto es mitad japonés, mitad chino, un poco tímido, otro poco sentimental y muy, pero muy sencillo. Y tiene, entre sus ausencias, una materia pendiente: el amor. ¡Ay, el amor! Súbitamente, la obsesión inunda a Roberto. ¿Será este el camino correcto? Miss recoge el guante del “hombre común en situación extraordinaria” y toma volumen como una comedia romántica amable sin pretensiones, burlas ni golpes bajos. Pequeño relato sobre dos opuestos que, por alguna solución del destino, se atraen. Hernán Panessi

When you choose one path, you’re discarding the others. For example, Roberto’s path isn’t that interesting: he babysits houses, and reads The Guinness Book of Records, his bedside book. Suddenly, he meets Laura, a young advertising model, and his life becomes impregnated with color. Roberto is half Japanese, half Chinese, a little shy, a little sentimental, and very, very plain. One of his shortcomings is love. Oh, love! Suddenly, Roberto is filled with an obsession. Is this the right way to go? Miss picks up the glove of the “ordinary man in an extraordinary situation” and grows as a kind and unpretentious romantic comedy with no low blows or mockery. A small story about two opposites that, for some twist of fate, attract each other. HP

Robert Bonomo

Argentina, 2016 / 70’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Buenos Aires en 1969, y estudió comunicación social y publicidad en la UBA. Dirigió videoclips de Illya Kuryaki & The Valderramas y de Juana Molina, entre otros, y trabajó como asistente de dirección en Rapado, de Martín Rejtman. He was born in Buenos Aires in 1969, and studied social communication and advertisement at the UBA. He directed music videos by Illya Kuryaki & The Valderramas and Juana Molina, among others, and was assistant director in Martín Rejtman’s Rapado.

D: Robert Bonomo G: Robert Bonomo, Juan Villegas F: Nicolás Trovato E: Eliane Katz DA: Fernanda Chali M: Lucas Martí P: Paula Zyngierman, Juan Villegas PE: Paula Zyngierman CP: Tresmilmundos Cine, MaravillaCine I: Malena Villa, Robert Bonomo Contacto / Contact Tresmilmundos Cine. Juan Villegas T +54 11 5476 6916 E [email protected] W facebook.com/pages/Tresmilmundos-Cine ~ robertbonomo.com.ar

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

passions

My Scientology Movie Mi película de cientología Louis Theroux documenta su investigación sobre lo que pasa detrás de escena de la iglesia de la cientología.

Louis Theroux documents his research on what happens behind the scenes at the Scientology church.

¿De qué se trata ese enigma de la cientología, esa alquimia secreta capaz de convocar a un puñado de poderosos con fuerte ascendencia y múltiples canales para su difusión? Louis Theroux tal vez no termine de dilucidar una respuesta concluyente, pero se las arregla para trazar un esbozo cuya elegancia detectivesca constituye, quizás, el gesto más distinguido de esta película modesta e inesperadamente simpática. Theroux, un experimentado hombre de la televisión, no solo entrevista a personas relacionadas con la cientología, sino que inicia además una búsqueda de actores con el fin de que interpreten a sus personajes más encumbrados. Esto da como resultado una serie de escenas tan graciosas como reveladoras. La película intenta desmontar el andamiaje retórico con componentes esencialmente litúrgicos sobre el cual parece afianzarse la creencia de marras. David Obarrio

What is this enigma of Scientology, that secret alchemy that draws a handful of powerful people with multiple channels to promote it? Louis Theroux may not be able to find a conclusive answer, but he manages to deliver a sketch for it with a detective-like elegance that constitutes, perhaps, the most distinguished gesture of this modest and unexpectedly affable film. A man with experience in television, Theroux not only interviews people connected to Scientology, but also begins a search for actors that would play its most praised characters. The result is a series of scenes that are both funny and revealing. The film tries to disarm the rhetorical structure with essentially liturgical elements this belief appears to be sustained by. DO

John Dower Dirigió numerosos telefilms, entre los que se destacan Britney’s Redneck Ruts (2005) y When Boris Met Dave (2009). He directed several TV movies, including Britney’s Redneck Ruts (2005) and When Boris Met Dave (2009).

Reino Unido / Estados Unidos - UK / US, 2015 99’ / DCP / Color / Español - Spanish D: John Dower G: Louis Theroux, John Dower F: Will Pugh E: Paul Carlin M: Dan Jones P: Simon Chinn I: Louis Theroux, Rob Alter, Paz de la Huerta, Tom De Vocht Contacto / Contact The Festival Agency. Sarah Cagneaux T +33 9 5490 4863 E [email protected] W thefestivalagency.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

pasiones

Requisitos para ser una persona normal Requirements to Be a Normal Person María no tiene trabajo ni un departamento donde vivir; su vida romántica es inexistente y está distanciada de su familia. En una entrevista le preguntan qué tipo de persona es y, tras darse cuenta de que no cumple ninguno de los requisitos para ser considerada “normal”, decide cambiar.

María doesn’t have a job or an apartment; her love life is nonexistent, and she’s distanced from her family. At an interview, they ask her what kind of person she is and, after realizing she doesn’t fulfill any of the requirements needed to be considered “normal,” she decides to make a change.

La ópera prima de Leticia Dolera se encuentra inundada por un irresistible halo de frescura y encanto natural. La actriz y realizadora utiliza los moldes de la comedia romántica para sumergirnos en un universo de colores pop y espíritu ensoñador, tras el que se esconde un incisivo retrato generacional en torno a las frustraciones e inseguridades de una serie de personajes que parecen no encontrar su lugar en el mundo. Dolera ironiza en torno a los clichés que se establecen alrededor de las crisis personales, los manuales de autoayuda y las terapias, para centrarse en el sentimiento de fragilidad y desencanto de todos aquellos que se sienten excluidos dentro de una sociedad que no permite que se cuele por sus rendijas ninguna excepción a la norma, ningún atisbo de extrañeza. Una deliciosa y pegadiza fábula moral. Beatriz Martínez

Leticia Dolera’s first feature is filled with an irresistible halo of freshness and natural charm. The actress and filmmaker uses romantic comedy molds to submerge us into a universe of pop colors and a dreamy universe that hides an incisive generational portrait of the frustrations and insecurities of a series of characters who can’t seem to find their place in the world. Dolera ironically describes the clichés around personal crisis, self-help manuals and therapies, and focuses on the feelings of fragility and disappointment suffered by all those who feel they were left out of a society that doesn’t allow any exceptions or hints of weirdness filtering through its cracks. A delicious and catchy moral fable. BM

Leticia Dolera

España - Spain, 2015 / 94’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Barcelona, España, en 1981 y estudió actuación en Los Ángeles. Trabajó como actriz en varios largometrajes y series de televisión. Dirigió los cortometrajes Lo siento, te quiero (2009) y A o B (2010). She was born in Barcelona, Spain, in 1981, and studied acting in Los Angeles. She has worked as an actress in many features and television series. She directed the shorts Lo siento, te quiero (2009) and A o B (2010).

D, G: Leticia Dolera F: Marc Gómez del Moral E: David Gallart DA: Laia Ateca Font S: Alfredo Díaz Boersma M: Luthea Salom P: Oriol Maymó, Paco Plaza, Gabriel Arias Salgado PE: Oriol Maymó, Paco Plaza, Gabriel Arias Salgado CP: Corte y Confección de Películas El estómago de la vaca Telefónica Studios I: Leticia Dolera, Manuel Burque, Silvia Munt, Jordi Llodrá Contacto / Contact Latido Films. Marta Hernando T +34 915 488 877 E [email protected] W latidofilms.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

passions

Vapor Vapour Dos amantes se reencuentran una noche en la puerta de un velatorio y comienzan a caminar juntos. El recorrido oscilará por distintos espacios hasta que la noche se haga día.

Two lovers reunite one knight at the entrance of a wake and start walking together. The walk will oscillate through different spaces until night turns into day.

Un hombre y una mujer atraviesan una noche calurosa en Buenos Aires. Motivado por una muerte en la familia, el regreso de ella ha propiciado el reencuentro, tras años sin verse. La larga caminata sin rumbo pronto da lugar a una sucesión de imágenes y relatos vagamente espectrales, desde la ráfaga de movimiento que se forma a través de la ventana del subte hasta una lejana historia sobre el espíritu que se resistía a desalojar un viejo edificio del sur de la ciudad, pasando por el esbozo de una novela acerca de un hombre obsesionado con una desaparición. De lo más terrenal (el agobiante aire del verano; las calles cada vez más desoladas) a lo más inasible (las conversaciones que retoman el hilo de vidas pasadas; las fantasías, los sueños), Vapor parece recorrida por una intuición: la de que todos los reencuentros son, en el fondo, relatos de fantasmas. Mariano Kairuz

A man and a woman wander through a warm night in Buenos Aires. Her return, due to a death in the family, has favored the reunion, after years without seeing each other. The long, aimless walk, soon gives way to a series of vaguely spectral images and stories, from the gust of movement formed through the subway window to the old tale of the spirit that refused to leave an old building in the city’s south, and including the sketch of a novel about a man obsessed with a disappearance. From the most worldly (the suffocating summer air; the increasingly deserted streets) to the most ethereal (the conversations that get back on track with past lives; the fantasies, the dreams), Vapour seems pierced through by an intuition: that all reunions are, deep down, ghost stories. MK

Mariano Goldgrob Nació en Argentina en 1975, y estudió realización cinematográfica en la ENERC. Entre 2000 y 2008, fue programador del Festival de Cine de Mar del Plata, y también realizó varios cortos y videoclips. He was born in Argentina in 1975 and studied filmmaking at the ENERC. Between 2000 and 2008, he was a programmer at the Mar del Plata Film Festival, and has also made many shorts and music videos.

Argentina, 2016 / 70’ DCP / Color / Español - Spanish D, G: Mariano Goldgrob F: Soledad Rodríguez E: Francisco Vázquez Murillo DA: Guadalupe Arriegue S: Francisco Seoane M: Diego Petrecolla, Martín Garrido P: Rita Falcón PE: Mariano Goldgrob, Galel Maidana CP: Cine Insular I: Julia Martínez Rubio, Julián Calviño Contacto / Contact Cine Insular. Mariano Goldgrob T +54 9 11 5040 5107 E [email protected]

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pasiones

Vida sexual de las plantas Sex Life of Plants Un accidente transforma a Guillermo, la pareja de Bárbara, en un extraño al dejarle algunas secuelas neurológicas. Mientras ella lucha con su propio dolor, se involucra con un hombre que le ofrece estabilidad, pero la memoria del amor perdido la atormenta.

An accident turns Guillermo, Bárbara’s partner, into a stranger due to some neurological consequences. While she struggles with her own pain, she gets involved with a man who offers her some stability, but the memory of lost love haunts her.

Vida sexual de las plantas remite, estilísticamente, a cierto tipo de drama indie norteamericano, uno que no carga las tintas dramáticas con la intención de llegar a un final revelador. Por el contrario, la película emociona en los pequeños momentos: encuentros, desencuentros y, a la vez, las facilidades y complicaciones que existen a la hora de empezar una nueva relación con alguien a quien no se ama de la misma manera pero con quien se puede llevar “una vida normal”. Es una película con la que cualquier espectador que haya tenido que enfrentar una pérdida de este tipo se pueda identificar; que siempre sorprende con inteligentes apuntes sociales y familiares. Un drama que no se parece en nada al tipo de cine miserabilista latinoamericano que viene funcionando tan bien en festivales en los últimos años. Diego Lerer

Sex Life of Plants’ style resembles a certain kind of American indie films that doesn’t stress the dramatic features of its plot in order to reach a revealing finale. On the contrary, this film draws emotion from tiny moments: encounters, failed encounters, and both the easy and difficult situations you face when starting a new relationship with someone you don’t love in the same way, but with whom you can have “a normal life”. This is a film any viewer who had to deal with this kind of loss can relate to, and constantly surprises you with smart notes on society and family. It’s a drama that doesn’t look at all like the kind of Latin American misery-focused cinema that has been working so well in film festivals recently. DL

Sebastián Brahm

Chile, 2015 / 94’ / DM / Color / Español - Spanish

Nació en Santiago de Chile en 1973. Actuó en películas como Soy mucho mejor que vos (Bafici ‘13). También escribió y produjo el documental La península de los volcanes (2004) y, posteriormente, dirigió el largometraje El circuito de Román (2011). He was born in Santiago de Chile in 1973. He acted in the films Much Better Than You (Bafici ‘13). He also wrote and produced the documentary The Volcanic Peninsula (2004) and directed the feature El circuito de Román (2011).

D, G, E, P: Sebastián Brahm F: Benjamín Echazarreta, Sergio Armstrong DA: Ángela Torti S: Roberto Espinoza M: Santiago Farah, Tomás Gubbins PE: Franco Valsecchi, Maite Alberdi CP: Escala Humana I: Francisca Lewin, Mario Horton, Cristián Jiménez, Nathalie Nicloux, Gloria Laso Contacto / Contact Habanero. Alfredo Calvino T +55 22 2629 1170 E [email protected] W habanerofilmsales.com

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passions

Bunker Fuera de cualquier compromiso formalista, en un potente blanco y negro y sin recurrir a los diálogos, Sandro Aguilar construye el universo enrarecido en el que un joven inestable emocionalmente conoce a una chica que vive con sus padres swingers en un parque de casas rodantes. La fascinación mutua surge pero él se enamora de ella y rápidamente descubre que no es correspondido. Free of any formalistic commitment, in powerful black and white images and without dialogue, Sandro Aguilar builds a strained environment in which an emotionally unstable young man meets a girl who lives with her swinger parents in a mobile home community. Mutual fascination arises and he quickly falls in love with her, only to discover shortly after that she does not share his feelings.

Portugal, 2015 / 30’ / DCP / Color D, G, E: Sandro Aguilar F: Rui Xavier S: Tiago Matos P: Luis Urbano, Sandro Aguilar CP: O Som e a Fúria I: Clara Jost, António Júlio Duarte, Isabel Abreu, João Pedro Vaz, Cláudia Efe

PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

Undisclosed Recipients Esta película comenzó en el Festival Musical de Paredes de Coura, en Portugal. Aguilar observó el estado físico y mental de los asistentes y agregó una buena dosis de alienación con una perspectiva sugerente. Su experimento cinemático es mayormente atmosférico y casi sin relato; su sinopsis es breve: antes y después del segundo beso. This film started at the Paredes de Coura Music Festival in Portugal. Aguilar observed the physical and mental state of attendees and added a big pinch of alienation with a suggestive perspective. His cinematic experiment is mainly atmospheric with little story, the synopsis is brief: before and after the second kiss.

Portugal, 2015 / 26’ / DCP / Color D, G, E: Sandro Aguilar F: Rui Xavier P: Mário Micaelo CP: Curtas Metragens CRL

Sandro AguilaR Nació en Portugal en 1974. Estudió cine en la Escuela Superior de Teatro y Cine y en 1998 cofundó la compañía O Som e a Fúria. En 2011 el Bafici le dedicó un foco en el que se exhibieron sus cortometrajes además de su único largometraje, A zona. Luego dirigió el corto False Twins (Bafici ‘15). He was born in Portugal in 1974. He studied film at the Upper School of Theater and Film and, in 1998, was one of the founders of the company O Som e a Fúria. In 2011, Bafici did a focus where his shorts were shown, as well as his only feature, Uprise. Later, he directed the short False Twins (Bafici ‘15).

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Contacto / Contact Agencia - Portuguese Short Film Agency. Salette Ramalho T +351 252 646 683 E [email protected] W curtas.pt/agencia

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ARTES ARTS

PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

arts

Adán Buenosayres. La película Adán Buenosayres. The Movie Entre el registro documental y algunas escenas de ficción, Juan Villegas indaga acerca de Adán Buenosayres, la novela más emblemática de Leopoldo Marechal.

Between documentary and fiction scenes, Juan Villegas inquires about Adán Buenosayres, Leopoldo Marechal’s iconic novel.

Juan Villegas retrata a Leopoldo Marechal, escritor que fuera demasiado próximo a lo popular como para congraciarse con los círculos vanguardistas de su época, y demasiado vanguardista como para ser considerado popular. Así, Adán Buenosayres nunca llegó a ocupar el lugar que merecía en el panorama de la literatura argentina. Como en una especie de extensión de su estigma, la película traba relación con la adaptación cinematográfica que proyectó Manuel Antín y que, en un movimiento en espejo, sufrió la falta de apoyo necesario para hacer posible su existencia. Acaso no haya mejor homenaje a Marechal hoy que esta película, sintética en sus formas y respetuosa de la palabra, que mira su obra desde su dimensión presente, revisita el pasado y lo actualiza. Magdalena Arau

Juan Villegas portrays Leopoldo Marechal, a writer who was too close to the popular feel to make amends with the avantgarde champions of his time, and too vanguard to be regarded as popular. So, Adán Buenosayres got the place it deserved in the landscape of Argentinian literature. Like a kind of extension of that stigma, this film connects with the adaptation filmmaker Manuel Antín had in mind and, in a parallel situation, suffered a lack of support that prevented it from becoming a reality. There may not be a better tribute to Marechal today than this film, which is synthetic in its forms and respectful in its words, and looks at this body of work from its current dimension, revisits the past, and updates it. MA

Juan Villegas Nació en Buenos Aires en 1971, y estudió en la Universidad del Cine. Fue coguionista de Modelo 73 (Bafici ‘01) y Una semana solos (Mención Especial en Bafici ‘08). Dirigió los largometrajes Sábado (Bafici ‘01), Los suicidas (Bafici ‘06), Ocio (Bafici ‘10; junto a Alejandro Lingenti) y Victoria (Bafici ‘15). He was born in Buenos Aires in 1971 and studied at the Universidad del Cine. He co-wrote 73 Model (Bafici ‘01) and A Week Alone (Special Mention at Bafici ‘08). He directed the features Saturday (Bafici ‘01), Los suicidas (Bafici ‘06), Ocio (Bafici ‘10; along with Alejandro Lingenti) and Victoria (Bafici ‘15).

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Argentina, 2016 / 45’ / DCP / Color & B&N Español - Spanish D, G: Juan Villegas F: Soledad Rodríguez E: Manuel Ferrari DA: Ana Cambre S: Francisco Pedemonte P, PE: Juan Villegas CP: Tresmilmundos Cine, RTA, EDUCAR, INCAA TV I: Pablo Sigal, Julián Tello, Manuel Antín, María de los Ángeles Marechal, Martín Prieto Contacto / Contact Tresmilmundos Cine. Juan Villegas T +54 9 11 5476 6916 E [email protected]

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

artes

Angélica [una tragedia] Angélica [a tragedy] Este documental retrata, a partir de ensayos, autorretratos fotográficos, textos y videos del diario personal de Angélica Liddell, un universo artístico libre, radical y poético atormentado por la soledad, el sexo, el amor, la belleza y la muerte.

This documentary uses essays, photographic self-portraits, texts, and videos from the personal journal of Angélica Lidell, a free artistic universe, radical and poetic, and tormented by loneliness, sex, love, beauty, and death.

Angélica Liddell, la Alicia salvaje, prepara Todo el cielo sobre la tierra (el síndrome de Wendy) tragando tierra a manotazos, dejando la voz en aullidos en cada ensayo. Urgencia vital, ella repite: mi obra es mi propia vida. En su teatro, ese caudal de intensidades y asociaciones hace del sentido algo esquivo y a la vez tan directo como un golpe en la cara dado con rabia y amor, con la fuerza justa. Tal como dice a sus actores, hay una intuición avasallante que deja las explicaciones de lado para permitir el misterio. Los ensayos devienen en largas sesiones fotográficas con ella encerrada en el cuarto de un hotel, en los dibujos de sus cuadernos, recortes de noticias, anotaciones garabateadas y diarios interminables. Un grito cuya resonancia perdura, invade el espacio y lo domina. Magdalena Arau

Angélica Liddell, wild Alice, prepares Todo el cielo sobre la tierra (el síndrome de Wendy) swallowing handfuls of dirt, howling her voice away in each rehearsal. A vital urgency, she repeats; my work is my own life. In her plays, that flow of intensities and associations turns sense into something elusive and, at the same time, as direct as a blow in the face inflicted with rage and love, with the right force. As she tells her actors, there’s some overwhelming intuition that leaves explanations aside in order to allow for mystery to appear. Rehearsals turn into long photo sessions locked up in a hotel room, into the drawings in her notebooks, into news clippings, scribbled annotations and endless journals. A cry whose resonance endures, invades the space and dominates it. MA

Manuel Fernández-Valdés Nació en Pontevedra, España, en 1979 y estudió comunicación audiovisual. En 2006 obtuvo un máster en Documental de Creación de la Universidad Pompeu Fabra, donde desarrolló la idea de su primer largometraje documental: Manuel y Elisa (2008). En 2012 dirigió su segundo documental, Fraga y Fidel sin embargo. He was born in Pontevedra, Spain, in 1979 and studied audiovisual communication. In 2006 he got an MA in Creative Documentary at the Pompeu Fabra University, where he developed the idea for his first documentary feature: Manuel y Elisa (2008). In 2012 he directed his following documentary, Fraga y Fidel sin embargo.

España - Spain, 2016 / 86’ / DCP / Color Español - Spanish D, F: Manuel Fernández-Valdés S: Ramón Fernández, Fernando Carmena P: Ester Rodríguez-Sánchez, Manuel Fernández-Valdés CP: Ordenpropia I: Angélica Liddell Contacto / Contact Ordenpropia. Manuel Fernández-Valdés E [email protected] W ordenpropia.com

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arts

Horizontes Horizons En las míticas salas de ensayo del Gran Teatro de La Habana, Amanda y Viengsay le ponen el corazón a la exigente rutina que su disciplina demanda de ellas. Sus pasos y su aspiración hacen eco de los grandes logros de su predecesora, Alicia Alonso, la prima ballerina, insuperable a sus 90 años.

En los primeros minutos de Horizontes, las tres protagonistas de la película se deslizan sobre la ejecución de una pirouette que funciona como elipsis y nos introduce a quienes representan pasado, presente y futuro del ballet clásico en Cuba. Todo comienza con imágenes de archivo de la legendaria Alicia Alonso en el momento álgido de su carrera; corte, y sobre el mismo ejercicio conocemos a la actual prima ballerina Viengsay Valdés; otro corte, y vemos a la jovencísima Amanda de Jesús Pérez Duarte preparando una audición para el Ballet Nacional. Horizontes es un film arrebatador sobre tres mujeres que se entregan y permiten ser modeladas músculo a músculo, gesto a gesto, movimiento a movimiento, todo por alcanzar la perfección en el arte que transforma el cuerpo en un instrumento sublime. Fran Gayo Eileen Hofer Nació en Zurich, Suiza, en 1976, y estudió historia del cine. Desde 2005 trabaja como periodista independiente y fotógrafa. She was born in Zurich, Switzerland, in 1976, and studied film history. Since 2005, she has been working as an independent journalist and photographer.

In the mythical rehearsal rooms of Havana’s Grand Theater, Amanda and Viengsay put great effort to their demanding routine. Their moves and their aspirations echo those of their predecessor, Alicia Alonso, the prima ballerina, unbeatable at 90.

The first minutes of Horizontes feature the three female protagonists gliding over the execution of a pirouette, which works as an ellipsis and introduces us to the people who represent the past, present, and future of classic ballet in Cuba. It all starts with archive footage of the legendary Alicia Alonso at the height of her career. Cut, and through that same exercise we meet the current prima ballerina Viengsay Valdés. Another cut, and we see the very young Amanda de Jesús Pérez Duarte preparing an audition for the National Ballet. Horizontes is a breathtaking film about three woman who deliver and allow themselves to have every muscle, gesture, and movement modeled out in order to reach perfection in the art that transforms the body into a sublime instrument. FG

Suiza - Switzerland, 2015 / 70’ / DCP / Color Español - Spanish D, G: Eileen Hofer F: Grégory Bindschedler E: Damian Plandolit, Valentin Rotelli S: Benjamin Benoit| M: Julien Painot, Ladislaw Agobekov, Heidi Happy P: Aline Schmid CP: Intermezzo Films I: Alicia Alonso, Viengsay Valdés Contacto / Contact Taskovski Films. Tijana Djukic T +44 387 6565 2046 E [email protected] W taskovskifilms.com ~ horizontes-film.ch

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

artes

Kosice hidroespacial Kosice Hydrospatial Gyula Kosice es un mito del arte contemporáneo. A los 91 años, trabaja en nuevas obras e insiste con la idea de exponer en el Centro Pompidou en París.

Gyula Kosice is a myth of contemporary art. At 91, he’s making new works and insists on the idea of exhibiting them at Paris’ Pompidou Center.

Kosice, artista fundamental de las artes visuales argentinas, construyó su poética con el agua y la luz como elementos fundantes, estableciendo la fluidez y el movimiento como una afirmación paradojal para con la escultura: la firmeza de la forma como continente habitado por elementos sutiles y desplazamientos azarosos. Autor de una obra integral que excede lo plástico, Kosice ha publicado también poesía y teoría estética, incluyendo la formulación de aquella utopía urbana, pura imagen de futuro, que es su ciudad hidroespacial. Fundador del grupo Madí, fue autor de su manifiesto y editor de la revista Arte Madí Universal. La película rescata tanto su entorno afectivo como la visión de colegas y discípulos, y la mirada extasiada de un montón de niños en una de las habituales visitas a su taller. Magdalena Arau

Kosice, an essential Argentine visual artist, built his poetics with water and light as its founding elements, establishing fluidity and movement as a paradoxical affirmation towards sculpture: the firmness of form as a continent inhabited by subtle elements and eventful shifting. The author of a body of work that exceeds the plastic, Kosice has also published poetry and aesthetic theory, including the formulation of that urban utopia, pure image of the future, that is his hydrospace city. Founder of the Madí group, he was the author of its manifest and editor of the Arte Madí Universal magazine. The film brings up his intimate circle as well as the vision of colleagues and disciples, and the ecstatic gaze of a group of kids in one of the usual visits to his workshop. MA

Gabriel Saie Nació en Buenos Aires en 1985. Estudió diseño de imagen y sonido en la UBA y dirección de cine y TV en TEBA. Fue seleccionado en el Bafici Talent Campus de 2009 por su corto documental Nuestra casa. He was born in Buenos Aires in 1985. He studied image and sound design at the UBA and film and TV directing at TEBA. He was selected at Bafici’s 2009 Talent Campus for his documentary short Nuestra casa.

Argentina, 2016 / 71’ / DCP / Color & B&N Español / Francés / Inglés - Spanish / French / English D, G: Gabriel Saie F: Mariano Suárez E: Gabriel Saie, Federico Rozas S: El Escocés M: Juan Pablo Dos Santos P, PE: Martín Rodríguez Redondo CP: Afluencias I: Gyula Kosice, Max Pérez Fallik, Vivian Luz, Irina Fallik, Ladislao Gyori Contacto / Contact Afluencias. Gabriel Saie, Martín Rodríguez Redondo T +54 9 11 3565 4076 ~ +54 9 11 6337 4369 E [email protected] ~ [email protected]

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE Foto / Photo: Pompi Gutnisky

arts

La Organización Negra (ejercicio documental)

La Organización Negra (Documentary Exercise) Buenos Aires, 1984. La euforia democrática tiñe todo de un optimismo multicolor. Mientras tanto, un grupo de jóvenes se prepara para intervenir el espacio público provocando a los espectadores.

Buenos Aires, 1984. The democratic euphoria taints everything with a multi-colored optimism. Meanwhile, a group of young people is getting ready to intervene public areas and provoke viewers.

¿Cómo llevar el teatro fuera de sus propios límites? Esa parece ser la pregunta sobre la que se construye el documental dirigido por Julieta Rocco acerca de La Organización Negra, el grupo de performers que puso de cabeza la escena porteña allá por el ‘84. Porque, en pleno fervor de la “primavera alfonsinista” y cuando todo parecía direccionar hacia lo político y sus instituciones, La Negra se desmarca para trabajar desde lo lúdico y lo salvaje de una estética industrial, oscura, y desde una apuesta por el cuerpo inédita en esos años en la Argentina. En la palabra de sus propios protagonistas, la película recrea momentos clave del grupo: desde Cemento y La tirolesa/Obelisco hasta su disolución en los noventa, todo el vértigo de una agrupación que supo tomar la calle con su arte para conquistar el aire. Mariano Valerio

How do you drive theater off its own limits? That seems to be the question that supports this documentary directed by Julieta Rocco about La Organización Negra, the group of performers who turned the 1984 Buenos Aires scene upside down. Because, amidst the fervor of the “Alfonsin Spring” and when everything seemed to be oriented to politics and institutions, La Negra set itself apart and worked with the playful and wild spirit of an industrial, dark aesthetics and a focus on the body that was unparalleled in Argentina back then. Through the words of the protagonists, the film reenacts key moments of the group: from Cemento and La tirolesa/Obelisco to its breakup in the ‘90s, the whole vertigo of a group that used its art to conquer the streets. MV

Julieta Rocco Nació en Buenos Aires en 1973. Estudió diseño de imagen y sonido, y realizó varios cortos y video instalaciones, que fueron exhibidos en el Centro Cultural Recoleta y otros lugares. Además es poeta. She was born in Buenos Aires in 1973. She studied image and sound design and directed several short films and video installations that were displayed at the Recoleta Cultural Center, among other places. She’s also a poet.

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Argentina, 2016 / 70’ / DCP / Color & B&N / Español - Spanish D, P: Julieta Rocco G: Bárbara Villafañe E: Gachi García Díaz S: Luciano Fusetti M: Gaby Kerpel PE: Carolina Krasñasky I: Manuel Hermelo, Pichón Baldinú, Diqui James, Gaby Kerpel, Charly Nijensohn Contacto / Contact Julieta Rocco T +54 9 11 6260 7092 E [email protected]

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

artes

Mapplethorpe: Look at the Pictures Mapplethorpe: Mirá las fotos Bailey y Barbato empujan a los espectadores a mirar detenidamente la obra del fotógrafo Robert Mapplethorpe, conocido por sus imágenes explícitas de órganos genitales y actos de sadomasoquismo, lo que demuestra que todavía tienen el poder de provocar, seducir y enfurecer.

Bailey and Barbato encourage the audience to closely observe the work of photographer Robert Mapplethorpe, known for his explicit images of genital organs and sadomasochistic acts, showing they still have the power of provoking, seducing and getting people furious.

La producción de una muestra retrospectiva que se lleva adelante entre el Getty Center y el LACMA es el disparador ideal para meterse con una de las obras más provocadoras de los últimos 60 años. El documental dirigido por Fenton Bailey y Randy Barbato (y producido por HBO) escapa de la cronología de una vida y se planta, como pocos trabajos, de manera explícita sobre el fotógrafo en ese loop en el que Mapplethorpe se convierte y reconvierte en Mapplethorpe una y mil veces. Nueva York en su momento más salvaje, el cuerpo como un territorio a explorar y explotar, y la piel de un hombre que supo reunir a dios y al diablo en una misma imagen hasta consumirse en su propio fuego. Es el trazo profundo de la fotografía que se desplaza del testimonio al arte, y de ahí a una de las experiencias más fascinantes y densas del siglo XX. Mariano Valerio

The production of a retrospective exhibit carried out between the Getty Center and the LACMA proves ideal to delve into one of the most provocative works of the past 60 years. The documentary directed by Fenton Bailey and Randy Barbato (and produced by HBO) eschews the chronology of a life and focuses explicitly, like few other works, on the photographer in that loop where Mapplethorpe becomes Mapplethorpe again and again. New York in its wildest moment, the body as a land to explore and exploit, and the skin of a man who made god and the devil converge in the same image until consuming in its own fire. It’s the deep stroke of photography going from testimony to art, and then to one of the most fascinating and dense experiences of the 20th century. MV

Fenton Bailey y Randy Barbato Fundaron su compañía de producción World of Wonder en los años noventa, tras conocerse en la Universidad de Nueva York. Produjeron y dirigieron numerosos documentales enfocados en la sexualidad. They founded the production company World of Wonder in the ‘90s, after meeting at NYU. They produced and directed a number of documentaries focusing on sexuality.

Reino Unido - UK, 2016 / 108’ DCP / Color & B&N / Inglés - English D: Fenton Bailey, Randy Barbato F: Huy Truong, Mario Panagiotopoulos E: Langdon F. Page M: David Benjamin Steinberg P: Fenton Bailey, Randy Barbato, Katharina Otto-Bernstein, Mona Card PE: Sheila Nevins CP: Film Manufacturors, World of Wonder Contacto / Contact Dogwoof. Luke Brawley T +44 207 253 6244 E [email protected] W dogwoofglobal.com ~ mapplethorpefilm.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

arts

Uncle Howard Tío Howard En 2011, Brookner inició un proyecto para encontrar y restaurar las películas y el material de archivo de su difunto tío –su más temprana influencia del cine–, el director Howard Brookner. Este es su homenaje a él, a través del acceso a un tesoro de videos caseros y fotos familiares.

In 2011, Brookner started a project whose goal was to find and restore the films and archive footage of his late uncle –his earliest cinematic influence–, director Howard Brookner. This is his tribute to him, through the access to a treasure made of home movies and family photos.

“Sabía que él se iba a morir y sabía que eso era una cosa triste. Pero, de alguna manera, nada en torno a Howard podía ser triste”. El que habla es Aaron Brookner, director de esta hermosa película, y se refiere a su tío, Howard Brookner, que murió cuando Aaron tenía ocho años. Los recuerdos que el sobrino atesoró sobre su tío, el modo en que esa figura se fue agigantando y la consolidación de la herencia (un director de cine hizo a otro y viceversa) desembocan en un film-río que lo cuenta todo: William Burroughs, Robert Wilson y Madonna (protagonistas de la obra de Howard); la Nueva York salvaje de los ochenta; o el modo en que el arte realmente daba forma a la vida, el amor, y la muerte. Pero, más allá de los nombres, lo que Uncle Howard cuenta a la perfección es el modo en que alguien puede pasar por el mundo dejando huellas imborrables en la gente. Marcelo Panozzo

“I knew he was going to die. And I knew death was a sad thing. But somehow nothing was sad around Howard.” The one talking is Aaron Brookner, director of this beautiful film, and he’s referring to his uncle, Howard Brookner, who died when Aaron was eight. The memories he cherished of his uncle, the way in which that figure became bigger and bigger and the consolidation of an inheritance (one filmmaker made another, and vice versa) flow into this film-river that tells it all: William Burroughs, Robert Wilson and Madonna (protagonists of Howard’s work); the wild New York of the ‘80s; the way in which art really shaped life, love and death. But apart from the names, what Uncle Howard tells perfectly is the way in which someone can pass through the world and leave indelible marks in people. MP

Aaron Brookner Nació en Nueva York, y estudió cine en la Universidad de Vassar. Comenzó su carrera trabajando en Coffee and Cigarettes de Jim Jarmusch y dirigió el corto The Black Cowboys (2004) y el largo The Silver Goat (2011). He was born in New York and studied film at Vassar College. He started his career working in Jim Jarmusch’s Coffee and Cigarettes and directed the short The Black Cowboys (2004) and the feature The Silver Goat (2011).

Estados Unidos / Reino Unido - US / UK, 2016 / 96’ DCP / Color / Inglés - English D, G: Aaron Brookner F: André Döbert, Gregg de Domenico E: Masahiro Hirakubo S: Diana Sagrista, Alberto Muñoz P: Paula Vacaro, Sara Driver, Alex Garcia PE: Jim Jarmusch CP: A Pinball London Production In Association with Creative Europe, IFP, The Filmmaker Fund, Itaca Films, Bertha Foundation, Jerome Foundation I: William S. Burroughs, Howard Brookner, Patti Smith, Jim Jarmusch, Tom Dicillo Contacto / Contact The Film Collaborative. Jeffrey Winter T +1 323 207 8321 E [email protected] W thefilmcollaborative.org ~ unclehowardfilm.com

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NOCTURNA LATE NIGHT

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

late night

A la recherche de l’ultra-Sex In Search of the Ultra-Sex En búsqueda del ultra-sexo La Tierra se ve afectada repentinamente por una extraña enfermedad que infecta a las personas con un frenesí sexual generalizado, y los únicos que pueden salvarla son un grupo de astronautas. El resultado es un mash-up de cientos de películas porno de los setenta y ochenta.

The Earth is suddenly affected by a strange illness that infects people with a generalized sexual frenzy, and the only ones who can save mankind are a group of astronauts. The result is a mash-up of hundreds of ‘70s and ‘80s porn films.

Se suele atribuir a varios críticos la definición “viste una, viste todas” para hablar de cine porno. Nunca es eso más cierto que ahora, en una época de arte y reproductibilidad técnica que no hubiera soñado ni Walter Benjamin, en la que el porno ha mutado de películas a escenas sin mucho argumento. Haciendo carne la base del exploitation de “¡Ahora usted podrá ver eso que no le dejaron ver!”, que tiene por lo menos 70 años de historia, y usando una suerte de excusa de found footage con el FBI y unos archivos desclasificados, Nicolas y Bruno nos llevan en una excursión demente por ese género olvidado: el de las películas con argumento. Valiéndose del arma del doblaje, que por momentos nos recuerda a Eduardo D’Angelo en Hiperhumor, y con un sentido del humor grueso, la dupla francesa construye un relato brillante donde la estrella de esta pornografía pasada no es el sexo, sino las partes actuadas. Santiago Calori

The expression “you’ve seen one, you’ve seen all of them” is usually attributed to film critics about porn cinema. That has never been more accurate than today, in an age of art and technical reproducibility Walter Benjamin would never have dreamed of, where porn has mutated from films into scenes with not much of a story. Embodying the exploitation motto “Now you’ll get to see that thing they didn’t let you see!” –which is about 70 years old– and using a sort of excuse for found footage with the FBI and unclassified files, Nicolas & Bruno take us through an insane journey into that forgotten genre: porn films with a plot. With dubbing as a weapon, at times reminding us of Hiperhumor’s Eduardo D’Angelo, and featuring some thick humor, the French duo builds a bright story where the star of old porn is not the sex, but the acting. SC

Nicolas Charlet / Bruno Lavaine Comenzaron a escribir y dirigir videoclips en los noventa. También realizaron varios cortos y telefilms como 99 francs (2007) y Le Grand méchant loup (2013). They started to write and direct music videos in the ‘90s. They also directed several short films and TV movies, including 99 francs (2007) and Le Grand méchant loup (2013).

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Francia - France, 2015 / 60’ / DCP / Color / Francés - French D, G, F, E, DA: Nicolas Charlet, Bruno Lavaine S: Thomas Charlet, Emmanuel Augeard, Mélissa Petitjean M: Jean Croc P, PE: David Frenkel CP: Synecdoche I: Nicolas Charlet, Bruno Lavaine Contacto / Contact Synecdoche T +33 180 058 491 E [email protected] W synecdoche.fr

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

nocturna

Alone Hon-ja Solo Soo-min filma accidentalmente a una mujer que está siendo asesinada por un grupo de hombres enmascarados. Tiempo después se despierta y cree que todo ha sido una pesadilla, pero luego descubrirá que en realidad se encuentra atrapado en un ciclo interminable de sueños y muerte.

Soo-min accidentally films a woman being murdered by a group of masked men. Some time later, he wakes up and thinks it was all a nightmare, but he will find out that he’s actually trapped in an endless cycle of dreams and death.

Luego de la extraña road movie en 3D A Fish, el segundo largo de Park Hong-min se llama, simplemente, Alone. Y su héroe, un joven documentalista, luego de ser asesinado una, dos, tres… y todavía más veces, está realmente, infinitamente, metafísicamente solo. Lo que comienza como una Hechizo de amor sin amor ni marmota ni Sonny ni Cher desemboca en una pesadilla con estructura de laberinto. Como ese callejón de Seúl, verdadera escalinata al infierno de la cual el muchacho y sus espectros no pueden escapar. Hay algo de Lynch, pero también de un episodio de La dimensión desconocida completamente desbocado en este film ultra independiente y mega ingenioso. Y formalmente ambicioso: una de las mejores escenas persigue al protagonista duplicado, triplicado, cuadruplicado, en un plano secuencia perdido en las subidas y bajadas del abigarrado barrio. Diego Brodersen

Park Hong-min’s second film and follow up to his strange 3D road movie A Fish is called, simply, Alone. And its hero, a young documentary filmmaker who has been murder not once but two, three, and a lot more times, is really –endlessly, metaphysically– alone. What starts as a Groundhog Day with no love, nor groundhog, nor Sonny and Cher, ends up being a labyrinth-shaped nightmare. Like that alley en Seoul, a true staircase to hell from which the boy and his ghosts cannot escape. There’s an element of Lynch, but also of a completely deranged Twilight Zone episode tone in this ultra-independent and mega-clever film. Which is also formally ambitious: one of the best scenes features the main character duplicated, triplicated, and quadruplicated in a sequence shot that gets lost in jumbled neighborhood. DB

Park Hong-min Estudió dirección de cine en Corea del Sur, y dirigió el largometraje A Fish (2011). He studied filmmaking in South Korea, and directed the feature-length film A Fish (2011).

Corea del Sur - South Korea, 2015 90’ / DCP / Color / Coreano - Korean D, G, E, DA, PE: Park Hong-min F: Kim Byeong-jung S: Bae Yu-ri M: Oh Su-jin P: Cha Hye-jin CP: Nongbu Film I: Lee Ju-won, Song You-hyun Contacto / Contact M-Line Distribution. Mathilda Lee T +82 2796 2427 E [email protected] W mline-distribution.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

late night

Collective Invention Invención colectiva Este film surcoreano cuenta la historia de Park Go, un hombre convertido en pez debido a los efectos secundarios de un fármaco experimental. Su condición de mutante lo eleva a la categoría de celebridad nacional.

This South Korean film tells the story of Park Go, a man who turned into a fish due to the side effects of an experimental drug. His mutant condition leads him to become s national celebrity.

Cada tanto, cuando nada nos ha preparado para eso, desde Asia nos llega un cine que creíamos olvidado: imágenes construidas con un desparpajo sublime, una capacidad desconcertante para el giro imprevisto, falta de pudor, creencia ciega en un cine cuyo destino inmediato es el ridículo o el asombro. El director pulsa una cuerda que oscila entre la comedia imprevisible, el melodrama tensado al máximo nivel y la melancolía propia de los monstruos llamados a no encajar en el mundo, a abrazar con unción su deformidad y salvarse, o a perderse para siempre. Collective Invention, una película nacida con un aura especial para integrar una galería más o menos reputada de objetos raros del cine reciente, luce tan excéntrica como su protagonista. David Obarrio

Every now and then, when nothing prepares us for it, a cinema we believed to be forgotten comes to us from Asia: images built with a sublime freedom, a disconcerting ability for unexpected plot twists, lack of shame, and a firm belief on a kind of cinema whose immediate fate is ridicule or astonishment. The director picks a chord that oscillates between the unforeseeable comedy, the highly tautened melodrama, and the melancholy of monsters who don’t fit in the world and embrace their deformity and either be saved or lost forever. As eccentric as its protagonist, Collective Invention is a film that was born with a special aura, and is part of a somewhat renowned gallery of freak objects from recent cinema. DO

Kwon Oh-Kwang Nació en Corea del Sur en 1983, y dirigió los cortometrajes Encounter on the Sea (2009), Green Slime (2012) y Suffocation (2012). He was born in South Korea in 1983, and directed the short films Encounter on the Sea (2009), Green Slime (2012) and Suffocation (2012).

Corea del Sur - South Korea, 2015 / 92’ / DCP / Color Coreano - Korean D, G: Kwon Oh-kwang F: Kim Tae-soo E: Kim Hye-kyeong, Kim Woo-il DA: Im Choi S: Gong Tae-won M: Jeong Hyun-soo P: Kim Woo-sang PE: Jeong Tae-sung, Lee Chang-dong CP: Woo Sang Film I: Lee Kwang-soo, Lee Chun-hee, Park Bo-young Contacto / Contact CJ Entertainment. Hawon Kim T +82 2 371 8470 E [email protected] W lineup.cjenm.com/films

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

nocturna

Green Room Habitación verde Tras perderse en los bosques de Oregon, los miembros de una banda punk se convierten en los únicos testigos de un asesinato perpetrado por una temible pandilla de skinheads.

After getting lost in the woods in Oregon, the members of a punk band will become the only witnesses to a murder perpetrated by a scary band of skinheads.

Green Room tiene una gran premisa, y Saulnier la ejecuta de manera hermosa: primero prepara el escenario y luego lo mina de una forma lógica y apasionante, y hace que todo sea posible. La atención al detalle en la forma en que se lleva a cabo la batalla entre punks y skinheads es impresionante, al igual que su verosimilitud. Ningún personaje es tratado de estúpido ni elevado mágicamente al estatus de héroe. Si bien están apenas esbozadas, todas sus historias previas cumplen su rol en la lucha por su supervivencia, y un sinnúmero de objetos desparramados por ahí son usados de una manera entre el “hazlo tú mismo” y MacGyver. Todo lo que queda por hacer es sentarse y comerse las uñas mientras uno ve cómo el número de muertos aumenta. Sarah Kurchak

Green Room has a hell of a premise, and Saulnier executes it beautifully, setting up the scene and then logically and thrillingly mining it for every possibility. The attention to detail in the way that the battle between punks and skins plays out is impressive, as is the verisimilitude. No one gets dumbed down or magically elevated to heroic status. The characters’ lightly sketched backgrounds all play a role in the fight for their survival and an inspired number of objects lying around the joint get used in a sort of DIY-meets-MacGyver fashion along the way. All that’s left to do is sit back and bite your nails while you watch the body count climb. SK

Jeremy Saulnier

Estados Unidos / Reino Unido - US / UK, 2015 95’ / DCP / Color / Inglés - English

Dirigió los largometrajes Murder Party (2007) y Blue Ruin (2013), del cual además fue director de fotografía. También desempeñó ese rol en otros films, como Septien (Bafici ’11) y I Used to Be Darker (Bafici ‘13). He directed Murder Party (2007) and Blue Ruin (2013), in which he also served as cinematographer. He also did for other films like Septien (Bafici ’11) and I Used to Be Darker (Bafici ‘13).

D, G: Jeremy Saulnier F: Sean Porter E: Julia Bloch DA: Ryan Warren Smith S: Roland Vajs M: Brooke Blair, Will Blair P: Anish Savjani, Neil Kopp, Victor Moyers PE: Gabriel Hammond, Daniel Hammond, Vincent Savino CP: WestEnd Films I: Anton Yelchin, Imogen Poots, Patrick Stewart Contacto / Contact WestEnd Films. Daphne Karnezis T +44 20 7494 8300 E [email protected] W westendfilms.com

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late night

JeruZalem Dos chicas estadounidenses se van de vacaciones a Israel, pero, cuando se ven atrapadas en un apocalipsis bíblico, deberán sobrevivir el tiempo suficiente entre demonios, zombies y criaturas aladas para encontrar una salida mientras la furia del infierno se desata sobre ellas.

Two American go to Israel on vacations, but when they find themselves trapped in a biblical apocalypse, they will have to survive long enough among demons, zombies, and winged creatures to find a way out while the rage from hell is unleashed upon them.

Hay películas que buscan innovar los parámetros del cine de terror, ahondando en cuestiones temáticas y estilísticas. Otras, más asumidas en su intención de –lisa y llanamente– asustar, optan por enfocarse en ese arte milenario de poner en vilo, espantar, atemorizar. Con elementos de El proyecto Blair Witch, [Rec] y El descenso, JeruZalem es un enérgico paseo por un Apocalipsis inminente al que entramos con el recurso de la cámara subjetiva, a través de los modernos anteojos de una turista norteamericana. Hay tres portales al Infierno; uno está en la Ciudad Vieja de Jerusalén. Además de una urgencia, escapar puede ser una opción para algunos y una trampa mortal para otros. La pregunta más importante: ¿a dónde escapar, cuando lo que se viene es, literalmente, el Infierno en la Tierra? Pablo Conde

There are films that seek to innovate the parameters of horror movies, delving into questions of theme and style. Others, more confident in their intention of –plainly and simply– being scary, opt to focus on that millennial art of keeping audiences on the edge, shocking them, terrifying them. With elements of The Blair Witch Project, [Rec] and The Descent, JeruZalem is an energetic walk through an imminent Apocalypse to which we enter with the resource of the point-of-view camera by means of the modern glasses of an American tourist. There are three gates to Hell –one of them is in the Old City of Jerusalem. Apart from being an urgency, escaping can be an option for some and a trap for others. The most important question: where do we escape when what’s coming is, literally, Hell on Earth? PC

los directores / the Directors

Israel, 2015 / 94’ / DCP / Color / Inglés - English

Doron Paz y Yoav Paz: se graduaron de la escuela de cine de Tel Aviv y, tras años de dirigir videoclips y publicidades, comenzaron a escribir programas de televisión en Israel. En 2010 dirigieron su primer largometraje, Phobidilia. Doron Paz and Yoav Paz: graduated from the Tel Aviv Film School and directed music videos and commercials for several years before writing TV shows in Israel. They directed their first film Phobidilia in 2010.

