CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO

En la arquitectura del Quattrocento italiano se busca siempre la belleza, que se equipara con la proporción. Los diseños se realizan de acuerdo a un profundo estudio matemático que busca en todo momento la simetría, el orden de las partes, el equilibrio y la armonía. Se recupera también el vocabulario arquitectónico griego; un ejemplo de ello es la proporción áurea, que ya se había empleado en la Antigua Grecia: El número áureo es igual a 1,618.

En esta búsqueda de la perfección se hace indispensable recurrir a los módulos geométricos más perfectos, que son el círculo y el cuadrado. En la arquitectura renacentista del siglo XV, se aprecia una interesante renovación de los elementos estructurales, tanto de los sustentados como de los sustentantes. En cuanto a los elementos sustentantes, destacan el muro, la pilastra y la columna. En el muro se aprecia el almohadillado como principal técnica decorativa, (véase Palacio Pitti o Palacio Rucellai). Además, en las pilastras se emplea como material la pietra serena, con su tono grisáceo tan característico que permite crear bicromía y ritmo al combinarlo con el blanco del mármol. La columna por su parte, recupera las dimensiones y proporciones clásicas. El orden de esta suele ser ahora corintio, aunque también las hay de orden dórico,  jónico, toscano y compuesto. compuesto. En el caso de edificios con con varios pisos, como palacios palacios o ayuntamientos, es usual la superposición de órdenes. Centrándonos ahora en los elementos sustentados, destacan el arco, la bóveda  – y dentro de ésta la cúpula -, el techo artesonado y el entablamento. El arco que se emplea siempre es el arco de medio punto, pues se recupera así la herencia romana, al mismo tiempo que se abandonan las formas góticas. En cambio, hay diversos tipos de bóveda, destacando la de cañón y especialmente la bóveda vaída (véase la Iglesia de San Lorenzo). La bóveda vaída, que es propia del Renacimiento, consiste en una semiesfera sobre una planta cuadrada. Otro tipo de bóveda muy empleado es la cúpula, en

la cual se distinguen tres partes. Dichas partes, en orden ascendente, son las siguientes; en primer lugar, el tambor, que suele ser octogonal-. En segundo lugar, un casquete, y por  último la linterna. El casquete suele ser doble, con el fin de reforzar la estructura de la bóveda y aligerar su peso. El casquete externo se recubre con tejas, y en el espacio que hay entre ambos casquetes se deja un hueco vacío en el que se coloca la compleja estructura de nervios y costillas que sustentan todo el peso. La función de la linterna es simple, pues únicamente debe dejar pasar la luz. Generalmente, en la linterna se colocan varias volutas con la finalidad de decorar a la vez que unen los pequeños contrafuertes con la estructura.

En el entablamento, se recuperan el arquitrabe, el friso dividido en triglifos y metopas, y la cornisa. Ésta se remata con un frontón que puede ser o bien recto (triangular) o bien curvo (semicircular).  Además, desaparece la escultura en fachadas, y ésta sólo se retomará en la arquitectura manierista de mediados del siglo XVI (véase la Villa Rotonda, de Palladio). La decoración en exteriores se simplifica cada vez más, de modo que apenas podemos encontrar medallones con relieves en las enjutas. En la arquitectura manierista, esos medallones serán sustituidos por vanos circulares llamados óculos. En el caso de los edificios con varios pisos como es el caso de palacios y ayuntamientos, se emplean barandillas de piedra llamadas balaustradas. Los arquitectos más destacados del Quattrocento son Brunelleschi, en la primera mitad, y  Alberti, en la segunda. Al primero se le atribuyen obras como la Cúpula de la catedral de Florencia, la iglesia de San Lorenzo de Médici, la capilla Pazzi o el palacio Pitti. A Alberti se le atribuyen por su parte, edificios como el Templo Malatestiano, la iglesia de Santa María de Novella y el palacio Rucellai. Escrito por Julio de la Calle

LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO: CARACTERÍSTICAS GENERALES

Capilla Pacci (Florencia). F. Brunelleschi.

