Bajo Eléctrico

Bajo Eléctrico - Nivel Inicio Contenido del Nivel Inicio:

Clase 1: Partes del Instrumento / Técnica Mano Derecha. Clase 2: Técnica mano izquierda / Escala Cromática / Escala Pentatónica Menor / Ej. Mano Derecha / Contratiempos. Clase 3: Arpegio Mayor / Ej. Escala Pentatónica Menor. Clase 4: Arpegio Menor / La Bossa / Lectura de Cifrado. Clase 5: 5ª disminuida / Improvisación con la Escala Pentatónica / Fraseo. Clase 6: 5ªs conducidas / La Balada / Bossas con dos acordes por compás. Clase 7: Escala Mayor / Nueva digitación para arpegios mayores / Modificación de una línea de Bajo. Clase 8: Nueva digitación para arpegios menores / Ejercicios para el contenido de todas las clases.

Bajo Eléctrico - Nivel Inicio

Clase 1: Partes del Instrumento / Técnica Mano Derecha

Contenido

Partes del instrumento Cuerdas al aire Como sostener el instrumento Técnica de la mano derecha Ejercicios Este método esta expresado para diestros, por lo que pido perdón a todos los zurdos, que tendrán que invertir siempre los términos "izquierda" y "derecha".

Partes del instrumento Haremos una reseña no de todas las partes del instrumento, sino de aquellas que nos veremos obligados a mencionar a lo largo de las clases. Existen infinidad de modelos de bajos eléctricos, que varían en la cantidad de cuerdas (4, 5, ó 6, y ocasionalmente 7), en la cantidad de trastes ( de los 20 del bajo "tradicional", se han llegado a construir bajos de 34 ), en la cantidad y ubicación de las pastillas, y desde luego en la forma del cuerpo, sonido, etc. También se puede hacer una diferencia entre bajos "activos" y "pasivos", estos últimos son los de sonido más "tradicional", mientras que los activos tienen un sonido más metálico y agresivo, ideal para la técnica de "Slap".

Bajo de 6 cuerdas y 24 trastes

Cuerdas al aire

Las notas en el bajo se escriben una octava arriba de su sonido real, la que aparece aquí es la tesitura escrita, para más aclaraciones sobre este punto, mira la clase 1 del Nivel 1 de Arreglos de Aula Actual. Para poder encontrar cualquier nota en el mástil, basta con saber las cuerdas al aire, el orden de las notas (do, re, mi, fa, sol, la, si) y los semitonos naturales. Cada traste que avanzamos sube la nota medio tono.

Como sostener el instrumento El bajo tiene que quedar en equilibrio sin que sea necesario sujetarlo con la mano izquierda. Deberá bastar con el brazo derecho que se apoya sobre el cuerpo del bajo.

Técnica de la mano derecha Si bien existen técnicas para tocar con 3 dedos, la más usual utiliza 2: el índice y el medio, a los que llamaremos 1 y 2 respectivamente. El bajo también se puede tocar con "púa", y en ese caso la técnica es exactamente la misma que en la guitarra). Debemos tener en cuenta algunas cosas: 1) Buscar un punto de apoyo de la mano derecha, que puede ser sobre alguna pastilla...

... o sobre la cuarta cuerda:

De acuerdo al sitio donde toquemos obtendremos un sonido diferente, y mayor o menor resistencia de las cuerdas, a medida que nos acercamos al puente, las cuerdas son más duras y el sonido más metálico:

... y a medida que nos alejamos, las cuerdas más blandas y el sonido es más lleno. Se trata de buscar el sitio donde uno se encuentre cómodo y el sonido sea aceptable.

En general, las cuerdas ofrecen una resistencia adecuada en la parte central entre el final del mástil y el puente. En el tradicional modelo de bajo "Jazz Bass", esto es justo sobre la pastilla de graves, aunque en este caso deberemos desplazar un poco la mano para que al tocar no golpeemos la pastilla, con una cantidad considerable de volumen en el amplificador, estos golpes se oirían perfectamente. 2) Siempre se debe alternar los dedos 1 y 2, se puede empezar con cualquiera, pero luego, aunque se trate de notas largas, intentaremos tocar con el 1 y el 2 alternadamente.

3) El dedo que ha tocado, debe quedar apoyado en la cuerda de arriba, esto nos ayuda a saber siempre "donde estamos", y por otro lado es muy útil para apagar el sonido de esta cuerda superior si la hemos tocado antes. En esta imagen, el dedo 1 ha tocado la cuerda RE, y queda apoyado sobre la cuerda superior, el LA.

4) Con estas tres cosas básicas conseguidas, lo que resta es encontrar un punto adecuado de presión sobre las cuerdas, que no debe ser muy suave, porque el instrumento no sonaría en todo su potencial, ni muy fuerte, puesto que las notas sonarían mal y se produciría en típico "trasteo". Pensemos que las cuerdas no se han de golpear sino tocar, si pudiésemos reproducir un toque adecuado en cámara lenta, veríamos que se trata de apoyar y luego tocar. Algo parecido se consigue también intentando que el movimiento de los dedos, sea lo más corto posible, sin perder presión (o volumen), al mismo tiempo esto nos ayuda a conseguir velocidad.

Ejercicios

Para aplicar esta técnica haremos unos ejercicios sólo para la mano derecha, la izquierda, de momento sólo la usaremos para apagar el sonido de las cuerdas al aire.

Ejercicio 1-1 Este ejercicio consiste en repetir las figuras rítmicas que se oyen en la pista del bajo, utilizando sólo las cuerdas al aire. Cada frase ocupa 2 compases, en general acabando en el primer tiempo del segundo. De momento las frases son sencillas, sólo aparecen negras, blancas y corcheas, pero se irán complicando más adelante, si tienes dudas sobre estas figuras, mira la clase 1 del Curso de Inicio. De la velocidad inicial de mm85, puedes ir subiendo hasta llegar alrededor de mm120, pero de a poco!! Puedes repetir las frases de memoria, o ayudarte viéndolas en la ventana de Score de tu secuenciador, o mejor aún, hacerlo de las dos formas. Con una ejercitarás la memoria y el oído (puesto que deberás "adivinar" cual de las cuatro cuerdas al aire está sonando), ambas cosas son muy útiles para tocar. Con la otra te iras acostumbrando a las notas en el pentagrama y a las figuras rítmicas, no olvides poner la clave de FA. Como el bajo se escribe una octava arriba de su tesitura real, es probable que tengas que transportar las notas escritas (Display Transpose).

La altura de las notas (Transpose) debería permanecer inalterada, porque sino ya no serían las cuerdas al aire del bajo. Es muy importante que intentes cuidar lo más posible la técnica, y no saltarte ninguno de los puntos importantes que hemos explicado. Como hemos dicho antes, puedes usar la mano izquierda para apagar el sonido de las cuerdas cuando la nota sea corta.

Ejercicio 1-2 Este ejercicio se realiza de la misma forma que el anterior. Las figuras rítmicas se complican un poco y aparecen semicorcheas. La velocidad inicial es de mm75, y también la podrás ir incrementando hasta...

Ejercicio 1-3 Aquí aparecen dos figuras nuevas que completan las que se estudian en la clase 1 del curso de inicio.

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Clase 2: Técnica mano izquierda / Escala Cromática / Escala Pentatónica Menor / Ej. Mano Derecha / Contratiempos.

Contenido

Técnica de la mano izquierda Escala cromática (ejercicio) Escala pentatónica menor (ejercicio) Este método esta expresado para diestros, por lo que pido perdón a todos los zurdos, que tendrán que invertir siempre los términos "izquierda" y "derecha".

Técnica de la mano izquierda La Técnica de la mano Izquierda es un poco más difícil de adquirir que la de la Derecha, por lo que deberemos empezar con ejercicios más simples. Partimos de la base de que "nunca has tocado un bajo eléctrico". Los puntos más importantes de la técnica de la mano izquierda podrían ser estos: 1) Que los únicos puntos de contacto de la mano con el instrumento sean el dedo pulgar, que se apoya detrás del mástil, y las yemas de los dedos que tocan: 2) Intentar que el dedo pulgar quede más o menos en la mitad del mástil Evitando especialmente esto: o esto:

3) Intentar que el dedo índice quede perpendicular a las cuerdas. Esta posición, tal como aparece aquí, puede ser un poco difícil de conseguir al principio, e incluso resultar más incomoda; pero una vez que la mano se acostumbra a ella, resulta la que nos permite tocar más cosas con más comodidad.

Evita especialmente esto: si los dedos O esto: en esta posición, la mano está en están inclinados de esta manera, se contacto con la parte inferior de mástil, y esto pierde casi toda la abertura de la mano, resta movilidad a los dedos. de modo que sólo alcanzamos dos o tres trastes.

4) Debemos intentar que los dedos permanezcan en forma de "martillo" al pisar las cuerdas

Evitando especialmente esto: si bien esta técnica de "aplastar" el dedo se puede utilizar para ciertos pasajes, hay que descartarla como técnica usual.

5) El lugar adecuado para pisar la cuerda es lo más cerca posible del final del traste.

Evitando esto: si pisas de la mitad hacia atrás, es facil que se produzcan ruidos o trasteos.

Los cuatro dedos que usamos de la mano izquierda son el índice, medio, anular y meñique, a los que llamaremos 1, 2, 3, y 4 respectivamente. Existen diferentes posiciones. Según el traste donde se ponga el dedo 1, en todas se abarcan 4 trastes consecutivos con los 4 dedos:

1ª posición: dedo 1 en el primer traste

2ª posición: dedo 1 en el segundo traste

Y así sucesivamente para las demás posiciones. Las notas que hay en cada traste las tienes en un pequeño diagrama que hay en la clase anterior.

Escala cromática (ejercicio) VER AUDIO Este archivo contiene la escala cromática, que es uno de los mejores ejercicios de digitación que hay. También utilizaremos la 5ª posición. Comenzaremos tocando la nota LA en el 5º traste de la 4ª cuerda, con el dedo 1, y avanzaremos con los dedos 2, 3, y 4 a las notas siguientes que corresponden a la 5ª posición. En este archivo, después de cada compás grabado, hay un compás de espacio para que puedas repetir lo que has oído. La velocidad inicial de mm80, puedes bajarla si te es más cómodo, y subirla luego gradualmente. Puedes repetir las frases de memoria, o ayudarte viéndolas en la ventana de Score de tu secuenciador, o mejor aún, hacerlo de las dos formas. Con una ejercitarás la memoria y el oído, ambas cosas muy útiles para tocar. Con la otra te iras acostumbrando a las notas en el pentagrama, no olvides poner la clave de FA. Como el bajo se escribe una octava arriba de su tesitura, es probable que tengas que transportar las notas escritas (Display Transpose). La altura de las notas (Transpose) debería permanecer inalterada, porque sino ya no serían las mismas notas. Es muy importante que intentes cuidar lo más posible la técnica, y no saltarte ninguno de los puntos importantes que hemos explicado.

Escala pentatónica menor (ejercicio) VER AUDIO En este ejercicio utilizaremos la escala pentatónica menor, en la 5ª posición, es así:

El ejercicio consiste en repetir las frases que se oyen en la pista del bajo, utilizando sólo estas notas con esta digitación. En general, cuando una escala está dentro de una sola posición, se intenta tocar todas las notas con los dedos que corresponden a cada traste. Cada frase ocupa 2 compases. De momento las frases son sencillas, sólo aparecen negras, blancas y corcheas, pero se irán complicando más adelante. La velocidad inicial de mm80. Como en todos los ejercicios anteriores, lo mejor es hacerlo de oído, y viendo las notas en la ventana Score del secuenciador. No olvides ajustar el Display Transpose para que el bajo se vea en su correcta tesitura escrita, esto se explica en ejercicios anteriores.

