Antecedentes históricos de la Opera

Antecedentes históricos de la Opera La historia de la opera se corresponde esencialmente al movimiento Barroco Barroco,, tuvo sus antecedentes en diversas formas de representación que provenían del Medioevo y el Renacimiento Renacimiento..  Así, entre los antecedentes antecedentes de la ópera, pueden citarse los ‘dramas litúrgicos’ litúrgicos’ que

surgieron a mediados del siglo IV, en los oficios religiosos. Con el objeto de fortalecer la fe, se exhibían alegorías en donde los monjes representaban historias sagradas. Más tarde, estas manifestaciones dramáticas pasaron a representarse en los atrios de las Iglesias. Estas representaciones denominadas ‘Misterios’ abandonaron el latín para utilizar las lenguas vernáculas e incorporaban a la puesta coros y música instrumental. Y entre las vertientes profanas, deberíamos mencionar a los ‘Juegos’, que eran

representaciones con algún margen de improvisación que, incluyendo partes cantadas y otras habladas, abordaba temas sentimentales, satíricos, bufonescos e incluso cómicos. Una obra emblemática de este género fue le ‘Juego de Robin y Marion’ de Adam de la H alle en el siglo XIII. También fueron un antecede las ‘mascaradas’ espectáculo basado en el enredo en el cual intervenía la música y la danza; y los ‘entremeses’ que eran pantomimas que solían representarse en los

banquetes de lo señores, en los intervalos que mediaban entre plato y plato para disfrute de la concurrencia.

Comedias del arte  Así como los diálogos de antiguos diálogos de pastores en la antigüedad se trasformaron en las tragedias de Esquilo y Eurípides Eurípides,, los espectáculos medievales condujeron a los dramas de Shakespeare Shakespeare,, pero también la extensión de los romances y poemas épicos, a menudo retóricos, complicados, de estilo extremadamente preciosista e incluso artificialmente tediosos. En este contexto,

triunfarían las comedias de Plauto y

Terencio

en las que el retrato estereotipado

de personajes populares y tradicionales, serían el antecedente de la ‘Comedia del arte’ bufonada improvisada, cuyo objeto principal era la evasión y el

entretenimiento. En las ´Comedias del arte’ comenzó a prevalecer la necesidad de utilizar música

monódica porque esto permitía que se destacara una sola voz, de modo tal que los textos fueran entendibles para el público dentro del relato dramático.

El teatro griego La admiración por la cultura clásica, es sin duda un factor que no puede dejarse de mencionarse. La literatura y la poesía griegas, aunque lejos del alcance de las clases populares, marcó el interés de los intelectuales de la época, despertando en los círculos privilegiados de nobles y artistas florentinos el deseo de extender el Renacimiento a las representaciones teatrales.

El cenáculo florentino Fue en la casa de un noble, el conde Juan Bardi, en donde se estudiaron algunas tragedias griegas para traducirlas y realizar nuevas interpretaciones. La presencia del coro en el teatro griego, exigía necesariamente una reinterpretación porque no disponían de partituras musicales, entonces, se crearon piezas que pudieran acompañar los textos. Para ello se prefería la simplicidad monódica que favorecía la inteligibilidad. En realidad, hoy se sabe que el coro de las tragedias griegas era más hablado y dialogado que cantado y que el acompañamiento del instrumento (el aulos, de notoria debilidad sonora) no era importante dentro de la composición, pero ese factor era desconocido en tiempos renacentistas.

Drama en música De esta forma, tomando como punto de partida lo que suponían pudiera haber  sido la representación en la antigüedad clásica, montaron un espectáculo al que llamaron ‘drama en música’ del cual derivaría la ópera. Las primeras obras de éste género antecesor fueron ‘Dafné’ (1524) de Pieri y Caccini y ‘Eurídice’(1600) de

Peri y Rinuccini. En estos ‘dramas en música’ predominaba la palabra y el ritmo de los versos. La

música, se hallaba en segundo lugar y no consistía en melodías independientes sino en un acompañamiento discreto que enfatizaba las palabras. Hasta entonces, los espectáculos siempre habían estado inspirados en temas religiosos o profanos. Este nuevo género, retomaba temas clásicos y es esta la razón principal de su éxito. En las cortes renacentistas europeas, notablemente influidas por el humanismo En síntesis, las características centrales de este nuevo género fueron: 1. El empleo de la lengua vulgar (toscana) para el recitado o el canto en lugar  del latín, el idioma oficial al que solo accedía la élite. 2. Las palabras se comprendían con claridad. Al contrario de lo que sucedía con la polifonía en la que la superposición de voces hacía ininteligible el contenido textual. 3. El acompañamiento musical, se realizaba con instrumentos de cuerda de manera tal que la percepción del texto no se perturbaba. 4. Los temas mitológicos reemplazaron a los religiosos y profanos.