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D, G, P: Doron Paz, Yoav Paz F: Rotem Yaron E: Reut Hahn, Yoav Paz, Doron Paz DA: Sharon Eagle S: Yuval Bar-On, Itzik Cohen M: Yuval Bar-On PE: Patrick Ewald, Shaked Berenson CP: Epic Pictures Group, Paz Films I: Yale Grobglas, Yon Tumarkin, Danielle Madelyn, Tom Graziani Contacto / Contact Epic Pictures Group. Shaked Berenson T +1 323 207 4170 E [email protected] ~ [email protected] W epic-pictures.com ~ jeruzalemmovie.com

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nocturna

Karaoke Crazies Los locos del karaoke Sung-wook dirige un negocio de karaoke en decadencia y contrata a Ha-suck, una veinteañera adicta a los videojuegos. Pero cuando las cosas comienzan a mejorar, se enteran de que un asesino serial anda suelto en la ciudad.

Sung-wook runs a karaoke business and hires Ha-suck, a twenty-year-old girl addicted to videogames. But when things start to go well, they found out a serial killer is on the loose in the city.

No hay resumen que pueda hacerle justicia a la segunda película de Kim Sang-chan, construida alrededor de uno de los pasatiempos favoritos de Corea: el karaoke. Una película cuyo conjunto es más que improbable, con personajes inexplicables, rotos y fantasmagóricos, pero a la vez luminosos. Kim Sang-chan se toma el tiempo necesario para desarrollarlos y mostrarnos cómo pasan sus días y noches. A través de una puesta climática y enrarecida, la película encuentra un tono que puede pasar sin escalas de la comedia a las imágenes más sombrías. La utilización dramática del alcohol nos recuerda al cine de Hong Sang-soo: los personajes se sueltan –mucho soju mediante– y se confiesan, pero sin dejar de ser criaturas extrañas y misteriosas. Bienvenidos al singular karaoke de Sung-wook. Elena Marina D’Aquila

No summon can fairly describe Kim Sang-chan’s second film, which is built around one of Korea’s favorite hobbies: karaoke. A film with a very unlikely content, inexplicable, broken, and ghostly characters who are yet luminous. Kim Sang-chan takes the necessary time to develop them and show us how they spend their days and nights. Through an atmospheric and estranged setting, the film finds a tone that can range from comedy straight to darkness. The dramatic use of alcohol reminds us of Hong Sang-soo’s films: characters get loose –thanks to soju– and confess, and yet remain as strange and mysterious creatures. Welcome to Sung-wook’s unique karaoke. EMDA

Kim Sang-chan Nació en Corea del Sur en 1970, y se graduó de la Universidad de Dongguk en 1997. En 2007 codirigió su primer largometraje, Highway Star. He was born in South Korea in 1970, and graduated form the University of Dongguk in 1997. In 2007 he co-directed his first film, Highway Star.

Corea del Sur - South Korea, 2016 / 105’ DCP / Color / Coreano - Korean D: Kim Sang-chan G: Park Ji-hong F: Jang U-young E: Moon In-dae DA: Jin Kyung-hee S: Lee Seung-cheol M: Lee Hyo-jeong P: Na Hyun-joon PE: Hwang Phil-seon CP: Aram Pictures, Redhill Pictures I: Lee Moon-sik, Bae So-eun, Kim Na-mi, Bang Jun-ho Contacto / Contact 9ers Entertainment. Deborah Park T +82 704 490 4073 E [email protected]

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

late night

Like Cattle Towards Glow Como ganado hacia el resplandor Cinco escenas independientes, pero temática y emocionalmente interconectadas, en las que el sexo les proporciona a los personajes una experiencia tan intensa como intransferible.

Five independent scenes featuring common topics and emotions, where sex provides the characters with a both intense and non-transferrable experience.

Digno sucesor del Marqués de Sade –una de sus veladas influencias, junto a la poesía vanguardista francesa y los films de Robert Bresson–, Dennis Cooper es uno de los escritores contemporáneos más controvertidos. Sus novelas, usualmente protagonizadas por jovencísimos homosexuales inmersos en una espiral descendente de drogas, violaciones, incesto y necrofilia, suelen ser una colección de golpes diseñados para impactar al lector, con la alienación como tema permanente. Ahí están Contacto, Cacheo y Tentativa (Closer, Frisk y Try), el impactante “Ciclo de George Miles”, como prueba. Like Cattle… parte de un guion suyo –pensado previamente para una película porno– y ahonda en su personal universo: cinco historias con personajes que se entrecruzan con el sexo –confuso, problemático, explícito– como excusa. Una experiencia fuerte, como la obra de Cooper. Pablo Conde

A worthy successor of the Marquis de Sade –one of his veiled influences, along with French avant-garde poetry and the films of Robert Bresson–, Dennis Cooper is one of the most controversial contemporary writers. His novels, which usually star very young homosexual males immersed in a downward spiral of drugs, rape, incest and necrophilia, tend to be a collection of punches designed to impact the reader, with alienation as their permanent subject matter. There’s Closer, Frisk and Try, the striking “George Miles Cycle,” as proof. Like Cattle… kicks off from a script written by himself –which was previously thought for a porn movie– and delves deep into his universe: five stories with characters that cross paths with sex –confusing, problematic, explicit– as an excuse. A strong experience, as Cooper’s work usually is. PC

Dennis Cooper

Alemania / Francia / Estados Unidos / Canadá Germany / France / US / Canada, 2015 / 94’ DCP / Color / Inglés / Francés - English / French

Nació en California en 1953. Es novelista y poeta. Dos de sus novelas, Frisk y Weak Species, fueron adaptadas al cine en 1996 y 2009. He was born in California in 1953. He’s a novelist and a poet. Two of his novels, Frisk and Weak Species were adapted to film in 1996 and 2009.

Zac Farley Trabaja principalmente en cine y fotografía. Estudió en el Instituto de Artes de California y en la Universidad North Western de Chicago. He works mainly in film and photography. He studied at the Art Institute in California and the North Western University in Chicago.

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D,E: Dennis Cooper, Zac Farley G: Dennis Cooper DA: Emilie Jouvet S: Mikaël Barre P: Jürgen Brüning, Maren Kroymann, Dennis Cooper, Zac Farley CP: Jürgen Brüning Filmproduktion, Raspberry & Cream I: Nicolas Hau, Gabriel Norman,E. D. Yang, Joris Monnier, O. B. De Alessi Contacto / Contact M-appeal. Torsten Schulze T +49 30 6150 7505 E [email protected] W m-appeal.com

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PREMIERE INTERNACIONAL / INTERNATIONAL PREMIERE

nocturna

Searching for Meritxell Buscando a Meritxell Junto a su fiel escudero, un Quijote contemporáneo busca perdidamente a su Dulcinea desaparecida, en un insólito e hilarante debut en el que se cruzan canibalismo, sexo e internet.

Together with his faithful squire, a contemporary Quixote desperately seeks his vanished Dulcinea, in a crazy and hilarious debut film that mixtures cannibalism, sex, and the internet.

Meritxell, Meritxell… En busca de ese nombre músico, peregrino y significativo, que lo llama como un canto de sirena o un toque de Facebook, sale a la aventura el quijotesco Juan. Al igual que el héroe de Cervantes, nunca llegará a ver el rostro de su Dulcinea virtual; en cambio, va a conocer la cara más absurda, incómoda y aberrante de Barcelona. La ciudad que los Burnin’ Percebes le hacen recorrer al casi siempre imperturbable Juan es un océano de soledades y equívocos, de obsesiones y perversiones que solo puede atravesarse (mal) acompañado por alguna cita de Internet. Puede que no haya molinos de viento, pero hay peligros mayores que acechan en las calles del barrio de Horta y sorpresas desagradables (bueno, según para quién) al otro lado de un vulgar agujero en la pared. Agustín Masaedo

Meritxell, Meritxell… Juan goes out in Don Quixote-like adventure to find that musical, pilgrim-like and meaningful name, which calls him like a mermaid song, or a Facebook poke. Just like Cervantes’ hero, he will never get to see the face of his virtual Dulcinea. Instead of that, he will meet the most absurd, uncomfortable and horrible face of Barcelona. The Burnin’ Percebes drive the almost constantly composed Juan around a city that is an ocean of loneliness and misunderstandings, obsessions and perversions that can only be endured if you’re accompanied by a date you got from the Internet. Although windmills may be lacking here, there are some major dangers lurking in the streets of the Horta neighborhood, as well as disgusting surprises (well, for some at least) on the other side of a vulgar hole in the wall. AM

Burnin’ Percebes Más conocidos por su seudónimo, los catalanes Juan González y Fernando Martínez crearon la serie web animada Ventura Time (2013). Better known for their pseudonym, Juan González and Fernando Martínez created the animated web series Ventura Time (2013).

España - Spain, 2015 / 50’ / DM / Color Español - Spanish D, G, F, E, P, PE, CP: Burnin’ Percebes DA: Guille Fernández S: Roberto Román M: Esteban Navarro I: Juan González, Paula Ribó, David Pareja, Xavier Daura, Miguel Noguera Contacto / Contact Burnin’ Percebes. Juan González Gutiérrez T +34 610 533 842 E [email protected] W facebook.com/searchingformeritxell

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late night

SPL: Kill Zone Saat po long SPL: Zona mortal Un detective a punto de retirarse utiliza métodos poco ortodoxos con tal de capturar a Wong Po, el líder de una organización criminal.

A retiring detective uses unorthodox methods in order to capture Wong Po, the leader of a criminal organization.

El prolífico director Wilson Yip filma a la antigua esta historia de policías que persiguen al despiadado y aparentemente imposible de atrapar Po. Visto por primera vez en 1994 preparando la ejecución del abogado y la familia de una de sus víctimas desde su celda, Po logra salir impune. Es la némesis del policía Chan, quien, luego de tres años de intentar atrapar a Po sin éxito, se entera de que tiene cáncer y debe retirarse de la fuerza. Espectacular y fornido empujón para revivir las películas de piñas de Hong Kong en un thriller policial, SPL es un festival de golpes que hará babear a los fanáticos. Si bien los elementos de policial remiten a las primeras películas de John Woo, el plato principal son las escenas de acción que nos entregan la leyenda Sammo Hung y la nueva estrella Wu Jing como, respectivamente, un jefe mafioso y su secuaz. Robert Koehler

Busy director Wilson Yip applies an old-school approach to this tale of police going after the ruthless and seemingly uncatchable Po. First seen in 1994 arranging the execution of the prosecuting attorney and family of one of his victims from his jail cell, Po gets away scot-free. He’s the nemesis of copper Chan, who learns after three years of futilely trying to nab Po that he has cancer and must retire from the police force. A terrific, brawny push to revive Hong Kong hand-to-hand fighting in a police thriller, SPL is an all-star smackdown that will get fans salivating. Although the police elements are drawn with nods to early John Woo, the main event is the action delivered by legend Sammo Hung and new star Wu Jing as crime lord and henchman, respectively. RK

Wilson Yip

Hong Kong / Macao - Hong Kong / Macau, 2005 97’ / DCP / Color / Cantonés / Mandarín - Cantonese / Mandarin

Nació en Hong Kong en 1963. En 1998 coescribió y dirigió la película de culto Bio Zombie. Entre sus films se destacan The White Dragon (2004) y la trilogía de Ip Man (2008-2015). He was born in Hong Kong in 1963. In 1998 he co-wrote and directed the cult film Bio Zombie. The White Dragon (2004) and the Ip Man trilogy (2008-2015) are some of his films.

D: Wilson Yip G: Wilson Yip, Szeto Kam-Yuen, Ng Wai Lun F: Lam Yah Chuen E: Cheung Ka Fai DA: Kenneth Mak S: Kinson Tsang M: Chan Kwong-wing P: Carl Chang PE: Tat Chi Chan, Paco Wong CP: 1618 Action Limited, Greek Mithology Entertainment Company I: Donnie Yen, Simon Yam, Sammo Hung, Wu Jing, Liu Kai-chi Contacto / Contact Arclight Films. Jesica Andres T +1 310 777 8855 E [email protected] W arclightfilms.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

nocturna

SPL 2 - A Time for Consequences Saat po long 2 SPL 2: Tiempo de consecuencias Kit es un policía encubierto que persigue a un importante mafioso, pero cuando su misión sale mal termina preso en un una cárcel tailandesa. Allí conoce a un guardia dispuesto a ayudarlo a escapar para poder desbaratar a la banda criminal, a cambio de que salve a su hija, víctima de leucemia.

Kit is an undercover cop chasing a top mob chief, but his mission goes wrong, and he ends up in a Thai prison. There, he meets a guard who is willing to help him escape so he can take down the gang, in exchange for saving the man’s daughter, who suffers from leukemia.

Por si no bastase con El padrino, Terminator o Star Wars para convencerse de que segundas partes siempre fueron buenas, llegan nuevas evidencias desde un Extremo Oriente mejor representado y más extremo que nunca en este Bafici. Sin relación con la original de aquí al lado más que en su vocación por el desmadre y su corazoncito noir, SPL 2 sale de paseo por los géneros populares hongkoneses (el cine de artes marciales, pero también el policial, la comedia tontuela y el melodrama lacrimógeno) munido de ingenio y absurdo inagotables. Con Tony Jaa y Wu Jing en el plantel, las peleas son –podrán imaginarlo– muchas, eufóricas y generosas en vidrios y huesos rotos; pero, entre tanto héroe de acción, sobresale un villano letal que emplea unos mini-cuchillos con maxi-creatividad. Agustín Masaedo

As if it weren’t enough with The Godfather, Terminator or Star Wars to convince us that second installments have always been good, new evidence arrives from a Far East better represented and more extreme than ever in this Bafici. With no relation to the original other than its tendency to go wild and its little noir heart, SPL 2 goes out for a stroll through Hong Kong’s popular genres (martial arts cinema, but also police procedural, silly comedy and tear-jerking melodrama) with an endless supply of inventiveness and absurdity. With Tony Jaa and Wu Jing on the team, the fights are –you can imagine– many, euphoric and generous when it comes to broken glass and bones; but among so many action heroes, a lethal villain stands out with his mini-knives used with maxi-creativity. AM

Soi Cheang

China / Hong Kong, 2015 / 120’ / DCP / Color Mandarín / Cantonés / Tailandés / Inglés Mandarin / Cantonese / Thai / English

Nació en Hong Kong, y dirigió numerosos largometrajes, entre los que se encuentran The Death Curse (2003), Shamo (2007) y The Monkey King (2014). También trabaja como asistente de dirección, guionista y actor. He was born in Hong Kong, and directed several films, including The Death Curse (2003), Shamo (2007) and The Monkey King (2014). He also works as an assistant director, scriptwriter and actor.

D: Soi Cheang G: Jill Lai Yin Leung, Wong Ying F: Tse Chung-to E: David Richardson M: Kwong Wing-chan, Ken Chan P: Yip Wai-shun, Paco Wong PE: Alvin Chau, Alex Dong, Chen Yi-qi, Yu Dong, Andrew Chu CP: Sun Entertainment Culture I: Tony Jaa, Wu Jing, Simon Yam, Zhang Jin, Louis Koo Contacto / Contact Bravos Pictures. Queenie Li T +852 2156 1326 E [email protected] W bravospictures.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

late night

The Inerasable Zange: Sunde wa ikenai heya Lo imborrable Una escritora de novelas de misterio recibe la carta de una lectora y estudiante universitaria que dice escuchar ruidos extraños en su habitación. La novelista decide ayudarla a descubrir la trágica historia de la gente que vivía en su departamento.

A writer of mystery novels gets a letter from a reader and college student who claims to hear strange noises in her room. The novelist decides to help her find out about the history of the people who used to live in her apartment.

¿Cómo hacer para sorprender con el terror japonés de fantasmas luego de la invasión de originales y remakes de principios del siglo XXI? Con más terror, más fantasmas, partiendo de la incredulidad y sumándole una trama de investigación. The Inerasable es una de fantasmas que se multiplican porque dejan rastros en el tiempo, porque no se pueden borrar. Una ingeniosa idea de palimpsesto tenebroso urbano llevada a cabo con tremenda eficacia por el experimentado en el género Yoshihiro Nakamura, que va descubriendo capas y capas fantasmagóricas con inteligencia para dosificar, ocultar y asustar –y mucho– con la simplicidad de volver a las fuentes y hacernos temer el contracampo. Javier Porta Fouz

How does one shock with Japanese ghost horror after the invasion of original version and remakes during the early 2000s? With more horror, more ghosts, starting off from skepticism and adding an investigative plot. The Inerasable is a film about ghosts that multiply because they leave traces in time, because they cannot be erased. An ingenious idea of gloomy urban palimpsest carried out with tremendous efficiency by genre expert Yoshihiro Nakamura, who discovers ghostly layers upon ghostly layers with enough intelligence to measure out, hide and scare –a lot– with the simplicity of returning to the roots and making us scared of the countershot. JPF

Yoshihiro Nakamura Nació en Japón en 1970, y estudió literatura y arte. En 1999 hizo su debut como director con Local News, a la que le siguieron una veintena de largometrajes. He was born in Japan in 1970, and studied literature and art. In 1999 he debuted as a filmmaker with Local News, which was followed by over a dozen films.

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Japón - Japan, 2015 / 107’ / DM / Color / Japonés - Japanese D: Yoshihiro Nakamura G: Kenichi Suzuki F: Yukihiro Okimura DA: Tomoyuki Maruo M: Goro Yasukawa P: Yoshihiro Nakamura, Fumitsugu Ikeda CP: Happinet Corporation I: Yuko Takeuchi, Ai Hashimoto, Kentaro Sakaguchi, Kenichi Takito, Kuranosuke Sasaki Contacto / Contact Shochiku. Kiwamu Sato T +81 355 501 623 E [email protected] W shochikufilms.com ~ zang-e.jp

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nocturna

The King of the Streets El rey de las calles Ocho años después de haber sido condenado a prisión por la muerte accidental de un oponente en una pelea callejera, Yue Feng busca una nueva vida de paz y plenitud. Pero la tranquilidad no durará demasiado. Se proyecta con Snow Warrior.

Eight years after being sentenced to prison for the accidental death of someone he fought with on the street, Yue Feng is seeking a new life of peace and happiness. But the quietness won’t last too much. It will be screened together with Snow Warrior.

Estaremos todos de acuerdo en que ni Roma ni las superestrellas de artes marciales se construyen en un solo día. Pero a ver quién se anima a decírselo en la cara a Yue Song, que lleva apenas dos películas tallando su propio mito a puño limpio contra el mármol y ya quiere convencernos de que la estatua pertenece a la galería de los próceres. En una escena de The King of the Streets, un personaje que aún no lo conoce se burla de otro que lamentablemente sí: “Pero ¿quién es este tipo? ¿Bruce Lee?”. “No, ¡es mejor que Bruce Lee!”. Tenga razones o no –spoiler: las tiene– para esa arrogancia –corrección: carisma–, hace rato que no se veía tanta pasión, convicción e imaginación en el cine de piñas/patadas/saltos como las de Yue. En eso también estaremos todos de acuerdo. Agustín Masaedo

We will all agree that neither Rome nor martial arts superstars are built in a day. But tell that to Yue Song, who has been sculpting his own myth for only two movies with his fists against the marble and already wants to convince us that the statue belongs to the gallery of heroes. In a scene from The King of the Streets, a character that hasn’t yet met him mocks someone who, unfortunately, has: “But who is this guy? Bruce Lee?” “No, he’s better than Bruce Lee!” Whether or not he has reasons –spoiler: he does– for that arrogance –correction: charisma–, it’s been long since we last saw as much passion, conviction and imagination in action movies as we do in Yue’s. We will also agree on that. AM

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Snow Warrior Guerrero de la nieve

China, 2013 / 40’ / DM / Color / Mandarín - Mandarin D, P, I: Yue Song CP: Beijing Yue Song Film and Culture

90’ / DCP / Color / Mandarín - Mandarin / China, 2012 D: Yue Song, Zhong Lei G: Yue Song, Shen Cheng F: Liu Zhangmu, Li You E: Zhao Gaowei, Yue Song DA: Rebecca Lee S: Wu Yujie M: Jin Dapeng P: Yue Song, Patrick Kong CP: Beijing Yue Song Film and Culture I: Yue Song, Li Yu Fei, Kang En, Yang Jian Ping, Yang Jun Pin Contacto / Contact All Rights Entertainment. Pearl Chan T +852 2388 6007 E [email protected] W allrightsentertainment.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

late night

The Missing Girl La chica perdida Mort pasa sus días rodeado de figuras de acción coleccionables dentro de su local de cómics, y por las noches fantasea con Ellen, su nueva empleada y aspirante a novelista gráfica. Cuando ella comienza a faltar al trabajo, la preocupación y la paranoia de Mort se intensifican.

Mort spends his days surrounded by collectible action figures in his comic book shop, and his nights fantasizing about Ellen, his new employee and aspiring graphic novelist. When she starts not showing up at work, Mort’s concerns and paranoia become more intense.

El pueblo chico de The Missing Girl luce artificial. También las acciones de los personajes. Dudamos de qué es lo que hacen, de cuáles son sus intenciones. Ni ellos mismos parecen saberlo del todo. Esta es una de esas películas que descansan en la idea de cine como juego mientras narran con precisión y constancia. Un juego armado mediante el misterio (o la comedia del misterio), y mediante interrogantes antes que truculencias o terrores. Están los elementos dispuestos: el freak del negocio de historietas y elementos pop, el ex compañero de colegio desagradable y la chica cool que parece ser la ideal porque dibuja novelas gráficas. Sabemos que el mundo de The Missing Girl luce, en realidad, como un cómic de aventuras cotidianas, uno que existe en un mundo para el que Ghost World es un punto de referencia ineludible. Javier Porta Fouz

The small town featured in The Missing Girl looks artificial, and the actions of the characters do too. We’re not sure what they are doing, or what their intentions are. They themselves don’t seem to know for sure. This is the kind of film that rests on the notion of cinema as a game, while telling a story with precision and determination. It’s a kind of game that involves mystery (or the comedy of mystery), through questions rather than horror or truculence. The elements are all set: the freak guy from the comic books and pop items shop, the nasty former high school mate, and the cool girl who seems to be the one, because she writes graphic novels. We know the world of The Missing Girl actually looks like an everyday adventures comic book, one that exists in a universe in which Ghost World is an inevitable reference. JPF

A. D. Calvo Nació en Buenos Aires en 1967. En 1974 se mudó a Estados Unidos. Dirigió varios largometrajes, entre ellos Cámara de polvo (2012) y El juego de medianoche (2013). He was born in Buenos Aires in 1967. In 1974 he moved to the US. He directed several feature-length films, including Cámara de polvo (2012) and El juego de medianoche (2013).

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Estados Unidos - US, 2015 / 89’ / DCP / Color Inglés - English D, G: A. D. Calvo F: Ava Berkofsky E: Michael Taylor DA: Meredith Lippincott S, M: Joe Carrano P: Mike S. Ryan CP: Budderfly Productions, Greyshack Films, Goodnight Film I: Robert Longstreet, Alexia Rasmussen, Eric Ladin, Thomas Jay Ryan, Shirley Knight Contacto / Contact Instrum International. Ryan Keller T +1 216 702 8815 E [email protected] W instruminternational.com ~ themissinggirlmovie.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

nocturna

The Virgin Psychics Eiga minna! Esper dayo! Las vírgenes psíquicas Yoshiro es un perdedor. La única luz en su vida es la bella Sae, aunque ella no lo registra. Un día el muchacho descubre que tiene poderes psíquicos, al igual que otras mujeres con algo en común: ¡todas ellas son vírgenes!

Yoshiro is a loser. The only light in his life is the beautiful Sae, even though she doesn’t know he exists. One day, the boy discovers he has psychic powers like many other women with something in common: they’re all virgins!

La idea de encontrar a tu amor verdadero en una instancia prenatal le da a The Virgin Psychics un rasgo romántico, incluso conservador, que termina convirtiéndose en el arma secreta de Sono. Se hablará sucio, pero los actos sexuales en pantalla, y ni hablar de los desnudos, son contados, y la lascivia de la película comienza a parecerse, sorprendentemente, a una forma de inocencia. Fetichismo de colegialas japonesas, escotes sudorosos, juguetes sexuales que levitan y gags sobre erecciones que te pegan en la cara: The Virgin Psychics tiene una mente podrida que no pide disculpas, salvo en aquellas ocasiones en que directamente pareciera no tener mente. Justin Chang

The idea of finding your one true love at the prenatal stage lends The Virgin Psychics a romantic, even conservative streak that increasingly reveals itself as Sono’s secret weapon. The talk may be dirty, but actual onscreen sex acts, let alone nudity, are few and far between, and the movie’s prurience begins to feel, remarkably, like a kind of innocence. Japanese schoolgirl fetishism, perspiring cleavage, levitating sex toys and slap-youin-the-face erection gags: The Virgin Psychics has an unapologetically dirty mind, except on those occasions when it seems to have no mind at all. JCH

Sono Sion

Japón - Japan, 2015 / 114’ DCP / Color / Japonés - Japanese

Nació en 1961 en Toyokawa, Japón, y a los 17 ya era un poeta editado y reconocido. Dirigió los largos Suicide Club (Bafici ‘03), Noriko’s Dinner Table y Strange Circus (ambos Bafici ‘06), Love Exposure (Bafici ‘09) y Why Don’t You Play in Hell? (Bafici ‘14), entre otros. He was born in 1961 in Toyokawa, Japan, and at 17, he was already a published and acknowledged poet. He directed the features Suicide Club (Bafici ‘03), Noriko’s Dinner Table and Strange Circus (both Bafici ‘06), Love Exposure (Bafici ‘09), and Why Don’t You Play in Hell? (Bafici ‘14), amongothers.

D: Sono Sion G: Shinichi Tanaka F: Hajime Kanda E: Junichi Ito DA: Takashi Matsuzuka S: Hajime Komiya M: Tomohide Harada P: Tsuyoshi Matsushita, Kentaro Takada, Takeshi Moriya, Hrishi Muto PE: Satomi Odake, Ippei Fukuda, Yutaka Ishikawa CP: The Virgin Psychics Film Partners I: Shota Sometani, Elaiza Ikeda, Erina Mano Contacto / Contact GAGA Corporation. Yuki Oguriyama T +81 357 867 135 E [email protected] W gaga.co.jp ~ esper-movie.gaga.ne.jp

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PREMIERE AMERICANA / AMERICAN PREMIERE

late night

When Geek Meets Serial Killer Cuando un geek conoce a un asesino serial Un dibujante mata accidentalmente a su mejor amigo y encuentra una forma creativa de deshacerse del cuerpo. Al poco tiempo, descubre que aquel estaba viéndose con su novia y llama, sin querer, la atención de un asesino serial.

A cartoon artist accidentally kills his best friend and finds a creative way of getting rid of the body. Soon after, he discovers his friend was seeing his girlfriend and unintentionally grabs the attention of a serial killer.

Esto nos recuerda lo que alguna vez fue una porción importante del cine asiático. La película hace gala de una vitalidad desaforada desde el minuto uno, mediante una secuencia de títulos que resulta ser, con toda probabilidad, la más colorida y emocionalmente querible en mucho tiempo. Si es cierto que el título de esta perfecta gema pop que mezcla géneros con una asombrosa naturalidad parece decirlo todo, nada nos prepara para la comicidad insensata, la hipérbole constante y la ligereza casi musical con la que se suceden los estallidos gore, los cambios de ritmo y la sensación sutilmente engañosa de que se está inventando algo nuevo en cada escena. La desfachatez de esta película es el antídoto ideal para la solemnidad de un cine en el que la emoción se inscribe como tributo necesario a los sentimientos sublimes. David Obarrio

This reminds us of what a portion of Asian cinema used to be. The film shows off a wild vitality from its very first minutes through an opening credits sequence that probably turns out to be the most colorful and emotionally adorable in a long time. Although certainly the title of this perfect pop gem that mixes genres with amazing skills apparently says it all, nothing prepares us for this insane humor, constant hyperbole, and the almost musical lightness through which we see outbursts of gore, changes in rhythm, and a subtly deceitful feeling that the film is inventing something new in every scene. The brazenness of this film is an ideal antidote for the solemn cinema in which emotion works as a mandatory tribute to sublime feelings. DO

Remus Mok Actor y cantante malayo. When Geek Meets Serial Killer es su primer largometraje como director. A Malay actor and singer. When Geek Meets Serial Killer is his first feature as a director.

Eric Cheung Es artista de cómics. Escribió Wolf & Mary, el cómic en el que está basada When Geek Meets Serial Killer. He’s a comic book artist. He wrote Wolf & Mary, the comic in which When Geek Meets Serial Killer is based.

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Malasia / Taiwán - Malaysia /Taiwan, 2015 / 94’ / DCP / Color Mandarín / Taiwanés - Mandarin / Taiwanese D: Remus Mok, Eric Cheung G: Wang You-zhen F: Zhu Jing-wei E: Kenny Chua, Kuang Eng DA: Lin Zhong-xian S: Huang Xian-zhe M: Twinko P: Jack Lee CP: SKT Media and Entertainment I: Ray Chang, Shiga Lin, JC Chee, Vincent Wong, Zhao Xiao-long Contacto / Contact All Rights Entertainment. Pearl Chan T +852 2388 6007 E [email protected] W allrightsentertainment.com

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

LUGARES PLACES

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Aqui, em Lisboa: Episódios da vida da cidade Here in Lisbon - Episodes of a City Aquí, en Lisboa: Episodios de la vida en la ciudad Después de diez años de exhibir películas, el IndieLisboa decide producir una, y para eso invita a cuatro directores a filmar en la capital portuguesa. El resultado es una perfecta combinación de géneros y estilos para el retrato de una ciudad a través de las miradas de los cuatro cineastas convocados.

After a decade of screening films, IndieLisboa decides to produce one, and invites four filmmakers to shoot in the Portuguese capital. The result is a perfect combination of genres and styles in this eclectic city portrait through the eyes of the four directors.

Los festivales de cine no solo se dedican a mostrar películas; en el caso de IndieLisboa, también se ha lanzado a producirlas: a propósito de su décimo aniversario, el festival invitó a cuatro realizadores, Dominga Sotomayor (Chile), Marie Losier (Francia), Denis Côté (Canadá) y Gabriel Abrantes (Portugal), a filmar en la ciudad de Lisboa de manera totalmente libre. El resultado de esos trabajos, por separado y en su conjunto, es realmente sorprendente. Los directores, cada uno con su propuesta, arrojan una visión muy distinta de la ciudad, y lo interesante es que lo hacen pasando por registros totalmente diversos. Aquello que se destaca y que esta serie de trabajos tiene como denominador común es la libertad creativa, lo cual resulta esencial y valorable teniendo en cuenta que se trata de una iniciativa que tiene en su origen la celebración del cine. Violeta Bava

Film festivals don’t just screen films; IndieLisboa, for example, has also started producing them. For its 10th anniversary, the festival invited four filmmakers Dominga Sotomayor (Chile), Marie Losier (France), Denis Côté (Canada) and Gabriel Abrantes (Portugal) to shoot in Lisbon with no strings attached. The resulting works are really surprising. In their films, each one of them presents a very different vision of the city, and the interesting thing is that they do it through totally different tones. If there’s one common denominator that emerges from this series of works is creative freedom, which is essential and remarkable considering that it’s an initiative that was born out of a celebration of cinema. VB

los directores / the Directors Denis Côté: Realizó Les États nordiques (2005; Bafici ‘06), Curling y Bestiaire (2012, Bafici ‘12), entre otros. Gabriel Abrantes: Dirigió el largometraje Palaces of Pity (2011; Bafici ‘12). Marie Losier: Realizó varios cortometrajes, exhibidos en el foco que le dedicó el Bafici en 2010. Dominga Sotomayor: Dirigió los largometrajes De jueves a domingo (Bafici ‘12) y Mar (2014; Bafici ‘15). Denis Côté: He directed Les États nordiques (2005; Bafici ‘06), Curling and Bestiaire (2012, Bafici ‘12), among other films. Gabriel Abrantes: He directed Palaces of Pity (2011; Bafici ‘12). Marie Losier: She directed several short films that were screened in the Focus Bafici held on her work in 2010. Dominga Sotomayor: She directed Thursday Til Sunday (Bafici ‘12) and Mar (2014; Bafici ‘15). 326

Portugal / Canadá / Chile / Francia / Suiza - Portugal / Canada / Chile / France / Switzerland, 2015 / 90’ / DCP / Color / Portugués / Inglés / Italiano / Español - Portuguese / English / Italian / Spanish D, G: Gabriel Abrantes, Denis Côté, Marie Losier, Dominga Sotomayor F: André Santos, Diogo Costa Amarante, Jorge Quintela, Rui Xavier E: Gabriel Abrantes, Catherine Libert, Marie Losier, Nicolas Roy, Dominga Sotomayor S: Marco Leão, Rafael Cardoso, Miguel Cabral P: Miguel Valverde CP: IndieLisboa I: Francisca Castillo, João Canijo, Carloto Cotta, Cláudia Leal, Martinho de Jesus Contacto / Contact Portugal Film. Gonçalo Mata T +351 213 466 172 E [email protected] W portugalfilm.org

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Bella e perduta Lost and Beautiful Bella y perdida Un sirviente se embarca en un viaje que lo lleva desde el Monte Vesubio a la actual Campania para honrar los últimos deseos del pastor Tommaso. Su misión será la de salvar a un joven búfalo que se encuentra en el antiguo palacio real de Carditello.

A servant embarks on a journey that takes him from Mount Vesuvius to the actual Campania to honor the last wishes of pastor Tommaso. His mission is to save a young buffalo in the ancient royal palace of Carditelo.

Bella e perduta arranca con una subjetiva enrarecida por su textura visual. La subjetiva es de un hermoso búfalo. Posteriormente, un plano medio sobre un cuadro con seres enmascarados remite a una representación teatral característica del siglo XVIII. ¿Quiénes son estos hombres? Uno de los personajes es Pulcinella, asociado a la commedia dell’arte. En un ministerio sin nombre se pide un permiso enigmático: otorgarle al búfalo llamado Sarchiapone el don del habla. Hay un tercer personaje fundamental: Tomasso Cestrone, un hombre que alguna vez decidió cuidar un palacio abandonado, sinónimo de un tiempo esplendoroso de Italia que es hoy una memoria enterrada. Estos elementos simbólicos se ponen en juego y funcionan como una alegoría de la Caída y, a su vez, articulan una discreta rabia sin dirección frente a la indolencia de los poderosos de la Italia contemporánea. Roger Koza

Lost and Beautiful begins with a POV shot with an estranged visual texture. The shot shows a beautiful buffalo. Later, a midrange shot on a painting that features masked people echoes a typical 18th century stage play. Who are these men? One of the characters is called Pulcinella, and it’s related to the commedia dell’arte. In a ministry with no name, an enigmatic permission is requested: to give the buffalo called Sarchiapone the gift of speech. There’s a third fundamental character: Tomasso Cestrone, a man who once decided to take care of an abandoned palace, a synonym of a splendorous time in Italy that is now a buried memory. These symbolic elements are at stake and working as an allegory of the Original sin, while also articulating a discreet and aimless rage against the indifference of the powerful in contemporary Italy. RK

Pietro Marcello Nació en Italia en 1976, y debutó detrás de las cámaras con los cortos Carta y Scampia, en 2003. Entre sus largometrajes se encuentran La bocca del lupo (2009; Bafici ‘10). He was born in Italy in 1976, and debuted behind the cameras with the short films Carta and Scampia, in 2003. He also directed La bocca del lupo (2009; Bafici ‘10).

Italia - Italy, 2015 / 87’ / DCP / Color & B&N Italiano - Italian D: Pietro Marcello G: Maurizio Braucci, Pietro Marcello F: Pietro Marcello, Salvatore Landi E: Sara Fgaier S: Riccardo Spagnol CP: Avventurosa I: Sergio Vitolo, Gesuino Pittalis, Tommaso Cestrone Contacto / Contact The Match Factory. Sergi Steegmann E [email protected] W the-match-factory.com

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los diarios de FF The diaries of FF

Diario de un corto Diary of a Short

Días de lluvia Rainy Days Desde los rincones de la vida diaria, los espacios cotidianos e incluso sus mascotas, la realizadora recorre aquello que rodea su hogar en San Clemente del Tuyú como si estuviese mostrando un diario íntimo visual.

From the corners of daily life, everyday spaces and even her pets –as though she were displaying a visual journal-, the filmmaker walks through what surrounds her home in San Clemente del Tuyú.

“Las cartas de amor se empiezan sin saber lo que se va a decir y se terminan sin saber lo que se ha dicho”, dijo una vez Jean-Jacques Rousseau. Las películas de Flavia de la Fuente son cartas de amor a la naturaleza que rodea a su hogar en San Clemente del Tuyú. Pero su hogar no son solamente las paredes que la resguardan de los truenos y el granizo; también lo es el cine: el lenguaje que tiene la capacidad de tomar forma de refugio. En Diario de un corto y Días de lluvia, la fotógrafa y cineasta escribe un diario íntimo visual en el que la fragilidad y la nostalgia se fusionan en las gotas que se posan sobre las ventanas empañadas de su casa. Mientras las flores se marchitan, Flavia intenta reflejar los pensamientos nublados de una de sus tres perras, Solita. No existe un sobre que pueda contener una carta de amor tan grande. Maia Debowicz (Catálogo 30° Festival de Mar del Plata)

“Love letters get started without knowing what you are going to say, and get finished without knowing what you’ve said”, said Jean-Jacques Rousseau once. Flavia de la Fuente’s films are love letters to the natural landscape that surrounds her home in San Clemente del Tuyú. Yet her home isn’t limited to the walls that shelter her from the thunders and the hail –it’s also cinema, a language that has the ability to take the form of a shelter. In Diary of a Short Film and Rainy Days, photographer and filmmaker writes an intimate visual journal where fragility and nostalgia blur together with the drops falling from the steamed windows of her house. While the flowers wither, Flavia tries to express the blurred thoughts of one of her three dogs, Solita. There is no envelope big enough for this huge love letter. MD (30 th Festival de Mar del Plata Catalogue)

Flavia de la Fuente

Argentina / Chile, 2015 / 18’ / DCP / Color / Español - Spanish

Nació en Buenos Aires; en 1991 cofundó la revista El Amante y la codirigió hasta 2004. Entre 2001 y 2004 fue programadora del Bafici. Aficionada a la fotografía, hace algunos años comenzó a filmar películas con su pequeña cámara, como Escenas en el mar (2012), El paseo (2014; Bafici ‘15) y el largo 15 días en la playa (2013). She was born in Buenos Aires, co-founded El Amante magazine in 1991 and co-directed it until 2004. Between 2001 and 2004, she was a programmer at Bafici. A photography enthusiast, a few years ago she started shooting films with her small camera, such as Scenes at the Sea (2012), The Walk (2014; Bafici ‘15) and the feature 15 Days at the Beach (2013).

D, G, F, E: Flavia de la Fuente P: Quintín (Eduardo Antín) CP: Solita Films

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Argentina, 2015 / 45’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, F, E: Flavia de la Fuente P: Quintín (Eduardo Antín) CP: Solita Films Contacto / Contact Solita Films. Quintín T +54 9 11 4024 8703 E [email protected] ~ [email protected] W facebebook.com/flavia.delafuente

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

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En modo silencio On Silent Mode El escenario de una Asturias post industrial es también un páramo emocional en el que un minero pre jubilado y ludópata vive huyendo de los acreedores. Perseguido por un despiadado policía, deberá cumplir con un siniestro encargo que marcará un antes y un después en su vida.

The setting of post-industrial Asturias is also an emotional desert in which a pre-retired miner with a gambling problem is constantly avoiding creditors. Chased by a ruthless police officer, he will be forced to run a sinister errand that will change his life.

En modo silencio presenta una historia coral a partir de los diálogos que los personajes mantienen entre ellos por su teléfono celular; cada escena dura lo mismo que la conversación, y entre una llamada y otra se producen elipsis que terminan generando una narración fragmentada, como en mosaico, donde la falta de información deja ver cada vez con más evidencia los signos del thriller. La directora da con una forma fílmica nueva, una especie de relectura contemporánea de la novela epistolar, hasta que en su segunda mitad la película abandona ese riguroso dispositivo inicial y la trama vuelve a empezar para reponer momentos significativos. La llegada de la noche y un blanco y negro contrastado sellan el desenlace terrible que los protagonistas (y el espectador) no preveían en la primera parte. Diego Maté

On Silent Mode features a choral storyline based on its characters’ cellphone conversations, with ellipsis between every call that create a fragmented, mosaic-like narration where the lack of information reveals progressively clear sings that we’re watching a thriller. The director finds a new cinematographic form, a kind of contemporary reinterpretation of the epistolary novel, and then the second half of the film abandons that thorough initial device, and the plot starts again and fills out significant moments. Nightfall and a highly contrasting black and white cinematography seal the terrible fate the characters (and the viewer) didn’t foresee in the first part. DM

Teresa Marcos Estudió ciencias de la información en la Universidad Autónoma de Barcelona, producción de cine y TV en la Universidad de Sussex y completó su formación en el estudio Lighthouse Film and Video en Brighton. Entre sus trabajos se encuentran Se paga el acto (1994), Lencería de ocasión (1999), El simulador (2009) y Módulo 10 (2010). She studied information sciences at the Autonomous University of Barcelona, film and TV production in Sussex, and completed her training at the Lighthouse Film and Video studio in Brighton. Se paga el acto (1994), Bargain Lingerie (1999), El simulador (2009) y Módulo 10 (2010) are some of her works.

España - Spain, 2016 / 70’ / DCP / B&N Español - Spanish D, G, P, PE: Teresa Marcos F: José Valle E: Teresa Marcos, José Valle DA: Susana de Dios S: Antonio de Benito M: Raquel Rodríguez, Nacho Vegas, Enrique Morente CP: De Souna Producciones SL I: Suso Martínez, Francisco Jambrina Mayo, Carmen Gloria García, Olga Montero, Miguelo García Contacto / Contact De Souna Producciones SL. Teresa Marcos T +34 684 611 426 E [email protected] W desouna.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

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Implantación Implantation Inaugurado por el gobierno militar de Lanusse y construido bajo el lema “El barrio del año 2000”, Lugano I y II hoy es un lugar repleto de señales y recorridos que sus ideólogos dejaron programados para siempre. La película se mueve entre los fantasmas del pasado y la vida en el presente.

Inaugurated by Lanusse’s military government and built under the motto “The neighborhood of the future”, Lugano I and II is today a place filled with signs and paths their promoters left for good. The film moves among the ghosts of the past and life in the present.

El discurso de Lanusse que abre el film tiene lugar en 1973 durante la inauguración de una etapa de Lugano I y II, el ya mítico complejo habitacional que persiste como uno de los lugares más emblemáticos –por distintos motivos– de la ciudad de Buenos Aires. Tras ese inicio, intercalando los planes y planos originales del complejo, la película elige hacer un recorte cotidiano de lo que es la vida allí hoy: adolescentes rapeando, competencias deportivas, actividades artísticas y chicos jugando y contando historias son parte de este retrato de un lugar al que, desde afuera, muchas veces se demoniza o no se entiende en toda su dimensión. Se trata de una ciudad dentro de otra, con sus contradicciones y dificultades, pero también con un muestrario de algo que, sin ironía alguna, podría definirse como un enorme capital humano. Diego Lerer

The Lanusse speech the film opens with is from 1973, during the grand opening of a construction phase of Lugano I and II, the already mythical housing complex that persists as one of the most emblematic places in the city of Buenos Aires, for different reasons. Following that opening, the film interweaves the old shots of the complex with new ones, and chooses to make an everyday depiction of life there today: teenagers rapping, sport competitions, artistic activities, children playing and telling stories, these are all pieces in the portrait of a place that is often demonized or misunderstood. It’s a city within a city, with its contradictions and difficulties, but also a sample of something that may be defined as a huge human capital, with no irony at all. DL

LOS directores / the Directors Fermín Acosta (Olavarría, 1990), Lucía Salas (Trelew, 1990) y Sol Bolloqui (Buenos Aires, 1988) formaron La Siberia Cine mientras cursaban la carrera de Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Juntos dirigieron los cortos Implantación (2011), Siberia (2011) y Los exploradores (2016). Fermín Acosta (Olavarría, 1990), Lucía Salas (Trelew, 1990) and Sol Bolloqui (Buenos Aires, 1988) founded La Siberia Cine while majoring in Image and Sound Design at the UBA. Together they directed Implantación (2011), Siberia (2011) and Los exploradores (2016).

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Argentina, 2016 / 77’ / DM / Color / Español - Spanish D, G, F, DA, P, PE: Fermín Acosta, Lucía Salas, Sol Bolloqui E: Manuel Ferrari S: Francisco Pedemonte I: Olga Morales, Julio Morales, Sol González, Nahuel Kiwi Álvarez, Chueco con Eco Contacto / Contact LaSiberia Cine T +54 11 3183 6717 E [email protected]

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

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la ciudad de las réplicas The City of Replicas “¿Cómo es tener un mellizo?”, se interroga Belina Zavadisca en esta película, que combina un retrato de los mellizos Orellana y las réplicas que se hicieron durante su gestión como intendentes con un segmento ficcional en el que la directora hace un casting para buscar a su propia melliza.

“What’s it like to have a twin?”, Belina Zavadisca asks herself in this film that combines a portrait of the Orellana twins and the replicas made during their time as mayors, with a fictional segment in which the director prepares an audition to find her own twin.

La obsesión de la ciudad de Famaillá con las réplicas encuentra una suerte de correlato social y científico: difícilmente se puedan diferenciar causas de consecuencias en el hecho de que en la ciudad hay una cantidad inusitada de parejas de mellizos. El punto culminante de esto son los hermanos Orellana, quienes se alternaron en la intendencia durante más de dos décadas, y en quienes Zavadisca basa buena parte del documental. Si la relación entre original y réplica está cargada de tensión –en la que la subordinación está siempre presente–, la pregunta entonces es si esa relación es extrapolable a la que existe entre dos personas físicamente iguales, y hasta qué punto es posible la identidad entre mellizos normalmente asumida. ¿Existe un mellizo Orellana original y uno doble? Rodrigo Aráoz

The city of Famaillá has an obsession with replicas that finds a sort of social and scientific correspondence: you can hardly differentiate causes from consequences in the fact that the city has an unusual amount of twins. The Orellana brothers –whom Zavadisca follows for most of this documentary– are the definitive example of this, as they toggled between them the office of city mayor for over two decades. If the connection between an original and its replica is always charged with a kind of tension –which always includes a subordination– then the question here is whether that connection can be transported to the one that exists between two physically identical people, and to what extent normal identity is possible within twin siblings. Is one of the Orellana twins the original, and the other one a double? RA

Belina Zavadisca

Argentina, 2016 / 67’ / DM / Color / Español - Spanish

Nació en Tucumán, Argentina, en 1985. Estudió cine, video y televisión en la UTN y en la FUC, y trabajó como guionista para el Conicet, Paka Paka y Tecnópolis TV. También se desempeñó como redactora creativa del Departamento de Ideas y Desarrollo de Telefe. Codirigió el largo Tapalín, la película (Bafici ‘14). Born in Tucumán, Argentina, in 1985, she studied film, video and television at the UTN and the FUC, and worked as screenwriter for Conicet, Paka Paka and Tecnópolis TV. She also worked as creative writer of Telefe’s Department of Ideas and Development. She co-directed the feature Tapalín, la película (Bafici ‘14).

D, G: Belina Zavadisca F: Rodrigo Fafian E: Damián Tetelbaum DA: Mariana Rotundo S: Freddy Uspallata M: Ramiro Mansilla Pons P, PE: Laura Mara Tablón, Mariapaula Rithner CP: Rita Cine, Achilata Producciones I: José Orellana, Enrique Orellana Contacto / Contact Rita Cine. Laura Mara Tablón T +54 9 11 5936 5753 E [email protected] W facebook.com/laciudaddelasreplicas

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La última tierra Last Land Amancio y Evangelina son una pareja de ancianos que vive en un cerro. Él está dispuesto a acompañarla en su lecho de muerte hasta el final.

Amancio and Evangelina are an elderly couple living on the hills. He is willing to accompany her in her deathbed.

Consecuente con el trabajo en sus cortometrajes, en los que el tema de la muerte y los actos rituales que la rodean aparecían de manera central, la ópera prima de este talentoso director podría ser pensada como una aguda reflexión acerca de la sucesión de pequeñas acciones en el rito de despedida que construye y señala el límite entre la vida y la muerte (ese que permitirá dar lugar al duelo). Aquí la apuesta es radical, con mínimos elementos narrativos. Amancio ha vivido toda su vida con su mujer, Evangelina, en el entorno rural paraguayo; se dedica a cuidarla hasta el último instante de su vida. La mañana en la que ella no forma más parte de este tiempo marca el inicio del duelo de Amancio. Lamar nos invita a seguirlo con detenimiento y sin necesidad de diálogo alguno, con absoluta confianza en la fuerza de cada plano. Violeta Bava

Staying true to his short films, in which the topic of death and the rituals around it are a key, the first feature-length film by this talented director can be interpreted as a sharp reflection on the succession of small actions that conform a sent-off ritual that constructs and points at the divisive limit between life and death (which enables mourning). This is a radical stake with minimum narrative elements. Amancio has lived his entire life with his wife, Evangelina, in rural Paraguay, and he takes care of her until the last moment of her life. The morning when she’s no longer there sets the beginning of Amancio’s mourning. Lamar invites us to follow him closely and with no need for dialogues, with an absolute trust in the power of every shot. VB

Pablo Lamar Nació en Paraguay en 1984, y estudió dirección de cine en la Universidad del Cine de Buenos Aires. Dirigió el corto I Hear You Scream (2008). He was born in Paraguay in 1984, and studied filmmaking the Buenos Aires’ Universidad del Cine. He directed the short I Hear You Scream (2008).

