Arquitectura

Definición de vanguardia, estilo y tendencia El concepto puede hacerse extensivo para nombrar a la avanzada de un movimiento artístico, político o ideológico. En este sentido, la vanguardia es algo novedoso que escapa de la tendencia dominante y que podría sentar las bases del desarrollo futuro. La vanguardia supone una renovación de formas y contenidos. En el caso del arte, por ejemplo, intenta

reinventar sus bases y se enfrenta a los movimientos existentes. En un principio, la vanguardia es minoritaria y suele generar rechazo por parte de los círculos tradicionalistas. Con el paso del tiempo, sin embargo, puede convertirse ella misma en parte del sistema (perdiendo, como consecuencia, su condición vanguardista).

la

El Cubismo: se trata de una reflexión acerca de forma, desde

una

Aunque las vanguardias tienen características muy distintas entre sí, se asemejan en la lucha contra las tradiciones, la apuesta por la innovación, el ejercicio de la libertad individual y su carácter experimental. Entre los años 1914 y 1939 se dio una evolución en la manera de pensar, tanto en el arte como en la política, y las vanguardias artísticas representaron movimientos que cambiaron la visión de las personas y de la realidad, dejando atrás la atención a los detalles, en pos de una mayor libertad creativa, usando imágenes abstractas y dando a los colores una importancia sin precedentes. El Futurismo: originado por Filippo Tommaso Marinetti, a través de la publicación de un manifiesto que invitaba a la búsqueda de un orden moderno, dejando atrás el pasado y la tradición. La Primera Guerra Mundial jugó un papel primordial en el final del Futurismo, dado que muchos de sus representantes fallecieron en campo de batalla. Irónicamente, muchos habían pensado que dicho hito funesto de la historia habría servido para destruir los esquemas que se habían dado hasta el momento, dejando un lienzo en blanco sobre el cual reconstruir la cultura de Occidente;

perspectivaintelectual y visual. Los temas más recurrentes de este movimiento son la naturaleza muerta y los retratos. Asimismo, vio el surgimiento del collage, que consistía en la combinación de trozos de varios materiales sobre una misma superficie. Básicamente, el Cubismo propone la representación de la naturaleza a través del uso de la geometría, ubicando figuras en un solo plano. Cabe mencionar que también hizo su aparición en la literatura, gracias al trabajo del escritor francés Guillaume Apollinare; en

este caso, se basó en la combinación de conceptos e imágenes al azar.

El Suprematismo: muy influenciado por los dos movimientos recién expuestos, el Suprematismo se basaba en dar un puesto protagónico a la sensibilidad pura y a su supremacía en las artes figurativas. Algunas de sus huellas son el uso de formas geométricas básicas, tales como cuadrados, líneas y círculos, pintadas con un rango limitado de colores; su evolución vio una etapa en la que se experimentó con el monocromo, y también dio obras realizadas exclusivamente en blanco y negro. El fauvismo: fue un movimiento de origen francés que se desarrolló entre 1904 y 1908, aproximadamente. El importante Salón de Otoño de 1905 supuso la primera exhibición para el grupo cuyo objetivo era lingüísticamente la síntesis forma-color. No se buscaba la representación de los objetos inmersos en la luz solar, sino la de las imágenes más libres que resultaban de la superposición de colores

equivalentes a dicha luz. En efecto, los fauvistas consideraban que mediante el color se podían expresar sentimientos. Henri Matisse fue uno de los mayores representantes de esta vanguardia.

El concepto de estilo tiene su origen en el término latino ‘’stilus’’. La palabra puede ser utilizada en diversos ámbitos, aunque su uso más habitual está asociado a la apariencia, la estética o la delineación de algo. El estilo, en diseño, toma dos aspectos para definirlo y llevarlo a cabo en los productos industrializados que genera e intentan resolver una necesidad a través de una significación con el objeto por medio de una experiencia estética. La primera es tomada de categorías de la historia del arte y la segunda es la impronta personal del diseñador. La manera de que el objeto tenga un estilo depende de quien ha hecho este producto y las

características que le imponga y que, regularmente, aparezcan en otros diseños del mismo individuo. Esto es, hay despachos o diseñadores que tienen maneras peculiares de abordar los problemas que plantean los productos en sus necesidades, así podemos ver formas orgánicas en los diseños de mobiliario de Eero Arnio, formas plásticas en los productos de cristal de Timo Sarpaneva, o soluciones formales poco convencionales en Phillipe Starck. Soluciones que impactan estéticamente y que el cliente de un nuevo producto las sostiene como necesidad para el mismo, contratando al diseñador para que le imponga su estilo, o intentando que el producto se asemeje a éste con el fin de introducirlo al mercado y devaluando el valor de uso sobre el económico por la apariencia. Este factor plantea el problema de la moda y de la estatización del producto como tal en un mercado donde la publicidad dirige muchas decisiones de los posibles usuarios, pues, en realidad, las cuestiones de estilo como solución debieran “salir” de las necesidades del usuario o consumidor, más que del productor o diseñador. Esa relación productordiseñador-usuario ha funcionado, en este sentido del estilo, con las decisiones de los dos primeros participantes, sugiriendo que el tercero adoptará amablemente dichas soluciones. Los diseñadores que por cuestiones publicitarias y de moda, sin menospreciar su trabajo de diseño, imponen estilos, suscitan una manera de hacer las cosas más que solucionar contextualmente el producto. El estilo de lo formal, lo simbólico o lo funcional, no debiera ser una preocupación del diseñador al abordar una necesidad, pues ello aparecerá definido

por la necesidad misma cuando esta parte de un usuario real a quien deba considerarse. El estilo, entonces, debe ser una cuestión de contextualización que defina al producto en base a una necesidad, no importando quien de solución a dicho problema, pues las cuestiones personales importan menos que las sociales, aunque las primeras no dejen de observarse en los productos. Esto es, cada diseñador resolverá de manera efectiva un problema, pero también con las variantes que implica la individualidad del profesionista, pero esto no interesa demasiado cuando el producto cumple con la satisfacción de quien lo consume y quien lo produce, así el estilo deja de ser un tema importante para definir el valor económico del objeto de diseño por la firma e impera una preocupación por una solución social que es a lo que se debe el diseño ¿o no? Y esta pregunta sale a relucir por otro punto donde el diseño se toma como estilo de vida, como forma de vida, donde se concede ésta a cierto grupo socioeconómico que tiene las posibilidades para adoptarle, pues el diseño es cuestión de precios altos donde muchos quedan excluidos. Una tendencia es un estilo o una costumbre que deja una huella en un periodo temporal o en un sitio. En todo proceso de diseño, el diseñador utiliza toda la información posible, retenida en su memoria, para realizar su creación. Una serie de imágenes, signos y demás recursos comunicativos son asociados y entrelazados entre sí dando lugar al diseño. Las tendencias, son una serie de grupos de un cierto estilo, estilísticos, que el diseño en si va adoptando. Se encuentran en continua evolución y

marcan el estilo de los diseños y futuras creaciones. Ahí, entra a formar parte el estilo, como forma de actuar, dando el toque personal al proyecto en curso.

Para qué sirve un estilo personal para diseñar? El estilo personal es cómo se hace lo que se hace. Es el vehículo del Yo cuando se saca la máscara que lo protege y se revela como el cruce entre la naturaleza del hombre y el medio en el cual se desarrolla. El estilo personal improvisador puro no existe, hay reglas que codificaron la conducta humana desde hace billones de años y que provienen de un gran Yo común del cual somos herederos. Siempre hay reglas, algunas impuestas y otras ocultas que aparecen durante el sueño, el juego, el mito, el arte o el espíritu y que se expresan cuando no se piensa en el tiempo (él era y el será), ni en las causas (porque y el por qué). A Miguel Ángel lo guiaba la visión de un modelo invisible a la apariencia. Mientras extraía la materia de la piedra eliminaba también las partes de su Yo que le impedían acceder a su verdadero tesoro.

Como conformar un estilo personal? Desarrollar el estilo personal. La técnica del estilista puede enseñarse y aprenderse pero los materiales están ahí. El estilo personal materializa la inspiración conectándola con su origen. No se trata sólo de la

razón que avanza paso a paso, sino también de la intuición que reúne todo el saber y todo el ser en un instante. Es un nivel más profundo que pensar o sentir, porque sale de las entrañas y emite un sonido que hay que saber escuchar para luego actuar según su dictado. El secreto de darle un estilo artístico a la existencia es escuchar el mensaje de esa voz para que nos guíe en la vida cotidiana.

¡Sí! a una manera de obrar que permita desplegar el estilo personal, en el cual lo creativo y lo receptivo formen una pareja resonante. La ley de Weber-Fechner relaciona el valor objetivo de un estímulo con el subjetivo de la sensación..Si hay 50 velas encendidas, una más no se nota.

Esta función la cumple el juego creativo (que difiere del juego reglamentado). En él se relaciona aquello que la conciencia separa, reinterpretando la realidad, explorando con libertad y por puro placer. El goce no está entonces en el resultado sino en el proceso. Los tontos, los graciosos y los niños a lo largo de la historia pudieron encarnar los juegos sin la vergüenza inhibitoria del adulto. Ese niño existe en el interior de cada uno y al hallarlo se despierta el entusiasmo, la palabra que significa etimológicamente: “estar lleno de Dios”. Para llegar a ese estado hay que desaparecer y convertirse uno en lo que hace, en un estado ideal que es el fruto de una conciencia sensibilizada. Hay diferentes maneras de llegar a este estado de vacío donde se

borran los mecanismos convencionales del estilo repetitivo. Quizás el más simple y efectivo sea decir: ¡Sí!

Qué son los cánones? El término “canon”, de origen griego, remite al concepto de “vara o norma”. Dentro del sistema literario, el concepto de canon subraya la existencia de

un modelo o una proporción ideal al momento de considerar las obras literarias. Esa suma, el llamado canon literario es, en términos amplios, el total de obras escritas y orales que aún hoy subsiste. Sin embargo, ese canon potencial se ve limitado desde un primer momento por la posibilidad de acceder o no acceder a ciertas obras. Entonces, podemos afirmar que todo canon es sólo una parte de una quimérica totalidad literaria. 1.4.- Cánones históricos

especialmente por Alberto Durero3 y por Leonardo da Vinci (hombre de Vitruvio). En la edad contemporánea, el arquitecto francés Le Corbusier creó un nuevo canon de proporciones humanas al que denominó modulor (2,26 metros de altura), para aplicar tanto en la construcción de edificios como en el diseño de mobiliario y objetos comunes.

