Bitacora de Pintura

BITÁCORA DE BITÁCORA PINTURA Briggitte Morante Cabrejos

ARTES PLÁSTICAS 6TO CICLO FACULTAD DE CIENCIAS HISTÓRICO SOCIALES Y EDUCACIÓN UNIVERSIDAD NACIONAL PEDRO RUIZ GALLO

INTRODUCCIÓN El proyecto a continuación, presenta el trabajo de investigación necesario para crear un conjunto de obras pictóricas, desde el estudio de materiales empleados, referentes de otros artistas, bocetos y apuntes, y por último el producto final del proyecto: la obra pictórica culminada.

OBJETIVOS

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Valerse de los saberes obtenidos acerca de la figura humana. Usar el arquetipos Adecuar fondos. Instruirse más acerca de la figura humana. Concluir los cuadros en el plazo propuesto.

TEMA El Circo El circo ha sido desde siempre una forma clásica de diversión; la palabra procede del latín circus y designaba el escenario romano donde se originaron muchos de los números que pueden verse hoy en una función circense. Las actuaciones en un circo se rigen siempre según unas bases establecidas, y hay una serie de números que son ya clásicos en el repertorio de este tipo de espectáculos, tales como las acrobacias a caballo, las cabalgatas y las actuaciones de elefantes, focas, perros y otros animales amaestrados. El domador de leones y tigres, por ejemplo, ha sido siempre uno de los personajes característicos caracterí sticos y más atrayentes del circo aunque en algunos países se hayan prohibido esta clase de números. Las funciones con animales, no obstante, sólo son un pálido reflejo de las que tenían lugar en los circos romanos, y en ellos siempre se opone, a la fuerza bruta de la bestia, la inteligencia del hombre. Los antiguos saltimbanquis, juglares y magos (a menudo muy habilidosos) fueron los precursores de los artistas de circo actuales y muchos de sus números y creaciones forman parte de la mayor tradición circense. El payaso actual, o clown, ha heredado dicha tradición y sus actuaciones incluyen toda una serie de chistes, pantomimas, piruetas y números musicales, que siempre han atraído a grandes y pequeños. Este personaje, cómico a ultranza y con su máscara sonriente, puede, sin embargo, como Grock, Rivel, Popov o los hermanos Fratellini, ser un drámatico reflejo de la incomprensión, la soledad y los defectos humanos. El circo, tal y como lo conocemos, apareció por primera vez en Gran Bretaña en 1770, y en el siglo siguiente la actividad circense se extendió a gran número de países. En Alemania fueron famosos los circos Renz, Busch y Schuron; en Francia el Circo de Invierno (Cirque d’Hiver) y Médranos; en Gran Bretaña, el

Circus Sanger; y en Estados Unidos, Barnum & Bailey, que fue el primer gran circo ambulante. En este sentido, el circo Ringling norteamericano constituye una de las empresas más grandes que se hayan acometido en el mundo del circo. En la Union Soviética, el circo está subvencionado por el Estado, y es una tradición de amplio arraigo popular. La palabra circo puede designar también al sitio en el que se representa el espectáculo circense, que puede ser una carpa móvil o un anfiteatro permanente.

MARCO TEÓRICO ESTUDIO DE MATERIALES 

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Óleo: Técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de base vegetal. Por extensión, se denominan oleos a las pinturas ejecutadas mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre lienzo o tabla.

Pinceles; la pincelada en el soporte depende del formato del pincel, con el paso del tiempo y la práctica, acaban reuniendo en base a sus preferencias una amplia colección de brochas y pinceles con distintas puntas, tipos de pelo, tamaño y calidad. La selección depende del artista y el tipo de técnica que vaya a usar.

Tipos de pinceles según la forma: Redondos: para líneas y detalles. Tienen algunas variantes como los avellanados, puntiagudos, delineadores. Planos: sirven para mezclar colores, esparcir el óleo en superficies, hacer líneas tanto delgadas como (rectas) gruesas, cuadradas, etc. Lengua de gato: fusión entre el pincel redondo y el plano, su forma es achatada pero en sus extremos los pelos son más cortos, 

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curvados hacia el centro. Abanico: su nombre describe su forma, son de muy fácil manejo y limpieza.

Paleta; superficie utilizada para organizar y mezclar los colores, el material puede ser de cualquier tipo, lo importante es que tengas una superficie amplia, de color claro, fácil de limpiar, que te permita hacer mezclas sin que tengas restricciones de espacio.

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Espátulas; herramienta versátil. Se emplea para mezclar colores homogéneos sin ensuciar los pinceles, otros lo usan para pintar con ella.

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Medios; los más populares en la pintura al óleo son el aceite de linaza y el secativo de cobalto.

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Disolventes; la esencia de trementina es el disolvente más empleado en la pintura al óleo. Se utiliza para limpiar los pinceles y para adelgazar la pintura al óleo. De diferencia del aguarrás puro en su calidad.

ESTUDIO DE LA FORMA El Hombre De Vitrubio Vitrubio el arquitecto, dice en su obra sobre arquitectura que la naturaleza distribuye las medidas del cuerpo humano como sigue: que 4 dedos hacen 1 palma, y 4 palmas hacen 1 pie, 6 palmas hacen 1 codo, 4 codos hacen la altura del hombre. Y 4 codos hacen 1 paso, y que 24 palmas hacen un hombre; y estas medidas son las que él usaba en sus edilicios. Si separas la piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya 1/14 y estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triángulo equilátero. La longitud de los brazos extendidos de un hombre es igual a su altura. Desde el nacimiento del pelo hasta la punta de la barbilla es la décima parte de la altura de un hombre; desde la punta de la barbilla a la parte superior de la cabeza es un octavo de su estatura; desde la parte superior del pecho al extremo de su cabeza será un sexto de un hombre. Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo. Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte del hombre. La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte de un hombre. Desde el codo a la punta de la mano será la quinta parte del hombre; y desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte del hombre. La mano completa será la décima parte del hombre; el comienzo de los genitales marca la mitad del hombre.