EL ARTE DEL RENACIMIENTO. LA ARQUITECTURA: CARACTERÍSTICAS GENERALES. El redescubrimiento de la proporción Del análisis de los monumentos antiguos y de las fuentes literarias y filosóficas, se desprende la importancia de las proporciones, del número, de la medida, como fundamento de la belleza arquitectónica. De estas mismas fuentes los arquitectos deducirán los conceptos de originalidad y grandiosidad, que serán incentivos esenciales para el desarrollo de la arquitectura renacentista. Cuando la búsqueda de relaciones de medida constituye el problema central de la Teoría  Arquitectónica, el arquitecto se muestra de acuerdo con la filosofía neoplatónica de su época. Para ellos el universo está regido por las leyes en las que se manifiesta la omnipotencia de Dios. Las relaciones armónicas de medida de la obra h umana deberían ser o reflejar la armonía divina del universo. La idea renacentista de belleza y perfección se basa en un racionalismo orientado matemáticamente, de forma que la T eoría de la Proporción intenta llevar a un denominador común el canon de proporciones del cuerpo humano y las leyes matemáticas de las formas geométricas básicas, como la circunferencia y el cuadrado, y expresarlas en reglas de proporción de validez universal. La proporcionalidad matemática del conjunto arquitectónico (planta, alzado, columnas, capiteles, entablamentos y cornisas), convierte los edificios del renacimiento en construcciones racionalmente comprensibles, cuya estructura interna se caracteriza por la claridad (*).  A partir de este momento, el artista se educa en las medidas y proporciones del modelo clásico, y aspira a la objetivación del proceso creador, a la codificación científica de lo estético. Ya no se apoya, como los maestros medievales, en fórmulas que pasan de mano en mano, sino que intenta integrar su labor en un extenso sistema artístico-teórico y fundamentarla racionalmente. En esta época se publicarán los primeros tratados de arquitectura que, como Vitrubio en la antigüedad, codificarán los conocimientos arquitectónicos de la época. (*) Todo ello se concreta en la formulación de la llamada Sección Áurea, o Número de Oro, igual a 1 + = 1, 1618, que corresponde a una proporción considerada particularmente

estética. Según Zeysing “Para que un todo, dividido en partes desiguales, parezca hermoso, debe de haber entre la parte menor y la parte mayor la misma razón (proporción) que entre la  mayor y el todo”. Esta fórmula matemática fue utilizada en épocas clasicistas en

construcciones arquitectónicas, en escultura, pintura y música.