La plasmación literaria de esta idea fue explicitada en la Grecia clásica por Policleto, escultor del siglo V a. C., en un libro técnico titulado El Kanon. Aunque el texto no se ha conservado, fue ejemplificado por el artista en sus obras Doríforo y Diadúmeno. En ellas estableció que la altura perfecta de una figura humana era siete veces la altura de la cabeza. En el siglo siguiente las figuras aparecen más esbeltas, como en el Apoxyómenos de Lisipo, o en obras de Praxíteles (Hermes de Olimpia, Apolo Sauróctono), que corresponden a un canon que llega hasta las 8 cabezas.1 Para Plinio el Viejo, esta diferencia respondía a un criterio estético esencialmente distinto: los artistas del siglo V (Mirón, Fidias, Policleto) habrían representado al hombre tal como es; mientras que los del siglo IV (Praxíteles, Scopas, Lisipo) lo habrían representado tal como el ojo los ve, es decir, superaron el canon racional mediante una fantasía que permite mayor expresividad y refinamiento óptico.Vitrubio dejó asentados estos conceptos, ampliados otras proporciones entre distintas partes del cuerpo humano, que fueron reelaboradas por los artistas delRenacimiento,

Origen y conformación del pensamiento racionalista

El racionalismo arquitectónico surge en Europa tras la I Guerra Mundial. El Art Nouveau, que rompió con la contradicción y señaló el primer paso hacia la plasticidad de las líneas constructivas, derivó en ornamentalismo vacuo, por lo que a principios del siglo XX se originó una corriente que rechazaba dicho ornamento, y aprovechaba los descubrimientos de la llamada Segunda Revolución Industrial, cuyo objetivo era encontrar un camino intermedio entre la renuncia a la imitación de lo antiguo y a un excesivo tecnicismo uniformador. Conjugando todos los propósitos racionalizadores y funcionalistas de la arquitectura de la Revolución industrial, que habían encontrado su campo de experimentación entre 1890 y 1914, se formulan en la primera posguerra distintas opciones arquitectónicas de objetivos y métodos cercanos, con un repertorio formal con constantes relaciones hasta condicionar casi un estilo internacional que presenta similitudes con las vanguardias pictóricas, especialmente con el cubismo.   

Organización estructural del edificio en lugar de simetría axial. Predilección por las formas geométricas simples, con criterios ortogonales. Empleo del color y del detalle constructivo en lugar de la decoración sobrepuesta.

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Uso limitado de materiales como el acero, el hormigón o el vidrio.

El racionalismo en el diseño a partir de la revolución industrial Entre 1925 y 1940, la orientación racionalista se difunde en toda Europa, ya por obras aisladas o por penetración de métodos constructivos nuevos, originando la formación de diversas escuelas. Esta difusión está básicamente ligada a la labor de los grandes maestros, tanto los meramente racionalistas como los pioneros de principio de siglo, que reciben encargos de todo el mundo, y que, mediante asociación o colaboración con arquitectos locales, contribuyen a expandirlo a pesar de reticencias oficiales y académicas. Así pues se puede decir que el racionalismo arquitectónico, es la depuración de lo ya sobresaturado, dejando solamente lo esencial, lo práctico y funcional para cada situación.

Las ideas racionalistas de la BAUHAUS

Concepción dinámica del espacio arquitectónico.

1. Un diseño funcional. El edificio constaba de los locales de la propia Bauhaus, una escuela municipal de formación profesional y viviendas para el director, los profesores y los estudiantes. Gropius

separó cada función en un volumen prismático individual con entrada independiente: el más espectacular, por su fachada de vidrio, alberga los talleres; otro contiene las aulas de la escuela profesional, y el tercero, más alto, agrupa los estudios de los alumnos. Los dos primeros están unidos por un cuerpo elevado sobre una calzada en el que se encuentran la administración y el despacho del director. A su vez, talleres y estudios se conectan mediante un cuerpo bajo ocupado por el salón de actos y la cantina. 2. La simplificación de las estructuras arquitectónica. No hay ni una concesión a la decoración, para no enturbiar la pureza de líneas y el diseño práctico. Las paredes son lisas dejando ver cara vista el material de construcción. El color que predomina por tanto en el exterior como en el interior es el gris del hormigón, que a lo sumo se pinta de blanco. 3. El uso de líneas ortogonales y de volúmenes geométricos. Coincide con el Neoplasticismo en el gusto por combinar espacios cuadrados y rectangulares y con el Cubismo en que ambos intentan representar a los objetos desde varios ángulos de forma simultánea. Es decir, en los nuevos edificios se alternan las formas verticales con las horizontales: los soportes verticales conviven con azoteas horizontales en vez de tejados; las ventanas son apaisadas. Se abandona el concepto de fachada principal con lo que todas las vistas del edificio importan. El resultado es una construcción asimétrica,que exige un recorrido a su alrededor para apreciar los escorzos siempre cambiantes.

4. La utilización del acero y del hormigón armado, sin encubrirlos, para los elementos sustentantes y sostenidos permite librarse de muros, compartimentaciones y soportes interiores innecesarios. Estos materiales abaratan el coste del edificio porque son de fácil fabricación y se hacen en serie. Esto será esencial para sus propuestas posteriores de construir viviendas standard a base de elementos prefabricados. También introdujo el uso de la carpintería metálica para las cristaleras en sustitución de la madera. El vidrio sirve de cierre exterior sustituyendo a la fábrica de piedra o ladrillo llenando de luz el interior y dando un aspecto flotante e ingrávido a los pabellones. 5. La decoración, la luz, el mobiliario, etc. también debían realizarse de acuerdo con principios racionales. De hecho en la escuela enseñaron como profesores pintores como Kandinsky y Paul Klee. La idea era revalorizar estéticamente los objetos utilitarios producidos por la maquinaria e integrar en el diseño común muebles, lámparas, tapicerías, sillas, carteles y letras de tipografía, etc.

La función, realidad o imposición El racionalismo es el resultado de la síntesis de muchas de las ideas de las vanguardias. No se impone en la sociedad hasta después de los cambios políticos

y sociales producidos por la crisis posterior a la I Guerra Mundial, especialmente en Alemania.

Walter Gropius y el ideario de la BAUHAUS con la función Personalidad clave en esta transformación fue Walter Gropius(1883-1969) y la escuela de arquitectura creada por él en 1919 en la ciudad de Weimar, denominada La Bauhaus o "Casa de la Construcción”. Su idea fundacional fue crear una escuela que ofreciese teorías, pero también proyectos prácticos, que diesen solución, bajo presupuestos racionales y económicos, a los problemas de la vivienda y del urbanismo en las nuevas ciudades. El término funcionalismo proviene de asumir la máxima acuñada a finales del siglo XIX por Louis Sullivan en la Escuela de Chicago, "l a forma debe seguir a la función ", indicando con ello que había que preocuparse más de la comodidad de los que habitaban los edificios que de la belleza estética. Antes de esa fecha, Gropius había trabajado en el despacho de Peter Behrens, uno de los arquitectos que trabajaron para dignificar las edificaciones fabriles. Inspirado en su obra y yainstalado por su cuenta, diseñó uno de los edificios más innovadores y transcendentales para la evolución posterior de la arquitectura, la fábrica Faguswerk en Alfeld an der Leine (1911-1913). El uso extensivo que hizo del vidrio, en especial en la esquina saliente de la fachada lateral produce un efecto de gran ligereza y transparencia y anuncia los presupuestos teóricos de La Bauhaus.

El estilo internacional

Se conoce como Estilo Internacional a un conjunto de arquitecturas que comparten las características formales más puristas del Movimiento Moderno y, en menor medida, las funcionalistas. El nombre, que triunfó en el mundo anglosajón como sinónimo de Movimiento Moderno y que, como en sí mismo indica, lo consideró un estilo, proviene de una exposición de arquitectura europea que tuvo lugar en el MOMA en 1932, organizada por Henry-Russell Hitchcock y Philip Johnson. Sin embargo, las obras expuestas fueron escogidas por su similitud formal, obviándose conscientemente aquéllas que, encuadradas también dentro de las corrientes del Movimiento Moderno, se alejaban más de los cánones elegidos para la exposición. Se caracterizó, en lo formal, por su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza que permitía la construcción en voladizo, por entonces novedoso. También se avino a una homogeneidad de materiales, presididos por el hormigón armado, con el que se crearon amplios espacios interiores con similitudes en varios edificios. Las características no formales ni materiales, como el compromiso con el progreso y el sentido de la serialización como modo de poder mejorar la vivienda de la clase baja, no se consideraron.

Principios del Diseño de Le-Corbusier La arquitectura planteada como una creación racional – propia del hombre– a diferencia del mundo de lo natural. (Ejemplo: Ville Savoie). La separación cartesiana de las funciones: habitar, trabajar, recrearse. La tendencia a la

concepción de la vivienda como un producto estándard –l’object-type, la machine a habiter– (Ejemplo: La Maison Citrohan) Los 5 puntos:     

La La La La La

casa sobre pilotes planta libre fachada libre terraza jardín ventana alargada.

El Modulo como sistema de medidas basado en el hombre; Los trazados reguladores como herramienta compositiva de las fachadas (Número de Oro, Series de Fibonacci).

hormigón. Ideó además un sistema en el que la estructura, hasta entonces realizada mediante muros de carga, era realizada mediante pilotis, pilares que sujetaban los forjados de cada planta y las escaleras, quedando dicha estructura completamente independizada de la distribución de la vivienda y permitiendo así la planta libre. Ahora esto puede parecer muy normal, pero fue algo que cambió radicalmente la forma de construir y concebir los edificios.

Los principios urbanos Le- Corbusianos La casa dominó y la planta libre Desde 1914 Le Corbusier desarrolló, para reconstruir una Flandes destruida por las batallas de la I Guerra Mundial el sistema domino. Se trataba de un proyecto de fabricación de casas en serie que mediante la estandarización de los elementos permitía realizar en pocas semanas toda una estructura de

La influencia de Le Corbusier sobre la teoría y la práctica de la arquitectura y el urbanismo del siglo XX tiene una importancia que no se puede estimar suficientemente. No existe prácticamente ningún otro arquitecto que haya conseguido intervenir —tanto con su obra construida y sus proyectos como con su amplia obra teórica— de un modo tan provocador, sentando nuevos parámetros, en el discurso sobre la

arquitectura moderna. Quería, según una de sus frases famosas, abrir «ojos que no ven» para la belleza de la moderna ingeniería; sus trabajos teóricos los consideraba como «advertencias a los arquitectos», que habían de servir como ayuda para el conocimiento hacia una arquitectura moderna, un «juego consciente, exacto y maravilloso de las obras construidas bajo el sol».harles-Edouard Jeanneret, quien a partir de 1923 —en su condición de arquitecto y teórico— comenzó a denominarse «Le Corbusier», nombre derivado del apellido materno Lecorbésier, nació en La Chaux-deFonds (Suiza occidental) en 1887. Tras su traslado a París en 1917, comenzó a publicar en 1920, con el pintor Amédé Ozenfant, la revista Esprit Nouveau; en el total de 28 números aparecidos hasta 1925 desarrolló una plataforma propia con el objetivo de fundar y propagar una estética de la era de la maquinaria. Muchas de las tesis que se habían ido publicando en Esprit Nouveau se recogieron en 1923 en la primera obra sobre teoría de la arquitectura de Le Corbusier: Vers une architecture (Hacia una arquitectura), obra que vertió sus principios teóricos en una colección de textos tanto provocadores como de interesante presentación. Este libro dio a conocer a su autor a nivel internacional; todavía hoy sigue siendo una referencia extraordinaria para el gesto y el contenido de la moderna propaganda arquitectónica. Aunque, por su tipografía, el libro parece más bien convencional, el lector se ve atraído por la creación de lemas y sus numerosas repeticiones, y sobre todo por montajes de textos e imágenes fuera de lo común. La

polémica alterna con frases que no admiten contestación; la estética subjetiva de la arquitectura se interpreta como la suma de constantes antropológicas .