El pie es la séptima parte del hombre. Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte del hombre. Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte del hombre. La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma, y, como la oreja, una tercera parte del rostro». La anterior es la traducción completa del texto que acompaña al Hombre de Vitrubio de Leonardo da Vinci. En realidad es una traducción de las palabras de Vitrubio pues el dibujo de Leonardo fue originalmente una ilustración para un libro sobre las obras de Vitrubio. El Hombre de Vitruvio es probablemente una de las imágenes más famosas y reconocibles de Leonardo. (En El Código Da Vinci es también la obra de Da Vinci favorita de Sophie Neveu y es asimismo la postura en la que su abuelo. Jacques Sauniére. colocó su cuerpo antes de morir).

El Canon De Policleto Polícleto escribió aproximadamente en el tercer cuarto del siglo V a.C. un célebre tratado de escultura en el que apoyándose sobre el conocimiento matemático y geométrico de los filósofos pitagóricos llegó a la elaboración de un canon de proporciones aplicado al cuerpo humano en un intento de consecución del ideal de belleza basado en la exacta relación mensurable entre todas las partes del cuerpo entre sí y de todas ellas con el conjunto. El texto de Polícleto no ha llegado hasta nosotros pero tenemos noticias de él gracias a un pasaje de la obra del físico Galeno (siglo 1I d C) en el que comenta la opinión del filósofo estoico Crisipo sobre el hecho de que la salud del cuerpo es el resultado de la proporción armónica de todos los elementos que lo constituyen. La belleza reside, no en la proporción de los elementos constituyentes, sino en la proporcionalidad de las partes, como entre un dedo y otro dedo, y entre todos los dedos y el metacarpo, entre el carpo y el antebrazo y entre el antebrazo y cl brazo, en realidad entre todas las partes entre si, como está escrito en cl Canon de Polícleto.

Para enseñarnos en un tratado toda la proporción del cuerpo, Polícleto apoyó su teoría en una obra, haciendo la estatua de un hombre de acuerdo con los principios de su tratado y llamó a la estatua, como al tratado, Canon. No por casualidad, uno de los maestros griegos de la época, el escultor Polícleto, se ganará el título de «grande» de sus contemporáneos más por el canon — el sistema de relaciones matemáticas establecido entre todas las partes del cuerpo —   que por sus también notables obras escultóricas. Reaparece aquí, como en la arquitectura la tendencia helena a instituir una regla y después buscar las perfectas proporciones dentro de esta regla; así como el concepto de que un todo perfecto es la suma perfecta de partes perfectas. Es necesario  — afirma Polícleto —   que la cabeza sea la séptima parte de la altura total de la figura, el pie dos veces la longitud de la palma de la mano mientras la pierna, desde el pie a la rodilla, deberá medir seis palmos, y la misma medida habrá también entre la rodilla y el centro del abdomen Para demostrar la exactitud de su canon esculpió una estatua que nos ha llegado en numerosas copias romanas: el Doríforo  — es decir, el portador de lanza — , un joven, una vez más, completamente desnudo, que lleva con desenvoltura una ligera lanza en la mano.

ESTUDIO DE EL COLOR Pintura al óleo El óleo, palabra proveniente del Latín oleum (aceite), es una técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal. Por extensión, se denominan óleos a las pinturas ejecutadas mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre lienzo o tabla. El óleo permanece húmedo mucho tiempo, lo que favorece la mezcla de colores. Historia El uso del óleo se conoce desde la Antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media, aunque de modo minoritario ya que en esa época predominaba la pintura al temple o al fresco. A fines del siglo XIV y durante el siglo XV, se comenzó a generalizar el uso del óleo en detrimento de otras técnicas, ya que permitía un secado más lento de la pintura, correcciones en la ejecución de la misma y una excelente estabilidad y conservación del color. Fueron los pintores de Flandes los primeros en usar el óleo de forma habitual, y se atribuye, erróneamente, su invención al pintor Jan van Eyck.2 El aceite que más se empleaba era el de linaza, pero no era el único y cada artista tenía su propia fórmula que se solía guardar en secreto. Normalmente se emplea la esencia de trementina como disolvente, para conseguir una pincelada más fluida o más empastada, según el caso. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100. Cennino Cennini, en su Libro del arte, también menciona y describe la técnica.3 La preparación del soporte para recibir la pintura varía según la naturaleza del mismo. Normalmente se suelen aplicar una serie de capas de cola animal y yeso, que consiguen que la superficie quede lisa y uniforme; esto se denomina imprimación. Si bien en un primer momento la mayoría de los óleos eran sobre soporte de madera, a partir del siglo XVII con el arte Barroco los pintores eligieron como soporte favorito de sus pinturas el lienzo, siendo este más práctico para la elaboración de grandes composiciones por su posibilidad de enrollarse, además de sufrir menos las variaciones térmicas y el ataque de insectos xilófagos.

La pintura obtenida con la mezcla de aceites ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas (lo contrario a lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra, variar la composición, los colores, etc. Precisamente por estas cualidades fue la técnica favorita de pintores como Leonardo da Vinci, Tiziano o Velázquez, quienes valoraban una ejecución meditada y sujeta a correcciones continuas. Leonardo experimentó diversas variaciones de la técnica, como su aplicación sobre muros a modo de fresco, o la invención de barnices y texturas oleosas de diversa consistencia, que se saldaron con rotundos fracasos, pero asimismo llevó esta técnica a nuevas cimas con la invención del sfumato o gradación suave de la luz, conseguida a base de sucesivas capas de pintura muy ligeras (veladura). Van Eyck, como los demás pintores flamencos, utilizaba el óleo a modo de miniaturista, procurando captar los detalles y dando como resultado una pintura esmaltada; la escuela pictórica veneciana (Tiziano) aportará como novedad las posibilidades de textura de las pinceladas, experiencias que recogerán posteriormente, entre otros, el flamencoRubens y el holandés Rembrandt; este último ensayó técnicas nuevas como el raspado. Todas estas formas de pintar fueron el método académico hasta el siglo XVIII. A partir del Impresionismo, los pintores usan los colores prácticamente sin mezclar ni diluir, y sin boceto o diseño previo en muchas ocasiones. Una paleta de madera tradicional, utiliza para mantener y mezclar pequeñas cantidades de pintura mientras se trabaja. El equipo que usan los pintores se compone normalmente de pinceles (cerdas de animales, especialmente marta; también de pelo sintético), de diferentes tamaños y formas, espátula, caballete y paleta. Se puede trabajar sobre un boceto previo, o bien sin él, técnica más libre denominada allá prima.