Paraguay / Holanda / Chile / Catar - Paraguay / Netherlands / Chile / Qatar, 2016 / 77’ / DCP / Color / Español - Spanish D, G, S, M: Pablo Lamar F: Paolo Girón E: Felipe Galvez DA: Carlo Spatuzza PE: Pablo Lamar, Ilse Hughan, Wiebke Toppel, Gabriela Sabate CP: Sapukai Cine, Fortuna Films I: Ramón del Río, Vera Valdez Contacto / Contact Sapukai Cine. Pablo Lamar T +55 31 975 228 722 E [email protected] W entrefilmes.com.br/La-Ultima-Tierra-Last-Land

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

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Las Vegas in 16 Parts Las Vegas en 16 partes A partir de material de archivo en 16mm, Luciano Piazza presenta una ciudad Lego construida mediante pequeñas piezas –con luces de neón, casinos e imitadores de Elvis–, para revelar aquello que le da identidad a la Ciudad del Pecado.

Using 16mm archive footage, Luciano Piazza presents a Lego city built with small pieces –with neon lights, casinos, and Elvis impersonators– and reveals the essence of the City of Sin.

Las Vegas in 16 Parts exhibe abiertamente su programa: retratar una ciudad a partir de fragmentos. En esas partes, a modo de mosaico, se construye esta sinfonía urbana, mediante una observación precisa y detenida que se posa con igual dedicación en los rituales matrimoniales como en las luces de neón que se recortan en el cielo. Los objetos cobran nueva dimensión a la vez que los sujetos se objetivan, como si fuesen, en igual grado, los intérpretes de la danza que mantiene a la ciudad viva. Ritos de consumo y variables de deseo, el cuerpo se vuelve mercancía y el espacio adquiere carácter escenográfico, como si sobre la superficie de la película la ciudad imprimiese una versión espectral de sí misma. Magdalena Arau

Las Vegas in 16 Parts openly exhibits its program: to portray a city using fragments. Like a mosaic, those portions build this urban symphony through a precise and thorough observation that equally focuses on marriage rites and neon lights on the sky. Objects gain a new dimension while subjects are objectified, as if they were the actors in a dance that keeps the city alive. Through consumption rituals and variables of desire, the body turns into merchandise and the space gains a cinematographic nature, as if the film printed a spectral version of itself on the surface of the film. MA

Luciano Piazza Nació en Argentina, y estudió literatura en Buenos Aires, escritura creativa en Nueva York y cine en California. Dirigió el cortometraje Windows by Night (2014). He was born in Argentina, and studied literature in Buenos Aires, creative writing in New Work, and filmmaking in California. He directed the short film Windows by Night (2014).

Estados Unidos / Argentina - US / Argentina, 2015 62’ / DCP / Color / Inglés - English D, E: Luciano Piazza F: Luciano Piazza, Andrew Kim, Jackson McCoy S: Luciano Piazza, Craig Smith P: Luciano Piazza, Mila Djordjevic, Heather Trawick CP: Lpephemera Contacto / Contact Lpephemera. Luciano Piazza T +1 917 972 2312 E [email protected] W lpephemera.com ~ lasvegasin16parts.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

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Oyster Factory Kaki kouba Fábrica de ostras El realizador nipón revela los problemas sociales de Japón a través de historias de lucha de los trabajadores de una planta provincial de procesamiento de mariscos.

The Japanese filmmaker reveals the social issues in Japan through the stories of struggle of a provincial seafood processing plant’s workers.

Si mañana Kazuhiro Sola les tocara el timbre con su cámara a cuestas, deberían alegrarse. Haría que su familia y compañeros de trabajo lo aceptaran rápidamente, y les dejaría una anécdota mucho más emocionante de lo que su vida cotidiana suele ser. Y, en el camino, también documentaría de fondo las idiosincrasias y preocupaciones de sus compatriotas. ¿Quién hubiera pensado que pescar y descascarar ostras podía ser tan cautivador? Lo es, y por muchas razones que van más allá del molusco en sí. Soda siempre tuvo talento para registrar los comportamientos inconscientes de las personas y aceptar con brazos abiertos la imprevisibilidad. Una actitud abierta recompensada nuevamente mediante una sucesión de hechos extraños o cómicos. Las películas podrán no cambiar el mundo, pero las de Soda tienen la capacidad de mostrarnos la manera más real de observar nuestro mundo cambiante. Aurélie Godet

If tomorrow Kazuhiro Soda were to ring at your door with his camera in tow, rejoice. He would make your family and coworkers accept his friendly self, and would leave with a story much more thrilling than you ever imagined your daily life was, somehow also documenting your countrymen’s idiosyncrasies and concerns in the background. Who would have thought that fishing and shucking oysters could be so engaging? It is, and for many reasons beyond the mollusk itself. Soda has always had talent for recording people’s unconscious behaviors and welcoming unpredictability. An open attitude rewarded again by a surge of strange or comical events. Films may not change the world, but Soda’s films can certainly show us how to look and truly see our changing world. AG

Kazuhiro Soda Nació en Japón en 1970. Entre sus películas como realizador se encuentran Freezing Sunlight (1996) y Mental (2008; Bafici ‘09). He was born in Japan in 1970. Among others, he directed Freezing Sunlight (1996) y Mental (2008; Bafici ‘09).

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Japón / Estados Unidos - Japan / US, 2015 145’ / DCP / Color / Japonés - Japanese D, F, E: Kazuhiro Soda P: Kazuhiro Soda, Kiyoko Kashiwagi CP: Laboratory X Contacto / Contact Pascale Ramonda T +33 662 01 3 241 E [email protected] W pascaleramonda.com

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PREMIERE MUNDIAL / WORLD PREMIERE

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Shalom Bombón Sofía, una joven fotógrafa argentina, es invitada a pasar diez días en Israel con un grupo de treinta jóvenes durante la guerra en Gaza. Vuelve con un diario de viaje que se debate entre un retrato ligero de vacaciones y el intento de entender un conflicto de sesenta años.

Sofía, a young Argentine photographer, is invited to spend ten days in Israel with a group of thirty young people during the Gaza conflict. She returns with a travel log that’s part light portrait of a vacation, part an attempt to understand a 60-year-old conflict.

No hay “grandes temas”, sino formas de abordarlos. La subjetividad puede ser una excavadora que horada la roca dura de la solemnidad. Shalom Bombón retrata el encuentro entre dos mundos: exponentes de una clase media judía porteña, universitarios y bellos, e Israel, tierra de sus antepasados. Este choque cultural destapa un crisol de temas en igualdad de jerarquías: entender la guerra con Palestina es tan crucial como divertirse; encontrar un nexo entre la historia y la propia identidad es tan vital como conseguir novio, o permitirse ser joven y sensual. Ungar hace de su cuerpo una extensión de la cámara, nos sumerge en un viaje elíptico por Israel, clases de danza, fogones, soldados, chanzas. Filmar se vuelve un acto de autoafirmación, una forma gozosa de decir “yo soy”, mucho más potente que las dogmáticas explicaciones de los guías locales. Guido Segal

There are no “big subjects,” only ways of approaching them. Subjectivity can be an excavator that drills the hard rock of gravity. Shalom Bombón portrays the meeting of two worlds: exponents of a Jewish middle-class Buenos Aires, good-looking college students, and Israel, land of their ancestors. This culture clash reveals a melting pot of subjects in equal hierarchies: understanding the war with Palestine is as crucial as having fun; finding a link between history and one’s own identity is as vital as finding a boyfriend, or allowing oneself to be young and sensual. Ungar turns her body into an extension of the camera, and immerses us in an elliptical trip across Israel that includes dance lessons, campfires, soldiers, joking. Filming becomes an act of self-affirmation, a joyous way of saying “I am,” much more potent than the dogmatic explanations of local guides. GS

Sofía Ungar

Argentina, 2016 / 65’ / DM / Color / Español - Spanish

Nació en Bariloche, Argentina, en 1987. Estudió diseño gráfico y fotografía. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires, donde dicta talleres de fotografía para jóvenes. She was born in Bariloche, Argentina, in 1987. She studied graphic design and photography. She currently lives and works in Buenos Aires, where she gives photography workshops for young people.

D, G, F, DA, P: Sofía Ungar E: Joaquín Aras S: Rodrigo Sanchez Mariño M: Ariel Pukacz PE: Milton Rodríguez, Florencia Azorin CP: Libres Films I: Zoe Trilnick Farji, Marina Höxter, Iván Comas, Tamara Zukierman Contacto / Contact Libres Films. Sofía Ungar T +54 9 11 6371 3729 E [email protected] W libresfilms.com ~ cargocollective.com/shalombombon

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Siembra Turco, un pescador de la costa pacífica colombiana, llora la muerte de su hijo. Mientras se celebran los rituales tradicionales de velación, deambula por la ciudad para realizar su propio duelo, pero el tiempo pasa y tiene que encontrar un lugar para enterrarlo.

Turco, a fisherman in the Colombian Pacific shore, mourns the death of his son. While they celebrate the traditional waking rituals, he wanders around the city to perform his own mourning, but time passes and he needs to find a place to bury him.

Esta es una ficción que funciona como documental. No solo porque Ángela Osorio Rojas y Santiago Lozano se imponen abordar una realidad poco comentada como es la migración forzada por el conflicto armado, sino también porque exploran, sin artificios, un mundo sensible en el que se desarrolla una historia de destierro y duelo. En un expresivo blanco y negro, y con agudeza a la hora de registrar detalles, los realizadores siguen el dolor de un hombre a través de una tierra marcada por los rituales, el baile, el trabajo y la violencia. Siembra es un relato íntimo que revela un conflicto de grandes proporciones, lleno de vida, movimiento, sensaciones. Y cuenta además con una de las actuaciones más convincentes del cine colombiano reciente, a cargo del músico Diego Balanta. Andrés Nazarala R.

This is a fiction that works as a documentary. Not only because Ángela Osorio Rojas and Santiago Lozano address the rather untapped reality of forced migration caused by armed conflicts, but also because they neatly explore a sensible universe that features a story of banishment and mourning. With a black and white, expressive cinematography and with attention to detail, the filmmakers follow a man’s pain as he moves through a land marked by rituals, dancing, work, and violence. Siembra is an intimate story that reveals a conflict of great proportions, bursting with life, movement and feelings. And it also features one of the most convincing acting performances in recent Colombian cinema, by musician Diego Balanta. ANR

Los directores / the Directors Angela Osorio: Es licenciada en Comunicación Social en la Universidad del Valle Actualmente se desempeña como Directora de Educación y Cultura en el Museo La Tertulia de Cali. Santiago Lozano: Es licenciado en Comunicación Social de la Universidad del Valle. Produjo varias películas y trabaja como docente en la Universidad Autónoma de Occidente. Angela Osorio majored in Social Communication at Universidad del Valle. She currently works as Head of Education and Culture at the La Tertulia Museum in Cali. Santiago Lozano majored in Social Communication at Universidad del Valle. He produced several films and works as professor at Universidad Autónoma de Occidente.

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Colombia / Alemania - Colombia / Germany, 2015 82’ / DCP / B&N / Español - Spanish D, E: Ángela Osorio Rojas, Santiago Lozano Álvarez G: Ángela Osorio Rojas F: Juan David Velásquez DA: Carmen Gómez S: Leandro De Loredo, Alejandro Fábregas P: Gerylee Polanco Uribe, Óscar Ruiz Navia, Ángela Osorio Rojas, Santiago Lozano Álvarez CP: Contravía Films, Bárbara Films I: Diego Balanta, Inés Granja, José Luis Preciado, Carol Hurtado, John Javier Ramos Contacto / Contact Cineplex Inc. Diana Salcedo T +1 954 495 8653 E [email protected] W contraviafilms.com.co ~ cineplexusa.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE Foto / Photo: Yulia Serdyukova

lugares

Ukrainian Sheriffs Comisarios ucranianos Dos sheriffs locales, recientemente designados por el alcalde de una remota ciudad ucraniana, deben lidiar con delitos cotidianos en días en que las noticias sobre la guerra comienzan a hacerse cada vez más notorias a través de la televisión y de las llamadas para unirse al Ejército.

Two local sheriffs recently appointed by the mayor of a remote Ukrainian city must deal with everyday felonies in times when the news about the war start becoming more and more noticeable through television and calls of duty.

La pequeña comunidad campesina de Stara Zburjivka (no intenten pronunciar esto en sus casas) parece vivir todavía en esa Ucrania presoviética que Gogol describió, entre el horror y el humor, en Veladas en un caserío de Dikanka. Alguno pensará que allí no pasa gran cosa, pero créannos que sí. Y créannos también que en cada cosa que pasa, además del inefable dúo titular –aka “Tony Soprano y Chuck Norris”– y su Lada amarillo decorado con una banderita ucraniana, está la cámara de Ukrainian Sheriffs. Registrando el absurdo cotidiano a la distancia justa y con un humanismo innegociable, Bondarchuk consigue algo dificilísimo para un documental: capturar en los detalles más ínfimos las huellas que los grandes traumas políticos –esos que Ucrania conoce, tristemente, de sobra– dejan en las personas. Agustín Masaedo

The small rural community of Stara Zburjivka (don’t try to pronounce this at home) still appears to be living in the pre-Soviet Ukraine described –between horror and humor– in Gogol’s Evenings on a Farm Near Dikanka. Some of you may think nothing really happens there, but believe us that it does. And believe us too that Ukrainian Sheriffs’ camera is right there where everything happens, just like the infamous indescribable duet of the title –aka “Tony Soprano and Chuck Norris”– and their yellow Lada adorned with an Ukranian flag. By capturing the everyday absurdity from a fair distance and with a non-negotiable humanism, Bondarchuk delivers something that is very difficult to accomplish for a documentary: to capture in intimate detail the traces that big political traumas –the kind Ukraine knows plenty of, sadly– leave on people. AM

Roman Bondarchuk Estudió cine, teatro y televisión en Ucrania. Taxi Driver, su película de graduación, ganó el premio de la Crítica de Cine de Rusia. He studied film, theater and television in Ukraine. Taxi Driver, his thesis film, won the award from the Russian Film Critic Guild.

Ucrania / Letonia / Alemania - Ukraine / Latvia / Germany, 2015 85’ / DCP / Color / Ucraniano - Ukrainian D, F: Roman Bondarchuk G: Dar’ya Averchenko E: Kateryna Gornostai, Roman Bondarchuk, Borys Peter DA: Varvara Perekrest S, M: Borys Peter P: Uldis Cekulis CP: VFS Films I: Vitya Voledya Contacto / Contact Taskovski Films. Vanja Savic T +387 65 322 758 E [email protected] W taskovskifilms.com ~ facebook.com/TaskovskiFilms

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places

Eco Echo A Eco le quitaron la voz y la condenaron a repetir lo que decían los demás. Anulada, decide refugiarse en una cueva y alejarse del trato humano. Echo’s voice was stolen and she was sentenced to repeat what everyone else said.Trapped, she decides to take shelter in a cave and to distance herself from human touch. Xacio Baño Nació en España en 1983. Estudió cine en la Universidad de León. Produjo, escribió y dirigió varios cortometrajes, entre ellos Ser e voltar (2014), Anacos (2012) y Estereoscopía (2011). He was born in Spain in 1983. He studied filmmaking at the University of Leon. He produced, wrote, and directed several short films, including Ser e voltar (2014), Anacos (2012) and Estereoscopía (2011).

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España - Spain, 2015 / 20’ / DM / Color Gallego / Español - Galician / Spanish D, E, P, PE: Xacio Baño G: Xacio Baño, Xosé Barato, Rocío González F: Lucía C. Pan DA: María Zaragoza S: Xoan Escudero CP: Rebordelos I: Xose Barato, Rocío González Contacto / Contact Rebordelos. Xacio Baño T +34 606 555 524 E [email protected] W eco.rebordelos.com

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RESCATES RESCUES

rescues APERTURA / OPENING En el verano de 1964, la ciudad de Nueva York fue testigo del rodaje de Film, la primera y única película del dramaturgo Samuel Beckett. Los créditos finales así lo confirman, “Film by Samuel Beckett”, si bien la película escrita por Beckett está realizada por su colaborador Alan Schneider. Esa es la gran paradoja de Film, una película que quiere ser un tratado cinematográfico, un manifiesto sobre las posibilidades del medio expresado prioritariamente a través de su trabajo espacial con una cámara siempre móvil (en la línea del más audaz F. W. Murnau, y cuyo responsable no es otro que Boris Kaufman, el hermano de Dziga Vertov y la mano derecha de Jean Vigo) y el no-rostro de su protagonista, ni más ni menos que Buster Keaton; en definitiva, la antítesis de lo que podríamos esperar de un dramaturgo. La película, las razones que llevaron a su realización, su rodaje o su polémica e incomprendida recepción son los aspectos que precisamente aborda Ross Lipman en su contrarréplica Notfilm, una de las mejores películas que jamás se hayan hecho sobre otra película, una auténtica edición crítica de su ya inseparable Film. Jaime Pena

In the summer of 1964, the city of New York witnessed the shooting of Film, the first and only film by playwright Samuel Beckett. The end credits so confirm it, “Film by Samuel Beckett,” even though the film written by Beckett was made by his collaborator Alan Schneider. That’s the great paradox in Film, a film that wants to be a cinematic treatise; a manifesto about the possibilities of the medium expressed mainly through its spatial work with a camera always in motion (in line with the most audacious manifestation of F. W. Murnau and whose person responsible is none other than Boris Kaufman, Dziga Vertov’s brother and Jean Vigo’s right-hand man) and the non-face of its protagonist, Buster Keaton himself; in short, the antithesis of what we could expect from a playwright. The film, the reasons that led to its making, its shooting or its controversial, misunderstood reception are precisely the aspects that Ross Lipman covers in his rejoinder Notfilm, one of the best films ever made about another film, an truly critical edition of its already inseparable Film. JP

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Film

Notfilm

Film

Notfilm

Cinco años antes de recibir el Nobel de Literatura, el dramaturgo Samuel Beckett concibió su única película. Una persecución entre la cámara y la imagen que encuentra su esencia cinematográfica en el objeto perseguido, que no es otro que un anciano Buster Keaton.

Ross Lipman realiza un ensayo experimental sobre Film, la película de Samuel Beckett, mediante la utilización de grabaciones de las reuniones de producción. Con este experimento, Lipman se propone resolver un enigma cinematográfico con más preguntas que respuestas.

Five years after receiving the Nobel Prize in Literature, playwright Samuel Beckett conceived his only film. A chase between camera and image that finds its cinematic essence in the object being chased, which is no other than an elderly Buster Keaton.

Ross Lipman makes an experimental essay in Beckett’s Film using recordings from the production meetings. With this experiment, Lipman’s goal is to solve a cinematic enigma with more questions than answers.

Estados Unidos - US, 1965 / 22’ / DCP / B&N Inglés - English

Estados Unidos - US, 2015 / 128’ / DCP / Color & B&N Inglés - English

D: Alan Schneider G: Samuel Beckett F: Boris Kaufman E: Sidney Meyers DA: Burr Smidt P: Barney Rosset PE: Evergreen Theatre CP: Evergreen Theatre I: Buster Keaton, Nell Harrison, James Karen, Susan Reed

D, G, F, E, DA, S: Ross Lipman M: Mihály Víg P: Amy Heller, Dennis Doros CP: Milestone Film, Video Corpus Fluxus I: Samuel Beckett, James Karen, Buster Keaton, James Knowlson, Billie Whitelaw

Restaurada por UCLA Film & Television y Milestone Film & Video. Restaured by UCLA Film & Television and Milestone Film & Video.

Contacto / Contact Milestone Film & Video. Dennis Doros T +1 201 767 3117 E [email protected] W milestonefilms.com ~ filmbysamuelbeckett.com

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rescates

Apenas un delincuente Hardly a Criminal Un oficinista decide estafar a la empresa en la que trabaja para disfrutar del dinero que esconde luego de cumplir su condena en la cárcel. Pero el sufrimiento de su familia y la desconfianza que le tiene a su hermano lo llevarán a planear una fuga.

An office worker decides to rip off the company he works for in order to enjoy the hidden money after doing time in prison. But his family’s suffering and his distrust for his brother lead him to plan an escape.

Un argumento que después vimos reproducido miles de veces: un empleado de oficina que quiere tener una vida mejor a cualquier costo decide, ahogado por deudas de juego, “saltar el alambrado” y llevar adelante una estafa que parece simple. Apenas un delincuente es, quizás, la película más redonda que Fregonese haya filmado en Argentina y, si viviéramos en un mundo más justo, aquella por la que todo el mundo lo conocería, como conoce a Alfred Hitchcock o a John Ford o a Billy Wilder. Con el único protagónico de Sabastián Chiola, que fallecería al año siguiente con menos de 30 años (quizás nuestro John Cazale), el nivel de planteo visual y modernidad que manejaba Fregonese hace casi 70 años va a dejar, o por lo menos debería dejar, a más de uno con la boca abierta. Santiago Calori

A story we’ve seen reproduced a thousand times already: a business employee wants to have a better life at any cost and he’s swamped with gambling debts, so he decides to “jump over the fence” and carry out a con that looks simple. Hardly a Criminal is probably the roundest film Fregonese shot in Argentina, and if we lived in a fair world this would be the film that made him as famous as Alfred Hitchcock, John Ford, or Billy Wilder. With a single main character played by Sebastián Chiola –who passed away the following year before his 30th birthday, which would make him our John Cazale– the visual setting and modern tone Fregonese was able to deliver almost 70 years ago will –or at least it should– leave more than one viewer open-mouthed. SC

Argentina, 1949 / 90’ / 35mm / B&N / Español - Spanish D: Hugo Fregonese G: Chas de Cruz, Hugo Fregonese F: Roque Giacovino E: Jorge Garate S: Mario Fezia M: Julián Bautista P: Juan José Guthmann I: Jorge Salcedo, Sebastián Chiola, Tito Alonso Contacto / Contact Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken T +54 11 4303 2882 ~ +54 11 4303 2883 E [email protected] W buenosaires.gob.ar/museodelcine

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rescues

Hasta después de muerta Til After Her Death Parravicini encarna a su característico atorrante de buen corazón en este melodrama trágico de seducción, sacrificio y abandono, que también es una comedia de costumbres.

Parravicini plays his characteristic scoundrel-with-a-heart in this tragic melodrama of seduction, sacrifice and abandonment that is also a comedy of manners.

“La nueva película acusa un mejoramiento sensible en lo que respecta a la nitidez de la fotografía y a la técnica de la composición sobre la mayoría de las hechas hasta la fecha en el país”, señalaba el diario La Prensa. En efecto, el film muestra progresos técnicos y también formales importantes (todo el relato es flashback, algo inusual para la época) respecto de Nobleza gaucha, el éxito del año anterior de la misma productora. Se estrenó el 13 de agosto de 1916 en el cine Callao, y fue uno de los mayores éxitos del cine nacional de entonces. Hasta después de muerta, escrito por el actor Florencio Parravicini, es el único de los tres largometrajes de ficción realizados en nuestro país en 1916 que aún se conserva, si bien los negativos y copias en nitrato 35mm se perdieron hace mucho tiempo. El Museo del Cine de Buenos Aires guarda un negativo 16mm, del cual se hizo una copia en HD para su proyección, cien años después, en Bafici. Andrés Levinson

“The new film shows a considerable improvement regarding the sharpness of the cinematography and composition techniques comparing it with most of the films made so far in this country,” said La Prensa newspaper. Indeed, the film shows important technical and formal advances (the entire story is a flashback, something very unusual for that time) from Nobleza gaucha, the film from the same production company that was a hit the year before. It opened on August 13 th, 1916 at the Callao theater, and became one of the greatest film hits from that time. Written by actor Florencio Parravicini, Hasta después de muerta is the only remaining film of the three that were made in our country in 1916, although its negatives and 35mm nitrate prints were lost a long time ago. The Buenos Aires Film Museum has a 16mm negative, which was used to make an HD copy so it can be screened, a hundred years later, in Bafici. AL

Argentina, 1916 / 70’ / DM / B&N D: Enrique Ernesto Gunche, Eduardo Martínez de la Pera G: Florencio Parravicini I: Argentino Gómez, María Fernanda Ladrón de Guevara, Silvia Parodi, Florencio Parravicini, Pedro Quartucci Contacto / Contact Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken T +54 11 4303 2882 +54 11 4303 2883 E [email protected] W buenosaires.gob.ar/museodelcine

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Con los puños en los bolsillos I pugni in tasca Fists in the Pocket En un chalet, antes lujoso y actualmente en ruinas, vive una familia burguesa casi totalmente aislada conformada por una madre ciega con cuatro hijos con trastornos mentales. Uno de ellos, Alessandro, llega hasta el punto de planear el asesinato de toda la familia.

Dos personajes quieren alejarse un poco de sus vidas. Dejando atrás exámenes y trabajo, Witold y Fuchs son huéspedes en un lugar que, esperan, pueda darles tranquilidad. Sin embargo, se topan con un espacio inquietante que se irá convirtiendo en todo lo que no esperaban encontrar. La propuesta de esta ópera prima –una de las más intensas de la historia del cine– es sencilla: meternos en la vida de una familia burguesa italiana que va escalando estados de demencia cada vez más grandes, y que se encuentra incapaz de adaptarse a un mundo que ya no entiende. En medio de esto, Bellocchio destroza varios símbolos esenciales de la Italia tradicional (desde el catolicismo hasta figura de la madre y la ópera), habla del famoso “vacío existencial burgués” con un tono que oscila entre la comedia negra e incluso el terror, y trabaja sobre una puesta en escena desprolija que refleja a la perfección la mentalidad de una familia secretamente obsesionada con la (auto)destrucción. Hernán Schell

In a villa that was once luxurious and is now in ruins lives an almost isolated bourgeois family formed by a blind mother and her four mentally disturbed children. One of them, Alessandro, gets to the point of planning on murdering the entire family.

Two characters want to get away from their lives for a bit. Witold and Fuchs leave their exams and jobs aside and settle in a place that hopefully will provide them with a quiet time. However, they end up in a disturbing place that will progressively turn into all the things they didn’t expect to find. The aim of this first feature –one of the most intense in the history of film– is simple: to introduce to us an Italian bourgeois family that becomes more and more demented each time and is incapable of adapting to a world it no longer understand. In the middle of all this, Bellocchio destroys some essential symbols of the Italian tradition (Catholicism, mothers, the opera) and refers to the famous “existential vacuum of the bourgeoisie” with a tone that oscillates between black comedy and even horror cinema as he opts for a sloppy mise en scène that perfectly reflects the mentality of a family secretly obsessed with (self-)destruction. HS

Italia - Italy, 1965 / 105’ / DCP / B&N Italiano - Italian D, G: Marco Bellocchio F: Alberto Marrama E: Silvano Agosti, Anita Cacciolati DA: Gisella Longo S: Vittorio De Sisti M: Ennio Morricone P: Enzo Doria CP: Doria I: Lou Castel, Paola Pitagora, Marino Masé, Liliana Gerace Contacto / Contact The Match Factory. Sergi Steegmann E [email protected] W the-match-factory.com

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A Touch of Zen Xia nu Un toque de zen En la China de la dinastía Ming, Gu trabaja como pintor y lleva una vida tranquila junto a su madre. Hasta que conoce a una misteriosa joven, hija de un policía asesinado, que es perseguida por unos agentes que intentan erradicar todo rastro de su familia.

In China, during the Ming Dynasty, Gu works as a painter and leads a quiet life with her mother. Until she meets a mysterious young woman, the daughter of a murdered policeman, who’s looked for by some agents that intend to eradicate all traces of her family.

A Touch of Zen es a la obra cinematográfica de King Hu lo que Érase una vez en el Oeste es a la de Sergio Leone: la suma perfecta de tópicos, rasgos y estilo que define una visión del cine y del mundo. En este relato acerca del heroísmo y los cimientos de la mitología, Hu alcanza su punto máximo de condensación y abstracción formal, transformando los cuerpos, espadas y espacios físicos en la materia prima con la cual construir una reflexión sobre el placer del movimiento. La escena que cierra la primera parte del fim debería listarse obligatoriamente entre las más bellas de la historia del cine. Con sus breves tres horas de duración, la primera película taiwanesa de la historia en viajar a Cannes ha influenciado secreta y abiertamente a decenas de realizadores y films posteriores. No verla en esta versión restaurada primorosamente es un pecado mortal. Diego Brodersen

A Touch of Zen is to King Hu’s film career what Once Upon a Time in the West is to Sergio Leone’s: the perfect sum of topics, characteristics and style that define a vision of cinema and the world. In this story about heroism and the foundations of mythology, Hu reaches its peak when it comes to condensation and formal abstraction, transforming bodies, swords and physical spaces into the raw material that builds up a reflection on the pleasure of movement. The scene that closes the first part of the film should be listed among the most beautiful in film history. With its brief running time of three hours, the first Taiwanese film to travel to Cannes has influenced dozens of later directors and films both secretly and openly. Not seeing it in this exquisitely restored version is a deadly sin. DB

Taiwán - Taiwan, 1971 / 180’ / DCP / Color Mandarín / Mandarin D, G: King Hu F: Hua Hui-ying E: King Hu, Wang Chin-chen DA: Chen Shang-lin S: Chang Hua M: Wu Ta-chiang, Lo Ming-tao P: Hsia-wu Liang-fang, Yang Shih-ching PE: Sha Yung-fong CP: Union Film I: Hsu Feng, Shih Chun, Bai Ying Contacto / Contact Taiwan Film Institute. Howard Yang T +886 2 2392 2008 E [email protected] W tfi.org.tw

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Dragon Inn Long men kezhan Posada del dragón En medio de la dinastía Ming, Yu Qian es asesinado por Cao, el jefe eunuco del emperador. Los hijos de Yu son condenados al exilio pero a medida que viajan hacia la frontera occidental del imperio, Cao envía a dos de sus mejores agentes de la policía secreta para matarlos.

Luego del rotundo éxito de Come Drink with Me (1966) –exhibida en una de las primeras ediciones del Bafici–, el realizador King Hu decidió cortar las cadenas que lo unían al estudio hongkonés Shaw Brothers e iniciar una carrera independiente en la vecina isla de Taiwán. El hijo pródigo de esa resolución temeraria se llamó Dragon Inn, un clásico instantáneo del cine de artes marciales en su vertiente tradicional (los conocedores llaman a ese género wuxia pian). Retomando algunas ideas de su film anterior, y luego de un prólogo a cielo abierto, Hu coloca a héroes, villanos e indecisos en una posada perdida cerca de la frontera e instala el suspenso y la acción sobre una gruesa capa de belleza formal con más de una referencia cruzada al western. Algunos incluso llaman a esta primera obra maestra de King Hu “la Rio Bravo del este”. Diego Brodersen

In the midst of the Ming Dynasty, Yu Qian is murdered by Cao, the Emperor’s Eunuch. Yu’s sons are sentenced to exile, but as they approach the Empire’s west border, Cao sends two of his best agents from the secret police to murder them.

After the enormous success of Come Drink with Me (1966) – shown at one of the first editions of Bafici–, filmmaker King Hu decided to cut the chains that bound him Hong Kong’s Shaw Brother’s studio and start an independent career in the neighboring island of Taiwan. The prodigal son of that reckless resolution was called Dragon Inn, and became an instant classic of traditional martial arts cinema (which connoisseurs refer to as wuxia pian). Taking up some ideas from the previous film, and after an open-sky prologue, Hu places heroes, villains and the indecisive in a remote inn near the border and settles the suspense and the action over a thick layer of formal beauty with more than one reference to westerns. Some even call King Hu’s first masterpiece “the Rio Bravo of the East.” DB

Taiwán - Taiwan, 1967 / 111’ / DCP / Color Mandarín / Mandarin D, G: King Hu F: Hua Hui-ying E: Chen Hung-min DA: Chow Chi-leung S: Chang Hua M: Chow Lan-ping P: L.S. Chang, Yang Shih-ching PE: Sha Yung-fong CP: Union Film Company Ltd. I: Shang-guan Ling-feng, Shih Chun, Bai Ying Contacto / Contact Taiwan Film Institute. Howard Yang T +886 223 922 008 E [email protected] W tfi.org.tw [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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La chica de rosa Pretty in Pink Los años ochenta no serían lo mismo sin esta fábula estudiantil que puso en gravitación las diferencias sociales. Molly Ringwald se termina de transformar en ícono pop al interpretar a Andie, una chica de clase media enamorada de un muchacho de clase alta.

The ‘80s wouldn’t have been the same without this highschool fable that talked about social differences. Molly Ringwald completes her transformation into a pop icon by playing Andie, a middle-class girl in love with a rich boy.

“La gente se olvida de que, cuando tenés 16 años, es probable que seas más serio que en el resto de tu vida. Pensás seriamente sobre cuestiones importantes”, dijo alguna vez, marcando su canon, John Hughes. Detrás de esa frase está la filosofía que reina en clásicos ochentosos como Se busca novio, El club de los cinco, La chica explosiva y Experto en diversión, pero que también se extiende a dos films guionados por Hughes y dirigidos por Howard Deutch: La chica de rosa y –su casi remake, menos pop y con final cambiado– Alguien maravilloso. Es probable que La chica de rosa haya inventado el pop como lo entendemos hoy, con su vestuario volcánico, sus peinados new wave, las relaciones con implicancias cardiovasculares y esa inmortal banda sonora. Y con Andie y Duckie, dos personajes irresistibles. Pablo Conde

“People forget that when you’re 16, you’re probably more serious than you’ll ever be again. You think seriously about the big questions,” John Hughes once said, making a mark on his canon. Behind that quote is the philosophy that rules over ‘80s classics like Sixteen Candles, The Breakfast Club, Weird Science and Ferris Bueller’s Day Off, but that also extends to the films scripted by Hughes and directed by Howard Deutch: Pretty in Pink and –its almost-remake, a little less pop and with a different ending– Some Kind of Wonderful. It is possible that Pretty in Pink invented pop as we understand it today, with its volcanic wardrobe, its new-wave hairstyles, the relationships with cardiovascular implications and that immortal soundtrack. An with Andie and Duckie, two irresistible characters. PC

Estados Unidos - US, 1986 / 96’ / DCP / Color / Inglés - English D: Howard Deutch G: John Hughes F: Tak Fujimoto E: Richard Marks DA: John W. Corso S: Chris Carpenter M: Michael Gore P: Lauren Shuler PE: John Hughes, Michael Chinich CP: Paramount Pictures I: Molly Ringwald, Harry Dean Stanton, Jon Cryer, James Spader, Annie Pott Contacto / Contact Park Circus T +44 141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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The Brick and the Mirror Khesht va Ayeneh El ladrillo y el espejo Una noche, Hashem encuentra a un niño en el asiento trasero de su taxi. El conductor y su novia intentan cuidar del chico no deseado, pero el hombre insiste en deshacerse de él a la vez que Taji cree que debe quedarse con ellos.

One night, Hashem finds a kid in the back seat of his taxi. The driver and his girlfriend try to take care of the unwanted kid, but the man insists in getting rid of him as Taji thinks he has to stay with them.

La influencia de la “primera” nueva ola iraní de los años sesenta en cineastas contemporáneos como Abbas Kiarostami, Jafar Panahi y Ana Lily Amirpour es profunda. Sin embargo, estas obras pioneras fueron muy poco accesibles en Occidente. Este clásico recién restaurado ofrece una manera ideal de sumergirse en ese emocionante período de la historia del cine en el que un cine iraní independiente surgió desde una fusión entre la narración, las imágenes poéticas y el documental. La Teherán prerrevolución cobra vida en las imágenes panorámicas expresionistas en blanco y negro de Soleyman Minassian para una película que, entre rasgos de Antonioni y un clímax tan desgarrador como inolvidable, se convierte en una crítica alegórica de la clase intelectual de Teherán: hedonista, de alma enferma y cegada ante la acechante amenaza de represión política. MoMA

The influence of the “first” Iranian New Wave of the 1960s on contemporary filmmakers like Abbas Kiarostami, Jafar Panahi, and Ana Lily Amirpour is profound, yet these pioneering works have been largely inaccessible in the West. This newly restored classic offers an ideal entry point into this exciting period of film history, when an independent Iranian cinema movement emerged from a fusion of storytelling, poetic images, and documentary. Pre-revolutionary Tehran pulsates with life in Soleyman Minassian’s expressionistic black-and-white widescreen photography for a film that, with shades of Antonioni and a climax as harrowing as it is unforgettable, becomes an allegorical critique of Tehran’s intellectual class: hedonistic, sick-souled, and blind to the looming threat of political repression. MoMA

Irán - Iran, 1965 / 123’ / DCP / B&N / Farsi D, G, E: Ebrahim Golestan F: Amir Karari, Soleiman Minasian I: Taji Ahmadi, Zackaria Hashemi, Parviz Fanizadeh Contacto / Contact Film Studies Center of the University of Chicago. Julia Gibbs E [email protected] W filmstudiescenter.uchicago.edu

Versión digital remasterizada, cortesía de University of Chicago Film Studies Center / Digitally remastered version courtesy of The University of Chicago Film Studies Center. [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Archivos intervenidos: Cine Escuela FUNCIONES GRATUITAS / FREE SCREENINGS Continuando la serie iniciada con Sucesos intervenidos (2014), el Museo del Cine de Buenos Aires presenta el segundo largometraje realizado íntegramente con material de sus archivos y por catorce destacados realizadores argentinos. Se trata de nueve números de Cine Escuela Argentino, un proyecto creado en 1948 por la Secretaría de Educación de Argentina durante el primer gobierno de Juan Domingo Perón. Este promovía “el empleo del cinematógrafo como auxiliar didáctico destinado a completar la labor educadora y cultural, principalmente en lo que atañe a exaltar los sentimientos de la nacionalidad, con el ejemplo heroico de los próceres, la moral cristiana y los múltiples deberes civiles, grandes y pequeños”. De allí que la mayor parte de las películas producidas por Cine Escuela Argentino tuvieran como objeto la divulgación científica y la promoción turística de las diversas regiones del país. Museo del Cine

los Directores / the Directors Albertina Carri, Carlos Echeverría, Celina Murga, Juan Villegas, Daniel Rosenfeld, Delfina Castagnino, Enrique Bellande, Hernán Rosselli, José Celestino Campusano, María Alché & Juan Pablo Menchón, Mateo Bendesky, ​Matías Piñeiro, Nele Wohlatz, Nicolás Prividera, Santiago Loza, Lorena Moriconi.

Continuing the series started by Intervened Events (2014), Buenos Aires’ Film Museum presents the second feature fully made with footage from its archives by fourteen renowned Argentine filmmakers. It’s made up of nine issues of the “Argentine Film School,” a project created in 1948 by Argentina’s Secretary of Education, during Juan Domingo Perón’s first presidency. It promoted “the use of cinema as a teaching tool destined to complete the task of educating and providing culture, mainly regarding the exaltation of the feelings of nationality, with the heroic example of historical figures, Christian morals and the multiple civil duties, both large and small.” It was due to this that most of the films produced by the “Argentine Film School” had scientific spreading and the touristic promotion of different regions of the country as their subject matter. MDC

Argentina, 2016 / 70’ / DM / Color Contacto / Contact Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken. Eloísa Solaas, Francisco Lezama T +54 11 4361 2273 E [email protected] ~ [email protected] W buenosaires.gob.ar/museodelcine

Producción general: Eloísa Solaas y Francisco Lezama (Museo del Cine de Buenos Aires) Con el apoyo de: TV Pública / Archivo Histórico de RTA ​​Fundación Universidad del Cine (FUC) 348

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rescates

Cine Publicitario Argentino 1960-1980 Argentine Advertising Cinema 1960-1980

Para los espectadores de los años sesenta y setenta, un atractivo extra de ir al cine era ver en colores las publicidades que se emitían cotidianamente en la TV en blanco y negro. Esos años fueron vitales para el desarrollo y crecimiento del cine publicitario local, una época en la que la producción fílmica generada por la publicidad fue el sostén de la industria. A partir de la donación de los archivos de los Laboratorios Alex y DiMar, el Museo del Cine de Buenos Aires, junto a Raúl Manrupe como investigador y especialista, está relevando y clasificando centenares de latas con negativos de spots de aquellos años. Se trata de un patrimonio audiovisual invalorable y restaurado digitalmente: un desfile de estrellas internacionales, desde Charles Aznavour hasta Topo Gigio, y canciones que vuelven a la memoria, en pantalla grande, color y blanco y negro. Museo del Cine

The commercials in color that were regularly broadcasted in black and white TV were a plus of going to the cinema in the ‘60s and ‘70s. Those years were vital to the development and growth of local advertising cinema, a time when film production created by advertising was a pillar to the industry. Thanks to the donation of archives from the Alex and Di Mar Laboratories, the Buenos Aires Film Museum, together with researcher and specialist Raul Manrupe, is revealing and organizing hundreds of cans with negative prints of ad spots from that era. This is an invaluable audiovisual heritage that was digitally restored: a parade of international stars, from Charles Aznavour to Topo Gigio, and songs that trigger memories in the big screen, in color and black and white. MDC

Argentina / 40’ / DM Contacto / Contact Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken T +54 11 4303 2882 +54 11 4303 2883 E [email protected] W buenosaires.gob.ar/museodelcine

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FOCOS Y HOMENAJES Focus & Homages

Peter Bogdanovich

FOCOS Y HOMENAJES / Focus & Homages

Peter Bogdanovich Cuando el año pasado se estrenó en la Argentina Terapia en Broadway, muchos sentimos alegría por la vuelta a la actividad y al esplendor de uno de los grandes directores que brillaron de forma constante en el cine de los setenta y luego se hicieron intermitentes. A la vez, sentimos esa tristeza del tiempo perdido, del cine no hecho, de tantas películas más de Peter Bogdanovich que podríamos haber visto si su ritmo de la primera mitad de los setenta se hubiera mantenido. La película anterior de Bogdanovich, Tom Petty and the Heartbreakers: Runnin’ Down a Dream, fue exhibida en el Bafici hace ya ocho años. Hacia atrás, el hiato entre Runnin’ Down a Dream y El miau del gato: seis años cubiertos por algunos telefilms y algún capítulo de serie. Y ocho años antes, en el siglo pasado, Una cosa llamada amor, que nunca pudimos ver en cine, como nos pasó con Noises Off y Texasville. Y los ochenta: los conflictos y las tragedias, y ese par de grandes películas llamadas Nuestros Amores Tramposos y su verdadera Máscara, la de las canciones de Springsteen, que conocimos mucho después. Más atrás, sus primeros fracasos en los setenta con películas que hoy atesoramos. Y más atrás todavía sus grandes éxitos iniciales con películas que, claro, también atesoramos. Y antes estuvo el cine grande de Hollywood del que Peter se nutrió, del que nos contó con su cine y también con sus libros imprescindibles. Y no vamos más para atrás. Volvamos al presente, al sueño cumplido: Peter Bogdanovich está entre nosotros. Javier Porta Fouz

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When She’s Funny That Way got released in Argentina last year, many of us felt joy by the return to activity and splendor of one of the great directors that shone constantly in the cinema of the ‘70s and then became intermittent. At the same time, we felt that sadness of lost time, of unmade films, of the many more films by Peter Bognadonich we could have seen if he had kept the pace he had in the first half of the ‘70s. Bogdanovich’s previous film, Tom Petty and the Heartbreakers: Runnin’ Down a Dream, was shown at Bafici eight years ago. Before that, there was the hiatus between Runnin’ Down a Dream and The Cat’s Meow: six years covered by some TV movies and an episode from a series. And eight years before, in the previous century, there was The Thing Called Love, which we weren’t able to see in theaters, something that also happened with Noises Off and Texasville. And the ‘80s: the conflict and the tragedies, and that great pair of films that were They All Laughed and his true Mask, the one with the Springsteen songs, which we found about much later. Earlier, his first failures from the ‘70s with films we now treasure. And even earlier, his great hits with films that, of course, we also treasure. And before that, there were the great Hollywood films that influenced Peter, about which he told us through his films and also through his essential films. And we won’t be looking back anymore. Let’s return to present day, to the dream fulfilled: Peter Bogdanovich is among us. JPF

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Peter Bogdanovich

Míralos morir Targets Un hombre va a una armería para comprar municiones. Planea asesinar a varios transeúntes y automovilistas desde una terraza. A la noche, se instala detrás de la pantalla de un autocine y comienza a apuntarles a las personas que asistieron a la función.

A man goes to an armory to buy ammunition. He plans to assassinate several pedestrians and drivers from a rooftop. At night, he locates himself behind the screen of a drive-in cinema and starts to point at the people watching the show.

Con Roger Corman había trabajado en Ángeles salvajes… Hice bastante en esa película, pero era de Roger. Sin embargo, Míralos morir fue mi primera película. Todo se dio de forma un tanto complicada. Boris Karloff le debía dos días de trabajo a Roger, y este último me preguntó si podía comprometerme a filmar 20 minutos con Karloff en dos días, usar 20 minutos de escenas de Karloff de una película anterior, El terror, y después filmar otros 40 minutos en diez días con otros actores, y así tener una nueva película de Karloff de 80 minutos. Así fue como empezó todo, lo cual no era muy prometedor. Pero se nos ocurrieron algunas buenas ideas, y eventualmente escribimos un guion que le gustó mucho a Roger, y terminó consiguiendo a Karloff por tres días más. La película me creó una carrera, a pesar de no haber hecho demasiado dinero; mucha gente la vio, en general cosechó buenas críticas y me permitió filmar La última película. Peter Bogdanovich

I had worked previously on The Wild Angels with Roger Corman... It was quite a bit of work I did on that picture, but it was Roger’s picture. However, Targets was my first picture. It was complicated, how it all came about. Roger was owed two days work by Boris Karloff, and he asked me if I would take on the assignment of shooting 20 minutes with Karloff in two days, taking 20 minutes of Karloff footage from a previous film, The Terror, and then shooting with other actors for 10 days to shoot another 40 minutes, so I’d have a new 80-minute Karloff film. That was how it started out, which was not very promising. But we came up with some good ideas, and eventually wrote a script Roger liked a lot, and ended up getting Karloff for three more days. It created a career for me, even though it didn’t make a lot of money –a lot of people saw it, and it got good reviews, generally speaking, and it made it possible for me to make The Last Picture Show. PB

Estados Unidos - US, 1968 / 90’ / DCP / Color Inglés - English D, G, P: Peter Bogdanovich F: Laszlo Kovacs DA: Polly Platt S: Verna Fields CP: Saticoy Productions I: Tim O’Kelly, Boris Karloff, Arthur Peterson, Monty Landis, Nancy Hsueh Contacto / Contact Park Circus T +44 141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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Peter Bogdanovich

La última película The Last Picture Show El director nos sumerge en el universo juvenil, más precisamente en el despertar sexual de un grupo de adolescentes (entre ellos, los jóvenes y hermosísimos Cybill Shepherd y Jeff Bridges) en una pequeña ciudad de Texas en los cincuenta.

The director immerses us in the universe of youth, more specifically in the sexual awakening of a group of teenagers (among them, the young and beautiful Cybill Shepherd and Jeff Bridges) in a small Texan city during the fifties.

Lo que realmente quería hacer en La última película era concentrarme en los actores, sacar excelentes actuaciones de ellos. Otra razón por la que quería hacerla era que, luego de leer la novela de Larry McMurtry, no sabía cómo filmarla. Me intrigaba mucho el hecho de resolver el problema de convertir esta historia en una película. Me gustaba que fuera sobre un mundo del que no sabía nada. Fue todo un desafío hacer una película sobre lo que, para mí, era básicamente otro país. Larry escribió un borrador que yo luego reescribí. El problema con Larry es que no le gusta el libro tanto como a mí. Se la pasaba corrigiendo el guion. Yo le decía: “Larry, eso no está en el libro”. Y él me respondía: “No, esto no es mejor”. Y yo: “No, es peor”, y volvía a cambiarlopor como estaba en el libro. Es raro corregir al propio autor. El guion era básicamente el libro sin algunas partes. Podríamos haber hecho que la película durara una hora más. Peter Bogdanovich

What I really wanted to do on The Last Picture Show was concentrate on the actors, to really get good performances out of them. One other reason why I wanted to make the picture was because after reading the novel by Larry McMurtry I didn’t know how to film it. Solving the problem of how to turn this story into a film was very intriguing to me. I liked the fact that it was about a world I knew nothing about. It was quite a challenge to make a film about what was, basically, a foreign country to me. Larry wrote a draft, which I rewrote. The trouble with Larry was that he really didn’t like his book as much as I did. He kept changing the script. I would say, ‘Larry, this wasn’t in the book.’ He said, ‘No, it’s better.’ I said, ‘No, it’s worse,’ and I would change it back to the book. It’s funny correcting the writer himself. The script really was pretty much the book with parts cut out. We really could have made the picture another hour longer. PB

Estados Unidos - US, 1971 / 118’ / DCP / B&N / Inglés - English D: Peter Bogdanovich G: Larry McMurtry, Peter Bogdanovich F: Robert Surtees E: Donn Cambern DA: Polly Platt P: Stephen J. Friedman PE: Bert Schneider CP: BBS Productions I: Timothy Bottoms, Jeff Bridges, Cybill Shepherd, Ben Johnson, Cloris Leachman Contacto / Contact Park Circus T +44 141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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Peter Bogdanovich

¿Qué pasa, doctor? What’s Up, Doc? Un tímido profesor conoce de casualidad a una chica con la que vivirá las situaciones más disparatadas y, sin saber cómo, ambos se verán envueltos en un robo de joyas. Un homenaje a las comedias de enredos de los años treinta y cuarenta.