Sorprende las ilustraciones que incluye, que en muchos casos no se refieren a sus propios proyectos, sino que están tomadas tanto de la historia clásica de la arquitectura como del ámbito de la ingeniería. Resulta sintomática la comparación entre el Partenón de Atenas y un automóvil deportivo, de efecto calculado para sorprender. En su argumentación, Le Corbusier emplea los ejemplos de la arquitectura clásica como modelos, cuya lógica racional sienta un parámetro que busca su réplica adecuada en la era industrial. Por esto, el ingeniero fue el primero que, sin el lastre de la tradición académica, desarrolló la solución precisa para problemas mecánicos. Sin embargo, según Le Corbusier: ¿qué otra cosa es una casa que una «máquina para vivir»?

El libro consta de diferentes capítulos, precedidos por axiomas. Sus afirmaciones se ven subrayadas por el uso de frases muy sencillas y en parte muy breves, por lo que pueden retenerse fácilmente, y por el uso de símiles poéticos.

La nueva estética resulta de un claro análisis de funciones, con lo que continúa el debate en torno a una reforma de la estética de la arquitectura que estaba desarrollándose desde la segunda mitad del siglo XIX. La forma sigue a la función y su configuración ha de medirse con la capacidad de convicción del diseño industrial; cubiertas de transatlánticos con sus bordas y escaleras de caracol, sus ojos de buey y el blanco funcional proporcionan el material ilustrativo para una belleza arquitectónica, que se caracteriza no solo por su adecuación, sino que también posee cualidades higiénicas y casi morales. Así, sobre un trasatlántico. Le Corbusier escribe: «una arquitectura pura, limpia, clara, pulcra y sana». Por el contrario, los «estilos» son «una mentira». Al mismo tiempo, Le Corbusier rehabilita la arquitectura como forma artística, cuando atribuye al arquitecto la tarea de configurar, más allá de la mera función racional.

Solo con la mano ordenadora del artista se crea el efecto estético satisfactorio que atribuye a la nueva arquitectura. Llama la atención que Le Corbusier no formula su tratado en el contexto de una utopía social revolucionaria; todo lo contrario: el capítulo final titulado «Arquitectura o revolución» manifiesta que al autor no le interesa integrar su estética en un contexto de utopía social. Al contrario: para él existe un déficit en la creación de circunstancias adecuadas de trabajo, de vida y sobre todo de vivienda, para una sociedad industrial progresista. Por tanto, la construcción de vivienda y sobre todo los problemas fundamentales del urbanismo moderno constituyen los temas de las posteriores publicaciones de Le Corbusier. El tratado Urhanisme (A propósito del urbanismo), aparecido en 1925, supone un comienzo de principios. Análogamente a sus provocadores teoremas sobre la arquitectura moderna, el urbanismo se define en primer lugar desde un punto de vista funcional y la ciudad como un instrumento de trabajo. Orden y linealidad, análisis funcional y formas rígidas se derivan, al parecer necesariamente, de esa argumentación. Sin embargo, y a pesar de toda la sobriedad del gesto argumentativo, no se puede dejar de lado el acceso a las cuestiones de la configuración urbana. Se trata de las «eternas formas de la geometría pura», que no solo se desprenden lógicamente de la función, sino que también aparecen «llenas de poesía». El proyecto, procedente de 1922, de una «Ville contempérame pour trois millions d'habitants», ilustra las consecuencias de esas reflexiones sobre principios de urbanismo: 24

rascacielos de oficinas, alineados regularmente en torno a un nudo de comunicaciones, forman una especie de corona urbana dentro de un paisaje urbano cruzado por espacios verdes y calles jerárquicamente ordenadas. Las diferentes funciones urbanas como el tráfico, el trabajo, la vivienda y el ocio están claramente definidas y relacionadas con determinados lugares. Con el «Plan Voisin», que comienza a desarrollar en 1922 y continúa hasta 1929, Le Corbusier aplica a París los principios desarrollados en «Ville contemporaine». Con una polémica directa confronta los antiguos barrios de la ciudad con su visión de una nueva ciudad. Con la edición de la Charte d'Athénes (Principios de Urbanismo: La Carta de Atenas) en 1943, Le Corbusier publica el libro que mayores consecuencias tendría para el urbanismo contemporáneo. El texto se basa en las deliberaciones del 4° Congreso Internacional de Arquitectura Moderna, que se desarrolló en 1933 durante un crucero de Marsella a Atenas y que se vio influenciado decisivamente por Le Corbusier. Este mismo elaboró en 1941 las tesis, que editó en 1943, empleando en parte planos de su obra La Ville Radieuse, aparecida en 1935. De central importancia es la precisa diferenciación de las funciones urbanas, cuya separación ordenadora se considera como el núcleo de una planificación urbana racional. Con su tenor imperativo, La Carta aparece como un análisis preciso y como el instrumental que puede y debe emplearse en todo momento para solucionar problemas de urbanismo. Adquiere un tono casi dirigista cuando el autor exige que la Carta a de

obtener validez en los órganos administrativos. Es función de la arquitectura «crear o mejorar la ciudad; a ella corresponde la elección y la distribución de los diferentes elementos, cuyas proporciones logradas fundamentarán una obra armónica y duradera. El arquitecto tiene en sus manos la clave de todo ello». Aún hoy. Le Corbusier sigue polarizando la crítica arquitectónica. Sus posturas y su reivindicación, y también la influencia que ejercen sus teorías, le predestinan para ser la diana de la crítica de la ciudad moderna, tal y como ha sucedido en muchos lugares dentro de la recepción de las tesis de Le Corbusier. Para sus críticos, la ruptura con la tradición, la separación de funciones y el dictado de la lógica funcional parecen ser los aspectos decisivos de un urbanismo equivocado. Al mismo tiempo no se discute que ningún otro haya reivindicado tan claramente como él el primado de la arquitectura en la era de la modernidad industrial. Junto a la historicidad de su programa, la aspiración de calidad artística es el principio por el que se ha de medir la realización de sus visiones urbanísticas.

Las propuestas del grupo Archigram Sus promotores fueron seis jóvenes de la Asociación de Arquitectura de Londres, seis arquitectos de perfiles muy diferentes pero con las mismas ansias revolucionarias: Peter Cook era el portavoz siempre optimista; Dennis Crompton se hizo cargo de que todas sus creaciones estuvieran disponibles para el futuro cuidando de los archivos y creando exposiciones; David Greene, poeta, crítico y pesimista; Mike Webb, el genio del diseño; Ron Herron era el positivo y Warren Chalk, que actuaba como el catalizador de las ideas del grupo en sus publicaciones daban rienda suelta a ideas, conceptos y proyectos utópicos. Su discurso se inspiraba en el pop, el movimiento hippie, las ferias ambulantes, el futurismo, el mecano, la carrera espacial o las películas de ciencia ficción. Los 9 números que publicaron mezclaban el comic y la arquitectura en un collage caótico y divertido. Sus proyectos incluían una gran componente tecnológica e industrial, proponiendo soluciones extremas para una nueva sociedad emergente, sugiriendo nuevas formas de vivir la ciudad, desde lo privado hasta lo público. Archigram atacaba el conservadurismo de los arquitectos británicos de la época, complacientes con su trabajo, los cuales los consideraban como un grupo de provocadores que no podrían construir un edificio aún si les dejaran. Una de sus propuestas más visionarias fue The Plug-in- City (Peter Cook, 1964). Ideaban inmensas estructuras vacías en la cual se irían insertando según las necesidades diferentes módulos de viviendas,

comercios o los diversos usos propios de una ciudad. Cápsulas cambiables y sustituibles fácilmente que daría lugar a una situación en continua transformación, sensible a la evolución y a las necesidades de la ciudad y sus habitantes. Concepto que fue planteado hace 50 años y sin embargo aún es la base de numerosas teorías y propuestas actuales. Otro famoso proyecto nacido de Archigram fue The Walking City (Ron Herron, 1964). Continuaba con el sentido dinámico y tecnológico pero con una componente mucho más utópica. Proponían ciudades nómadas que, contenidas en grandes estructuras, pudiesen moverse por todo el mundo según las necesidades de sus habitantes en cuanto a clima o recursos, dando incluso la oportunidad de asociarse entre ellas, creando grandes “metrópolis móviles”.

Concepto extremo e irrealizable pero que podía intuir características de nuestra actual vida globalizada. Con un espíritu provocador y revolucionario, Archigram consiguió remover conciencias justo en un momento en el que la arquitectura volvía a academizarse. Con sus gráficos y diseños pretendían acercarse a un mundo aún desconocido. Superar límites con proyectos que por extremos, nunca llegaron a realizarse, pero con ideas soñadoras que conseguirían inspirar en gran medida el pensamiento y la producción arquitectónica hasta nuestros días.

y compleja del barrio pretende romper con los principios de zonificación propios del racionalismo de principios de siglo,3 y la urbanización Robin Hood Gardens en Londres, construida entre 1966 y 1972. La disposición curvilínea y abierta de los edificios, organizados en torno a un gran jardín, materializa finalmente el concepto de lo que para los Smithson debe ser la arquitectura.

La estructuración urbana de los Smithson Fueron dos arquitectos y urbanistas ingleses que trabajaron activamente en los aspectos teóricos de la arquitectura de las décadas de los 50 y 60. Están considerados cofundadores del brutalismo, y formaron parte del Team 10, un grupo de arquitectos que desde su primera reunión en 1954 ejerció, mediante sus publicaciones, una gran influencia en el urbanismo de la segunda mitad del siglo XX. En otras disciplinas artísticas, también formaron parte del Independent Group en 1956.2 Los arquitectos se conocieron mientras estudiaban en la Universidad de Durham y contrajeron matrimonio en 1949, abriendo un estudio propio un año después.2 La importancia de esta pareja de arquitectos estriba más en su trabajo teórico sobre la arquitectura y el urbanismo que en la construcción de edificios, pero entre sus proyectos destacan el Golden Lane Housing (Londres, 1952), donde la composición abierta

Las propuestas urbanas del TEAM 10

El team 10 fue un grupo de personas especializadas en diferentes doctrinas, que mediante una serie de reuniones en julio de 1953 en el congreso C.I.A.M. Introdujeron sus conocimientos al urbanismo. Entre sus ideas buscaban proponer una “recuperación alternativa” de los valores de la modernidad, darle un identidad a la ciudad, entre los primero integrantes de este grupo se encontraban los Smithson, Bakema, Van Der Broek, Candilis, Josic, Woods y Van Eyck. El team 10 analizaba desde distintos puntos de vista la solución ante los problemas urbanos, analizaban desde aspectos, psicológicos, arquitectónico, económicos, estructurales, ambientales, con el fin de abarcar, ideologías, análisis de ciudades, carreteras urbanas, viviendas, edificios híbridos, espacios públicos, etc.

procuraban estar lo más cerca de los alrededores de estos, donde existía mayor marginación social.