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Clase 3: Arpegio Mayor / Ej. Escala Pentatónica Menor.

Contenido

Arpegio mayor Ejercicios con la escala pentatónica

Arpegio mayor En el bajo no se suelen usar acordes en los que todas las notas suenan al mismo tiempo, más bien se utilizan los "Arpegios", que son las notas del acorde tocadas una a una. Para más detalles sobre la construcción de los acordes mira la clase 7 del Curso de inicio. El primer acorde que estudiaremos será el acorde mayor, y lo tocaremos en DO, las notas deben sonar de más graves a más agudas: Como ves, las notas del acorde quedan todas dentro de una misma posición, la segunda, y deberemos respetar esa digitación siempre que toquemos sobre el acorde mayor.

Esta posición es "móvil", es decir que si tocas este "dibujo" sobre las cuerdas a partir de LA, estarás tocando el arpegio de LA mayor, y así con cualquier nota. Para identificar los acordes, utilizaremos el sistema de "Cifrado Americano", que se explica en la clase 7 del Curso de Inicio.

Ejercicio 3-1 VER AUDIO En este archivo hay diferentes combinaciones con las notas del acorde de DO mayor. Cada frase dura un compás y a continuación hay otro vacío para que puedas repetirla. Escoge la velocidad a la que quieras comenzar. Como en todos los ejercicios de repetición, hazlo viendo las notas y sin verlas.

Ejercicio 3-2 VER AUDIO En este archivo se utilizan los acordes de DO mayor, LA mayor, RE mayor y SOL mayor, en ese orden:

Este no es un ejercicio de repetición, aquí tienes secuenciada en cada pista de bajo, una muestra de lo que tienes que tocar: 1. Silencia (mute) todas las pistas de bajo. 2. Luego escucha la primera e intenta tocarla igual, cuando la hayas aprendido silencia otra vez esta pista y toca encima de la base. 3. Haz lo mismo con cada pista de bajo.

Se trata de variantes rítmicas sobre el arpegio de cada acorde, y deberás hacerlo cambiando entre la 2ª y la 4ª posición, la 2ª para los arpegios de DO y SOL, y la 4ª para los de LA y RE. Para este ejercicio necesitarás la Función "Cycle" de tu programa secuenciador, si usas cualquier versión de Cubase o Cakewalk consulta la guía Nº 1 de estos programas.

Ejercicios con la escala pentatónica Ejercicio 3-3 VER AUDIO Este un ejercicio de repetición con la escala pentatónica menor de LA. Este archivo es una continuación del ejercicio bj022 de la clase anterior, y valen las mismas indicaciones que para todos los ejercicios de repetición. (hacerlos de dos formas: "de oído", y viendo las notas en la ventana Score del secuenciador). Puedes empezar a la velocidad que quieras, pero ten en cuenta que las frases son algo más complicadas que las anteriores.

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Clase 4: Arpegio Menor / La Bossa / Lectura de Cifrado.

Contenido

Arpegio menor La Bossa Lectura de cifrado

Arpegio menor La primera nota de un arpegio se llama Fundamental La segunda: Tercera La tercera: Quinta Parece broma, pero lo que pasa es que este nombre no tiene nada que ver con el orden en que se tocan las notas, y si con el orden en que aparecen en la escala. Mira la clase 7 del Curso de Inicio de Armonía de Aula Actual. La escala mayor la estudiaremos más adelante, pero si quieres darte una idea mira la clase 8 del Curso de Inicio de Armonía de Aula Actual. Entre el acorde mayor y el menor sólo cambia la tercera, sin embargo la digitación resulta bastante diferente, se empieza con el dedo 1, el ejemplo es el acorde de Am (LA menor):

La Bossa La Bossa es un ritmo característico, en el que el bajo toca siempre un mismo patrón rítmico, principalmente con la fundamental y la quinta de cada acorde. Si tuviéramos una progresión de acordes como la siguiente, para tocar en ritmo de bossa, esta sería una línea de bajo que resultaría de tocar la fundamental y la quinta de cada acorde:

Este ritmo es muy útil para practicar la lectura de cifrado. Como sólo tocamos la fundamental y la quinta, no tenemos que preocuparnos de si el acorde es mayor o menor, y en principio, podemos buscar la fundamental con el dedo 1 y recordar luego la posición de la quinta (a la que le correspondería el dedo 3, en la cuerda de abajo) como si se tratase de un arpegio o una escala. Aunque sí hay otras cosas que se deben considerar y que veremos más adelante.

Ejercicio 4-1 VER AUDIO Este es el mismo "ska" con el que ejercitamos el arpegio mayor (bj032.mid), pero los acordes A y D, se han convertido en Am y Dm.

Para el DO y el SOL, que quedan iguales, seguirás usando la 2ª posición. Para el LAm y el Rem, como la digitación que sabemos comienza con el dedo 1, deberás desplazarte a la 5ª posición. Este no es un ejercicio de repetición, aquí tienes secuenciada en cada pista de bajo, una muestra de lo que tienes tocar: 1. 2.

Silencia (mute) todas las pistas de bajo. Luego escucha la primera e intenta tocarla igual, cuando la hayas aprendido silencia otra vez esta pista y toca encima de la base.

3.

Haz lo mismo con cada pista de bajo.

Para este ejercicio necesitarás la Función "Cycle" de tu programa secuenciador, si usas cualquier versión de Cubase o Cakewalk consulta la guía Nº 1 de estos programas.

Ejercicio 4-2 VER AUDIO Los cuatro primeros compases de esta bossa son los que salen en el ejemplo. Está secuenciada la pista del bajo para que te sirva como referencia. Imprime o copia el cifrado que sale a continuación e intenta tocarlo, primero encima del bajo grabado, y luego silenciándolo (mute) y tocando encima de la base.

Lectura de cifrado Ejercicio 4-3 VER AUDIO Esta es una progresión de acordes que utilizaremos para practicar la lectura de cifrado y el cambio entre acordes menores y mayores. Intenta tocar los acordes mayores y menores siempre con las digitaciones que hemos visto para cada uno.

Aparece un arpegio para el que podrás utilizar la cuerda RE al aire: Bb. En este caso, podrás variar la digitación, a pesar de ser un acorde mayor, ya no es necesario empezar con el dedo 2, puesto que el 1 no lo usaras porque en su sitio va la cuerda RE al aire.

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Clase 5: 5ª disminuida / Improvisación con la Escala Pentatónica / Fraseo.

Contenido

Quinta disminuida Improvisación con la escala pentatónica Fraseo en dos compases Ejercicios

Quinta disminuida En las bossas que hemos tocado en las clases anteriores, salían sólo "quintas justas", (Si quieres ver más sobre intervalos mira el curso de inicio de Armonía de Aula Actual, clase 2 y clase 6). La quinta disminuida se toca medio tono (un traste) más abajo de la quinta justa. La quinta justa de FA es DO, la quinta disminuida es SI (medio tono abajo)

Si al acorde menor, le cambias la quinta justa por la disminuida, resulta un acorde menor con quinta disminuida, que es un acorde bastante usado. La teoría tradicional llama a este acorde "disminuido", y se cifra Gdim, ó Gdis

Improvisación con la escala pentatónica En cualquier contexto y con cualquier escala, el factor más importante en la improvisación es saber "donde estas", es decir, en que parte del tema. Hay ciertas progresiones de acordes, que nos permiten improvisar todo el tiempo en una misma escala (aún así es bueno saber cuando la progresión termina y cuando vuelve a empezar), pero si tenemos que cambiar de escala, o de tono, es imprescindible saber el momento exacto en que se produce el cambio. La única manera que hay de saber esto es guiándose por lo que tocamos, y la mejor forma de empezar a improvisar siendo conscientes de donde estamos, es hacerlo tocando frases de 2 compases. En diversos ejercicios anteriores, sobre todo en los de repetición, nos hemos acostumbrado intuitivamente al fraseo de 2 compases, no obstante, en el archivo que usaremos para ejercitar esto encontrarás grabada una pista de guitarra con un ejemplo, se trata de frases muy sencillas sobre la escala pentatónica menor, con la finalidad de que se entienda este concepto.

Fraseo en dos compases La forma más clara de frase de dos compases es la que comienza en el primer tiempo del primer compás y acaba en el primer tiempo del segundo.

Para la improvisación es conveniente utilizar una tesitura lo más aguda posible.

En el ejercicio de improvisación tocaremos la escala pentatónica menor en DO, pero en el traste 15, (en el traste 12 las notas vuelven a coincidir con las cuerdas al aire pero una octava arriba, y las notas están en la misma ubicación que en la 1ª posición).

Puede que esta zona del bajo no te sea cómoda para tocar esta escala.

Esta sería una posición para tocar en graves:

Para tocar en agudos, intenta mover el bajo hacia afuera, de modo que la parte superior del mástil se aleje de tu cuerpo, esto permitirá que tu brazo izquierdo siga manteniendo una posición parecida.

Ejercicios Ejercicio 5-1 VER AUDIO Este archivo contiene un conocido standard, "Blue Bossa", en el aparece un acorde disminuido (menor con quinta disminuida). En la pista de bajo está secuenciada una muestra de todo el tema:

Si tienes alguna duda con respecto a los signos de repetición, mira la Clase 5 del Curso de Inicio de Aula Actual.

Ejercicio 5-2 VER AUDIO Aquí tenemos el mismo tema, Blue Bossa, pero sin la melodía, lo utilizaremos para improvisar con la escala pentatónica. Comenzamos en DO, en el traste 15, con la escala pentatónica, tal como aparece más arriba, y con la digitación que hemos visto cuando estudiamos esta escala. El tema tiene un cambio de tonalidad, un sitio donde deberemos bajar un tono, y tocar la misma escala en SI b. Aquí es donde deberás poner en practica lo de las frases de 2 compases, para saber cuando tienes que cambiar, es muy importante que no vayas "detrás" del cambio de tono, sino que lo hagas con seguridad Hay grabada una pista de guitarra con unos ejemplos muy sencillos, para realizar el ejercicio puedes mutearla o borrarla.

Ejercicio 5-3 VER AUDIO Una progresión de acordes, con ritmo de bossa, para ejercitar la lectura de cifrado y la quinta disminuida.

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Clase 6: 5ªs conducidas / La Balada / Bossas con dos acordes por compás.

Contenido

Quintas conducidas Bossas con dos acordes por compás La Balada Ejercicios

Quintas conducidas En las bossas que hemos tocado hasta ahora, siempre hemos utilizado la quinta "aguda" del acorde. Es decir, tocábamos la fundamental, y luego la quinta más aguda. Si utilizamos también la quinta grave, podemos conseguir una línea de bajo que se mantenga dentro de un registro más corto, con menos saltos. En esta imagen ves la quinta de DO tal como la tocábamos hasta ahora, y la quinta grave. Naturalmente, se trata de la misma nota, pero una octava más grave. Esta quinta la puedes tocar subiendo el mismo dedo 1, en general se utiliza esta posición, aunque hay algunas situaciones en las que se puede usar dedos 4 y 3, si te moverás luego hacia atrás en el mástil. Es muy útil de recordar la posición de octavas, puesto que nos permite guiarnos mejor en el mástil. Conociendo esta posición para tocar las quintas graves, deberíamos buscar siempre la quinta que queda más cerca de la fundamental que tocaremos luego: En el ejemplo sin conducción, se produce un salto muy grande justo en el cambio de acorde. En el primer ejemplo con conducción esto se evita usando la quinta grave de DO. En el segundo se usa la quinta grave de LA, y también se evita el salto.

Los dos casos serían correctos, aunque para acompañar, se suele usar la tesitura más grave, por lo que el primer ejemplo sería más apropiado. Por último, las quintas sin conducir no están necesariamente "mal", es sólo que es bueno saber conducirlas para cuando se desea una línea melódicamente más suave.