Rasgos específicos de la arquitectura renacentista  A continuación se presentan, de forma sistematizada, los principales rasgos que permiten identificar y comprender la naturaleza de la arquitectura renacentista: 1. Se valora la superficie de los muros. Exteriormente se realzan los sillares mediante el clásico almohadillado; e, incluso, se tallan como puntas de diamante. En los interiores se anima la propia superficie del muro a través de elementos armónicamente equilibrados: cornisas, pilastras, columnas enmarcadas, etc. 2. En cuanto a los soportes , se utiliza la columna fundamentalmente, tanto por su función constructiva (sustentante), como decorativa, bien aislada, formando arquerías o combinada con pilares. Se emplea el repertorio de los órdenes clásicos. La columna es esencial dado que el estudio de sus proporciones es uno de los fundamentos del clasicismo, y sirve como pauta para determinar toda la proporción del edificio. Este carácter rector de la columna es el fundamento esencial de la belleza arquitectónica en la concepción renacentista. Se utilizan todos los órdenes romanos, desde el rústico al compuesto, enriquecido el corintio, que es el más utilizado. 3. El arquitecto renacentista desprecia el arco ojival o apuntado, característico del estilo gótico, y vuelve a utilizar, de forma sistemática, el arco de medio punto. Sostenido por  elegantes columnas de orden clásico y formando galerías o logias, su repetición rítmica contribuye a subrayar la claridad racional de los edificios renacentistas. 4. En los sistemas de cubierta se produce una profunda renovación, ya sean estas de madera o de piedra. En las cubiertas de madera el tipo más utilizado es el artesonado: una superficie plana que se divide en casetones, que pueden ser cuadrangulares o poligonales, y en cuyo centro se suele colocar una flor u otro motivo decorativo, generalmente dorado o policromado. En las cubiertas de piedra se emplean preferentemente las bóvedas de cañón, las de arista y las rebajadas o vaídas; en todas ellas es f recuente que el casquete de la bóveda no se quede liso, sino que se decore con casetones, como en la arquitectura romana. No obstante, lo más importante será la primacía que se le concede a la cúpula como forma ideal constructiva (derivada de la admiración que siempre suscitó la cúpula semiesférica del Panteón de Agripa, en Roma; así como la influencia de la arquitectura bizantina que irradiaba San Marcos de Venecia). La cúpula se eleva sobre pechinas y generalmente con tambor, en el que se abren ventanas, y suele estar rematada con linterna que le proporciona luz cenital. 5. El repertorio decorativo se inspira en los modelos de la Antigüedad. La decoración de tipo fantástico, en la que el artista funde caprichosamente los diversos reinos de la naturaleza creando seres monstruosos, en parte animales, en parte humanos y en parte vegetales o inanimados, recibe el nombre de grutescos. Cuando esa decoración se ordena en torno a un vástago vertical, que le sirve de eje, recibe el nombre de candelabro. Los tallos ondulantes ascendentes, por lo general con roleos lat erales, que suelen usarse en las pilastras, reciben el nombre de subientes. Flores, frutos, trofeos y objetos diversos pendientes de cintas, festones, coronas y medallones, son también elementos frecuentes en la decoración renacentista.

TIPOLOGÍA ARQUITECTÓNICA Con el renacimiento la construcción profana o civil se sitúa al mismo nivel que la religiosa y, desde entonces, los grandes constructores de iglesias son, al mismo tiempo, los creadores de importantes edificios profanos.

Arquitectura religiosa: el templo. Los nuevos elementos arquitectónicos y, en especial, la cúpula, plantean problemas fundamentales que afectan a la traza general del edificio. Se busca un tipo de templo que aúne la utilización de los elementos clásicos y las necesidades derivadas del culto y la liturgia cristiana. Era preciso compaginar la grandiosidad de los edificios clásicos y el carácter aéreo de la arquitectura gótica; pues si la primera imponía por su solidez, la segunda se distinguía por la luminosidad de sus interiores. Si los arquitectos góticos lograron, o buscaron, desmaterializar el cuerpo del edificio y borrar los límites espaciales, el arquitecto renacentista se inspirará en las formas geométricas básicas, que ya se encontraban en los edificios clásicos. El círculo y el cuadrado, el cubo y la esfera, el cilindro, son las formas más adecuadas, gracias a su perfecta regularidad y racionalidad. La dinámica lineal y ascendente del gótico será desplazada por la lógica claridad del clasicismo. Dos tipos de templo se consolidan: · El modelo de planta basilical, inspirado en la basílica paleocristiana. · El modelo de planta centralizada, inspirado en el Panteón de Roma y en los modelos bizantinos. · El deseo de fundir ambos modelos conduce al prototipo ideado por Alberti en San Andrés de Mantua, de iglesia de planta basilical de una nave con capillas laterales y crucero con cúpula, en la que la gradación lumínica está perfectamente lograda al concentrarse la luz en el crucero y el presbiterio.