PROPUESTAS DEL TEAM 10 Una nueva arquitectura: Su base ante una nueva arquitectura era el uso, ellos creían que debía responder ante lo social y lo funcional, los espacios debían ser universal y su forma total, hacia lo orgánico, características: pragmatismo, movilidad, variabilidad, elasticidad, lógica, economía, claridad estructural, socio - plástica, menos completa, lenguaje tecnológico no mágico. El urbano: en la cuestión urbana el team 10 proponía una vivencia universal total, en donde el ser humano debe estar directamente relacionado con los espacios, la luz, la naturaleza, etc. Otra característica en la ciudad fue la falta de segregación ante la función urbana, esto quiere decir que no apartaban espacios o zonas importantes de un centro urbano, si no

Las propuestas modernas en los ámbitos sociales, políticos, artísticos y arquitectónicos

posguerra, el origen de la Posmodernidad, fue un movimiento más que un estilo; en la Arquitectura representa la recuperación de la tradición y la Historia que se habían rechazado en el Movimiento Moderno, fue un retorno hacia el Formalismo más que una corriente filosófica integral. Permitió volver la vista hacia el hombre, la cultura y la globalidad. El término posmodernidad o postmodernidad designa generalmente a un amplio número de movimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, definidos en diverso grado y manera por su oposición o superación de las tendencias de la Edad Moderna. Las principales características del pensamiento posmoderno son: Anti dualista: Los posmodernos aseveran que la filosofía occidental creó dualismos y así excluyó del pensamiento ciertas perspectivas. Por otro lado, el postmodernismo valora y promueve el pluralismo y la diversidad. Asegura buscar los intereses de "los otros".

Movimiento cultural surgido a principios del siglo XX como consecuencia de las críticas contra la Modernidad, caracterizado por una marcada disparidad con el pasado y la promoción de nuevos movimientos sociales: la preocupación por las graves consecuencias del desarrollo industrial es una de las características de la posmodernidad. Posmodernidad significa después de la modernidad. Se considera la década de los 50’s y la

Cuestiona los textos: Los post modernos también afirman que los textos -históricos, literarios o de otro tipo-- no tienen autoridad u objetividad inherente para revelar la intención del autor, ni pueden decirnos "que sucedió en realidad". Más bien, estos textos reflejan los prejuicios, cultura y era particulares del escritor. El giro lingüístico: El posmodernismo argumenta que el lenguaje moldea nuestro pensamiento y que no puede haber ningún pensamiento sin lenguaje. Así que el lenguaje crea literalmente la verdad.

La verdad como perspectiva: Además, la verdad es cuestión de perspectiva o contexto más que ser algo universal. No tenemos acceso a la realidad, a la forma en que son las cosas, sino solamente a lo que nos parece a nosotros

Ámbito social Tras el fin de la Guerra Fría como consecuencia de las Revoluciones de 1989, teniendo como máximo símbolo la caída del muro de Berlín (1989), se hace evidente el fin de la era polar. Esto produce como consecuencia la cristalización de un nuevo paradigma global, cuyo máximo exponente social, político y económico es la Globalización. El mundo posmoderno se puede diferenciar y dividir en dos grandes

realidades: La realidad histórico-social, y la realidad socio- psicológica. A continuación daremos sus características. 1. Los individuos sólo quieren vivir el presente; el futuro y el pasado pierden importancia. 2. Hay una búsqueda de lo inmediato. 3. Proceso de pérdida de la personalidad individual [cita requerida]. 4. La única revolución que el individuo está dispuesto a llevar a cabo es la interior. 5. Se rinde culto al cuerpo y la liberación personal. 6. Atracción por lo alternativo: arte plástico, música, cine, etc., en la búsqueda de diferenciarse de los demás. 7. Se vuelve a lo místico como justificación de sucesos. 8. Hay una constante preocupación respecto a los grandes desastres y al fin del mundo. 9. Pérdida de fe en la razón y la ciencia, pero en contrapartida se rinde culto a la tecnología. 10.El hombre basa su existencia en el relativismo y la pluralidad de opciones, al igual que el subjetivismo impregna la mirada de la realidad. 11.Pérdida de fe en el poder público. 12.Despreocupación ante la injusticia. 13.Desaparición de idealismos. 14.Pérdida de la ambición personal de auto superación. 15.Desaparición de la valoración del esfuerzo. 16.Existen divulgaciones diversas sobre la Iglesia y la creencia en deidades. 17.Aparecen grandes cambios en torno a las diversas religiones.

18.Las personas aprenden a compartir la diversión vía internet. 19.Se crean teorías de la conspiración permanentemente para explicar los grandes problemas económicos, políticos, sociales, religiosos y medioambientales. Ámbito político

En las últimas dos décadas, las demandas fundacionales de la política moderna han sido atacadas por las perspectivas postmodernas. Las macro-visiones de la emancipación subyacentes en el liberalismo, Marxismo, y otras perspectivas políticas de la era moderna se han juzgado excesivamente grandilocuentes y totalizadoras, ocultando elementos diferenciadores y descuidando opresiones más específicas de que sufren los individuos y grupos diversos, ej. Minorías sexuales. Una “política postmoderna” comenzó a tomar forma durante los años 60 con la aparición de numerosos nuevos grupos y luchas políticas. El desarrollo de una política postmoderna está fuertemente influenciada por las vicisitudes de movimientos sociales en Europa, los Estados Unidos, y el mundo en desarrollo.

El proyecto liberal de proporcionar los derechos y libertades universales para todo ha sido desafiado por grupos que luchaban por sus propios derechos y por avanzar en sus propios intereses particulares, defendiendo la construcción de sus culturas e identidades propias. El proyecto del Marxismo en pro

de la revolución mundial ha sido substituido en por luchas localizadas y metas más modestas y reformistas. El posmodernismo “Para nosotros, el concepto de lo postmoderno sirve para destacar lo nuevo, para llamar la atención a las discontinuidades y a las rupturas, y para señalar que una gama extensa de novedades está apareciendo, las cuales requieren nuevos análisis, teorías, y prácticas”. En el centro del debate en torno al postmodernismo esta la crítica en torno a los propósitos inalcanzados de la Ilustración. Más específicamente, el hecho de que al parecer la “razón” no habría colaborado al desarrollo de la condición humana. Los críticos (por ejemplo Foucault y Bauman) han sido drásticos en señalar que los campos de concentración nazi fueron el mejor ejemplo de lo irracional que podría ser la racionalidad occidental. Parte del análisis apunta a describir esta transformación como una ruptura de las “Grandes Narrativas”, según la definición de Lyotard. Con ello se apunta al descrédito de las ideologías (marxismo, nazismo, fascismo) Como “cosmovisiones” aceptables. Complementariamente, David Harvey nos sugiere que uno de los elementos claves en la transición entre la modernidad y la postmodernidad es la creciente compresión en la dimensión “tiempo-espacio” que evidentemente vemos reflejada en las actuales circunstancias globales. La tecnología impulsa ( o más bien faculta) el advenimiento de una sociedad donde es posible la comunicación instantánea con efectos globales. Recordemos la guerra del golfo (o la reciente guerra de Irak) y esas imágenes en directo de bombardeos ocurridos a miles de kilómetros de distancia.

En lo postmoderno hay una “nostalgia por el pasado”, que rescata de manera ecléctica elementos clásicos. Así, por ejemplo, una teoría postmoderna puede igualarse a la metáfora del “collage”, en el sentido de que recoge los trozos de viejas teorías para crear una nueva teoría digna de uso en circunstancias particulares. Dado el carácter práctico de esta minuta me parece que el tema puede clarificarse aún más por la vía de una imagen, usando el trasfondo de la arquitectura. Un edificio postmoderno, como el de la imagen que corresponde al nuevo edificio de la orquesta filarmónica de Los Angeles (USA), representa un claro quiebre con la arquitectura moderna de la segunda imagen y su apego a las soluciones racionales que impregnaron gran parte del siglo XX. En lo postmoderno encontramos una búsqueda casi lúdica en torno al rescate de lo humano. Un olvido de lo funcional y una valorización de lo “clásico”, en que lo estético parece primar por sobre cualquier otra consideración. La pregunta subyacente en la arquitectura postmoderna es: si la búsqueda de soluciones racionales a los problemas públicos ya no es el paradigma básico, entonces ¿por qué no dejar volar la imaginación? Ámbito artístico El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los años 1950 hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes entre las que destaca la arquitectura gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy temprano. Los rasgos más notables del arte

posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debilitamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de manifestar las características de este arte.

Cine Uno de los síntomas sociales más significativos de la posmodernidad se encuentra en la saga de películas Matrix, y otras como Blade Runner, Buffalo 66, American Beauty, El club de la lucha, Linha de Passe y toda la filmografía de Larry Clark en general, especialmente en Kids, Ken Park, y Wassup Rockers donde el realce de la estética y la ausencia de culpa causal, unidos a la percepción de un futuro y una realidad inciertas, se hacen evidentes. En todos ellos observamos preeminencia de los fragmentos sobre la totalidad, ruptura de la linealidad temporal, abandono de la estética de lo bello al estilo kantiano, pérdida de la cohesión social y, sobre todo, la primacía de un tono emocional melancólico y nostálgico. Básicamente, la Posmodernidad actuó sobre las bases del lenguaje, sistema esencial de la comunicación pues permite la elaboración y transmisión de conceptos, el significado- significante de la Arquitectura. La posmodernidad reinterpretó el significado, haciendo que éste fuera fácilmente asimilado por cualquier persona, por ella recurrió a formas históricas

o vernaculares, formas ligadas a la vida de la sociedad, evitando el pensamiento abstracto del Movimiento Moderno. Todo lenguaje posee una estructuración sintáctica (ortografía, reglas compositivas) y semántica (interpretación o hermenéutica), la Posmodernidad retoma esto y trata a la Arquitectura como un sistema comunicativo que posee las mismas reglas que el lenguaje escrito, por ello incide en la palabra y en la manera de emplear ésta a través de la prosa, la metáfora. Así, la Al igual que las corrientes artísticas que mostraron ser acríticas y decorativas, la Arquitectura en el periodo buscó el consumo a partir de atraer la atención utilizando nuevos materiales que simularan elementos arquitectónicos del pasado. Así, la Posmodernidad se configuró como un periodo más que un estilo, empleó elementos arquitectónicos del pasado para crear significantes capaces de transmitir un significado claro, rápido y coherente a la sociedad, regresando la visión de servicio social de la Arquitectura y de los arquitectos al comunicarse con las masas y no solamente con las elites pensantes del movimiento abstracto.

El retorno del formalismo historicista Este concepto intenta enfatizar la arquitectura como trabajo intelectual, una arquitectura con premisas formales y por tanto resultados formales. Se trata de una neutralización estilística, evitando la expresión simbólica. Esta arquitectura no debe tener significado.

cortes, proyecciones, inversiones, etc. Su obra arranca de un hipotético campo de elementos cartesiano y neutro, materializado generalmente en un cubo, sobre el que actúa iniciando un determinado movimiento que da lugar a que se altere el equilibrio en el cubo originario y aparezca una reacción en cadena de operaciones formales que terminara por dar forma a la arquitectura. Estas enormes “esculturas neoplasticas y lecorbusieranas” en la que muros forjados, ventanas, pórticos y pilares son el resultado de un juego abstracto de planos macizos y transparentes y, líneas horizontales.

Implica que el trabajo sobre la obra no depende de su relación con el afuera en términos de referencia, sino con la propia textura del objeto artístico. El formalismo equivale a entender a la forma como principio en sí mismo, sin que necesariamente tenga que estar relacionada con la función. Por ejemplo, construir una columna donde no sea necesaria en términos de utilidad edilicia, pero que sí permita que la construcción reflexione acerca de los principios de su propia composición en términos de ejecución de simetrías, contrastes, proporción de volúmenes, etc. Un ejemplo de esta corriente son las obras de Eisenman, caracterizándose por una arquitectura muy abstracta, elaborada a escala del ser humano y el lugar. Estas casas dan testimonio de la lección aprendida en Terragni. Eisenman, desarrolla a lo largo de los edificios y proyectos que van de 1970 a 1980, toda una teoría de traslaciones, rotaciones, desplazamientos, simetrías y anti simetrías, giros,

Las concepciones posmodernistas difieren radicalmente de las modernistas en su forma de considerar el espacio. Mientras que los modernistas ven el espacio como algo que debe modelarse en función de objetivos sociales, y por consiguiente, siempre están al servicio de la construcción de proyectos sociales, los posmodernistas conciben el espacio como algo independiente y autónomo, que puede darse forma de acuerdo con objetivos y principios estéticos que no necesariamente se inscriben en un objetivo social, excepto quizá en la realización de algo bello, intemporal y desinteresado con el fin en sí mismo.