Bossas con dos acordes por compás

En la clase anterior aparece como ejercicio el tema Blue Bossa. El último compás de este tema tiene dos acordes, es posible que esto te haya generado alguna duda. En estos casos, como no tenemos tiempo de tocar la fundamental y la quinta de cada acorde, tocamos simplemente las dos fundamentales, manteniendo el mismo ritmo. Así quedarían los últimos dos compases de "Blue Bossa".

La Balada En este estilo el bajo toca un patrón rítmico compuesto por dos blancas. La primera es la fundamental, la segunda puede ser cualquier otra nota del acorde (3ª ó 5ª de momento). Si quieres ver otros ejemplos de este estilo, mira la Clase 1 del Nivel 1 de Arreglos de Aula Actual. Contar con la 3ª permite tener más notas para escoger, y es más fácil hacer una línea con una mejor conducción:

En el primer compás del ejemplo anterior, si tocamos la quinta de Am (MI), tanto grave como aguda, estaremos aumentando el registro. En el ejemplo la nota más grave es SOL y la más aguda RE. Insisto en que, esto de que la línea de bajo se mueva con suavidad, sólo es mejor en ciertas ocasiones, y en otras puede no serlo, por ejemplo cuando se desea un bajo más melódico, o se toca un patrón muy definido. Pero sí es una buena forma de ejercitar las notas de los acordes, y aprender a escoger entre unas u otras "sobre la marcha".

Ejercicios Ejercicio 6-1 VER AUDIO Aquí tenemos una Bossa, en la pista de bajo hay grabada una muestra de como quedaría con quintas conducidas. Es sólo una de las posibilidades, puesto que variará dependiendo de la nota por la que empecemos, etc. Intenta tocar la misma línea que esta secuenciada, y busca otras. En la partitura que sale a continuación, está indicada la digitación. Como ya sabes, no utilizamos el sistema de tabulado para sustituir la notación musical. Lo que sale es la partitura tal y como es, sólo que está indicado, debajo de cada nota, el dedo con el que se debe tocar. En general, las notas tienen una sola posición razonable.

Ejercicio 6-2 VER AUDIO Aquí hay otra bossa con varios compases donde aparecen dos acordes. La partitura que sale a continuación muestra el cifrado y una posible línea de bajo con su digitación. Toca esta y busca otras.

Ejercicio 6-3 VER AUDIO Este archivo contiene una balada: "Autumn Leaves". Crea una línea de bajo siguiendo este cifrado, recuerda que en la balada se suelen usar todas las notas de acorde, no sólo la quinta. Hay muchas líneas posibles, y cada una de ellas se podrá tocar con varias digitaciones. En general, se prefieren las digitaciones que se mantienen lo más dentro posible de una misma "Posición".

Hay grabada una pista de bajo de referencia.

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Clase 7: Escala Mayor / Nueva digitación para arpegios mayores / Modificación de una línea de Bajo.

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Escala Mayor Nueva digitación para arpegios mayores Modificación de la línea de bajo Ejercicios

Escala Mayor

En este ejemplo aparece la digitación de la escala de DO mayor, al igual que en los arpegios, esta digitación se reproduce igual en cualquier parte del mástil.

Es decir que para tocar la escala mayor de LA, sólo tienes que reproducir esta misma digitación a partir de la nota LA (5º traste de la 4ªcuerda).

Nueva digitación para arpegios mayores Arpegio del acorde A:

Como el Bajo Eléctrico es un instrumento de dimensiones grandes, los cambios de posición pueden resultar incómodos. Por eso es bueno conocer diferentes digitaciones para tocar un mismo acorde, esta digitación que acabamos de ver nos permitirá tocar algunos enlaces de acordes sin cambiar de posición:

En el pentagrama superior, aparecen los arpegios de C y A, con la digitación antigua, que nos obliga a cambiar de posición. En el pentagrama de abajo, usando esta nueva digitación para el A, podemos tocar todo en la segunda posición.

Modificación de la línea de bajo Para este punto tomaremos directamente un ejemplo:

Supongamos que tenemos estos acordes, y un patrón básico que es el arpegio. Un patrón es una línea que reproduce el mismo ritmo y orden de notas, adaptándolo a cada acorde, en este caso el patrón es de corcheas y con la F, 3ª , 5ª y 3ª de cada acorde:

Si respetamos el patrón estrictamente, en el compás que está marcado se produce una situación dudosa, la última nota del compás 3 (la tercera de Bb) coincide con la primera del compás siguiente (la fundamental de D), y esto hará que el cambio de acorde sea menos definido. Si cambiamos el patrón del bajo en ese momento, lo podemos solucionar:

Una línea de bajo, se puede modificar cuando hay algún pasaje que no suena del todo bien, para crear una que nos guste más, o simplemente para no tocar siempre la misma. Para hacer modificaciones debemos tener presentes dos cosas: 1. Sólo podremos usar notas del acorde, (de momento) y nos podemos mover entre ellas de la forma que queramos, tampoco es necesario usar todas las notas de cada acorde, a veces puede quedar mejor una sola. 2. Podemos usar Inversiones (Clase 4 del Nivel 1 de Armonía de Aula Actual). Esto significa que podemos tocar como primera nota del compás una nota que no sea la fundamental, en general, en estos casos, la fundamental se toca como segunda nota. Es aconsejable no abusar de las inversiones, ya que el resultado global puede ser un poco confuso, y usarlas sólo cuando sirvan para crear una línea de bajo más interesante (este suele ser, en general, el único motivo de las inversiones).

Ejercicios Ejercicio 7-1 VER AUDIO Esta secuencia es para practicar la escala mayor en diferentes posiciones. Respeta siempre la digitación que hemos visto.

Ejercicio 7-2 VER AUDIO Este archivo servirá para poner en práctica la nueva digitación que hemos visto para el acorde mayor. Utilizándola podremos tocar todos estos arpegios sin salir de la 2ª posición.

Ejercicio 7-3 VER AUDIO Esta es la misma progresión de acordes que aparece en el ejemplo de modificación de una línea de bajo. Haz una línea tuya. Puedes escribirla, a mano o en algún programa de edición, o secuenciarla en la pista de bajo de este archivo. Recuerda que, aunque puedes moverte como quieras entre las notas del acorde, deberás mantener la misma rítmica. Puesto que ahora ya no estamos tocando "arpegios", sino una línea, puede haber varias digitaciones correctas. Cuando estés haciendo la línea, puede que te resulte más fácil usar las digitaciones que conoces para los arpegios, pero una vez que la hayas terminado y la tengas escrita o secuenciada, intenta "aprenderla" otra vez buscando una digitación que cambie lo menos posible de posición, y no olvides las cuerdas al aire, cuantos menos cambios de posición, mejor! En la pista de bajo hay secuenciado un ejemplo, esta es la partitura con una posible digitación:

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Clase 8: Nueva digitación para arpegios menores / Ejercicios para el contenido de todas las clases.

Contenido

Nueva digitación para arpegios menores Ejercicios para los contenidos de todas las clases

Nueva digitación para arpegios menores Arpegio del acorde Am:

Esta nueva digitación nos permitiría tocar algunos enlaces de acordes sin cambiar de posición: En el pentagrama superior, aparecen los arpegios de C y Am, con la digitación antigua, que nos obliga a un cambio de posición bastante incómodo (de la 2ª posición a la 5ª). En el pentagrama de abajo, usando esta nueva digitación para el Am, podemos tocar todo en la segunda posición.

Ejercicios Ejercicio 8-1 VER AUDIO Esta progresión de acordes se puede tocar sin salir de la segunda posición, utilizando las dos digitaciones que hemos visto para arpegios mayores (dedo 2 y dedo 4) y las dos para arpegios menores (dedo 1 y dedo 4). Puedes tocar alguno de los patrones que usamos habitualmente para arpegios:

Ejercicio 8-2 VER AUDIO Otro contenido importante de este curso es el inicio a la lectura de cifrado, como comentamos en otras clases, la bossa es un estilo ideal para practicar esto, puesto que como sólo tocamos fundamentales y quintas, podemos intentar una lectura a vista.

La forma de realizar el ejercicio es esta: 1. Copia o imprime la partitura que sale a continuación. 2. Pon el Midi File en tu secuenciador con la función "Cycle" (o "Loop") activada de forma que se repita el tema entero. 3. Hay una pista de bajo de referencia que puedes silenciar ("mute"). 4. Toca el tema directamente, con ritmo de bossa y usando sólo fundamentales y quintas, si te equivocas en alguna parte, no lo detengas, intenta no perder el tema, incluso aunque tengas que estar un par de compases sin tocar nada. Lo más importante es que siempre vayas siguiendo la partitura, y tocando lo que puedas, cuando el tema haya pasado unas cuantas veces lo podrás tocar entero. 5. Una vez que lo toques todo, estúdialo con más detenimiento, para ver si puedes encontrar digitaciones mejores.

El tema que está secuenciado es "Black Orpheus" (Orfeo Negro). Esta partitura está "adaptada" a los conocimientos que tenemos hasta ahora, es un cifrado que funcionará para tocar una línea de bossa tal como la estabamos tocando en las clases anteriores (fundamental y 5ª cuando el acorde dura todo el compás y fundamental sola cuando hay dos acordes por compás), pero no es el cifrado "verdadero" del tema, de modo que no servirá, por ejemplo, para la guitarra.

Ejercicio 8-3 VER AUDIO Esta progresión de acordes se puede tocar sin salir de la cuarta posición:

Ejercicio 8-4 VER AUDIO En la pista de bajo de esta secuencia, hay grabado un patrón de Bajo, (el patrón, como comentamos en la clase anterior, es una línea de bajo que suele llevar un ritmo siempre igual y usar las mismas notas de cada acorde). Esta muestra sólo está en los primeros dos compases, adapta el patrón al resto del cifrado. Todos los arpegios se pueden tocar en la 2ª posición, excepto el de Ab (3ª).

Ejercicio 8-5 VER AUDIO Para este ejercicio usaremos un patrón construido sobre la escala mayor. Se trata de tocar cuatro negras en cada compás, que sean las 1ª, 3ª, 4ª, y 5ª notas que salen en la escala mayor de cada acorde. La progresión de acordes es la de un Rock, que más lenta es la de un Blues, es una progresión "standard" (que siempre es igual), y que es muy usada, por lo que es bueno sabérsela en varios tonos. Si te lo piensas un poco, se puede tocar todo en la 2ª posición:

Esta no sería exactamente una base para un Rock, puesto que, en realidad, tampoco es la escala mayor la que se usa, sino la mixolidia (la pentatónica se usa para solos). La escala Mixolidia es igual a la escala mayor, sólo que la séptima está medio tono abajo. La escala de DO mixolidia es igual a la de DO mayor, sólo que la séptima es Sib en lugar de SI. El patrón está grabado en la pista de bajo, que puedes silenciar para hacer el ejercicio, y a continuación hay algunas muestras de líneas de bajo para Rock un poco más desarrolladas.