A shy professor accidentally meets a young girl with whom he’ll live the most hilarious situations and, without knowing how, they will both become involved in a jewelry theft. A tribute to the screwball comedies of the ‘30s and ‘40s.

La película terminó siendo la segunda más exitosa del año, después de El padrino, que yo había rechazado porque no quería hacer una película sobre la mafia. Hubo una proyección algo pomposa de ¿Qué pasa, doctor? un tiempo antes del estreno, y la gente parecía resistirse a ella. No estaban lo suficientemente sueltos como para una película así. Todos estaban sentados y preguntándose: “¿Qué es esto?”. Había habido algunas risas, pero no fue tan bien recibida como sí lo fue luego con el público. A los diez minutos, John Cassavetes se paró, en plena película, se dirigió al público y gritó, bien fuerte: “¡No puedo creer que él esté haciendo esto!”. El público se vino abajo en risas, y de ahí en adelante les encantó. John y yo nos hicimos amigos después de eso. Fue mi crítica favorita de cualquiera de las películas que hice. Peter Bogdanovich

The film ended up being the second-biggest hit of the year, after The Godfather, which actually I turned down because I didn’t want to make a Mafia film. There was an early, glitzy screening of What’s Up, Doc? and the audience seemed to be resisting it. They weren’t loose enough for a film like that. It’s like everyone was sitting there asking themselves, ‘What is this?’ There had been some laughs but it wasn’t as warmly received as it would later be by the public. About ten minutes in, John Cassavetes stands up, in the middle of the picture, turns to the audience and shouts, very loudly, ‘I can’t believe he’s doing this!’ The place broke up, and from then on they loved it. John and I became friends after that. It’s my favorite review of any film of mine. PB

Estados Unidos - US, 1972 / 94’ / DCP / Color Inglés - English D, P: Peter Bogdanovich G: Buck Henry, David Newman, Robert Benton F: Laszlo Kovacs E: Verna Fields DA: Polly Platt S: Les Fresholtz CP: Saticoy Productions I: Barbra Streisand, Ryan O’Neal, Madeline Kahn, Kenneth Mars, Austin Pendleton Contacto / Contact Park Circus T +44 141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Peter Bogdanovich

Luna de papel Paper Moon Una de las marcas de Bogdanovich: mirar al cine clásico desde el presente. La película se propone como el viaje iniciático entre un hombre y una niña (Ryan y Tatum O’Neal, padre e hija en la ficción y en la realidad) por los Estados Unidos durante la Gran Depresión.

One of Bogdanovich’s trademarks: looking at classic film from the present. The film is presented as a voyage of discovery between a man and his daughter (Ryan and Tatum O’Neal, father and daughter both in fiction and real life) across the United States during the Great Depression.

Trabajamos mucho para lograr el clima de época perfecto para Luna de papel. Filmamos por todo Kansas y unas semanas en Missouri. Creo que fue la mejor actuación de Ryan O’Neal: esa risa maravillosa que se le ocurrió, ese chisporroteo, fue maravilloso. La película era originalmente de Paramount, y la iba a dirigir John Huston con Paul Newman y su hija como protagonistas. Luego quisieron que la dirigiera yo, pero yo no quería hacerla con Paul. Quería hacerla con Ryan, y eso fue lo que pasó. Y luego tuve que impedir que él matara a su hija. Le gritaba: “Maldición, Tatum, ¿podés aprenderte tus diálogos? No voy a hacerlo otra vez. ¡Lo hicimos veintiocho veces! Estuve en cinco mil episodios de Peyton Place y nunca pasé por algo así”. Y esto pasó en una ruta en el medio de Kansas, con nada a nuestro alrededor excepto Kansas y un auto con una cámara y unos doce tipos colgados. Peter Bogdanovich

We worked really hard to get the period-feel in Paper Moon right. We shot all over Kansas and a few weeks in Missouri. I think it’s the best work Ryan O’Neal’s done. That wonderful laugh he came up with, that cackle, was just wonderful. Paramount owned the property originally and had John Huston lined up to direct with Paul Newman and his daughter to star. Then they wanted me to direct, but I didn’t particularly want to do it with Paul. I wanted to do it with Ryan, so that’s what happened. And then, I just had to keep him from killing his daughter. He will shout ‘Goddamn it, Tatum, would you learn your lines? I’m not going to do it again. We’ve done it twenty-eight times! I did five thousand Peyton Places, and I never went through anything like this.’ And this happens on a road in the middle of Kansas with nothing anywhere but Kansas and a car with a camera on it and about twelve people hanging on. PB Estados Unidos - US, 1973 102’ / DCP / B&N / Inglés - English D, P: Peter Bogdanovich G: Alvin Sargent F: Laszlo Kovacs E: Verna Fields DA: Polly Platt S: Frank Warner, Kay Rose CP: Saticoy Productions I: Ryan O’Neal, Tatum O’Neal, Madeline Kahn, John Hillerman, P. J. Johnson Contacto / Contact Park Circus T +44 141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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Peter Bogdanovich

Tom Petty and the Heartbreakers: Runnin’ Down a Dream Bogdanovich se propone cubrir toda la carrera de Tom Petty and the Heartbreakers, una banda con cuarenta años de trayectoria. El documental descifra la clave de su éxito y entrega cuatro horas repletas de momentos inolvidables.

Bogdanovich commits to covering the entire career of Tom Petty and the Heartbreakers a band with a 40-year career span. The documentary deciphers the key to their success and delivers four hours filled with unforgettable moments.

Sentía que estábamos contando la historia de un tipo y su banda durante un período de treinta años. ¿Qué estaban haciendo? Música. Bueno, ¿de qué manera podría hacerse la obra definitiva sobre la banda sin mostrar el resultado de lo que estaban haciendo? En algunos casos, sentía que las interpretaciones pedían a gritos ser vistas de principio a fin, porque eso es una parte importante de lo que Tom es. No solo son geniales las canciones; él es un intérprete increíble. Cuando lo ves cantando o ves a su banda tocando sus instrumentos, te interesa porque llegás a conocerlos. Es como si estuvieras haciendo una película sobre un gran cineasta y decís que es un gran cineasta; tenés que mostrar algunas secuencias. A veces tenés que dejar que la cosa fluya para saber con qué estás lidiando. Eso fue lo que sentí. No se puede hacer una película sobre un hombre y su música sin mostrar mucha de esa música. Si te gusta el rock and roll, no veo por qué irías a resistirte. Quería que fuera realmente comprensible, que todo estuviera ahí. Peter Bogdanovich

I felt that here we are telling the story of a guy and his band over a period of 30 years. What are they doing? They’re making music. Well, how can we really do a definitive work about this band without showing the result of what they were doing? In some cases, I felt the performances warranted being seen from beginning to end because that’s part of what Tom is. The songs aren’t just great, he’s a terrific performer. When you see him singing or the band playing their instruments, you’re interested because you get to know them. It’s like if you’re making a film about a great filmmaker and you say he’s a great filmmaker, you have to show some sequences. You gotta let them run sometimes so you can see what you’re dealing with. That’s how I felt. You couldn’t really make a movie about a man and his music without showing a lot of the music. If you like rock and roll, I don’t see how you can resist it. I really wanted it to be comprehensive, the full monty. PB

Estados Unidos - US, 2007 239’ / DM / Color & B&N / Inglés - English D: Peter Bogdanovich F: Ted Hayash, David Sammons, Patrick Alexander Stewart E: Bill Berg-Hillinger, Jeffrey Doe, John Gutierrez, Mary Ann McClure S: Brian Riordan, Ryan Ulyate M: Tom Petty and The Heartbreakers P: Skot Bright, George Drakoulias Contacto / Contact East End Management. Evan Bright E [email protected]

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Peter Bogdanovich

Terapia en Broadway She’s Funny That Way Tras siete años sin filmar, el regreso de Bogdanovich reúne a grandes comediantes como Owen Wilson y Jennifer Aniston para narrar, a través de diálogos rápidos y un juego de encuentros y desencuentros, una historia sobre el teatro y las coincidencias de la vida en la ciudad.

After seven years without filming, Bogdanovich’s return reunites two great comedians like Owen Wilson and Jennifer Aniston in order to tell, through rapid-fire dialogue and a game of ups and downs, a story about theater and the coincidences of life in the city.

Al comienzo, el título de esta película era Ardillas para las nueces, pero hubo que cambiarlo porque demasiada gente pensaba que era una película para chicos y que no se podía traducir o algo así, pero esa frase aparece en Cluny Brown, de Ernst Lubitsch, como una manera de decir que está bien hacer las cosas de la manera menos usual. Bueno, el punto de partida fue un incidente que me sucedió en Singapur mientras hacía Saint Jack. Usamos varias prostitutas en la película; llegué a conocer un par, y les di dinero además de su salario para ayudarlas a volver a casa y salir del negocio. Luego de eso solía pensar que sería gracioso hacer una comedia sobre un tipo que le diera dinero extra a una prostituta, que ella deje de serlo y se meta en problemas por ello. No sabía qué iba a pasar después, pero así empezó todo. Peter Bogdanovich

We started with the title Squirrels to the Nuts, which got changed because too many people thought it was a kids’ picture and you couldn’t translate it or whatever, but it’s in Ernst Lubitsch’s Cluny Brown as a way of saying that the unusual way of doing something is good. Anyway, the starting point was an incident that happened to me in Singapore on Saint Jack. We actually used several escorts in the picture, and I got to know and like a couple of them and gave them money beyond their salary to help them go home and get out of the business. After that I always thought it might be funny to make a comedy about a guy who gives an escort extra money to stop being an escort and then gets in trouble because of it. I didn’t really know what would happen, but that’s where it started. PB

Estados Unidos / Alemania - US / Germany, 2014 93’ / DCP / Color / Inglés - English D: Peter Bogdanovich G: Peter Bogdanovich, Louise Stratten F: Yaron Orbach E: Nick Moore, Pax Wasserman DA: Jane Musky S: Damien Canelos M: Edward Shearmur P: Logan Levy, Holly Wiersma, Louise Stratten, George Drakoulias PE: Noah Baumbach, Cassian Elwes, Robert Ogden Barnum, Jacob Pechenik, Andy Neuberger, Brice Sanderford, Jeff Rice, Christa Campbell, Lati Grobman CP: Lagniappe Film I: Imogen Poots, Owen Wilson, Kathryn Hahn, Rhys Ifans, Jennifer Aniston Contacto / Contact Leda Films. Fernando Paduczak T +54 11 4788 5215 W ledafilms.com 360

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Peter Bogdanovich

One Day Since Yesterday: Peter Bogdanovich & the Lost American Film Un día desde ayer: Peter Bogdanovich y la película americana perdida El asesinato de la actriz Dorothy Stratten mientras él editaba Nuestros amores tramposos fue una experiencia devastadora en la vida de Bogdanovich. Este documental reconstruye esa historia de amor y de fe en el poder curativo del cine.

The murder of actress Dorothy Stratten while he was editing They All Laughed was a devastating experience in Bogdanovich’s life. This documentary rebuilds that story of love and belief in the healing power of cinema.

Para mí, la historia de la devoción de Bogdanovich por su película Nuestros amores tramposos y por la fallecida Dorothy Stratten es una de las historias más hermosas del mundo del cine. Bogdanovich ama a las mujeres y ama las películas, y en esta las combinó perfectamente, solo para que luego un loco le robara la mujer que más amaba –y le hiciera perder la película que más amaba–. Más adelante logró ponerse en forma nuevamente, y tanto su gran película como su incomparable talento fueron reconocidos. Quería hacer una película sobre la manera en que recordamos las cosas; sobre la naturaleza efímera del pasado y cómo lo recordamos mediante diapositivas, postales, trozos de película y fotos, y a la vez quería rendirle homenaje a la película en sí. De alguna manera, Peter está atado a esta. Así que mi misión fue hacer este film que le recordara al público que, incluso cuando se cree que las cosas se olvidaron, cuando hay arte y amor verdadero, las cosas no pueden perderse realmente. Bill Teck

For me, the story of Peter Bogdanovich’s devotion to his film They All Laughed and to the late Dorothy Stratten is one of the most beautiful stories in all of cinema. Bogdanovich loves women and movies, and combined both perfectly in They All Laughed, only to have the woman he loved most stolen by a madman –and the film he loved most, lost to him– before a return to form and redemption for both his great film and his staggering talent. I wanted to make a film about the way we remember things –and the transient nature of the past and how we remember it, using slides, postcards, pieces of film and photos as well an homage to the love of film itself. In a way, Peter is tied to his movie. So my mission was to make a film to remind an audience that even when things are thought to be forgotten, when there’s art and true love, things can’t be truly lost. BT

Estados Unidos - US, 2014 / 97’ / DM / Color / Inglés - English D, F, S: Bill Teck E: Bill Berg-Hillinger M: Jorge Gomez, Luis Beyra, Fernando Zulueta P: Victor Barroso, Brett Ratner PE: Fernando Zulueta, Ignacio Zulueta, James Packer, Marie-Therese Guirgis, Adam Bardach CP: Via Verita, RatPac I: Jeff Bridges, Quentin Tarantino, Wes Anderson, Peter Bogdanovich, Ben Gazzara Contacto / Contact Via Verita, RatPac. Bill Teck T +1 786 246 0437 E [email protected] W brettratner.com/blog onedaysinceyesterdaybogdanovich.blogspot.com [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Paulo Branco

FOCOS Y HOMENAJES / Focus & Homages

Paulo Branco Paulo Branco es parte fundamental del cine que nos formó y que, ante todo, nos dio felicidad plena como cinéfilos. Productor/artífice de gran parte de las películas que hemos visto en ediciones anteriores del Bafici y que nos acompañan siempre, con su matriz en Portugal (y decir eso es nombrar a João César Monteiro, Manoel de Oliveira, Pedro Costa…) pero extendiéndose más allá de sus fronteras, supo sumar a su familia a Raoul Ruiz, Chantal Akerman, Jerzy Skolimowski, Werner Schroeter, entre tantos otros. Una lista interminable de autores, algunos con una obra sólida detrás y otros que fueron debutantes, a quienes Branco supo apostar, corriéndose de toda comodidad y asumiendo los riesgos que implica pensar una producción con criterio autoral, haciendo del cine una aventura, por fuera de instituciones consagratorias. Obras sumamente disímiles llevan la firma de Branco, compartiendo, en ese rasgo común, la idea de una puesta en escena sin concesiones y un estar en el cine que desestima todo canon. Este homenaje, sucinto ante una obra inabarcable, recoge algunas de sus películas más recientes, a la vez que revisita otras que siempre, en cada nuevo visionado, parecen proyectarse desde el futuro. La celebración de un cine que en su singularidad afirma y expande el mundo a su paso. Magdalena Arau

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Paulo Branco is an essential part of the cinema we’ve learned from and made us absolutely happy cinephiles. He is a producer/promoter of many of the films we’ve seen in previous editions of Bafici and stayed with us forever, with a base in Portugal (which means João César Monteiro, Manoel de Oliveira, Pedro Costa…) but extending beyond its borders and including Raoul Ruiz, Chantal Akerman, Jerzy Skolimowski, Werner Schroeter, and many others in his family. An endless list of auteurs, some of them with a solid body of work and others who were only debutants, who Branco was quick enough to support, moving away from his comfort zone, assuming the risks of producing art house films, and turning cinema into an adventure out of the structure of consecrating institutions. Branco has signed his name on films that are hugely different from each other, yet share an idea of relentless artistic setting and a status that remains indifferent to the canon. This tribute, as restricted as it is within his infinite body of work, picks up some of his most recent films, and revisits others that seem to be projecting here from the future. It’s the celebration of a cinema whose uniqueness affirms and expands the world around it. MA

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Paulo Branco

Cosmos Dos personajes quieren alejarse un poco de sus vidas. Dejando atrás exámenes y trabajo, Witold y Fuchs son huéspedes en un lugar que, esperan, pueda darles tranquilidad. Sin embargo, se topan con un espacio inquietante que se irá convirtiendo en todo lo que no esperaban encontrar.

Two characters want to get away from their lives for a bit. Witold and Fuchs leave their exams and jobs aside and settle in a place that hopefully will provide them with a quiet time. However, they end up in a disturbing place that will progressively turn into all the things they didn’t expect to find.

Witold y Fuchs buscan alojamiento en una casa de campo. Una serie de hallazgos, que bien podrían ser inconexos (o incluso, también, no existir), se revelan ante ellos como los puntos de una trama macabra. Sus pesquisas delirantes incluyen recolección de pruebas y descubrimientos a cada paso: las bocas que se acoplan, los ahorcados, las líneas que atraviesan los cuartos trazando flechas. Gombrowicz construyó su novela policial como una máquina que crea su mundo a medida que avanza, caminando a ciegas, haciéndose a sí misma en los límites del lenguaje. Imágenes-literatura que harían pensar que todo intento de transposición es un salto al vacío. La película recupera ese vértigo en una coreografía caótica de cuerpos en sospecha y movimiento permanente, muecas desopilantes, música y corridas sin freno. Magdalena Arau

Witold and Fuchs look for accommodation at a country house. A series of findings that may very well be incoherent (or maybe even unreal) are revealed to them as elements of a dark plot. Their crazy investigations include collecting evidence, and constant findings: complementing mouths, hanged people, and lines going across rooms like arrows. Gombrowicz built his crime novel like a machine that creates its universe as it moves forward, blindly, shaping itself in the limits of language. Imageliterature that would make us believe any transposition attempt is a jump from a cliff. The film recovers that vertigo in a chaotic choreography of suspected bodies in permanent motion, hilarious faces, music, and endless running. MA

Francia / France, 2015 / 93’ / DCP / Color / Francés - French D, G: Andrzej Zulawski F: André Szankowski E: Julia Gregory DA: Paula Szabo S: Jean-Paul Mugel, Thomas Robert, Nicolas d’Halluin M: Andrzej Korzynski P: Paulo Branco PE: Ana Pinhão Moura CP: Alfama Films Production, Leopardo Filmes I: Sabine Azéma, Jean-François Balmer, Jonathan Genet, Johan Libéreau, Victoria Guerra Contacto / Contact Alfama Films. Andrea Dos Santos T +33 786 559 223 E [email protected] ~ [email protected] W alfamafilms.com ~ cosmos-lefilm.com [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Paulo Branco

L’Astragale Astragal El astrágalo Una noche de abril de 1957, Albertina, de 19 años, se escapa de la prisión donde cumple una condena por robo. En la huida se rompe un hueso del pie llamado astrágalo. Irá de escondite en escondite, luchando por mantenerse en libertad.

One night in April 1957, 19-year-old Albertina escaped prison where she was serving a sentence for robbery. While escaping, she breaks an anklebone called astragalus. She will jump from one hiding spot to another, struggling to remain free.

Aunque Sy busque emular el tono y la estética de la Nouvelle Vague con una rica fotografía en blanco y negro y guiños a Vivir su vida y Disparen sobre el pianista, L’Astragale es más que nada una obra del siglo XXI. Si bien no se cambian detalles del material de base, que tiene 50 años, el hecho de que Albertine tenga un pasado poscolonial adquiere un nuevo significado luego de Charlie Hebdo. El acoso por parte del Estado a ciudadanos argelinos llena las calles del París de Sy, donde Albertine huye luego de escapar de prisión. El título viene del nombre de un hueso del tobillo que Albertine se rompe al fugarse de prisión. Si bien el rengueo resultante se convierte en el atributo físico principal del personaje, es en sus cimientos emocionales donde ella lucha por mantener una apariencia de normalidad. Adam Batty

While Sy may seek to emulate the mood and aesthetics of the Nouvelle Vague, with rich black and white photography and nods to the likes of Vivre sa vie and Shoot the Piano Player, Astragal is very much a piece of work of the 21st century. While details remain unchanged from the 50 year-old source material, the fact that Albertine has of a post-colonial background takes on a second meaning post-Charlie Hebdo. State harassment of Algerian residents fills the streets of Sy’s Paris, to which Albertine has fled following her escape from prison. The title comes from the name of a bone in the ankle, the part of the body that Albertine breaks during her prison escape. While the resulting limp becomes the character’s key physical attribute, it’s in her emotional foundation where she struggles and fights to maintain a semblance of normality. AB

Francia - Francia, 2015 / 96’ / DCP / B&N Francés - French D: Brigitte Sy G: Brigitte Sy, Serge Le Peron F: Frederic Serve E: Julie Dupre DA: Françoise Arnaud S: Luc Meilland, Melissa Petitjean M: Béatrice Thiriet P, PE: Paulo Branco CP: Alfama Films Production, France 3 Cinéma I: Leila Bekhti, Reda Kateb, Esther Garrel, Jocelyne Desverchere, India Hair Contacto / Contact Alfama Films. Andrea Dos Santos T +33 786 559 223 E [email protected] W alfamafilms.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Paulo Branco

Posto avançado do progresso An Outpost of Progress Puesto avanzado del progreso Dos oficiales portuguesas llegan a un puesto remoto de comercio de marfil en el Congo, donde deben lograr que el negocio fluya nuevamente luego de la muerte del ex jefe de estación. Sin embargo, los trabajadores contratados hacen poco y nada para adquirir nuevas reservas.

Two Portuguese officers arrive to a remote ivory trade post in Congo, where they must get the business flowing again after the death of the former station chief. But the hired workers do very little to find new reserves.

La impactante fotografía de Posto avançado do progresso –basada en perfectos difuminados, claroscuros, texturas de todo tipo, ángulos con ojo de pez y un largo etcétera– distorsiona la percepción de la ficción con un solo propósito: marcar las diferencias entre el hombre blanco y el bárbaro a partir de recursos visuales y sonoros. Unas diferencias que, evidentemente, ridiculizan a los imperialistas portugueses hasta caricaturizarlos, pero no los convierten en despiadados sujetos deshumanizados. Vieira da Silva desmitifica la épica del colonialismo poblándolo con holgazanes, borrachos o enfermos incapaces de apreciar la belleza natural e indígena que los rodea. Como dirá el hombreleopardo que acecha a los portugueses: “las historias de cacería siempre glorifican al cazador”. Carlota Moseguí

The striking cinematography in An Outpost of Progress –based on perfect blurs, chiaroscuros, textures of all kinds, fish-eye angles and so on– distorts the perception of fiction with only one purpose: to mark the differences between the white man and the barbarian through visual and sound resources. Differences that, of course, ridicule the Portuguese imperialists to the point of caricature, but do not turn them into merciless dehumanized subjects. Vieira da Silva demystifies the epic of colonialism by populating it with idlers, drunks or sick people incapable of appreciating the natural, indigenous beauty that surrounds them. As the leopard man lurking the Portuguese would say: “hunting stories always glorify the hunter.” CM

Portugal, 2016 / 121’ / DCP / Color Portugués - Portuguese D, G: Hugo Vieira da Silva F: Fernando Lockett E: Paulo Mil Homens DA: Isabel Branco S: Pierre Tucat P: Paulo Branco CP: Alfama Films, Leopardo Filmes, República Filmes I: Nuno Lopes, Ivo Alexandre, David Caracol, Inês Helena, António Mpinda Contacto / Contact Alfama Films. Andrea Dos Santos T +33 786 559 223 E [email protected] W alfamafilms.com [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Paulo Branco

El estado de las cosas Der Stand der dinge / The State of Things El singular rodaje de una remake de un clásico de Roger Corman se detiene en Portugal por falta de película, y su director va a Los Ángeles a buscar al inhallable productor. Un film-exorcismo de Wenders, que venía de la mala experiencia con Francis Ford Coppola en Hammett. El estado de las cosas, una de las mejores películas del alemán, tiene en su ficha técnica una cantidad inusual de grandes nombres. Por ejemplo, Robert Kramer en el guion, Samuel Fuller como actor, Jim Jarmusch en la música, João Canijo como asistente y, claro, nuestro homenajeado Paulo Branco como productor asociado. Javier Porta Fouz The singular shooting of a remake of a Roger Corman classic is interrupted in Portugal because they run out of film, and the director flies to Los Angeles to find his slippery producer. An exorcism-film by Wenders, who was coming from a bad experience with Francis Ford Coppola in Hammett. The State of Things, one of the finest films from this German director, includes an unusual amount of big names in its crew list. Like Robert Kramer on the script, Samuel Fuller as an actor, Jim Jarmusch in the score, João Canijo as an assistant and, of course, our honored Paulo Branco as an associated producer. JPF

Alemania / Portugal / Estados Unidos Germany / Portugal / US, 1982 / 121’ DCP / B&N / Inglés / Alemán - English / German D: Wim Wenders G: Wim Wenders, Robert Kramer, Josh Wallace F: Henri Alekan, Fred Murphy, Martin Schäfer E: Jon Neuburger, Peter Przygodda, Barbara von Weitershausen DA: Zé Branco M: Jim Jarmusch, Jürgen Knieper P: Chris Sievernich, Paulo Branco, Pierre Cottrell I: Isabelle Weingarten, Rebecca Pauly, Jeffrey Kime, Geoffrey Carey, Samuel Fuller Contacto / Contact The Festival Agency. Sarah Cagneaux T +33 9 5490 4863 E [email protected] W thefestivalagency.com

Os canibais The Cannibals Los caníbales En 1988, Manoel de Oliveira acomete el que posiblemente sea el film más irreverente de su carrera, Os canibais, adaptación operística de una novela de Álvaro Carvalhal con libreto de João Paes. Luís Miguel Cintra y Leonor Silveira (en su primera colaboración con el maestro y a sus 17 años) protagonizan esta sátira salvaje, un sainete aristocrático con los ingredientes necesarios: un perverso vizconde, un novio abandonado, una inocente muchacha, más (un extra) un clímax que envidiaría Brian Yuzna. Fran Gayo In 1988, Manoel de Oliveira makes what is possibly the most irreverent film in his career, The Cannibals, an operatic adaptation of a novel by Álvaro Carvalhal with screenplay by João Paes. Luís Miguel Cintra and Leonor Silveira (in her first collaboration with the master, and at 17) star in this wild satire, an aristocratic farce with all the necessary ingredients: a perverse viscount, an abandoned boyfriend, an innocent girl, plus (an extra) a climax Brian Yuzna would envy. FG

Portugal / Francia / Alemania / Italia / Suiza Portugal / France / Germany / Italy / Switzerland, 1988 90’ / 35mm / Color / Portugués - Portuguese D: Manoel de Oliveira G: Manoel de Oliveira, João Paes F: Mário Barroso E: Manoel de Oliveira, Sabine Franel DA: Luís Monteiro S: Joaquim Pinto M: João Paes P: Paulo Branco PE: Paulo De Sousa CP: Gemini Films, Filmargem, La Sept I: Luís Miguel Cintra, Leonor Silveira, Diogo Dória, Oliveira Lopes, Pedro T. da Silva Contacto / Contact Cinemateca Portuguesa. Sara Moreira W cinemateca.pt

Cortesía de Cinemateca Portuguesa / Courtesy of Cinemateca Portuguesa. 368

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Paulo Branco

Ossos Bones Huesos 1997. Vanda Duarte aparece por primera vez en una pantalla. Su presencia en Ossos genera una onda expansiva que transforma de modo irreversible el cine de Pedro Costa y reanima la mitomanía cinéfila de los años noventa. Aquí Vanda interpreta a un personaje escrito, y, de las tensiones entre personaje y actriz, entre las convenciones de la ficción y las calles de Fontainhas, surgirá un film traumado y fascinante que anticipa un nuevo cine en el que la palabra “documental” forma parte de una lengua muerta. Fran Gayo

Portugal / Francia / Dinamarca Portugal / France / Denmark, 1997 / 94’ 35mm / Color / Portugués - Portuguese D, G: Pedro Costa F: Emmanuel Machuel E: Jackie Bastide DA: Zé Branco S: Jean Dubreuil P: Paulo Branco CP: Madragoa Filmes, Gemini Films, Zentropa Productions I: Vanda Duarte, Nuno Vaz, Mariya Lipkina, Isabel Ruth, Inês de Medeiros

1997. Vanda Duarte appears on a screen for the first time. Her presence in Ossos causes a ripple effect that irreversibly transforms Pedro Costa’s cinema and reanimates the cinephile mythomania of the ‘90s. Here, Vanda plays a written character, Contacto / Contact and, from the tensions between character and actress, beCinemateca Portuguesa. Sara Moreira tween the conventions of fiction and the streets of Fontainhas, W cinemateca.pt appears a traumatized, fascinating film that anticipates a new cinema in which the word “documentary” is part of a dead language. FG Cortesía de Cinemateca Portuguesa / Courtesy of Cinemateca Portuguesa.

As bodas de Deus The Spousals of God Las bodas de Dios Joao de Deus, el libertino más singular, el coleccionista de vellos de pubis, ex heladero, vagabundo arruinado, pone fin a su trilogía con este hermoso delirio que comienza con un parque, un mensajero divino, una valija llena de dinero y una muchacha a punto de ahogarse. Lo que sigue es el deambular de un De Deus que por capricho divino pasa de linyera a aristócrata revolucionario y que, tras dar con sus huesos en la cárcel, recibe la redención del sentimiento más terapéutico posible: el amor. Fran Gayo Joao de Deus, the most singular libertine, the collector of pubic hair, the former ice-cream man, the ruined drifter, ends his trilogy with this beautiful delirium that begins with a park, a divine messenger, a suitcase full of money, and a girl about to drown. What follows next is De Deus wandering around, going from homeless to revolutionary aristocrat on God’s whim, and ending up in jail, only to find redemption from the most therapeutic feeling of all: love. FG

Francia / Portugal - France / Portugal, 1999 / 150’ / 35mm Color / Francés / Portugués - French / Portuguese D, G: João César Monteiro F: Mário Barroso E: Joaquim Pinto DA: Alfredo Furiga S: Joaquim Pinto P: Paulo Branco CP: Madragoa Filmes I: Rita Durão, João César Monteiro, Joana Azevedo, José Airosa, Manuela de Freitas Contacto / Contact Cinemateca Portuguesa. Sara Moreira W cinemateca.pt

Cortesía de Cinemateca Portuguesa / Courtesy of Cinemateca Portuguesa. [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Paulo Branco

Combat d’amour en songe Love Torn in Dream Combate de amor en sueño Todo parte de un hecho verídico: la historia de un joven bibliotecario que a principios del pasado siglo viaja al norte de Chile acompañando a un buscador de tesoros. Allí ambos encuentran una serie de textos que documentan la existencia de una antigua hermandad de piratas ácratas. Esta anécdota le sirve a Ruiz para construir un caleidoscopio en el que coexisten nueve narraciones diferentes (y otras tantas películas) y donde la imaginación desborda los límites de la coherencia narrativa. Fran Gayo Everything is based on a true event: the story of a young librarian who travels to Northern Chile with a treasure hunter in the early years of the last century. They will find there a series of texts that prove the existence of an ancient brotherhood of anarchist pirates. Ruiz uses this anecdote to make a kaleidoscope where nine different stories coexist (as well as nine films) and where imagination overflows the limits of narrative conscience. FG

Francia / Portugal - France / Portugal, 2000 122’ / 35mm / Color & B&N Francés / Portugués / Español - French / Portuguese / Spanish D, G: Raoul Ruiz F: Acácio de Almeida E: Valeria Sarmiento DA: Isabel Branco S: Georges-Henri Mauchaunt M: Jorge Arriagada P: Paulo Branco PE: Laurent Baudens, Valentina Merli CP: Gemini Films, Madragoa Films I: Melvil Poupaud, Elsa Zylberstein, Lambert Wilson, Christian Vadim, Diogo Dória Contacto / Contact Le Bureau Films. Aurore Auguste T +33 140 333 387 E [email protected] W lebureaufilms.com

Mañana nos mudamos Demain on déménage Tomorrow We Move Muchas veces injustamente soslayada en los repasos de la filmografía de Chantal Akerman, Mañana nos mudamos es una comedia farsesca –no exenta de oscuridades– entre muebles, cajas y desorden. Charlotte (Sylvie Testud en uno de sus mejores roles) es una escritora de novelas eróticas que no encuentra la clave de qué es erótico. Su madre, la profesora de piano Catherine (Aurore Clément), se muda con ella, y con ella va también su piano. Entre ellas y con ellas, una serie de personajes, o de personajes-neurosis, que se mueven como si estuvieran en un musical aunque no haya canciones. Javier Porta Fouz Much overlooked when reviewing Chantal Akerman’s filmography, Tomorrow We Move is a farcical comedy –with a few dark moments– among furniture, boxes and disorder. Charlotte (Sylvie Testud in one of her better roles) is en erotic fiction novelist who can’t find the key to eroticism. Her mother, piano teacher Catherine (Aurore Clément), moves in with her, and so does her piano. Between and with them are a series of characters, or characters-neuroses, that move as though they were in a musical, even though there aren’t any songs. JPF

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Francia / Bélgica - France / Belgium, 2004 110’ / 35mm / Color Francés - French D: Chantal Akerman G: Chantal Akerman, Eric De Kuyper F: Sabine Lancelin E: Claire Atherton DA: Christian Marti S: Thomas Gauder M: Sonia Wieder-Atherton P: Paulo Branco CP: Gemini Films, Paradise Films I: Sylvie Testud, Aurore Clément, Jean-Pierre Marielle, Natacha Régnier, Lucas Belvaux Contacto / Contact Cinematek E [email protected] W cinematek.be

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Rick Alverson

FOCOS Y HOMENAJES / Focus & Homages

Rick Alverson Hombres que trabajan, duermen o comen solos; hombres solos que hablan por teléfono, como si quisieran aferrarse a algo que vibra a través del aire y que ofrece una especie de constancia de que del otro lado de la línea hay un atisbo de esperanza o una promesa latente de salvación; hombres que sueñan con una vida que no saben cómo es y empiezan a construir casas con sus manos, o se sientan en soledad a tomar el desayuno, o se bajan del auto en la ruta sólo para quedarse un rato viendo el paisaje yermo: inmenso, hermoso y algo triste. Rick Alverson, el hombre de Richmond, Virgina, Estados Unidos, clase 1971, hace películas bellas, a veces algo tristes; por momentos imbuidas de un espíritu un poco años setenta como si, por ejemplo, el tono de desencanto, escepticismo, pero también de piedad de TwoLane Blacktop (Monte Hellman, 1971: referencia porosa pero insistente) se impusiera con engañosa gentileza en varias de sus imágenes, menos como un espejo que como una fatalidad. Al igual que con su banda de rock, Spokane, el director parece explorar lo que hay más allá del estruendo del mundo concebido como un apéndice inerte del espectáculo y bajo el imperativo del éxito o la promoción social. Con pudor, con temblor y con un amor insensato por sus personajes, las películas de Alverson nos recuerdan la existencia de un cine posible: aquel cuyos presupuestos no son los de palmear la espalda del espectador, sino los de exhibir los resquicios a través de los cuales se alcanza a adivinar la presencia de un vacío sin nombre. David Obarrio

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Men who work, sleep, and eat alone. Lonely men talking on the phone as if they wish to cling on to something that vibrates through the air and offers a kind of assurance that the other side of the line holds a hint of hope or a latent promise of salvation. Men who dream of a life they don’t know nothing about and start building homes with their own hands, or sit alone to have breakfast, or get out of their cars in the middle of the road just to spend some time looking at a deserted, immense, beautiful landscape. Rick Alverson, the man from Richmond, Virginia, United States, class of 1971, makes beautiful, somewhat sad films. At times, they are immersed in a sort of ‘70s spirit, as if, for example, the disappointed, skeptical, and merciful tone from Two Lane Blacktop (Monte Hellman, 1971: a porous yet insistent reference) was imposed on his films with a deceitful kindness, more like mirror than a fatality. Just as he does in his rock band Spokane, the director seems to explore whatever there is beyond the obligation of success or social climbing. With modesty, tremor, and an mindless love for its characters, Alverson’s films remind us of the possibility of a certain kind of cinema: one whose premise is not to pad the viewers’ backs, but to display the cracks through which you can notice the presence of a nameless void. DO

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Rick Alverson

The Builder El constructor Un carpintero de origen irlandés se encuentra superado por una fatiga inexplicable e intenta recuperar el espíritu de los primeros pobladores de Estados Unidos para salvarse.

A carpenter of Irish descent finds himself overcome by inexplicable fatigue and tries to regain the spirit of the first US settlers in order to save himself.

Cosas que aprendimos de Spokane, la banda de Rick Alverson: la melancolía no es tristeza; la búsqueda artística puede tener muchas aristas, pero es la insistencia la que delinea la consistencia; construir una casa con las propias manos –como hizo el trío con la casa en la que grabarían Little Hours, su último disco hasta el momento– no es solo el acto en sí, sino todo lo que implica llevarlo –o no– a cabo. En The Builder, su primer largometraje en busca de nuevos horizontes, lejos de la música, Alverson decide pararse en ese lugar exacto en el que una forma de entender el mundo define la obra, y ubica la mirada en los entretiempos, esos en los que sucede mucho más de lo que creemos y que, sin duda alguna, son los que más nos definen. El realismo de los entretiempos. De eso se trata The Builder. Pablo Conde

Things we’ve learned from Spokane, Rick Alverson’s band: melancholy isn’t sadness; the artistic search can have many aspects, but it’s insistence that outlines consistency; building a house with one’s own hands –as the trio did with the house where they would record Little Hours, their latest album– is not just the act in itself, but also everything it takes to fulfilling it –or not. In The Builder, his first feature in search of new horizons, away from music, Alverson decides to stand at the exact spot where a way of understanding the world defines one’s work, and places his gaze on the moments in between, those in which what happens is more important than we think it is, which are undoubtedly those that define us the most. The realism of the moments in between. That’s what The Builder is about. PC

Estados Unidos - US, 2010 / 92’ / DM / Color / Inglés - English D, F, E: Rick Alverson G: Rick Alverson, Colm O’Leary M: Champ Bennett, Rick Alverson P: Courtney Bowles, Rick Alverson PE: Chris Swanson, Darius Van Arman, Ben Swanson, Jonathan Cargill CP: Made Bed Productions, Jagjaguwar I: Colm O’Leary, Liza Kate, Courtney Bowles, Robert Donne, Eamon O’Leary Contacto / Contact Made Bed Productions. Rick Alverson T +1 804 502 8084 E [email protected] W madebedproductions.com [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Rick Alverson

New Jerusalem Nueva Jerusalén Sean es un inmigrante irlandés que regresa de Afganistán y se hace amigo de Ike, un evangelista que se esfuerza por asegurar su salvación.

Sean is an Irish evangelist who returns from Afghanistan and befriends Ike, an evangelist who works hard to secure his salvation.

La relación entre un hombre de fe y un hombre repleto de dudas es el corazón de esta segunda película del rockero Rick Alverson. Will Oldham, a quien deberían conocer al menos como Bonnie “Prince” Billy, interpreta un redneck evangelista que trabaja en una gomería con el personaje del aquí también guionista Colm O’Leary, un traumado inmigrante irlandés que está de regreso tras combatir en Afganistán. Alverson respeta ambos puntos de vista sin necesidad de esconder basura bajo la alfombra y consigue momentos enormes cuando esas miradas opuestas sobre el mundo intentan reconciliarse. El cineasta deja de lado todo tipo de revelaciones en una pequeña película que pasa por otro lado, y tal vez sea por eso que prefiere concentrarse en distintos objetos o pequeños gestos, a los que dedica numerosos planos detalle. Nazareno Brega

The relationship between a man of faith and a man filled with doubt is the heart of this sophomore effort from rocker Rick Alverson. Will Oldham, whom you should at least know as Bonnie “Prince” Billy, plays an evangelist redneck who works in a tire repair shop with the character played by screenwriter Colm O’Leary, a traumatized Irish immigrant who’s back home after having fought in Afghanistan. Alverson respects both points of view without the need to hide dirt under the rug, and achieves some great moments when those opposing views on the world try to reconcile. The filmmaker leaves any kind of revelations aside in a small film that’s about something else, and perhaps that is why it prefers to concentrate on different objects or small gestures, to which it devotes many extreme close-ups. NB

Estados Unidos - US, 2012 / 94’ / DM / Color Inglés - English D, F, E: Rick Alverson G: Rick Alverson, Colm O’Leary S: Andrew Uvarov M: Champ Bennet, Robert Donne P: Rick Alverson, Courtney Bowles PE: Chris Swanson, Darius Van Arman, Ben Swanson, Jonathan Cargill CP: Factory 25, Jagjaguar, The Made Bed Productions I: Will Oldham, Colm O’Leary Contacto / Contact Factory 25. Matt Grady T +1 646 249 8247 E [email protected] W factory25.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Rick Alverson

The Comedy La comedia Swanson está por heredar los bienes de su padre moribundo. Mientras tanto, pasa sus días vagando sin rumbo con amigos. The Comedy toca una fibra oscura detrás del humor, que resuena mucho después de haber terminado.

Swanson is about to inherit the estate of his dying father. Meanwhile, he spends his days wandering around with his friends. The Comedy taps into a dark fiber of comedy, which still echoes long after the end.

Una comedia extraña, un film incómodo, una propuesta con un sentido del humor inclasificable. Cuando alguien habla de una película en esos términos, casi siempre exagera: los intentos de encarar el género desde otro ángulo son pocos y superficiales. Pero hay excepciones, y la más clara de esta década es The Comedy. El tercer largometraje de Rick Alverson es todo eso porque prueba cosas nuevas y literalmente destroza otras. Rompe el relato, a los personajes y el confort del espectador sin dejar de tenerlo en cuenta ni un segundo. The Comedy es seca, arisca y molesta. Pero su agresividad no es gratuita. Alverson esquiva la provocación barata al convertir cada ofensa en una invitación a reflexionar sobre la condición humana, y hace que nos preguntemos si, pese al horror, hay que seguir riendo. Desirée de Fez

A strange comedy; an uncomfortable film; a piece with an unclassifiable sense of humor. When someone describes a film this way, they’re exaggerating almost every time: the attempts at addressing the genre from a different angle are scarce and superficial. But there are exceptions, and The Comedy is this decade’s clearest one. Rick Alverson’s film is all that, because it tries new things, and literally destroys other ones. It breaks the story, the characters, and the comfort of the viewer, without ever neglecting him nevertheless. The Comedy is dry, apathetic, and annoying. But its aggressiveness is not gratuitous. Alverson dodges cheap provocation by turning each offense into an invitation to reflect on the human condition, and makes us wonder whether we should keep laughing despite the horror. DdF

Estados Unidos - US, 2012 / 94’ / DM / Color / Inglés - English D, G: Rick Alverson F: Mark Schwartzbard E: Michael Taylor DA: Shawn Annabel S: Allison Jackson P: Mike S. Ryan PE: Darius Van Arman CP: Greyshack Films, Glass Eye Pix Production I: Tim Heidecker, Eric Wareheim, Jeff Jensen Contacto / Contact Stray Dogs. Nathan Fischer T +33 65994 1284 E [email protected]

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Rick Alverson

Entertainment Entretenimiento Luego de cada show, un comediante de stand-up emprende un viaje para reencontrarse con su hija, de la que está distanciado.

After every show, a stand-up comedian takes a trip to reunite with her daughter, since they’ve grown apart.

Sobre la faz de la Tierra, el cine narrativo agoniza a punta de pistola televisiva; cada vez son más los giros de guion, finales de temporadas y demás artificios que la pantalla chica exprime como una naranja seca. El cine se defiende con lo único que no se le puede quitar: los climas, el mood, el phasing, la fotografía y el tono. Así, varios nuevos directores encabezan la trinchera del buen gusto. Entre ellos está Alverson, que con su cuarta película llena la pantalla de estilo y corazón. Entertainment es una road movie, pero también es una comedia existencial, con diálogos cassavetianos y con un elenco totalmente afinado para esta verdadera gema de 2015. Sebastián De Caro

Narrative cinema is agonizing at TV gunpoint all over the Earth. We’re seeing more and more plot twists, season finales, and other artifices the home screen is squeezing like a dried up orange. Cinema defends itself with the one thing they can’t take away from it: the atmospheres, the mood, the phasing, cinematography, and tone. So, several novel filmmakers are leading the defense of good taste. Alverson is one of them, and his fourth film fills up the screen with style and heart. Entertainment is a road movie, but it’s also an existential comedy with Cassavettian dialogues and a cast that is fully in tune, in this true gem of 2015. SDC

Estados Unidos - US, 2015 / 104’ / DCP / Color Inglés - English D: Rick Alverson G: Rick Alverson, Gregg Tarkington, Tim Heidecker F: Lorenzo Hangerman E: Michael Taylor, Rick Alverson DA: Bart Mangrum S: Gene Park M: Robert Donne P: Ryan Zacarias, Ryan Lough, George Rush, Brooke Bernard, Alex Lipschultz, Patrick Hibler CP: Nomadic, Independence Pictures, Epic Pictures Group, Jagjagiwar, Made Bed Productions, Magnolia Pictures I: Gregg Turkington, John C. Reilly, Tye Sheridan, Michael Cera, Amy Seimetz Contacto / Contact Epic Pictures Gropu. Shaked Berenson T +1 323 207 4170 E [email protected] W epic-pictures.com

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[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

Bob Byington

FOCOS Y HOMENAJES / Focus & Homages

Bob Byington En sus películas –que transcurren en Austin, Texas– Bob Byington les hace decir a sus personajes cosas incómodas, muchas veces hirientes, y hay una habitual sensación de molestia con el prójimo –con un montón de prójimos– que atraviesa el ambiente. A pesar de esto, los personajes a veces buscan trabajo, compañía y/o relaciones más estables. Cuando los obtienen, comienzan a sabotearlos de manera asordinada pero constante, con bombas emocionales que se arrojan sin anestesia y sin pasión en la superficie. Personajes insatisfechos, desencajados, con neurosis constantes: la base ideal para estas comedias sardónicas en las que podemos ver a alguien arrojando tazas al piso en medio de la lluvia pero con paraguas (en RSO [Registered Sex Offender]), o sentados con un gato encima diciendo que prefieren diez minutos de vida del felino que un año de vida de su interlocutor humano (el propio Byington en Harmony and Me). En el cine de Byington las explosiones de furia tienen energía controlada, limitada: sus personajes, entre ellos una serie de slackers que saltaron –o quizás llegaron caminando– al mumblecore, están mayormente sentados y acostados, o recostados contra una pared. Con estos elementos, un timing extraordinariamente preciso, una duración de alrededor de una hora y cuarto para cada película y actores que entienden perfectamente la propuesta, el cine de Byington se presenta, con sigilo, como uno de los eslabones fundamentales de la comedia americana –texana– contemporánea. Javier Porta Fouz 378

In his films –which take place in Austin, Texas– Bob Byington lets his characters say awkward and often hurtful things, and there’s usually an overall sensation of being annoyed by people. Despite this, characters seek jobs, company and/or stable relationships. Once they get this, they start sabotaging them quietly and constantly, with emotional bombs thrown violently and dispassionately on the surface. Unsatisfied, deranged characters with constant neurosis: this is the ideal base for these sardonic comedies that can feature someone throwing cups to the floor, under the rain but with an umbrella (in RSO [Registered Sex Offender]), or someone sitting with a cat on his lap saying they prefer ten minutes of living like a feline than a whole year as the human he’s talking to (Byington himself in Harmony and Me). In Byington’s cinema, the explosions of fury have a controlled, limited energy: his characters, among them a series of slackers who jumped –or maybe walked– to mumblecore, are mostly seated, in bed, or leaned up against a wall. With these elements, an extraordinary precise timing, a duration of approximately 75 minutes for each film, and actors who completely understand the lay out, Byington’s cinema stands, quietly, as one of the essential links of contemporary American –Texan– comedy. JPF

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Bob Byington

RSO (Registered Sex Offender) ASR (Atacante sexual registrado) Esta es la historia de la rehabilitación poco probable de un delincuente sexual puesto en libertad condicional que trata de reintegrarse a la sociedad.

This is the story of the unlikely rehabilitation of a sex offender who is released on parole and tries to reinsert himself into society.

Qué es aquello que convierte a alguien en un sex offender en Austin, Texas, realmente deja de importar: una vez que se entra en el registro, ya se es portador de la letra escarlata de la actualidad. Este falso documental sigue la vida de un ex convicto por crimen sexual y sus días de libertad condicional, en los que deberá presentarse en el vecindario, asistir a las sesiones de terapia grupal y realizar trabajo comunitario, acompañado siempre de un desfile de personajes insólitos. Con la participación de algunos de los íconos de la generación mumblecore como Richard Linklater o Andrew Bujalski, el principal desafío de este antihéroe será generar empatía con su entorno o, al menos, con los productores de la misma película; aunque el humor no es algo que siempre caiga bien. Mora Sánchez Viamonte

What makes someone become a sex offender in Austin, Texas, actually ceases to matter: once you go on record, you’re already the bearer of today’s scarlet letter. This mockumentary follows the life of an ex-convict for sex crimes and his days on probation, in which he must introduce himself in the neighborhood, attend group therapy sessions and do community service, always in the company of some unbelievable characters. With the appearance of a few icons of the mumblecore generation like Richard Linklater and Andrew Bujalski, the main challenge of this antihero will be to build empathy with his environment or, at least, with the very producers of the film; even though humor isn’t something that’s always well-received. MSV

Estados Unidos - US, 2008 80’ / DM / Color / Inglés - English D, G, F: Bob Byington E: Peggy Chen DA: Katy Pine S: Alex Karpovsky P: Peggy Chen, Kristen Tucker PE: Chris McKenna, Andrew Byington CP: King Pictures Contacto / Contact Harmony and Me. Bob Byington T +1 415 992 2072 E [email protected] W facebook.com/RSO-Registered-Sex-Offender

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Bob Byington

Harmony and Me Harmony y yo Uno de los primeros relatos que formaron parte de la corriente mumblecore. Cuenta la vida de Harmony, un músico treintañero que trata de superar una ruptura amorosa.