La recuperación de la costumbre, historia y tradición como fuente de inspiración proyectual A. Hedonismo

6. Vivimos en un auténtico culto al cuerpo. 7. En la cultura postmoderna el goce es el principio y el fin.

B. La muerte de la ética y la ausencia de reglas 1. En una sociedad postmoderna la estética sustituye a la ética. La belleza sustituye a la moral. 2. En estos días nos encontramos ante una total floración y multiplicación de “micro éticas” escépticas unas con otras y desorientadas todas. 1. El fin supremo de la vida es conseguir el placer. O al menos evitar al máximo cualquier tipo de dolor, bien sea este físico, psicológico o moral.

3. La postmodernidad nos ofrece el relativismo, la pluralidad y la total tolerancia. a. Como bien afirmó el escritor ruso Fedor Dostoyewsky: Si Dios no existe todo está permitido.

2. El hombre postmoderno está convencido de que no es posible cambiar o mejorar la sociedad. Por tanto, ha decidido disfrutar al menos del presente.

b. O como dice de nuevo el ya mencionado Joaquín Sabina: Al deseo los frenos le sientan fatal ¿Qué voy a hacerle yo, si me gusta el güisqui sin soda, el sexo sin boda, las penas con pan?

3. Se vive en el momento presente. No se piensa ni en el pasado ni en el futuro. Se busca la libertad y la espontaneidad. 4. Esta actitud queda muy bien reflejada por la frase del poeta latina Horacio: Carpen diem, carpen hora. Aprovecha el día, aprovecha la hora.

4. No a las normas, las reglas, cualquier forma de moralidad

5. Un cantante español, Joaquín Sabina es considerado como uno de los exponentes de la postmodernidad. En una de sus canciones afirma: … Apúntate a cualquier clase de bombardeo, no tener otra fe que la piel, ni más ley que el deseo.

feliz.

5. No hay nada prohibido, lo importante es ser

C. La crisis de las ideas y los ideales 1. Hay una avalancha de información, pero una orfandad de sabiduría.

2. Hay una “cultura del cleanex” en referencia a los pañuelos de usar y tirar. 3. Hay diversidad de ideas, valores, cosmovisiones y estilos de vida. Pero se carece de toda orientación normativa por la carencia y la negación de la posibilidad de todo tipo de absolutos. 4. En la cultura de la postmodernidad uno cambia de opinión con más frecuencia que de camisa. Además uno puede sostener ideas contradictorias y eso no producirle la más mínima tensión. 5. El único imperativo categórico es: Haz lo que quieras, vive feliz. 6. Volvemos a ilustrar estos principios haciendo referencia a Sabina: Cada noche un rollo nuevo. Ayer el yoga, el tarot, la meditación. Hoy el alcohol y la droga. Mañana el aeróbic y la reencarnación.

Crítica tipológica con base en el análisis proyectual La visión filosófica y sociológica que requiere la arquitectura ha dejado de ser primordial y ha sido reemplazada por conceptos tecnológicos, de globalización, de modernidad, etc. Sin embargo, es fundamental una vista de la ciudad en su historia, del contexto en el que se trabaja y del pasado como testimonio arquitectónico vivo: se debe conocer el inicio, el orden básico de la forma y la estética, que nos permite a los arquitectos ser permanentes.

Podemos hablar de los arquitectos Louis Khan y Aldo Rossi como claros ejemplos de quienes si consideraron importante la crítica tipológica de la arquitectura. Ambos, al igual que el concepto de crítica tipológica, tuvieron influencia de la filosofía estructuralista de los años 60. La crítica tipológica o critica ideológica Es la interpretación trascendentalista que busca valores esenciales y permanentes, únicos e invariantes. Lleva a cabo sus indagaciones a partir de un amplio material existente e insiste en fenómenos de invariabilidad formal. Es un llamado a la arquitectura a que realice un estudio del trasfondo antropológico del lugar donde se aplique para no perder los valores que ese contexto cultural puede bridarle. El concepto de la crítica tipología, tanto como la obra de Aldo Rossi y la obra de Louis Khan se

encuentran en un punto de equilibrio entre el historicismo y el racionalismo. Kahn puede ser comprendido sólo según estos términos: el tiempo en el que quiere introducir su arquitectura, el cual es infinito, y la forma a la que quiere corresponder, la cual es múltiple. Su perfección se debe a su simpleza y a la vez a su versatilidad. En concepto de Aldo Rossi la crítica tipológica es la tipología arquitectónica que debe entenderse en función de la morfología urbana. Para Rossi la justificación del edificio depende de unas leyes universales y permanentes. La arquitectura de Rossi podría entenderse como arquitectura evasiva deliberadamente nostálgica que olvida el marco de lo real, incluso en niveles tan comprometidos y evidentes como es el tecnológico , que y como es bien sabido llega a constituir para algunos la última razón de ser de la disciplina; así cabe interpretar su elementalidad constructiva, su agresivo y polémico diseño que subrayando los espacios primarios esta rayando el mundo expresivo, ingenuo y evidente a un tiempo, de los niños.

Aldo Rossi obtuvo sus ideales arquitectónicos de la ciudad a partir de una visión utópica y estética de sus propios medios y contextos, idealizó a mi parecer su propia sobrevivencia, mitificando la ciudad europea, italiana más precisamente como válida en la descendencia de la obra arquitectónica, Para él, la ciudad debía ser quien cuente la historia y no al revés. Este pensamiento poético y romántico llevo a Rossi a ejercer decididamente un trabajo arquitectónico limpio, preciso, con fundamento y esclareciendo todo cuestionamiento futuro.

El diseño urbano contextualista La escuela italiana de Zevi, Argam y Rogers planteó una diferenciación del Estilo internacional basada en la identidad y recuperación histórica de las

formas arquitectónicas, su alumno, Aldo Rossi, fue quien desarrolló a partir de sus principios toda una teoría arquitectónica que plasmó en su libro “La Arquitectura de la Ciudad”, dicha teoría conformó la tendencia que pervive hasta la actualidad y que se ha denominado CONTEXTUALISMO, pues parte del análisis de las preexistencias del contexto para desarrollar las propuestas. la arquitectura contextual no sólo ve un edificio por sí mismo, sino de también la influencia que éste ejerce en su entorno".

mejor o peor en función del contexto. Es decir, en tanto que se amolde a las necesidades de una persona, pueblo, sociedad... necesidades que vienen dadas de igual modo por el contexto.

Sus fundamentos son: • Respetar el entorno • Ensamblar lo nuevo para que no sea una pieza aislada • Crear un orden armónico • Buscar la integración con el paisaje El Contextualismo ofrece una novedosa forma de acercamiento a la obra arquitectónica, dado que la pone en relación íntima con el "habitar" humano. Ello le exige al intérprete poner de presente no sólo la contingencia e historicidad de la obra, sino también las relaciones que ésta establece con el entorno. Teoría del análisis artístico según la cual para comprender una obra es esencial el estudio del contexto o marco total en el que se ha realizado: para analizar una obra, el contextualismo también tiene en cuenta la vida de su creador. El contextualismo admite que toda moral, política, etc. es válida, y solo puede calificarse de

Aldo Rossi y la Arquitectura de la ciudad En concepto de Aldo Rossi, la crítica tipológica es la tipología arquitectónica que debe entenderse en función de la morfología urbana. Para Rossi la justificación del edificio depende de unas leyes universales y permanentes. La arquitectura de Rossi podría entenderse como arquitectura evasiva deliberadamente nostálgica que olvida el marco de lo

real, incluso en niveles tan comprometidos y evidentes como es el tecnológico , que y como es bien sabido llega a constituir para algunos la última razón de ser de la disciplina; así cabe interpretar su elementalidad constructiva, su agresivo y polémico diseño que subrayando los espacios primarios está rayando el mundo expresivo, ingenuo y evidente a un tiempo, de los niños. Aldo Rossi obtuvo sus ideales arquitectónicos de la ciudad a partir de una visión utópica y estética de sus propios medios y contextos, idealizó a mi parecer su propia sobrevivencia, mitificando la ciudad europea, italiana más precisamente como válida en la descendencia de la obra arquitectónica, Para él, la ciudad debía ser quien cuente la historia y no al revés.

Charles Jencks y el Lenguaje de la Arquitectura postmoderna La muerte de la arquitectura moderna La arquitectura moderna se extinguió de golpe después de años de críticas como Jane Jacobs el 15 de julio de 1972 a las 3.32 en St. Louis Missouri. Previamente objeto de vandalismo, mutilación y

defecación por sus habitantes negros y aunque que se reinvirtieron millones nunca fue aceptado. Se construyó con ideas del CIAM, se diseñó en 1951 formado por elegantes bloques laminares de catorce pisos. Utilizando conceptos como el sol, espacio y zonas verdes. La planificación inteligente de un espacio abstracto promocionaría un comportamiento sano. Estas ideas simplistas de doctrinas del racionalismo demostraron ser irracionales. En la segunda y tercer columna es una muestra de la arquitectura que se produce aun hoy en día sonde o se construye una entidad que le falta dinero para llevar a cabo intenciones sociales, hay monopolios gigantescos. La motivación del arquitecto es resolver el problema o en caso del arquitecto urbanizado es ganar dinero. La segunda motivación no produce una arquitectura efectiva. Los problemas no producen arquitectura. Los edificios hoy en día son desagradables, brutales, y demasiado grandes porque se construyen para ganar dinero con urbanizadores ausentes, para propietarios ausentes y para habitantes ausentes cuyo gusto se asume a un tópico. El detalle de la esquina de Mies Van der Rohe queda claramente articulada con los ángulos de acero. La infame esquina era visualmente un punto y aparte o era infinita. La escuela de arquitectos está elevada sobre un plinto, tiene un peristilo magnifico con órdenes mayores y menores y una suntuosa escalinata de láminas de mármol blanco que hace flotar al edificio.

Robert Venturi y Complejidad contradicción en la Arquitectura

y

Venturi en su libro “Complejidad y Contradicción en la Arquitectura” pone en duda la arquitectura de Mies van der Rohe, Alvar Aalto, Louis Kahn entre otros. Creando grandes polémicas:

pequeños, cerrados y abiertos, redondos y cuadrados estructurales y espaciales, para que la percepción al espectador sea más viva, ya que diferentes significados para una misma cosa crea ambigüedad y tensión.