NOTA.: Las equivalencias de las notas a las tablaturas son.:

A = LA, B = SI, C = DO, D = RE, E = MI, F = FA, G= SOL

Bajo eléctrico El bajo eléctrico (también llamado sencillamente bajo) es un instrumento musical de la familia de los cordófonos, similar en apariencia y construcción a la guitarra eléctrica, pero con un cuerpo de mayores dimensiones, un mástil de mayor longitud y escala y, normalmente, cuatro cuerdas afinadas según la afinación estándar del contrabajo. El bajo eléctrico, al igual que el contrabajo, suena una octava más grave de como se representa en notación musical, con el objetivo de evitar un uso excesivo de líneas adicionales en el pentagrama. Como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico necesita ser conectado a un amplificador para emitir sonidos. Desde la década de 1950, el bajo eléctrico ha reemplazado progresivamente al contrabajo en la música popular como el instrumento de la sección rítmica que se ocupa de las líneas de bajo. Aunque éstas varían notablemente en función del estilo de música, el bajista cumple una función similar con independencia del estilo de que se trate: establecer el marco armónico y marcar el tiempo o pulso rítmico. El bajo eléctrico se usa como instrumento de acompañamiento o como instrumento solista en estilos de música diversos, incluyendo el rock, el heavy metal, el pop, el blues, el jazz, la música latina, el reggae, el funk o el flamenco.

Historia Década de 1930.-

A mediados de la década de los treinta, el inventor y guitarrista Paul Tutmarc, de Seattle (Washington), desarrolló el primer bajo eléctrico de cuerpo macizo de la historia, un instrumento muy similar a los bajos modernos que había sido diseñado para ser sostenido y ejecutado horizontalmente. En 1935, el catálogo de ventas de la compañía de Tutmarc, Audiovox, ofrecía su violín-bajo electrónico, un instrumento de cuerpo sólido con un mástil de 30 pulgadas y media que disponía de trastes.

El cambio de forma, acercándolo a una guitarra, hizo al instrumento más fácil de transportar, y la adición de los trastes eliminó los problemas de afinación propios del contrabajo, haciendo del bajo eléctrico un instrumento mucho más fácil de ejecutar que éste último. Sin embargo, el invento de Tutmarc no tuvo demasiado

éxito comercial, por lo que su idea no fue retomada hasta principios de la década de 1950, con la llegada de Leo Fender y su Precision Bass.

Una reedición del Precision bass de 1956, muy similar al modelo de 1951, el primer bajo eléctrico comercializado con éxito.

Las décadas de 1950 y 1960.

A inicios de la década de 1950, el ingeniero e inventor Leo Fender, quien por aquel entonces se dedicaba al negocio de reparación de radios,[6] desarrolló con la ayuda de su empleado George Fullerton el primer bajo eléctrico producido en serie de la historia. Su Precision Bass, introducido en 1951 se convirtió en el estándar de la industria y sería infinitamente copiado con posterioridad. El Precision Bass (o Pbass) original disponía de un cuerpo angulado (slab o de tabla) similar al de la guitarra Telecaster y una sola pastilla de bobinado simple, pero en 1957 se modificó su diseño para presentar un cuerpo de contorno redondeado con una pastilla doble de cuatro polos. Esta pastilla split (dividida) estaba formada de dos partes similares a las pastillas de las mandolinas que Fender incluía en su catálogo de la época.

Monk Montgomery fue el primer bajista conocido en usar el nuevo instrumento en su gira con el vibrafonista de jazz Lionel Hampton. Otros bajistas pioneros en el uso del nuevo instrumento fueron Roy Johnson (que reemplazó a Montgomery en la banda de Hampton) o Shifty Henry (bajista de Louis Jordan & His Tympany Five). Bill Black, bajista de Elvis Presley adoptaría el Precision Bass en torno a 1957.

Rickenbacker 4001.

Tras el lanzamiento de Fender, Gibson presentó en 1953 su modelo EB-1, con forma de violín y pica, seguido de su modelo EB-0, de aspecto más convencional. El EB-0 era, de hecho, muy similar a la Gibson SG, aunque los primeros modelos disponían de un cuerpo slab (sin contornos) que lo asemejaban más a la conocida guitarra Les Paul, de Gibson. Mientras que los bajos de Fender montaban pastillas situadas entre la base del mástil y el puente, muchos de los primeros bajos de Gibson mostraban una sola pastilla de tipo humbucker montada directamente bajo la base del mástil. El modelo EB-3, de 1961 contaba además con una pastilla adicional, de tipo humbucker pero de tamaño reducido, situada cerca del puente del instrumento. Gibson mostraba cierta tendencia a fabricar instrumentos de dimensiones reducidas y, de hecho, no presentó un bajo de escala estándar (34 pulgadas) hasta 1963, con el lanzamiento de su modelo Thunderbird, que fue, además, el primer bajo de Gibson que utilizaba dos pastillas humbucker situadas en una posición más tradicional, entre el puente y la base del mástil.

Gibson EB-3.

Otras compañías más pequeñas iniciaron sus actividades durante la década de 1950: Kay Musical Instruments en 1952, Danelectro en 1956, y Rickenbacker o Höfner durante el resto de la década. Pero fue con la explosión del rock, a principios de 1960 cuando numerosas compañías comenzaron a fabricar bajos eléctricos.

Introducido en 1960, el Fender Jazz Bass fue presentado junto a la guitarra Jazzmaster como el modelo Deluxe del Precision. El Jazz Bass (o J-bass) disponía de dos pastillas de bobinado simple, una cercana al mástil y la otra en la posición que ocupaba la pastilla simple del Precision. El modelo fue diseñado por Leo Fender para proporcionar a los guitarristas un instrumento aún más fácil de ejecutar que el Precision, dadas las dimensiones más pequeñas de su mástil. Los primeros ejemplares contaban con cuatro controles (volumen y tono para cada una de las pastillas), pero esta configuración pronto cambiaría en favor de la actual: un control de volumen para cada pastilla y un control de tono pasivo general. Otro elemento que diferenciaba el nuevo modelo era el diseño asimétrico de su cuerpo.

La configuración de pastillas de ambos modelos, así como el diseño general de los mismos, se ha convertido en un estándar de referencia, y así, es común hacer referencia a la configuración de pastillas de un instrumento determinado como Pastillas Precision o Pastillas Jazz.

Fender lanzó seis años más tarde su modelo Mustang Bass, un instrumento de escala corta (30 pulgadas frente a las 34 del P-bass o del J-bass) y precio reducido dirigido principalmente al mercado de principiantes y estudiantes.

Durante las décadas de 1950 y 1960 el bajo eléctrico era frecuentemente llamado bajo Fender, gracias a la posición dominante que la corporación ejercía en el mercado. El término bajo eléctrico comenzó a reemplazar al de bajo Fender a finales de la década de 1960, como resulta evidente en el título de un manual didáctico editado por la bajista Carol Kaye en 1969, muy popular en la época: How to Play the Electric Bass.

Music Man Stingray. La posición de la pastilla hace de este bajo un instrumento ideal para slappers

La década de 1970

La década de 1970 asistió a la fundación de la compañía Music Man por parte de Leo Fender, cuyo buque insignia era el modelo Stingray, el primer bajo producido en serie con electrónica activa, es decir, con un preamplificador incorporado que permitía disminuir la impedancia de la circuitería de la pastilla incrementando el volumen de salida y posibilitando la ecualización activa del instrumento. Distintos modelos se fueron identificando con estilos de música particulares, y así, el modelo 4001 de Rickenbacker se asociaba con bajistas de rock progresivo como Chris Squire de Yes, mientras que el Stingray de Music man se identificaba con el estilo funk del bajista de sesión Louis Johnson.

En 1971, Alembic estableció el patrón que identificaría a lo que desde entonces se ha venido en llamar boutique basses, instrumentos de gama alta y elevado precio construidos a medida de los requerimientos específicos del cliente. Este tipo de instrumentos suelen mostrar sofisticados diseños y elaborada electrónica, y, con frecuencia, están construidos con maderas preciosas (o con otros materiales alternativos como el grafito) por luthiers especializados. Se suelen usar técnicas de construcción innovadoras como el diseño neck-through multilaminado, donde el mástil, en lugar de estar atornillado al cuerpo lo recorre en su integridad. Desde mediados de los setenta, Alembic y otras compañías (como Tobias o Ken Smith Basses) comenzaron a producir bajos de cuatro y cinco cuerdas (una cuerda extra afinada en si grave); en 1975 el bajista Anthony Jackson encargó al luthier Carl Thompson la realización de un bajo de seis cuerdas, afinado si, mi, la, re, sol, do, que pasaría a la historia como uno de los primeros instrumentos de rango extendido.

Uno de los primeros bajos Steinberger, de principios de 1980.

De 1980 en adelante

Con la llegada de la década de 1980, luthieres e ingenieros continuaron explorando nuevas posibilidades. Ya en 1979, Ned Steinberger había presentado un bajo sin cabezal ni cuerpo, y más tarde continuaría con sus investigaciones, como el uso de materiales alternativos como el grafito, o la palanca de trémolo para el bajo, presentada en 1984. En 1987 la compañía Guild lanzó su modelo Ashbory, un instrumento sin trastes de dimensiones reducidísimas (escala de 18 pulgadas) que usaba cuerdas de silicona y una pastilla piezoeléctrica, y que ofrecía una simulación más que aceptable del sonido del contrabajo acústico. A finales de la década de los ochenta el show MTV Unplugged ayudó a popularizar los bajos acústicos, de caja hueca pero amplificados mediante pastillas.

Durante la década de 1990 los bajos de cinco cuerdas se fueron haciendo progresivamente más comunes y accesibles, y un número cada vez mayor de bajistas (de géneros tan dispares como el metal y el gospel) comenzaron a utilizarlos para aprovechar sus nuevas posibilidades. De modo paralelo, la circuitería activa dejó de estar reservada a los instrumentos de gama alta para ir siendo incorporada progresivamente a instrumentos de series más económicas.

Durante la década siguiente, algunos fabricantes incluían circuitos de modelado digital incorporados directamente en sus instrumentos, con los que pretendían simular los sonidos característicos de los bajos más conocidos (ej: Variax Bass, de la firma Line 6). A pesar de estas innovaciones, los diseños tradicionales prevalecieron entre el público general, y los modelos Precision y Jazz de Fender continuaron contando con su favor. En 2006, Fender celebró el 60.º aniversario de su P-bass con una reedición especial de su famoso instrumento, al tiempo que presentaba su modelo Jaguar.

Consideraciones de diseño. Elementos

Anatomía básica de un bajo eléctrico.Los principales componentes del bajo eléctrico son:

Cuerpo: Construido en la mayoría de los casos con diversas variedades de madera, es posible encontrar instrumentos fabricados con diversos materiales plásticos o acrílicos, así como múltiples formas de diseño. Gran cantidad de instrumentos (no así el ejemplar de la ilustración) presentan un golpeador (pickguard en inglés) de

plástico, una pieza destinada a proteger el acabado del cuerpo de los golpes y arañazos del ejecutante o de otros incidentes. Mástil: Construido generalmente en madera o con cualquier otro tipo de material alternativo, el mástil puede ir atornillado al cuerpo (modelos bolt-on) o bien formar una sola pieza con él (modelos neck-through). Su función principal es la de transmitir la vibración de las cuerdas al cuerpo, y si la unión de ambas piezas no es buena, pueden aparecer problemas de estabilidad. El diapasón va generalmente montado sobre el mástil, aunque los primeros modelos de Precision Bass carecían del mismo. La cejilla o nuez, construida de plástico, marfil, hueso u otros materiales, tiene la función de sujetar las cerdas a la altura del clavijero, permitiendo que vibren libremente y transmitiendo esta vibración al mástil. Hardware: Incluye las partes metálicas del instrumento, entre las que se encuentran las clavijas de afinación y el puente que, construido generalmente en metal, tiene una importancia decisiva en el sonido final del instrumento. Cuerdas: Construidas generalmente a base de alguna aleación metálica (aunque también se encuentran en el mercado cuerdas de nylon, silicona y otros materiales alternativos), las cuerdas son otro de los elementos cruciales que determinan el sonido del instrumento. Los principales tipos son las roundwound (entorchadas), las flatwound (de entorchado liso) y las halfround (de entorchado semiliso). Componentes electrónicos: Se incluyen las pastillas y la circuitería, que puede ser pasiva o activa. Los bajos activos requieren alimentación externa, y poseen un ecualizador

incorporado

que

permite

regular

las

distintas

frecuencias

(generalmente graves, medios y agudos) desde el propio panel del instrumento.