Óleo sobre lienzo Ha sido el soporte favorito desde el Renacimiento hasta nuestros días, por su facilidad para el transporte y almacenaje y óptima conservación. La tela evita las molestas y antiestéticas grietas que a menudo afloran en la madera debido a oscilaciones térmicas o de humedad, y permite la realización de pinturas de mayores dimensiones.

Además, muchos artistas aprovechan la trama del tejido para crear efectos expresivos particulares. Los lienzos suelen exhibir un aspecto más mate que la pintura sobre tabla, aunque muchas veces esto se mitiga con la aplicación de barnices como acabado final. Las telas más utilizadas para pintar son el lino, la arpillera y el algodón. Los artistas venecianos de final del siglo XV fueron los primeros que utilizaron el lienzo libre montado sobre un armazón. La tela alcanzó su máximo esplendor como soporte en el siglo XIX con los impresionistas, cuando se comenzó a extender la pintura al aire libre y se hicieron necesarios soportes más ligeros y fáciles de transportar.

Óleo sobre otros soportes La utilización de otros soportes diferentes a la tabla o lienzo fue muy minoritaria, aunque no escasa, ya que desde el Barroco se impuso la moda de los objetos lujosos y de apariencia extraña o novedosa, por lo que conocemos pinturas al óleo sobre piedras preciosas, metales, vidrio, e incluso marfil, que se puso muy de moda en la época romántica. Estos soportes presentan muchas veces problemas de conservación, ya que la adherencia del óleo a estas superficies no porosas es menor. En cuanto a piedras, fue usual la pintura sobre ágata y sobre mármol, siendo más extraños otros soportes como laaventurina.6 Tales soportes, por su exotismo y belleza, aumentaban el valor de las pinturas. En cuanto a los metales, sin duda el más utilizado fue el cobre. Fue un soporte muy popular a partir de fines del siglo XVIII, en obras generalmente de pequeño tamaño. Las ventajas que ofrece son su estabilidad y durabilidad, y la superficie uniforme del metal, que permite un acabado liso y brillante. Óleo por veladuras El óleo trabajado a base de veladuras es la técnica de pintar que más se utilizó en el Renacimiento. También fue frecuentemente utilizada por artistas posteriores. Rembrandt, por ejemplo, finalizaba sus cuadros con numerosas veladuras de color transparente sobre la base seca. La veladura consiste en capas muy delgadas de pintura diluida en barniz o trementina, de forma que se transparente la capa inferior, así el color que veremos es el resultado de la mezcla del color inferior más el de la veladura.

Pigmentos Tradicionalmente el artista preparaba sus propios colores, mezclando pigmentos con aceite de lino y resina. A finales del s. XIX comenzaron a comercializarse tubos con colores al óleo ya preparados. Cada maestro tenía sus propias recetas y existen muchas curiosidades asociadas a la fabricación de los colores, como el marrón de momia obtenido del polvo de momia comercializado para usos medicinales en el siglo XII8 o el amarillo indio muy apreciado por los pintores flamencos de los siglos XVII y XVIII, producido a partir de orina de ganado alimentado únicamente con hojas de mango. Actualmente muchos pigmentos naturales han sido reemplazados por pigmentos sintéticos, más económicos y menos tóxicos, aunque han conservado sus nombres históricos, por ejemplo: • Azul ultramar: en su origen el pigmento se obtenía de una piedra semipreciosa, el lapislázuli. Era el color utilizado en la pintura de los mantos de la Virgen, y era frecuente que su cantidad, uso y extensión fuera objeto de especificaciones muy precisas en los contratos realizados entre los comitentes y el artista, así como el uso del pan de oro.10 • Amarillo de cromo: elaborado originalmente a base de cromato de plomo, un pigmento de color intenso con variaciones desde tonos claros hasta casi naranja. Fue empleado hasta mediados del siglo XIX, y uno de los colores preferidos por Vincent van Gogh. La alta toxicidad del cromo, así como su poca estabilidad ante la luz, lo fueron dejando en desuso.9 • Carmín: tradicionamelte producido con cochinillas Kermes vermilio, y, a partir del s. XVI, con cochinilla americana, resultaba un pigmento de un rojo intenso aunque poco estable a la luz en su utilización al óleo.11 • Cardenillo: la pintura al óleo preparada con este pigmento obtenido de la pátina verdosa del cobre, también conocido como verdigris, se presentaba inicialmente de un color verdeazulado y demoraba aproximadamente un mes para alcanzar su tonalidad verde estable, además de ser sumamente tóxico.7 “El cardenillo y el aloe, así como la cúrcuma y la hiel, brindan un

verde hermoso; esto también sucede con el oropimente quemado y el azafrán, aunque prontamente han de ennegrecer, según me temo. Mixturando amarillo vítreo y azul marino se obtiene un hermoso verde para el fresco. El cardenillo y la laca brindan al azul de óleo unas sombras magníficas.”

Leonardo Da Vinci, Tratado de pintura, 1498.