Características y posicionamiento critico mediante el análisis: Se proyecta con gran cuidado y detalle la implantación del edificio. Apoyo la gran preocupación por el entorno donde colocamos nuestros edificios, ya que está íntimamente relacionado con la vida cotidiana que se va a producir dentro de nuestros edificios, y este entorno se verá en gran medida afectada. La Forma sigue la Función: Sin embargo para Venturi la forma sigue al fracaso; ya que las formas deben han de ir condicionadas por la Arquitectura tradicional. (ornamento, columnas, pilastras, molduras.) Huyendo de formas puras y limpias del racionalismo, buscando siempre la yuxtaposición e inclusión. Menos es más: Para Venturi “más no es menos”, apoya la idea de la difícil inclusión en contra de la fácil exclusión. El usuario no instruido en arquitectura puede ser más receptivo a lo expresivo y emocional de la arquitectura que a lo relacionado con la composición formal. Lo uno o lo otro: Es excluyente, apoyando la inclusión “Lo uno y lo otro” espacios grandes y

Venturi considera a la verdadera arquitectura como aquella que podrá ser apreciada desde múltiples perspectivas y ofrecerá siempre una riqueza de lecturas; como edificio, como símbolo, como objeto, como herramienta, como un lenguaje. Algunas veces estas serán opuestas, pero en ello radica el sentido de su propuesta: cuestionar la arquitectura racional, limpia, vana y utilitaria. Definir una arquitectura que quiere expresase de muchas formas (que sea compleja) y a la hora de hacerlo que nos cuente más de una historia (que sea contradictoria).

Ventajas y posmoderno

desventajas

del

diseño

Los componentes que se muestran en una ciudad posmoderna distorsionan la comprensión del objeto por completo. La ciudad posmoderna es una

ilusión ideológica, es el resultado de la superposición de muchas otras organizaciones urbanas del pasado a las que llama “patrimonio cultural”, pero lo hace para convertir en mercancía para el turista edificios, calles y objetos acumulados en museos. Lo artístico ha ocultado la realidad.



edificaciones son para todo el pueblo, son obras de todo tipo sin dejar a ninguna fuera. Atendían a preocupaciones tradicionales como el significado y el simbolismo.

MENOS ES ABURRIDO.

El espectáculo de las escenificaciones de los “paisajes históricos” ha eliminado la historia real y la toma como objeto de consumo. Se presenta como una ciudad clásica y moderna gracias a que ha derribado aquellos testimonios que señalaban la violencia y la barbarie sobre la que se cimentó. Los edificios son obligados a callar. Los componentes de la ciudad que se muestran distorsionan la comprensión del objeto completo. Si las ciudades antiguas respondían a una concepción simbólica del espacio, las ciudades posmodernas responden a las ilusiones liberales que dominan nuestra vida cotidiana. 



Orden relativo que reflejaban las construcciones de una región determinada. Equilibrio entre edificaciones y el entorno. No sobresalen por dejar abajo a las construcciones adyacentes, si no que se integran a ellas. En donde más resaltarán serán por sus colores, pero en altura, ancho y tal vez forma no. En la forma no serán nada parecidos a los ya existentes si no que tendrán elementos arquitectónicos que los harán resaltar. Reconciliación con las manifestaciones arquitectónicas de la cultura popular. Las

Lema de ROBERT VENTURI, arquitecto estadounidense padre del posmodernismo. Se caracterizó por tomar diversos criterios provenientes de la cultura pop norteamericana. Gusto de la fachada anuncio. Se trata de una arquitectura organizada en torno a una imagen en la cual, el espacio funcional se vuelve algo completamente independiente dela protagónica fachada. Ya no son las obras aristocráticas y religiosas más importante, serán los edificios con temática comercial los sobresalientes

Se opone sobre todo a la arquitectura de Mies con su famoso “menos es aburrido”, pues le asigna al estilo internacional una absoluta incapacidad de comunicación. Entonces contra la abstracción y el silencio de la forma Venturi levanta la recuperación de la forma figurativa y de la capacidad de comunicación de la arquitectura. Para comunicarse con el público la arquitectura debería recurrir a aquellos elementos que fueran reconocibles inmediatamente por el público.

El pensamiento de la Arquitectura de O’Gorman, Candela y Barragán Juan O 'Gorman Nacimiento 6 de julio de 1905 Ciudad de México Defunción 18 de enero de 1982 Ciudad de México pintor y arquitecto mexicano Premio Nacional de Bellas Artes(1972)

La reacción posmoderna en México La primera era del posmexicanismo la trajeron los primeros ecos de Estados Unidos en México durante los años sesenta y setenta. La clase alta comenzó a usar productos anglosajones para facilitar su vida cotidiana y fomentar una nueva estética: electrodomésticos, cortes de moda europea, automóviles extranjeros. El posmexicanismo, que bien podríamos definir como una identidad mexicana de lo posmoderno, es solamente una de las facciones culturales (y de identidad) del país. México tiende a convertirse, a partir de la segunda mitad del siglo pasado, en un juego trasmutante de arquetipos e identidades: el macho tradicional se convirtió en un posmacho, la mujer sumisa pasó a un poscautiverio y el niño se convirtió en una caricatura mexicanizada de la niñez norteamericana. En acepciones sausurianas, cambia la forma, la vestimenta, los artículos, el argot, pero no la sustancia, la identidad mexicana permanece intacta o se va modificando, muy gradualmente.

Fue el mayor de cuatro hermanos procreados por el ingeniero químico británico de origen irlandés y por una dama de raigambre aristocrática y formación profundamente religiosa nacida en la Ciudad de México.

Muerte Se suicidó el 18 de enero de 1982, sumido en una fuerte depresión después de ver arruinadas sus obras, y dándose cuenta que su hija adoptiva Bonnie ya no lo necesitaría. Era una vida miserable después de todo. Fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres de la Ciudad de México. Nació en Coyoacán, en la Ciudad de México, hijo del pintor irlandés, Cecil Crawford O 'Gorman y de Encarnación O 'Gorman Moreno. Era hermano del historiador Edmundo O 'Gorman. En los años veinte estudió Arquitectura en la Academia de San Carlos y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México. Se convirtió en un arquitecto destacado bajo la influencia de Le Corbusier y ayudó a introducir a México la arquitectura funcionalista. En una etapa posterior, recibió la influencia de Frank Lloyd Wright y su arquitectura orgánica. A lo largo de su carrera fue profesor en el Instituto Politécnico Nacional donde creó la carrera de Ingeniero Arquitecto.

En su carrera como arquitecto, trabajó en grandes proyectos tales como el nuevo edificio del Banco de México, participó en la urbanización del Pedregal de San Ángel, donde construyó su propia casa, una verdadera obra de arte que, lamentablemente, fue demolida posteriormente. En la zona del San Ángel, O 'Gorman diseñó y construyó en 1931-1932 el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo para ambos artistas, de hecho, la amistad con Diego Rivera produjo una influencia notable en su obra. Juan O 'Gorman diseñó y construyó 26 escuelas primarias en la Ciudad de México.

Biblioteca Central de Universitaria de la UNAM

la

Ciudad

Su obra pictórica más celebrada mundialmente por su creatividad, técnica constructiva y dimensiones son los murales de cuatro mil metros cuadrados que recubren los cuatro vanos del edificio de la Biblioteca Central de la Ciudad Universitaria de la UNAM, obra de Gustavo Saavedra y Juan Martínez. Estos murales son mosaicos hechos con millones de piedras de colores obtenidas a lo largo y ancho de la República Mexicana. Introduce de la arquitectura orgánica a México, definida como la manifestación artística que tiene una relación directa con la historia y la geografía del lugar donde se realiza.

Félix Candela Nacimiento 27 de enero de 1910 Madrid, España Defunción 7 de diciembre de 1997 Durham, Carolina del Norte Premio Augusto Perret de la Unión Internacional de Arquitectos El mago de los cascarones de concreto

Arquitecto e ingeniero hispano-mexicano nacionalizado estadounidense, una de las figuras más destacadas del siglo XX en el desarrollo de nuevas formas estructurales de hormigón armado. Candela nació en Madrid el 27 de enero de 1910, y en 1935 obtuvo el título de arquitecto por la Escuela Superior de Arquitectura de esta misma ciudad. De inmediato ingresó en el ejército español como alférez de artillería, y al estallar en 1936 la Guerra Civil española tomó partido por la República, y luchó en sus filas con el rango de capitán. Al finalizar la contienda tuvo que exiliarse en México, país del que se nacionalizó en 1941. Candela heredó de su maestro Eduardo Torroja algunos de los fundamentos de su obra: la idea de que el ingeniero ha de ser un poeta, la convicción de que la estructura depende de la forma más que del material

empleado, y la línea de investigación sobre cubiertas ligeras de hormigón armado. Su mayor aportación en el terreno estructural han sido las estructuras en forma de cascarón generadas a partir de paraboloides hiperbólicos, una forma geométrica de una eficacia extraordinaria que se han convertido en el sello distintivo de su arquitectura. Entre sus obras más emblemáticas destacan el laboratorio de Rayos Cósmicos (1952) para la ciudad universitaria de México, con su cubierta ondulada de hormigón de tan sólo 15 mm de espesor; la iglesia de La Milagrosa (1953) en la colonia Narvarte de esa ciudad, bajo cuyas bóvedas dobladas se configura un espacio que recuerda las construcciones de Antoni Gaudí; el restaurante Los Manantiales (1958) en Xochimilco, con sus ocho láminas sutiles que se abren como un nenúfar sobre un promontorio rodeado por jardines flotantes; y el Palacio de los Deportes para los Juegos Olímpicos de México celebrados en 1968, un impresionante edificio proyectado junto con Enrique Castañeda y Antonio Peyrí, cubierto por una gran cúpula picuda forrada en cobre.

Candela también ha desempeñado una importante labor docente, primero en la capital mexicana desde 1953 y más tarde en Chicago desde 1971 hasta 1978, año en que adoptó la nacionalidad estadounidense. Aunque comparte con Buckminster Fuller la capacidad de innovación en el terreno estructural, su carrera arquitectónica está más asociada a la del italiano Pier Luigi Nervi, que también investigó en el campo del hormigón armado desde su doble condición de arquitecto y promotor. Arquitecto mexicano de origen español, famoso por la creación de estructuras basadas en el uso extensivo del paraboloide hiperbólico. Félix Candela Félix Candela Outeriño fue un arquitecto mexicano de origen español, famoso por la creación de estructuras basadas en el uso extensivo del paraboloide hiperbólico. En 1927 ingresó en la

E.T.S. de Arquitectura de Madrid de la Universidad Politécnica de Madrid, terminando la carrera en 1935. Mientras dura su carrera es un destacado deportista, ganando el campeonato de esquí en 1932 y de Rugby en 1934. En 1941 adquirió la ciudadanía mexicana. En Acapulco comenzó su verdadera carrera como arquitecto con el diseño de algunas casas y hoteles. En 1950 fundó con los también arquitectos hermanos Fernando Fernández Rangel y Raúl Fernández Rangel la empresa constructora Cubiertas Ala. En 1971 pasa a residir en Estados Unidos, ocupando una cátedra en la Universidad de Illinois en Chicago, hasta1978, año en que adquiere la ciudadanía.

dolencia cardíaca por lo que deja Valencia para volver a Raleigh, Estados Unidos. Fallece en el Hospital de Duke, Durham (Carolina del Norte), el 7 de diciembre de 1997.