Materiales y diseño de construcción

En los últimos años, al lado de los instrumentos fabricados en cadena de montaje ofrecidos por las compañías tradicionales, se asiste a una notable proliferación de instrumentos fabricados artesanalmente por luthieres individuales. Aunque la madera sigue siendo la materia prima fundamental para la fabricación del cuerpo de los instrumentos, también se usan otros compuestos alternativos como el grafito (véase Steinberger o Modulus), especialmente en la construcción de mástiles y diapasones. La madera más común para la fabricación del cuerpo es el aliso, mientras que el arce se emplea con profusión en la fabricación de mástiles y el palo rosa para los diapasones. Otras maderas de uso común son: caoba, fresno, arce, tilo americano y álamo para el cuerpo; caoba para el mástil; y arce, palorosa o ébano para el diapasón. Entre las maderas exóticas o preciosas usadas en la

fabricación de estos instrumentos, encontramos la bubinga, el wenge, el ovangkol, el zebrano o el ébano. El uso de estas maderas está normalmente reservado a instrumentos de gama alta: por ejemplo, la compañía Alembic usa frecuentemente madera de cocobolo para los cuerpos y tapas de sus instrumentos por su atractivo granulado; la firma alemana Warwick Basses es también conocida por las originales maderas que emplea en la construcción de sus instrumentos, ovangkol en el mástil, wenge o ébano en el diapasón y bubinga para el cuerpo.

Fender Mustang Bass de 1971, un bajo de escala corta. El grafito o la fibra de carbono se usan para elaborar mástiles de peso reducido (una estrategia empleada por ejemplo por Modulus o Peavey, para construir sus modelos G-Bass o B-Quad, con mástil de grafito o, en algunos casos, instrumentos completos).

Entre las opciones de fabricación, se hallan las de acabado (acabados en cera, en aceite o lacados) o las opciones de cuerpo (esculpidos según un diseño plano o curvo); la presencia o no de cabezal o cuerpo (véase Steinberger); el uso de materiales sintéticos como el luthite, que permite técnicas de producción y diseño más allá de lo que permite la madera, como en los instrumentos de Cort Guitars o Basslab); o el uso de orificios en el cuerpo del instrumento, para incrementar la resonancia y reducir el peso del instrumento. Los bajos acústicos están equipados normalmente con pastillas

piezoeléctricas o magnéticas que permiten la

amplificación del instrumento, dado su reducido volumen natural.

El mástil puede estar atornillado al cuerpo (bolt-on), o puede ser del tipo neck-thru body, es decir, de una sola pieza. Algunos bajistas atribuyen a los bajos de mástil atornillado un sonido más brillante, mientras que la mayoría de aficionados sostiene que los instrumentos de mástil continuo (neck-thru body) poseen un mayor sustain. En cualquier caso, el sonido final de un instrumento dependerá de muchos otros factores además del tipo de mástil (tipo de maderas, electrónica, etc.).

Los bajos de escala larga, como los Precision Bass de Fender ofrecen una escala (distancia entre la nuez y el puente del instrumento) de 34 pulgadas, que es considerada la escala estándar del bajo eléctrico. Sin embargo son bastante comunes instrumentos de escala corta, habitualmente de 30 ó 32 pulgadas, como el bajo-violín de Höfner que popularizó Paul McCartney o el Mustang Bass, de Fender, ambos diseñados especialmente para músicos de manos pequeñas o principiantes. Aunque los bajos de 35, 35,5 ó 36 pulgadas de escala estaban reservados hace unos años a los instrumentos de luthier, hoy en día existen muchos fabricantes que incluyen instrumentos de escala extra larga en sus catálogos. Esta longitud extra de escala provoca una mayor tensión en las cuerdas, que redunda en un sonido más claro y definido, sobre todo en las regiones graves del diapasón y en instrumentos de 5 y 6 cuerdas.

Bajos con y sin trastes Artículo principal: Bajo sin trastes

Un bajo sin trastes con cuerdas flatwound (planas); obsérvense las marcas a lo largo del diapasón,

que ayudan al ejecutante a una correcta afinación. Una de las consideraciones primordiales a las que tiene que hacer frente un constructor es si usar o no trastes en el diapasón. En un bajo con trastes, éstos separan el diapasón en divisiones de semitono, como ocurre en la guitarra. El Precision Bass original disponía de 20 trastes, pero muchos bajos modernos disponen de 24 o incluso más. El bajo sin trastes, o fretless, ofrece un sonido muy característico, pues la ausencia de trastes metálicos significa que la cuerda debe ser presionada directamente contra la madera del diapasón, como ocurre en el contrabajo. La vibración así producida ofrece un sonido más dulce y cálido, y el bajo sin trastes permite ciertas técnicas de ejecución que no son posibles en un bajo eléctrico normal, como el glissando continuo o la afinación microtonal. Algunos bajistas emplean ambos tipos de bajos -con y sin trastes- en función del tipo de material a ejecutar, como el bajista de sesión Pino Palladino, que ha trabajado con Eric Clapton, David Gilmour o John Mayer. Aunque se asocia normalmente el bajo sin trastes al jazz o al jazz fusion, el instrumento es usado por músicos en una amplia variedad de estilos, como el rock, la salsa o, incluso, el heavy metal.

Jack Bruce, con un Warwick sin trastes. El primer bajo sin trastes fue construido por Bill Wyman en 1961, cuando arrancó los trastes a un bajo económico de fabricación japonesa, un instrumento que podemos escuchar en temas de The Rolling Stones como "Paint it Black". El primer bajo sin trastes de serie fue el modelo AUB-1 de Ampeg, lanzado en 1966; Fender introduciría la versión sin trastes de su Precision Bass en 1970.

A principios de la década de 1970 el bajista Jaco Pastorius creó su propio bajo sin trastes eliminando los trastes a un Jazz Bass de 1962. En diversas entrevistas, Pastorius ofreció distintas versiones acerca de cómo consiguió hacerlo: menciona el uso de unos alicates y una cuchilla de obras, pero en una entrevista de 1984 afirma

que compró el instrumento con los trastes ya eliminados, aunque no habían sido rellenados los huecos que habían dejado. En cualquier caso, Pastorius usó epoxy en lugar de barniz con el objetivo de obtener un acabado que le permitiese usar cuerdas roundwound (entorchadas), que de otra manera habrían acabado dañando la madera del diapasón.

Algunos bajos sin trastes emplean marcadores como guías para facilitar la afinación; es frecuente el uso de cuerdas de nylon o planas (flatwound) para no dañar el diapasón con el roce abrasivo continuo de las cuerdas. Algunos instrumentos fretless incorporan un barnizado con epoxy para incrementar la resistencia del acabado, realzar el sustain del instrumento y otorgarle un sonido más brillante. Aunque muchos bajos sin trastes disponen de cuatro cuerdas, podemos encontrar fácilmente bajos sin trastes de 5, 6 o incluso más cuerdas.

El bajista de jazz-fusion Jaco Pastorius,

famoso por su expresividad con el fretless. Cuerdas, afinación y registro

Un bajo eléctrico estándar dispone de cuatro cuerdas afinadas en mi, la, re y sol, esto es, en intervalos de cuarta ascendente. Esta afinación es equivalente a la del contrabajo, y corresponde asimismo a la afinación de las cuatro cuerdas más graves de la guitarra, sólo que una octava más grave en el caso del bajo eléctrico. Un bajo de cuatro cuerdas y 21 trastes cuenta, por tanto, con un rango tonal que va desde Mi1 hasta Mi4, es decir, un registro de tres octavas.

Existen diversos tipos de cuerdas, fabricadas casi siempre de alguna aleación metálica: roundwound (entorchado redondo, de sonido más brillante), flatwound

(entorchado liso, de sonido más apagado) o halfwound (entorchado semiliso, a medio camino entre los dos anteriores). Existen igualmente cuerdas de metal recubiertas de algún material plástico o incluso de nylon. Semejante variedad otorga a los bajistas una gran cantidad de opciones de sonido. Durante la década de 1950, las cuerdas flatwound, con su superficie suave y su sonido apagado y reminiscente del contrabajo eran estándar. Durante las dos décadas siguientes algunos bajistas adoptaron las cuerdas roundwound, similares a las de la guitarra eléctrica y que ofrecían un sonido más brillante y definido.

Bajos de rango extendido Artículo principal: Bajo de rango extendido

Para ampliar el rango estándar del instrumento de cuatro cuerdas, los constructores tienen tres opciones: ampliar el número de trastes, utilizar afinaciones alternativas o añadir cuerdas extra:

Cuatro cuerdas con afinaciones alternativas para extender el rango efectivo del instrumento. Afinaciones en quinta (ej: do-sol-re-la) (similar a la del Violoncello) permiten un rango extendido tanto en graves como en agudos. Cinco cuerdas normalmente afinadas si-mi-la-re-sol, proporcionan un rango extendido en graves. Los bajos de cinco cuerdas se emplean con asiduidad en la música rock o heavy metal, junto a guitarras de siete cuerdas (guitarras barítonas). Una afinación alternativa para los bajos de cinco cuerdas es mi-la-resol-do, conocida como afinación tenor y muy popular entre artistas de jazz y solistas. Otras afinaciones como do-mi-la-re-sol son empleadas ocasionalmente. La quinta cuerda proporciona una rango mayor respecto al bajo de cuatro cuerdas, y permite el acceso a un mayor número de notas en la misma posición, lo que redunda en una mayor versatilidad.

Un Leduc de seis cuerdas. Seis cuerdas, normalmente afinadas si-mi-la-re-sol-do. El bajo de seis cuerdas no es más que un bajo de cuatro cuerdas con dos cuerdas extra añadidas, una más grave y una más aguda. Aunque menos comunes que los bajos de 4 y 5 cuerdas, estos instrumentos son empleados en géneros como la música latina o el jazz, o por músicos de estudio que necesitan un instrumento más versátil. Existen otras muchas afinaciones alternativas para este tipo de instrumentos.

El virtuoso Richard Bona con su Fodera de cinco cuerdas. Los bajos de rango extendido (ERB en inglés) son instrumentos de 5, 6, 7, 8, 9, 10, 11 ó 12 cuerdas individuales. Uno de los primeros bajos de 7 cuerdas fue construido por el luthier Michael Tobias en 1987 para el bajista Garry Goodman, quien había desarrollado una técnica especial de mano derecha que requería el uso de siete o más cuerdas. La firma Conklin Guitars se especializó desde un principio en la construcción de este tipo de bajos, y ofrece instrumentos de 8 y 9 cuerdas. El guitarbass es un instrumento de 10 cuerdas, cuatro de bajo (con afinación estándar) y las seis restantes con afinación de guitarra (también estándar). Este instrumento cuenta con un solo mástil y cuerpo, pero utiliza diferentes escalas, puentes, diapasones y

pastillas para cada "región". Fue creado por John Woolley en el año 2005, basándose en un prototipo construido por David Minnieweather. El luthier Michael Adler construyó el primer bajo de 11 cuerdas de la historia en el año 2004, y realizó otro instrumento de doce cuerdas un año más tarde. Los instrumentos de 11 y 12 cuerdas de Adler disponen de un rango comparable al del piano de cola, con 97 notas en el último caso. Algunos constructores han experimentado con la creación de subcontrabajos afinados en do#-fa#-si-mi (el do# de la cuerda más grave a 17.32 Hz). Entre los bajistas que usan este tipo de instrumentos podemos citar a Yves Carbonne, Jean Baudin, Bill Dickens, Phil Lesh o Al Caldwell. Ibanez lanzó su modelo SR7VIISC a principios del 2009; de escala corta (30 pulgadas) y afinación si-mi-la-re-sol-do-mi; la compañía lo describe como un cruce entre el bajo y la guitarra.