ESCALA DE COLORES El blanco, el negro y el gris son colores acromáticos, es decir, son colores sin color. Psicológicamente son colores dado que originan en el observador determinadas sensaciones y reacciones. Desde el punto de vista físico, la luz blanca no es un color, sino la suma de todos los colores en cuanto a pigmento, el blanco sería considerado un color primario, ya que no puede obtenerse a partir de ninguna mezcla. El color negro, por el contrario, es la ausencia absoluto de la luz. Y en cuanto color sería considerado un secundario, ya que es posible obtenerlo a partir de la mezcla de otros. Las escalas pueden ser acromáticas o cromáticas. Cromática: los valores del tono se obtienen mezclando los colores puros con el blanco o el negro, por lo que pueden perder fuerza cromática o luminosidad. Acromática: será siempre una escala de grises, una modulación continúa del blanco al negro. La escala de grises se utiliza para establecer comparativamente tanto el valor de la luminosidad de los colores puros como el grado de claridad de las correspondientes gradaciones de este color puro. Por la comparación con la escala de grises, se supone de relieve las diferentes posiciones que alcanzan los diferentes colores puros en materia de luminosidad. Gamas de colores Definimos como gamas a aquellas escalas formadas por gradaciones que realizan un paso regular de un color puro hacia el blanco o el negro, una serie continua de colores cálidos o fríos y una sucesión de diversos colores. Escalas monocromas: son aquellas en las que hay un solo color y se forma con todas las variaciones de este color, bien añadiendo blanco, negro o la mezcla de ambos (gris). Dentro de esta escala diferenciamos: Saturación, cuando el blanco se le añade un cierto color hasta conseguir una saturación determinada. Luminosidad o del negro, cuando al color saturado se le añade solo negro. Valor, cuando al tono saturado se le mezclan al mismo tiempo el blanco y el negro, es decir, gris. Escalas cromáticas: estas se distinguen a su vez, en altas, medias y bajas. Altas, cuando se utilizan las modulaciones del valor y de saturación que contienen mucho blanco.

Medias, cuando se utilizan modulaciones que no se alejan mucho del tono puro saturado del color. Bajas, cuando se usan las modulaciones de valor y luminosidad que contienen mucho negro. Policroma, a aquellas gamas de variaciones de dos o más colores, el mejor ejemplo de este tipo de escala seria el arco iris.

QUE SIGNIFICA EL COLOR VERDE El verde es un color que se identifica perfectamente con la naturaleza, nos hace conectar con ella y nos aporta sentimientos de frescura, armonía, crecimiento y fertilidad. Es muy útil cuando necesitamos relajación, sobre todo cuando acabamos de superar una depresión o trauma nos ayuda muy a alcanzar la paz interior, es ideal para equilibrarnos emocionalmente. Perfecto para encontrar la armonía, la calma y el confort. Significado del color verde Tiene muchos significados distintos y la gran mayoría de ellos son totalmente positivos, aunque no todos, como descubrirás si sigues leyendo. Una de las cosas más importantes que significa es naturaleza. Es el color de las plantas, de los bosques, de los árboles y de muchos animales, especialmente reptiles. Por ejemplo, muchos animales que viven en la selva son de este color precisamente porque les permite esconderse de los depredadores. Y esto nos lleva al siguiente significado: seguridad, calma, paz y equilibrio. El verde nos da seguridady nos hace sentirnos en paz, principalmente porque los seres humanos, al fin y al cabo, somos animales y nuestro ambiente es la naturaleza, por lo que nos sentimos muy bien con un color que podemos identificar como nuestro hogar. También significa bondad, por eso muchas organizaciones sin ánimo de lucro lo usan para sus logotipos y materiales publicitarios. Además, simboliza el hecho de hacer las cosas bien, quizás también por eso lo asociamos con el ecologismo y el reciclaje. Como detalles negativos hablaremos de 3 cosas: 1Tradicionalmente, el color verde ha sido y es un color venenoso. Se usa para representar el veneno e incluso para algunas sustancias químicas. 2Al juntar el verde con el amarillo se despierta (aunque sea de forma inconsciente) en el ser humano sentimientos de celos, posesión o resentimiento. 3No es apreciado en todos los países por igual. Por ejemplo en Francia no es muy querido y muchas personas consideran incluso que trae mala suerte. ¿Qué sensaciones transmite? Nos transmite sensaciones muy positivas y muchas de ellas incluso son muy beneficiosas para la salud. Al utilizarlo para pintar una habitación, si usamos una tonalidad de verde claro nos encontraremos ante un

lugar perfecto para meditar, reflexionar y encontrar la paz, es muy agradable y nos hace sentirnos bien. Es ideal para las personas que les guste la meditación, también tiene propiedades curativas. De hecho puede ser de ayuda cuando alguien experimenta problemas de visión. Color verde También nos evoca sensaciones de juventud. Por ejemplo, si ves a una persona que lo usa en su vestimenta, seguramente pienses que es alguien con vitalidad, lleno de vida, con ganas de disfrutar del mundo. Y realmente es así, al usarlo en nuestra ropa nos aporta energía y nos sentimos mucho mejor para encarar el día, nos sentimos más renovados. Además, combinado con colores como el blanco reforzamos mucho más esa imagen. Así que si quieres que los demás te perciban como alguien fuerte, vital y con energía, úsalo en tu vestimenta. Pero como ya te dijimos al principio, no todo es bueno y es importante saber que también nos da la sensación de que es venenoso. Eso tiene mucho que ver con la tonalidad que uses, por ejemplo si lo usas muy oscuro y lo combinas con el negro, la sensación no va a ser nada buena. También nos trae a la mente la percepción de que algo verde puede ser maligno para la salud y de hecho se usa cuando se quiere representar algo que es tóxico. Es, junto con el amarillo, uno de los colores que tradicionalmente se ha usado para representar sustancias químicas peligrosas. Curiosidades de este color - En muchos lugares se utiliza para referirse a la falta de experiencia. Cuando decimos que alguien está muy verde queremos decir que no tiene mucha práctica en algo que está intentando hacer y que todavía le queda mucho por aprender. Esto es así porque cuando la fruta todavía no está madura, como sabes es verde. Por ejemplo los plátanos. Por eso cuando queremos decir que una persona todavía tiene mucho que aprender se usa esa expresión en muchos lugares. - Aunque la mayoría de nosotros si pensamos en el demonio lo imaginamos rojo (por las llamas del infierno, principalmente), lo cierto es que en muchas culturas es representado en tono verdoso. Ha sido así tradicionalmente y en muchos sitios sigue siendo así. - En la sociedad actual se utiliza para indicar algo bueno y sobre todo, algo que está permitido. Por ejemplo cuando los semáforos están en este color indica que los coches pueden continuar. O en