One of the first stories from the mumblecore trend. It’s the story of Harmony, a thirty year-old musician trying to overcome a breakup.

Bob Byington dice que su cuarta película es “una comedia física sobre el anhelo”, pero Roger Ebert es más preciso al definirla como una película opuesta a Despertando la vida, de Richard Linklater. Harmony (personaje inspirado, según el propio cineasta, en la imagen que tenía de Harmony Korine) deambula por Austin, a un año de su separación, sin poder superar su soledad y aburriendo con su cuestionable desdicha a un variopinto grupo de familiares y amigos, verdadero corazón de la película. El desencanto constante se apodera del impávido rostro del protagonista Justin Rice –líder de la banda Bishop Allen y una de las múltiples conexiones del cine de Byington con el de Andrew Bujalski–. En Harmony and Me, Byington demuestra muchas influencias de los directores aquí mencionados, pero, gracias a la tracción del recurrente humor sin sentido, se libera por completo de la solemnidad de todos ellos. Nazareno Brega

Bob Byington says his fourth film is “a physical comedy about longing,” but Roger Ebert delivers a more precise definition, describing it as the opposite of Richard Linklater’s Waking Life. Harmony (who according to the director was inspired in his view of Harmony Korine) wanders around Austin a year after his breakup, without being able to move past his loneliness, and his questionable unhappiness bores out a diverse group of family and friends, who are the true core of the film. The constant disappointment takes over the still face of protagonist Justin Rice –leader of the band Bishop Allen and one of the multiple connections between the cinemas of Byngton and Andrew Bujalski. In Harmony and Me, Byngton shows many of his influences, from the directors mentioned above, but thanks to the traction of constant senseless humor, the film frees itself completely from solemnity. NB

Estados Unidos - US, 2009 / 75’ DM / Color / Inglés - English D, G: Bob Byington F: Jim Eastburn E: Frank V. Ross, Jacob Vaughan DA: Yvonne Boudreaux S: Chris Keyland, Keith Poulson M: Dominique Preyer P: Jennifer Hallmark, Kristen Tucker PE: Stuart Bohart, Anish Savjani CP: Film Science Contacto / Contact Harmony and Me. Bob Byington T +1 415 992 2072 E [email protected] W harmonythemovie.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Bob Byington

Somebody Up There Likes Me Le gusto a alguien de ahí arriba Un maletín con un contenido misterioso le ofrece a Max la juventud eterna, mientras los envejecidos personajes a su alrededor tropiezan con casualidades entrelazadas a la perfección a partir de viñetas animadas creadas por Bob Sabiston.

A briefcase with a mysterious content provides Max with eternal youth, while the old characters around him stumble with perfectly combined coincidences out of animated vignettes created by Bob Sabiston.

“El peor error que podés cometer es creer que estás vivo cuando en realidad estás dormido en la sala de espera de la vida”, asegura Guy Forsyth en Despertando a la vida, de Richard Linklater. Por su parte, Sal (Nick Offerman) proclama algo similar en Somebody Up There Likes Me: “Creo que es gracioso que todos pensemos que nunca nos vamos a morir”. Las simetrías no son casuales. Bob Byington convocó a otro Bob (Sabiston, colaborador de Linklater) para los interludios animados de su film, con episodios dignos de lo mejor que ha dado el mumblecore. El film alude al paso del tiempo sin la necesidad de mostrar secuelas en los rostros de sus personajes. Y es imposible no percibir la correlación entre la hilarante apatía de esos individuos y la propia personalidad de un cineasta que abiertamente rebate la noción de rodaje como un instante de goce: “El cine no es placentero, es la defensa de una idea”. Milagros Amondaray

“The worst mistake you can make is to think you’re alive, when you’re really just asleep in life’s waiting room,” assures Guy Forsyth in Richard Linklater’s Waking Life. Sal (Nick Offerman), in turn, proclaims something similar in Somebody Up There Likes Me: “I think it’s funny we all sort of think we’re not gonna die.” The symmetries aren’t casual. Bob Byington recruited another Bob (Sabiston, Linklater’s collaborator) for the film’s animated interludes, with episodes that rank among the best mumblecore has given us. The film alludes to the passing of time without the need of showing consequences in the characters’ faces. And it’s impossible not to perceive the correlation between the hilarious apathy of these individuals and the very personality of a filmmaker that openly refutes the notion of a shoot as an instant of joy: “Film isn’t pleasant, it’s the defense of an idea.” MA Estados Unidos - US, 2012 / 76’ DM / Color / Inglés - English D, G: Bob Byington F: Sean Price Williams E: Frank V. Ross DA: Leila Dallal, George Dishner S: Greg Armstrong, Gopal Bidari M: Chris Baio P: Hans Graffunder, Nick Offerman, Marla Quintana PE: Stuart Bohart, Morgan Coy, Christos V. Konstantakopoulos, Brenda Mitchell CP: Somebody the Movie LLC I: Nick Offerman, Keith Poulson, Jess Weixler, Stephanie Hunt, Marshall Bell Contacto / Contact Harmony and Me. Bob Byington T +1 415 992 2072 E [email protected] W somebodythemovie.com

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Bob Byington

7 Chinese Brothers 7 hermanos chinos Jason Schwartzman y su perro protagonizan la historia de un slacker que, luego de ser despedido de su trabajo, pasa la mayor parte de su tiempo borracho y buscando un propósito en la vida.

Jason Schwartzman and his dog star in the story of a slacker who gets fired from his job and spends most of his time drunk, looking for a purpose in life.

Los perros han seducido a la cámara con su magnetismo animal desde los inicios del cine. A pesar de que en estos 121 años muchos directores han construido grandes planos peludos, fue Aki Kaurismäki quien se ganó la corona como mejor retratista de canes. Bob Byington, con 7 Chinese Brothers, arribó decidido a quitarle el título. El coprotagonista de esta ficción es un bulldog francés de ojos grandes que con un simple pestañeo consigue hacerle sombra al amo y señor de la comedia indie: Jason Schwartzman. Juntos se pasean sin correa por el relato, dispuestos a trotar por la Tierra sin la ambición de encontrar un hueso ni una moneda; dormir una siesta abrazados en el sillón es una recompensa suficiente. Suele decirse que el perro es el mejor amigo del hombre; en este caso es al revés: el hombre es el mejor amigo del perro. Maia Debowicz

Ever since the beginning of cinema, dogs have seduced cameras with their animal magnetism. Despite the fact that in these past 121 years several directors have built great hairy shots, it was Aki Kaurismäki who won the title of best dog portrayer. With 7 Chinese Brothers, Bob Byington comes in, determined to snatch the title. The co-protagonist of this fiction film is a French bulldog with big eyes, who only needs a simple blink to overshadow the lord and master of indie comedies: Jason Schwartzman. Together, they move without a leash through the story, ready to walk the Earth without any ambition of finding bones or a coin; take napping together on the couch is enough reward. People usually say dogs are man’s best friends, but here it’s the other way around: man is dog’s best friend. MD

Estados Unidos - US, 2015 / 76’ / DM / Color Inglés - English D, G: Bob Byington F: Adam Ginsberg E: Robert Greene, Leah Marino DA: Jake Kuykendall S: Greg Armstrong M: Chris Baio P: Molly Christie Benson, Seana Flanagan, Nancy Schafer PE: Christos V. Konstantakopoulos, Kevin Corrigan CP: 8750 Films, Faliro House Productions I: Jason Schwartzman, Stephen Root, Olympia Dukakis, Alex Ross Perry, Jonathan Togo Contacto / Contact Harmony and Me. Bob Byington T +1 415 992 2072 E [email protected] W facebook.com/7chinesebrothers

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fabián bielinsky

FOCOS Y HOMENAJES / Focus & Homages

fabián bielinsky Existe una confusión. En muchos ciclos y libros diversos sobre Nuevo Cine Argentino hechos en el siglo XXI, adentro y afuera, suelen no estar las películas de Fabián Bielinsky. Quizás porque sus dos largometrajes son fuertemente narrativos, quizás porque está Ricardo Darín en ambos. O porque su alcance fue masivo. O tal vez no se incluya a Bielinsky por algo que puede causar un extraño temor y rechazo: la perfección de su trabajo. En los largometrajes de Bielinsky se ven certezas. Había, por supuesto, dudas a la hora de planear las películas: es decir, trabajo, pensamiento profundo acerca de cómo hacer las cosas, cómo escribir, cómo filmar. Bielinsky era el artista con capacidad (auto)crítica, y ponía eso a trabajar a pleno antes de empezar y de terminar de filmar y montar. En parte por eso hizo solamente dos largometrajes. Y porque murió, a los 47 años, en 2006. En el cine de Bielinsky había y hay capacidad para contar, emocionar, conmover, asombrar, seducir con armas clásicas pasadas por el filtro modernizador y osado del cine americano de los años setenta. Y eso sin dejar de hacer cine argentino, con ethos, logos y pathos locales. Cine argentino sin necesidad de pose, que de esta manera es cine universal. Y es nuevo –siempre lo será– porque son films clásicos, de los que se renuevan con cada mirada. Javier Porta Fouz

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A misunderstanding exists. In many film seasons and books about the New Argentine Cinema made in the 21st century, in Argentina and abroad, Fabián Bielinsky’s films tend to be excluded. Maybe because his two features are strongly narrative, maybe because Ricardo Darín stars in both of them. Or because their reach was massive. Or maybe Bielinsky is not included due to something that can cause a strange fear and rejection: the perfection of his work. One sees certainties in Bielinsky’s features. Of course there was doubt when planning those films: that is, work, some deep thinking about how to do things, how to write, how to shoot. Bielinsky was the artist capable of being (self-)critical, and worked hard on that before starting to shoot and edit, and also before finishing doing so. In part, that’s why he only made two feature films. And also because he died, at 47, in 2006. In Bielinsky’s cinema, there was and there is a capability to narrate, to thrill, to move, to amaze, to seduce with good techniques from classic films passed through the modernizing, daring filter of the American films from the ‘70s. And he did all that without ceasing to be Argentinian, with local ethos, logos and pathos. Argentinian cinema without the need to pose, which, this way, becomes universal cinema. And it’s new –it will always be– because they are classic films, those which renew themselves after each viewing. JPF

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Fabián Bielinsky

La espera The Wait Un hombre se hospeda en una pensión donde imagina y sueña con la llegada de su enemigo, hasta que el verdugo lo despierta de su sueño. Bielinsky recurre a Borges en esta adaptación de su cuento homónimo.

A man awaits in a boarding house, where he imagines and dreams about the arrival of his enemy, until the executioner wakes him up from his dream. Bielinsky draws from Borges in this adaptation of his homonymous short story.

La adaptación de Fabián Bielinsky de “La espera”, uno de los cuentos de Borges reunidos en El Aleph (1949), encuentra pronto su sistema en unas palabras del primer párrafo, donde se dice que las cosas son “arbitrarias y casuales y en cualquier orden, como las que se ven en los sueños”. Un hombre (Héctor Bidonde) susurra el nombre de su enemigo y se interna en una pensión a esperar el momento en que habrá de matar o ser muerto. No hay aventura más borgeana que ese ambiente de film noir en que unos hechos previsibles van a desencadenarse en la oscuridad ¿de qué mundo?, ¿el real o el de los sueños? Fabián Bielinsky capta la ambigüedad de esa potencia, que es una poética, y empuja suevamente a su personaje a no saber (como tampoco sabemos nosotros) la diferencia entre dormir y morir. Juan José Becerra

Fabián Bielinsky’s adaptation of “The Wait,” one of Borges’ short stories compiled in The Aleph and Other Stories (1949), soon finds its system in some words from the first paragraph, which say that things are “arbitrary and casual and in any order, as those seen in dreams.” A man (Héctor Bidonde) whispers his enemy’s name and confines himself in a pension in order to wait for the moment in which he will have to kill or be killed. There’s no adventure more Borgean than that film noir atmosphere in which some predictable events will unfold in the darkness… of which world? The real one or that of dreams? Fabián Bielinsky captures the ambiguity of that potency, which is a poetics, and softly pushes its character to not knowing (as don’t we) the difference between sleeping and dying. JJB

Argentina, 1983 / 18’ / DM / Color / Español - Spanish D: Fabián Bielinsky G: Carlos Macchi, Fabián Bielinsky F: Alberto Capelletti, Miguel Ángel Quirós Caballero E: Daniel Gómez P: Horacio Gómez, Graciela Astorga CP: CERC, Instituto Nacional de Cinematografía I: Héctor Bidonde, Guillermo Battaglia, Marta Serrano, Armando Capó, Susana M. García Contacto / Contact ENERC T +54 11 4383 2622 +54 11 4383 6432 E [email protected] W enerc.gov.ar

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Fabián Bielinsky

Nueve reinas Nine Queens En la ópera prima de Bielinsky, un estafador profesional y un novato planean venderle unas estampillas falsas a un coleccionista. El éxito del plan dependerá de la astucia de ambos para engañarlo.

In Bielinsky’s opera prima, a professional con man and a rookie plan to sell a set of fake stamps to a collector. The success of the plan will depend on their ability to trick the man.

Bielinsky venía a demoler. A sus cuarenta, llevaba muchos años en el cine (décadas, de hecho); tiempo en el que fue perfeccionando ese reloj suizo de cine que sería Nueve reinas, su ópera prima. Lo sentó a Darín y lo pasó al lado oscuro. Para siempre. Para cambiar la historia del cine latino. Para crear una película que, incluso hoy, es refulgente a la hora de mostrar el amor de Bielinsky por el cine clásico (donde cada personaje importa, aunque solo estornude), por capturar la idiosincrasia de Buenos Aires (como Bogdanovich o Allen lo hacían con Nueva York) y por ese relato embaucador, una caja china orfebre que aprovechaba cinefilia, hijos de puta y calle Lavalle por igual. Nueve reinas fue el primer milagro del director que no podemos dejar de extrañar. Juan Manuel Domínguez

Bielinsky came to demolish. At forty, he had been in the film industry for many years –decades, in fact–, through which he perfected that cinematic Swiss clock Nine Queens, his first feature, would become. He grabbed Darín and took him to the dark side. Forever. In order to change the history of Latin American film. In order to create a film that, even today, is brilliant in its way of showing Bielinsky’s love for classic film (where each character matters, even if all they do is sneeze), for capturing the idiosyncrasies of Buenos Aires (as Bogdanvich or Allen did with New York) and for that swindling plot, a Chinese box that took advantage of cinephilia, sons of bitches and Lavalle street in equal parts. Nine Queens was the first miracle from the director we can’t cease to miss. JMD

Argentina, 2000 / 115’ / 35mm / Color / Español - Spanish D, G: Fabián Bielinsky F: Marcelo Camorino E: Sergio Zóttola DA: Marcelo Salvioli S: Osvaldo Vacca M: César Lerner P: Pedro D’Angelo PE: Pablo Bossi I: Ricardo Darín, Gastón Pauls, Leticia Brédice, Tomás Fonzi, Elsa Berenguer Contacto / Contact Cinemateca INCAA T +54 11 6779 0922 E [email protected] W incaa.gov.ar

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Fabián Bielinsky

El aura The Aura Esteban es un taxidermista que durante años ha planeado en su imaginación, una y otra vez, el robo perfecto. Tras ser invitado por uno de sus amigos a cazar en los bosques del sur argentino, se encuentra ante la oportunidad de concretar su tan ansiada obsesión.

Esteban is a taxidermist who spent years planning –in his head– the perfect heist. When he is invited by one of his friends to a hunt trip in the Argentine Southern forests, he finds himself with an opportunity to have his longed obsession come true.

Nueve reinas creó un equívoco relacionado con que el cine de Bielinsky era divertido (eso sí) y alegre (eso no), porque la simpatía y la invención disimulaban la oscuridad de esa historia de lúmpenes. Pero El aura es un film sobre la muerte y el deseo. Es un policial negro, sí, pero como nunca lo hubo antes: en un escenario natural donde la imaginación y la invención pura se transforman en herramientas criminales. Bielinsky logra hipnotizar al espectador no solo gracias al trabajo preciso de Ricardo Darín, sino porque transforma cada elemento del paisaje en una herramienta de taxidermista: nos dice que ese mundo está muerto pero que el artificio (el del cine, obviamente) lo mantiene con un último aliento de vida para poder comunicarnos su existencia. El dinero es el papel que rellena este cadáver exquisito, y el crimen es el bisturí que nos vacía. Leonardo D’Espósito

Nine Queens created a misconception about Bielinsky’s cinema being fun (which it is) and joyful (which it’s not), because the film’s likeability and invention hid the darkness of that misfits story. But The Aura is a film about death and desire. It’s a film noir story, yes, but unlike any other: in a natural setting where imagination and pure invention become crime tools. Bielinsky manages to hypnotize viewers not only through Ricardo Darín’s thorough performance, but also because he transforms every landscape element into a taxidermist tool: he’s telling us that this world is dead, but artifice (cinema’s, obviously) is keeping it alive with a last breath, so it can communicate its existence. Money is here the paper that stuffs this exquisite corps, and crime is the scalpel that empties us. LDE

Argentina, 2005 / 138’ / 35mm / Color / Español - Spanish D, G: Fabián Bielinsky F: Checco Varese E: Alejandro Carrillo Penovi, Fernando Pardo S: Carlos Abbate, José Luis Díaz M: Lucio Godoy P: Mariela Besuievsky, Gerardo Herrero, Samuel Hadida, Pablo Bossi I: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Alejandro Awada, Pablo Cedrón, Jorge D’Elía Contacto / Contact Cinemateca INCAA T +54 11 6779 0922 E [email protected] W incaa.gov.ar [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Britannia Lado B / Britannia B-Side

Margaret Tait

FOCOS Y HOMENAJES / Focus & Homages

Britannia Lado B: Margaret Tait Britannia B-Side: Margaret Tait Con sus apenas 9000 habitantes, Kirkwall, la ciudad más poblada de las islas escocesas Orkney, tiene la particularidad de ser la patria chica del mal encarado Willie McDougal (aka Willie, el jardinero: ver Los Simpson) y de la cineasta a quien este año el Bafici dedica una retrospectiva: Margaret Tait. Y no es caprichoso comenzar estas líneas subrayando un emplazamiento geográfico, del mismo modo en que, al hablar de Raúl Perrone y su cine, es imposible no referirse a Ituzaingó. Porque, si bien hubo varios años azarosos en la vida de Tait que la llevaron a estudiar medicina en Edimburgo y cine en el Centro Sperimentale di Cinematografia (además de servir como médica en el lejano oriente durante la Segunda Guerra Mundial), su filmografía es un íntimo y extenso diálogo con Kirkwall, su lugar, el espacio desde el que Tait contempla el mundo y entiende el paso del tiempo. Lírico, fuertemente identitario, libre e intuitivo, el cine de Margaret Tait funciona como un inmenso patchwork de home movies, retratos, poemas visuales y animaciones minimalistas que atestiguan algo tan quebradizo –y a la vez colosal– como el modo en que se refleja en las personas y paisajes de nuestro entorno el transcurrir de nuestra propia vida. Fran Gayo

With its almost 9,000 inhabitants, Kirkwall, the most populated of the Orkney islands in Scotland, has the peculiarity of being the hometown of the ill-fated Willie McDougal (aka Groundskeeper Willie, from The Simpsons) and the filmmaker to whom Bafici dedicates a retrospective this year: Margaret Tait. And it’s not capricious to start these lines highlighting a geographical position, in the same way that, when talking about Raúl Perrone and his films, it’s impossible not to refer to the locality of Ituzaingó. Because even though there have been some eventful years in Tait’s life that drove her to study medicine in Edinburgh and film at the Centro Sperimentale di Cinematografía (apart from serving as a doctor in the Far East during WWII), her filmography is an intimate, extensive dialogue with Kirkwall, her home and the space from where Tait contemplates the world and understands the passing of time. Lyrical, strongly identitary, free and intuitive, Margaret Taits films work as an immense patchwork of home movies, portraits, visual poems and minimalistic animation that evidence something as fragile –and, at the same time, colossal– as the way in which the course of our life is reflected on the people and landscapes of our surroundings. FG

Cortesía de / Courtesy of Margaret Tait and LUX, London

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Programa / Program 1

Britannia Lado B: Margaret Tait

Three Portrait Sketches Tres retratos en borrador Experimentos tempranos en retratismo, hechos en Italia: Claudia Donzelli, Saulat Rahman y Fernando Birri. Early experiments in portraiture, made in Italy: Claudia Donzelli, Saulat Rahman, and Fernando Birri. Reino Unido - UK, 1951/ 10’ / 16mm / B&N / D: Margaret Tait

The Leaden Echo and the Golden Echo El eco de plomo y el eco dorado Una fascinante “traducción” fílmica de un poema de Gerard Manley Hopkins. An entrancing “translation” into film of a poem by Gerard Manley Hopkins. Reino Unido - UK, 1955 / 7’ / 16mm / Color / D: Margaret Tait

A Portrait of Ga Un retrato de Ga Retrato de la madre de la cineasta filmado en Orkney. Portrait of the filmmaker’s mother. Filmed back in Orkney. Reino Unido - UK, 1952 / 5’ / 16mm / Color / D: Margaret Tait

On the Mountain En la montaña Realizado en la Rose Street de Edimburgo, On the Mountain incluye un film previo completO (Rose Street, 1956). El original estaba en blanco y negro, y su negativo se perdió: por eso Tait tuvo la idea de preservarlo filmándolo en colores, en una mirada comparativa de la misma calle en 1973. Made in Edinburgh’s Rose Street, On the Mountain incorporates the whole of a previous film (Rose Street, 1956). The original was shot in black and white, and the negative was lost, and for this reasonTait had the idea of preserving the film by framing it complete in color, in a contrasted look at the same street in 1973. Reino Unido - UK, 1956 - 1973 / 35’ / 16mm / Color / D: Margaret Tait

Hugh McDiarmaid, a Portrait Hugh McDiarmaid, un retrato Un tributo lleno de originalidad, donde el poeta aparece como un protagonista cálido y afectuoso.

Contacto / Contact Lux T +44 20 7503 3980 E [email protected] W lux.org.uk

An original kind of tribute, where the poet emerges as a warm and affectionate subject. Reino Unido - UK, 1964 / 9’ / 16mm / B&N / D: Margaret Tait

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Britannia B-Side: Margaret Tait

Programa / Program 2

Where I Am Is Here Donde estoy es acá Tait nació en 1918 en Orkney, pero fue enviada a la escuela en Edimburgo cuando tenía nueve años. Sus impresiones sobre la extrañeza de ese (para ella) “nuevo” mundo urbano resuenan en Where I Am Is Here, con su estructura melancólica y repetitiva. Tait was born in 1918 in Orkney, but was sent away to school in Edinburgh when she was nine. Her impressions of the strangeness of that (to her) “new” urban world are echoed in Where I Am Is Here with its melancholic, repetitive structure. Reino Unido - UK, 1964 / 35’ / 16mm / B&N / D: Margaret Tait

A Place of Work Un lugar de trabajo El estudio detallado de un jardín y una casa, y de lo que pudo verse y oírse en esos espacios entre junio y noviembre de 1975. La evocación de un lugar (en Orkney) con el que Tait tuvo vínculos toda su vida, y que terminó por usarse como lugar de trabajo. A close study of one garden and house and what could be seen there and heard there within the space of time from June 1975 to November 1975. An evocation of a place (in Orkney) with lifelong associations and latterly used as a work place. Reino Unido - UK, 1976 / 31’ / 16mm / Color / D: Margaret Tait

Tailpiece Pieza de cola Concebido como una coda para Place of Work, este film muestra el momento de desocupar finalmente el que fue durante largo tiempo el hogar familiar. Conceived as a coda to Place of Work, this film covers the time of finally emptying a long-time family home. Reino Unido - UK, 1976 / 10’ / 16mm / B&N / D: Margaret Tait

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Programa / Program 3

Britannia Lado B: Margaret Tait

Colour Poem Poemas de color Nueve cortometrajes enlazados. Memoria, observación casual y la inclusión de uno en el otro. Nine linked short films. Memory, chance observation, and the subsuming of one in the other. Reino Unido - UK, 1974 / 12’ / 16mm / Color / D: Margaret Tait

Aerial Aéreo Toques de imágenes elementales. Aire, agua (y nieve), tierra, fuego (y humo), todos entran aquí. Touches on elemental images. Air, water (and snow), earth, fire (and smoke), all come into it. Reino Unido - UK, 1974 / 4’ / 16mm / Color / D: Margaret Tait

Land Makar Poeta de la tierra El estudio del paisaje en una granja de Orkney, con la figura de la granjera, Mary Graham Sinclair, muy presente en la película. La granja es West Aith, a la orilla de un lago pequeño que casi todo visitante se detiene a fotografiar o dibujar o pintar. He filmado este bello lugar desde 1977, observando muchas de las actividades humanas que alteran y definen cómo se ve. Margaret Tait A landscape study of an Orkney croft, with the figure of the crofter, Mary Graham Sinclair, very much in the picture. The croft is West Aith, on the edge of a small loch, which almost every passing visitor stops to photograph or draw or paint. I have been filming this beautiful place since 1977, observing many of the human activities which alter and define how it looks. MT Reino Unido - UK, 1981 / 32’ / DM / Color / D: Margaret Tait

Garden Pieces Piezas de jardín Un conjunto de tres piezas: Alrededor del jardín es literalmente una mirada alrededor de un jardín, desde un punto central, repetida una y otra vez. Percas es una pieza animada, arañada y con tintes añadidos. Arboleda, el más largo de los tres, estudia y contempla un grupo de árboles plantados hace quizá sesenta años en una cantera abandonada. A set of three pieces: Round the Garden is literally a look right round a back garden, from a central point, repeated da capo. Fliers is an animated piece, scratched-on, with added dyes. Grove, the longest of the three, studies and contemplates a group of trees planted maybe sixty years ago in a disused quarry. Reino Unido - UK, 1998 / 16’ / 16mm / Color / D: Margaret Tait [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Britannia B-Side: Margaret Tait

Blue Black Permanent Azul negro permanente Barbara Thorburn intenta comprender su pasado mediante un viaje por la memoria de tres generaciones de su familia. Los recuerdos de su madre poeta y de su abuela se entremezclan con distintos períodos de su vida.

Barbara Thorburn tries to understand her past with a trip down Memory Lane that covers three generations in her family. The memories of her poet mother and her grandmother intermingle with different periods in her life.

Cuando se estrenó Blue Black Permanent, Tait ya tenía 74 años, y en ciertos aspectos se trata de una autobiografía abstracta: Greta y Barbara representan la pasión de Tait por la poesía, el cine y la fotografía, mientras que Greta también comparte la extasiada simpatía que Tait siente por la naturaleza. La película no elude las convenciones, sino que crea las suyas propias: flashbacks dentro de flashbacks, varios cambios en la voz narrativa, un uso frecuente de la elipsis… Aún más audaz es cómo el guion se rehúsa a dar coherencia a la búsqueda que emprende Barbara de su propio pasado. Termina siendo un asunto sin resolver, como aquel poema en el aparador de Greta o la indignación de Barbara ante la idea de que su historia pueda ser pulcramente comprimida en algo tan crudo y poco delicado como “un comienzo, un desarrollo y un final”. Mitchel Miller

By the time Blue Black Permanent was released, Tait was already 74, and it is in some respects an abstract autobiography: Greta and Barbara are representative of Tait’s joint passions of poetry, film and photography, while Greta shares Tait’s ecstatic sympathy with nature. The film does not so much flout conventions as create its own; flashbacks within flashbacks, several shifts of narrative voice, frequent use of ellipsis... Most audacious is the script’s refusal to lend coherence to Barbara’s search for her past. It remains unfinished business, like the poem left on Greta’s sideboard or Barbara’s outrage that her story could be neatly compressed into something as crude or indelicate as “a beginning, a middle and an end.” MM

Reino Unido - UK, 1992 / 84’ / 35mm / Color / Inglés - English D: Margaret Tait G: Margaret Tait F: Alex Scott E: John MacDonnell DA: Andrew Semple S: Neil Castell M: John Gray P: Barbara Grigor PE: Ben Gibson, Kate Swan, Rod Stoneman CP: Viz Productions I: Celia Imrie, Gerda Stevenson, Jack Shepherd, James Fleet, Liz Robertson

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Matthew Barney

FOCOS Y HOMENAJES / Focus & Homages

matthew barney El Ciclo Cremaster, creado y producido por Matthew Barney (Estados Unidos, 1967), es una serie de cinco películas visualmente extravagantes realizadas de un modo no cronológico, pero presentadas de esta manera secuencial a pedido del artista, por primera vez en Argentina, en la Fundación Proa. El título del ciclo refiere al músculo que sube y baja el sistema reproductor del macho en reacción a estímulos externos como la temperatura o el miedo. Presentadas de este modo, las películas tienen relación con el tamaño de la glándula gónada durante el proceso embrionario de la diferenciación sexual, con Cremaster 1 representando su “mayor” tamaño y el Cremaster 5 representando su “menor” estado. Como la realización del ciclo tomó más de ocho años (1994-2002), a este modelo biológico se le sumaron otros paradigmas como la historia, autobiografía y mitología que le dieron a Barney un material narrativo fantástico. El resultado es a la vez hermoso y complejo, con densas capas interconectadas por símbolos e imágenes. Guillermo Goldschmidt

The Cremaster Cycle, created and produced by Matthew Barney (USA, 1967), is a series of five visually extravagant films made in a non-chronological way, but presented sequentially at the artist’s request, in Argentina for the first time, at Fundación Proa. The cycle’s title refers to a muscle that makes the male’s reproductive system go up and down in reaction to outside stimuli such as temperature or fear. Presented this way, the films are related to the size of the gonad gland during the embryonic process of sexual differentiation, with Cremaster 1 representing the “largest” size and Cremaster 5 representing its “smallest” state. Because the making of the cycle took more than eight years (1994-2002), other paradigms were added to this biological model, such as history, autobiography and mythology, which provided Barney with some fantastic narrative material. The result is beautiful and complex at the same time, with dense layers interconnected by symbols and images. GG

Cremaster 1

Cremaster 2

Estados Unidos - US, 1995 / 40’ / D: Matthew Barney

Estados Unidos - US, 1999 / 79’ / D: Matthew Barney

Cremaster 1 es una revista musical ejecutada en el campo de juego de césped artificial azul del Bronco Stadium en Boise, Idaho, donde Barney nació. Dos dirigibles de Goodyear flotan sobre el estadio como las aeronaves que suelen transmitir eventos deportivos por televisión. Habitando ambos dirigibles a la vez, Goodyear (interpretado por Marti Domination) pone en marcha la narración, formando diagramas que dirigen los patrones coreográficos creados por una troupe de bailarinas en el campo de juego.

Cremaster 2 se anuncia como un western gótico que introduce el conflicto en el sistema. A nivel biológico, corresponde a la fase del desarrollo del feto durante la cual comienza la división sexual. En la abstracción que hace Barney de este proceso, el sistema intenta mantener el estado de equilibrio imaginado en Cremaster 1. Cremaster 2 encarna este impulso regresivo mediante su narrativa circular, que va desde 1977, el año en que Gary Gilmore fue ejecutado, hasta 1893, cuando Harry Houdini, quien puede haber sido el abuelo de Gilmore, actuó en la World’s Columbian Exposition.

Cremaster 1 is a musical revue performed on the blue Astroturf playing field of Bronco Stadium in Boise, Idaho –Barney’s hometown. Two Goodyear Blimps float above the arena like the airships that often transmit live sporting events via television broadcast. Inhabiting both blimps simultaneously, Goodyear (played by Marti Domination) sets the narrative in motion, producing diagrams that direct the choreographic patterns created by a troupe of dancing girls on the field below.

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Cremaster 2 is rendered as a gothic western that introduces conflict into the system. On the biological level it corresponds to the phase of fetal development during which sexual division begins. In Barney’s abstraction of this process, the system tries to remain in the state of equilibrium imagined in Cremaster 1. Cremaster 2 embodies this regressive impulse through its looping narrative, moving from 1977, the year of Gary Gilmore’s execution, to 1893, when Harry Houdini, who may have been Gilmore’s grandfather, performed at the World’s Columbian Exposition.

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Matthew Barney

Cremaster 3

Cremaster 5

Estados Unidos - US, 2002 / 181’ / D: Matthew Barney

Estados Unidos - US, 1997/ 54’ / D: Matthew Barney

Cremaster 3 transcurre en Nueva York y narra la construcción del edificio Chrysler, que es un personaje en sí mismo y que resulta ser el huésped de fuerzas antagonistas interiores que buscan acceso al proceso de trascendencia (espiritual). Estas facciones encuentran su forma en la lucha entre Hiram Abiff o el Arquitecto (interpretado por Richard Serra) y el Aprendiz (interpretado por Barney), quienes están trabajando en el edificio.

Una vez que se logra el descenso total en Cremaster 5, parece una historia de amor trágico ambientada en el paisaje romántico de ensueño que es la Budapest de fines del siglo XIX. La película tiene la forma de una ópera lírica. Metáforas biológicas cambian de forma para habitar estados emocionales –la añoranza y la desesperanza– que se convierten en leitmotiv musicales. Los personajes principales de la ópera –la Reina de Cadena (interpretada por Ursula Andress) y su Diva, su Mago y su Gigante (todos interpretados por Barney)– representan de forma colectiva la liberación final prometida por el proyecto en su totalidad.

Cremaster 3 is set in New York City and narrates the construction of the Chrysler Building, which is in itself a character –host to inner, antagonistic forces at play for access to the process of (spiritual) transcendence. These factions find form in the struggle between Hiram Abiff or the Architect (played by Richard Serra), and the Apprentice (played by Barney), who are both working on the building.

When total descent is finally attained in Cremaster 5, it is envisioned as a tragic love story set in the romantic dreamscape of late 19th Century Budapest. The film is cast in the shape of a lyric opera. Biological metaphors shifted form to inhabit emotional states –longing and despair– that become musical leitmotivs in the orchestral score. The opera’s primary characters –the Queen of Chain (played by Ursula Andress) and her Diva, Magician, and Giant (all played by Barney)– enact collectively the final release promised by the project as a whole.

Cremaster 4 Estados Unidos - US, 1994 / 42’ / D: Matthew Barney

Cremaster 4 es la película que más se acerca al modelo biológico del proyecto. Este penúltimo episodio describe la incesante avalancha del sistema hacia el descenso, a pesar de su resistencia a dividirse. Ambientada en la Isla de Man, la película absorbe su folklore además de su más reciente encarnación como anfitriona de la carrera de motocicletas Tourist Trophy. Cremaster 4 adheres most closely to the project’s biological model. This penultimate episode describes the system’s onward rush toward descent despite its resistance to division. Set on the Isle of Man, the film absorbs the island’s folklore as well as its more recent incarnation as host to the Tourist Trophy motorcycle race. [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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nastassja kinski

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nastassja kinski

Tess En 1979 Roman Polanski logró uno de los films más arrebatadores de su carrera al adaptar la novela de Thomas Hardy Tess of the d’Urbervilles. Con la presencia de una especialmente sublime Nastassja Kinski, el director de Repulsión restituyó todos los honores merecidos a la novela de Hardy, maltratada por la crítica cuando se editó, rubricando un delicado melodrama en sordina sobre la doble moral en la Inglaterra victoriana y la soledad a la que los seres virtuosos parecen condenados. Fran Gayo In 1979, Roman Polanski delivered one of the most overwhelming films of his career when he adapted Thomas Hardy’s novel Tess of the d’Urbervilles. Featuring an especially sublime Nastassja Kinski, the director of Repulsion returned all of its deserved honors to Hardy’s novel, which was attacked by critics at the time of its publication, and crafted a delicate melodrama about the double standard of Victorian England and the loneliness that seems to be the fate of virtuous beings. FG

Francia / Reino Unido - France / UK, 1979 / 186’ DCP / Color / Inglés - English D: Roman Polanski G: Gérard Brach, Roman Polanski, John Brownjohn, Thomas Hardy F: Ghislain Cloquet, Geoffrey Unsworth E: Alastair McIntyre, Tom Priestley M: Philippe Sarde P: Claude Berri I: John Collin, Tony Church, Nastassja Kinski, Brigid Erin Bates, Jeanne Biras Contacto / Contact The Festival Agency. Sarah Cagneaux T +33 954 904 863 E [email protected] W thefestivalagency.com

París, Texas Paris, Texas Travis Henderson regresa. El desierto. El silencio. Una película que fue contraseña cultural, de un director que supo ser contraseña cultural. Una película americana producida por tres países europeos; la manera de cuidarse de Wenders después de Hammett. Una película que permaneció icónica por más que Wenders dejara de ser el Wenders idolatrado. Nunca nos olvidamos de la música de Ry Cooder ni de la imborrable mirada de Jane Henderson (Nastassja Kinski), del sweater de angora, de la espalda al descubierto, de su sonrisa que, cuando surgía, iluminaba todo. Javier Porta Fouz Travis Henderson returns. The desert. The silence. A film that became a cultural password, from a director who was once a cultural password. An American film produced by three European countries. Wenders’ way of being prudent after Hammett. A film that remained iconic even after Wenders was no longer the idolized Wenders. We never forget the music by Ry Cooder or the indelible eyes of Jane Henderson (Nastassja Kinski), her angora sweater, her naked back, and her smile, which lit up everything. JPF

Francia / Alemania / Reino Unido - France / Germany / UK, 1984 / 148’ / DCP / Color / Inglés - English D: Wim Wenders G: L.M. Kit Carson, Sam Shepard F: Robby Müller E: Peter Przygodda DA: Kate Altman S: Dominique Auvray M: Ry Cooder P: Anatole Dauman, Pascale Dauman, Don Guest PE: Chris Sievernich I: Nastassja Kinski, Harry Dean Stanton, Sam Berry, Bernhard Wicki, Dean Stockwell Contacto / Contact The Festival Agency. Sarah Cagneaux T +33 954 904 863 E [email protected] W thefestivalagency.com

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Mirtha Legrand

Foto / Photo: Alfredo Honorio Traverso

Mirtha Legrand

Pasaporte a Río Passport to Rio “Todas las criaturas de Dios tienen un alma, pero cuando Ramón Machado descubrió la suya ya era demasiado tarde”. Es con esta ominosa introducción que Tinayre nos sumerge en otra de esas aventuras noir a las que era tan afecto. Testigo involuntaria de un crimen, una corista se ve forzada a ceder a la extorsión del delincuente, que la obliga a embarcarse con él rumbo a Río de Janeiro. Para muchos críticos, esta fue la película que marcó el paso de Mirtha Legrand de la comedia ingenua a la etapa más adulta de su carrera como actriz. Mariano Kairuz “All of God’s creatures have a soul, but when Ramón Machado discovered his’, it was already too late.” It is with this ominous introduction that Tinayre submerges us into another of those noir adventures he was so fond of. The involuntary witness of a crime, a showgirl sees no other choice but to give in to the criminal’s extortion. He forces her to board with him on a trip to Rio de Janeiro. To lots of critics, this film meant Mirtha Legrand’s leap from naïve comedy to a more adult stage in her career as an actress. MK

Argentina, 1948 100’ / 16mm / B&N Español - Spanish D: Daniel Tinayre G: César Tiempo, Daniel Tinayre, Luis Saslavsky F: Antonio Merayo E: Jorge Garate, José Serra M: Guillermo Cases, Juan Ehlert P: Luis Saslavsky, Daniel Tinayre I: Mirtha Legrand, Arturo de Córdova, Francisco de Paula, Eduardo Cuitiño, Nathán Pinzón Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires E [email protected]

Esposa último modelo Brand New Wife Gran comedia screwball de Carlos Schlieper en la que Mirtha Legrand es María Fernanda Alcántara, una joven rica que se enamora y se casa haciéndole creer a su marido que es experta en tareas domésticas. Una farsa de ritmo velocísimo en la que Legrand ostentó al máximo y con sustento el trono de reina de la comedia local. Su confianza, su potencia, su impetuosidad y –sobre todo– su capacidad para no exagerar el gesto en un género que tendía con frecuencia al énfasis recuerdan los modos de Katharine Hepburn en La adorable revoltosa, de Hawks. Javier Porta Fouz A great screwball comedy by Carlos Schlieper in which Mirtha Legrand plays María Fernanda Alcántara, a rich young woman who falls in love and gets married making his husband think she’s an expert in household chores. A very-fast-paced farce with which Legrand became the undeniable queen of local comedy. Her confidence, her potency, boldness and –above all– her capability to not exaggerate gestures in a genre frequently used to emphasizing, bring to mind Katharine Hepburn’s modes in Hawks’ Bringing Up Baby. JPF

Argentina, 1950 86’ / 16mm / B&N Español - Spanish D: Carlos Schlieper G: Ariel Cortazzo, Carlos Schlieper F: Francis Boeniger E: Atilio Rinaldi, Raúl Rinaldi DA: Germen Gelpi, Mario Vanarelli M: Víctor Schlichter I: Mirtha Legrand, Ángel Magaña, Felisa Mary, Amalia Sánchez Ariño, Osvaldo Miranda Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires E [email protected]

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Graciela Borges

Graciela Borges

La ciénaga Familias, casas, molicie, chicos, verano, Salta, guerras de clase y de género y decadencias varias. La ciénaga fue el rutilante inicio del cine de Lucrecia Martel, intensamente interesado por las palabras, por la conversación. Las formas de decir como base para desplegar un relato múltiple, en el que el escamoteo narrativo es fundamental para ampliar cada sentido. La película marcó, además, una continuidad y a la vez una reinvención en la carrera de Graciela Borges, que siempre supo manejar las palabras como nadie y de esta manera entraba al Nuevo Cine Argentino con un film admirable. Javier Porta Fouz Families, houses, comfort, kids, summer, Salta, class and gender wars and various decadences. La ciénaga was the sparkling beginning of Lucrecia Martel’s cinema, intensely interested in words, in conversation. The forms of saying as a basis to spread out a multiple narrative, in which holding back plot elements prove fundamental in order to expand every sense. The film also marked a continuity and, at the same time, a reinvention of Graciela Borges’ career. She always knew how to handle words like no one else, and with this admirable film, she became part of the New Argentine Cinema. JPF

Argentina / España - Argentina / Spain, 2000 102’ / 35mm / Color / Español - Spanish D, G: Lucrecia Martel F: Hugo Colace DA: Graciela Oderigo S: Herve Guyader, Emannuel Croset M: Santiago Ricci P: Lita Stantic I: Graciela Borges, Mercedes Morán, Martín Adjemián, Daniel Valenzuela, Juan Cruz Bordeu Contacto / Contact Filmoteca Buenos Aires E [email protected]

El dependiente The Dependent Fernández vive en un pueblo minúsculo, trabaja en la ferretería de Don Vila y espera que el viejo pase a mejor vida para heredar el negocio. La monotonía se rompe cuando conoce a la señorita Plasini, una Graciela Borges jovencísima, hermosa y tremendamente hermética. Fernández, un roedor humano, no sabe qué hacer con esta princesa encerrada. Y Favio, que domina tanto la frustración de pueblo chico y el tono claustrofóbico de pesadilla, hace de esta historia de amor un descenso hacia el terror más puro, ese que nace de las pequeñas cosas no dichas e inconfesables. Guido Segal Fernández lives in a minuscule apartment, works at Don Vila’s hardware store and is waiting for the old man to die in order to inherit the business. The monotony cracks when he meets Ms. Plasini, a very young, beautiful, tremendously hermetic Graciela Borges. A human rodent, Fernández doesn’t know what to do with this locked-up princess. And Favio, who handles smalltown frustration and a claustrophobic, nightmarish tone perfectly, turns this love story into a descent to the purest of horrors, that which is born from small, shameful things left unsaid. GS

Argentina, 1969 / 87’ / 35mm / B&N Español - Spanish D: Leonardo Favio G: Jorge Zuhair Jury, Roberto Irigoyen F: Aníbal Di Salvo E: Antonio Ripoll DA: Teresa Millán M: Vico Berti P: Leopoldo Torre Nilsson I: Graciela Borges, Walter Vidarte, Fernando Iglesias, Nora Cullen, Martín Andrade Contacto / Contact Cinemateca INCAA T +54 11 6779 0922 E [email protected] W incaa.gov.ar

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Michel Legrand El impar pianista y compositor se presentará en una velada inolvidable en el Teatro Colón, con acompañamiento de orquesta, en la que interpretará varios de los grandes éxitos de su extensa carrera en el cine, como la música de Los paraguas de Cherburgo o Verano del 42. The pianist and composer will perform in an unforgettable evening at the Teatro Colón, with a live orchestra. He will play several of the greatest hits of his extense film career, such as the score for The Umbrellas of Cherbourg, and Summer of ‘42.

Michel Legrand

Los paraguas de Cherburgo Les Parapluies de Cherbourg The Umbrellas of Cherbourg Este clásico moderno de Jacques Demy sobrevive hasta el día de hoy con la misma intensidad de siempre. Su lirismo es potente pero discreto, su paleta de colores se alza con una luminosidad que puede ser tomada como un gesto de melancolía anticipada por un cine perdido. El director ofrece una fantasía musical poderosa que no reniega de cierto sentido trágico de la existencia y cuya fuerza secreta se impone en cada plano con una gracia ciertamente contemporánea: un poco triste, un poco distante, incluso un poco desesperanzada. David Obarrio This modern classic by Jacques Demy survives to this day with the same intensity as always. Its lyric quality is strong and yet discreet, its pallet of colors rises with a brightness that can be regarded as a gesture of anticipated melancholy for a lost cinema. The filmmaker delivers a powerful musical fantasy that doesn’t reject a certain tragic sense of existence, with a secret force that stands on every shot with a certainly contemporary grace: a little sad, a little distant, and even a little hopeless. DO

Francia / Alemania - France / Germany, 1964 / 91’ / DCP / Color Francés - French D, G: Jacques Demy F: Jean Rabier E: Anne-Marie Cotret, Monique Teisseire DA: Bernard Evein M: Michel Legrand P: Mag Bodard CP: Parc Film, Madeleine Films, Beta Film I: Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo, Anne Vernon, Marc Michel, Ellen Farner Contacto / Contact Ciné-Tamaris T +33 143 226 600 E [email protected] W cine-tamaris.fr ~ facebook.com/LesParapluiesDeCherbourgOfficiel

El caso Thomas Crown The Thomas Crown Affair El caso (policial) o el affaire (entre investigadora e investigado) importan más bien poco en El caso Thomas Crown, un hiperestilizado juego del gato y el ratón que incluye pantallas divididas, un beso que dura un minuto por reloj y mucho, mucho cancherismo delante y detrás de cámara. La película iba a tardar años en ganarse cierto culto (y 31 en tener su remake), pero Legrand no tuvo que esperar tanto: en su primer trabajo importante en Hollywood ganó el Oscar a Mejor Canción con la bella y barroca “The Windmills of Your Mind”. Agustín Masaedo The (criminal) plot or the affaire (between the investigating woman and the investigated man) are of little importance in The Thomas Crown Affair, a hyper-stylish game of cat and mouse that features split screens, a minute-long kiss, and plenty of cool on both ends of the camera. The film took years to gain a certain cult status (and 31 to have a remake), but Legrand didn’t have to wait that long: his first important job in Hollywood won him the Oscar for Best Original Song with the beautiful and baroque “The Windmills of Your Mind.” AM

Estados Unidos - US, 1968 / 102’ / 35mm / Color Inglés - English D: Norman Jewison G: Alan R. Trustman F: Haskell Wexler E: Hal Ashby, Byron Brandt, Ralph E. Winters DA: Robert Boyle S: Jim Richard M: Michel Legrand P: Norman Jewison CP: The Mirisch Corporation, Simkoe, Solar Productions I: Steve McQueen, Faye Dunaway, Paul Burke, Jack Weston, Biff McGuire Contacto / Contact Park Circus T +44 141 332 2175 E [email protected] W parkcircus.com

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Lucile Hadzihalilovic

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Lucile Hadzihalilovic Como niños capturados por la cámara en el trance de un estado a otro, desde una calma ominosa, bañada con un haz de luz de apariencia beatífica, hasta el recinto tenebroso propio de las fábulas modernas que exhiben el reverso de un mundo de optimismo y bienaventuranza, las películas de Hadzihalilovic constituyen un inventario fascinante de zonas oscuras e inexploradas. Consternación secreta de la vida en los suburbios, señales de alarma declinadas con una precisión matemática, adolescentes en cuya natural altivez se refleja un halo de horror. La directora es, probablemente, una de las especialistas más refinadas en eso que podríamos llamar la incertidumbre contemporánea. David Obarrio

Like children captured by the camera during the trance from one state to another, from an ominous calm, steeped in a beam of light of beatific appearance, even the typical gloomy facility of modern fables that show the other side of a world of optimism and prosperity, Hadzihalilovic’s films constitute a fascinating inventory of dark and unexplored areas. Secret consternation of life in the suburbs, alarm signals declined with mathematical precision, teenagers with an aura of horror reflected in their natural pride. The director is perhaps one of the most refined specialists in what we could refer to as contemporary uncertainty. DO

La Bouche de Jean-Pierre Mimi La ópera prima de Lucile Hadzihalilovic es un antídoto implacable contra cualquier cliché parisino á la Amélie Poulain. Con un asfixiante uso del scope y un montaje afilado, la historia de la pequeña Mimi y sus días de angustia en el departamento de sus tíos es un cuento de terror (ogro incluido) que anticipa de modo despiadado el vía crucis por el que la sociedad europea del bienestar ya transitaba; un naufragio que con el cambio de siglo desbordaría cualquier intento cosmético. Fran Gayo Lucile Hadzihalilovic’s first film is a relentless antidote against any Paris cliché á la Amélie Poulain. With an asphyxiating use of scope and sharp editing, the story of little Mimi and her anguished days in her uncle’s apartment is a horror story (ogre included) that anticipates the ruthless Stations of the Cross the European welfare society was already going through; a shipwreck that would overflow any cosmetic portrayal by the turn of the century. FG

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Francia - France, 1996 / 52’ / 35mm / Color / Francés - French D, G, E: Lucile Hadzihalilovic F: Dominique Colin, Gaspar Noé DA: William Abello S: Benjamin Lecuyer M: Loic Da Silva, Philippe Mallier, John Milko, François Roy I: Sandra Sammartino, Denise Aron-Schropfer, Michel Trillot, Delphine Allange, Jacques Gallo Contacto / Contact Wild Bunch. Esther Devos T +33 143 132 127 E [email protected] W wildbunch.biz

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Lucile Hadzihalilovic

Inocencia Innocence Protagonizado por Marion Cotillard, el film narra las vicisitudes de un internado de niñas a través de los ojos de Iris, de 6 años, mientras se va acostumbrando a su nueva vida.