La arquitectura profana o civil Predominan dos tipos de construcción, además del gran desarrollo que tendrán los edificios públicos (ayuntamientos, lonjas, puentes, etc.), el Palacio y la Villa. Los palacios renacentistas florentinos adoptan la forma cerrada de un bloque con pi sos bien diferenciados, ventanas repartidas regularmente y recintos de altura uniforme, sin tener en cuenta la distinta función de las estancias. La estructura del edificio está condicionada por la claridad racional; en el interior se agrupan las cuatro alas en torno a un patio interior rodeado por logias (galerías abiertas de arcos de medio punto sobre columnas que se repiten regularmente). La torre medieval ha desaparecido, aunque en ellos es reconocible la tradición medieval de los palacios toscanos medievales. Los vanos de la fachada suelen estar enmarcados y decorados con elementos arquitectónicos de raíz clásica (pilastras, frontones, etc.) que se repiten de forma rítmica. La Villa es la residencia campestre de carácter señorial que se generaliza entre las clases pudientes de esta época. Se aparta por completo del modelo tradicional de villa fortificada, creándose un marco arquitectónico perfectamente adaptado a la vida campestre. El edificio se funde con el paisaje, asentando un sencillo cubo sobre un zócalo, una logia abierta que forma una terraza tendida en torno al bloque cúbico de la casa.

CARACTERISTICAS DEL RENACIMIENTO 10 07 2008 CARACTERISTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA

Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el hombre universal versado en muchas disciplinas, ideas que corresponde a algunos elegidos como Brunelleschi Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio, Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría eran arquitectos.

Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos normales, en la clasificación medieval de la pintura, escultura, estas serian artes “mecánicas” no liberales condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática, lógica y retórica y las mas elevadas como aritmética, geometría, música y astronomía. La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría Ghilberti que sostenía que debían estudiar gramática, geometría, aritmética, astronomía, filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y “diseño teórico”.

Surge el individualismo, el hombre se reconoce como individuo espiritual y como indicio de la creciente conciencia de si mismos que cobran los hombrea del siglo XVI, toma reanimación, la pintura de retratos donde príncipes, nobles y miembros del alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes, los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.

Los artitas recibían encargos de príncipes, que actuaban como regentes del Estado. Estos encargos podían llegar a convertirse en oportunidades de empleo fijo como Da vinci en Milán. Este empleo tendrá dos caras, dado que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concadenada a obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo.

Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el prestigio y el placer, siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las familias donde se destacara mas esta característica será en las de formación Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las grandes familias, que actuaban como mecenas de las artes, los maestro humanistas, encontrarían sus alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas, en cuestiones de mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de sus imágenes.

Los humanistas serian los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por ser conocedores de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en el que la Antigüedad Clásica y su legado literario se reactivaría. Siendo Tetrarca (1304-1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a sus discípulos. Destacándose Colucio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se encuentran los humanistas de la Filología Clásica, entre sus alumnos se encuentran los humanistas de la próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La percepción de la antigüedad humanista en los siglos XV y XVI se eleva al rango de ciencia en el plano teórico e ideológicamente en lo practico se tematiza la relación entre el Renacimiento y la Antigüedad.

En lo que se refiere a la arquitectura el Papa Nicolás V seria uno de los más grandes constrictores del Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe en los proyectos para reconstruir el Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las divinidades como hombres y mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras para la eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían el presente y los siglos venideros.

Con sus edificios recupero un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos poniendo al frente al Papa como nuevo Pontifez Maximums recontrayendo la iglesia de San Pedro con un mayores esplendor y porte clásico dándole la apariencia de un “monumento perpetuo” creado por la mano de dios siendo una prueba eterna de que a los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y de la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la iglesia.

CARACTERISTICAS GENERALES DE LA ARQUITECTURA

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La arquitectura del renacimiento se inspira mas en su antecedente romano que en el griego, seguramente por su proximidad y monumentalidad. Los arquitectos renacentistas comenzaron a utilizar maquetas y dibujos para atraer a los nuevos clientes y exponerles de manera mas económica y rápida sus proyectos; Este hecho potenció un desarrollo más rápido de la arquitectura. Los cinco órdenes arquitectónicos clásicos van a ser utilizados habitualmente. La bóveda de cañón y el arco de medio punto, por su sencillez, fueron los mas corrientes. Los tirantes metálicos, gran novedad, se introdujeron entre las bóvedas para contrarrestas las cargas. Los conocimientos alcanzados sobre las leyes de perspectiva hicieron posible obras arquitectónicas simétricas y regulares donde las líneas de perspectiva confluían en un único punto central del que se podía observar todo el edificio simultáneamente. El urbanismo moderno como intento de racionalización de las ciudades comenzó con el Renacimiento; en la practica se consumo únicamente en las plazas. Tipologia: las construcciones más importantes fueron: la iglesia (predominaron de planta de cruz griega y las circulares) y el palacio. También destacaron la villa (mansión de campo para