Claudio Moteverdi (1567-1643) Nacido en Cremona, en 1567 fue un músico de extraordinario talento. En 1590, estrenó su ‘Orfeo’ que es la primera obra que técnicamente puede ser considerada

representante del género. En 1608, estrenó ‘Arianna’ uno de cuyos pasajes, el ‘Lamento de Arianna’ es particularmente célebre.

En la obra de Monteverde, hay también momentos recitativos, pero el canto es lo que predomina. Sus composiciones tienen el mérito de adaptar los dramas mitológicos al alcance del gusto y la mentalidad de la época. La reform a de la ópera 

La opera cómica italiana, había logrado el mayor éxito en Francia. Hacia 1778, estaba representada por el italiano Nicolás Puccini (1728-1800). Puccini era un compositor muy creativo pero sus argumentos eran extremadamente simples, los personajes se reiteraban y las tramas eran prácticamente invariables. Estos espectáculos privilegiaban el lucimiento de los grandes “divos” para lo cual, presentaban múltiples “arias” ricas en ornamentos vocales. Incluso era costumbre

interrumpir la secuencia de la obra para que el artista repitiera un fragmento a requerimiento del público, generando obviamente una ruptura en la trama dramática de la opera.

Cristóbal W. Gluck (1714-1787) Célebre compositor de sólida formación literaria y musical, encarnará el ideal del Cenáculo Florentino y puede decirse incluso que es el continuador de Claudio Monteverdi. Sostenía que la música debía reducirse a su verdadera función y subordinarse a la poesía. Entre sus operas más importantes cabe mencionarse ‘Artajerjes’, ‘Orfeo y Eurídice’, ‘Alceste’, ‘Ifigenia en Aulida’ e ‘Ifigenia en Taurida’.

Teatros de Opera Después de Monteverdi, las operas buscaron ser cada vez más importantes en la expresión de sentimientos. Aparecían recitativos con apoyo instrumental, algunos dúos, coros, preludios e interludios instrumentales. Todos estos espectáculos se presentaban en forma única en el cual el costo de producción era altísimo. Por lo tanto, la Opera era por entonces un lujo que solo podían permitirse las cortes principescas. El primer teatro de Ópera basado en el concepto de entrada paga fue el teatro de Venecia en 1637, al que luego sucederían muchos otros. Pronto hubo teatros en Roma, Boloña, Nápoles, París, Viena y Hamburgo. En el año 1657, en Francia, la ópera fue convertida en "ópera-ballet" y Lully la presentó siguiendo el esquema drama-música-ballet, al gusto francés.

Opera cómica El género aparece hacia el 1700. Se produce una ruptura respecto a las temáticas clásicas e históricas para introducir la comedia festiva y trivial, con música sensual y melódica. Este cambio se comprende porque hasta entonces solo se había empleado un estilo en que los versos con podían ser entendidos por el público que en términos generales desconocía la dimensión simbólica de la mitología. La Opera cómica, originaria de Francia, se diferencia de la Opera tradicional porque contiene fragmentos de diálogo y los episodios que se cantan van intercalados. En  Alemania, el género se llama singspield, y son ejemplos "La flauta mágica" y "El rapto del Serallo" de Mozart. En esta nueva versión de la ópera, prevalece la figura del cantante. Esta época, denominada del bel canto (sublime cantar), dio lugar a creaciones de notable riqueza melódica, pero a menudo, esto fue en perjuicio de la consistencia de los argumentos.

Ópera bufa La ópera bufa se diferencia de la ópera por s carácter cómico y bufonesco en todo de parodia. Es diferente de la ópera cómica porque carece de fragmentos dialogados. Se construye a través de dos o tres personajes que utilizan un lenguaje dialectal y callejero, orquesta sencilla y ausencia de coros. Son ejemplos "La sirvienta patrona" de Pergolesi y "El matrimonio secreto" de Cimarosa.