Starring Marion Cotillard, the film narrates life inside a girl’s boarding school through the eyes of 6-year-old Iris, as she gets used to her new life.

Tras La Bouche de Jean-Pierre, Hadzihalilovic regresa al tránsito entre infancia y adolescencia, aunque en este caso alejándose de la sordidez suburbial parisina de su primer film y adaptando Mine-Haha, novela del dramaturgo alemán Frank Wedekind. De algún modo, los tres films dirigidos por Hadzihalilovic hasta la fecha tratan de capturar ese momento decisivo de transformación: el instante, que dura unos meses, en que toda una fase de la vida (la niñez) queda inexorablemente atrás y se produce una especie de renacer. Ambientada en un internado femenino al que las nuevas alumnas ingresan en lustrosos ataúdes, Inocencia es una soberbia y sensual fantasía que bebe igualmente de Kafka, del Walser de Jakob von Gunten o del Peter Weir de Picnic en Hanging Rock. Fran Gayo

After La bouche de Jean-Pierre, Hadzihalilovic returns to the passage from childhood to adolescence, although in this case she steers clear from the Parisian-suburbs sleaziness of her first film and adapts Mine-Haha, a novel by German playwright Frank Wedekind. In some way, the three films directed by Hadzihalilovic to date try to capture that decisive moment of transformation: the instant, which lasts a few months, in which an entire phase of life (childhood) is inexorably left behind and some sort of rebirth takes place. Set in a female boarding school to which the new students arrive in shiny coffins, Innocence is a superb, sensual fantasy influenced in equal measures by Kafka, the Walser from Jakob von Gunten or the Peter Weir from Picnic at Hanging Rock. FG

Francia - France, 2004 / 122’ / 35mm / Color / Francés - French D, G: Lucile Hadzihalilovic E: Adam Finch F: Benoît Debie DA: Arnaud de Moleron S: Jean-Luc Audy M: Richard Cooke P: Geoffrey Cox, Alain de la Mata, Patrick Sobelman PE: Paul Trijbits I: Zoé Auclair, Lea Bridarolli, Bérangère Haubruge, Marion Cotillard, Hélène de Fougerolles Contacto / Contact Wild Bunch. Esther Devos T +33 1 4313 2127 E [email protected] W wildbunch.biz [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Lucile Hadzihalilovic

Évolution Evolution Evolución En una pequeña y austera aldea costera en la que solo viven niños varones con sus respectivas madres, se llevan a cabo misteriosos tratamientos médicos.

In a small, austere coastal village where only male children live with their respective mothers, some mysterious medical treatments take place.

Hipnótica, cansina, la marea mueve con su vaivén la flora marítima. Nicolás bucea cerca de la costa, hasta que cree ver una figura humana en el fondo del mar. Un niño, como él. Muerto. Ese descubrimiento será el que precipite la pérdida de la inocencia, mientras su pequeño lugar en el mundo comienza a develar siniestros secretos. Al igual que en Inocencia, su largometraje debut, Hadzihalilovic vuelve a atacar la pubertad como punto de pivote existencial, zambulléndose en las profundidades del horror biológico –o body horror– con atisbos de fábula folklórica. Artesanal, climático, Évolution es uno de esos films pringosos, difíciles de dejar atrás al terminar de verlo: su seca serenidad, una invitación a caminar sobre el límite entre lo onírico y lo pesadillesco. Pablo Conde

The hypnotic and tired tides move the ocean’s flora. Nicolás is scuba diving near the shore, until he believes to have seen a human shape at the bottom of the sea. A boy, just like him. Dead. That discovery will precipitate the loss of his innocence, as his tiny place in the world will start to reveal some sinister secrets. Just like in his first film Innocence, Hadzihalilovic attacks puberty as an existential turning point, and dives into the depths of body horror, with hints of a folklore fable. Handcrafted and atmospheric, Evolution is one of those sticky films that are hard to leave behind after you watched it: its fry serenity is an invitation to walk over the limit between dreams and nightmares. PC

Francia - France, 2015 / 81’ / DCP / Color Francés - French D: Lucile Hadzihalilovic G: Lucile Hadzihalilovic, Alanté Kavaïté F: Manu Dacosse E: Nassim Gordji-Tehrani DA: Laia Colet P: Sylvie Pialat, Benoît Quainon CP: Les Films du Worso, Noodles Production, Volcano Films, Scope Pictures, Left Field Ventures I: Max Brebant, Roxane Duran, Julie-Marie Parmentier Contacto / Contact Wild Bunch. Esther Devos T +33 1 4313 2127 E [email protected] W wildbunch.biz

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lewis bennetT

FOCOS Y HOMENAJES / Focus & Homages

Cortos de Lewis Bennett Short films by Lewis Bennett “Hago documentales sobre gente que vive en la Columbia Británica”, se presenta Lewis Bennett. La provincia del oeste canadiense, según él, “está llena de personas interesantes, de historias interesantes. Y además no tengo plata para viajar”. En ese remate se ve un poco más del carácter de estos nueve minidocumentales, en los que el humor surge amable, sin esfuerzo ni maldad: hay una empatía indisimulable que fluye entre ambos extremos de la cámara. Si no son un poquito más felices después de ver los cortos de Bennett, por las dudas no se lo digan en la cara: aún no tenemos claro si es o no un pandillero asiático. Agustín Masaedo

“I make documentaries about people living in British Columbia”. That’s how Lewis Bennett introduces himself. For him, in the Western province of Canada “there are a lot of interesting people, a lot of interesting stories. Plus, I don’t have any money to travel”. And that punchline tells us a bit more about the nature of these nine minidocumentaries, in which comedy emerges kindly and effortlessly: there’s an unmistakable empathy flowing between the two sides of the camera. If you’re not a bit happier after seeing Bennett’s short films, don’t tell him that to his face, just in case –we’re still not clear if he’s an Asian gang member or not. AM

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Asian Gangs Pandillas asiáticas En 1994, el estudiante de quinto grado Lewis Bennett se peleó en el patio de la escuela y obtuvo una severa advertencia. In 1994, Grade 5 student Lewis Bennett got into a schoolyard fight that resulted in a stern warning.

Canadá - Canada, 2012 / 10’ DM / Color / Inglés - English D, G, E: Lewis Bennett, Calum MacLeod F: Benjamin Taft M: Donald Weichel P: Calum MacLeod, Lewis Bennett, Benjamin Taft I: Lewis Bennett, Chris Schroeder, Joan Bennett

Hey Vancouver, This Is You on Craigslist Ey, Vancouver, esta sos vos en Craigslist Bennett juntó algunos avisos de Craigslist durante unas pocas semanas y le pidió a la gente que paseaba por Stanley Park que los leyera. Bennett collected some Craigslist ads over a period of a few weeks and asked people in Stanley Park to read those posts.

Canadá - Canada, 2012 / 4’ DM / Color / Inglés - English D, E: Lewis Bennett F: Calum MacLeod P: Calum MacLeod, Lewis Bennett

Parrot Island La isla de los loros Ray Parkes tiene un santuario para loros para concientizar al público sobre por qué no deberían comprar estas aves. Ray Parkes runs a parrot sanctuary to help educate the public on why they shouldn’t be buying these birds. 412

Canadá - Canada, 2012 / 8’ DM / Color / Inglés - English D, E: Lewis Bennett F: Benjamin Taft M: Donald Weichel P: Lewis Bennett, Benjamin Taft I: Ray Parkes

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Lewis Bennett

Trevor the Dinosaur Trevor, el dinosaurio Un breve documental sobre un dinosaurio de plástico llamado Trevor y su amigo humano Derek. A short documentary about a plastic dinosaur named Trevor and his human friend Derek.

Canadá - Canada, 2012 / 4’ DM / Color / Inglés - English D, E: Lewis Bennett F: Benjamin Taft, Calum MacLeod, Mike Acheson, Lewis Bennett P: Mike Acheson, Lewis Bennett I: Derek Scott

A Brief History of British Columbia Una breve historia de la Columbia Británica Secuela de un video que Bennett hizo en la clase de ciencias sociales de Mrs. Barlow en quinto grado. A sequel to a video Bennett made in Mrs. Barlow’s social studies class in Grade 5.

Canadá - Canada, 2012 / 4’ DM / Color / Inglés - English D, G, F, E, P: Lewis Bennett I: Joan Bennett, Chris Bennett, Tom Bennett, Cal Bennett, Hannah Bennett

Shirley Sings Shirley canta Shirley Buchan empezó a cantar a los dos años, pero no reunió el coraje para hacerlo en público hasta que cumplió 71. Shirley Buchan started singing at the age of two but didn’t get up the courage to perform in front of people until she was 71 years old.

Canadá - Canada, 2012 / 4’ DM / Color / Inglés - English D, E: Lewis Bennett F, P: Lewis Bennett, Calum MacLeod S: Zach Maurer M, I: Shirley Buchan

An Afternoon with Alexandra Morton Una tarde con Alexandra Morton Bennett se sienta con la bióloga marina Alexandra Morton en su patio para hablar de sus pensamientos acerca de la humanidad. Bennett sits down with marine biologist Alexandra Morton in her backyard, to discuss her thoughts on humanity.

Canadá - Canada, 2012 / 6’ DM / Color / Inglés - English D, E: Lewis Bennett F: Benjamin Taft P: Alex Batko, Benjamin Taft, Lewis Bennett I: Alexandra Morton

The Fat Diet Dieta de grasa Los padres de Luke Brocki, inmigrantes polacos, vivieron la última década ignorando la sabiduría alimenticia occidental al ingerir enormes cantidades de grasa animal en cada comida.

Canadá - Canada, 2013 / 7’ DM / Color / Inglés - English

Luke Brock’s Polish immigrant parents have spent the last decade ignoring Western food wisdom by eating huge amounts of animal fat at every meal.

Contacto / Contact Lewis Bennett T +1 778 848 1845 E [email protected] W lewisbennett.com

D: Lewis Bennett G, E, P: Lewis Bennett, Luke Brocki F: Calum MacLeod, Benjamin Taft, Lewis Bennett, Luke Brocki I: Luke Brocki

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Lewis Bennett

The Sandwich Nazi El sandwich nazi El excéntrico Salam Kahil es un coleccionista de arte, músico amateur y ex acompañante masculino que trabaja preparando sándwiches en un local de Vancouver para alimentar a sus clientes habituales, y también a los indigentes locales. Pero su verdadera pasión es hablar sobre sexo oral.

Salam Kahlil is an eccentric art collector, amateur musician, and former male escort whose job is making sandwiches in a Vancouver shop to feed his regular customers as well as local homeless people. But his real passion is talking about oral sex.

En Vancouver, cuando uno compra en lo de Salam Kahil, no solamente obtiene los promocionados “mejores sándwiches de Norteamérica”, sino que además recibe algún relato de este personaje único. El libanés Salam fue escort masculino y cuenta historias sobre ese trabajo, en el que tiene una relación muy particular con su clientela. Al entrar en el local hay que estar advertido del “lenguaje explícito” y de que no se puede usar el celular. Esto es comida con show, o algo por el estilo. Pero The Sandwich Nazi no es un registro de obscenidades ni de ataques a la corrección política; es un retrato de un personaje en extremo singular y de un corazón generoso, uno de esos hallazgos que le permiten a un director saber si es apto para atreverse a contar una vida. Lewis Bennett está a la altura, quizás porque mira al mundo con la apertura que otorga la afición por la comedia. Javier Porta Fouz

When you go to Salam Kahlil’s shop in Vancouver, you not only get the “best sandwiches in North America”: you also get a story from this unique character. Lebanon-born Salam was once a male escort, and he tells stories about that job, which included a particular kind of relationship with his clientele. When you enter the shop you need to be warned about the “explicit language”, and a ban on cellphone use. You get a meal and a show –or something like that. Yet The Sandwich Nazi is not a record of obscenities and attacks on political correctness. It’s a portrait of an extremely singular character with a generous heart, and one of those rare finds that allows a director to discover whether he’s able to tell a life story. Lewis Bennett is up to the task, perhaps because he looks at the world with the open-minded spirit you get from having a taste for comedy. JPF

Canadá - Canada, 2015 / 72’ / DCP / Color Inglés / Árabe - English / Arabic D, E: Lewis Bennett F: Benjamin Taft M: Jake Handy P: Calum MacLeod, Lewis Bennett, Benjamin Taft I: Salam Kahil Contacto / Contact Lewis Bennett T +1 778 848 1845 E [email protected] W lewisbennett.com ~ thesandwichnazi.com

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Daïchi Saïto

FOCOS Y HOMENAJES / Focus & Homages

Daïchi Saïto Entre lo abstracto y lo reconocible –apenas intuido–, entre estallidos pulsantes de luz, color y textura entreverados de oscuridad, entre la quietud del fotograma aislado y el movimiento que le imprime el proyector, entre la visceralidad y el rigor formal: el cine de Daïchi Saïto se mueve con soltura por los umbrales y los convierte en su hogar. Desde ahí se ha construido a lo largo de los últimos años una filmografía propicia para el oxímoron, pues sacude delicadamente a quien con ella se encuentra. Tras numerosas experiencias vitales (trabajar como obrero de la construcción en su Japón natal, estudiar filosofía, y aprender hindi y sánscrito en la India), Saïto desembocó en Montreal, y en el trabajo con el cine en soporte fotoquímico de la mano del colectivo Double Negative, del cual es cofundador –el dato es importante, pues el trabajo manual, en contacto directo con el material fílmico, es una parte esencial de sus películas–. Saïto venía de una larga relación con la literatura –se reconoce antes como bibliófilo que como cinéfilo–, abordando después el cine como una forma, según él mismo dice, de apartar el velo que el lenguaje construye a su alrededor para empezar a ver. Y, de paso, dejar al descubierto a través de sus películas todas las posibilidades latentes tras cada imagen. Saïto establece así una relación íntima con cada fotograma (que puede ser filmado y revelado a mano, o encontrado), que examina largamente y que luego es transformado usando herramientas como la copiadora óptica, el azar inherente a los procesos fotoquímicos, la repetición, las pausas, la ausencia de imagen, el montaje de la película y el trabajo con el sonido. El resultado solo puede ser experimentado con propiedad en una sala de cine. Sirva esta cascada de palabras vertidas sobre él, pues, como mera cortina que apartar para abandonarse a merced de estas películas de inefable y arrasadora potencia sensorial. Elena Duque 416

Between the abstract and the unrecognizable –and barely sensed–, among pulsating bursts of light, color and textures interlinked with darkness, among the quietness of an isolated photogram and the movement from the projector, between visceral tones and formal rigor: Daïchi Saïto’s cinema moves easily through these thresholds and turns them into its home. In recent years, he has prompted a kind of filmography that enables the use of oxymoron, as it delicately stirs up anyone who comes across it. After going through many experiences (he worked in construction in homeland Japan, studied philosophy, and learned both Hindi and Sanskrit in India), Saïto ended up in Montreal, working with cinema’s photochemical materials alongside the Double Negative group, which he cofounded –an important piece of information, since handling celluloid material is an essential part of his films. Saïto came from a long relationship with literature – he acknowledges himself as a bibliophile rather than a cinephile– and later addressed cinema, as a way to move away the veil language places around it and start to actually see. And in the meantime, he revealed through his films all the latent possibilities that lie behind every image. Saïto establishes an intimate relationship with every photogram (which can be filmed and revealed by hand, or found), which he examines thoroughly before they get transformed using tools such as an optic copying machine, the inherent chance of photochemical processes, repetition, pauses, the absence of image, film editing, and sound design. The result can only be experienced properly in a film theater. Let this cascade of words about him be a mere curtain to be moved so you can surrender to this films and their ineffable and rampaging sensorial force. ED

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Daïchi Saïto

Engram of Returning PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

Canadá - Canada, 2015 / 19’ / 35mm / Color

Con la intensidad del sueño, del recuerdo y la naturaleza como un acontecimiento perceptual, y la imagen fotoquímica como el territorio donde habitan las formas vivas.

The contemplation of landscapes as a sensorial and emotional experience, with the intensity of dreams, memories, and the notion of nature as a perceptual phenomenon, and the photochemical image as the territory of living forms.

Trees of Syntax, Leaves of Axis Canadá - Canada, 2009 / 10’ / 35mm / Color

A partir de imágenes registradas en un parque, la película retrata un espacio a la vez que transforma el modo en que lo percibimos, reconfigurando el ejercicio de la mirada.

The film depicts a place through images recorded in a park, and transforms the way we perceive it, reconfiguring the act of watching.

Never a Foot too Far, Even PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE Canadá - Canada, 2012 / 14’ / 2x16mm / Color

Retomando como procedimiento el palíndromo presente en su título, Saïto construye esta pieza utilizando como material de origen un fragmento de una antigua película de kung-fu.

Recovering the palindrome of the title as a procedure, Saïto builds this piece using a fragment of an old kung-fu film as his source material.

All that Rises PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE Canadá - Canada, 2007 / 7’ / 16mm / Color

Como si se tensase la película hasta correrse de los límites, el film revela la entidad cinemática de los fotogramas y del espacio negro que los separa.

As if stretching the film until the borders are transcended, the film reveals the cinematic entity of photograms and the black space between them.

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Daïchi Saïto

Chasmic Dance PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE Canadá - Canada, 2004 / 6’ / 16mm / B&N

Haciendo referencia a la danza cósmica de Shiva, Chasmic Dance captura la energía propia del ritmo y el movimiento a partir de las colisiones entre luz y sombra.

With references to Shiva’s cosmic dance, Chasmic Dance captures the energy of rhythm and the movement from the clash of light and shadow.

Chiasmus Canadá - Canada, 2003 / 8’ / 16mm / B&N

Una exploración acerca del acto de ver y de la escucha. A partir de la imagen de un cuerpo que respira, se crean ritmos y tensiones entre el plano sonoro y el visual.

An exploration on the act of seeing and hearing. Rhythms and tensions between the sound and visual worlds are created out of the picture of a breathing body. Contacto / Contact Light Cone Emmanuel Lefrant T +330146590153 E [email protected]

Blind Alley Augury PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE Canadá - Canada, 2006 / 3’ / Super 8 / Color

Registro directo, montado en cámara, en el que programáticamente se retratan, como si se tratase de un ecosistema en su conjunto, seres y objetos, luz, sombra y color.

A direct record with on-screen edition in which beings, objects, light, shadow, and color are portrayed in a program, as if they were part of an ecosystem.

Green Fuse Canadá - Canada, 2008 / 3’ / Super 8 / Color

Retrato vegetal en el que la fisonomía de los árboles deviene en color puro, luz y sombra, forma orgánica en permanente diálogo con la abstracción.

PREMIERE LATINOAMERICANA / LATAM PREMIERE

A vegetal portrait in which the shape of trees becomes pure color, light and shadow, an organic form in a permanent dialogue with abstraction. Contacto / Contact Daïchi Saïto E [email protected]

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Britannia Lado B / Britannia B-Side

Shakespeare Vive SHAKESPEARE LIVES

FOCOS Y HOMENAJES / Focus & Homages

Britannia Lado B: Shakespeare Vive Britannia B-Side: Shakespeare Lives ¿Por qué insiste el cine en meterse con Shakespeare? Para muchos se trata apenas de la mala conciencia causada por su carácter comercial y masivo: la adaptación de los grandes clásicos le daría un aura, o al menos un barniz, de cultura, de seriedad a un entretenimiento cuya condición de artístico nunca estaría libre de toda sospecha. Pero si es este el objetivo, ¿por qué no adaptar a Virgilio, a Dante, a Cervantes, a Milton con la misma fruición? Una primera respuesta sería postular simplemente que, si William Shakespeare viviera, sería guionista en lugar de dramaturgo. De hecho, puede decirse que Shakespeare inventó el cine –o, para ser menos efectistas y más precisos, digamos que inventó el lenguaje y el espectáculo cinematográficos– trescientos años antes de que la fotografía del movimiento y el celuloide lo hicieran técnicamente posible. Inventó el espectáculo (lo que es decir también el negocio), porque su teatro era –como no lo fue ningún teatro antes o después– un entretenimiento popular y cotidiano, para todas las clases y no limitado a festividades religiosas o celebraciones oficiales –exactamente lo que el cine ha sido desde sus inicios–. Inventó el lenguaje, con su alternancia a veces desenfrenada de momentos de acción y escenas íntimas o reflexivas (sus panorámicas y sus primeros planos, digamos); con la variedad de locaciones –desde la intimidad del dormitorio hasta los campos de batalla– y el manejo nada continuo de los tiempos; con la cantidad y variedad de personajes; y sobre todo con su manera de contar la historia en breves escenas, muchas veces poco más que cortes o inserts, antes que en largos actos continuos como en el teatro posterior. El teatro isabelino fue quizás el primer profético vagido de la moderna industria cultural de masas, y Shakespeare fue el primero en escucharlo. Carlos Gamerro

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Why does cinema insists on tampering with Shakespeare? Many people think this is the result of a guilty conscience, caused by its commercial and massive nature: adapting great classics would provide an aura, or at least a varnish of culture and seriousness to a form of entertainment whose artistic condition will never be completely free of suspicion. But if that is the goal, why not adapting Virgil, Dante, Cervantes, or Milton with the same delight? A first answer could be to simply state that if William Shakespeare were alive, he would be a scriptwriter instead of a playwright. In fact, you can safely say that Shakespeare invented cinema –or, if we prefer to be less gimmicky and more precise, let’s say he invented the film language and spectacle– three hundred years before the moving picture and celluloid made it technically possible. He invented the show (and therefore, the business), because his theater was –like no theater before him– a popular and everyday entertainment for all classes and not limited to religious festivities or official celebrations –exactly what cinema has been ever since it was created. He invented the language, with his oftenunstoppable alternation of action moments with intimate and reflexive scenes (his wide and close-up shots, let’s say), his variety of locations –from intimate bedrooms to battlefields–, his non-continuing use of time, the amount and diversity of his characters, and, above all, his way of telling the story in brief scenes that were often cuts and inserts rather than long continuous acts like the theater that came later. Elizabethan theater was perhaps the first, prophetic cry of the modern mass culture industry, and Shakespeare the first one to hear it. CG

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Britannia Lado B: Shakespeare Vive

Toda una noche

Cortesía de / Courtesy of ITV and Park Circus

All Night Long En las páginas shakesperianas, el moro Otelo conquista a la hija del senador veneciano Brabantio, Desdémona, narrándole sus vertiginosas historias al servicio de Venecia, mientras que es acusado de haber hechizado a la dama. Pero aquí, en este brumoso y sensacional film, Otelo es trasladado al mundo de los clubes de jazz de Londres en los años 60. A lo largo de una noche, durante la celebración por el aniversario de la pareja de músicos Aurelius Rex y Delia Lane, el celoso y ambicioso baterista Johnny Cousin (Patrick McGoohan) intenta separar a esta pareja interracial. Este osado psicodrama incluye apariciones de leyendas del jazz como Charles Mingus, Dave Brubeck, Tubby Hayes y Johnny Dankworth. Reino Unido - UK, 1962 / 91’ / DCP / B&N / Inglés - English D: Basil Dearden G: Nel King, Paul Jarrico F: Edward Scaife E: John D. Guthridge DA: Ray Simm M: Philip Green P: Michael Relph, Bob Roberts I: Patrick McGoohan, Keith Michell, Betsy Blair, Paul Harris, Marti Stevens

On the Shakespearean pages, the Moor Othello seduces the daughter of Venetian senator Brabantio, Desdemona, by narrating his dazzling stories at the service of Venice, while accused of bewitching the lady. But here, Othello is translated to the world of ‘60s London jazz clubs in these smoky and sensational film. Over the course of one eventful evening of the anniversary celebration of the musical and romantic partners, Aurelius Rex and Delia Lane, a jealous, ambitious drummer, Johnny Cousin (Patrick McGoohan) attempts to tear the interracial couple apart. This daring psychodrama also features on-screen appearances of jazz legends Charles Mingus, Dave Brubeck, Tubby Hayes and Johnny Dankworth.

Cortesía de / Courtesy of Exclusive Media and Park Circus

King Lear Rey Lear Peter Brook (quien sabe aprovechar y poner en juego toda su maestría, tanto para el teatro como para el cine) dirige su propia adaptación de la tragedia clásica de Shakespeare. Luego de dividir su reino entre sus tres hijas, el Rey Lear (Paul Scofield) decide distribuir las tierras bajo el criterio de cuál de ellas declara amarlo más. Y, por supuesto, a partir de allí todo comienza a complicarse. Cuando su hija Cordelia se niega a alabar el ego de su padre con declaraciones de devoción, Lear, furioso, les da la parte del león de su poder a sus hermanas Gonerilda y Regania. Rápidamente ellas se aprovecharán de la situación, y el rey Lear verá debilitada su hombría. Poco tiempo después, caerá en la locura, a medida que su viejo imperio se derrumba. Reino Unido / Dinamarca - UK / Denmark, 1971 137’ / DCP / B&N / Inglés - English D: Peter Brook F: Henning Kristiansen E: Kasper Schyberg DA: Georges Wakhévitch S: Bob Allen P: Michael Birkett PE: Sam Lomberg I: Paul Scofield, Irene Worth, Cyril Cusack, Susan Engel, Tom Fleming

Peter Brook (who knows how to make the most of elements and set his masterful hand in play, both in theater and cinema) directs his own adaptation of Shakespeare’s classic tragedy. King Lear (Paul Scofield), having decided to split his kingdom between his three daughters, decides to apportion the lands according to which daughter declaims her love for him best. And, of course, from then on everything gets complicated. When his daughter Cordelia refuses to flatter her father’s ego with claims of devotion, Lear angrily gives the lion’s share of his power to her sisters, Goneril and Regan. They soon abuse this trust, and Lear finds himself powerless. Before long he is drifting into madness, as his former empire falls apart.

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Britannia B-Side: Shakespeare Lives

Macbeth Sin duda una de las obras más reconocidas del dramaturgo inglés, en este caso le da al director de films como Chinatown, El pianista y Tess una oportunidad imperdible. Roman Polanski presenta su pesadillesca visión de la tragedia clásica de Shakespeare sobre la avidez de poder y sus sangrientas consecuencias. Jon Finch es Macbeth, el héroe de guerra escocés cuya ambición delirante desata una espiral de violencia. Guiado por la profecía sobrenatural de tres brujas, Macbeth es provocado por su lady (Francesca Annis) para que asesine al rey Duncan y asuma su trono. Filmado en el robusto norte de Gales, Polanski utilizó el paisaje para acentuar los elementos visuales de la obra de Shakespeare. Reino Unido / Estados Unidos - UK / US, 1971 140’ / DM / Color / Inglés - English D: Roman Polanski G: Roman Polanski, Kenneth Tynan F: Gilbert Taylor E: Alastair McIntyre DA: Wilfred Shingleton, Fred Carter P: Andrew Braunsberg PE: Hugh M. Hefner I: Jon Finch, Francesca Annis, Martin Shaw, Terence Bayler, John Stride

El mercader de la muerte

Cortesía de / Courtesy of Sony and Park Circus

Undoubtely one of the most renowned works of the English playwright, it provides the director of Chinatown, The Pianist, and Tess, with a unique opportunity. Roman Polanski presents his nightmarish vision of Shakespeare’s classic tragedy about the lust for power and its Bloody consequences. Jon Finch is Macbeth, the Scottish war hero, whose insane ambition unleashes a cycle of violence. Prompted by the supernatural prophecy of three witches, Macbeth is goaded by his Lady (Francesca Annis) into slaying King Duncan and assuming his throne. Filmed in rugged North Wales, Polanski used the landscape to accentuate the visual elements of Shakespeare’s play.

Cortesía de / Courtesy of MGM and Park Circus

Theatre of Blood Interpretar clásicos colosales puede ser una distinción actoral e incluso el anhelo más grande para muchos intérpretes, pero peligrosamente puede convertirse también en una insana obsesión. Esta brillante y singular comedia de terror tiene a Vincent Price en el rol de un actor psicótico y megalómano que se niega a interpretar cualquier personaje que no sea de Shakespeare. Sintiéndose abandonado por nueve críticos que le negaron el premio a Mejor Actor del Año, reinterpreta escenas shakesperianas de asesinato con su hija (Diana Rigg) para cobrarse su espantosa venganza. El mercader de la muerte es una genuina y menospreciada rareza del cine inglés que combina efectos cinematográficos grotescos con parodia y caricaturas, y termina siendo excepcional. Reino Unido - UK, 1973 / 104’ / DCP / B&N Inglés - English D: Douglas Hickox G: Anthony Greville-Bell F: Wolfgang Suschitzky E: Malcolm Cooke DA: Michael Seymour M: Michael J. Lewis P: John Kohn, Stanley Mann PE: Gustave M. Berne, Sam Jaffe I: Vincent Price, Diana Rigg, Ian Hendry, Harry Andrews, Coral Browne

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Playing colossally classic roles may be a distinction and a huge dream for many actors, but it can also become a dangerous and insane obsession. This brilliant yet bizarre comedy-horror has Vincent Price starring as a self-important, psychotic actor who refuses to play anything other than Shakespeare. Feeling jilted by nine critics who denied him the Best Actor of the Year award, he re-enacts Shakespearean murder scenes with his daughter (Diana Rigg) to earn his gruesome revenge. Theatre of Blood is a genuine and underrated oddity of British cinema, combining grotesque cinematic effects with parody and caricatures to create an exceptional film.

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Britannia Lado B: Shakespeare Vive

The Tempest La tempestad La interpretación de Derek Jarman de la última obra de Shakespeare es un evocativo retrato del colonialismo, la venganza, la retribución y la reconciliación. Próspero, antiguo duque de Milán, y su hija Miranda son abandonados en una isla remota por Antonio, el hermano malvado del duque. Doce años después, ha aprendido las “artes liberales”. Crea una tempestad para que el barco de Antonio naufrague en esa misteriosa isla, y así lograr que el otro viajero, el príncipe Ferdinando de Nápoles, se case con su hija, con el fin de restaurar la paz entre Milán y Nápoles. Jarman le brinda una sensibilidad punk a su obra, con elementos visuales salvajes y ricos diseños que fácilmente esconden el bajísimo presupuesto de la película.

Reino Unido - UK, 1979 / 95’ / DCP / Color Inglés - English D, G: Derek Jarman F: Peter Middleton E: Lesley Walker DA: Yolanda Sonnabend M: John Lewis, Brian Hodgson P: Guy Ford, Mordecai Shreiber PE: Don Boyd I: Peter Bull, David Meyer, Neil Cunningham, Heathcote Williams, Toyah Willcox

Much Ado About Nothing

Derek Jarman’s interpretation of Shakespeare’s final play is an evocative depiction of colonialism, revenge, retribution and reconciliation. Prospero, the former Duke of Milan, and his daughter Miranda were abandoned on a remote island by the Duke’s evil brother Antonio. Twelve years later, he has learnt the “liberal arts”; he creates a tempest to shipwreck Antonio’s ship on the mysterious island in an attempt to marry his travelling companion Prince Ferdinand of Naples to his daughter, in order to restore peace between Milan and Naples. Jarman brings a punk sensibility to this production, with wild visuals and rich designs that easily conceal the film’s meagre budget.

Cortesía de / Courtesy of Sony and Park Circus

Mucho ruido y pocas nueces Un príncipe de Aragón, su hermano bastardo Don Juan, Benedicto y Claudio, vuelven victoriosos y repletos de honores de una dura batalla. En una bellísima campiña son recibidos por un caballero que vive allí con su hija Hero y su sobrina Beatriz. Esta ingeniosa y ágil representación de Mucho ruido y pocas nueces es un testamento de las amplias capacidades creativas de Branagh, como así también una de las mejores adaptaciones de Shakespeare que jamás se hayan filmado. La fotografía acentúa el exuberante paisaje de la Toscana en el que el actor y director, en el rol del gracioso Benedicto, y Emma Thompson, como la voluntariosa y demandante Beatriz, dan vida a esta adaptación. Reino Unido / Estados Unidos - UK / US, 1993 111’ / DM / Color / Inglés - English D, G: Kenneth Branagh F: Roger Lanser E: Andrew Marcus DA: Martin Childs, Tim Harvey I: Richard Briers, Kate Beckinsale, Imelda Staunton, Jimmy Yuill, Brian Blessed

An Aragon prince, his bastard brother Don Juan, Benedick, and Claudio, all return victorious from a hard battle, filled with honors. In a beautiful rural estate, a gentleman who lives there with his daughter Hero and her niece Beatrice welcomes them all. This witty and fast-paced representation of Shakespeare’s Much Ado About Nothing is a testament to Branagh’s extensive creative abilities, as well as arguably one of the best Shakespeare adaptations ever filmed. The cinematography accentuates the lush Tuscan landscape in which the actor-director as the humorous Benedick, and Emma Thompson, as the wilful and challenging Beatrice, bring this adaptation to life.

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Britannia B-Side: Shakespeare Lives

Next Siguiente Will se parece muchísimo al mismísimo Shakespeare, y hace un casting sobre el escenario frente a Peter, un productor muy ocupado que apenas presta atención a la actuación extraordinaria y encantadora de Will. En menos de cinco minutos, Will lleva a los espectadores a través de un torbellino de interpretaciones de las obras de Shakespeare, a pesar de que sus esfuerzos resultan inútiles a los ojos de un productor indiferente. Reino Unido - UK, 1990 5’ / DCP / Color / Inglés - English D, G: Barry Purves E: Helen Garrard, David McCormick M: Stuart Gordon P: Sara Mullock I: Barry Purves, Roger Rees

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Will, who bears an uncanny resemblance to Shakespeare himself, auditions on stage in front of Peter, a busy producer who hardly notices Will’s extraordinary and enchanting performance. In less than five minutes, Will takes the viewer through a whirlwind performance of Shakespeare’s plays –despite his efforts being fruitless in the eyes of a disinterested producer.

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Galería Bafici / Bafici Gallery Graciela Borges y Mirtha Legrand, Divas del Cine Argentino Graciela Borges and Mirtha Legrand, Argentine Film Divas No solo actrices de los momentos clave del cine argentino (incluso de sus cambios): Graciela Borges y Mirtha Legrand son, además, presencias culturales insoslayables, íconos insustituibles, actrices con capacidades adaptativas admirables. Esta exposición no solo es un recorrido por su filmografía, sus vestidos y diversos objetos, sino también una puesta en perspectiva de la categoría de estrella, de diva, de lo que representan en el cine argentino, de cómo encarnaron y encarnan imaginarios, expectativas, sueños. Borges y Legrand en imágenes en movimiento, en fotografías, en reflejos de sus fulgores, en presencia magnificada y también afortunadamente cercana. They’re not just actresses from key periods of Argentine cinema (and from its mutations). Graciela Borges and Mirtha Legrand are also inevitable cultural presences, irreplaceable icons, and actresses with remarkable abilities for adaptation. This exhibition is not just a journey through their films, dresses, and diverse objects, but also a way to set up a perspective on the category of star and diva, on what they

represent for Argentine cinema, on how they have embodied –and still do– imaginaries, expectations, and dreams. Borges and Legrand in moving pictures, in photographs, in reflections of their brightness, in magnified and also –fortunately– close presence.

Sala Cronopios

Homenaje a Fabián Bielinsky A Tribute to Fabián Bielinsky Nos quedamos, claro, con ganas de más cine de Fabián Bielinsky. En el año del décimo aniversario de su muerte decidimos no solo recuperar sus películas para ver en pantalla grande, sino también dedicarle esta exhibición, que nos permite, de alguna manera, seguir hablando de cine con Fabián. Porque pensaba en cine de manera apasionada y certera, y eso se veía en sus películas. Y lo veremos en entrevistas, en brainstormings, en storyboards, en fotos y mucho más (tenemos muchas sorpresas inéditas) en esta experiencia-Bielinsky que les proponemos, un manera de revisar y ampliar su extraordinario legado. Of course, we wanted more films by Fabián Bielinsky. In the tenth anniversary of his death we have decided not only to bring back his films to the big screen, but also dedicate this exhibition to him, as it somehow allows us to keep talking about film with Fabián. Because he used to think passionately and effectively about cinema, and you could see that in his films. And we will see that in interviews, brainstorm sessions, storyboards, picture, and a lot more (we have

many unreleased surprises), in this Bielinsky Experience we’re proposing to you, a way of revisiting and expanding his extraordinary legacy.

Sala J 426

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Galería Bafici / Bafici Gallery

El arte de Criterion Criterion’s Art La Colección Criterion, o simplemente Criterion, se fundó en 1984. Es LA compañía norteamericana dedicada a editar “películas clásicas o contemporáneas relevantes” en video y salas de cine. Desde su creación, Criterion ha sido un milagro para los cinéfilos, no solo por descubrir y redescubrir clásicos (que van desde la obra de Lucrecia Martel a la de Jean Renoir, pasando por los Beatles o Wes Anderson), sino también por su aproximación al diseño. Con afiches originales creados por gente como Daniel Clowes, Eric Skillman, y Beátrice Coron, ensayos de críticos como Kent Jones y Stephanie Zacharek, y suplementos que enriquecen la experiencia cinematográfica, cada edición de Criterion es un tesoro que expresa de forma física la manera en que nuestras mentes cinéfilas sienten, piensan, y quieren al cine. La muestra El arte de Criterion está compuesta por más de 70 diseños de las ediciones en DVDs y Blu-rays que expresan la vasta obra de la compañía. The Criterion Collection, or Criterion, was founded in 1984. It is The North American company devoted to releasing “impor-

tant classic and contemporary films” on home video and in theaters. Since its inception, Criterion has been a film lover’s miracle, not only for the company’s decisions when it comes to discovering and rediscovering classics (ranging from the works of Lucrecia Martel to those of Jean Renoir, from the Beatles to Wes Anderson), but also for its approach to design. With original art created by the likes of Daniel Clowes, Eric Skillman, and Beátrice Coron, essays by critics such as Kent Jones and Stephanie Zacharek, and supplements that enhance the cinematic experience, each Criterion edition is a treasure trove that presents in physical form the way we feel and think and care for cinema in our film-buff’s brains. The Art of Criterion exhibit is made up of more than 70 designs from the company’s DVD and Blu-ray releases that showcase the company’s vast oeuvre.

Sala C

TELOS: El fantástico mundo de Eugene TssuI TELOS: The Fantastic World of Eugene Tssui TELOS: El fantástico mundo de Eugene Tssui presenta la visión de un arquitecto revolucionario inspirado en el funcionamiento y la forma de la naturaleza. Las ideas de Tssui, siempre centradas en la sustentabilidad, han estado por delante de su tiempo durante más de treinta años. Tssui es un hombre que, en sus propias palabras, intenta nada menos que “cambiar el mundo”. Esta exposición muestra parte de sus proyectos, que incluyen arquitectura, investigaciones científicas, diseño industrial e indumentaria, por mencionar algunos. TELOS: The Fantastic World of Eugene Tssui presents the vision of a maverick architect inspired by nature’s form and function. Tssui’s ideas, always focused on sustainability, have been ahead of their time for over thirty years. Tssui is a man who, in his own words, is trying to do no less than to “change the world.” This exhibition shows part of his projects, which include architecture, industrial design, clothing design, scientific researches, just to mention some of them. Sala 1 + Patio de los Naranjos [18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

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Galería Bafici / Bafici Gallery

Aardman: La forma de la alegría Aardman: The Form of Joy ¿Qué es Aardman? Por lo pronto, la compañía responsable de Wallace y Gromit, los personajes más famosos de la animación inglesa, y de clásicos modernos del género como Pollitos en fuga o Shaun: el cordero. En un mundo en el que la animación digital reina, Aardman es una propuesta distinta. En sus más de cuarenta años de historia, Aardman ha creado más que publicidades icónicas o personajes invencibles del medio. Ya sea en animación cuadro por cuadro con plastilina (su mejor arma) o en digital, Aardman se diferencia por el trabajo humano volcado en cada proyecto y por la forma en la que refleja el cine más puro sin negar modernidad o calidez. A partir del acceso a decenas de archivos, la muestra Aardman: La forma de la alegría exhibe esa huella humana en la creación de Peter Lord y Nick Park, abarca desde bocetos hasta imágenes documentales y da cuenta del trabajo de orfebrería que se da en los sets de las animaciones de la compañía. What is Aardman? First, it is the company responsible for Wallace and Gromit, the most famous characters in British anima-

tion, and modern classics of the genre such as Chicken Run or Shaun the Sheep Movie. In a world where digital animation reigns, Aardman is a different concept. In its more than forty years of history, Aardman has created more than iconic commercials or invincible characters. Whether in frame-by-frame clay animation (its finest weapon) or in digital, Aardman stands out for the human work that puts into every project, and the way it reflects the purest of cinemas without rejecting modernity or warmth. By accessing dozens of files, the Aardman: The Form of Joy exhibition expresses that human print in the creation of Peter Lord and Nick Park, includes material ranging from sketches to documentary footage, and shows the precious metalwork that takes place in the company’s animation sets.

Sala 10

Kosice Hidroespacial Kosice Hydrospatial El espacio donde nos recibe Gyula Kosice parece el taller de un artesano, pero las imágenes en las paredes muestran las exposiciones del artista alrededor del mundo. Reavivando su propio mito, nos habla de su relación íntima con el agua, fundamento de sus esculturas hidrocinéticas. Maravillado por el movimiento del agua y la luz, le pregunto si le gustaría que realicemos un documental sobre su vida y obra. Sonríe. Tres años después nos sumergimos en la exposición “Kosice hidroespacial”, despliegue de la película que le dio origen. En la oscuridad de la sala, la icónica gota de agua y la firma en neón de Kosice dialogan con la proyección y fotogramas del film: retrato del artista en el fluir entre la idea y la obra, la familia y la trayectoria, la ciencia y la poesía. Gabriel Saie, director del documental Kosice hidroespacial The space where Gyula Kosice welcomes us looks like a craftsman’s workshop, but the images on the walls show exhibits of the artist around the world. Rekindling his own myth, he talks to us about his intimate relationship with wa-

ter, the fundament of his hydrokinetic sculptures. Dazzled by the movement of water and light, I ask him if he would like us to make a documentary about his life and work. He smiles. Three years later, we immersed ourselves in the “Kosice Hydrospatial” exhibit, the unfurling of the film that originated it. In the darkness of the room, Kosice’s iconic drop of water and his signature in neon converse with the screening and frames from the film: portrait of the artist in the flow between idea and work, family and career, science and poetry. Gabriel Saie, director of the documentary Kosice Hydrospatial

Sala 12 428

[18] BUENOS AIRES FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE

EL BUENOS AIRES LAB EN EL MARCO DEL [18] BAFICI ES POSIBLE GRACIAS A LA COLABORACIÓN Y EL APOYO DE

En un mundo cinematográfico en el que se ha acelerado la velocidad de circulación de las películas, la visibilidad de los proyectos –el “antes” del cine– cobra mayor importancia. La película por hacerse o por terminarse es, cada vez más, noticia. Hay festivales que hasta hacen photocalls de fragmentos, de promesas de películas que serán. Quizás la película en cuestión se vea en la próxima edición de ese mismo festival, o quizás en otro. O quizás nunca se termine. La idea del BAL es ayudar a que las películas ocurran o, mejor dicho, terminen de ocurrir. Es una instancia en la que el Bafici se mete en la producción, más allá de su rol principal que es el de exhibidor, el de poner reflectores intensos sobre las películas durante doce días. Reflectores que sirven también para iluminar estos proyectos, estas imágenes que prometen la película que vendrá; esa que, con suerte, tal vez veremos terminada en alguna próxima edición del Bafici, o en alguna otra pantalla. Este año el BAL tiene novedades importantes, ya que quienes lo dirigieron desde su inicio, Violeta Bava e Ilse Hughan, decidieron que después de doce ediciones había llegado la hora de cerrar un ciclo y que el BAL siguiera su camino con otra dirección. Violeta e Ilse contribuyeron a hacer del BAL una cita importante en el calendario anual de proyectos. En 2013 el BAL llegó a Cannes (“BAL Goes to Cannes”) en un hecho pionero que luego fue imitado por otros festivales. Este año nos encuentra por un lado agradecidos a Violeta e Ilse por su dedicación y su visión, y por otro recibiendo a la nueva directora del BAL, Agustina Costa Varsi, con los mejores augurios.

In a film world where the circulation of films has become faster, the visibility of the projects –the “before” of film– becomes more important. The film about to be made or finished is now a piece of news, and increasingly so. There are festivals that even do photocalls of fragments, of promises of films that will be. Maybe the film in question can be seen in the next edition of that same festival, or maybe in another one. Or perhaps it’s never finished. The idea of BAL is to help those films happen or, rather, for them to finish happening. It is an instance in which Bafici delves into the production, apart from its main role, which is that of the exhibitor; of putting intense spotlights on the films through the course of twelve days. Spotlights that are also good for illuminating those projects, those images that promise the film about to come; that which, with luck, we’ll probably see finished in some future edition of Bafici, or in another screen. This year, BAL carries some important news, because those who directed it since its inception, Violeta Bava and Ilse Hughan, have decided that after twelve editions it was time to close a cycle and make BAL continue its path in another direction. Violeta and Ilse contributed in turning BAL into an important date in the annual calendar of projects. In 2013, BAL went to Cannes, in a pioneering event that was later imitated by other festivals. This year finds us thanking Violeta and Ilse for their dedication and their vision and welcoming the new director of BAL, Agustina Costa Varsi, with our best wishes.

Javier Porta Fouz Director Artístico [18] Bafici | Artistic Director [18] Bafici

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Algunos años atrás participaba del BAL con Algunas chicas, película que produje, en una edición que por primera vez se concentraba exclusivamente en los Work In Progress. Obtuvimos varios premios que nos permitieron, no solo finalizar la película sino desembarcar en Cannes y luego estrenar en Venecia. Apenas el año pasado Ilse y Violeta volvieron a confiar en mí, invitándome a acompañarlas en el comité de selección. Hoy esa confianza ha vuelto a renovarse, y en conjunto con el staff del Bafici me han dado la posibilidad de continuar su tarea de más de una década. Esta edición 2016 del BAL volverá a concentrarse en los Work In Progress. Esta vez radicalizando la apuesta: hemos dedicado nuestra búsqueda y selección en su mayoría a primeras y segundas películas para que gracias a ellas quizás podamos aventurar un mapa del futuro cine de la región. Nicolás Grosso y Bárbara Francisco forman parte de una nueva generación de cineastas y productores, y es con su mirada que logramos descubrir los proyectos que presentamos en esta edición. Algunos cineastas ya participaron del BAL con sus primeras películas o con proyectos en desarrollo. Otros materiales son completamente inéditos. A partir de los materiales que fuimos recibiendo, entre los que predominaban proyectos argentinos, arribamos a una selección conformada por producciones originales, que eligen arriesgar tanto narrativa como formalmente. Todas poseen, por caminos diferentes, formas de la singularidad. Criterio que privilegiamos en la selección y que, sobre todo, las diferencian del conjunto de la producción latinoamericana.

En tanto productora de cine estar al frente de un espacio como el BAL me otorga la estimulante posibilidad de reflexionar acerca de las necesidades más urgentes que enfrentamos quienes producimos. ¿Qué clase de apoyo nos es indispensable para hacer películas de forma independiente y que a la vez nos representen de manera sincera? Quizás necesitemos un espacio hecho a la medida de cada proyecto, que no se fosilice sino que, por el contrario, aliente a sus protagonistas a enfrentar experiencias y riesgos que no habían contemplado. Aunque el BAL ya se encuentra en su 14° edición, este no puede adoptar sino una forma: la de la bisagra, la de una transición. Por delante, muy pronto, nos espera un BAL que les abrirá las puertas a proyectos en desarrollo y a otros sectores de la industria cuya presencia es otra de nuestras preocupaciones centrales: me refiero a la distribución y la exhibición. Cualquier cineasta latinoamericano puede entender por qué. El proceso recién comienza y con nuevas energías sobrevienen transformaciones. Agradecemos a los socios de siempre que nos acompañan, otros probablemente regresen el próximo año, y también tendremos nuevos aliados en esta aventura que dos pioneras supieron convertir en proeza hace catorce años y hoy llega a mis manos.