descansar o dedicarse a la explotación del campo) y la fortaleza (edificaciones con funciones exclusivamente militares). MANIERISMO

11 07 2008 Manierismo

Mientras Miguel Ángel, Tiziano y Rafael trabajaban en un estilo figurativo, otros pintores adoptan un lenguaje más lírico y decorativo, no tan vinculados a los cánones de la antigüedad clásica. El trabajo de estos maestros demuestra el comienzo del manierismo, un estilo que heredó el cambio propiciado ya en los momentos finales del cinquecento. Pontormo fue otro destacado pintor formado en Florencia bajo la influencia de Miguel Ángel. Su estilo elegante basado en un dibujo cuidadoso, de colores pálidos y antinaturalistas, evoca a Botticelli. Ambos artistas se recrean en un tipo de creaciones más amables, de carácter decorativo. Una de las mejores obras de Pontormo es la titulada El descendimiento (1526), que se encuentra en la iglesia de Santa Felicità en Florencia, en la cual la composición tan apretada de las figuras dificultan su lectura anatómica. Las formas están subrayadas por la paleta de Pontormo, mediante colores no muy fuertes pero sí artificiales. En su refinamiento y delicadeza difiere del estilo de Miguel Ángel, cuyas obras nunca le influyeron. Su extrema sensibilidad, cercana al excentricismo, es un rasgo más de su vida personal, que le describe como un hombre reservado y asocial. Otro florentino, Rosso Fiorentino, trabajó de manera semejante pero, a diferencia de Pontormo, realizó numerosos viajes y finalizó su carrera en Francia bajo el mecenazgo de Francisco I. Rosso, contribuyó en gran medida a la difusión del manierismo florentino, especialmente en el palacio de Fontainebleau. La composición para su Descendimiento de la cruz (1521, Pinacoteca Comunal, Volterra) una de sus obras de más éxito, es más abierta y menos abarrotada, en cuanto a la concepción espacial se refiere, que las obras de Pontormo, pero igualmente que éstas es de difícil comprensión a simple vista. En la siguiente generación, los artistas más jóvenes comenzaron a rechazar los bruscos escorzos de los modelos de Miguel Ángel, Rafael y Tiziano intentado hallar otras vías diferentes de expresión artística. Las cualidades profundamente individualizadas encontradas tanto en Rosso como en Pontormo les hicieron muy populares. En el periodo que abarca desde 1530 —inmediatamente después del saqueo de Roma en el año 1527 — y antes de que finalizase el siglo XVI, el arte italiano se desarrolló con menor coherencia. De esta forma, durante el manierismo, florecieron un importante número de artistas en todas las artes. Entre los arquitectos de este periodo Andrea Palladio fue el más destacado. Formado como cantero en su nativa Vicenza, se convirtió en arquitecto hacia la mitad de su vida. Sus obras más destacadas son una serie de villas en el campo que construyó próximas a Venecia, en el Véneto. Particularmente significativa es la villa Rotonda o Capra (1550-1551) cerca de Vicenza. Construida en un ligero promontorio, el edificio cupulado tiene idénticas fachadas en sus cuatro lados, y se completa con una escalinata y un porche de seis columnas. Más que otros edificios, la villa Rotonda sirvió de inspiración al estilo neopalladiano, movimiento arquitectónico inglés que dominó el diseño de edificios en el siglo XVIII tanto en Inglaterra como en las colonias angloamericanas. El plan de Palladio para la iglesia de Il Redentore (comenzada en el año 1577) en Venecia incluye el uso de órdenes arquitectónicos distintos y de elementos superpuestos (columnas y pilastras) en la fachada, combinación que empezó a ser importante en el siglo XVII.