las carreras de automovilismo y motociclismo la bandera verde indica que no hay peligro y que se puede continuar la competición con seguridad. - Es todo lo contrario que el color rojo, que actualmente se usa para indicar que algo no está permitido o que no es bueno. En algunos lugares tiene significados obscenos. Por ejemplo, cuando se dice voy a contar un chiste verde se quiere decir que se va a contar un chiste dirigido a adultos. QUE SIGNIFICA EL COLOR ROJO Cuando pensamos en el color rojo lo relacionamos con el fuego o la sangre. Siempre ha representado la fortaleza y la valentía, además de la violencia y la agresividad. Esto le hace también ser uno de los colores que significa prohibición, y es habitual verlo en símbolos de advertencia, ya que llama mucho la atención. En este artículo te contamos todos los secretos que esconde este color, además te decimos las sensaciones que transmite y algunas curiosidades que te sorprenderán mucho. Significado del color rojo Los significados del rojo están casi todos ligados a las emociones fuertes. Simboliza la pasión y la lucha por conseguir las cosas, podríamos decir que cuando pensamos en este color lo hacemos siempre desde el lado de las emociones, ya que es una tonalidad totalmente emocional y muy ligada a la parte más pasional y animal del ser humano. En el pasado fue emblema de las clases más altas y esto se debe a que antiguamente era muy difícil de conseguir por medio de los tintes que se adquirían por importación. Es decir, que sólo podían tenerlos los que poseían mucho dinero y gozaban de gran poder. Por eso tiene un fuerte significado de riqueza, lujo y poder. Tradicionalmente ha sido el color de la gente más importante y esta relevancia se ha llevado hasta nuestros días, donde es muy común ver la alfombra roja en los lugares donde hay personas distinguidas. O por poner otro ejemplo, piensa en un teatro, donde normalmente va gente elegante e importante. Si te fijas, los asientos suelen ser rojos. Además, al simbolizar poder y belleza, también se usa mucho en joyas. Al margen de todo eso, también significa agresividad como ya hemos dicho anteriormente. Al ser el color de la sangre, lo asociamos a todo lo relacionado con peleas y muertes violentas. También significa peligro. En este caso es justo lo contrario que el verde. Por ejemplo, cuando el semáforo está en rojo quiere decir que no se puede pasar o cuando en una playa la bandera es de este

color, nos indica que es peligroso bañarse en el mar, debido al mal tiempo o a otras circunstancias. En definitiva, simboliza peligro y nos indica que tengamos cuidado. ¿Qué sensaciones transmite? Hay que tener cierto cuidado si usas el rojo para pintar una habitación de tu casa, por ejemplo. Aunque es cierto que es pasional y nos transmite sensaciones de fuerza y en cierta forma ejercita nuestra creatividad, lo cierto es que en exceso puede ser perjudicial para nuestra mente. Al evocarnos todos esos sentimientos tan potentes y pasionales, no es nada adecuado para relajarse ni para encontrar confort. Es justo todo lo contrario a eso. Por ejemplo, colores como elazul sí que aportan paz y serenidad a nuestra mente, pero el color rojo es justo lo contrario: es fuerza, valentía y otras muchas cosas, pero no aporta sensaciones tranquilas y serenas. Color rojo Y en este punto tenemos que contarte una curiosidad que ocurre con este color: por un lado nos transmite, aunque sea subconscientemente, sensaciones de masculinidad. Pero por otra parte, también tiene un fuerte componente femenino. ¿Por qué ocurre esto? Simple. En la parte de la masculinidad es porque nos evoca emociones de fuerza, valentía y combate. Y en la parte femenina es por su asociación con la elegancia, incluso con toques de misterio, además de ser, como ya te hemos dicho, uno de los tonos más usados en las joyas. Y antes de contarte algunas curiosidades más, es importante que sepas que si quieres transmitir a las demás personas la sensación de que eres alguien fuerte, positivo y valiente, el rojo es el color perfecto para vestir. Combina muy bien con colores como el azul o el amarillo. Aunque cuidado, ya que como sabes, también es símbolo de agresividad. Se trata de usarlo con la tonalidad adecuada y en su justa medida. Curiosidades de este color 1En la época del Imperio Romano, sólo los emperadores y sus familias podían usar el color rojo para vestir. 2Es muy utilizado en las banderas de los países, ya que casi todas las naciones lo han usado en algún momento al estar en guerra. 3Nuestra sangre es roja gracias a la hemoglobina, una proteína que se encarga de llevar oxígeno a todos los rincones de nuestro cuerpo. 4Es el color que simboliza la lucha contra el SIDA. De hecho, el lazo que simboliza a esta lucha es de esta tonalidad. Ocurre igual con otros

colores, como por ejemplo el lazo rosa, que es usado para simbolizar la lucha contra el cáncer de mama. 5Desde la Revolución francesa, el rojo es asociado a la revolución y a las personas que tienen ideas políticas de izquierdas. 6Varios estudios han demostrado que los hombres y mujeres que prefieren el rojo por encima de otro color son personas que actúan más por el corazón que por la razón, muy decididas y siempre optimistas.