Agustina Costa Varsi Directora Buenos Aires Lab (BAL)

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A few years ago, I participated in BAL with Some Girls, the first film I produced. It was the first edition that presented Works in Progress exclusively, and the awards we won not only allowed us to complete the film, but also to disembark in Cannes and, later, in Venice. That year, BAL was celebrating its tenth anniversary, and I would never have imagined such an auspicious future. Last year, Ilse Hughan and Violeta Bava trusted in me again and invited me to join them in the selection committee. Today, that trust has again renewed: Javier Porta Fouz, Ailén Bressan and the team at Festivales de Buenos Aires gave me the chance of continuing their work of more than a decade; the consolidation of that space that encourages young filmmakers, colleagues and accomplices so much. In this edition, BAL will again be all about the Works in Progress. This time, the wager becomes more radical, with a selection made up mainly of first and second features. This way, perhaps we could venture a map of the future cinema of the region. Nicolás Grosso and Bárbara Francisco are part of a new generation of filmmakers and producers, and thanks to their points of view we were able to discover the projects we’re presenting in this edition. Some filmmakers have already been part of BAL with their first films or with projects in development; other material is completely unreleased. The ones we received were mainly Argentine projects, original and sincere productions that choose to take a risk both narratively and formally.

As a film producer, being in front of a space like BAL gives me the chance of thinking about the most urgent needs us producers must face. What kind of backup is necessary for making films independently but that, at the same time, represent us in a sincere way? We look for a space that adapts to the needs of each project, that doesn’t fossilize itself but, on the contrary, encourages its protagonists to face experiences and risks they hadn’t taken into account. Even though BAL is already in its 14th edition, it can only adopt one form: that of a turning point; a transition. Ahead, very soon, lies a BAL that will open the doors to projects in development and other sectors from the industry whose presence is another of our main concerns: distribution and exhibition. Any Latin American filmmaker can understand why. The process has just begun, and with new energies come transformations. We thank those partners that always accompany us; others will probably return next year, and we’ll also have new allies in this adventure that two pioneers were able to turn into prowess fourteen years ago, and which today is in my hands.

Agustina Costa Varsi Director of Buenos Aires Lab (BAL)

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JURADO | JURY

ILDA SANTIAGO Nació en Río de Janeiro, Brasil, estudió periodismo y cine en la Universidad Federal Fluminense (UFF). Como periodista, escribió para los periódicos O Globo y Jornal do Brasil. Es una de las fundadoras y socias en Grupo Estação, una empresa que, desde hace 30 años, trabaja con distribución y exhibición de películas art house en Brasil. Es directora ejecutiva y de programación del Festival do Rio. En 2013 fue parte del jurado de la sección Un Certain Regard en el Festival de Cannes.

She was born in Rio de Janeiro, Brazil, studied journalism and film at the Federal Fluminense University (UFF). As a journalist, she wrote for the newspapers O Globo and Jornal do Brasil. She is one of the founders and partner at Grupo Estação, a company that, for the past 30 years, has worked with the distribution and exhibition of art house films in Brazil. She is the executive and programming director of the Rio de Janeiro International Film Festival. In 2013, he was part of the jury at the Un Certain Regard section of the Cannes Film Festival.

HERNÁN MUSALUPPI Nació en Buenos Aires en 1971. Es productor de cine y docente. En sus comienzos produjo películas como Silvia Prieto, La libertad y Mundo grúa, entre otras. En 2001, junto a Natacha Cervi, fundó Rizoma, compañía independiente que en pocos años se transformó en una de las productoras más reconocidas de la región. Desde entonces, sus más de treinta películas han sido distribuidas comercialmente en todo el mundo. Se desempeña como presidente de la CAIC (Cámara Argentina de la Industria Cinematográfica), y es miembro de ACE (Ateliers du Cinéma Européen), además de profesor titular de las cátedras de Producción en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC) y la Universidad del Cine. En 2012 publicó El cine y lo que queda de mí, su primer libro.

He was born in Buenos Aires in 1971. He is a film producer and teacher. In his beginnings, he produced such films as Silvia Prieto, Freedom and Crane World, among others. In 2001, he founded with Natacha Cervi the independent company Rizoma, which in just a few years became one of the most acknowledged production companies in the region. Since then, its more than thirty films have been distributed commercially around the world. He is the president of the CAIC (Argentine Chamber of the Film Industry), and is a member of ACE (Ateliers du Cinéma Européen), apart from teaching in the Production departments of the National School of Film Experimentation and Making (ENERC) and the Universidad del Cine. In 2012, he published El cine y lo que queda de mí, his first book.

PIERRE MENAHEM Empezó su carrera en la industria del cine en 1997 trabajando en Celluloid Dreams como director de ventas y adquisiciones, donde supervisaba el marketing de un catálogo de 200 títulos de aclamados directores y asistía a todos los principales festivales y mercados. Fundó Scalpel Films en 2004 y luego creó una división de ventas en la productora MPM Film. Durante este período, fue miembro del jurado en varios festivales (San Francisco, Jerusalén, Palm Springs y Annecy). Como experto en ventas internacionales, participó en varios talleres como el Produire au Sud (Bogotá, Bangkok, Recife, Buenos Aires, Nantes), The Producers Network (Cannes), Mediterranean Films Crossing Borders (San Sebastián, Berlín, Malta) y EAVE. También es programador del Festival Internacional de Cine de Belfort y consultor de la Oficina de Cine del Festival de Cine de Rotterdam.

He started his career in the film industry in 1997 working at Celluloid Dreams as director of sales and acquisitions, supervising the marketing of a catalogue of 200 titles of acclaimed directors and attending all principal festival and markets. He founded Scalpel Films in 2004 and then created a sales division in production company MPM Film. During this period he served as jury member in several festivals (San Francisco, Jerusalem, Palm Springs, and Annecy). As an expert in international sales he participated in many workshops such as Produire au Sud (Bogotá, Bangkok, Recife, Buenos Aires, Nantes), The Producers Network (Cannes), Mediterranean Films Crossing Borders (San Sebastian, Berlin, Malta), and EAVE. He is also a programmer at the Belfort International Film Festival and a consultant to the Film Office of the Rotterdam Film Festival.

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PREMIOS OTORGADOS POR EL JURADO AWARDS GIVEN BY THE JURY

Premio Cinecolor Cinecolor Award

Premio Pomeranec Pomeranec Award

Cinecolor otorgará un premio para un WIP que consiste en los servicios de 3 (tres) jornadas de conformado, 5 (cinco) jornadas de corrección de color, 3 (tres) jornadas de arte para efectos visuales –con editor, colorista y directora de arte–, la digitalización para DCP y la generación de DCP del largometraje con 10 (diez) llaves.

Pomeranec otorgará un premio que consiste en 96 (noventa y seis) horas de posproducción organizadas de la siguiente forma: • 80 (ochenta) horas de estudio de edición de sonido. • 16 (dieciséis) horas de estudio de premezcla. Vigencia: 2 (dos) años.

Cinecolor will give an award to a WIP consisting of 3 (three) days of conforming, 5 (five) days of color correction, 3 (three) days of art for visual effects –with editor, colorist and art director–, the digitalization for DCP and the generation of a DCP of the feature with 10 (ten) keys.

Pomeranec will give an award consisting of 96 (ninetysix) hours of post-production organized the following way: • 80 (eighty) hours of sound-editing studio. • 16 (sixteen) hours of pre-mix studio. Validity: 2 (two) years.

Premio Producers Workshop Producers Workshop Award

Premio Lahaye Lahaye Award

Dos productores cuyos proyectos integran el WIP de BAL serán invitados a participar del Producers Workshop del Marché du Film del Festival de Cannes 2016.

Lahaye otorgará un premio que consiste en una de las siguientes opciones: • 20 (veinte) jornadas de equipamiento de cámara HD Cinealta. • Isla de edición por una jornada de 8 (ocho) horas más corrección de color por 6 (seis) horas.

Two producers with projects participating in BAL’s WIP will be invited to participate in the Producers Workshop at the Marché du Film in the Cannes Film Festival 2016.

Lahaye will give an award consisting of one of the following options: • 20 (twenty) days of equipment with Cinealta HD camera. • Edit bay for an 8 (eight)-hour day plus color correction for 6 (six) hours. 436

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Premio Estudio Ñandú Estudio Ñandú Award

Premio Talkbox Talkbox Award

Estudio Ñandú otorgará un premio que consiste en un máximo de 10 (diez) jornadas de 8 (ocho) horas de posproducción de sonido en las instalaciones de la empresa. El premio comprende tanto las salas y los equipos necesarios para los trabajos que de común acuerdo se estipulen como la mano de obra de un operador de edición, mezcla o grabación de sonido calificado.

Talkbox otorgará traducción al inglés y edición de subtítulos del corte final a un proyecto de largometraje del BAL. El formato del archivo de subtitulado puede ser .srt, .txt, .stl y/o .xml o el formato compatible con el editor de video que utilicen. También incluye lista de diálogos en inglés en archivo .doc. Vigencia: 2 (dos) años.

Estudio Ñandú will give an award consisting of a maximum of 10 (ten) 8 (eight)-hour days of sound post-production in the company’s facilities. The award includes both the studios and the equipment necessary for the works that are mutually agreed upon as the labor of a qualified sound editing, mixing or recording operator.

Talkbox will award the English translation and subtitle editing of the final cut of a feature-film project from BAL. The format of the subtitle file can be .srt, .txt, .stl and/or .xml or the format compatible with the video editor used. It also includes an English dialogue list in a .doc file. Validity: 2 (two) years.

Premio Universidad del Cine Universidad del Cine Award

Premio Sinsistema Sinsistema Award

Universidad del Cine otorgará un premio que consiste en la posproducción del tráiler de la película, imagen, corrección de color y DCP.

Sinsistema otorgará un premio que consiste en un online conform, 10 (diez) jornadas de uso de sala de corrección de color y un Master Encoding DCP para un largometraje de hasta 120 minutos.

Universidad del Cine will give an award consisting of the post-production of the film’s trailer, image, color correction and DCP.

Sinsistema offers an award consisting of one online conform, 10 (ten) shifts for the use of the color correction room and a DCP Master Encoding for a feature length film of up to 120 minutes.

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BAL WIP Argentina / Francia / Alemania - Argentina / France / Germany

1922 Martín Mauregui

En 1921 el Ejército Argentino viaja a la Patagonia a reprimir una huelga sindical. Más de mil trabajadores son fusilados. Dos de ellos logran escapar. Uno es “el Viejo”, el otro es “el Joven”, y no se conocen. En la víspera de Año Nuevo encuentran refugio de la tormenta en un precario rancho en medio de la nada. Los dos son anarquistas, los dos están escapando del ejército, y juntos emprenden un viaje con la esperanza de cruzar las montañas hacia Chile. Durante la semana en la que transcurre este relato –la primera de 1922–, la huida se transforma por la irrupción brutal de la ficción y la aventura: la Viuda, los Indios, el Aristócrata, el Terrateniente, los comienzos del cine, las Hijas suicidas de Marx, las drogas psicodélicas, las Putas Justicieras, la ballena envenenada, el Obrero Monstruo… Mientras tanto, dos hombres sin nombres intentan conocerse.

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In 1921, the Argentine Army travels to Patagonia in order to push back a union strike. More than a thousand workers are shot dead. Two of them manage to escape. One of them is “the Old One,” the other is “the Young One,” and they don’t know each other. In New Year’s Eve, they find shelter from the storm in a precarious ranch in the middle of nowhere. Both of them are anarchists, both of them are running from the army and, together, they embark on a trip with the hope of crossing the mountains to Chile. During the week the story takes place in –the first week of 1922–, the getaway is transformed by the brutal irruption of fiction and adventure: the Widow, the Indians, the Aristocrat, the Landowner, the beginnings of cinema, Marx’s Suicidal Daughters, psychedelic drugs, the Avenging Whores, the poisoned whales, the Monster Worker… Meanwhile, two men without names try to get to know each other.

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1922 | BAL WIP DIRECTOR / DIRECTOR

Martín Mauregui Estudió en la Universidad del Cine. Es uno de los directores de El amor (primera parte). Como guionista, trabajó con Pablo Trapero, Damián Szifron, Walter Salles y Peter Weber, entre otros. Es socio fundador de La Unión de los Ríos. 1922 es su ópera prima como director.

He studied at the Universidad del Cine. He is one of the directors of Love (Part One). As a screenwriter, he has worked with Pablo Trapero, Damián Szifron, Walter Salles and Peter Weber, among others. He is founding partner at La Unión de los Ríos. 1922 is his first feature as a director.

Productores / producers

Agustina Llambi Campbell y Fernando Brom Produjeron El estudiante (Santiago Mitre, 2011), Los salvajes (Alejandro Fadel, 2012), Los posibles (Santiago Mitre y Juan Onofri Barbato, 2013), El cielo del centauro (Hugo Santiago, 2015) y La patota (Santiago Mitre, 2015). Actualmente desarrollan proyectos de Fadel, Mitre y Gustavo Biazzi.

They produced The Student (Santiago Mitre, 2011), The Wild Ones (Alejandro Fadel, 2012), Los posibles (Santiago Mitre and Juan Onofri Barbato, 2013), El cielo del centauro (Hugo Santiago, 2015) and Paulina (Santiago Mitre, 2015). They are currently developing projects by Fadel, Mitre and Gustavo Biazzi.

DECLARACIÓN DEL DIRECTOR / DIRECTOR’S STATEMENT 1922 era una época terrible, pero también joven, en la que todo era posible y el mundo se estaba definiendo a sí mismo. Comunismo, anarquismo, fascismo eran futuros posibles, mientras caían imperios, nacían estados y las mujeres luchaban por tener los mismos derechos que los hombres. Al sur de la Argentina, al fin del mundo, una tierra casi despoblada donde todos –hasta los indígenas– son extranjeros, llegaron estas y otras ideas, a veces incluso malinterpretadas o reformuladas, y eclosionaron con los viejos mitos y las eternas falencias sociales. Esto produjo una multiplicidad de historias, violencias y contradicciones, que son el escenario para esta película.

1922 was a terrible time, but also a young one, in which everything was possible and the world was defining itself. Communism, anarchism and fascism were possible futures, while empires fell, states were born and women fought for the same rights as men. These and other ideas reached the south of Argentina, the end of the world, an almost unpopulated land where everyone –even the natives– is foreign, sometimes misinterpreted or reformulated, and blended with the old myths and eternal social shortcomings. This caused a multiplicity of stories, violence and contradictions, which are the scenery for this film.

Información Técnica / Technical Information Título / Title: 1922 Género / Genre: Ficción / Fiction Formato de rodaje / Shooting format: 4K Formato de proyección / Screening format: DCP Duración estimada / Estimated length: 150’ Presupuesto estimado / Estimated budget: USD 1.400.000 Fondos recaudados / Money in place: USD 500.000

Contacto / Contact La Unión de los Ríos. Buenos Aires, Argentina T 54 11 4815 4677 E [email protected] W launiondelosrios.com

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BAL WIP Argentina

Al desierto To the Desert Ulises Rosell Polvorientos, cercados por la sed, vestidos con sus mejores ropas, Julia y Armando caminan cruzando el desierto patagónico. Cazan, hacen fuego y duermen a la intemperie. Lentamente, ese cautiverio al aire libre se transforma en una prueba de supervivencia. Sin posibilidad de escape en medio de las distancias infinitas, Julia sigue repasando cómo llegó hasta allí. ¿Acaso siempre se trató de un plan premeditado? ¿Cómo no sospechó nada durante el primer encuentro, cuando él se presentó como operario de una empresa que se estaba instalando y le propuso acompañarla a una entrevista de trabajo? ¿Es posible que el secuestro haya sido consecuencia de un desvarío de Armando producto del choque y vuelco de la camioneta? Si bien las respuestas tienen sentido para el comisario Prieto, a cargo de la investigación, pronto dejarán de tener sentido para Julia. Después de todo, ¿por qué esa vida impensada e intensa sería menos deseable que la que llevaba semanas atrás, cuando trabajaba como camarera en el casino de una ciudad petrolera?

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Dusty, fenced by thirst, dressed in their best outfits, Julia and Armando walk across the Patagonian desert. The hunt, start fires and sleep out in the open. Slowly, that outdoor captivity turns into a survival test. With no chance of escape in the middle of infinite distances, Julia keeps going over how they got there. Has it always been a premeditated plan? How could she not have suspected anything during their first encounter, when he introduced himself as a worker at a company that was being set up and asked to accompany her to a job interview? Could it be possible that the kidnapping was a consequence of a delusion from Armando due to the van’s rollover? Even though the answers make sense to sheriff Prieto, who’s in charge of the investigation, they will soon stop making sense to Julia. After all, why would that unexpected and intense life be less desirable than the one she led weeks before, when she was working as a waitress at the casino of an oil city?

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Al desierto | BAL WIP DIRECTOR / DIRECTOR

Ulises Rosell Codirigió El descanso, Mejor Película en Bafici. Dirigió Bonanza, Mejor Película en IFFMH; Sofacama y El etnógrafo, Mención del Jurado en La Habana y Mejor Película en Biarritz. Fue elegido para la Cannes Cinéfondation Résidence, el Festival de Amiens y Rockefeller Foundation.

He co-directed El descanso, Best Film at Bafici. He directed Bonanza, Best Film at IFFMH; Sofabed and El etnógrafo, Jury Mention at Havana and Best Film at Biarritz. He was chosen for Cannes’ Cinéfondation Résidence, the Amiens Festival and the Rockefeller Foundation.

Productores / producers

Ezequiel Borovinsky Comenzó su carrera como montajista y trabajó con directores como Lisandro Alonso, Pablo Trapero y Francis Ford Coppola. Luego se avocó a la producción participando como coproductor en Jauja, de Lisandro Alonso, y El cielo del centauro, de Hugo Santiago.

He started his career as an editor and worked with such directors as Lisandro Alonso, Pablo Trapero and Francis Ford Coppola. Later, started producing, and co-produced Lisandro Alonso’s Jauja and Hugo Santiago’s El cielo del centauro.

Alejandro Israel Es fundador de Ajimolido Films. Ha participado, entre otros, de los largometrajes Invasión, de Abner Benaim; La parte ausente, de Galel Maidana; Juan y Eva, de Paula de Luque; Zonda, folklore argentino, de Carlos Saura; Pájaros volando, de Néstor Montalbano; y La forma exacta de las islas, de Casabé-Dieleke.

He is the founder of Ajimolido Films. He has worked in such features as Abner Benaim’s Invasion; Galel Maidana’s La parte ausente; Paula de Luque’s Juan y Eva; Carlos Saura’s Argentina; Néstor Montalbano’s Pájaros volando; and Casabé-Dieleke’s La forma exacta de las islas.

DECLARACIÓN DEL DIRECTOR / DIRECTOR’S STATEMENT La primera vez que fui a Comodoro Rivadavia, encontré más referencias al desierto tal como lo cuenta el cine que a las imágenes de los folletos turísticos. El mundo petrolero, el sol achicharrante, la chatarra acumulándose en la periferia, el viento enloquecedor desparramando jirones de nylon en cada obstáculo. Me interesa contar esa hostilidad y el tipo de relaciones que genera. Planteo una historia y un rodaje librados a esas inclemencias. Vengo de filmar un documental donde el mero registro de lo real provoca que el relato se cargue de combinaciones de sentido más complejas e imprevistas que las pensadas frente a una computadora. Intentamos conservar ese espíritu en este nuevo trabajo.

The first time I went to Comodoro Rivadavia, I found more references to the desert as told by cinema than by the images of touristic brochures. The oil world, the sweltering sun, junk piling up in the outskirts, the maddening wind scattering nylon bits at every obstacle. I’m interested in narrating that hostility and the kind of relationships it generates. I’m approaching a story and a shoot that depend on that harshness. I come from shooting a documentary where the mere capturing of reality fills the story with combinations of sense that are more complex and unexpected than those thought in front of a computer. We try to keep that spirit in this new work.

Información Técnica / Technical Information Título / Title: Al desierto / To the Desert Género / Genre: Ficción / Fiction Formato de rodaje / Shooting format: Digital 2K Formato de proyección / Screening format: Digital HD Duración estimada / Estimated length: 90’ Presupuesto estimado / Estimated budget: USD 457.932 Fondos recaudados / Money in place: USD 282.416

Contacto / Contact Wanka Cine. Buenos Aires, Argentina T 54 11 4553 0998 T [email protected] W wanka.tv

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BAL WIP Brasil / Portugal - Brazil / Portugal

António um dois três António One Two Three Leonardo Mouramateus Uno: Cuando António, un joven portugués, huye de casa, pasa la noche en el departamento de su ex novia. Al día siguiente conoce a una nueva huésped, una joven brasileña llamada Débora. Dos: Un director teatral, Johnny, monta su primera obra en Portugal. En el gaffer, António, consigue ayuda para contar la historia de un joven que se escapó de su casa. Tres: Cuando Débora va al teatro a ver una adaptación de una obra rusa, ve a un joven actor, António, quien pareciera estar mirándola a los ojos.

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One: When António, a Portuguese young guy, runs away from home, he spends the night at his ex-girlfriend’s apartment. The next morning, he meets a new guest, a young Brazilian girl named Débora. Two: A theater director, Johnny, stages his first play in Portugal. He finds in the gaffer, António, the help to tell the story of a young boy who ran away from home. Three: When Débora goes to the theater to see an adaptation of a Russian tale, she sees a young actor, António, who seems to be looking at her in the eye.

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António um dois três | BAL WIP DIRECTOR / DIRECTOR

Leonardo Mouramateus Escribió y dirigió varios cortos que ganaron premios y fueron proyectados en festivales internacionales prestigiosos como Locarno, Cinéma du Réel e IndieLisboa, entre otros. António um dois três es su primer largometraje.

He wrote and directed a number of award-winning shorts screened at prestigious international festivals such as Locarno, Cinéma du Réel and IndieLisboa, among many others. António um dois três is his feature debut.

Productor / producer

Gustavo Beck Produjo las óperas primas Muito romântico (2016), Il Solegno (2015), A morte diária (2015) y Winter/Miracle (2012), al igual que varios cortos. También produjo y dirigió los documentales O arquipélago (2014), O inverno de Zeljka (2012), Chantal Akerman, de cá (2010), A casa de Sandro (2009) e Ismar (2007).

He produced the feature debuts Muito romântico (2016), Il Solegno (2015), A morte diária (2015) and Winter/Miracle (2012), as well a number of shorts. He also directed and produced the documentaries O arquipélago (2014), O inverno de Zeljka (2012), Chantal Akerman, de cá (2010), A casa de Sandro (2009) and Ismar (2007).

DECLARACIÓN DEL DIRECTOR / DIRECTOR’S STATEMENT Comienzo desde el cuerpo de un joven. Cuando pienso en él, creo que me recuerda a Charlot, porque ambos existen de una manera muy vivaz. Estos cuerpos no se avergüenzan de saltar y moverse. Inventan maneras de mantenerse vivos. Me gusta notar que los peligros en el camino están ahí porque este joven todavía no vive en el mundo adulto. Es una confrontación física y social con otros cuerpos y con la ciudad a su alrededor. El joven tiene poco más de veinte años y vive en Lisboa. Esta es una película que evoca el misterio de las vidas que chocan con otras. Capas entrecruzadas por las heridas profundas del amor. Tal vez el nombre de este joven debería ser António.

I start from the body of a young man. When I think about this young man, I guess he reminds me of Charlot, because both of them exist in such a lively way. These bodies show no shame in jumping and moving around. They invent ways of keeping themselves alive. I like to notice that the dangers ahead are there because this boy is not yet living in the adult world. It’s a physical and social confrontation with other bodies and the city around him. This boy is in his early twenties, and lives in Lisbon. It’s a film that evokes the mystery of lives colliding with each other. Layers crossed by the deep cuts of love. Maybe this boy’s name should be António.

Información Técnica / Technical Information Título / Title: António um dois três (António One Two Three) Género / Genre: Ficción / Fiction Formato de rodaje / Shooting format: Digital Formato de proyección / Screening format: DCP Duración estimada / Estimated length: 95’ Presupuesto estimado / Estimated budget: USD 40.000 Fondos recaudados / Money in place: USD 32.000

Contacto / Contact If You Hold a Stone. Rio de Janeiro, Brasil T 1 646 385 9872 E [email protected] W ifyouholdastone.com

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BAL WIP Argentina

El futuro perfecto (Título tentativo) The Perfect Future (Working title) Nele Wohlatz

Xiaobin, una joven inmigrante china en Buenos Aires, busca un camino para atravesar las contradicciones con las que se enfrenta en su nueva vida cotidiana. Sus padres quieren que se case con un chino de mejor situación económica y que, al igual que ellos, viva aislada de la nueva sociedad. Cuando Xiaobin llega a Argentina, no habla una palabra en español. No obstante, a los pocos días ya tiene un nuevo nombre, Beatriz, y un primer trabajo en un supermercado. A escondidas de sus padres, empieza una vida paralela que incluye una escuela de español y un romance con Vijay, un ingeniero informático de la India. Con las clases de idioma, la película despliega una lúdica estructura dramática. Acompañamos el proceso de adaptación de Xiaobin a su nuevo país. Para experimentarlo, la película combina elementos documentales con una reconstrucción ficcionalizada del pasado de Xiaobin desde su llegada a Buenos Aires. Xiaobin también usa la película como sala de ensayo para probar otros futuros. Escribe diferentes finales para la película, inventando diferentes soluciones para el conflicto con sus padres, pero cada uno termina de manera trágica. El guion de la película interviene sobre su vida en ese momento crucial en el que reinventa su nuevo yo.

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Xiaobin, a young Chinese immigrant in Buenos Aires, looks for a path to cross the contradictions she faces in her new everyday life. Her parents want her to marry a well-off Chinese man and live isolated from society, like them. When Xiaobin arrives in Argentina, she doesn’t speak a word of Spanish. However, a few days later she already has a new name, Beatriz, and her first job at a supermarket. Behind her parents’ back, she starts a new parallel life that includes a Spanish school and a romance with Vijay, an I.T. engineer from India. With the Spanish lessons, the film deploys a playful narrative structure. We accompany Xiaobin in the process of adaptation to her new country. In order to experience it, the film combines documentary elements and a fictionalized reenactment of Xiaobin since her arrival in Buenos Aires. Xiaobin also uses the film as a rehearsal room to test other possible futures. She writes different endings for the film, inventing different outcomes for her conflict with her parents, but all of them end up tragically. She intervenes the script of the film about her life during that crucial moment when she reinvents her new self.

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EL FUTURO PERFECTO | BAL WIP DIRECTORA / DIRECTOR

Nele Wohlatz Nació en Alemania y vive en Argentina. Estudió escenografía en Karlsruhe. Participó en el Laboratorio de Cine de la UTDT en Buenos Aires y fue becada del CIA. En 2013 realizó su primer largo Ricardo Bär (codirigido con Gerardo Naumann), que obtuvo premios en FID Marseille, Duisburger Filmwoche y Antofadocs.

She was born in Germany and lives in Argentina. She studied production design in Karlsruhe. She took part in UTDT’s Film Lab in Buenos Aires and received a scholarship from the CIA. In 2013, she made her first feature Ricardo Bär (co-directed with Gerardo Naumann), which won awards at FID Marseille, Duisburger Filmwoche and Antofadocs.

ProductorA / producer

Cecilia Salim Estudió producción cinematográfica en la ENERC. En 2012 participó del Laboratorio de Cine del UTDT. En 2015 y 2016 fue seleccionada para el Berlinale Talents. Fue directora de producción de Los dueños. Junto a Georgina Baisch fundó Murillo Cine, cuya película fundacional fue Hijos nuestros.

She studied film production at the ENERC. In 2012, she took part in UTDT’s Film Lab. In 2015 and 2016, she was selected for the Berlinale Talents. She was production director in Los Dueños. Along with Georgina Baisch, she founded Murillo Cine, whose founding film was Hijos nuestros.

DECLARACIÓN DE LA DIRECTORA / DIRECTOR’S STATEMENT Para manejarnos con un idioma extranjero tenemos que actuar. Los libros de idioma nos enseñan frases que no sirven para lo que deseamos decir. Son el texto de un rol que aún no conocemos, que es incómodo. Lo que le pasa a Xiaobin me pasó a mí luego de que me mudé a la Argentina. También tuve que traducir mi viejo yo en uno nuevo que aún no conocía. Pensaba que nunca iba a ser parte de esta sociedad, igual que Xiaobin, que una vez me dijo: “Cuando espero en la parada del colectivo quiero parecerme a los demás. Cuando tenga dinero, voy a operarme los ojos y los cachetes”. En nuestro proceso de trabajo, su condición de extranjera define su forma de actuar y se apropia de su nuevo rol.

In order to manage in a foreign language, we have to act. Foreign language textbooks teach us phrases that aren’t good for what we want to say. They are the text of a role we do not know yet; that is awkward to us.What happens to Xiaobin happened to me after I moved to Argentina. I also had to translate my old self into a new one I didn’t know yet. I thought I was never going to become part of this society, like Xiaobin, who once told me, “When I wait at the bus stop, I want to look like the others. Once I have the money, I’m going to have eye and cheek surgery.” During our working process, her foreign condition defines her way of acting and she takes over her new role.

Información Técnica / Technical Information Título / Title: El futuro perfecto (Título tentativo) The Perfect Future (Working title) Género / Genre: Documental híbrido / Hybrid documentary Formato de rodaje / Shooting format: ProRes 422 HQ Formato de proyección / Screening format: DCP Duración estimada / Estimated length: 70’ Presupuesto estimado / Estimated budget: USD 75.123 Fondos recaudados / Money in place: USD 47.741

Contacto / Contact Murillo Cine. Buenos Aires, Argentina T 54 9 11 5468 4076 E [email protected] W murillocine.com

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BAL WIP Brasil / Brazil

Elon não acredita na morte Elon Doesn’t Believe in Death Elon no cree en la muerte Ricardo Alves Jr. Madalena, la mujer de Elon, no volvió nunca a casa después del trabajo. Elon la espera y se preocupa. Comienza a desandar las rutas diarias de Madalena. La busca en su trabajo, en lo de sus padres y en lo de sus amigos. Se desespera cada vez más. Nadie tiene idea de su paradero. A la mañana siguiente, Elon va a la comisaría, hace la denuncia y visita hospitales y morgues, esperando lo peor. Este es un momento bisagra en la vida de Elon. Camina solo por las calles de Belo Horizonte en busca de cualquier tipo de noticia acerca de la repentina y misteriosa desaparición de su mujer. Todo el espacio, todos los objetos y todos los cuerpos le recuerdan a Madalena. Su invisibilidad se hace presente en lo visible. La mirada de Elon pareciera perderse en figuras oscuras, en sombras, en caras entre la multitud. Todo su entorno cobra otra forma, y tanto Elon como los demás comienzan a hacer nuevas preguntas y tener nuevas dudas. A Elon lo despiden del trabajo y actúa de forma violenta y desesperada. Está perdiendo el juicio. El mundo alrededor de él parece un lugar extraño. La realidad lo engaña, y él está negado. Insiste en continuar con su búsqueda. Siente dolor, pero ¿puede engañar a la realidad?

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Elon’s wife, Madalena, hasn’t come back home from work. Elon waits and gets worried. He starts retracing Madalena’s daily routes. He searches for her at her workplace, her family’s and friend’s houses. He gets more and more desperate. No one has any clue about her whereabouts. The morning after, Elon goes to the police station, files a report and visits hospitals and morgues looking for her, expecting the worst. This is a pivotal moment in Elon’s life. Alone, he wanders around Belo Horizonte looking for any kind of news about the sudden and mysterious disappearance of his wife. Every inch of space, all objects and bodies remind him of Madalena. Her invisibility lies in the visible. Elon’s gaze seems lost in dark figures, in shadows, in faces in the crowd. Everything around him takes on a new form, and both Elon and the others start asking new questions and having new doubts. Elon is fired from work and acts violently in despair. He’s losing it. The world around him now seems like a strange place. Reality deceives Elon, and he stays in denial. He insists and continues his search. He feels pain, but can he deceive reality?

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Elon não acredita na morte | BAL WIP DIRECTOR / DIRECTOR

Ricardo Alves Jr. Estudió en la Universidad del Cine y dirigió premiados cortos como Tremor (Locarno, Bafici), Permanências (Semana de la Crítica, Cannes 2011) y Convite para jantar com o camarada Stalin (Rotterdam, IndieLisboa). Elon não acredita na morte es su primer largometraje (Hubert Bals Fund 2012).

He studied at the Universidad del Cine and directed awardwinning shorts like Tremor (Locarno, Bafici), Permanências (Critics’ Week, Cannes 2011) and Convite para jantar com o camarada Stalin (Rotterdam, IndieLisboa). Elon Doesn’t Believe in Death is his first feature (Hubert Bals Fund 2012).

Productores / producers

Thiago Macêdo Correia Produjo los films Ela volta na Quinta (FID, Bafici ‘15), Pouco mais de um mês y Quintal (Quincena de los Realizadores). Es socio de EntreFilmes junto a Ricardo Alves Jr.

He produced the films Ela volta na Quinta (FID, Bafici ‘15), About a Month and Quintal (Director’s Fortnight). He is an associate of EntreFilmes along with Ricardo Alves Jr.

Michael Wahrmann Es director y productor, socio de Sancho Filmes. Entre sus películas están Avanti Popolo (Mejor Película en Cinemaxxi Rome IFF; Bafici ‘13), Avós (Berlinale) y Oma (Mejor Corto Las Palmas IFF).

He is a director and producer, as well as an associate at Sancho Filmes. His films include Avanti Poplo (Best Film at Cinemaxxi Rome IFF; Bafici ‘13), Avós (Berlinale) and Oma (Best Short at Las Palmas IFF).

DECLARACIÓN DEL DIRECTOR / DIRECTOR’S STATEMENT Desaparecer es volverse invisible. Es dejar de ser material, pero no necesariamente implica ser ausencia. Alguien que desaparece sin explicación sigue estando, de algún modo, presente: se vuelve un despliegue de posibilidades, como un espectro de sí mismo. Elon no cree en la muerte nació de un encuentro que tuve con Elon, un hombre con una relación particular con la muerte. Luego del fallecimiento de su mujer quedé muy intrigado por su imagen y percepción de la vida. Una vez me dijo que no creía en la muerte, y comencé a intentar entender su mundo. Era un hombre que había decidido construirse un personaje, vivir una ficción realista –¿o era una realidad ficcional?– y enfrentar al mundo con sus peculiares puntos de vista en cuanto a los conceptos de la existencia, la finitud y la muerte.

To disappear is to become invisible. It is no longer to be material, but not necessarily become absence. Someone that disappears without any explanation remains present in a way: turns into a deployment of possibilities, like a ghost of itself. Elon Doesn’t Believe in Death was born from an encounter that I had with Elon, a man with a peculiar relationship with death. After the death of Elon’s wife I became very intrigued by his image and perception of life. He once said to me that he didn’t believe in death, and I started trying to understand his world. He was a man that had decided to build himself a character, to live a realistic fiction –or could it be a fictional reality?– and face the world with his own peculiar points of view regarding the concepts of existence, finiteness and death.

Información Técnica / Technical Information Título / Title: Elon não acredita na morte / Elon Doesn’t Believe in Death Género / Genre: Ficción / Fiction Formato de rodaje / Shooting format: 2K Formato de proyección / Screening format: 2K Duración estimada / Estimated length: 80’ Presupuesto estimado / Estimated budget: USD 300.000 Fondos recaudados / Money in place: USD 202.000

Contacto / Contact Entre Filmes. Belo Horizonte, Brasil Sancho Filmes. San Pablo, Brasil T 55 31 9 9377 5490 / 55 11 9 8277 9976 E [email protected] / [email protected] W entrefilmes.com.br / sanchofilmes.com

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BAL WIP Argentina

Fin de semana Moroco Colman

Carla llega para acompañar a Martina, luego de años de ausencia. La relación entre ellas es distante, hay algo de lo que no se habla; tal vez una culpa o un rencor se interpone. Martina tiene encuentros furtivos con Diego, hombre que la dobla en edad. Ambos se someten a un juego sexual fuerte y descontrolado. En los márgenes del lago, vecinos voluntarios realizan la recolección de la basura costera; allí Carla atestigua una rara situación entre Martina y Diego. Luego, a hurtadillas, sigue a Diego y lo enfrenta. Cuando Martina se entera, se enfurece, discute con Carla y se va de la casa. Entonces, Carla se escapa hacia una noche de excesos y desborde sexual. Cuando vuelve a la casa, Martina la encuentra en un estado desastroso y la ayuda a meterse en la cama. Al otro día, algo ha cambiado entre ellas.

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Carla arrives to accompany Martina after years of absence. The relationship between them is distant, there’s something they don’t talk about; maybe guilt or a grudge stands in their way. Martina has furtive encounters with Diego, a man twice her age. Both of them submit to a strong, out-of-control sexual game. In the margins of the lake, volunteer neighbors collect trash from the shore; there, Carla witnesses a strange situation between and Diego. Later, she stealthily follows Diego and confronts him. When Martina finds out, she gets furious, she has an argument with Carla, and leaves home. Carla escapes to a night of sex and excess. When she returns home, Martina finds her in terrible shape and helps her get into bed. The day after, something has changed between them.

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Fin de semana | BAL WIP DIRECTOR / DIRECTOR

Moroco Colman Nació en Córdoba en 1969. Es arquitecto y realizador audiovisual. Ha realizado el cortometraje Fin de semana, seleccionado por el Festival de San Sebastián en 2010. El largometraje del mismo nombre (Fin de semana ) es su ópera prima.

He was born in Córdoba in 1969. He is an architect and filmmaker. He made the short Fin de semana, selected for 2010’s San Sebastián Film Festival. The feature film of the same name is his debut film.

ProductorA / producer

Sofía Castells Nació en Santa Fe en 1975. A los 15 años se trasladó a Córdoba, lugar en el que vive actualmente. Produjo Fin de semana, corto de Moroco Colman (San Sebastián 2010); La quietud, corto de Inés Barrionuevo (Locarno 2013) y Miramar, largometraje de Fernando Sarquís (Bafici 2015).

She was born in Santa Fe in 1975. At 15, she moved to Córdoba, where she currently lives. She produced Fin de semana, short by Moroco Colman (San Sebastián 2013), La quietud, short by Inés Barrionuevo (Locarno 2013); and Miramar, feature by Fernando Sarquís (Bafici 2015).

DECLARACIÓN DEL DIRECTOR / DIRECTOR’S STATEMENT Tengo interés en explorar la restitución de los vínculos rotos y cómo en ese intento emerge la incapacidad de las personas de conectarse entre sí, la imposibilidad de tender puentes para buscar una reconciliación. ¿Cómo se relacionan los personajes con el pasado que está ahora presente como un fantasma? ¿Qué es lo que compone a ese fantasma? También me interesa lo formal como herramienta narrativa, como exploración y búsqueda. Intento que trama, conflicto y forma dialoguen como una unidad sólida, y que esta vaya transformándose a modo de instalación en movimiento, según el estado de ánimo interno de los personajes y su vínculo.

I’m interested in exploring the restitution of broken bonds and how, in that attempt, the incapacity for people to connect with each other emerges, as well as the impossibility of building bridges in order to look for a reconciliation. How do the characters relate to the past that is now present as a ghost? What is that ghost made of? I’m also interested in form as a narrative tool, as an exploration and an approach. I try to make the plot, conflict and form converse a solid unit, and for it to transform like an installation in motion, according to the characters’ inner state of mind and their bond.

Información Técnica / Technical Information Título / Title: Fin de semana Género / Genre: Ficción / Fiction Formato de rodaje / Shooting format: 4K Formato de proyección / Screening format: DCP Duración estimada / Estimated length: 70’ Presupuesto estimado / Estimated budget: USD 310.000 Fondos recaudados / Money in place: USD 229.500

Contacto / Contact Más Allá Productora. Ciudad de Córdoba, Argentina T 54 9 351 389 9068 E [email protected]

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BAL WIP Argentina / Austria / Corea - Argentina / Austria / Korea

Los decentes Lukas Valenta Rinner

Belén, una joven de 30 años, encuentra trabajo como empleada doméstica cama adentro en un exclusivo barrio privado en la provincia de Buenos Aires. Allí descubre lo que es la vida en esta comunidad: las revisiones diarias al salir y entrar, las amplias calles vacías que advierten una velocidad máxima de 30 km/h y la pulcra calma de este espacio cercado. Los fines de semana tiene citas con Garita, uno de los guardias de seguridad del lugar. Juntos recorren espacios del conurbano: un viejo parque de diversiones, un telo temático, etc. Belén descubre que, tras el cerco que protege el barrio privado, se alza un mundo extraño; oye la música que proviene de este lugar desconocido y decide ir a ver de qué se trata. Descubre un espacio de vegetación tupida y con aisladas construcciones sin aparente utilidad. Se trata de un club nudista, donde la gente pasea distendida, otros tienen sexo, hacen asado o simplemente leen. Poco a poco, Belén se va insertando en este mundo nuevo y pasa cada vez más tiempo allí. La tensión entre el country y el club nudista crece exponencialmente, mientras Belén transita entre estos mundos contradictorios, destinados a un trágico final.

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Belén, a 30-year-old woman, lands a job as a live-in maid in an exclusive private neighborhood in the province of Buenos Aires. There, she discovers what life is like in this community: the inspections when entering and exiting the place, the wide empty streets where the maximum speed is 30 km/h and the neat calm of this enclosed space. Every weekend she goes on dates with Garita, one of the security guards. Together, they walk around suburban spaces: an old amusement park, a themed motel, et cetera. Belén discovers that beyond the fence that protects the private neighborhood is a strange world; she hears the music coming from this unknown place and decides to go and see what it’s about. She discovers a space of thick vegetation and isolated structures that do not appear to be useful. It is a nudist club where some people walk around relaxed, others have sex, make barbecue or simply read. Little by little, Belén starts becoming part of this new world, and spends more and more time there. The tension between the neighborhood and the nudist club grow exponentially, while Belén moves between these two contradicting worlds heading for a tragic outcome.

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Los decentes | BAL WIP DIRECTOR / DIRECTOR

Lukas Valenta Rinner Estudió dirección cinematográfica en la Universidad del Cine. Parabellum, su primer largometraje, se estrenó en competencia del IFF Rotterdam y, tras ganar premios en Jeonju IFF, Diagonale y Mar del Plata, se presentó en más de 40 festivales internacionales.

He studied filmmaking at the Universidad del Cine. Parabellum, his first feature, premiered as part of the competition at IFF Rotterdam, and after having won awards at the Jeonju IFF, Diagonale and Mar del Plata, it was screened at more than 40 international festivals.

Productora / producer

Ana Godoy Estudió dirección cinematográfica en la Universidad del Cine. Se formó también como montajista y guionista. En 2014 produjo, escribió y editó la película Parabellum; y, junto a la productora Nabis Filmgroup, coprodujo y editó el largometraje Juana a los 12, de Martín Shanly.

She studied filmmaking at the Universidad del Cine. She also trained as an editor and screenwriter. In 2014, she produced, wrote and edited the film Parabellum; and, with production company Nabis Filmgroup, co-produced and edited the feature Martín Shanly’s About 12.

DECLARACIÓN DEL DIRECTOR / DIRECTOR’S STATEMENT Hace un poco más de un año encontré un lugar particular que se estableció como el núcleo de esta película: Palos Verdes, un club nudista swinger en el noroeste del conurbano bonaerense. Se trata de un enorme parque con vegetación salvaje, repleto de templos y estatuas, inmensas piletas romanas y salas de orgía. Los fines de semana se juntan allí más de 500 personas; nadan, hacen asados, leen o buscan encuentros sexuales. El lenguaje contemporáneo televisivo ha dado un giro hacia programas en los cuales los participantes constantemente traspasan sus límites morales y físicos. Es un fenómeno que siempre llamó mi atención. La película busca generar una discusión sobre cómo las relaciones humanas y los cuerpos están representados, mediados por su contexto social, económico y cultural en la sociedad contemporánea.

Some time ago I found a peculiar place that became the core of this film. Palos Verdes: a nudist swinger club at the northeast of the suburbs of Buenos Aires. It’s an enormous park with wild vegetation filled with temples and statues, immense Roman pools and orgy rooms. More than 500 people gather there every weekend, and they swim, prepare barbecues, read or look for sexual encounters. The contemporary television language has shifted towards shows where the participants constantly go beyond their moral and physical limits. It’s a phenomenon that always caught my attention. The film seeks to generate discussions on how human relationships and bodies are represented, mediated by their social, economic and cultural context in contemporary society

Información Técnica / Technical Information Título / Title: Los decentes / The Decent Género / Genre: Ficción / Fiction Formato de rodaje / Shooting format: 4K Formato de proyección / Screening format: DCP 2K Duración estimada / Estimated length: 95’ Presupuesto estimado/ Estimated budget: USD 190.000 Fondos recaudados / Money in place: USD 150.000

Contacto / Contact Nabis Filmgroup. Buenos Aires, Argentina T 54 9 11 4945 7307 E [email protected] [email protected] W nabisfilm.com

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BAL WIP Argentina / Brasil / Chile / Palestina - Argentina / Brazil / Chile / Palestina

Los territorios The Territories Iván Granovsky El mundo ha cambiado. El terrorismo y la política de refugiados ya no son los mismos. Tampoco la economía. Nada parece tener sentido. Y nada parece útil: ni ser un periodista, ni ser un viajero. A partir del ataque a Charlie Hebdo, un joven argentino decide usar sus ahorros para viajar a Europa y jugar a ser periodista. Al mismo tiempo, un amigo cercano abandona su trabajo como corresponsal de guerra y asume como editor de la sección de Internacionales de una revista. Un mundo nuevo para el viajero: paisajes siniestros y mágicos, romances efímeros, partidos de la Champions League, monumentos, hoteles, aviones, barcos y trenes. Un mundo nuevo para el editor: la casa, la redacción, la piscina inflable, el sábado con amigos, la desgrabación de sus entrevistas y navegar con Google Maps Street View. A través de entrevistas a Varoufakis, Camila Vallejo, Lula, la organización Breaking the Silence, ex etarras, políticos palestinos, o a Pocho Lavezzi, los nuevos mundos que transitan estos personajes los ayudarán a comprender lo incomprensible: el caos político, económico y social del último tiempo.

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The world has changed. Terrorism and refugee politics are no longer the same. Neither is the economy. Nothing seems to make sense. And nothing seems useful: neither being a journalist nor a traveler. After the attack on Charlie Hebdo, a young Argentine man decides to use his savings to travel to Europe and play journalist. At the same time, a close friend leaves his job as a war correspondent and becomes the editor of the International section of a magazine. A new world for the traveler: sinister and magical landscapes, fleeting romances, Champions League matches, monuments, hotels, planes ships and trains. A new world for the editor: the house, the editorial office, the inflatable pool, Saturday with friends, transcribing interviews and surfing the Google Maps Street View. Through interviews with Varoufakis, Camila Vallejo, Lula, the Breaking the Silence organization, former ETA members, or Pocho Lavezzi, the new worlds these characters move around in helps them to comprehend the incomprehensible: the political, economic and social chaos of the last few years.

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LOS TERRITORIOS | BAL WIP DIRECTOR / DIRECTOR

Iván Granovsky Productor y distribuidor de cine. Produjo Accidentes gloriosos, de Mauro Andrizzi & Lindeen, Todos mienten y Rosalinda, de Matías Piñeiro, entre otras. Luego de haber trabajado en el cine brasileño volvió a Buenos Aires, donde comenzó a estrenar art house del país vecino. Los Territorios es su primer largometraje.

A film producer and distributor. He produced Glorious Accidents, directed by Mauro Andrizzi & Lindeen, They All Lie and Rosalinda, directed by Matías Piñeiro, among others. After having work in the Brazilian film industry, he returned to Buenos Aires, where he started releasing art house films from the neighboring country. Los territorios is his feature debut.

Productores / producers

Ezequiel Pierri Fue jefe de producción de El estudiante (Santiago Mitre). Los territorios es su primera producción general.

He was line producer in The Student (Santiago Mitre). The Territories is his first film as general producer.

Jerónimo Quevedo Fue productor del corto El ruido de las estrellas me aturde (Teddy Williams) y director de La mujer perseguida. Actualmente produce la ópera prima de Teddy Williams.

He produced The Sound of the Stars Dazes Me (Teddy Williams) and directed La mujer perseguida. He is currently producing Teddy Williams’ first feature.

DECLARACIÓN DEL DIRECTOR / DIRECTOR’S STATEMENT La estructura de Los territorios es la de un diario, o al menos la de leer un diario. Cuando uno lo hace, pasa páginas y títulos en pocos segundos, para atrás o para adelante, yendo y viniendo, hasta que en algún momento se detiene y lee una nota entera, o algunas. Pero uno no lee el diario entero. En el diario que me gustaría leer, puedo encontrar notas sobre fútbol, música, política nacional o turismo, y siempre me detengo puntualmente en las de política internacional, como ocurre en el film. Primero, el independentismo en el País Vasco. Luego, más en profundidad, el conflicto de Medio Oriente.

The structure of The Territories is that of a newspaper, or at least that of reading a newspaper. When you do so, you go through pages and titles in just a few seconds, backwards or forwards, until suddenly you stop and read a full article, or many. But one doesn’t read the entire newspaper. In the newspaper I would like to read, I can gather information on soccer, music, local politics or tourism, and I always read articles on international politics closely, like in the film. First, independentism in the Basque Country. Then, and more in depth, the conflict in the Middle East.