El arquitecto Iacopo Sansovino trabajó en Venecia durante pocas décadas antes que Palladio. Formado en un principio como escultor en Florencia, su obra más conocida en mármol es el Baco (c. 1514, Museo de Bargello). La Biblioteca Marciana de Sansovino (1536-1588) en la plaza de San Marcos en Venecia es el edificio renacentista más admirado de esta época. Con análoga estructura, en Florencia, la Galería de los Uffizi fue diseñada entre los años 1560-1580 por Giorgio Vasari como sede administrativa de la familia Medici, actualmente convertida en museo. Vasari es más conocido hoy día como el autor del libro Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos, la primera biografía sistemática realizada sobre artistas italianos del renacimiento. Como pintor, recibió influencias de Miguel Ángel y de Rafael. Vasari fue el responsable de la decoración al fresco de la cúpula de la catedral de Florencia y del interior restaurado del palacio Vecchio. Benvenuto Cellini fue uno de los máximos escultores y orfebres de finales del renacimiento. Su azarosa vida se detalla en su autobiografía, escrita entre 1538 y 1562. Como Rosso Fiorentino viajó a Francia para trabajar en el palacio de Fontainebleau. La obra más famosa de Cellini es la escultura en bronce que representa a Perseo y Medusa (1545-1554, Loggia dei Lanzi, Florencia). El héroe, desnudo y exhibiendo su musculatura, sostiene con su mano la cabeza decapitada y ensangrentada de Medusa. La obra del flamenco Juan de Bolonia, arquitecto y escultor establecido en Italia, se incluye en el manierismo. El rapto de las sabinas (1583) que permanece expuesto junto al Perseo de Cellini en la Loggia dei Lanzi, está compuesto por tres figuras desnudas entremezcladas que ascienden verticalmente en espiral. En esta escultura, realizada en mármol, Juan de Bolonia evita la frontalidad buscando un efecto de violencia que se pueda observar desde todos sus ángulos. Il Bronzino uno de los seguidores de Pontormo, fue uno de los pintores más apreciados en la corte de los Medici y uno de los mejores retratistas del manierismo. Pintó de una manera meticulosa y detallista con un modelado muy suave que rechaza la naturalidad en favor del artificio. En su melancólica Eleonora de Toledo y su hijo Juan (c. 1545, Uffizi, Florencia) la representación de los magníficos vestidos de la esposa de Cosimo de Medici acapara el espacio ocupado por las figuras del cuadro. Otro gran pintor del manierismo en Venecia, Tintoretto, combinó la riqueza cromática de la paleta de Tiziano, con la enérgica línea de Miguel Ángel. Desarrolló un enorme virtuosismo en la pintura al óleo y trabajó con rapidez en la ejecución de sus numerosos encargos. Tintoretto quedó fascinado por los efectos ópticos, dramáticos, por composiciones de inusuales efectos de luz, tal y como demuestra en sus 56 pinturas de gran formato (1564-1587) realizadas para la Escuela de San Rocco en Venecia.

PRINCIPALES ARTISTAS DEL RENACIMIENTO 11 07 2008

Existen tres grupos de artistas: a) Artistas mayores: Leonardo (1452-1519), Rafael (1483-1520) y Miguel Ángel (1475-1564). De a495 a 1520 es el periodo del clasicismo italiano, es la cúspide y los genios en esa época muestran todo lo que se debía mostrar. Es el ideal. b) Artistas colaboradores y seguidores de estos genios. Hablamos de Romano Julio, fiel interprete de Rafael, Andrea del Sarto, fiel de Leonardo, Pantormo de los dos y Primatico, fiel seguidor de Rafael.

c) Pintores manieristas: de 1520 al 1600 se da la época llamado de Bajo Clasicismo o Manierismo: de la composición de la luz y del color. Existen también tres pintores que representan estas tres formas de manierismo: el Parmigianino y Antonio Allegri (el Corregio) y el Bronzino. Aparte de estos tres grupos de artistas existe una escuela que va a evolucionar paralelamente durante todo el siglo XVI: es la Escuela Veneciana formada por Giogione, Tiziano, Verones, Tintoretto y los Vasano.