QUE SIGNIFICA EL COLOR AMARILLO Puede resultar realmente complicado llegar a entender el significado del amarillo, ya que es muy contradictorio: puede simbolizar tanto la sabiduría como la mentira o la envidia. Es decir, representa cosas buenas y alegres, pero también tiene toques negativos. Incluso se dice que trae mala suerte a los artistas. Si quieres descubrir todos los secretos y todas las curiosidades que se esconden detrás de este fascinante color, sólo tienes que seguir leyendo. Seguro que las cosas que te vamos a contar te van a impresionar mucho. Significado del color amarillo En la sociedad actual, el amarillo representa muchas cosas y como te decíamos al principio, esas cosas se contradicen entre ellas. Por ejemplo, por una parte simboliza la satisfacción, los momentos alegres y por otro lado es signo de peligro y alerta. El Sol es la estrella que nos da la vida y es precisamente de este color, así que ya imaginarás por qué lo asociamos a momentos buenos. Se podría decir que personifica ni más ni menos que la vida, junto con los colores azul (agua) y verde (naturaleza). Pero ya empiezan las contradicciones, verás qué curioso. Por un lado, es muy típico ver que se usa para todo lo relacionado con el dinero. De hecho, representa la economía. Es bastante frecuente que las marcas de lujo lo usen, en contraste con el color negro. Seguro que has visto marcas de ropa cara, relojes, coches de alta gama, etc. que usan esta combinación en sus logotipos, establecimientos y anuncios publicitarios. El motivo es muy simple: estos dos tonos juntos transmiten la seriedad, el poder y la elegancia. Pero, por otra parte, también es utilizado en productos infantiles. Sin duda no podemos negar que es un color infantil. Es usado en muchos dibujos animados, juguetes para niños… en definitiva, es signo de

infancia.

Es muy curioso que sea de utilidad en situaciones tan distintas y en ámbitos e industrias tan diferentes entre ellas. Además, como es muy brillante y fácil de ver, es utilizado para pintar los taxis de muchas ciudades (de esa forma es más sencillo verlos), para muchos carteles publicitarios y también como un símbolo de advertencia, estando muy presente en etiquetas para anunciar sustancias tóxicas o radioactivas. ¿Qué sensaciones transmite? Como hemos dicho anteriormente, el color amarillo simboliza una parte importante de la vida, porque no olvidemos que además de estar presente en el Sol, también lo está en el fuego y en la arena. Por todo ello, nos transmite sensaciones de fuerza, vitalidad, energía, nos evoca momentos alegres y felices. Color amarillo Además es un estimulante de la mente, pero hay que utilizarlo con cuidado, pues un exceso de esta tonalidad puede producir agotamiento. Hay que tener en cuenta que si tienes un bebé no es recomendable pintar su habitación de amarillo, ya que serán más irritables y además les costará asimilar la vista al color. A pesar de ser divertido y estimulante, no es recomendable utilizarlo en zonas que se consideran de relax. Curiosidades de este color Ya has comprobado que los distintos significados que tiene y los ámbitos en los que se usa son muy diferentes, pero aún hay más, ya que esta tonalidad lleva consigo una serie de curiosidades realmente llamativas. Te las contamos: 1Se dice que trae mala suerte a los artistas, más concretamente a los actores de teatro, porque el director y actor Molière no pudo terminar de interpretar su última obra por problemas de salud y murió unas horas después de cancelarse el espectáculo, en el que casualmente actuaba en el papel de persona enferma. Dicho actor y director iba vestido de amarillo cuando eso sucedió, por esa razón se ha extendido la creencia de que trae mala suerte. 2En Asia es un color con una gran importancia, es el símbolo de la felicidad y de la fuente de la vida. Pero este significado no se extiende por todo el mundo, ya que en la Edad Media simbolizaba el destierro, por lo que lo portaban las prostitutas, las madres solteras, los herejes, los que tenían deudas, los judíos y los mendigos.

3Como sabrás, a la prensa sensacionalista a menudo también se le llama prensa amarilla. Esto es porque en inglés el color amarillo se escribe yellow, palabra que sirve para definir ese color, pero también significa cobarde. Esa forma de nombrar a este tipo de prensa la empezó a usar un periódico neoyorquino en el año 1897 y desde entonces el término se ha seguido utilizando.

REFERENTES PEDRO PABLO RUBENS PETER PAUL RUBENS

Autorretrato, 1623. Royal Collection.

Información personal - Nacimiento 28 de junio de 1577 Siegen, Sacro Imperio Romano Germánico, actual Alemania - Fallecimiento 30 de mayo de 1640 Amberes, Flandes (Países Bajos Españoles), actualBélgica Nacionalidad: Flamenco Información profesional Área Pintura, dibujo Empleador Vicente I Gonzaga de Mantua • • Alberto de Austria (desde 1609) • María de Médici (desde 1621) Género Pintura de historia, retrato pictórico, pintura mitológica, pintura del paisaje, pintura religiosa y desnudo.

REMBRANDT

HOLANDA.- Rembrandt van Rijn es uno de los pintores más importantes de la escuela holandesa barroca. Hacemos un repaso de su biografía. Nació el 15 de julio del año 1606 en Leiden, Holanda, y su padre era molinero. Empezó a estudiar en la Escuela Latina y a los 14 años ingresó a la universidad de Leiden, aunque decidió dejarla para dedicarse únicamente al estudio de la pintura en el taller de un maestro local, llamado Jacob van Swanenburch. En el año 1624, Rembrandt van Rijn fue a Ámsterdam para seguir formándose junto con Pieter Lastman, con quien estuvo medio año. Al volver a Leiden, se pudo su propio taller y, por su enorme reconocimiento, rápidamente comenzó tener sus primeros alumnos. En lo personal, la vida del pintor siempre estuvo envuelta en escándalos y mala fortuna. Más allá de esto, su trabajo y la calidad con el que lo realizada nunca se vieron modificados por sus asuntos personales . Rembrandt van Rijn murió el 4 de octubre de 1669, en Ámsterdam. (Especial El Intransigente)