El Fender Bass VI, un híbrido entre la guitarra y el bajo eléctrico.

Afinaciones alternativas e instrumentos de cuerdas dobles o triples

En ocasiones se emplean afinaciones alternativas con el objetivo de ampliar el rango efectivo del instrumento o de abarcar más notas con la misma posición de la mano izquierda. Esta práctica -conocida como scordatura en italiano- tiene su origen en el siglo XVI, cuando los luthieres de ese país desafinaban sus instrumentos con el objetivo de facilitar la ejecución de pasajes especialmente complicados, de alterar las cualidad tímbricas de sus instrumentos, o de expandir

su rango tonal. Algunas de estas afiniciones alternativas pueden ser mi-la-do#-mi, mi-sol-re-mi, mi-la-mi-la, pero existen multitud de combinaciones posibles.

Los detuners son dispositivos mecánicos que pueden ser activados por el músico para provocar la tensión o distensión de una o más cuerdas, logrando con ello una afinación alternativa inmediata. Estos dispositivos son normalmente usados para destensar la cuerda más grave de un bajo de cuatro cuerdas (re-la-re-sol). Análogamente es posible usar estos dispositivos en bajos de cinco o más cuerdas para tensar o destensar la cuerda más grave. Existen instrumentos, como el Zon Hyperbass de Michael Manring, que ofrecen innumerables posibilidades de afinación, obteniendo así un mayor rango tonal

Otros instrumentos diseñados para utilizar afinaciones alternativas son:

Bajo tenor, con afinación la-re-sol-do, esto es, una cuarta por encima de lo normal. El bajo tenor fue inventado por Stanley Clarke, pero es usado por muchos otros bajistas, como Victor Wooten o Stu Hamm. Bajo piccolo, con afinación mi-la-re-sol (una octava por encima de el bajo estándar) y también popularizado por Stanley Clarke. Por otra parte, existen instrumentos con menos de cuatro cuerdas (menor rango efectivo) y con cuerdas dobles o triples (idéntico rango efectivo que sus equivalentes de cuerdas simples):

Bajos con menos de cuatro cuerdas, como los instrumentos del fabricante japonés Atlansia, de 1, 2 y 3 cuerdas. El bajista de sesión Tony Levin encargó a la firma Music Man la construcción de una versión de tres cuerdas de su modelo Stingray. Bajos de 8, 10, 12 ó 15 cuerdas, construidos según los mismos principios de la guitarra de 12 cuerdas, donde cada cuerda individual dispone de otra paralela afinada una octava más aguda para ofrecer un sonido más grueso. Por ejemplo, un bajo de 8 cuerdas podría usar una afinación mi-mi, la-la, re-re, sol-sol, con cuerdas dobles, mientras que uno de 12 cuerdas podría estar afinado mi-mi-mi, la-la-la, rere-re, sol-sol-sol, con cuerdas triples. Un bajo de 10 cuerdas añadiría dos cuerdas

en si al bajo de 8 cuerdas del primer ejemplo. En 1996 Warrior Guitars produjo un instrumento de 15 cuerdas, afinado mimimi-lalala-rerere-solsolsol-dododo.

Pastillas (micrófonos) y amplificación Pastillas magnéticas La mayoría de los bajos eléctricos usan pastillas (también llamados micrófonos en gran parte de Sudamérica) magnéticas. La vibración de las cuerdas de metal dentro del campo magnético generado por los imanes de las pastillas, es captada por éstas y produce pequeñas variaciones del flujo magnético en las bobinas de las pastillas, a las que los imanes van conectados. Estas variaciones magnéticas producen a su vez una pequeña carga eléctrica de bajo nivel en la bobina, que es amplificada posteriormente y que, a través del altavoz, produce el sonido final del instrumento. Con menos frecuencia se emplean asimismo pastillas no magnéticas, generalmente de tipo óptico. Las pastillas piezoeléctricas, por ejemplo, captan la vibración mecánica de las cuerdas y transforman esta vibración mecánica en impulsos eléctricos. Desde mediados de la década de 1970 es posible adquirir instrumentos que disponen de electrónica activa, es decir, que cuentan con pequeños previos incorporados que permiten realzar la señal y ecualizar el sonido del bajo, realzando o recortando las distintas frecuencias desde el propio instrumento.

Pastillas tipo Jazz.Pastillas tipo Jazz (J/Jazz Pickups en inglés):

Este tipo de pastillas, cuyo nombre hace referencia al diseño original del Fender Jazz Bass presenta una configuración de dos pastillas (una situada cerca del puente y la otra situada entre el puente y la base del mástil), cada una de las cuales dispone dos polos magnéticos por cuerda. Normalmente este tipo de pastillas son de bobinado simple. Como ocurre con las pastillas tipo Precision, estas pastillas cuentan con un bobinado invertido y polaridad magnética inversa, y como resultado, producen una cancelación del ruido magnético cuando ambas se usan al mismo volumen. Este ruido magnético se presenta, sin embargo, cuando las pastillas presentan un volumen desigual y desaparece por completo cuando una de las pastillas queda muteada. Las pastillas tipo Jazz suelen presentar un volumen de salida inferior respecto a las pastillas tipo Precision, y un sonido ligeramente más dulce y suave, con mayor presencia de medios. Muchos bajistas suelen combinar una pastilla tipo Precision en el mástil con una tipo Jazz en el puente para tener acceso a ambas opciones.

Pastillas "tipo Precision".

Pastilla tipo Precision dividida (P/Precision pickup en inglés): Este tipo de pastilla, diseñada originalmente para el Fender Precision en su versión de 1957, está formada en realidad por dos pastillas de bobinado simple que, situadas una junto a la otra, aparentan formar una sola unidad.[nota 31] Cada pastilla se hace cargo de dos cuerdas y -como en el caso de las Jazz- cuentan con un bobinado inverso para la cancelación del ruido magnético. De este modo, en realidad, las pastillas tipo P se comportan a efectos funcionales como una humbucker sencilla. Menos común es la

pastilla Precision simple usada en el modelo original, desde 1951 hasta 1957. Esta pastilla, también conocida como Vintage Precision, se emplea en algunas reediciones modernas de modelos clásicos, como el Precision Sting Signature de Fender.

Pastillas Humbucker o de bobinado doble (DC o Dual Coil en inglés): Disponen de dos bobinas invertidas que presentan imanes con polaridad inversa (un principio similar a las pastillas jazz). Esta disposición reduce considerablemente el nivel de interferencia y de ruido respecto a las pastillas de bobinado simple. Del mismo modo, las pastillas humbucker ofrecen generalmente un nivel de salida mayor que el producido por las pastillas de bobinado simple. Las pastillas de bobinado doble se presentan en dos variedades: cerámica o cerámica y acero. Las primeras producen un sonido ligeramente más áspero que las segundas y precisamente por ello, son a menudo más usadas por músicos de rock y estilos afines. Pastillas Soapbar, así llamadas por su parecido a una pastilla de jabón (soapbar en inglés). Atribuidas generalmente a Gibson, que introdujo este tipo de pastillas en su guitarra P-90 en 1943, el término se usa también para hacer referencia a cualquier pastillas de forma rectangular que carezca de polos magnéticos visibles. Empleadas normalmente en la construcción de bajos diseñados para rock o heavy metal, como los instrumentos de Gibson, ESP Guitars o Schechter, entre otros. Existe una gran variedad en cuanto al número o la disposición de pastillas en la construcción de bajos eléctricos. Numerosos modelos presentan una sola pastilla, generalmente de tipo P o humbucker; muy comunes son también los instrumentos que cuentan con dos pastillas tipo Jazz -como el propio Fender Jazz Bass- o aquellos que poseen una pastilla P en el mástil y otra J en el puente (ejs: Fender Precision Bass Special, Fender Precision Bass Plus).

La posición de las pastillas en el cuerpo instrumento está íntimamente relacionada con el sonido obtenido del mismo. Una pastilla situada cerca de la base del mástil produce un sonido grave y profundo, mientras que una pastilla situada cerca del puente, por su menor vibración, enfatiza los armónicos medios y agudos, y ofrece un sonido más brillante y definido. Los bajos con más de una pastilla cuentan generalmente con controles que permiten mezclar las señales de éstas, lo que incrementa la versatilidad sonora del instrumento.

Circuitos activos

Popularizados por Alembic a finales de la década de 1960, este tipo de circuitos necesita una fuente de alimentación (generalmente una pila o batería) para preamplificar la señal antes de enviarla al amplificador. Las pastillas de electrónica activa son de baja impedancia porque usan menos alambre alrededor de los imanes, para conseguir una respuesta de frecuencia más amplia.

Bajos Alembic con circuitería activa. La electrónica activa tiene muchas ventajas: no hay zumbidos, se gana en más bajos y agudos, se obtiene un mayor nivel de salida (algo necesario cuando el cable es muy largo)

y

se

dispone

de

un

sistema

de

ecualización

incorporado

para

transformaciones adicionales de las propiedades del sonido. Debido a su habilidad para cortar o potenciar la señal así como varias bandas de ecualización, este tipo de electrónica es muy versátil. Los modelos de preamplificador más usados

funcionan con una batería de 9 voltios, aunque existen modelos más exigentes que requieren de 18 voltios (sistemas de doble batería).

Pastillas no magnéticas

El uso de pastillas no magnéticas permite el empleo de cuerdas no metálicas (de nylon, brass o incluso de silicona, como ocurre con el Ashbory bass de Guild) lo que da lugar a sonidos muy diversos.

Las pastillas piezoeléctricas, diseñadas por Ovation para sus modelos de guitarras acústicas a finales de la década de 1970 son pastillas no magnéticas que usan un cristal transductor para convertir las vibraciones mecánicas de las cuerdas y de la tapa en señales eléctricas. Producen un sonido muy diferente al obtenido con las pastillas tradicionales, más cercano al del contrabajo acústico. Las pastillas

ópticas usan leds infrarrojos para detectar visualmente el

movimiento de las cuerdas, lo que permite la reproducción de las bajas frecuencias típicas del instrumento a alto volumen sin el característico ruido de masa y resonancia asociado a las pastillas convencionales. Dado que las pastillas ópticas no recogen con facilidad altas frecuencias o sonidos percusivos, normalmente se complementan con pastillas piezoeléctricas. La compañía Lightwave construye instrumentos con pastillas ópticas.

Amplificador de bajo Amplificación y efectos

Al igual que la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico necesita ser conectado a un amplificador y a un altavoz para emitir sonido. Algunos bajistas usan un amplificador combo, esto es, un aparato que combina amplificador y altavoz en una misma caja, mientras que otros prefieren usar unidades de amplificación y altavoces independientes. Cuando el instrumento se conecta a un sistema de amplificación a gran escala (sistema P.A.), normalmente se enchufa a una caja directa o caja de inyección (DI o direct box en inglés) que envía la señal del instrumento directamente a la mesa de mezclas, y, desde allí al sistema de monitoraje interno y al amplificador (que el músico usa como monitor). Para las grabaciones se puede emplear un micrófono situado delante del amplificador, se puede grabar directamente a la mesa a través de una caja directa, o se puede optar por una solución mixta.