LUIS BARRAGÁN

Desde 1979 fue también asesor técnico en la empresa de arquitectura IDEA Center, con base en Toronto. Candela gana importantes premios y es miembro de numerosas asociaciones internacionales de arquitectura, incluyendo la presidencia de la Academia Internacional de Arquitectura en 1992. Desde entonces Candela se concentró más en la parte creativa del trabajo. Participa en los proyectos de la Ciudad Deportiva de Kuwait, el Estadio Santiago Bernabéu de Madrid, el Idea Center de Riyadh y Yanbú, en Arabia, el Centro Cultural Islámico de Madrid, una torre de oficinas en Riyadh, un aeropuerto en Murcia, la cubierta para un estadio en la Universidad Islámica de Riyadh, la Feria de Muestras de Marbella, la Legislatura de Veracruz, el Master Plan de la Universidad Islámica, la Procuraduría de Xalapa, Veracruz. Mientras realiza su última obra, L'Oceanogràfic, recae de una vieja

Nacimiento 9 de marzo de 1902 Defunción 22 de noviembre de 1988 Uno de los arquitectos mexicanos más importantes del siglo XX y único de su nacionalidad en obtener el Premio Pritzker en 1980. La función de la arquitectura debe resolver el problema material sin olvidarse de las necesidades espirituales del hombre.

Luis barragán Luis Barragán nació en el seno de una próspera y muy católica familia de hacendados. Fue hijo de Juan José Barragán y Ángela Morfín. Vivió su niñez al lado de sus padres y sus seis hermanos, tres mujeres y tres hombres, en el barrio de Santa Mónica de Guadalajara. Solía pasar sus vacaciones y prolongadas estancias en la hacienda de Corrales, en las inmediaciones de Mazamitla, Jalisco, en la sierra del Tigre. La experiencia infantil de esas estancias en el campo, en el entorno rural mexicano, en la naturaleza serrana donde estaba la hacienda familiar, dejaría una profunda huella que se reflejaría en su creación artística y daría como resultado la "definición de un estilo mexicano universal". La Casa Luis Barragán, construida en 1948, representa una de las obras arquitectónicas contemporáneas de mayor trascendencia en el contexto internacional, como lo ha reconocido la UNESCO al incluirla, en el año 2004, en su lista de Patrimonio Mundial. Luis barragán hizo sus estudios preuniversitarios en el colegio de los jesuitas y luego estudió en la Escuela Libre de Ingenieros de Guadalajara, donde se encontró con personajes como Rafael Urzúa y Pedro Castellanos, con quienes tendría una profunda y perdurable amistad. Su interés por la arquitectura, según afirmaba, había nacido fundamentalmente de la influencia del ingeniero Agustín Basave, uno de sus ilustres maestros y fundador de esa escuela.

} Viajó a Francia y España entre 1925 y 1926; en París visitó la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes. Una de las imágenes que más le impresionó en esa época fue la fotografía de un jardín compuesto por Ferdinand Bac, que ese año había publicado un libro titulado Jardins enchantés. ESto llevaría a que se estableciera una relación personal entre ambos. Luis Barragán Por el lado de la arquitectura moderna, conoció a Le Corbusier en 1931, cuando asistió a sus conferencias en París y tuvo la oportunidad de estudiar su obra. Su obra fue refinando un lenguaje en el cual hallan elementos de la arquitectura vernácula de región, la de España, la del Magreb y elementos muchas otras culturas. El lenguaje formal de

se su de su

arquitectura está hecho de construcciones masivas, con gruesos muros y aberturas dosificadas, donde los acabados son de marcada textura y a veces con brillantes colores. Elementos como el agua y la luz desempeñan un papel fundamental en sus proyectos, casi siempre enriquecidos por jardines. Los nuevos ricos de México nunca han entendido la arquitectura de Barragán. Luis barragán El mundo arquitectónico de Nueva York lo lanzó al estrellato internacional mediante la exposición de 1976 del Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Architecture of Luis Barragán. Fue miembro del SIAM y de la AIA. Más tarde vendría la gran exposición en México (en el Museo Tamayo) y luego el Premio Nacional de Artes del gobierno de México. El máximo reconocimiento arquitectónico mundial llegaría en 1980, cuando se le concedió el Premio Pritzker en su segunda edición. Mi arquitectura es autobiográfica… es la memoria del rancho de mi padre donde transcurrió mi infancia y adolescencia. En mi arquitectura siempre he procurado adaptar las necesidades de la vida moderna a la magia de la melancolía por los tiempos idos. En las arquitecturas sin pretensiones de los pueblitos y ciudades de provincia he amado las paredes blanqueadas, la paz de los patios o de los huertos, las calles llenas de colores, la simple majestad de las plazas circundadas por la sombra de los pórticos. Siendo católico, he visitado con frecuencia monumentales monasterios - hoy abandonados- de los cuales hemos heredado la potente fe religiosa y el genio

Para un arquitecto es esencial saber ver, quiero decir: ver de tal modo que la visión no sea interferida por el análisis racional. A este respecto quiero recordar

a un gran amigo que con su gusto infalible nos ha enseñado el difícil arte de ver con inocencia: el pintor mexicano Jesús Reyes Ferreira.

El deconstructivismo es un movimiento arquitectónico que nació a finales de las década de 1980

Definiciones de Luis Barragán Nostalgia

Acontecimiento importante en la historia del movimiento deconstructivista fue la exposición de 1988 del Museo de Arte Moderno de Nueva York, organizada por Mark Wigley y Philiph Johnson.

La nostalgia es la conciencia poética de nuestro íntimo pasado.

Silencio En mis jardines y mis casas he tratado siempre de hacer posible el inaudible y plácido murmullo del silencio; en mis fuentes el silencio canta.

Jardines

En la exposición de Nueva York se exhibieron obras de: Frank Ghery | Daniel Libenskind | Rem Koolhaas | Peter Eisenman | Zaha Hadid | Coop Himmelblau | Bernanrd Tschumi

No hay nada más vulgar que un jardín vulgar. Tuve la sensación de que encerrado en un simple jardín - no importa su grandeza -, debe sentirse que allí se encuentra, ¡nada menos!, el universo entero.

4.- La propuesta Deconstructiva

CARACTERISTICAS

Superposición en diagonal de formas rectangulares o trapezoides  Contrastes entre las imágenes retorcidas  Abandono de la vertical y la horizontal  Rotación de los cuerpos geométricos alrededor de ángulos pequeños  La fragmentación La arquitectura deconstructivista podría caracterizarse por ser la arquitectura del rompimiento, de la dislocacióny la distorsión, abandono de la verticalidad y la horizontalidad, utilizar rotaciones sobre ángulos pequeños y agudos, descompone las estructuras hasta un caos aparente y la desnuda para aparentar obetos no terminados.

El rizoma ayuda a actuar sobre e deseo por impulsos externos y productivos. Somete al inconsciente a estructuras absorbentes, a gratos jerárquicos, memorias recapituladoras u órganos centrales ayudándonos a llegar a un estado completo y producir el inconsciente. El rizoma está presente en todas partes, este nos ayuda de alguna forma a organizar todos los conceptos, ideas o imágenes, nos ayuda a jerarquizar (porque si existe alguna forma de jerarquía en esta organización). Puede ser roto, alterado o adaptarse a distintos montajes. Es iniciado por un individuo, grupo o forma social. Lingüísticas, el significado de la palabra se desplazó a desorden. La incapacidad de someter el área a absolutamente todas las variables que definen las variaciones, hace imposible conocer con exactitud los acontecimientos futuros. Ya que es imposible tener en cuenta los valores absolutos de las variables que pudieran llegar a afectar, obtenemos como resultado un sistema caótico en el que cualquier fenómeno del universo, por insignificante que sea, tiene el poder potencial de desencadenar una ola de acontecimientos que alteren el sistema completo. Un ejemplo habitual es el efecto mariposa e un rincón del mundo puede desencadenar un tornado en el otro. La consecuencia práctica del efecto mariposa es que en sistemas complejos tales como el estado del tiempo o la bolsa de valores es muy difícil predecir con seguridad en un mediano rango de tiempo.

La teoría del caos y el rizoma

Metodología para el diseño espacial En arquitectura el procedimiento proyectual incluye un conjunto de acciones cuyo fin es el proyecto de arquitectura. Estas acciones se concretan en actividades concretas o visibles como: relevar, dibujar, etcétera. Y actividades no visibles, caracterizadas por los procesos psicológicos a que dan lugar, en los que se establecen (a modo de ejemplo) la relación o analogía. En estos procesos se alternan modos de pensar deductivos, inductivos o analógicos. Este conjunto de imágenes, al tener esta confrontación con la arquitectura intenta seguir una nueva relación entre placer y violencia, al tener que estar ligadas a estos acontecimientos o sucesos que tienen su propia lógica, en los cuales el Arquitecto decide narrar la historia del crimen según su propio criterio por medio de movimiento y la forma, por lo que sugieren una realidad preexistente.

Definición | Condición |Clasificación | Relación Representación | Articulación|Transformación Combinación | Deconstrucción | Sensación

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Las teorías arquitectónicas actuales de Bernard Tschumi, y Rem kolhass Bernard Tschumi crea una disertación de los paradigmas de la Arquitectura, en ella expone al Arquitecto como creador de estructuras jerárquicas y simbólicas caracterizadas, por un lado, en la unidad de sus partes, y por el otro en la transparencia de la forma del significado.

Los Manhattan transcriptos son una serie de dibujos ambiguos, mezclados con informes de la escena del crimen, creando una arquitectura narrativa, ya que los diversos dibujos describirían este suceso, estas teorías se establecieron al ganar el concurso por el proyecto de un nuevo parc de la vilet en París , según Bernard Tschumi: ‘’Para experimentar realmente la arquitectura, puede ser necesario incluso cometer un asesinato’’. Los puntos metodológicos son:

En este texto considera que: La fusión de forma y función, programa y contexto, estructura y significado crean los elementos Arquitectónicos. Por

debajo de esto hay una creencia en el unificado, centrado y por sí mismo generador sujeto, cuya propia autonomía está reflejada en la formal autonomía de su trabajo al crear Arquitectura. Se manejan términos de disrupciones en la Arquitectura de nuestros días en la que los discursos narrativos ya no distinguen una teoría o tendencia fija y los preceptos de la Arquitectura se manejan bajo los prefijos de de, dis y dex. Ahora, es común que no haya una función normativa de la Arquitectura y en encontramos estrategias como la disyuntiva usada en los Transcritos y La Villette, en la cual los hechos nunca conectan del todo, y las relaciones de conflicto son cuidadosamente mantenidas, rechazando la síntesis o la totalidad. El proyecto nunca está completado, como las fronteras son alguna vez definitivas. En la Arquitectura, dicha disyunción implica que en ningún momento alguna parte puede convertirse en una síntesis o autosuficiente totalidad, cada parte lleva a la otra y cada construcción está fuera de balance constituida por los pasos de otra construcción. También puede ser constituida por los pasos de un evento, un programa. Puede llevar a nuevos conceptos, como un objetivo aquí que es el entender un nuevo concepto de ciudad, de Arquitectura. Rem Koolhaas, cuyo verdadero nombre es Remmet Koolhaas nació en 1944 en Rotterdam, Países Bajos y es hoy por hoy una de las super-estrellas de la arquitectura moderna, Koolhaas es un provocador por naturaleza que ya desde estudiante se encargó de

remecer los cimientos de las teorías arquitectónicas, nadie ha quedado impasible frente a sus planteamientos, ni sus seguidores ni sus férreos críticos quienes han llegado a afirmar que “ignora todas las consideraciones de belleza”.