Vincent van Gogh (1853/03/30 - 1890/07/29) Pintor holandés Nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de un pastor protestante holandés. Con 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica. Sus experiencias como predicador se pueden observar en sus primeras composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es la tosca y directa Los comedores de papas (1885, Museo Vincent van Gogh, Amsterdam, Holanda), uno de los diez únicos grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera. Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica. En 1886 viaja a París para vivir con su hermano Théo van Gogh, que era marchante de arte, y allí se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Recibió gran influencia de la obra de los impresionistas y por la de losgrabadores japoneses como Ando Hiroshige yHokusai, comenzó a experimentar con las técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Camille Pissarroy Georges Seurat. En 1888 abandono la capital francesa para trasladarse al sur de Francia con la esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de laProvenza, pintó escenas rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la región. Durante ese periodo en el que vivió en Arles, empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos relacionados con obras tan conocidas como Dormitorio en Arles (1888, Museo Vincent van Gogh) y Noche estrellada (1889, Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos). Son también de esta época Descargadores en Arles (1888) y Les Vessenots en Auvers (1890), ambas en el Museo ThyssenBornemisza de Madrid (España). Para él todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara, parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró contagiar su entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para que fuera a verle a Arles. Tan sólo les duró dos meses la paz y la armonía ya que después empezaron a tener

violentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de sí, amenazó a Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo remordimiento, Van Gogh se cortó parte de la oreja. Pasó algún tiempo internado en un hospital de Arles y un año en el manicomio de Saint-Rémy, situado en esa misma región. Durante ese periodo siguió trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió. Más tarde pasó tres meses en Auvers atendido por un médico cordial cuyo retrato pintó (El doctor Paul Gachet, 1890, Museo de Orsay, París). Vincent van Gogh padeció de muchos problemas físicos debido, en parte, a la pobreza y a la desnutrición. Fue adicto a la caña de ajenjo, peligrosa bebida narcótica popular a finales del siglo XIX. Parece ser que padeció sífilis, tinnitus, envenenamiento por plomo, síndrome de Meniere y de epilepsia. Sus dos hermanos murieron  jóvenes y su hermana, Wilhelmina, pasó la mayor parte de su vida en un asilo mental. Inmediatamente después de acabar su inquietante Cuervos sobre el trigal (1890, Museo Vincent van Gogh), se disparó un tiro en el estómago el 27 de julio de 1890. A pesar de su herida se arrastró de vuelta a la casa en Auvers-sur-Oise, donde murió dos días después en brazos de su hermano Theo. "Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada": estas son las palabras de Vincent en su última carta encontrada en su bolsillo en Julio 29, 1890. Realizó cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos. En 1973 fue inaugurado en Amsterdam el Museo Vincent van Gogh. Obras seleccionadas La cosecha, 1888 El huerto blanco, 1888 El dormitorio, 1888 El puente de Langlois, 1888 La casa amarilla, 1888 La noche, 1889 Los girasoles, 1888 Lirios, 1890 Campo de trigo con cuervos, 1890 El puente de Langlois en Arles, 1888 El Moulin de la Galette, 1887 La italiana, 1887 Retrato del artista, 1887 El salón de baile en Arles, 1888

La noche estrellada sobre el Ródano, 1888 Campo de olivos, 1889 Autorretrato, 1889 Retrato del doctor Gachet, 1890 Campos en Cordeville, 1890

Miguel Ángel Buonarroti (1475/03/06 - 1564/02/18) Artista italiano Nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, cerca de Arezzo. Hijo de Ludovico Buonarroti, oficial florentino al servicio de la familia Medici, que colocó a su hijo cuando contaba 13 años de edad en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años más tarde se sintió atraído por la escultura en el jardín de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para estudiar las estatuas antiguas de la colección de los Medici. Conoció a los Medici más jóvenes, dos de los cuales llegaron a ser papas (León X y Clemente VII); y también a humanistas como Marsilio Ficino y a poetas como Angelo Poliziano. Con 16 años, ya había realizado al menos dos esculturas en relieve, el Combate de los lapitas y los centauros y laVirgen de la Escalera (ambas fechadas en 14891492, Casa Buonarroti, Florencia). Su mecenas,Lorenzo el Magnífico, murió en 1492; dos años después abandonó Florencia. Durante una temporada se estableció en Bolonia, donde esculpió entre 1494 y 1495 tres estatuas de mármol para el Arca de Santo Domingo en la iglesia del mismo nombre. Después, viajó a Roma, donde estudió las ruinas y estatuas de la antigüedad clásica que por entonces se estaban descubriendo. Realizó su primera escultura a gran escala, el monumental Baco (1496-1498, Museo del Barguello, Florencia) y talló la Piedad del Vaticano con veintitrés años. En esa misma época esculpió también la Pietà(1498-1500) para San Pedro del Vaticano, que aún se conserva en su emplazamiento original y es la única obra en la que aparece su firma. Su estilo de juventud viene marcado por la gigantesca (4,34 metros) escultura en mármol del David (Academia, Florencia), realizada entre 1501 y 1504, tras su regreso a Florencia. Paralelamente a su trabajo como escultor, tuvo la oportunidad de demostrar su pericia comopintor al encomendársele un fresco para el Salón de los Quinientos del Palazzo Vecchio, laBatalla de Cascina, frente a otro encargado a Leonardo da Vinci sobre la Batalla de