Información Técnica / Technical Information Título / Title: Los territorios / The Territories Género / Genre: Ficción - Documental / Fiction - Documentary Formato de rodaje / Shooting format: 2K Formato de proyección / Screening format: DCP 2K Duración estimada / Estimated length: 100’ Presupuesto estimado / Estimated budget: USD 50.000 Fondos recaudados / Money in place: USD 38.000

Contacto / Contact IG + Un Puma + EP T 54 911 6676 1619 E [email protected] / [email protected]

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BAL WIP Argentina

Soldado Soldier

Manuel Abramovich Soldado es un relato iniciático en el que asistimos a la transformación de un joven soldado. Después de cumplir 19 años, Juan se rapa la cabeza y deja su pueblo en Corrientes para viajar a Buenos Aires e incorporarse al Ejército, como tantos otros jóvenes de la región que ven en ese camino la posibilidad de tener un trabajo, estabilidad económica y ayudar a sus familias. Una psicóloga le pregunta por qué quiere entrar al Ejército: “porque quiero experimentar algo nuevo”, afirma. A pesar de no tener ninguna formación musical, le asignan un puesto de soldado músico tamborista en la orquesta militar Tambor de Tacuarí, una de las más antiguas e importantes del país, con base en el Regimiento de Patricios. A partir de ese día, su vida cambia: Juan pasa a ser el “Soldado González”. En el Ejército deja de ser un adolescente y comienza a comportarse como un hombre, un soldado. Su nueva rutina combina entrenamiento militar con ensayos musicales. Al comienzo transita su nueva vida lleno de incertidumbres y contradicciones. El cansancio físico y la rigidez militar le juegan en contra, y no termina de acostumbrarse al ruido de la ciudad y la cantidad de gente, hasta que adquiere más destreza con la música y, a través de ella, encuentra un espacio de disfrute y libertad dentro de un mundo de reglas estrictas. 454

Soldier is an initiation story in which we attend the transformation of a young man into a soldier. After turning 19, Juan shaves his head and leaves his hometown in Corrientes in order to travel to Buenos Aires and join the Army, like many other young men from the region who see in that path the chance of getting a job, having economic stability and helping their families. A psychologist asks him why he wants to join the Army: “because I want to experience something new,” he answers. In spite of having no musical training, he is assigned a position as a drummer soldier musician in the Tambor de Tacuarí military orchestra, one of the oldest and most important in the country, based in the Patricios Regiment. From that day on, his life changes: Juan turns into “Soldado González.” In the army, he starts being a teenager and starts behaving like a man, a soldier. His new routine combines military training and music rehearsals. At the beginning, he goes through his new life filled with uncertainties and contradictions. His physical exhaustion and the military stiffness play against him, and can’t seem to get used to the city’s noise and overpopulation, until he gains more skill in music and, through it, finds a space of freedom and enjoyment inside a world of strict rules.

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soldado | BAL WIP DIRECTOR / DIRECTOR

Manuel Abramovich Nació en Buenos Aires en 1987 y estudió dirección de fotografía en la ENERC. Dirigió varios cortometrajes. Su cortometraje La reina recibió más de 50 premios en todo el mundo. Solar, su primer largometraje, se estrena en la Competencia Argentina en esta edición del Festival.

He was born in Buenos Aires in 1987 and studied cinematography at the ENERC. He directed many shorts. His short film The Queen won more than 50 awards around the world. Solar, his first feature, will have its premiere as part of the Argentine Competition at this edition of the Festival.

ProductorAs / producers

Gema Juárez Allen Nació en Buenos Aires, Argentina. Entre sus producciones se encuentran ¡Vivan las antípodas! (2011), de Víctor Kossakovsky; El ojo del tiburón (2012), de Alejo Hoijman; Camino a La Paz (2015), de Francisco Varone y Oscuro Animal (2016), de Felipe Guerrero.

She was born in Buenos Aires, Argentina. Her productions include Victor Kossakovsky’s ¡Vivan las antípodas! (2011), Alejo Hoijman’s The Shark’s Eye (2012), Francisco Varone’s Road to La Paz (2015) and Felipe Guerrero’s Oscuro Animal (2016).

Alejandra Grinschpun Formó parte de diversas productoras y en 2013 se sumó a Gema Films, desde donde desarrolla y produce proyectos documentales como 327 cuadernos, de Andrés Di Tella (San Sebastián). Produjo y dirigió Años de calle (Bafici ‘13).

She worked at many production companies and, in 2013, joined Gema Films, from where she develops and produces documentary projects like Andrés Di Tella’s 327 cuadernos (San Sebastián). She produced and directed Años de calle (Bafici ‘13).

DECLARACIÓN DEL DIRECTOR / DIRECTOR’S STATEMENT Siempre sentí curiosidad por el mundo militar, por ese personaje que el soldado parece construir para la mirada ajena. ¿En qué momento ese personaje baja la guardia y aparece la persona detrás del uniforme? Me gusta la idea de descubrir y reinventar la subjetividad y la historia de Juan, que, como tantos otros jóvenes, vive bajo la construcción de un rol para los otros, mostrando una aparente fuerza, autoridad y poder, una identidad “uniformada” por el grupo al que decide pertenecer. Vivir esa especie de anonimato como una simple categoría, un rol, una insignia: soldado.

I always felt curious about the military world, for that character the soldier seems to build for the gaze of others. At what moment does that character lower his guard and the person behind the uniform appears?. I like the idea of describing and reinventing the subjectivity and the story of Juan, who, like many other young men, live under the building of a role for others, showing some apparent strength, authority and power, an identity “uniformed” for the group to which he decides to belong. Living that kind of anonymity as a simple category, a role, an emblem: soldier.

Información Técnica / Technical Information Título / Title: Soldado / Soldier Género / Genre: Documental / Documentary Formato de rodaje / Shooting format: 4K Formato de proyección / Screening format: DCP Duración estimada / Estimated length: 80’ Presupuesto estimado / Estimated budget: USD 123.265 Fondos recaudados / Money in place: USD 85.714

Contacto / Contact Gema Films. Buenos Aires, Argentina T 54 11 4966 0110 E [email protected] W gemafilms.com

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BAL WIP Bolivia

Viejo Calavera Dark Skull Kiro Russo Luego de la muerte de su padre, Elder Mamani debe reemplazarlo en su lugar de trabajo en la mina. Hasta ese momento vivía sin rumbo, dedicado al alcohol y a su propia locura. Francisco, su padrino, es quien lo avala para trabajar en la mina junto a él. Sin embargo, el comportamiento de Elder causa asperezas en el grupo de mineros y graves problemas a su padrino. Después de diversas pruebas, Elder Mamani es admitido a viajar junto a los mineros a la localidad de Coroico para tomar unas vacaciones. Es en este lugar donde se resuelve de manera inesperada la profunda escisión que existe entre Elder y su padrino Francisco.

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After the death of his father, Elder Mamani must replace him in his workplace at the mine. Until then, his life was aimless, devoted to alcohol and his own madness. The one endorsing his work at the mine with him is Francisco, his godfather. However, Elder’s behavior causes tension among the group of miners and puts his godfather in deep trouble. After diverse tests, Elder Mamani is allowed to travel with other miners to the locality Coroico for a vacation. There, the deep rift that exists between elder and his godfather Francisco is solved in an unexpected way.

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VIEJO CAlavera | BAL WIP DIRECTOR / DIRECTOR

Kiro Russo Nació en Bolivia en 1984. Estudió en la Universidad del Cine en Buenos Aires. Como director y guionista realizó los cortometrajes Enterprisse (2010), Juku (2012) y Nueva vida (2015, Mención en el Festival de Locarno 2015, Primer Premio en el Festival de San Sebastián). Viejo Calavera es su primer largometraje.

He was born in Bolivia in 1984. He studied at the Universidad del Cine in Buenos Aires. As a director and screenwriter, he made the shorts Enterprisse (2010), Juku (2012) and Nueva Vida (2015, Mention at the 2015 Locarno Film Festival, First Prize at the San Sebastián Film Festival). Dark Skull is his first feature.

Productor / producer

Pablo Paniagua Nació en Bolivia en 1985. Es productor, director de fotografía y editor. Estudió en la Universidad del Cine en Buenos Aires. Produjo nueve cortometrajes de Socavón Cine. Ha dirigido y producido dos cortometrajes: Uno (2010) y Despedida (Mención del Jurado en Bafici ‘15).

He was born in Bolivia in 1985. He is a producer, director of photography and editor. He studied at the Universidad del Cine in Buenos Aires. He produced nine shorts from Socavón Cine. He has directed and produced two shorts: Uno (2010) and Despedida (Jury Mention at Bafici ‘15).

DECLARACIÓN DEL DIRECTOR / DIRECTOR’S STATEMENT Empezamos a pensar en Viejo Calavera en 2011. Habíamos filmado Juku, un cortometraje que se desarrolla en las minas de Huanuni. Fue una exploración de las formas narrativas con medios sensoriales, un cine en la oscuridad, con fuerte diseño sonoro. Ahora, la necesidad era filmar una historia que retratara y se preocupara por las personas y amigos que habíamos conocido en la comunidad minera de Huanuni; crear una obra que los representase no solo temáticamente, sino a través de imágenes esenciales de su vida. Esperamos que el estreno de la película sea este año, en el interior de la mina del cerro Posokoni.

We started thinking about Dark Skull in 2011. He had shot Juku, a short set in the Huanuni mines. It was an exploration on the narrative forms with sensorial mediums, a film in the dark, with some strong sound design. Now, we felt the need to shoot a story that would portray and be concerned about the people and friends we had met in the Huanuni mining community; creating a work that would represent them not only in theme, but also through the essential images of their life. We hope to release the film this year, inside the mine at the Posokoni hill.

Información Técnica / Technical Information Título / Title: Viejo Calavera / Dark Skull Género / Genre: Ficción / Fiction Formato de rodaje / Shooting format: 4K UHD Proress Formato de proyección / Screening format: DCP Duración estimada / Estimated length: 85’ Presupuesto estimado / Estimated budget: USD 150.000 Fondos recaudados / Money in place: USD 100.000

Contacto / Contact Socavón Cine. La Paz, Bolivia T 59 160 628 428 / 59 1 67 171 720 E [email protected] W socavoncine.com

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TALENTS BUENOS AIRES

Para mí, Mona [el personaje principal de Sin techo ni ley] no significa la libertad. Significa la rebelión. Para mí es la persona que dice que no. No se sabe muy bien hacia dónde va. Para mí la libertad tiene algo de activo. Mona dice: “Quiero que me dejen en paz”. No busca nada, ni siquiera la idea de libertad. Solo quiere hacer lo que le apetezca en el momento y decir que no a todo lo demás. Agnès Varda, El País, España. Abril de 1986. El deseo de (todo) comprenderlo y de (solamente) mostrarlo se disputa en Sin techo ni ley. Serge Daney, Libération, Francia. 1985.

Luego de diez años, el Talents Buenos Aires enfrenta los desafíos de comenzar una nueva década. Desde sus comienzos, su principal aspiración fue construir una red laboral y profesional a nivel regional e internacional, conectando así a profesionales de todo el mundo, y colaborando en el desarrollo teórico y práctico en el universo cinematográfico. Transcurrieron diez años, una generación de participantes del Talents BA se ha consagrado, y estos jóvenes que han sido parte de esta iniciativa hoy se encuentran en pleno desarrollo profesional; muchos de ellos han presentado películas en el Bafici y en diversos festivales del mundo. Con el objetivo de continuar formando generaciones de cineastas en la región, el Talents BA se propone, en su onceava edición, profundizar acerca de las preguntas que se planteó desde su inicio: ¿qué es el cine para la generación joven? ¿Cómo hacer un cine personal evitando caer en películas estandarizadas y esteticistas que parecieran caracterizar el cine latinoamericano? Y, sobre todo, una pregunta que conviene revitalizar y actualizar: ¿qué es el cine independiente? O, en tal caso, ¿independiente de qué o de quiénes?

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Por esta razón, y continuando con la tradición de elegir como tema disparador el título de una película, esta edición del Talents BA se llamará Sin techo ni ley, y así reflexionar acerca del cine que se produce en los márgenes no solo en un sentido estético, sino también en relación con su producción y su distribución. En pocas palabras, Sin techo ni ley pretende hacer pensar a los cineastas en el futuro, en un contexto en el que lo que conocemos como cine independiente parece convertirse en el mainstream de los festivales. Es decir, fomentar reflexiones acerca de los cambios del cine contemporáneo. El Talents BA se realiza en cooperación con el Festival de Berlín (Berlinale Talents), el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Bafici) y el Buenos Aires Lab (BAL). Con el apoyo de Mecenazgo BA, la Fundación Itaú y el GoetheInstitut Buenos Aires.

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For me, Mona [the main character in Vagabond] doesn’t stand for freedom. She stands for rebellion. To me, she’s the person who says no. She doesn’t really know where she’s going. To me, freedom has an element of action. Mona says: “I just want to be left alone.” She’s not seeking anything, not even an idea of freedom. She just wants to do whatever she wants, and say no to anything else. Agnès Varda, El País, Spain. April, 1986. The desire to understand (all) and (just) showing it is disputed in Vagabond. Serge Daney, Libération, France, 1985.

After ten years of existence, the Talents Buenos Aires faces the challenges of starting a new decade. Ever since it was created, its main goal was to build a regional and international professional network, thus connecting professionals all over the world, and collaborating in the theoretical and practical development in the film universe. Ten years have passed, a generation of Talents BA participants have become established filmmakers, and the young people who have been part of this initiative today are in full professional development. Many of them have presented films in Bafici and different festivals around the world. With a mission to keep training generations of filmmakers in the region, the Talents BA’s 11th edition aims to deepen the questions that were proposed in its origins: what does cinema mean to younger generations? How do you make a personal cinema avoiding standardized and aesthetically driven films that seem to be typical of Latin American cinema? And, above all, a question we should revitalize and update: what is independent cinema? Or, rather: independent from what, or whom?

For this reason, and continuing the tradition of picking a film title as a trigger, this edition of the Talents BA will be called Vagabond, as a way of reflecting on the kind of cinema that is produced in the margins, both in aesthetic and production and distribution terms. In a few words, Vagabond aims to get future filmmakers to reflect, in the context where what we regard as independent cinema seems to be transforming into festival mainstream. That is, promote reflections on the changes within contemporary cinema. The Talents BA is organized in cooperation with the Berlin Film Festival (Berlinale Talents), the Buenos Aires International Film Festival (Bafici) and the Buenos Aires Lab (BAL). With the support of Mecenazgo BA, the Itaú Foundation, and Goethe-Institut Buenos Aires.

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índices index

index by film # 7 Chinese Brothers 11 Minutes 317-322 1922 1986. La historia detrás de la Copa

382 174 120 438 439 288

A A Brief History of British Columbia 413 A Dragon Arrives! 83 A glória de fazer cinema em Portugal 203 A la recherche de l’ultra-Sex 310 A Magical Substance Flows into Me 42 A Maid for Each 115 A Man Returned 118 A morte de J.P. Cuenca 72 A Place of Work 392 A Portrait of Ga 391 A Touch of Zen 344 A Tropical House 247 Adán Buenosayres. La película 302 Adiós a las ciudades Ep 1: Carta para mis amigas 120 Aerial 393 Al desierto 440 441 Alice in Earnestland 77 All That Rises 417 Alone 311 American Epic Trilogy 270 Amigos, Inside the Human Body 170 An Afternoon with Alexandra Morton 413 Angélica [una tragedia] 303 AninA 165 António um dois três 442 443 Ants on a Shrimp 250 Apenas un delincuente 341 Aqui, em Lisboa: Episódios da vida da cidade 326 Archivos intervenidos: Cine Escuela 348 As bodas de Deus 369 Asian Gangs 412 Audaz se eleva 204 Aviso fúnebre 130 B Back Track Bang Gang (Une histoire d’amour moderne) Barbicania Becoming Zlatan Bella e perduta Belle de nuit - Grisélidis Réal autoportraits Berlín Between Fences Beyond Clueless Blind Alley Augury 462

203 260 236 261 327 109 121 175 220 418

Blue Black Permanent Boi Neon Bone Tomahawk Boris sans Béatrice Bunker By Way of Display C Camarín Campo a través. Mugaritz, intuyendo un camino Carmona tiene una fuente Carne propia Carregador 1118 Carta 12, Praga. Chasmic Dance Chiasmus Cine publicitario argentino Cinzas e brasas Clara Collective Invention Colour Poems Combat d’amour en songe Communication & Lies Con los puños en los bolsillos Continue Cosmos Cosquín Rock XV. El documental Creative Control Cremaster 1 Cremaster 2 Cremaster 3 Cremaster 4 Cremaster 5 Crespo (La continuidad de la memoria) Crimen de Las Salinas D De cómo Daniel... Demon Deportivo Español Diario de un corto Días de Cleo Días de lluvia Dinosaurs at Dusk: The Origins of Flight Disco Limbo ¿Dónde estás, Negro? Dragon Inn

394 73 79 176 300 244 130 251 224 252 98 131 418 418 349 86 131 312 393 370 36 343 132 365 272 40 396 396 397 397 397 50 51 132 84 133 328 262 328 168 68 289 345

E East Punk Memories 273 Eco 338 El aura 387 El caso Thomas Crown 405 El coral que trajimos de Brasil 133 El dependiente 403 El eslabón podrido 144 El estado de las cosas 368 El familiar 134 El final 134 El francesito. Un documental (im)posible sobre Enrique Pichón-Riviere 225

El futuro perfecto El gigante de hierro El hombro de Sbaraglia El invierno llega después del otoño El mercader de la muerte El mes del amigo El nome de los árboles El Perro de Ituzaingó El rey de La Habana El sentido derby El teorema de Santiago El Tila: Fragmentos de un psicópata El último verano El vecino El viento sabe que vuelvo a casa Elon não acredita na morte En modo silencio En otra casa Engram of Returning Entertainment Entre dos luces - Suárez. Primera parte Entrecampos Error 404 Esa sensación Esposa último modelo Ever the Land Évolution

444 445 150 135 52 422 121 177 205 178 290 53 99 206 179 207 446 447 329 111 417 376 274 268 122 78 401 117 410

F Favio: Crónica de un director 208 Fear Itself 221 Film 340 Fin de semana 448 449 Finding Sofia 54 Flores silvestres 103 Francofonia 180 Free to Run 291 From Earth to the Universe 168 FtWTF – Female to What The Fuck 108 Funny Bunny 292 G Galindez Garden Pieces Garoto Girl Asleep God Bless the Child Grandma Green Fuse Green Room H Harmony and Me Harold and Lilian. A Hollywood Love Story Hasta después de muerta Heavysaurios Hedi Helsinki Hermosos Perdedores Pop

135 393 181 31 263 182 418 313 380 209 342 151 47 136 275

Hey Vancouver, This Is You on Craigslist 412 Hierba 55 Hijos nuestros 293 Historia del agua 122 Historias breves 12 140 141 Hitchcock/Truffaut 210 ¡Hola a los fiordos! 123 Homeland (Iraq Year Zero) 113 Homo Sapiens 70 Horizontes 304 Hugh McDiarmaid, a Portrait 391 I I Saw the Light 276 Il solengo 226 Illegitimate 45 Imagine Waking Up Tomorrow and All Music Has Disappeared 277 Implantación 330 In Defense of Food 253 In the Last Days of the City 37 Informe general II. El nuevo rapto de Europa 183 Inmortal 100 Innocence 409 Inscripciones 199 J Je me tue à le dire JeruZalem Jess & James John From Journal d’une femme de chambre Juan Meisen ha muerto Juanicas Julieta se queda dormida Junun K Kaluoka’hina, the Enchanted Reef Kampai! For the Love of Sake Karaoke Crazies King Lear Kosice hidroespacial L La academia de las musas La Bouche de Jean-Pierre La calle de la amargura La chica de rosa La ciénaga La ciudad de las réplicas La cupola La distancia entre los médanos La espera (La fábrica de tortas) Pastel de cereza La helada negra La La La at Rock Bottom La larga noche de Francisco Sanctis

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33 314 227 44 184 56 110 123 279

171 254 315 421 305 186 408 187 346 403 331 241 136 385 124 145 280 28

Índice por pelÍCULA La máquina que hace estrellas 165 La memoria de los huesos 107 La noche 29 La Organización Negra (ejercicio documental) 306 La piel marcada 228 La reina del baile 124 La última Navidad de Julius 97 La última película 356 La última tierra 332 La valija de Benavídez 146 L’ADN du ceviche 255 Land Makar 393 Las calles 95 Las imágenes de Helena 125 Las letras 116 Las lindas 57 Las plantas 94 Las Vegas in 16 Parts 333 L’Astragale 366 L’Avenir 185 Le Bois dont les rêves sont faits 188 Le Corbusier [|||||] Asger Jorn [Relief] 241 Le Fils de Joseph 13 Le Moulin 91 Le Nouveau 41 Les Démons 74 L’Humour à mort 112 Like Cattle Towards Glow 316 Linefork 229 Little Men 189 Looking for Exits Conversations with a Wingsuit Artist 230 Los decentes 450 451 Los días felices 125 Los paraguas de Cherburgo 405 Los pibes 294 Los territorios 452 453 Lucha. Jugando con lo imposible 147 Luna de papel 358 M Macbeth 422 Malgré la nuit 82 Mallory 190 Manifiesto de amor 126 Mañana nos mudamos 370 Mapplethorpe: Look at the Pictures 307 Maria do Mar 87 Massamba 137 Mate-me por favor 264 Maturità 265 Mi hist(e)ria en el cine 211 Mi último fracaso 58 Michael Jackson’s Journey from Motown to Off the Wall 281 Microbe et Gasoil 191 Miles Ahead 15 Minúsculos 165 Mira cómo te olvido 137

Míralos morir 355 Miss 295 Molly Monster 152 Montanha 266 Much Ado About Nothing 423 Mune: Le Gardien de la lune 153 Murales. El principio de las cosas 231 My Scientology Movie 296 N Never a Foot Too Far, Even New Jerusalem Next No hay bestias No Men Beyond This Point No va llegar Notfilm Nueve reinas Nuevo Rock: Adicta, el documental Nuts! O O espectador espantado O espelho Office Oleg y las raras artes Ombre della sera On the Mountain One Day Since Yesterday: Peter Bogdanovich & the Lost American Film One World, One Sky: Big Bird’s Adventure Operación Regalo Os canibais Ossos Our Nixon Oyster Factory P Panke Paradise! Paradise! París, Texas Parrot Island Pasaporte a Río Perfume para cuatro Phantom Boy ¡Piratas! Una loca aventura Plan Pollitos en fuga Porno e libertà Posto avançado do progresso Primavera Primero, enero Programa - 40 años de Aardman Programa Wallace & Gromit Q ¿Qué pasa, doctor? Quizás hoy

417 374 424 126 75 282 340 386 283 234 212 34 192 38 114 391 361 169 160 368 369 233 334 59 32 399 412 401 127 154 161 245 160 213 367 60 61 162 163 164 357 62

R Raídos Raoul Ruiz, contre l’ignorance fiction! Requisitos para ser una persona normal Right Now, Wrong Then Rodencia y el diente de la princesa Romántico italiano Rosa Chumbe RSO (Registered Sex Offender) S Sagardoa bidegile Historias de sidra Sangue del mio sangue Saru. Documental sobre Jorge Sarudiansky Schneider vs. Bax Searching for Meritxell Shalom Bombón Shaun: El cordero Shirley Sings Siembra Silence Silencio antes Sin dejar rastros Sipo Phantasma Snacks, bocados de una revolución Snow Warrior Snowtime! Solar Soldado Solitary Acts Solos Somebody Up There Likes Me Something Between Us Song of the Sea Space Rock Symphony SPL: Kill Zone SPL 2 - A Time for Consequences Stand By for Tape Back-Up Strike a Pose Studio Sunset Song

63 202 297 193 165 96 43 379

256 194 214 195 317 335 161 413 336 242 127 215 216 257 321 155 64 454 455 80 217 381 81 156 169 318 319 88 284 244 196

T Taekwondo 65 Tailpiece 392 TELOS: The Fantastic World of Eugene Tssui 238 Terapia en Broadway 360 Territorio 101 Tess 399 The 1000 Eyes of Dr. Maddin 218 The American Epic Sessions 271 The Bodyguard 76 The Brick and the Mirror 347 The Builder 373 The Chinese Mayor 239 The Comedy 375

The Damned: Don’t You Wish That We Were Dead The Diary of a Teenage Girl The Fat Diet The Inerasable The Island Funeral The Jazz Loft According to W. Eugene Smith The King of the Streets The Land of Many Palaces The Laundryman The Leaden Echo and the Golden Echo The Lure The Missing Girl The People Garden The Revolution Won’t Be Televised The Sandwich Nazi The Tempest The Virgin Psychics They Three Portrait Sketches Toda una noche Todo comenzó por el fin Tom Petty and the Heartbreakers: Runnin’ Down a Dream Tower House Traces of Garden Trees of Syntax, Leaves of Axis Trevor the Dinosaur

285 267 413 320 90 278 321 240 92 391 85 322 35 46 414 423 323 245 391 421 219 359 246 89 417 413

U UIO: Sácame a pasear 102 Ukrainian Sheriffs 337 Últimas conversas 197 Un dia perfecte per volar 198 Un ejercicio para no olvidar 128 Un Français 232 Una idea de la vida cotidiana 138 Una novia de Shanghai 69 Uncle Howard 308 Undisclosed Recipients 300 V Vapor Verengo Vida sexual de las plantas Viejo calavera Vintage Print Viviré en tu recuerdo Voyage autour de la lune W Waiting Far Away When Geek Meets Serial Killer When Marnie Was There Where I Am Is Here WIK Writing on the City Y Yoko y sus amigos Yolanda

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298 39 299 456 457 71 30 237 170 324 157 392 104 106 158 128 463

index by director A Abi Samra, Maher Abraham, Marc Abramovich, Manuel Abrantes, Gabriel Acosta, Fermín Aguilar, Sandro Ahn, Gooc-jin Akerman, Chantal Almandoz, Koldo Alverson, Rick Alves Jr., Ricardo Amaya, Milena Amoroso, Carmine Anderson, Paul Thomas Andrizzi, Mauro Aparicio, María Apellaniz, Leire Arévalo, Agustín Arriagada, Orlando Ayub, Kurdwin

115 276 64 454 455 326 330 300 77 370 216 371 76 446 447 137 213 279 69 95 206 275 255 32

B Bagnall, Alison Bailey, Fenton Balduzzi, Verónica Bande, Ramón Lluís Baño, Xacio Barbato, Randy Barney, Matthew Barrios, Alejandro Bejarano, Edmundo Bêka, Ila Bellocchio, Marco Ben Attia, Mohamed Bennett, Lewis Beraudi, Facundo Bercetche, Segundo Bergaño, Felipe Berger, Marco Bergman, Ariela Bielinsky, Fabián Bird, Brad Bisbano, David Blanco, Fernando M. Blousson, Martín Bogdanovich, Peter Bolloqui, Sol Bondarchuk, Roman Bonomo, Robert Bosisio, Gabriel Brahm, Sebastián Branagh, Kenneth

292 307 138 177 338 308 39 397 283 97 236 237 194 343 47 411 414 107 282 56 65 120 383 387 150 165 274 290 353 361 330 337 295 128 299 423

464

Bressane, Júlio Brisson, François Brook, Peter Brookner, Aaron Brownlow, Mark Bruhn, Matthias Bruno, Diego Buisel, Estanislao Burghi, Agustín Burnin’ Percebes Burton, Mark Byington, Bob

181 155 421 308 170 152 135 53 128 317 161 377 382

C Calvo, A. D. Carroggio, Patricio Casabe, Laura Casavecchia, Nico Castro, Edgardo Cavestany, Juan Charlet, Nicolas Chaufour, Lucile Chavarría, Pablo Cheadle, Don Cheang, Soi Cheung, Eric Colás, Jorge Leandro Colman, Moroco Consonni, Eduardo Cook, Barry Cooper, Dennis Corach, Sergio Costa, Pedro Costantini, Cristián Côté, Denis Coutinho, Eduardo Crespo, Eduardo Cuenca, J. P. Cuesta, Alexandra Czemerinski, Vera

322 205 146 54 29 78 310 273 116 15 319 324 294 448 449 98 160 316 62 369 282 176 326 197 50 72 101 131

D Davies, Terence De Grave, Marie-Eve De la Fuente, Flavia De Luca, Dante De Oliveira, Manoel Dearden, Basil Dekkers, Maurice Demy, Jacques Deutch, Howard Diastème Dickinson, Benjamin Diego, Ken Diment, Valentín Javier Dincel, Nazli Distéfano, Lucas Dolera, Leticia Doveris, Roberto Dower, John

196 109 328 123 368 421 250 405 346 232 40 169 144 80 51 297 94 296

Duque, Andrés

38

E Echeverría, Esteban Ekblad, Michael El Said, Tamer Elordi, Juanjo Emigholz, Heinz Escuer, Verónica Esposito , Valentina Etminani, Homer

165 152 37 158 241 257 114 100

F Fahdel, Abbas Farina, Martín Farini, Ana Farley, Zac Favio, Leonardo Felicioli, Jean-Loup Fernández, Hernán Fernández Gebauer, Juan Fernández-Valdés, Manuel Fió, Diego Fishko, Sara Fleifel, Mahdi Francolino, Carla Franzetti, Alejo Fregonese, Hugo Fruhauf, Siegfried A.

113 65 137 316 403 154 228 293 303 140 278 118 136 59 341 71

G Gagnol, Alain Gammarota, Melisa Pía García Casanova, Karina Gatell, Pep Gaviria, Mercedes Génisson, Julián Gertten, Fredrik Gertten, Magnus Geyrhalter, Nikolaus Ghio, Chiara Giralt, Santiago Giraud, Hélène Goldgrob, Mariano Golestan, Ebrahim Gondry, Michel Gould, Ester Grandrieux, Philippe Granovsky, Iván Green, Eugène Grohnert, Sarah Guala, Agostina Guerin, José Luis Gunche, Enrique Ernesto Gurfinkel, Natasha

154 130 110 251 127 78 261 261 70 140 60, 227 165 298 347 191 284 82 452 453 13 117 125 186 342 130

H Hadzihalilovic, Lucile Haghighi, Mani Hansen-Løve, Mia

407 410 83 185

Heboyan, Alexandre Hegnsvad, Kristoffer Heller, Marielle Hernando, Pablo Hickox, Douglas Hirsch, Narcisa Hofer, Eileen Holzman, Martín Hong, Sang-soo Hu, King Huang, Ya-li Huberman, Laura Husson, Eva

153 230 267 78 422 199 304 124 193 344 345 91 131 260

I Ibañez, Aylee Isler, Ale

137 214

J Jacquot, Benoit Jarman, Derek Jewison, Norman Jolonch, Cristina Jones, Kent

184 423 405 257 210

K Kang, Cecilia Karimi, Keywan Karjalainen, Pekka Kartaszewicz, Diego Kim, Sang-chan Klopf, Karl-Heinz Kohan, Miguel Luis Konishi, Mirai Korgi, Daniel Kurz, Sigrid Kwon, Oh-kwang

58 106 151 215 315 243 247 225 254 132 244 312

L Lamar, Pablo Lampert, Katharina Landaveri, Fredo Lane, Penny Lavaine, Bruno Lebrero, Tomi Leconte, Daniel Leconte, Emmanuel Ledesma, Carlos Lee, Chung Lee, Kyung Lee, Seung-won Lee, Spike Lehmann, Wolfgang Lei, Zhong Leiva, Lisandro Lemoine, Louise Lesage, Philippe Lescano Noriel, Franco Liebenthal, Melisa

332 108 68 233 234 311 282 112 112 135 92 238 36 281 89 321 204 236 237 79 134 57

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Índice por director Lievendag, Marlene Lima, Rodrigo Lipman, Ross Litz, Nadia Lombardi, Joanna Lord, Peter Losier, Marie Lozano Álvarez, Santiago Lyne, Charlie

126 34 340 35 217 160 161 326 336 220 221

M Machoian, Robert 263 Mack, Jodie 81 MacLeod, Calum 412 MacMahon, Bernard 270 271 Maly, Alejandro 289 Manna, Jumana 42 Marcello, Pietro 327 Marcone, Diego 63 Marcos, Teresa 329 Marques, Rodrigo 98 Márquez, Francisco 28 Martel, Lucrecia 403 Martínez de la Pera, Eduardo 342 Mascambroni, Darío 61 Mascaro, Gabriel 73 Masllorens , Ignacio 53 Matiozzi Molinas, Francisco 231 Matsopoulos, Theofanis 168 Mauregui, Martín 438 439 Menis, María Victoria 211 Mograbi, Avi 175 Mok, Remus 324 Mondelo, Sheuen 132 Montaño, Dolores 141 Monteiro, João César 369 Montmayeur, Yves 218 Moore, Tomm 156 Morath, Pierre 291 Moreno del Valle, Rodrigo 104 Mostaza, Rubén Francisco 272 Mouramateus, Leonardo 442 443 Movia, Mauro 136 Mozos, Manuel 86 203 Muntean, Radu 179 Myers, Rosemary 31 N Nakamura, Yoshihiro Newitt, Jeff Nicolau, João O Ojeda-Beck, Rodrigo Orshoski, Wes Osorio Rojas, Ángela Ospina, Luis

320 161 44 264 285 336 219

P Paquet, Sebastián Park, Hong-min Park, Nick Paz, Doron Paz, Yoav Pêra, Edgar Percia, Florencia Pérez Lombardini, Pablo Pérez Opacak, Sebastián Perrone, Raúl Philippon, Benoit Piazza, Luciano Piperno, Alex Polanski, Roman Popp, Peter Portabella, Pere Postiglione, Víctor Pouliot, Jean-François Praznik, Jessica Purves, Barry

242 311 160 314 314 212 121 103 120 55 153 333 123 399 422 171 183 140 155 124 424

Q Quiroga, Ana

147

R Raim, Daniel Rawlings, Vic Recha, Marc Recio, Josefina Relayze Chiang, Jonatan Rémoli, Christian Reymond, María Elvira Rigo de Righi, Alessio Ripstein, Arturo Rocco, Julieta Rocha da Silveira, Anita Rodríguez Redondo, Martín Rojo, Alejandra Romero, Alberto Rosas, João Rosell, Ulises Rosenberg, Rudi Rousselot, Vanessa Rueda, Micaela Ruiz, Raúl Ruiz, Rosendo Russo, Kiro

209 229 198 141 43 288 262 226 187 306 264 141 202 252 87, 268 440 441 41 111 102 370 265 456 457

S Sachs, Ira Saie, Gabriel Saïto, Daïchi Salas, Lucía Salaviza, João Salerno, Luciano Salgado, Adriano San Martín IV, Agustina

189 305 415 418 330 266 121 96 126

Santamaría, Andrea Sarmiento, Mauricio Sattel, Volker Saulnier, Jeremy Sawallisch, Robert Sawers, Mark Schlieper, Carlos Schmidt, Juan Schneider, Alan Schonfeld, Maximiliano Schwarz, Michael Schwietert, Stefan Seoane, Víctor Hugo Seron, Xavier Serra, Martín Sieger, Ted Silva, Jeff Simon, Claire Sion, Sono Sip, Robin Sitaru, Adrian Skolimowski, Jerzy Smith, Adam Smith, Sarah Smoczynska, Agnieszka Soda, Kazuhiro Soderguit, Alfredo Sodero, César Sokurov, Aleksandr Solarz, Malena Song, Ting Song, Yue Sotomayor, Dominga Starzak, Richard Suárez, Nicolás Sutherland, Ross Sy, Brigitte Szabo, Thomas

125 137 241 313 169 75 401 134 340 145 253 277 39 33 133 152 229 188 323 168 45 174 240 160 85 334 165 141 180 52 240 76 321 326 161 293 88 366 165

Van Warmerdam, Alex Vélez, Simón Venturini, Alejandro Verguilla, Ignacio Vieira da Silva, Hugo Villanueva, Inés Villaronga, Agustí Villegas, Juan

195 122 208 133 367 127 178 302

W Wainstein, Mariana Weitz, Paul Wenders, Wim Widrich, Virgil Wohlatz, Nele Wolf, Sergio Wrona, Marcin

122 182 368 399 203 444 445 30 84

Y Yamashita, Nobuhiro Yip, Wilson Yonebayashi, Hiromasa Yurcovich, Adriana

280 318 157 141

Z Zahler, S. Craig Zavadisca, Belina Zhou, Hao Zoppis, Matteo Zubia Gallastegi, Bego Zukerfeld, Nicolás Zulawski, Andrzej Zwaan, Reijer

79 331 239 226 256 52 365 284

T Tait, Margaret 389 394 Teck, Bill 361 Testa, Andrea 28 Thiaw, Rama 46 Thym, Cordula 108 Tinayre, Daniel 401 To, Johnnie 192 Toledo, Mariano 68 Torres Contreras, Alejandro 99 Torres Leiva, José Luis 207 Torres Negri, Mariano 204 Towira, Pimpaka 90 Trestíková, Helena 190 Trullén, Antonio 224 U Ungar, Sofía

335

V Valenta Rinner, Lukas

450 451

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465

index by country Alemania / Germany El estado de las cosas Imagine Waking Up Tomorrow and All Music Has Disappeared Kaluoka’hina, the Enchanted Reef La cupola Le Corbusier [|||||] Asger Jorn [Relief] Like Cattle Towards Glow Molly Monster Space Rock Symphony

368 276 171 241 241 315 152 169

Argentina 317-322 120 1922 438-439 1986. La historia detrás de la Copa 287 Adán Buenosayres. La película 301 Adiós a las ciudades Ep 1: Carta para mis amigas 120 Al desierto 440-441 Apenas un delincuente 340 Archivos intervenidos: Cine Escuela 347 Audaz se eleva 204 Aviso fúnebre 130 Berlín 121 Camarín 130 Carne propia 252 Carta 12, Praga. 131 Cine publicitario argentino 348 Clara 131 Continue 132 Cosquín Rock XV. El documental 271 Crespo (La continuidad de la memoria) 50 Crimen de Las Salinas 51 De cómo Daniel... 132 Deportivo Español 133 Diario de un corto 327 Días de lluvia 328 Disco Limbo 68 ¿Dónde estás, Negro? 288 El aura 386 El coral que trajimos de Brasil 133 El dependiente 403 El eslabón podrido 144 El familiar 134 El final 134 El francesito. Un documental (im)posible sobre Enrique Pichón-Riviere 225 El futuro perfecto 444-445 El hombro de Sbaraglia 135 El invierno llega

466

después del otoño 52 El mes del amigo 121 El Perro de Ituzaingó 205 El sentido derby 289 El teorema de Santiago 53 Entre dos luces - Suárez. Primera parte 273 Error 404 122 Esposa último modelo 401 Favio: Crónica de un director 208 Fin de semana 448 449 Finding Sofia 54 Galindez 135 Hasta después de muerta 341 Helsinki 136 Hermosos Perdedores Pop 274 Hierba 55 Hijos nuestros 292 Historia del agua 122 Historias breves 12 140-141 ¡Hola a los fiordos! 123 Implantación 330 Inscripciones 199 Jess & James 227 Juan Meisen ha muerto 56 Julieta se queda dormida 123 Kosice hidroespacial 304 La ciénaga 402 La ciudad de las réplicas 331 La distancia entre los médanos 136 La espera 384 (La fábrica de tortas) Pastel de cereza 124 La helada negra 145 La larga noche de Francisco Sanctis 28 La máquina que hace estrellas 165 La memoria de los huesos 107 La noche 29 La Organización Negra (ejercicio documental) 305 La piel marcada 228 La reina del baile 124 La valija de Benavídez 146 Las calles 95 Las imágenes de Helena 125 Las lindas 57 Los días felices 125 Los pibes 293 Los territorios 452 453 Lucha. Jugando con lo imposible 147 Manifiesto de amor 126 Massamba 137 Maturità 264 Mi hist(e)ria en el cine 211 Mi último fracaso 58 Mira cómo te olvido 137

Miss 294 Murales. El principio de las cosas 231 No hay bestias 126 No va llegar 281 Nueve reinas 385 Nuevo Rock: Adicta, el documental 282 Panke 59 Pasaporte a Río 400 Perfume para cuatro 127 Primavera 60 Primero, enero 61 Quizás hoy 62 Raídos 63 Romántico italiano 96 Saru. Documental sobre Jorge Sarudiansky 214 Shalom Bombón 334 Silence 242 Silencio antes 127 Sin dejar rastros 215 Solar 64 Soldado 454-455 Taekwondo 65 Un ejercicio para no olvidar 128 Una idea de la vida cotidiana 138 Una novia de Shanghai 69 Vapor 297 Viviré en tu recuerdo 30 Yolanda 128 Australia Girl Asleep Austria A Tropical House Back Track By Way of Display FtWTF – Female to What The Fuck Homo Sapiens Los decentes 450-451 Paradise! Paradise! Plan Studio They Tower House Vintage Print

31 247 203 244 108 70 32 245 244 245 246 71

Bélgica / Belgium Belle de nuit - Grisélidis Réal autoportraits 109 Je me tue à le dire 33 Bolivia La última Navidad de Julius Viejo calavera Brasil / Brazil A morte de J.P. Cuenca

97 456 457 72

António um dois três Boi Neon Carregador 1118 Elon não acredita na morte Garoto Mate-me por favor O espelho Últimas conversas Canadá / Canada A Brief History of British Columbia All That Rises An Afternoon with Alexandra Morton Asian Gangs Blind Alley Augury Boris sans Béatrice Chasmic Dance Chiasmus Engram of Returning Green Fuse Hey Vancouver, This Is You on Craigslist Juanicas L’ADN du ceviche Les Démons Never a Foot Too Far, Even No Men Beyond This Point Parrot Island Shirley Sings Snowtime! The Fat Diet The People Garden The Sandwich Nazi Trees of Syntax, Leaves of Axis Trevor the Dinosaur Chile Días de Cleo El Tila: Fragmentos de un psicópata El viento sabe que vuelvo a casa Las plantas Vida sexual de las plantas China Snow Warrior SPL 2 - A Time for Consequences The Bodyguard The Chinese Mayor The King of the Streets The Land of Many Palaces Colombia Inmortal Siembra Todo comenzó por el fin

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442 443 73 98 446 447 181 263 34 197

413 417 413 412 418 176 417 418 416 418 412 110 255 74 417 75 412 413 155 413 35 413 417 412 261 99 207 94 298 321 318 76 239 320 240 100 335 219

Índice por paÍs Corea del Sur / South Korea Alice in Earnestland 77 Alone 310 Collective Invention 311 Communication & Lies 36 Karaoke Crazies 314 Right Now, Wrong Then 193 Dinamarca / Denmark Looking for Exits - Conversations with a Wingsuit Artist 230 Ecuador Territorio UIO: Sácame a pasear

101 102

Egipto / Egypt In the Last Days of the City 37 España / Spain Amigos, Inside the Human Body Angélica [una tragedia] Campo a través. Mugaritz, intuyendo un camino Carmona tiene una fuente Eco El nome de los árboles El rey de La Habana El último verano En modo silencio En otra casa Esa sensación Informe general II. El nuevo rapto de Europa La academia de las musas Oleg y las raras artes Requisitos para ser una persona normal Sagardoa bidegile Historias de sidra Searching for Meritxell Sipo Phantasma Snacks, bocados de una revolución Un dia perfecte per volar Verengo Yoko y sus amigos Estados Unidos / US 7 Chinese Brothers American Epic Trilogy Bone Tomahawk Creative Control Cremaster 1-5 396-397 El caso Thomas Crown El gigante de hierro Entertainment Film Funny Bunny God Bless the Child

170 302 251 224 337 177 178 206 328 111 78 183 186 38 296 256 316 216 257 198 39 158 381 270 79 40 405 150 375 339 291 262

Grandma 182 Green Room 312 Harmony and Me 379 Harold and Lilian. A Hollywood Love Story 209 Hitchcock/Truffaut 210 I Saw the Light 275 In Defense of Food 253 Junun 278 La chica de rosa 345 La última película 355 Las Vegas in 16 Parts 332 Linefork 229 Little Men 189 Luna de papel 357 Michael Jackson’s Journey from Motown to Off the Wall 280 Miles Ahead 15 Míralos morir 354 New Jerusalem 373 Notfilm 340 Nuts! 234 One Day Since Yesterday: Peter Bogdanovich & the Lost American Film 360 One World, One Sky: Big Bird’s Adventure 169 Our Nixon 233 ¿Qué pasa, doctor? 356 RSO (Registered Sex Offender) 378 Solitary Acts 80 Somebody Up There Likes Me 380 Something Between Us 81 TELOS: The Fantastic World of Eugene Tssui 238 Terapia en Broadway 359 The 1000 Eyes of Dr. Maddin 218 The American Epic Sessions 271 The Builder 372 The Comedy 374 The Damned: Don’t You Wish That We Were Dead 284 The Diary of a Teenage Girl 266 The Jazz Loft According to W. Eugene Smith 277 The Missing Girl 321 Tom Petty and the Heartbreakers: Runnin’ Down a Dream 358 Uncle Howard 307 Waiting Far Away 170 Finlandia / Finland Heavysaurios

151

Francia / France A la recherche de l’ultra-Sex 309 As bodas de Deus 369 Bang Gang (Une histoire d’amour moderne) 259

Barbicania 236 Between Fences 175 Combat d’amour en songe 370 Cosmos 364 East Punk Memories 272 Évolution 409 Francofonia 180 Innocence 408 Journal d’une femme de chambre 184 La Bouche de Jean-Pierre 408 L’Astragale 366 L’Avenir 185 Le Bois dont les rêves sont faits 188 Le Fils de Joseph 13 Le Nouveau 41 L’Humour à mort 112 Los paraguas de Cherburgo 404 Malgré la nuit 82 Mañana nos mudamos 370 Microbe et Gasoil 191 Minúsculos 165 Mune: Le Gardien de la lune 153 París, Texas 399 Phantom Boy 154 Raoul Ruiz, contre l’ignorance fiction! 202 Tess 398 Un Français 232 Voyage autour de la lune 237 Holanda / Netherlands Ants on a Shrimp Dinosaurs at Dusk: The Origins of Flight Schneider vs. Bax Strike a Pose Hong Kong Office SPL: Kill Zone

250 168 195 283 192 317

Irak / Iraq Homeland (Iraq Year Zero) 113 Irán / Iran A Dragon Arrives! The Brick and the Mirror Writing on the City

83 346 106

Irlanda / Ireland Song of the Sea

156

Israel JeruZalem

313

Italia / Italy Bella e perduta Con los puños en los bolsillos Il solengo Ombre della sera

326 343 226 114

Porno e libertà Sangue del mio sangue

213 194

Japón / Japan Kampai! For the Love of Sake La La La at Rock Bottom Oyster Factory The Inerasable The Virgin Psychics When Marnie Was There

254 279 333 319 322 157

Líbano / Lebanon A Maid for Each

115

México / Mexico Flores silvestres La calle de la amargura Las letras

103 187 116

Nueva Zelanda New Zealand Ever the Land

117

Paraguay La última tierra

331

Perú / Peru Rodencia y el diente de la princesa Rosa Chumbe Solos WIK

165 43 217 104

Polonia / Poland 11 Minutes Demon The Lure

174 84 85

Portugal A glória de fazer cinema em Portugal 203 Aqui, em Lisboa: Episódios da vida da cidade 325 Bunker 299 Cinzas e brasas 86 Entrecampos 267 John From 44 Maria do Mar 87 Montanha 265 O espectador espantado 212 Os canibais 368 Ossos 369 Posto avançado do progresso 367 Undisclosed Recipients 300 Reino Unido / UK A Man Returned A Place of Work A Portrait of Ga Aerial Beyond Clueless

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118 392 391 393 220

467

index by country Blue Black Permanent 393 Colour Poems 392 El mercader de la muerte 422 Fear Itself 221 Garden Pieces 393 Hugh McDiarmaid, a Portrait 391 King Lear 421 Land Makar 393 Macbeth 422 Mapplethorpe: Look at the Pictures 306 Much Ado About Nothing 423 My Scientology Movie 295 Next 424 On the Mountain 391 Operación Regalo 160 ¡Piratas! Una loca aventura 161 Pollitos en fuga 160 Programa - 40 años de Aardman 162 163

468

Programa - Wallace & Gromit 164 Shaun: El cordero 161 Stand By for Tape Back-Up 88 Sunset Song 196 Tailpiece 392 The Leaden Echo and the Golden Echo 391 The Tempest 423 Three Portrait Sketches 390 Toda una noche 420 Where I Am Is Here 391 República Checa Czech Republic Mallory Rumania / Romania El vecino Illegitimate

The Laundryman

Senegal The Revolution Won’t Be Televised

46

Suecia / Sweden Becoming Zlatan Traces of Garden

260 89

Serial Killer

323

Territorios Palestinos Palestinian Territories A Magical Substance

Suiza Switzerland Free to Run Horizontes

290 303

Tailandia / Thailand The Island Funeral

90

Flows into Me

42

Túnez / Tunisia Hedi

47

Ucrania / Ukraine

190

179 45

82

When Geek Meets

Taiwán / Taiwan A Touch of Zen Dragon Inn Le Moulin

Ukrainian Sheriffs 344 345 91

336

Uruguay AninA

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