1 Artistas mayores Leonardo Da Vinci: Es el ideal de artista integral renacentista, aunque Miguel Ángel es mas perfecto. Es él más especializado de los tres. En la pintura va a ser Rafael, aunque es su ultima etapa victoria va a dejarse influenciar por la violencia de Miguel Ángel. Leonardo representa el ideal de hombre sabio y va a tener por eso una vida artística errante, será reclamado por diferentes mecenas. Nació en Vinci, un pueblo muy cercano a Florencia y en esta ciudad se educo. Empezó sus estudios de Bellas Artes en el taller de Verroquio y ya en 1482se presento al mecenas de Milán. Con el estuvo hasta el año 1499, cuando Milán fue conquistada por los franceses. De allí volvió a Florencia y después a Roma donde coincidió con Rafael y Miguel Ángel. Por ultimo, en 1515 Francisco I de Francia lo llamo a Fontainebleau y allí trabajo hasta 1519cuando muere. Este seria pues su ultimo mecenas

Leonardo Da Vinci : El fervor de conquista intelectual, el ideal de artista integral, el ansia de verdad y de belleza, el entusiasmo por el entusiasmo por el glorioso pasado GRECOROMANO que fueron la levadura del renacimiento brillaron impetuosamente en Leonardo; Aunque Miguel Ángel es más perfecto. Nacido en Vinci, vivió su juventud en Florencia, donde estudio pintura con el Verifico. Humanista de profesión fue: Arquitecto, ingeniero, medico, escultor, literio, pintor y músico. El se consideró mas como hombre práctico que como pintor. Vivió de sus trabajos varios y no de su pintura (cuya obra es muy reducida). Hacia diseños artísticos, trabajos científicos, bailes de disfraces. En escultura siempre busco dar la sensación de movimiento y sus bocetos iban siempre mas allá de las posibilidades técnicas. En todos los campos persiguió él más difícil todavía y en su pintura no iba a ser menos. Era un excelente dibujante sobre todo a la hora de representar el movimiento, aunque el movimiento no e muy frecuente en la pintura de Leonardo. Perfecciono la técnica del esfumado (Sfumato), la cual se caracteriza por no darle limites precisos a las figuras, se diluyen los contornos para integrar a la figura en el paisaje o para representar rostros con sutiles expresiones. En su color se difuminan blancos y grises para difuminar así el resto de los colores y lograr así aspectos expresivos sutiles, por ejemplo su risa leonardesca, lo que da a la figura sensación de vida, poesía,

de misterio. Era inquieto y de tal manera que a la mitad de la creación de sus obras cambiaba del tipo de pintura, probaba oleos más grasos, finos y acuosos, es así que la mas celebre de sus pinturas: “la ultima cena”, en la cual utilizo una nueva pintura que la pared donde la pinto no

asimilo, entonces a los pocos años se deterioro. En esta pintura utilizo una perspectiva geométrica, todas las líneas de la pintura convergían en la cabeza del Mesías de los cristianos, Cristo. En la Gioconda, utilizo una perspectiva aérea. Otras de sus obras de sus obras son: “La virgen de las rocas”, “la virgen y la Santa Ana”.

En 1482 se presento al mecenas de Milán, con él estuvo hasta el año 1499, cuando Milán fue conquistado por los franceses. De allí volvió a Florencia y después a Roma donde coincidió con Rafael y Miguel Ángel. Por ultimo, en 1515 Francisco I de Francia lo llamo a Fontainebleauy allí  trabajo hasta 1519 cuando muere. Este seria, pues, su ultimo mecenas.