Anghiari. Ninguno de los dos artistas llevó a cabo su cometido sólo se realizó un dibujo preparatorio sobre cartón a escala natural. En 1505 interrumpió su trabajo en Florencia al ser llamado a Roma por el papa Julio II para realizar dos encargos. El más importante de ellos fue la decoración al fresco de la bóveda de la Capilla Sixtina, que le tuvo ocupado entre 1508 y 1512, 24 años antes de comenzar, en 1536, el Juicio Final. Pintando en una posición forzada, acostado de espaldas al suelo sobre un elevado andamiaje, plasmó algunas de las más exquisitas imágenes de toda la historia del arte. Sobre la bóveda de la capilla desarrolló nueve escenas del Libro del Génesis, comenzando por la Separación de la luz y las tinieblas y prosiguiendo con Creación del Sol y la Luna, Creación de los árboles y de las plantas, la Creación de Adán, Creación de Eva, El pecado original, El sacrificio de Noé, El Diluvio Universal y por último La embriaguez de Noé. Enmarcando estas escenas principales que recorren longitudinalmente todo el cuerpo central de la bóveda, se alternan imágenes de profetas y sibilas sobre tronos de mármol, junto con otros temas del Antiguo Testamento y los antepasados de Cristo. Con anterioridad a la bóveda de la Sixtina, en 1505, recibió el encargo del papa Julio II de realizar sutumba. Pensada para ser emplazada en la nueva Basílica de San Pedro, inició con gran entusiasmo este nuevo desafío que incluía la talla de más de 40 figuras, pasando varios meses en las canteras de Carrara para obtener el mármol necesario. Pudo terminar algunas de sus mejores esculturas con destino a la tumba de Julio II, entre las que destaca el Moisés (c. 1515), figura central hoy conservado en la Iglesia de San Pedro in Vinculis, Roma. Como arquitecto no comenzó hasta 1519, cuando diseñó la fachada (no realizada) de la Iglesia de San Lorenzo en Florencia, ciudad a la que había regresado tras su estancia en Roma. Durante la década de 1520 diseñó también la Biblioteca Laurenciana, anexa a la citada iglesia, aunque los trabajos no finalizaron hasta varias décadas después. También emprendió -entre 1519 y 1534- el encargo de hacer las tumbas de los Medici en la Sacristía Nueva de San Lorenzo. Comenzó a trabajar en 1536 en el fresco del Juicio Final para decorar la pared situada tras el altar de la Capilla Sixtina, dando por concluidos los trabajos en 1541. En 1538-1539 se iniciaron las obras de remodelación de los edificios en torno a la Plaza del Capitolio (Campidoglio). El proyecto de ordenación de la plaza diseñado por

Miguel Ángel no se llevó a cabo hasta finales de la década de 1550 y no se remató hasta el siglo XVII. Su obra cumbre como arquitecto fue la Basílica de San Pedro. La dirección de las obras, iniciadas por Donato Bramante y continuadas, entre otros, por Antonio da Sangallo y Rafael, le fueron encomendadas por el Papa en 1546. Siguiendo el esquema de Bramante, diseñó un templo de planta de cruz griega coronado por una espaciosa y monumental cúpula sobre pechinas de 42 metros de diámetro. Posteriormente, Carlo Maderno modificó la planta original y la transformó en una planta de cruz latina. Michelangelo Buonarroti falleció en Roma el 18 de febrero de 1564. Obras Escultura Cabeza de fauno  —   1489-1492 Virgen de la escalera  —  1491 Crucifijo del Santo Spirito  —  1492 Hércules —  1492 La batalla de los centauros —  1492 San Petronio del Arca de Santo Domingo  —   1494-1495 San Procolo del Arca de Santo Domingo  —   1494-1495 Ángel del Arca de Santo Domingo  —  1494-1495 Crucifijo en madera de tilo  —   1495-1497 Cupido durmiente —  1496 Cupido de pie —   1496-1497 Bacus —   1496-1497 Crucifijo de Montserrat  —  1497-1498 Piedad del Vaticano —   1499-1500 David —  1501-1504 Madonna de Brujas  —   1501-1504 San Pablo —   1503-1504 San Pedro —   1503-1504 San Pío —  1503-1504 Tondo Taddei —  1503 Tondo Pitti —  1503 San Mateo —  1505 Tumba del papa Julio II  —  1503 Moisés —   1513-1515 Esclavo rebelde  —   1513-1516 Esclavo moribundo —   1513-1516

Esclavo joven —  1513 y 1519-1535 Esclavo atlante —  1513 y 1519-1535 Esclavo barbudo —  1513 y 1519-1535 Esclavo despertándose  —  1513 y 1519-1535 Raquel —  1545 Lía —  1545 Capilla de los Médici  —   1520-1534 Dos luchadores —  1525 Genio de la Victoria —  1532 – 1534 Tumba de Julián II de Médici, Noche y Día  —   1526-1533 Tumba de Lorenzo II de Médici, Crepúsculo y Aurora  —   1526-1533 Virgen con Niño —   1521-1531 Apolo —  1530 Joven en cuclillas —  1530-1534 Cristo de la Minerva  —   1519-1520 Brutus —  1540 Piedad florentina Piedad Rondanini Piedad Palestrina —  1550 Pintura El tormento de San Antonio  —  1487-1489 La batalla de Cascina11  —  1504 Madonna de Manchester  —  1497 Tondo Doni —   1503-1506 Santo Entierro —  1505 Bóveda de la Capilla Sixtina  —  1508-1512 El Juicio Final (Capilla Sixtina) —  1534-1541 Crucifixión de San Pedro  —   1542-1550 La conversión de San Pablo  —   1542-1550 Crucifixión —  1540 Arquitectura Proyecto para la fachada de la Basílica de San Lorenzo de Florencia  —  1515 – 1520 La nueva Capilla de los Médici y la Sacristía Nueva de la basílica de San Lorenzo de Florencia  —   1520-1534 Escalinata y vestíbulo de la Biblioteca Laurenziana, en la basílica de San Lorenzo de Florencia  —  1523 – 1559 Biblioteca Laurenziana —  1523 – 1559 —  Florencia Fortificaciones de Florencia —  1528 – 1529 —  Florencia

Cordonata Capitolina  —  —  Roma Plaza del Capitolio  —  —  Roma Palacio Farnese —  1546 —  Roma Basílica de San Pedro —   1546-1564 —  Roma San Giovanni dei Fiorentini Proyecto no ejecutado  —  1559 – 1560 —  Roma Capilla Sforza en la Basílica de Santa María la Mayor  —  1560 —  Roma Porta Pia —  1561 – 1565 —  Roma Basílica de Santa Maria degli Angeli e dei Martiri  —  1561 —  Roma

BOCETOS

AVANCES