Un pedal de efecto. Existen numerosos dispositivos que permiten alterar el sonido natural del instrumento. Estos efectos (preamplificadores de señal, ecualizadores en rack o dispositivos stomp boxes como compresores, limitadores, pedales de wah, distorsión, etc...) pueden ser usados para procesar el sonido antes o después del preamplificador. Son, desde hace unas décadas, muy populares entre músicos aficionados y profesionales y existe una gran gama de ellos en el mercado. Algunos de los más comunes son los compresores, los pedales de overdrive o distorsión, los efectos de delay (chorus, flanger, phaser, reverb, los envelope filters o pedales wahwah o los efectos de sintetizador u octavadores.

Instrumentos emparentados

Además del contrabajo acústico, instrumento del que el bajo eléctrico es descendiente directo, existe toda una serie de instrumentos híbridos que cumplen en el contexto de la banda las mismas funciones armónicas y rítmicas que el bajo eléctrico:

El contrabajo eléctrico, un contrabajo de cuerpo reducido o inexistente al que se le añaden pastillas magnéticas o piezoeléctricas, o bien una combinación de ambas. El bajo acústico, un híbrido entre la guitarra acústica y el bajo eléctrico que, como sucede con aquellas, puede o no disponer de un sistema de integrado. El Chapman stick, un híbrido entre la guitarra y el bajo que se ejecuta a dos manos. El bajo sexto mexicano de doce cuerdas. El guitarrón mexicano, del que existen otras variedades, como el guitarrón chileno o el argentino. El Fender Bass VI u otros instrumentos híbridos entre la guitarra y el bajo, como el Danelectro 6 String Bass. Por otra parte la ejecución de línea de bajo no es responsabilidad exclusiva de los instrumentos de esta familia. Diversos instrumentos, como la tuba, el trombón o el órgano entre otros, pueden cumplir la misma función en sustitución del bajo eléctrico o el contrabajo.

Técnicas Tocar sentado o tocar de pie

No existe una regla general acerca de esta cuestión: si bien la mayoría de los bajistas tocan su instrumento de pie, bajo determinadas circunstancias (en actuaciones con big bands o en géneros acústicos como la música folk, por ejemplo) puede esperarse del músico (o incluso serle exigido) que toque sentado. Más allá de estas circunstancias especiales, el hecho de tocar de una u otra forma es una cuestión de preferencias personales.

Victor Wooten con su bajo Fodera.

Técnicas de ejecución Técnicas de mano derecha Pulsación fingerstyle o estándar Bajo fingerstyle

A diferencia del contrabajo, el bajo eléctrico se posiciona horizontalmente respecto al cuerpo del músico, como una guitarra eléctrica. La técnica más común consiste en pulsar las cuerdas con los dedos índice y corazón de la mano derecha (pizzicato, o en inglés fingerpicking), aunque en ocasiones se usan también los dedos pulgar, anular o meñique.

Leo Fender había diseñado su Precision Bass original dando por sentado que los músicos utilizarían el dedo pulgar de la mano derecha para pulsar las cuerdas, como, de hecho hacían los primeros bajistas en adoptar el nuevo instrumento. De ahí la localización del apoyapulgar en la parte inferior del cuerpo de las primeras

versiones del instrumento. James Jamerson, un influyente bajista de la Motown usaba únicamente el dedo índice (que él llamaba The hook, El garfio) para ejecutar complicadas líneas de bajo. Igualmente, existen numerosas diferencias en cuanto a la posición de reposo del pulgar de la mano derecha: algunos bajistas usan el apoyapulgar que Fender había diseñado originalmente; otros lo apoyan sobre la pastilla o sobre el lateral del cuerpo; y otros, por último lo apoyan sobre la cuerda más grave o sobre aquella que desean mutear.

La cuerda puede ser pulsada en cualquier punto entre la base del mástil y el puente, pero en función de ello varía notablemente el timbre del instrumento: algunos bajistas, como el virtuoso Jaco Pastorius, son conocidos por usar preferentemente el área más cercana al puente del instrumento, donde la cuerda es más tensa y produce un sonido más seco, compacto y definido, mientras otros prefieren utilizar la parte media o más cercana a la base del mástil para obtener un sonido más grave y redondo.

Es posible emular el sonido tradicional del contrabajo pulsando las cuerdas con el dedo pulgar de la mano derecha mientras se mutean ligeramente con la palma de la mano para obtener un sonido corto y sordo, muy similar al del hermano acústico del bajo eléctrico. Esta técnica, de hecho, era favorecida en los primeros modelos Precision por la localización del apoyapulgar bajo las cuerdas, pero el dispositivo fue más adelante situado sobre las cuerdas hasta desaparecer por completo en la década de 1980.

Slap y pop Slap

Flea, de Red Hot Chili Peppers, ha contribuido a popularizar el slapping. Mediante la técnica de slapping, muy frecuente entre los bajistas de funk, se logra un sonido percusivo muy característico que se consigue al golpear con el pulgar (slapping en inglés) las cuerdas graves y pellizcar con los dedos índice y medio (popping en inglés) las cuerdas más agudas. Los ejecutantes de esta técnica intercalan a menudo notas fantasma y notas muertas entre las notas pop y slap para conseguir el efecto percusivo característico del slapping. Tras la ejecución de una nota slapeada, la mano izquierda puede provocar otras notas mediante el empleo de diversas técnicas como el hammer-on, el pull-off o el glissando. Se atribuye generalmente a Larry Graham, bajista original de Sly and the Family Stone, la invención de este técnica, pero el bajista de sesión Louis Johnson ha

afirmado que desarrolló la técnica de forma paralela e independiente, y hoy se considera a ambos como los padres del slap.

La técnica es usada asimismo por muchos intérpretes más allá de las fronteras del funk, como el rock (Les Claypool, Flea), el heavy metal, la fusión (Marcus Miller, Victor Wooten o Alain Caron) o el pop (Mark King de Level 42). En los últimos años Victor Wooten ha popularizado la técnica del double thump, que consiste en golpear dos veces (una con la yema, la otra con la uña) cada cuerda.[76] Tony Levin ha experimentado con una técnica derivada del slapping que denomina funk fingers, y que consiste en el uso de unos palillos de madera para golpear las cuerdas.

Técnica de púa

Uso de la púa La púa es usada por algunos bajistas que buscan un ataque más articulado, mayor velocidad, o que, simplemente, prefieren su uso en lugar de los dedos. Aunque generalmente se asocia el uso de la púa a géneros como el rock, existen músicos en otros estilos que usan preferentemente la técnica, como el bajista y compositor de jazz Steve Swallow o el bajista de flamenco Carles Benavent.

Steve Swallow es un bajista que toca exclusivamente con púa. Existen diversas variedades de púas disponibles, pero, dado el mayor grosor de las cuerdas del bajo respecto a las de la guitarra, la mayoría de los bajistas prefieren púas más gruesas y más duras que las usadas por los guitarristas. El empleo de distintos materiales (plástico, nylon o fieltro) proporciona diferentes sonoridades.

Normalmente la púa se sostiene con los dedos índice y pulgar, y es la muñeca la encargada de proporcionar el movimiento alternativo arriba-abajo.

Técnicas de mano izquierda

La mano izquierda del bajista (la derecha para los músicos zurdos) se usa para presionar las cuerdas sobre los trastes del diapasón con el propósito de extraer así las diferentes notas del instrumento a partir de la vibración de las cuerdas. La mano izquierda puede también producir cambios en una nota en ejecución, muteándola justo después de que la cuerda ha sido pulsada para apagar la nota eliminando la vibración de la cuerda, ya sea brusca o progresivamente. La mano izquierda cumple una tercera función: mutear las cuerdas que deberían sonar para eliminar las vibraciones no deseadas y la resonancia por simpatía, lo que resulta de vital importancia para obtener un sonido limpio y definido. En algunos casos, sin embargo, esta propiedad de vibración por simpatía de las cuerdas puede ser aprovechada por el músico con resultados musicales, haciendo sonar otras notas del acorde que está sonando en ese momento, algo muy común en la ejecución de baladas, por ejemplo.

La mano izquierda es también responsable del vibrato. En los bajos con trastes el vibrato se aplica en la mayoría de los casos alternando rápidamente la nota con una nota inmediatamente superior. En los bajos sin trastes el ejecutante puede usar este tipo de vibrato, pero generalmente se hace uso de la capacidad del instrumento para ejecutar microtonos. En cualquiera de los casos el vibrato se aplica casi siempre sobre notas obtenidas pulsando las cuerdas en algún punto del diapasón, pero cuando se trata de posiciones abiertas (mi-la-re-sol en el traste 0), es posible también obtener vibrato mediante la aplicación de una ligera presión en la parte de la cuerda que queda más allá de la nuez del instrumento. En algunas raras- ocasiones el bajista puede ayudarse de palancas de trémolo como las usadas por los guitarristas para obtener el mismo efecto.

El bending es un efecto que se puede obtener deslizando la mano izquierda a lo largo del diapasón con el objetivo de dar carácter a la línea de bajo. Los bajistas pueden ejecutar acordes armónicos, pero por la naturaleza tímbrica y funcional del instrumento, los acordes son ejecutados con mucha menor frecuencia por bajistas

que por guitarristas. Aún así, es posible ejecutar una gran variedad de ellos, especialmente con bajos de seis o más cuerdas.

Billy Sheehan en un concierto de 2005. Otra técnica a disposición de los bajistas son los armónicos, que se consiguen aplicando una ligera presión sobre el traste con la mano izquierda, evitando que la cuerda llegue a hacer contacto con el traste, para posteriormente pulsar la cuerda con la mano derecha. Esta técnica (popularizada sobre todo por Jaco Pastorius) posibilita la obtención de sonidos mucho más allá de las posibilidades tímbricas naturales del instrumento, y ha sido a veces usada en para la composición de piezas cuya riqueza armónica quedaba fuera de las posibilidades de la técnica estándar.

El efecto de glissando consiste en un deslizamiento de la mano izquierda sobre el diapasón, en ambas direcciones. Para un efecto sutil, puede ser aplicado sin tan siquiera pulsar la cuerda con la mano derecha; para un efecto más pronunciado se puede pulsar la cuerda antes de ejecutar el glissando; y para un efecto extremo generalmente en contextos punk o heavy metal- puede incluso usarse una púa para

rasgar la cuerda longitudinalmente. Nathan Watts, bajista habitual de Stevie Wonder es reconocido como uno de los maestros de esta técnica.

La mano izquierda puede asimismo ejecutar notas sin la intervención de la mano derecha, ya sea mediante la técnica de pizzicato de mano izquierda, ya sea mediante la aplicación de las técnicas de hammer on o pull off. Los bajistas de jazz usan a menudo grace notes o notas de gracia, adornos rítmicos ejecutados en posiciones abiertas con la mano izquierda, justo antes de pulsar la cuerda con la mano derecha.

Tapping a dos manos

Tapping a dos manos

Mediante esta técnica, cuyo origen encontramos en la guitarra eléctrica, el músico emplea ambas manos para ejecutar veloces pasajes presionando las cuerdas contra los trastes del diapasón. En lugar de pulsar la cuerda con la mano derecha, el sonido es provocado por la vibración de la cuerda al ser presionada contra los trastes. Dado que son empleadas las dos manos, es posible ejecutar líneas de contrapunto, delineando la línea de bajo y la armonía simultáneamente. Algunos bajistas que han obtenido notoriedad con esta técnica son Billy Sheehan, Stuart Hamm, John Myung, o Les Claypool. Sin embargo la técnica no está reservada en exclusiva a músicos de heavy metal, siendo usada con frecuencia por virtuosos como Michael Manring, Jeff Berlin o Victor Wooten. Existen incluso instrumentos

diseñados para ser ejecutados exclusivamente mediante esta técnica, de los que el Chapman Stick o los instrumentos de Warr Guitars son sólo dos ejemplos.