Las cosas han ido tan lejos con este genial y controvertido arquitecto que muchos se preguntan si sus modernos diseños son fruto de su amor por el diseño o de su odio por este, Koolhaas ha probado casi de todo, escaleras en forma de ocho, pisos de vidrio y dismorfas paredes translúcidas, en cierta ocasión, durante una entrevista, afirmó que detesta el sistema de la arquitectura actual. Aun así, este díscolo arquitecto ha sido merecedor de muchos premios, entre ellos el Pritzker en el año 2000. En el año 1975 Koolhaas inauguró su firma de arquitectura al lado de otros tres socios, la empresa se llamó Office for Metropolitan Architecture u OMA, posteriormente se creó otra dependencia llamada AMO, encargada de tareas puntuales. OMA en la actualidad trabaja con más de 325 arquitectos y diseñadores que realizan labores en todo el mundo.

Hablar del estilo de Koolhaas es una tarea harto complicada, es un arquitecto cuyos edificios proyectan gran consistencia física y predominantemente masivos, este arquitecto también tiene aportes teóricos y ha publicado algunos libros, entre ellos “Mutaciones”, “S, M, L, XL”, “Content” y “Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan”.

Una de las primeras pruebas de las teorías urbanistas de Koolhaas, tuvo lugar en los 90s cuando se le comisionó para diseñar una obra de expansión urbana en las laderas de Lille, una ciudad industrial en el norte francés, ciudad cuya economía se basaba en la industria textil y la minería, la obra, llamada Euralille incluía un centro comercial, un centro de convenciones, torres de oficinas rodeadas por pistas y líneas de trenes, lo que buscaba Rem era una verdadera colección de atracciones urbanas, en esta obra trabajaron algunos célebres arquitectos además del mismo Koolhaas. El trabajo de Koolhaas es tan difícil de clasificar que los mismos académicos no saben definir su estilo, ¿es un Deconstructivista? ¿Estructuralista? ¿Modernista? El diseño de la Biblioteca Pública de Seattle, otra de sus obras se resiste a ser etiquetado, se trata de una edificación que parece haber sido levantada en base a formas abstractas, inconexas y sin la menor armonía, carentes de toda lógica visual.

Una de las facetas más notables de Koolhaas es la de teórico urbanista, ningún arquitecto ha abarcado tanto desde que Le Corbusier compartió su visión de la ciudad moderna allá por 1920 y 1930, durante sus travesías, Koolhaas ha escrito sobre la evolución de las metrópolis contemporáneas y saliendo del plano teórico, ha diseñado planos magistrales para locaciones tan espectaculares como el París suburbano, Hong Kong y el desierto Libio.

Propuestas arquitectónicas contemporáneas de Zaha Hadid, Frank O’Ghery, Copp Himmelblau Zaha Hadid

(Bagdad, 1950) Arquitecta iraquí, una de las principales figuras de la arquitectura contemporánea mundial. Cursó estudios de Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut (Líbano) y en 1972 se trasladó a Londres (Reino Unido) para ingresar en la Asociación de Arquitectura, donde se graduó en 1977 y en la que poco después ejerció como docente.

En 1987 la arquitecta abandonó la dirección de su estudio en Londres para centrarse tanto en la docencia, ocupación que la llevaría a recorrer las más prestigiosas universidades del mundo (Harvard, Illinois, Hamburgo o Nueva York, entre otras), como en el desarrollo de sus propios proyectos.

Nada más finalizar sus estudios, Hadid se convirtió en socio de la Office for Metropolitan Architecture (OMA) de Londres, donde trabajó con sus fundadores, los prestigiosos arquitectos Rem Koolhaas y Elia Zenghelis, que habían sido sus profesores. En 1979 fundó su propio estudio de arquitectura en la capital británica, ciudad en la que la arquitecta iraquí ha vivido la mayor parte de su vida. Durante los años siguientes continuó simultaneando la actividad docente con los trabajos arquitectónicos, destacando por proyectos como The Peak (1983), en Hong Kong (China), que nunca llegó a construirse, o el edificio de oficinas de Kurfürstendamm, en Berlín (Alemania), construido en 1986.

Por esas fechas, su estilo arquitectónico ya había alcanzado su definición madura y mostraba los rasgos que caracterizan el conjunto de sus obras, como el uso de volúmenes livianos, las formas puntiagudas y angulosas, los juegos de luz y la integración de los edificios con el paisaje. Obras señeras de Hadid datadas en la primera mitad de la década de 1990 son el cuartel de bomberos de la fábrica Vitra en Weil am Rhein (Alemania) y el diseño del Bar Moonsoon de Sapporo (Japón).

Durante la segunda mitad del mismo decenio, Hadid integró en sus proyectos arquitectónicos el uso

de formas espirales. Una de las realizaciones más relevantes de ese período es el Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal de Cincinnati (Ohio, Estados Unidos), Obra de 1998 en la que puede apreciarse la búsqueda de nuevos modelos integradores del diseño urbanístico, tanto de interiores como de exteriores. En 1999 llevó a cabo otro de sus proyectos destacados, la Mind Zone de Greenwich, en Londres.

A partir del cambio de milenio comenzó el período más prolífico de la arquitecta iraní, que había alcanzado ya un gran renombre internacional, como ponían de manifiesto los numerosos premios y reconocimientos: miembro honorario de la Academia de las Artes y las Letras de Estados Unidos e integrante del Instituto Americano de Arquitectura (2000), entre otros. En 2001 diseñó la terminal ferroviaria Hoenheim-North Terminus & Parqueo, en Estrasburgo (Francia), y de un año más tarde data la plataforma de saltos de esquí Bergisel de Innsbruck (Austria), así como el diseño del Plan Maestro de la ciudad de Singapur. En 2003 recibió Hadid un nuevo galardón de carácter internacional, el Premio de Arquitectura Contemporánea Mies Van Der Rohe de la Unión Europea, concedido por el proyecto para la estación de Estrasburgo, pero fue un año más tarde cuando la arquitecta alcanzó el máximo reconocimiento a nivel mundial con la consecución del Premio Pritzker (es la primera mujer en recibir tal distinción). Por las mismas fechas recibió también otros galardones, como la Orden del Imperio Británico por su apoyo al desarrollo de la arquitectura, y continuó recibiendo encargos de todas partes del mundo, entre los que destacan el Anexo del Museo Ordrupgaard de Copenhague (Dinamarca), el Centro de Ciencia Phäno de Wolfsburgo (Alemania) y la sede central de BMW en Leipzig (Alemania). En 2005 se impuso en el concurso de diseño del Pabellón Puente de la Exposición Internacional de Zaragoza 2008, en el que volvió a demostrar su

capacidad de adaptación a los proyectos más diversos, y fue la encargada de diseñar el Nuevo Casino de Basilea (Suiza). Un año más tarde ganó el Proyecto de Reestructuración y Renovación de Zorrozaurre, un barrio de Bilbao (España) que planea convertir en isla. Otros de sus proyectos en España son el cine de la plaza de Les Arts y la Spiralling Tower, en Barcelona; los interiores del Hotel Puerta América de Madrid; la biblioteca de la Universidad de Sevilla; y los rascacielos de Durango (Vizcaya).

Frank O’Gehry Nació con el nombre de Frank Owen Goldberg en Toronto, Canadá, pero adoptó más tarde la nacionalidad estadounidense. Su familia era de origen judío-polaca, con un padre que se dedicaba al comercio de materiales y una madre melómana. Se graduó en la Universidad del Sur de California en 1954

(año en que se cambió el nombre por presiones de su exmujer) de sus estudios de Arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Víctor Gruen y asociados en Los Ángeles. Tuvo que ausentarse durante un año para hacer el servicio militar y, a su regreso, fue admitido a la Escuela de Diseño en la Universidad Harvard para estudiar Urbanismo. A su regreso a Los Ángeles se incorporó nuevamente al despacho de Gruen.

En 1961, ya casado y con dos hijas, Gehry se trasladó con su familia a París, donde trabajó en el estudio de André Rémonder. La educación francófona que había recibido en Canadá le fue de gran ayuda para desenvolverse en París. Permaneció un año, durante el cual estudió las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos, así como las iglesias románicas existentes en Francia.

Cuando regresó a Los Ángeles, Gehry abrió su propio despacho de Arquitectura. En los años siguientes fue desarrollando su estilo arquitectónico personal y ganando reconocimiento nacional e internacional. Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados.

En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la

calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural. Gehry es uno de los arquitectos contemporáneos que considera que la Arquitectura es un arte, en el sentido de que una vez terminado un edificio, éste debe ser una obra de arte, como si fuese una escultura. Para acercarse cada vez más a este ideal, Gehry ha ido trabajando en sus sucesivos proyectos en esta dirección, sin abandonar otros aspectos primordiales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno.

Coop Himmerlblau

Así de rotundos se manifestaban los dos arquitectos del estudio Coop Himmelb(l)au, Wolf D. Prix y Helmut Swiczinsky. Era el año ochenta. El punk había plantado sus semillas más allá de la música, y aunque ellos venían del rock (fans absolutos de Rolling Stones), también estaban enfadados con el mundo, especialmente con la arquitectura conservadora de la ciudad de Viena. Para dar forma a esa rabia decidieron escribir un manifiesto, La arquitectura debe arder, y desde luego la arquitectura ardió. De hecho, para leer el texto en la Universidad Técnica de Graz construyeron Las alas de las llamas: una estructura metálica repleta de gas líquido, de 15 metros de altura y tonelada y media de peso, colgada de una grúa y a la que prendieron fuego como imagen simbólica de su discurso iconoclasta. Pero el símbolo se les fue de las manos y se hizo carne, o mejor, se hizo llamarada, y la arquitectura ardió o casi. Según cuenta Robert Bevan, aunque las fachadas de la universidad estaban

protegidas por cortinas de agua, los cristales de los edificios aledaños saltaron por los aires como si la propia explosión formara parte del espectáculo. Las palabras de Wolf D. Prix, que a veces se comporta como un poeta iluminado, hicieron real lo que era simplemente una metáfora. El sonido del fuego fue amplificado por una instalación sonora con el Simpathy for the devil de los Rolling. Esto ocurría el 9 de diciembre de 1980. Como ellos recuerdan en sus entrevistas, casualmente ese mismo día asesinaban a John Lennon. Pero vayamos al origen.

Wolf D. Prix y Helmut Swiczinsky, austriaco y polaco respectivamente, fundaron a finales de los sesenta en Viena Coop Himmelblau (el paréntesis lo añadirían en el año 90). Desde un principio tuvieron claro que arquitectura y performance iban de la mano. En aquellos años donde el happening y living art formaban parte de la cultura más alternativa, Coop

Himmelb(l)au no andaban muy lejos de todo ello. Como Archigram en el Reino Unido, Prix y Swiczinsky estaban obsesionados con las naves espaciales, con el viaje a la luna, con 2001: odisea en el espacio. Para Prix, “en la época del estallido del rock y del pop… no era interesante saber cómo se construía hace doscientos años, sino cómo se estaban construyendo los cascos espaciales”. Sus proyectos, técnicamente irrealizables, se hallaban más cerca de la instalación que de la propia arquitectura.

La finalidad de este trabajo es conocer más de arquitectura para fomentar la creación de un estilo personal y si no bien crearlo, al menos tener las bases necesarias para el enfoque de las preferencias. Por lo que el trabajo ha cumplido las expectativas al ayudarme a descubrir que no necesito tomar un estilo ya existente y puedo crear el propio, al igual que muchos de los arquitectos que se muestran a lo largo de trabajo.