Usos y estilos

Música popular

En la música moderna el bajo eléctrico es el instrumento de la sección rítmica que se hace cargo habitualmente de la línea de bajos, delineando así la guía armónica básica del tema. Rítmicamente el bajo construye con la batería el pulso rítmico del tema sobre el que se sostienen el resto de los instrumentos. Otros elementos de la sección rítmica base son la guitarra o el piano, que se encargan generalmente del desarrollo de la base armónica proporcionada por el bajo y contribuyen a fijar rítmicamente el tema.

Los tipos de líneas de bajo ejecutados por los bajistas difieren notablemente en función del estilo de que se trate, pero sobre estas diferencias de estilo subyacen varios roles comunes: el trabajo del bajista consiste en establecer el marco armónico (lo que frecuentemente significa enfatizar la nota raíz de los acordes y —en menor medida— los intervalos de quinta, tercera o séptima), así como determinar el pulso rítmico.

Verdine White, del grupo de Funk Earth Wind & Fire. La importancia del papel del bajista varía asimismo según el estilo de música que se esté ejecutando: en algunos estilos pop, el bajo cumple una función relativamente simple y la música se focaliza más sobre los instrumentos melódicos y sobre la línea vocal, mientras que en el reggae, el funk o la música disco existen numerosos temas que giran alrededor de una línea de bajo, que además, suele estar muy presente en la mezcla. En la música latina, el country, el folk y en otros estilos similares, el bajo ejecuta normalmente patrones simples de tónica-quinta sobre cada acorde de la progresión. En el blues el bajista ejecuta frecuentemente líneas walking derivadas de las escalas y los arpegios correspondientes a la progresión armónica, y también hace un uso frecuente de riffs basados en la escala de blues. En el heavy metal y sus derivados, el bajista dobla generalmente las líneas ejecutadas por los guitarristas, para aportar profundidad al sonido de la banda.

En ocasiones el bajista interrumpe su función básica en la sección rítmica para pasar a ejecutar breaks o solos. El tipo de breaks y solos varían nuevamente en función del estilo que estemos tratando, y así, por ejemplo, en una banda de rock, un break del bajista puede consistir en un sencillo riff o lick que aprovecha una pequeña pausa en el tema; en una banda de heavy metal, el bajista puede ejecutar un solo de tapping, mientras que en una banda funk el bajista podría exhibir sus habilidades de slapping.

Jazz y jazz fusion

El bajo eléctrico es un instrumento relativamente reciente en el mundo del jazz. Tanto las big bands de las décadas de 1930 y 1940 (la era del swing), como los combos bebop y hardbop de los cincuenta y sesenta usaban el contrabajo. El bajo eléctrico fue introducido en el jazz desde finales de los sesenta hasta principios de los setenta, cuando, bajo la influencia del rock, algunos líderes de la vanguardia del jazz como Miles Davis estaban experimentando con la fusión de ambos estilos en lo que vendría a llamarse fusión o jazz fusion.

Matthew Garrison, hijo de Jimmy Garrison (bajista de John Coltrane), ha grabado y tocado con artistas de jazz fusion como Herbie Hancock, John McLaughlin, Pat Metheny o Joe Zawinul.

El bajo eléctrico en el jazz cumple las mismas funciones del contrabajo: como parte integrante de la sección rítmica (junto a la batería, el piano o la guitarra), es ante todo un instrumento de acompañamiento, pero también puede ser requerido como un instrumento solista. Cuando acompaña, el bajista ejecuta normalmente líneas de walking bass sobre estándares de jazz. En temas latin o fusión el bajista puede ejecutar figuras sincopadas en combinación con el baterista, o puede también proveer un fundamento rítmico simple y sólido.

El papel de solista del bajo eléctrico es más acentuado en el jazz que en los demás estilos, dada su naturaleza improvisada y la abundancia de solos en este tipo de música. Mientras que en la mayoría de las bandas de rock no suele ser normal que el bajista ejecute un solo, durante una representación de jazz es de esperar que el bajista, como el resto de los músicos, se encargue de una o más improvisaciones de longitud variable. Tanto si el bajista está acompañando como si se está haciendo cargo de un solo, es muy importante en este contexto que lo haga con sentido del swing y con un sólido groove.

Música clásica contemporánea

La música clásica contemporánea emplea tanto instrumentos clásicos de la música occidental (piano, violín, contrabajo, etc.) como instrumentos y dispositivos de sonidos de creación más reciente (instrumentos eléctricos, reproductores de casete o radios). El bajo eléctrico se ha utilizado ocasionalmente en este contexto desde la década de 1960.

Los compositores contemporáneos obtienen frecuentemente sonidos o timbres inusuales a través del uso de instrumentos o técnicas de ejecución no convencionales, de modo que el bajista que desarrolla su actividad en este campo debe estar preparado para este tipo de requerimientos.

El compositor ruso Alfred Schnittke, fotografiado aquí en 1989,

usó el bajo eléctrico en su Sinfonía n.º 1 (1972).

Entre los compositores modernos que han usado el bajo eléctrico desde la década de 1960 encontramos a Christian Wolff (Electric Spring 1, 1967; Electric Spring 2, 1966/70; Electric Spring 3, 1967; y Untitled, 1996); Francis Thorne, un estudiante de Paul Hindemith, de la Universidad Yale nacido en 1922, quien compuso Liebesrock (1968–69); Krzysztof Penderecki (Cello Concerto n.º 1, 1966/67, rev. 1971/72), The Devils of Loudun], 1969; Kosmogonia, 1970; y Partita, 1971);[93] Louis Andriessen (Spektakel, 1970;[94] De Staat, 1972-76; Hoketus, 1976; De Tijd, 1980-81 y De Materie, 1984–1988)

El compositor y director de orquesta Leonard Bernstein usó el bajo eléctrico para su Mass de 1971. El compositor soviético Alfred Schnittke usó el instrumento para su Symphony n.º 4, de 1972. En 1977, David Amram (1930) compuso En memoria de Chano Pozo para bajo eléctrico.

Durante las décadas de 1980 y 1990, el bajo eléctrico fue empleado en los trabajos de Steve Reich (Electric Counterpoint], 1987[98] Wolfgang Rihm (Die Eroberung von Mexico, 1987-91), Arvo Pärt (Miserere, 1989/92), Sofia Gubaidulina (Aus dem Stundenbuch, 1991), Giya Kancheli (Music for the Living, 1982-84), o John Adams (I Was Looking at the Ceiling and Then I Saw the Sky, 1995)

Bajistas destacados

Entre los bajistas que, por diversos motivos, ocupan un lugar destacado en su estilo y son ampliamente citados en la literatura especializada de referencia, podemos citar a:

Jazz y jazz fusion

Stanley Clarke y Victor Wooten

Alain Caron. Alphonso Johnson. Anthony Jackson. Brian Bromberg. Gary Willis. Jaco Pastorius. Jeff Berlin. Jimmy Haslip. John Patitucci. Kai Eckhardt. Mark Egan. Matthew Garrison. Marcus Miller. Michael Manring. Richard Bona. Stanley Clarke. Steve Swallow. Tal Wilkenfeld. Tom Kennedy.

Funk y soul

Tal Wilkenfeld. Bernard Edwards. Bootsy Collins. Chuck Rainey. Donald "Duck" Dunn. Francis "Rocco" Prestia. George Porter, Jr. James Jamerson. George Porter Jr. Jerry Jemmott. Larry Graham. Verdine White. Victor Wooten. [editar] PopCarol Kaye. Mark King. Pino Palladino.

Sting.

Rock y hard rock

Steve Harris

Gene Simmons. Billy Sheehan. Chris Squire. Flea. Geddy Lee. Jack Bruce. John Entwistle. John Paul Jones. Oteil Burbridge. Stu Hamm. Tony Levin.

Paul McCartney. John Deacon.

Heavy metal

Steve Harris. Cliff Burton. Jason Newsted. Les Claypool. Steve Harris. Markus Grosskopf. Rob Trujillo. Lemmy Kilmister.

Bajistas de sesión

Nathan East. Will Lee.

Otros estilos

Carles Benavent Aston "Family Man" Barrett (reggae). Bobby Valentin. Carles Benavent (flamenco). Pedro Aznar.

Fabricantes

Existe una gran cantidad de marcas que comercializan sus instrumentos, desde grandes internacionales que fabrican sus productos en serie hasta pequeños talleres familiares que elaboran sus instrumentos individualmente o por encargo. De entre ellas, algunas de las más conocidas son:

A Basses. Estados Unidos. Alembic. Estados Unidos. Aria. Japón. BassCulture. Alemania

Basslab Guitars. Alemania. B.C. Rich Guitars. Estados Unidos.. Burns London. Gran Bretaña. Carvin. Estados Unidos. Carl Thompson Basses. Estados Unidos.. Christof Kost Bass. Alemania. Harvey Citron. Estados Unidos. Conklin Guitar Company. Estados Unidos.. Cort Guitars. Corea. Curbow String Instruments. Estados Unidos. Danelectro. Estados Unidos. Dean Guitars. Estados Unidos. DeArmond Guitars. Estados Unidos. Dingwall Designer Guitars. Estados Unidos. Dobro. Estados Unidos. Elrick Bass Guitars. Estados Unidos. Epiphone. Estados Unidos. ESP Guitars. Estados Unidos. F Bass. Canadá. Fender. Guitarras, bajos, accesorios y amplificadores. Estados Unidos. Fernandes Guitars. Estados Unidos. Fodera Guitars Inc. Estados Unidos. G&L Guitars. Estados Unidos. Gibson. Estados Unidos. Godin/Seagull Guitars. Canadá.

Hamer Guitars. Estados Unidos. Hofner. Alemania. Hot Wire Bass. Alemania Human Base. Alemania. Ibanez. Japón. Ken Smith Basses, LTD. Estados Unidos. Kubicki. Estados Unidos. Lakland Basses. Estados Unidos. Laurus Basses. Italia. Leduc Guitars and Basses. Francia. Marleaux Bass Guitars. Alemania. Martin Guitar Company. Estados Unidos. Mike Lull's Guitar Works. Estados Unidos. MTD Guitars (Michael Tobias Design). Estados Unidos. Modulus Guitars. Estados Unidos. Music Man/Ernie Ball, Inc. Estados Unidos. Neuser Basses. Finlandia. New York Bass Works. Estados Unidos. NS Design (Ned Steinberger). Estados Unidos. Overwater Basses. Gran Bretaña Peavey. Estados Unidos. Pedulla. Estados Unidos. Rick Turner Guitars. Estados Unidos. Rickenbacker. Estados Unidos. Ritter Bass Guitars. Alemania.

Sadowsky Guitars Ltd. Estados Unidos. Samick. Estados Unidos. Sandberg Guitars. Alemania. Schecter Guitar Research. Estados Unidos. Scorpion. Estados Unidos. Spector Basses. Estados Unidos. Steinberger. Estados Unidos. Vigier Guitars. Francia. Wal Basses. Gran Bretaña. Warrior Instruments. Estados Unidos. Warwick Basses. Alemania. Washburn Guitars. Estados Unidos. Yamaha Guitars. Japón Zon Guitars. Estados Unidos.

Amplificadores y efectos

Acoustic Image. Aguilar Amplification. Estados Unidos. Ampeg. Estados Unidos. Ashdown Engineering. Gran Bretaña Crate. EBS. Suecia. Eden Electronics. Epifani. Gallien-Krueger.

Genz Benz. Estados Unidos. Glockenklang. Alemania. Hartke. Estados Unidos. Hughes and Kettner. Gran Bretaña. Ibanez. Japón Kustom. Labsystems. Australia. Laney Amplification. Marshall Amplification. Estados Unidos. Mesa/Boogie. Estados Unidos. Music Man Amps. Estados Unidos. Fender. Estados Unidos. Orange Amps. SWR. Trace Elliot. Gran Bretaña.